MANTEGNA

Artista del quattrocento italiano. Nació en el año 1431 cerca de Padua. Se formó con el pintor
Squarcione y siendo joven se empezó a interesar por la perspectiva. Con 29 años se instala en Mantua
y permanece como pintor de corte de la familia Gonzaga, una familia noble italiana, hasta su muerte.
Mantegna, además, era un arquitecto, diseñador y pintor y también uno de los pocos que conocía el
latin, así que no solo podía estudiar de la observación sino también de textos clásicos.

LAMENTACIÓN SOBRE CRISTO MUERTO

Data del año 1483 aproximadamente. Esta obra se encontró en su estudio al momento de su muerte.
Posteriormente, Ludovico lo vendió a Sigismondo Gonzaga, un eclesiático italiano. Después de eso tuvo
diferentes dueños hasta que llegó a la pinacoteca de Brera, en Milán, en 1824. No fue un encargo,
probablemente fue fruto de la devoción privada del artista, que dedicó gran parte de sus obras al tema
religioso.

Tiene unas dimensiones de 68 x 81 y se utilizó la pintura al temple.

En esta obra vemos a Cristo colocado sobre la piedra de la unción. Observamos desde los pies a lo
largo de su cuerpo. Mantegna es precisamente conocido por experimentar con perspectivas radicales y
escorzos, de forma que esos dedos parece están a nuestro alcance. Nuestros ojos se levantan sobre la
tela que cubre su cuerpo delineado por luces y sombras hasta llegar al torso. A medida que nuestro ojo
se mueve en el espacio, miramos un rostro que tanto sufrió, pero que ahora parece en paz, que sería
una referencia a la divinidad de Cristo.
Nos fijamos también en las heridas en sus manos, en sus pies y en su pecho. Incluso sus manos
parecen levantadas para mostrarnos esas heridas que no son agujeros ensangrentados sino son
heridas que se han secado con el tiempo.
Cuando normalmente vemos imágenes de Cristo vemos su cuerpo dispuesto _____. Esto es muy
diferente, se consigue una proximidad y profundidad que intensifica su impacto emocional.
Por otro lado, en el extremo izquierdo vemos a los dolientes reunidos ante él, los que serían la Virgen,
San Juan Evangelista y María Magdalena. También a la derecha se ven los aceites de la unción.

CÁMARA DE LOS ESPOSOS

Data entre los años 1465 y 1474. ______. Cámara picta, picta que viene del latín pictus que significa
pintada así que significa “habitación pintada”.

Esta obra se trata de pintura al fresco. Empezando por el techo, y lo que vemos es este óculo, y luego
rodeándolo está este edificio arquitectónico y ornamentación escultórica de gran clasicismo en cuanto a
las molduras y los detalles en las cintas y las guirnaldas. Los relieves que lo rodean son los primeros
ocho emperadores romanos antiguos.
Comenzando por las paredes, vemos los frescos del Marqués Ludovico y las escenas de su vida
cotidiana en lo que supuestamente es territorio de mantua. Este se conoce como “El Encuentro” A la
derecha podemos ver a Ludovico reunido con su hijo Francesco que es nombrado cardenal y un
paisaje. En el centro, encima de la puerta, podemos ver unos ángeles sosteniendo una inscripción. En la
otra pared, conocido como “La Corte” vemos a Ludovico, su esposa Bárbara de Brandeburgo, su perro,
que simboliza la fidelidad de la Corte hacia su dueño y señor, y el resto de la corte mientras recibe una
carta de un asesor. A la derecha, subiendo las escaleras, vemos unos visitantes que vienen a saludarlo,
por lo que se cree que esta habitación podría haber sido un espacio ceremonial de saludo.
Destaca de nuevo el ilusionismo que hace difícil distinguir lo que es real y lo que no, como el telón
delante de la columna y el resto de espacios arquitectónicos.
Este es el óculo, del latín significa ojo y está pintado este este Di sotto in sù que significa visto desde
debajo y que es una perspectiva radical. Tiene 270 cm de diámetro y en él podemos ver unos ángeles
que vemos muy escorzados, un pavo real, varios sirvientes parados alrededor mirando hacia abajo y si
os fijais esta mujer está sujetando una maceta con un palo que por su cara sugiere que está a punto de
quitar el palo dejando caer la maceta sobre nuestra cara. Mantegna juega con el ilusionismo
haciéndonos casi creer que los objetos se nos van a caer encima.

TRÁNSITO DE LA VIRGEN
Esta obra tiene una fecha hacia 1462. Esta fue una de las primeras obras que hizo para Ludovico
Gonzaga y esta se encuentra en el museo del Prado en Madrid aunque le falta el tercio superior en el
que Cristo recibe a la Virgen que se conserva en la Pinacoteca Nacional de Ferrara.

Tiene un tamaño de 54,5 x 42 y se trata de óleo sobre tabla

Mantegna había diseñado una capilla completa para la residencia de la familia Gonzaga y este era uno
de los cuadros. En el que muestra cómo fue el final de la vida de María.
La pintura que estamos viendo es sólo dos tercios inferior a la original que tenía una parte superior que
mostraba la bóveda de la arquitectura y que mostraba a Cristo recibiendo el cuerpo de la Virgen. En
esta se ve el momento en el que los apóstoles se reúnen para presenciar los últimos momentos de vida
de la Virgen. Se trata del tránsito de la virgen de la vida terrenal al cielo.
En el centro de la composición, San Pedro oficia una misa al mismo tiempo que otro la bendice mientras
sujeta el agua sagrada bajo la atenta mirada de otro. El cuarto de ellos, de espaldas, inciensa el cuerpo
de María. En este se puede apreciar el movimiento del candelabro, vemos su anatomía y su pie
levantado del suelo para crear movimiento que nos hace imaginarnos este recorrido. A la izquierda, está
San Juan sujetando la palma que es el apóstol que Jesús en la crucifixión dejó como encargado de su
madre. su posición está influenciada por la escultura griega. le veamos con una rodilla flexionada para
crear movimiento.
El resto, como se muestra al tener la boca abierta, están cantando. Ta,bién juega mucho con la variedad
en la posición de las caras de los apóstoles que se ve reflejada en el halo.
De fondo, se ve un cuadro del lago Mantua, el puente que lo cruza, y el Borgo di San Giorgio al fondo.
Era muy habitual en el renacimiento poner una escena antigua en un contexto de la vida actual.
Poniendo el paisaje de Mantua durante el funeral de María es una forma de traer la protección de la
virgen sobre la ciudad de mantua y los líderes también.
En este caso el detalle también la hace una obra muy fiel. Los pliegues de las cortinas y de las túnicas
que se adhieren a los cuerpos, los detalles incluso en la precisión de los pies y las sombras que
generan los personajes.
Para darle sensación de profundidad, los apóstoles son más grandes cuando más cerca está del plano
del espectador y más pequeños cuanto más lejos están. Las diagonales del suelo y el puente nos lleva
a un punto de fuga algo más alto del nivel del agua.
A ella la vemos vestida de verde con destellos de color dorado y se la ve muy pequeña en comparación
al resto del espacio. Es tan pálida y débil que hace que el resto de elementos se vean mucho más
vigorosos.
La composición de esta obra se resuelve por una contraposición muy hábil entre las horizontales
(ventana y lecho de la Virgen) y verticales (apóstoles y pilastras).