ARTE Y PUBLICIDAD

TEMA 1. Arte y Publicidad. Una relación compleja.

Tabla hecha en clase:

+ En común -Diferencias
Capacidad llamar la atención Menor libertad de la publicidad
Creatividad La finalidad no es la misma
Capacidad de empatía Subjetividad
A lo largo puede formar parte de la cultura Apropiación
social

1.1 Trabajos simultáneos en arte y publicidad

Son campos que tienden a una relación, un ejemplo de artista que simultaneo su trabajo fue
Toulouse Lautrec y el caso de Andy Warhol, el cual comenzó en el mundo de la publicidad y se pasó
al mundo del arte (Se llevo elementos de la publicidad de la época para hacer sus obras), el fin de sus
obras tenía fines diferentes a la publicidad (Sopas Campbell, no quería promocionar el producto si
no expresar la sociedad de consumo en su obra)

1.2 Publicidad inspirada en el arte coetáneo

Los publicistas echan mano del arte para sus creaciones. Y en muchas obras toman referencia del
arte del momento o del pasado
Peter Max, love
La inspiración es una cosa constante en el mundo de la publicidad

1.3 La cita artística

El publicista no copiaba nada en concreto, pero si se inspiraba, en este caso el artista sí que toma las
obras artísticas y generalmente son muy conocidas.
La cita al arte es una constante, pero con unas reglas (obras reconocibles)

¿Puede considerarse la publicidad un Arte?

Argumentos a favor:
- La publicidad “transforma productos de consumo en arte “
- Estrecha relación entre arte y publicidad en las primeras décadas.
Argumentos en contra:
- Divergencia en los fines: El fin fundamental de la publicidad es vender, la búsqueda de la
estética no es un fin en la publicidad si no un medio. El fin del arte es expresar, a lo largo de
toda la historia del arte nos encontramos con muchos artistas que van en contra del ideal de
belleza y lo aceptable con el fin de hacernos pensar (figuras deformes y repulsivas) como su
fin no es vender puede criticar la sociedad y añadir elementos políticamente incorrectos o
“feos”, la publicidad busca vender por lo tanto no es recomendable utilizar este tipo de
obras.

Girasoles de Vang Gogh Campaña Primavera- verano para Louboutin

- Divergencia en la demanda: La publicidad no existe si no hay una demanda.

Mondrian-
composición en rojo
amarillo y azul 1921 Campaña de Sony 2003

- Autoría: Toulouse Lautrec es de los pocos publicitarios que firmaban sus obras,
normalmente no sabemos quién ha creado la pieza publicitaria.
- Divergencia en los medios:
Como hito la fotografía. Durante mucho tiempo quedó relegada del arte, sin embargo, en la
publicidad lo ha sido todo, no podríamos comprender la publicidad del S.XX sin la publicidad.
Un segundo Hito que ha separado los caminos del arte y la publicidad es la Bauhaus la cual
introdujo el diseño industrial y mecánico. Dan a pensar la publicidad como algo industrial
más que artesanal.
 Un tercer Hito es el desarrollo de los estudios de mercado en la publicidad, que condicionó
el contenido de la publicidad, gracias a esto los publicistas podían saber lo que demandaban
los clientes para producirlo. Los artistas no hacen un estudio de mercado antes de lanzar sus
obras.

TEMA 2. Modernismo

1. Introducción Histórica. Europa a finales del S.XIX

A finales del S.XVIII ocurrió la Revolución Francesa que produjo muchos cambios, pero en concreto
pasamos a la creación de los estados que hoy en día conocemos.
La revolución industrial se desarrolla en todos los países europeos en el S.XIX, este siglo es donde
nacen las ideas y la sociedad en la que vivimos actualmente.

Las guerras napoleónicas, Napoleón se convierte en emperador y decide invadir Europa esto dio
paso a las guerras napoleónicas las guerras eran ganadas hasta que entró en rusia en invierno y fue
derrotado en la batalla de Waterloo, fue apresado y enviado a una isla.
El siglo XIX fue un siglo de grandes conflictos en parte causados por Napoleón.

La revolución industrial ya había surgido anteriormente con la creación de la máquina de vapor pero
en el siglo XIX se produce una mejora en las máquinas y sobre todo en el ferrocarril ( esto fue muy
importante ya que se encargaba de transportar los productos , fue esencial para la producción y la
venta) esto hizo que cada vez hubiera más fábricas en las ciudades y la gente que vivía en el campo
se sentía atraída por estas nuevas tecnologías , la consecuencia es que millones de personas dejan el
mundo rural y se trasladan a las ciudades

La colonización de África, A falta de materias primas van a lugares explotables. Crean puntos
estratégicos y a partir de estos puntos los europeos comienzan a conquistar África, lo que hicieron
fue repartirse el territorio y las riquezas.

La unificación de Italia y Alemania.

La comuna de París. Bismark decide invadir Francia y lo consigue, el gobierno de París se marcha a
Versalles. París fue durante dos meses una comuna autogobernada (la real dictadura del
proletariado)
El desastre del 98. España en el S.XIX perdió todas sus colonias en América. En el año 98 conserva
Cuba y Filipinas, El Maine de EEUU se hunde por una bomba y la gente dice erróneamente que han
sido los españoles, Los estadounidenses entra en las colonias españolas en América y se las arrebata.

2. parís, novedades para un final de siglo

El metro se completa en París en el 1900 y genera un gran entusiasmo entre los parisinos. Era una
tecnología que todavía no se controlaba y en el 1903 hubo un incendio que dejó varios muertos,
este accidente traumatizó a la población, pero eso no impidió que se siguiera usando, en el 1914 el
metro ya transportaba a miles de personas.

 Figuras importantes en el mundo del cine

Hermanos Lumiere y Meliés.

 París el nacimiento de una tímida tolerancia.

Comienza a haber una mayor libertad en el acto sexual. La homosexualidad había sido reprimida
desde hace siglos, pero en parís de empieza a normalizar esta cuestión. Los cabarets se vanan
prestar en estas acciones lo que hace que haya denuncias por parte de la población.
Colette y Mathilde de Morny

 El nacimiento del consumismo moderno

El nacimiento de los grandes centros comerciales. París va detrás de
Londres que ya los había desarrollado antes. Se crearon centros
comerciales de lujo. el Lafayette destinado a gente rica y turistas con
dinero, hasta que se dan cuenta de que este negocio también podía
ser destinado a clases medias por lo cual se crean centros de lujo y
también centros comerciales más populares (galerías Dufayel ,1995) El
lema era vender barato para vender más, invirtieron grandes acciones de publicidad e introdujeron
innovaciones como la venta a plazos. Se convirtieron en una forma de ocio, dentro de los centros
podíamos encontrar tanto cafés como cines y teatros (no muy diferentes a la actualidad).
En el siglo XIX el gobierno se propone reducir el analfabetismo y solo el 20% es analfabeto, una
forma de ocio empieza ser el leer y empiezan a surgir los folletos semanales y se empieza a
desarrollar la venta de libro a plazo y la prensa amarillista.

2.1 Arte para el fin de siglo

París se convierte en el gran epicentro del arte a finales del siglo XIX
 Postimpresionismo, movimiento que surge a principios del SXIX, acuñado por Roger Fry que
denominó postimpresionismo a los artistas que exponían en la exposición del 1910.
Escenas de la vida cotidiana del mundo urbano en el que aparecen habitualmente personas,
figuras geométricas, Reflejar paisaje subjetivo que muestre el estado anímico, el color era lo
más importante, ausencia de sombras, simplificación.

 Art Nouveau, busca un mundo de innovación, onírico de sueños, promocionado por

burgueses con mucho dinero por el colonialismo. Sus fuentes de inspiración son los
prerrafaelitas y los simbolistas ingleses, inspiran en el estilo gótico, el resultado es un arte en
el que predomina la curva y los motivos vegetales y la simetría.

 Una inspiración común: el japonismo. Xilografía (postales)para coleccionar, de paisajes,

ciudades, teatro, mujeres en ámbitos privados. Surge
cuando en japón se cambia drásticamente la dinastía y la cultura japonesa se da a conocer y
llegan a Europa (Van Gogh). Blanco y negro, escena sin muchos elementos,
imágenes sencillas, aprecio por vacío, abstracción, cambio de formato (forma de abanico,
 biombo, alargado) cambio en tridimensionalidad, (no hay punto de fuga sino una diagonal,
muchos puntos de vista) inclusión de texto decorativo, parte de la composición queda fuera
de la obra, combinación entre precisión e imprecisión (simples trozos).

3.Nacimiento de la publicidad moderna

3.1 Antecedentes
La publicidad moderna nace, principalmente, porque se producen dos cambios:

 Mejoras en la técnica de impresión: se perfecciona la litografía. Esto permite la impresión en

varios colores con mayor facilidad que con las técnicas anteriores. Evolucionan los moldes (de la
piedra caliza al zinc), que permitió que los propios artistas grabaran su obra directamente sobre
la piedra, sin un intermediario que grabara lo que el pintor le decía. Los formatos son mucho
más grandes y se podía añadir texto.
 Crecimiento de la demanda y desarrollo de técnicas de promoción: surge la idea de crear los
carteles publicitarios para promocionar productos en la calle o en los centros comerciales (donde
iba la gente). También surge la columna de anuncios. Se establecen espacios concretos para la
publicidad y también formatos. No solo pretenden vender sino transmitir una idea. Crecimiento
de la demanda y desarrollo de técnicas de promoción, se crean carteles publicitarios en la calle o
centros comerciales, hombres sándwich

3.2 Jules Chéret.

o Cherét.
Padre de la publicidad moderna, hizo dos grandes aportaciones:
 Desarrolló la litografía en Francia, con planchas mucho más grandes a color.
 Fue capaz de crear una identidad propia para la publicidad.
Rococó: Escenas familiares, amorosas, desenfadados, dinamismo, mucho movimiento, diagonales
(los cuerpos son manchas)

a. Seurat
Puntillismos hechos para verlos a distancia, hechos con colores primarios. Diagonales exageración de
movimiento, degradados.
b. Pierre Bonnard
Llega al arte desde la publicidad.

4. Toulouse-Lautrec
a. Su tiempo
Nació en 1894, murió muy joven a comienzos del S.XX, proviene de una familia aristócrata, con
poder adquisitivo lo que le facilito el camino y desde muy pequeño muestra interés por el arte. Su
enfermedad marcó su vida, problemas de crecimiento y en los huesos. Se trasladó a París y siguió
estudiando arte, pero descubrió que el arte académico no le gustaba por su rigidez ya que estaba
muy pautado, decide dejar la escuela tradicional y empieza a explorar nuevos caminos en la pintura,
 movimientos como el impresionismo y técnicas como la litografía y conoció artistas como Degas y
Van Gogh. Empieza a descubrir el ocio nocturno y va a ser cliente habitual del Moulin Rouge,
prostíbulos … Vivió solo 36 años por su enfermedad, sus problemas con el alcoholismo causados por
esa vida nocturna.

b. Su arte
Uno de los principales representantes del postimpresionismo.

o La influencia de la fotografía, toma características cómo la espontaneidad (escenas donde nadie

está atendiendo al pintor, un trozo de realidad), la naturalidad, el encuadre típico de la
fotografía (algunos elementos salen cortados, punto de vista en contrapicado), interés por el ser
humano (rasgos y gestos).

o La influencia de estampa japonesa, la eliminación de la tridimensionalidad, punto de vista muy

diferente a la pintura clásica (contrapicado), elemento fundamental que toma es la composición
en diagonal (que sirven para dar profundidad de las escenas y delimitar los espacios), uso de las
manchas de color ( especialmente en cuerpos ), uso de rostros como máscaras y la deformación
de los elementos en cuanto al tamaño para señalar la profundidad)
( En el Moulin Rouge,1895)

c. La publicidad
o Con el cartel de la inauguración del Moulin Rouge, Lautrec se integra de lleno en el mundo
de la publicidad.
o Carteles de Aristide Bruant,1892
o Divan japonais,1893
o Jardín de Paris-Jane Avril, 1893
o Anuncio de Confetti,1894 (J&E Bella)
o L’Artisan Moderne, 1894
o May Milton,1895
o The Ault & Wilborg Co,1896
o La chaine Simpson,1896

5. El cartel Art Nouveau

Características:

 Horror Vacui: tendencia a llenar todos los espacios con

detalles de todo tipo.
 Prerrafaelitas y simbolistas como inspiración inmediata:
representación de las mujeres de manera inquietantes, con el
pelo muy largo y abundante de colores naranjas y rojos,
simbolismo demoniaco.
 Influencia de los códices medievales como modelo de naturaleza especializada: imágenes que hacían
referencia a la naturaleza de manera idealizada, poco realista, simbólica.
 Tendencia a la geometrización y abstracción de las formas naturales: abstracción de las sombras.
 Tuvo mucho éxito entre la burguesía de toda Europa. En lo que tiene que ver con la publicidad tuvo
focos muy importantes: Glasgow, Barcelona, Viena, Bélgica, EEUU... estos carteles se van a
desarrollar por todo Europa. Además de las exposiciones, otro foco por el que se dio a conocer son
las publicaciones especializadas.

Fue una corriente artística muy exitosa en el cartel. Uno de los carteles más importantes fue el cartel
que realizó Van de Velde para Tropon, 1899. Va a generar un hito en la historia del cartel. El artista más
conocido del Art Nouveau es Alfons Mucha.

5.1 Mucha
Llegó a París y enseguida tuvo mucho éxito. Empezó dando clases de pintura ("cursos Mucha") e hizo
carteles para publicitar sus clases. Uno de sus grandes éxitos es que no le hizo ascos a nada, estaba
dispuesto a publicitar todo. A través de sus carteles se puede conocer mucho de la sociedad del
momento. Desde 1896 firma un trato exclusivo con la empresa de imprenta "Champenois" en el que le
ponen un sueldo mensual, así se profesionaliza la figura del publicista. Llega un momento que tiene
tantos encargos que se monta él su equipo.

Utiliza colores apagados, sin brillo y suaves (que tienden a ser pastel); el trazo es muy homogéneo en
todo el dibujo, constante; líneas ondulantes y sinuosas; pocos ángulos; motivos florales, también en
tocados en la cabeza; mosaicos bizantinos; va a introducir elementos arquitectónicos exóticos,
orientales, árabes como los arcos de herradura; ropaje que él se imaginaba, muchas veces con influencia
japonesa; formas sinuosas y circulares; personaje haciendo un zigzag, formas curvilíneas.

La mujer es la gran protagonista de sus carteles. Es una mujer inquietante con el pelo suelto, de colores
naranjas y rojizos, mujer libre y salvaje a veces semidesnuda. Utiliza un formato vertical. Se inspira en el
arte exótico, occidental y árabe.

A lo que más influyó Mucha fue al cartel hippie.

6. Cartelismo modernista español

Antes del siglo XIX en España apenas había carteles, solo de corridas de toros. Entran los aires
renovadores en cuanto al diseño. Nos encontramos los primeros ejemplos del modernismo en la
arquitectura, principalmente en Barcelona. Junto la arquitectura empieza un interés por los carteles
franceses, que se dan a conocer a través de un par de exposiciones, esto impacta a los artistas
españoles y no tardan en darse a conocer, especialmente un grupo de intelectuales que se reunían
en un café. Barcelona va a ser el epicentro del cartelismo en España.
Dentro del cartelismo español hay dos tendencias: los que siguen la línea de Chéret y Toulouse-
Lautrec, y los que siguen el cartel de Mucha.

Otro impulso para el cartelismo en España son los concursos de carteles para bebidas, cigarros, ocio,
etc. El concurso de Anís del mono marcó una época por la cuantía del premio y por la cantidad y
calidad de los carteles presentados. El primer premio fue de Ramón Casas y el segundo de
Alexandre.
 En Madrid, es mucho más discreta su presencia (que en Barcelona). El círculo de bellas artes hizo un
concurso para el baile de máscaras, esto fue lo que impulsó el cartel en Madrid, junto con la portada
de la revista Blanco y Negro de Xaudaró.

En España a diferencia de Francia, las figuras del cartel son bastante más sobrias, están más
estructuradas, la mujer es la gran protagonista, aunque muchas veces va acompañada de un
hombre, son más recatadas y académicas.

TEMA 3. LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS

1. ¿Qué son las vanguardias artísticas?

 Conjunto de estilos artísticos aparecidos en la primera mitad del siglo XX •

 Se caracterizan por una fuerte ruptura con el arte canónico occidental
 Antecedentes en el siglo XIX
 Pintura como ente autónomo
 Referentes anteriores al Renacimiento o de otras culturas
 1906 como punto de partida
 Dos grandes líneas de ruptura: el color y la forma

2. Ruptura a través del color. El fauvismo

El fauvismo es una vanguardia histórica que surge en 1905. Su característica principal es el color, lo
que estructura toda la escena es el color y no el dibujo; y la aleatoriedad (los colores tienen una
función emotiva, no les interesa representar la realidad).
Otra vanguardia que rompe a través del color es el expresionismo alemán.

3. Ruptura a través de la forma: El Cubismo

Movimiento paralelo al fauvismo. A estos tampoco les interesa ser realistas. Descomponen la
realidad en figuras geométricas, quieren plasmar en un solo objeto todos los puntos de vista de ese
objeto. No les interesa la tercera dimensión (a los fauvistas tampoco, es algo que tienen en común a
parte de alejarse de lo real) no hay un punto de fuga.
Otras vanguardias que rompen a través de la forma: futurismo, constructivismo ruso,
neoplasticismo.

4. Expresionismo alemán.
Movimiento que surge en Alemania a comienzos del siglo XX. Tiene un largo recorrido en la pintura y en
el arte occidental. Surgen expresionismos en Europa y distintas partes del mundo. Es un arte muy
individualista, cada artista le da un toque.

Características: guarda un parentesco con el fauvismo en que ven al cuadro como algo autónomo, sin
ninguna intención de reflejar la realidad tal y como es, sino como el artista lo siente; colores densos,
fuertes, agresivos, violentos y aleatorios; paleta restringida con pocos colores, muchas veces sin ser
aleatorios, hacen referencia a cosas como la bandera de Alemania; colores planos sin matices y
sombras.; el arte es una traducción de sus sentimientos personales, lo que la realidad provoca; ruptura
muy marcada de la tridimensionalidad, no se distingue el fondo de lo representado. Es un arte que parte
de una realidad y la deforma de manera grotesca o abstracta. Utilizan la técnica de la xilografía, que da
un resultado más basto y primitivo, no tan refinado. Esto conecta al expresionismo con el arte primitivo
y salvaje.

Temas: reflejan los aspectos más negativos de la existencia humana (soledad, etc.) y lo fantástico.
También lo espiritual del ser humano ("La crucifixión"- El Greco). Contextos decadentes y angustiosos.

Algunos antecedentes del expresionismo son autores como Bacon (total deformidad, irreal, lo que siente
él hacia su figura y no la realidad) y Munch (colores violentos, líneas potentes), los simbolistas del Art
Nouveau (colores pastel, formas curvas y sinuosas).

El expresionismo alemán se divide en dos grupos:

- El Puente: el grupo El puente surge en 1905 en Dresde, Alemania. A parte de un movimiento

artístico es una asociación. Se hacen llamar así porque consideran que su función es aglutinar
todas las ideas en torno a la sociedad (filosófica artísticas) y con ello construir una nueva
sociedad (ya que a nivel social se habían perdido muchos valores tras la revolución industrial).
Sus principales características son el uso de colores estridentes y planos; mucho rojo y negro, s
muy amplia, colores repetitivos. Los temas: ambientes angustiosos, marginales, bares
decadentes, prostíbulos, acabados ásperos, brutos, no belleza.

- El Jinete Azul: nació y se desarrolló sobre todo en Múnich. Pretenden alejarse de una realidad
que les espanta. El nombre se debe a cuestiones personales, se lo pusieron Kandinsky y Franz
Marc. Duraron un poco más que El Puente, que se desintegró totalmente con el estallido de la
primera guerra mundial. Su planteamiento es muy diferente: frente a la propuesta de El puente,
que vuelven al arte primitivo y a lo salvaje, estos escapan hacia purificar las formas, apartarse de
la realidad. Para Kandinsky lo más importante es el color, colores fríos, cálidos, su objetivo final
es que los colores se convirtieran en algo autónomo fuera de la realidad y en el lenguaje
universal. Mundo de las ideas.

Donde más influencia tuvo el expresionismo fue en el cine y en la música.

4.2 El Cubismo
Movimiento artístico que tiene doble paternidad: Picasso y Braque. Los historiadores señalan que
nació alrededor de 1906-1907. El nombre de cubismo se lo dio la misma persona que le dio el
nombre al fauvismo: un crítico de arte parisino. Las pinturas de Cézanne fueron la influencia para
Picasso y Braque. Este pintor fue el gran inspirador de los cubistas. Una de las cosas que más
impactaron e influenciaron a todos los artistas fue el museo del Trocadero, que recogía el arte
primitivo que se hacía en otras partes del mundo. Otra fuente de influencia fue el arte antiguo. Una
cuarta fuente muy importante para los cubistas fue la fotografía, una de las grandes características
de este movimiento es que desde un solo punto de vista reflejan distintos puntos de vista.

Fases del cubismo:

 Cubismo analítico: 1907-1909. Se caracteriza por analizar y descomponer las formas de la
realidad; no tienen ningún interés en representar la realidad; los colores les interesan poco, la
paleta es escasa; luz descompuesta, en manchas, no uniforme; no volumen, figuras planas que
casi parecen recortes, si muestra volumen es poco y a partir del estriado (líneas que están como
 de sombra); los contornos quedan muy difuminados y casi no hay diferencia entre fondo y
forma, están casi integradas; descomposición de las formas; uso de varios puntos de vista dentro
de una figura, los ojos no encajan, uno está visto de frente y otro de lado...
 Cubismo sintético: 1912-1914. Pasan de descomponer las imágenes a sintetizarlas; Imágenes en
bloques no en trozos; presencia de letras; añadir materiales reales como papel; descomposición
de las formas; uso de pocos colores. La pintura de Braque, Frutero y vaso, es considerado el
primer cuadro del cubismo sintético.

El cubismo y la publicidad:
Guardan una relación bastante compleja. Se puede hablar de tres tipos de relaciones entre la
publicidad y el cubismo:

1. La introducción de marcas comerciales dentro de los propios cuadros cubistas.

2. Publicistas que van a tomar el cubismo como estética dominante.
3. La cita al cubismo constante a lo largo de la historia de la publicidad.
Los cubistas introducían elementos de la vida cotidiana y con ello, introducían marcas que usaban en
su día a día. Ponían marcas o el nombre en concreto. Imitan incluso las cajas con las que se vendían
esos productos de las marcas, y anuncios de publicidad.

La gran influencia de la estética cubista en la publicidad es Cassandre

4.3 El Futurismo

Etapas del futurismo

 Futurismo heroico 1909-1920, para los futuristas el papel del arte y artistas a la hora de
renovar la sociedad es fundamental, se ven como héroes. Marinetti tiene una vocación
internacional, no quiere que su arte se nacional si no quiere expandir un mensaje a otros
países y culturas (manifiesto, que se tradujo en numerosas lenguas)
 Futurismo decorativo -1924, los artistas están muy relacionados con el fascismo de
Mussolini. Esta fase viene determinada por la guerra mundial ya que se inicia justo después,
muchos artistas se alistan, pero mueren. A partir del final de la Guerra, en el 1922 Mussolini
sube al poder, Marinetti ya tenía relación con él ya que estuvieron encarcelados juntos. Se va
a fijar en las artes aplicada (tipografía, diseño, artesanía) no se trataba de iniciar una
revolución heroica si no a la vida cotidiana.

Características generales

 Ruptura con la tradición pictórica europea, romper con los cánones establecidos por el arte
occidental. Más radical que el resto de Vanguardias.
 La celebración de la máquina,
 Representación del tiempo, quieren ser el arte del futuro. Plasman una serie de secuencias en
una imagen.
 Glorificación
 La exaltación de la velocidad. Antes del S.XIX el mundo era lento, después de la revolución
industrial todo cambia y quieren exaltar el dinamismo y la velocidad. Plasman la velocidad
mediante líneas de fuerza (Russolo, La rebelión, 1911)
 Realidad expandida (Boccioni, Dinamismo de un jugador de futbol,1913), todos los movimientos
en una misma acción
  Ritmo y dinamismo de las figuras y el entorno (Russolo, Dinamismo plástico de los movimientos
simultáneos de una mujer,1913)
 Colores brillantes y pincelada energética (Balla, Viva Italia,1915)
 Ángulos cortantes (Ivo Pannaggi, Tren en movimiento, 1922)
 Descomposición Geométrica (Gino Severini, Bailarina Azul,1912)

Principales Autores
 Giacomo Balla (Lámpara de arco ,1909) una de las primeras obras. Poner a una lámpara como
protagonista fue una revolución muy grande, antes los protagonistas eran personas. Hace referencia a la
luz, descomposición. Otra obra sería "Dinamismo de un perro con correa", en el que el protagonista es
un perro, lo que es atípico. Idea de una secuencia de movimiento plasmada en un solo cuadro.
"Velocidad de un automóvil" donde se ve una mayor descomposición de las formas, es uno de sus
cuadros muy cubistas, representa más la velocidad que el automóvil en sí. Líneas de fuerza, ángulos
cortantes.
 Boccioni: Además de hacer pintura, hizo escultura: formas únicas de continuidad en el espacio, su obra
mas conocida. "Dinamismo de un ciclista" influencia del cubismo, uso de colores primarios aleatorios,
descomposición de la forma, fondo y forma casi no se distinguen. Encargado de hacer el manifiesto de la
escultura futurista
 Carlo Carrá: Funeral por el anarquista Galli" dinamismo, como las figuras se acaban convirtiendo en la
acción, sensación de caos, lineas de acción. "Manifestación intervencionista" división geométrica de las
formas, presencia de letras, banderas italianas.
 Gino Severini: "Norte-Sur" son estaciones de metro y tren, glorifican el mundo de los transportes
públicos, canto a la vida urbana.
 Luigi Russolo: "Dinamismo de un automóvil" además de la pintura le gustaba la música, es el encargado
de realizar el manifiesto de la música futurista.
 Antonio Sant'Elia: se centra en la escultura, no en la pintura. Rascacielos, edificios monumentales.
 Fortunato Depero: los futuristas tienen mucho interés en la publicidad. Sin duda Depero es el principal.
Crea el manifiesto de la publicidad futurista. Es uno de los pocos ejemplos de artista publicista, que hace
las dos cosas simultáneamente. Para él la línea entre ambos es inexistente, hacer cuadros y hacer
publicidad es lo mismo. La publicidad es uno de los grandes artes de nuestro tiempo. Escribe un libro
"Depero futurista", donde habla de sus primeros años como publicista. Este libro es muy importante en
la historia de la publicidad porque para financiarlo vende algunas páginas a marcas comerciales. En 1931
publica el manifiesto futurista. Hace mucha publicidad para la marca de lápices
 Matite: colores muy atractivos, sin sombras, no hay transiciones entre unos colores y otros, colores
planos y brillantes, juega mucho con los contrastes, el fondo negro, distribución geométrica con cambios
de tono, tipografía convertida en objetos. Solidifica las tipografías, letras con la misma forma y entidad
del cartel, tipografía como otro objeto de la composición, uso de diagonales que dotan de dinamismo a
las figuras, las figuras son muy particulares, no son realistas, son criaturas fantásticas. En el caso de los
carteles lo que hace es personificar las cualidades de los productos, son símbolos de las características
del producto. Remiten a las figuras cubistas, fantásticas. Añade acción en los carteles publicitarios, las
figuras siempre están haciendo algo. Su obra publicitaria es muy larga, fue publicista de grandes marcas
italianas como Campari para la cual no solo creó carteles de publicidad, también creó la botella del licor
e hizo la imagen corporativa, extendía la idea de la imagen de la marca. La relación con esta marca
comienza en 1926 más o menos.
 Bitter Campari: la primera campaña que hace, él mismo la llama cuadro publicitario. Derrumba las
barreras entre el arte y la publicidad. Desarrolla lo que se llaman estructuras publicitarias: los edificios
también pueden ser en şi mismos publicidad.
 TEMA 4. ARTE DADÁ
Origen en Zúrich. Es una de las vanguardias más globales, destacando el foco de Berlín y París y Nueva York.
Surge en 1916 en El café Voltaire, inaugurado por bold que quiere que sea un lugar de encuentro para los
artistas, sus propósitos romper la idea tradicional del arte y abrirlo a nuevas formas de expresión.
Movimiento marcado por la 1ª Guerra Mundial. El nombre de Dadá fue totalmente casual, abrieron un
diccionario y les apareció esa palabra.

1. Características del movimiento Dadá

 Arte subversivo: que rompe las normas, incluso pretende escandalizar, pone al espectador en una
situación complicada.
 Combinaciones insólitas, quiere romper los esquemas de la lógica y combina elementos u objetos sin
sentido. (Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta 1913)
 El azar como protagonista: no van a coger elementos y añadirlos con una determinada intención sino
tal cual aparecen, colocan según el azar. (Los fotomontajes en general no cuentan con ello).
 Creatividad en las obras y en la puesta en escena (la manera de darlas a conocer): hay que
revolucionar el proceso creativo, la obra en sí y cómo se expone al mundo.
 El uso de los medios de comunicación de masas para la composición de sus obras de arte: el
fotomontaje (se relaciona con el cubismo donde se añadían trozos de periódicos), el dada va más
allá del cubismo, los medios de comunicación (periódicos, revistas, diarios) van a ser la materia base
para montar sus obras.

Si por algo se caracteriza dada en Alemania es por el fotomontaje, es el lugar donde más se va a desarrollar
con claros tintes políticos, su temática es de crítica social y política, Hitler va a aparecer constantemente. El
artista más destacado es John Heartfield: fue uno de los líderes del dada en Alemania, alcanzo la fama
internacional con una exposición que hizo en 1929. Se hace conocido a nivel mundial por la agresividad y la
crítica tan feroz que va a hacer del fascismo, tanto en el ámbito político y social. Mas adelante influye en
futuros publicista y el diseño gráfico. También toco temas políticos fuera de Alemania como la invasión de
etiopia o el apoyo de Mussolini e Hitler a franco.

Schwitters: Coge objetos de desecho y crea los Mertz (collages que recogían muchas veces objetos de la
basura). No solo hizo estos collages, sino que los llevo a la tercera dimensión creando columnas y esculturas.

Dada en Francia: Gracias a la aportación de los franceses se va a dar a conocer a nivel mundial. El principal
personaje es Duchamp. Bidimae: Objeto artístico formado x uno o más objetos de consumo que se
convierten en una obra de arte. Los objetos no se eligen por ser bellos. Objetos de la vida cotidiana
mezclados de manera exótica.

El gran vidrio: Dos paneles de cristal, utiliza materiales como plomo, aceite, barniz... refleja la dificultad que
hombres y mujeres tenían para relacionarse. Arriba refleja a la novia con una especie de nube al lado que da
la sensación de que esta encerrada, en la parte baja, vemos una serie de máquinas (hombres) que al I
moverse de una manera repetitiva hacen referencia a la masturbación. Las dos partes están separadas, ante
la imposibilidad de unirse.

Man Ray: el violín de ingres.

Dadá y publicidad:
Kurt Schwitters Trabaja en la revista Merz. Crea su propia agencia de publicidad en los años 20 "Central Merz
de publicidad".
  Suprematismo: Surge en torno a 1913 entorno a una figura Malevich, que es el padre. Quería buscar
un lenguaje que pudiera ser entendido por todo el mundo

TEMA 5. El constructivismo ruso

Arte ruso a comienzo de siglo.

 El cubo futurismo
 El rayonismo
 Suprematismo

Se lo puso Malevich de manera despectiva. El manifiesto realista es de 1920 pero estos autores ya llevaban
años realizando obras. Arte que rompa y se ponga al servicio de la sociedad. No es un arte individualista,
importa la sociedad a la que va dirigido. Pretende influir en el pueblo, pero no va a ser fácilmente entendido
por una población que no tiene cultura visual, y esto va a ser un fallo de la vanguardia, esto es una de las
causas que explican que muchos de sus proyectos nunca se llevaron a cabo, porque no son comprendidos y
no son populares.

Es un arte practico, van a seguir la línea de crecer aprendiendo. Otro concepto de la escuela de viuetemas es
la unión entre lo estético y lo útil. Es una escuela que combina el trabajo artístico con el funcional.

Características:
 Abstracción, figuras geométricas, pero hay un diseño detrás, no es algo espontáneo, no hay
subjetividad.
 Valoración del proceso: no importa tanto el resultado sino el proceso que nos va a llevar esa
creación.
 Minimalismo: es lo contrario al art Nouveau, reducen las formas a su mínima expresión, pero con
ello reflejan la ideología.
 Materiales simples y modernos: sencillos, ya que son artistas de clase baja
 Búsqueda de la tridimensionalidad
 Fin social: nunca olvida su fin social, es un arte que pretende ser didáctico y entendido, sin embargo,
a veces utilizan un lenguaje que el pueblo no va a entender.
 Diseño como elemento clave: nueva sociedad diferente al capitalismo, algo nuevo y estético, pero a
su manera. Los colores básicos y fundamentales de la vanguardia rusa son rojos a veces anaranjados,
el negro, el blanco. De manera secundaria pueden aparecer el azul y el amarillo. Eliminación de
ornamentos que nos distorsionan la figura. En el diseño de muebles se puede ver mucho esa estética
y utilidad, eran muebles baratos para la clase media. Estética, pero sin perder ese punto de
funcionalidad.
 El Fotomontaje: van a intentar unir la estética de la vanguardia rusa a ser comprensibles, entonces a
la hora de hacerlos van a estar equilibrados, entre la parte realistas que todo el mundo puede
comprender y la estética que intentar imponer con elementos publicidad geométricos.

1.2 La publicidad y el cartel ruso

 Tendencia a geométricas puras mezclado con imágenes realistas, personajes conocidos

 Composiciones dinámicas, muchas diagonales, círculos...jugando con el contraste (a parte del que le
dan los colores), diferentes escalas (cosas muy grandes y muy pequeñas)
  Estructura clara, es propaganda y los mensajes tienen que ser claros mensajes que todo el mundo
entiende, figuras conocidas... está todo muy claro para que sea legible y no abstracto.
 Tipografías: efecto agitador, no están rectas sino torcidas y en vertical. Tiene a expandirse por todo
el cartel, toda la imagen está cubierta por la tipología. El tipo de letra es sin florituras, muy legible y
clara, tipografía elemental (así lo llamaban los rusos)
2. Tres momentos clave del cartel
El que se considera el iniciador es Gustav kitsis que fue el que realizo el primer fotomontaje de la vanguardia
rusa.

Movimientos en diagonal, uso de colores básicos, planos, sin significado, tipografía también vertical y a veces
cambiando de color.

Bodchenko: figura clave en la escuela de viuteman. Lenin le pide que reorganice las escuelas de arte y los
museos. Desde muy pronto se da cuenta del poder de la fotografía para transmitir ideas que dichas con
palabras pueden resultar abstractas para algunas personas. Las imágenes tienen un poder propagandístico
enorme, por ello utiliza fotografías para sus fotomontajes. Uso de imagen realista, fotos de personas
conocidas para llegar al público, equilibrio perfecto de esa imagen real con el diseño abstracto. Letras que no
están desenganchadas de la imagen, sino unidas. También le llegan encargos de empresas privadas, que se
puede ver en el diseño, no es tan común ya que se adapta a lo que pide el cliente, este crea la primera
agencia de publicidad en Rusia.

El cine va a tener mucha importancia ya que es un arte al servicio del régimen, de la propaganda, el cine es
esencial para convencer a las masas. Va a haber colaboraciones entre cineastas y artistas para realizar los
carteles de las películas.

3. El fin de la vanguardia rusa

A Stalin no le gusta, cree que es muy moderna, empieza a dejares de lado, se cierran todas las escuelas, e
impone otro arte, que trata de volver al realismo con estilo realista y la figura de Stalin o campesinos como
protagonistas. Hay acciones capitaneadas por Stalin para finalizar con la vanguardia. Sin embargo, lo que no
pudo hacer es acabar con su influencia fuera de Rusia, que es innegable desde su desarrollo y se deja notar
en otras vanguardias del momento como el neoplasticismo que coge la influencia de la geometría, los
colores... y la Bauhaus Va a haber influencias en el arte posterior: Barbara Kruger que hace arte feminista
sobre ella influye el dadaísmo y el cartel ruso, A Fairy también le influencia en el Street art, se basa en
fotografías, uso de colores, tipografía de palo seco... también hay influencian en la publicidad en los carteles
de Saul Bas de películas. También en campañas publicitarias concretas

TEMA 6. El neoplasticismo

Surge en 1917 en Países Bajos. Este movimiento a veces recibe el nombre de De Stijl, por el nombre de una
revista. El inicio del movimiento no es un manifiesto como en otros casos sino por la aparición de la revista
De Stijl, creada por Theo Van Doesburg y Mondrian, se va a convertir en un icono de la defensa del arte
abstracto hasta 1931.

Influencias: el cubismo es sin lugar a dudas es el movimiento anterior que más va a influenciar en la
descomposición de la realidad en formas abstractas y geométricas, de hecho, el propio Mondrian empieza
siendo cubista. Ellos decían que el cubismo se había quedado corto en el proceso de abstracción y van un
paso más allá. El expresionismo alemán (el jinete azul y Kandinsky) también tiene que ver con la abstracción,
pero al igual que el cubismo, creen que no ha ido lo más allá que se puede, ya que hay referencias a objetos
de la naturaleza.

Punto de partida: tiene un propósito filosófico o ético. Aunque países bajos no entro en la guerra, eran muy
conscientes de lo que pasaba y promueven un cambio de vida, de filosofía, lo que conlleva un cambio en
hacer arte. Frente al arte occidental que tiene como objetivo representar la realidad, ellos se oponen con un
arte radicalmente abstracto, representar algo que no represente nada en concreto. Su propósito es crear un
arte universal aplicable a todas las culturas.

Características:

Arte abstracto y minimalista: no hay nada que nos recuerde a la realidad, más allá de nuestra imaginación.
Su intención no es representar algo. Va a utilizar los mínimos medios posibles: paleta de color ultra limitada
de colores primarios y blanco y negro; las líneas rectas y ángulos rectos; forma. Estos van a ser los tres
elementos que se van a encontrar.

• Búsqueda de equilibrio: equilibrio entre las formas y los colores. Equilibrio más estático, de todas las partes
delimitadas o equilibrio más dinámico, ya que no hay dos líneas iguales, no hay dos cuadros iguales... no es
simétrico (lo parto por la mitad y no es igual).

• Aplicable a la vida cotidiana: aplican el arte al diseño de interiores, de muebles, de decoraciones, incluso
de edificios enteros.

Mondrian:
Es el artista más conocido del movimiento. Acuña el término al neoplasticismo. Busca formas universales,
cualquier referencia a la realidad no le interesa: nada de texturas, de perspectiva, nada que apele a los
sentidos. Al trasladarse a Paris en 1913, en pleno auge del cubismo, conoce este movimiento, sus primeras
obras tienen un poco que ver con el cubismo, pero más abstracto y con paleta más reducida. Sus colores
típicos son amarillo, blanco, azul, negro y rojo.

Mondrian decidió romper con el movimiento ya que a un autor se le ocurrió añadir una línea diagonal y le
pareció mal.

El diseño de De Stijl
A nivel de decoración encontramos claras referencias del movimiento.

Rietveld: considerado el gran diseñador del movimiento, sobre todo hizo muebles, pero llegó a diseñar una
casa entera. Tiene claras las características que tienen que tener los muebles del movimiento. A estos les
añade la marca de la casa, los colores típicos del movimiento, que son los tres colores primarios, esto se ve
en la carretilla, que fue el primer mueble en el que incluyó los colores.

Uno de los muebles más icónicos sería la silla roja, que tiene influencia de los cuadros de Mondrian, al verla
de frente parece uno de sus cuadros.

Por lo que más conocido es este autor es por la Casa Schroeder. Comparte características con los cuadros:
colores planos y abstractos, los equilibrios, los planos muy marcados pero dinámicos.
La publicidad en De Stijl:
Un monograma es un dibujo hecho con las letras del nombre de la empresa, que se acaba convirtiendo en el
logo de la empresa. Su tipografía tiende a la abstracción a veces complicada. Eran bastante cerrados y
querían aplicarlo a todo, esto fue un problema para la publicidad, ya que no se sabía lo que querían vender,
no se entendía lo que se publicitaba.

La publicidad posterior:

 Kraft Els Ag: es de una empresa de construcciones, al solicitar otro servicio un cuadro de Mondrian
acabaría así, todo por el suelo, al contrario que con su servicio.
 Sony: un cuadro de Mondrian hace referencia a los pixeles.
 Stella Artois: orden, perfección.
 Tesa: Mondrian hacía sus cuadros ayudándose de cintas adhesivas. Publicita una marca de cintas
adhesivas.

TEMA 8. Art Decó

1. Origen del art déco

Fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta
la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura,
diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura,
grabado, escultura y cinematografía.
En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes
(Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en Paris, y se llamaron a sí
mismos los modernos: en realidad, el término art déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les
Années 25», llevada a cabo en Paris en el Musée des Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas)
del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966;1 el término es por lo tanto una apócope de la palabra
francesa décoratif. En inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco». En español, la RAE lo ha
normalizado como art déco, con la tilde en la «e».
El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen
raíces o intenciones políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se
considera un estilo burgués.
A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una
clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja
entrever la noción futurista de la Revolución industrial.
Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria.
Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en
la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imagineria de su
tiempo.
El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad
forzada producto de la Primera Guerra Mundial.
De manera simultánea a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la
Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y
del art déco durante la era del jazz.
 2. Características
 Gama cromática amplia y contrastada.
 Volúmenes geométricos y claridad formal. Arte burgués bonito, opulencia.
 Arte total.
 Arte hedonista. (placer físico)
 Arte figurativo (mujer andrógina). Arte urbanita.
Este movimiento es, en un sentido, una mezcla de muchos estilos y movimientos diversos de
principios del siglo XX se inspira en las primeras Vanguardias. Las influencias provienen del
constructivismo, cubismo, futurismo, del Art Nouveau, del que evoluciona, y también del estilo
racionalista de la escuela Bauhaus.
Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta
en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco, afín a la monumentalidad y elementos
de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las
líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas
influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques
cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fovismo;
trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización de las formas son comunes al
Art déco.
Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón y piel de
cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o
quebrada o greca.

3. Principales manifestaciones

 El mundo del espectáculo: El ballet, los nuevos bailes (foxtrop, tango, jazz, charleston) y el
 La moda con revistas.
 Los medios de transportes que son muy importantes.
 cine.
 Bellas artes en arquitectura (pirámide) (materiales: acero inoxidable, bronce) (estuco de
hormigón).
 Artes decorativas con materiales caros, exóticos e industriales). Bellas artes en pintura: con
Tamara Lempika.

TEMA 9. El surrealismo

1. Contexto
 El impacto que produjo el horror de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) tuvo muy
distintas respuestas en el arte posterior.
 La población de los países en guerra sumó 600 millones de personas, la mitad de la población
mundial de entonces.
 70 millones de soldados movilizados.
  10 millones de combatientes muertos (sólo en la batalla del Somne murieron 1.200.000
personas), sin contar a la población civil.
 Entre 5 y 10 millones de personas quedaron mutiladas, 3 millones de viudas, 6 millones de
huérfanos, 6 millones de prisioneros.
 Hambre, éxodos, conflictos paralelos y otros derivados de la guerra: guerra civil en Rusia,
desmembramiento de los imperios austrohúngaro y otomano, genocidio armenio…
 Al final de la contienda (1918-1920) se extendió la gripe española, causante de la muerte de
40 millones de personas.

2. Movimientos
 Art Decó: Un arte al servicio de una nueva sociedad capitalista, fascinada por el lujo, el
consumismo y los avances tecnológicos, sofisticada, desinhibida, progresista, exquisita, abierta
al futuro con optimismo.
 Bauhaus: Un arte racionalista, moderno que apuesta por el progreso, aunando arte, diseño y
artesanía y que es contrario a la sociedad burguesa, dado que sus productos se insertarían en
la sociedad industrial y serían asequibles para gran parte de la población. Silla Wassily por
Marcel Breuer (1925).
 Constructivismo Ruso: Un arte utilitario al servicio de la revolución socialista de 1917,
conocida como la Revolución de Octubre. Apuesta por el progreso, la tecnología y el diseño
innovador, asumiendo los hallazgos de algunas vanguardias históricas, caso del Cubismo.
Vladimir Tatlin, Proyecto de Monumento a la Tercera Internacional (1919)
Varvara Stephanova, Diseños textiles (1923 y 1924)
 Dadaísmo: Fue un movimiento radical que buscó socavar la sociedad burguesa. Había que
aniquilar el pasado, incluido el arte. Para quebrantar los principios del arte tradicional, entre
otras estrategias, recurrieron al escándalo, la provocación, el humor, el azar y la confusión,
dado que rechazaban la razón y la lógica basados en la ciencia o en lo que entendemos por
sentido común, al tiempo que apoyaban el caos y la imperfección.
 Pintura Metafísica: Creó un mundo visionario, misterioso, que causa asombro y sensación de
soledad. Los pintores tomaron objetos de la realidad cotidiana y los representaron en
escenarios idealizados y deshumanizados, que nada tienen que ver con su habitual ubicación,
estableciendo entre los objetos nuevas y sorprendentes relaciones ilógicas y enigmáticas pero
creíbles.
 La nueva objetividad y el realismo mágico: Buscaron mirar y plasmar la realidad con una
visión nueva, como el que ve un objeto por vez primera y lo analiza en sus mínimos detalles;
tuvo también una vertiente social muy crítica. Retratos, bodegones, escenas y paisajes crean
una sensación enigmática, como de un tiempo detenido, congelado.

3. El manifiesto surrealista.
En 1924 el poeta, ensayista y teórico del Surrealismo, André Breton, declaró en su “Manifiesto del
Surrealismo”: “El surrealismo es puro automatismo psicológico por medio del cual se pretende expresar
verbalmente, por escrito, o de cualquier otro modo, la función actual del pensamiento; el puro fluir del
pensamiento sin que la razón ejerza ningún control y fuera de todo prejuicio estético o moral”.
Durante la guerra, Bretón había trabajado en un hospital psiquiátrico, se había interesado por la obra
de Sigmund Freud y había hecho experimentos con la “escritura automática” (proceso de escribir de
forma inconsciente, sin censura ni control) en línea con el método freudiano de la “asociación libre”.
 Creía que en el libre ejercicio del pensamiento existía una realidad superior que podía ser la alternativa
a los problemas reales. El Surrealismo se nutrirá de esa parte subconsciente de la mente.

3.1 Sigmund Freud (1856-1939)

 Padre del Psicoanálisis, se graduó como neurólogo en 1881.
 Poco después comenzó sus estudios sobre las propiedades estimulantes y curativas de la
cocaína.
 En 1886 abrió una clínica privada para tratar la neurosis y la histeria, utilizando para ello la
hipnosis.
 Más adelante, hasta 1900, cambiaría este método por la “asociación libre”, en la que el
paciente, durante las sesiones del tratamiento, es invitado a expresar todas sus
emociones, sentimientos, pensamientos, fobias, miedos, ocurrencias, impertinencias,
perversiones, deseos, represiones, etc., sin orden, filtro, censura o imposición de
coherencia. El analista escucha todo ello y ofrece al paciente su interpretación.
 En 1899 publicó su obra “La interpretación de los sueños”, que inaugura el Psicoanálisis.
Este método de investigación busca solucionar los problemas emocionales recurriendo a
los recuerdos de la infancia, las frustraciones, los sueños, las obsesiones, el sexo, las
fantasías, etc., dando prioridad a los impulsos inconscientes.

3.2 El subconsciente
Definición de lo inconsciente ¿qué tipo de información guardamos en el subconsciente? La
información que tenemos almacenada y a la cual no podemos acceder fácilmente como en la
consciencia, suele contener generalmente miedos profundos, deseos reprimidos y
experiencias traumáticas que incluso de manera consciente no nos gustaría recordar. Todo
este contenido puede dar lugar a que aparezcan determinadas patologías como ciertos
trastornos de ansiedad, miedos, fobias, etc. Sin embargo, a pesar de lo difícil que nos resulta
tener acceso al subconsciente, todos esos contenidos que tenemos ahí almacenados, los
solemos expresar inconscientemente de distintas maneras.
Ejemplos de expresión del subconsciente
Por poner algunos ejemplos:
Los sueños: una persona que sufrió una experiencia traumática en la infancia puede tener
sueños relacionados con ella, aunque incluso no la recuerde conscientemente.
Las acciones inconscientes: una persona que reprime su homosexualidad de manera
consciente que cuando consume alcohol se desinhibe y se acerca a personas del mismo sexo.
Los lapsus linguae: cuando estamos hablando de un tema y de repente decimos una palabra o
frase que no tiene relación con este.
Los momentos en los que suele salir a la luz este tipo de información que tenemos
almacenada en el subconsciente ocurren cuando nuestro nivel de consciencia disminuye.

4. Surrealismo
El término apareció en 1917, pero como movimiento artístico su comienzo se hace coincidir con el
“Manifiesto del Surrealismo” de André Breton en 1924. A pesar de las muchas divisiones dentro del grupo,
el surrealismo se mantendrá activo hasta bien entrada la década de los 60. A diferencia de otros
 movimientos modernos, el Surrealismo no definió una forma de pintar, ni un estilo, ni una teoría estética,
de ahí la variedad de propuestas.

4.1 Características
El automatismo:
 El dibujo automático. - Garabatos inconscientes, sin un plan preconcebido que pueden dar lugar a
formas sugerentes.
 Frottage. - Frotar un lápiz contra un papel a fin de obtener las texturas de la superficie que hay
debajo.
 Grattage. -Raspar un lienzo pintado con numerosas capas de color, previamente colocado sobre
una o varias superficies con texturas.
 El collage surrealista combinaba imágenes al azar.
 “El cadáver exquisito”.- Basado en un juego infantil. Se dobla un papel varias veces. Cada uno de
los participantes interviene sin ver qué han hecho los que le han precedido; sólo puede ver los
límites de su antecesor para ensamblar allí su aportación. Al desdoblar el papel surge una imagen
nueva, totalmente involuntaria, que puede interpretarse como subconsciente colectivo.
 La decalcomanía. - Inventada por Óscar Domínguez entre 1934 y 1936, consiste en introducir
gouache negro líquido entre dos superficies, presionándolas de modo incontrolado, para después
separarlas. Esta técnica, que adoptaron inmediatamente los surrealistas, influyó posteriormente en
el expresionismo abstracto.

El método paranoico-crítico:
 Inventado por Dalí, trata de “sistematizar la confusión y de contribuir al descrédito total del mundo
de la realidad”
 Es un método consciente que crea –como en la paranoia- un mundo paralelo, sorprendente,
amenazador, obsesivo, onírico.
 Utiliza como base el mundo real y utiliza frecuentemente la doble apariencia del mundo cotidiano.

Salvador Dalí, Retrato de Mae West (1934-1935), Salvador Dalí, Cisnes que se reflejan como elefantes (1937),
André Bretón, Yves Tanguy y Jacqueline Lamba, Cadáveres exquisitos (1938), Max Ernst, Cormoranes. (1920),
André Masson, Dibujo automático. (1924), Max Ernst, Los rayos adolescentes (1926), Max Ernst, Árbol solitario y
árboles cónyuges (1940).

Las asociaciones imposibles:

 Imágenes verosímiles son combinadas en un contexto nuevo, incongruente, inexplicable, absurdo,
creando resultados inesperados y enigmáticos. No se modifican las imágenes de objetos o figuras,
sino la relación que habitualmente tienen entre sí.
 En esta categoría entra también la escultura, con la producción de objetos imposibles o
antifuncionales, al modo de los ready-made dadá, pero con la única intención de provocar sorpresa
en el espectador.

4.2. Los temas.

La mujer:
 Fue contemplada desde una órbita netamente masculina, casi reducida a objeto de deseo. Interesa
el misterio del erotismo, la experiencia amorosa y la relación entre amor y muerte.
  Se admiraba en ella su cuerpo, su capacidad intuitiva y su mayor facilidad para llegar al mundo del
subconsciente.
 Man Ray, Desnudo velado (Ca. 1933), Joan Miró, Pintura (1927)

Los sueños:
 Siguiendo las ideas de Freud, es el mundo en el que afloran las ideas y sentimientos (deseos, miedos,
obsesiones) que se reprimen mientras se está consciente.
 El pintor belga Paul Delvaux insistió en una serie de temas que le obsesionaban desde niño: los
esqueletos vivientes (había uno en la clase de música de su colegio), la mujer desnuda (su madre era
una mujer muy dominante y posesiva) y las estaciones de tren.
 Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de
despertar (1944),Paul Delvaux, La edad del hierro (1951)

Los recuerdos infantiles reprimidos

El extrañamiento:
 A los surrealistas les fascinan los animales raros, que parecen hechos con partes de otros (oso
hormiguero, caballo de mar, ornitorrinco, rinoceronte), los autómatas y las máquinas (porque tienen
vida propia pero no piensan), los maniquíes (que parecen personas petrificadas), los seres
mitológicos híbridos (minotauro, sirenas) … Al mismo tiempo, ellos también aspiran a extrañar.
 René Magritte, Esto no es una pipa (1929)

La obsesión por el sexo y los significados ocultos

La dualidad y los contrarios:

 la dualidad y los contrarios René Magritte, El imperio de las luces (1954)

 André Bretón: “Abordar el problema de qué es la luz desde la sombra y qué es la sombra desde la
luz. En este cuadro se fuerzan tanto las ideas y convenciones por lo general aceptadas que quienes
pasan rápidamente creen ver estrellas en el cielo durante el día” (1964)

Lo misterioso:
 Los surrealistas se sienten fascinados por los misterios que no pueden explicarse de un modo
racional. En esta obra, Paisaje (1936), Salvador González Bernal pinta un espacio al aire libre
enigmático, en el que da protagonismo a una serie de rocas. Se ha explicado a veces como una
plasmación del mito de la “piedra filosofal”, de la que ya se habla en el año 300 a.C. Se trataba de
una sustancia capaz de convertir cualquier metal en oro y ha sido hasta tiempos recientes una de las
grandes obsesiones de la alquimia y de la ciencia.

La guerra
5. Surrealismo y publicidad.
Algunos surrealistas tuvieron relación directa con la publicidad. Magritte compatibilizó pintura y publicidad
(a ella se dedicó 48 años). Realizó numerosos carteles, folletos, portadas para revistas y partituras, e
incluso creó su propia agencia de publicidad, Estudio Dongo.

Casi todos los soportes publicitarios creados en estos años por Magritte corresponden a una estética art
déco. Sin embargo, en 1927 Magritte creó un catálogo de moda para la Peletería Samuel de Bruselas que
puede calificarse de surrealista. Otros carteles pueden encajarse en esta corriente. En todos ellos, Magritte
 utiliza elementos presentes en su pintura: misterio, extrañamiento, enigmas, dualidad, pájaros, el cuadro
dentro del cuadro, los personajes multiplicados, etc

Dalí se relacionó con los medios publicitarios de múltiples formas: Publicó artículos, creó portadas e
ilustraciones, protagonizó y diseñó anuncios, utilizó revistas para sus collages, ideó logotipos…

Uno de sus encargos publicitarios fue para promocionar las medias “Beautiful Bryans” en revistas como
Harper’s Bazaar, Vogue o Town & Country. Su enorme popularidad hizo de él un reclamo publicitario, por
lo que es reconocido como un precursor del “personal branding” o “marca personal”.

5.1 Influjo del Surrealismo en la publicidad actual

Referencias a obras y conceptos surrealistas En “Esto no es una pipa” René Magritte (1929) jugó con
nuestra percepción y con las apariencias. Atlético International Advertising repitió el mismo mecanismo
psicológico, pero también la misma estética para Seguros Allianz en 2006: los objetos cotidianos son
aparentemente inofensivos, pero pueden suponer un riesgo; la solución es hacerse un seguro.

TEMA 10. Figuraciones y realismos en los años veinte y treinta la

nueva objetividad.

1. Contexto
 Durante el periodo de entreguerras se produce en las artes un interés renovado por la realidad y
su captación, si bien de formas muy diversas, por lo que quizá es más propio hablar de un
retorno a la figuración.
 La guerra determinó el llamamiento a filas de muchos artistas, impidiendo sus contactos y
paralizando la evolución de las primeras vanguardias.
 El horror de la guerra y la difícil situación de posguerra supuso para los artistas un baño de
realidad, haciendo que se enfrentaran a problemas cotidianos y que tomaran conciencia de que
habían vivido aislados de la sociedad. Había que restablecer la comunicación con los demás con
un lenguaje al alcance de todos.
 La experiencia bélica supuso el triunfo de lo irracional. Ahora se sentía la necesidad de volver a
confiar en los valores de la razón.

EL RETORNO AL ORDEN Muchos artistas buscaron inspiración en los valores estéticos y la serenidad del arte
clásico.

El REALISMO SOCIALISTA persiguió crear conciencia de clase, exaltar los logros de la Revolución, así como
adoctrinar en sus principios.

El MURALISMO MEXICANO enfocó sus esfuerzos en la construcción de una identidad nacional y en la

consolidación de los ideales sociales perseguidos por la Revolución Mexicana.

El REALISMO SOCIAL tuvo como tema central de sus obras a los más desfavorecidos.
La PINTURA METAFÍSICA creó una realidad alternativa, onírica, descontextualizando objetos cotidianos que
se insertaban en espacios ajenos a ellos.

2. PLURALIDAD DE LENGUAJES EN LA PUBLICIDAD: El caso Heno de Pravia

En 1887 Salvador Echeandía Gal abrió una droguería en la calle Arenal de Madrid. Junto con su hermano
Eusebio –de profesión químico- comenzó a distribuir una loción alcohólica a base de petróleo y esencias
cítricas para evitar la caída de pelo: el Petróleo Gal. Poco después, ampliaron sus productos con la
fabricación de colonias, polvos cosméticos y jabón perfumado.

En 1905, la Perfumería Gal sacó al mercado el jabón Heno de Pravia. * Desde el principio fue consciente de la
importancia de la publicidad para su producto, ya que aspiraba a comercializarlo internacionalmente (abrió
en muy poco tiempo delegaciones en París, Londres y América Latina).

Para publicitar sus productos recurrió a numerosos artistas. Entre ellos se contaban los mejores ilustradores
del momento como Rafael de Penagos, Rafael Lozano Bartolozzio Federico Ribas.

Su primer publicista, A. Ehrmann, fue pionero en España en introducir la fotografía en la publicidad. A finales
de los años veinte, entró en la empresa Pedro Prat Gaballí, considerado el primer técnico publicitario
español y padre de la publicidad en España.

Otras estrategias publicitarias:

 Concurso y exposiciones de carteles.
 Tarjetas de regalo.
 Patrocinio de espectáculos.
 Uso de estrellas del cine y de la canción como reclamos publicitarios.
 Anuncios en el metro de Madrid.

La plasmación del objeto

Al mismo tiempo que los ilustradores están analizando formas innovadoras de mostrar los productos en los
soportes publicitarios, un movimiento artístico perseguía observar y representar la realidad con una visión
renovada: la Nueva Objetividad. Su principal teórico fue Franz Roh.

3. LA REPÚBLICA DE WEIMAR
 Periodo de la historia alemana comprendido entre el final de la primera guerra mundial y la llegada
al poder del régimen nazi en 1933.
 Alemania había quedado arruinada y humillada.
 La democracia se implantó como régimen político, pero estuvo continuamente amenazada por
golpes de estado y una gran inestabilidad política.
 Fuerte crisis económica y tremenda desigualdad social.
 Todo ello fue el caldo de cultivo ideal para el ascenso del partido nacionalsocialista, encabezado por
Adolf Hitler.
 En medio de este clima surgió en las artes alemanas el movimiento “Neue Sachlichkeit”, la “Nueva
Objetividad”, comprometido socialmente y claramente antiburgués.

4. LA NUEVA OBJETIVIDAD
El término lo acuñó Gustav Friedrich Hartlaub, director de una galería de arte en la ciudad de Mannheim,
cuando se dirigió en 1923 a varios artistas figurativos con la idea de hacer una exposición que, finalmente se
haría en 1925.

La exposición se acompañó de un libro o catálogo, escrito por el crítico de arte Franz Roh, titulado “Post-
expresionismo. Realismo mágico, problemas de la reciente pintura europea”.

Hartlaub distinguía dos tendencias principales:

 Los veristas. -Interesados en tratar de forma “objetiva” (dicho en un sentido crítico) los
acontecimientos de su tiempo.
 Los realistas mágicos. - Cuyas preocupaciones tenían un componente eminentemente
estético.

4.1.El realismo mágico

 Personas, paisajes, escenas y objetos cotidianos son tratados con absoluta frialdad, objetividad y
originales puntos de vista. (Georg Schrimpf, Naturalezas muertas; Christian Schad, Sonja y
Operación)
 Los paisajes del Realismo Mágico tienen una atmósfera misteriosa.
 Además de a los objetos cotidianos, el Realismo Mágico prestó atención a las máquinas.
 El frío análisis de cualquier motivo lleva a plasmar imágenes y temas que parecen congelados,
detenidos.

El pintor Dick Ket incorporaba carteles en sus bodegones y autorretratos.

5. Alemania: una sociedad hipnotizada

Ideales, manipulación, exaltación, adoctrinamiento y confrontación.
La propaganda como arma

El político alemán Joseph Goebbels, ministro para la Ilustración Pública y la Propaganda, fue uno de los
más activos colaboradores de Hitler. Controló la información, las artes y los medios de comunicación,
persiguiendo conformar un modelo social, político, racial y moral netamente alemán. Censuró y
combatió cualquier oposición o divergencia. Además de apoyarse en los medios tradicionales de
publicidad, apostó también por el cine, la radio, las exposiciones, los paneles informativos en las calles,
etc.
Goebbels basó su estrategia en 11 principios. Entre ellos, podemos destacar:
 Simplificación y contagio. - El enemigo ha de ser fácilmente identificable. No importa si hay
algunas cosas que hace bien. Se le encarna como una sola categoría: el mal o la amenaza.
Además, hay que imprimir en él un estereotipo simple y bien definido. Por ejemplo, “todos los
judíos son unos ladrones”, “los judíos y los bolcheviques quieren dominar el mundo”.
 Vulgarización.- El mensaje a difundir ha de ser tan sencillo que cualquiera pueda entenderlo: no
ha de ir dirigido a convencer a individuos sino a masas.
 Orquestación, Renovación, Unanimidad.- El mensaje a difundir ha de repetirse de forma
continuada, insistiendo en las mismas ideas desde diferentes ángulos. Hay que dar la sensación
de que toda la población comparte las mismas ideas.

La propaganda consiguió intensificar el odio, tergiversar la historia, legitimar la confrontación,

enaltecer la figura del líder y asumir la guerra como un deber de toda la sociedad alemana.