CULTURA DEL

RENACIMIENTO
 El Renacimiento, en algunos sentidos, empezara ya a fines del siglo XII (1180 aprox.), dado
que en esa época se manifiesta ya una sociedad urbana y burguesa, con desarrollo
económico, en la que aparece la figura del mercader profesional, el prestamista, el futuro
banquero, calles pavimentadas, mercaderes en la ciudad (antes la sociedad se componía de
aristocracia, clero, ciervos, esclavos), la oposición hacia el simonismo y el nicolaismo,es
decir empieza un tipo de sociedad que, se considera moderna, y/o parte del Renacimiento.

“Alegoría de las artes liberales” (1365-1367), Capilla de los Españoles

 Fuerte crecimiento demográfico en áreas rurales y urbanas. En el siglo siguiente (XIV), no
obstante la población se vera diezmada por la peste negra o bubónica, revueltas
campesinas, para reanudarse el crecimiento en el siglo XV. Este proceso imparable tiene
como consecuencia, la fundación y el crecimiento de ciudades y pueblos. Se desarrollan
los gremios cuyas funciones abarcan casi todos los ámbitos de la vida, por ejemplo, hay
una humanización del caballero cristiano: primeramente se lo consideraba fiel, protegiendo
a su señor, a los pobres y a las viudas, para luego convertirse en un mercenario que
muchas veces, cambiara de bando en una lucha, trabajando para el mejor postor
económico.

“Gattamelatta”, monumento ecuestre, detalle

 LA PINTURA DEL DUECENTO Y TRECENTO ITALIANOS
El arte pictórico en Italia tiene una importante expresión en artistas como Cimabue, Simone
Martíni, Duccio, los hermanos Lorenzetti, y sobre todos, Giotto. Se desarrolla en torno a

ciudades como Pisa, Siena, Roma, Florencia, Asís, Nápoles.

• “Lamentación por Cristo muerto”, Giotto di Bondone, 1305. Fresco 200x185. Cap. Scrovegni
Se expresa principalmente en frescos, en la pintura a la tabla, y en el mosaico. El mosaico
es la gran novedad Italiana, y una de sus máximas creaciones las encontraremos en la
Cúpula del Baptisterio del Duomo de Florencia.
Los artistas se pueden agrupar en dos escuelas: La Escuela de Siena, a la que pertenecen
Duccio, Simone Martini, los hermanos Lorenzetti, y la Escuela de Florencia con Cimabue y
Giotto.

“Alegoría del mal gobierno”, Hermanos Ambroggio y Pietro Lorenzetti. Palacio Comunal de Siena
 LA ESCUELA DE SIENA
DUCCIO di BUONINSEGNA (¿1255-1319?), entre sus obras pueden mencionarse el retablo
de la Maesta (1308-11), de unos cuatro metros de ancho para un altar mayor, se ve a Maria
como reina de lo cielos, rodeada de ángeles, y santos, los ropajes denotan suavidad,
fluidez, los rostros tienen corporeidad, ternura naturalidad, en la cara posterior se
desarrollaron escenas de la vida de Cristo. También pinto la “Madonna Ruccellai”, “La
Anunciación y La Dormicion o Muerte de la Virgen”

“Maesta”, retablo, temple sobre madera.

“Madonna Rucellai”, “La Anunciación”
“La Anunciación”
“Muerte o Dormicion de Maria”, 1305. Tempera sobre madera, 40x45.
 SIMONE MARTINI (Siena 1284-Avignon 1344): fue discípulo de Duccio. Su pintura esta
dominada por una línea sinuosa y colores claros. Trabaja para la ciudad, las cortes, con
realismo tanto en escenas religiosas como en escenas cívicas. Fue un gran pintor de
ángeles los dibujos son refinados, amables, a los personajes reales los pinta según su
naturaleza, así podemos ver en su obra, tipos rudos, clérigos y monjes. Entre sus obras
importantes destacan “La Maesta”, “El camino del Calvario”, “La Anunciación”

“La Anunciación”, 1333. Temple sobre tabla, 184x210.

“Camino al calvario”
“Majestad”, 793x970. Temple sobre pared.
 HERMANOS PIETRO Y AMBROGGIO LORENZETTI: de ellos dos, Ambroggio es el mas
realista, lo cual se ver reflejado en sus representaciones de la vida cotidiana sienesa, rural o
urbana. Su contenido es naturalista, busca reproducir a la naturaleza lo que se ve reflejado
en el tratamiento del paisaje, las anatomías humanas, de los animales. Obras: Vista de
Siena y de la comarca (Efectos del Buen Gobierno), de Ambroggio, El nacimiento de la
Virgen, de Pietro.

“Virgen con el niño”, Ambroggio Lorenzetti

“Anunciación” de Pietro Lorenzetti.
“Alegoría del Buen gobierno” (presentes la paz, el gobernador acompañado de la
templanza, la justicia y la paciencia)
“Efectos del Buen Gobierno”
“Alegoría del mal gobierno” (rodeada de la avaricia, soberbia y vanagloria)
 LA ESCUELA DE FLORENCIA
CIMABUE (1250-1300), se considera un gran maestro de su generación. Su ideas aun son de
inspiración bizantina, pero su merito esta en las ideas que quiere representar. Sus
personajes representan sentimientos, rasgos de dulzura, de dramatismo, como en su
“Crucifijo” (1285, Iglesia de la Santa Croce, Florencia), donde ya presenta un Cristo
humanos con los ojos cerrados, la cabeza caída.

“Majestad”, 1270
 • “Crucifijo”, 1270, Arezzo
• “Crucifijo”, 309x433, Florencia
 GIOTTO DI BONDONE (1267-1337)
De el nos dice Vasari “llego a ser tan buen imitador de la naturaleza que desterró la ruda
maniera bizantina y busco retratar exactamente del natural. También modifico su técnica al
pintar, en como liga los colores, al introducir el batido, jugo arbustos, de higos verdes y
otras sustancias que le permitieron desarrollar una pintura de colores más claros y vivos.
Es un pintor de fresco más que de tablas. Pinto los frescos de San Francisco de Asís (seis)
en la Capilla Bardi de la Iglesia de la Santa Croce en Florencia por 1320, en los que se ven
personajes gestuales, elocuentes, de ropajes con volúmenes, un dibujo marcado,
monumentalidad, corporeidad. Pinta “la vida de San Juan Bautista” seis frescos, por 1330
en la capilla Peruzzi de la misma iglesia (Santa Croce, Florencia).

Altar Capilla Peruzzi

“Representación de Anuncio a Zacarías”
“Nacimiento de San Juan Bautista”, Capilla Peruzzi
“Fiesta de Herodes”, Capilla Peruzzi.
“Ascenso de San Juan Bautista”, Capilla Peruzzi
“Vida de San Francisco" Capilla Bardi
“Expulsión de los demonios de Arezzo”
“Funerales de San Francisco de Asís”
 “Vida de Cristo”, Capilla Scrovegni

“Vida de Cristo”, “La visita de los Reyes Magos" capilla Scrovegni

 “Huida a Egipto”
“Resurrección de Lázaro”
“Lamentación por Cristo muerto”, detalles.
 ¿QUE ES EL RENACIMIENTO?
¿Es el inicio de un nuevo estilo, o es la época que proporciona la forma definitiva a las
tendencias que se venían gestando?
En un sentido amplio el Renacimiento es una etapa cultural. En el campo artístico, en un
sentido restringido designa las manifestaciones artísticas florentinas que tuvieron lugar en
el Quattrocento.
Desde un punto de vista cronológico se desarrolla en dos fases:
PRIMER RENACIMIENTO (SIGLO XV): caracterizado por la preocupación de recuperar lo
antiguo, por lo que supone más una búsqueda que la consecución de unos objetivos
concretos.
“Moscoforo”, “Kuroi”, “Discóbolo”
 SEGUNDO RENACIMIENTO (SIGLO XVI): que comprende dos etapas, Clasicismo (hasta
1525 aproximadamente) y Manierismo (1525-1594). Esta última etapa acoge a artistas que
continúan las formas Clasicistas del Renacimiento y a otros que buscan formas nuevas.
El concepto de Renacimiento ha supuesto un problema para historiadores y sus
definiciones abarcan aspectos diversos y heterogéneos. En los últimos años del gótico,
podemos ver en el arte una inclinación hacia el naturalismo. Luego en el Renacimiento, el
artista intenta seguir siendo un observador de la naturaleza, quiere comprenderla,
conocerla. Este cambio de actitud mental se traduce en la investigación del espacio, la
perspectiva, el estudio de la anatomía. “Victoria Alada o Niké de Samotracia”, “Venus de
Milo”, “Afrodita y Pan”
 LA FIGURA DE PETRARCA
PETRARCA (1304-1374): estudian de de la Universidad de Bolonia, su centro de
interés estaba en la literatura latina y griega. Fue, el descubridor de los studia
humanitates (estudios humanísticos), que incluían gramática, retórica, poesía,
historia y la filosofía moral. Petrarca no solo es un humanista no solo por defender
los tiempos de la antigüedad grecorromana sino por abogar por el retorno al
antropocentrismo, al hombre como medida de todas las cosas, y romper con el ideal
medieval de Dios como centro del mundo. Petrarca será un amante de lo griego, de
la belleza física y de su civilización y amante de lo romano y su conciencia histórica,
también de las letras humanas. Pretende reconstruir el ideal cultural del mundo
antiguo, comenzando por la lengua, el latín que es el vínculo de unión entre el
humanismo renacentista y la civilización romana. “Lacoonte”
 EL DESARROLLO DEL PENSAMIENTO CRÍTICO
En las universidades se lee a los clásicos, se duda de los dogmas. Ayuda el
perfeccionamiento de la imprenta por parte de Gutenberg, lo que contribuirá a divulgar la
cultura del libro.
El personaje que mejor representa esta época es Leonardo da Vinci, de espíritu científico,
cultiva disciplinas dispares como la geometría, la botánica, la anatomía, la gramática la
ingeniería. Sus abundantes proyectos abarcan todos los campos diseñando objetos tan
distintos como aeroplanos, parecidas, submarinos. Resulta significativa la carta que
escribió a Ludovico el Moro presentándose como inventor de maquinas de guerra,
constructor de puentes móviles, carros, ingeniero experto en artillería. Las aportaciones
que hizo, podemos leerlas en su Codex Atlanticus, en donde en 1600 notas refleja ideas
que revelan su espíritu científico.
 CAUSA DEL RENACIMIENTO- EL RENACER DE LA ANTIGÜEDAD
Asistimos a una resurrección del gusto por las formas del arte clásico como motivo y fuente
de inspiración. La Antigüedad Clásica será el espejo cultural en el que mirarse, el lugar de
donde aprender y asimilar contenidos culturales morales y artísticos. Esto trae consigo el
paso de una cultura teocentrica a una antropocentrista en la que el hombre se siente centro
del mundo, y medida del universo. No por ello se elimina a Dios, sino que se humaniza la
imagen divina y se diviniza la imagen del hombre. El artista del Renacimiento es versátil y
creativo, sabe de todo. El artista de Renacimiento es en general varón, la mujer esta ausente
de los talleres, exceptuando en la producción de los conventos.
En el siglo XVI, se destacan con Catalina de Médicis. Una sola ejerce mecenazgo: Isabel d
Este en Ferrara (retrato por Tiziano), patrona de Mantegna y Perugino.
 VALORACION DEL INNDIVIDUO Y EL GENIO
Sobresalen muchas personas en muchos ámbitos: Copernico (1473-1543) en astronomía,
Maquiavelo (1469-1527) en política, Erasmo (1466-1536) en ética, Brunelleschi, Alberti,
Masaccio, Donatello en el arte.
Predomina la exaltación del individuo y su personalidad: el artista firma sus obras, se
autorretrata, es objeto de biografías, el escultor Ghiberti escribirá su propia biografía
Se valora la genialidad: por lo que algunos artistas se propusieron grandes metas y
contaron con el apoyo de mecenas. Mecenas célebres: Médicis en Florencia, Montefeltro en
Urbino, Chiggi de Roma, Visconti y Sforza en Milán
 EL APOYO DE LOS MECENAS
El mecenazgo fue un medio de promoción cultural, bien de los propios mecenas como de
sus estados, otras, como expresión de rivalidad existente entre familias y republicas, o para
adquirir prestigio social. El mecenas se sentía orgulloso de alquilar los servicios de
humanistas y artistas, les prestaba todo su apoyo porque así testimoniaba su poder
económico y también se garantizaban la posesión de arte de calidad. La gente en general,
desconfiaba de estos hombres de negocios, así que rodearse de artistas y científicos les
ayuda desterrar esta opinión negativa.
La labor de Mecenazgo de los Médicis da la fundación de la Academia Platónica (1462) cuyo
director es el sacerdote, medico, traductor de griego Marsilio Ficino (1433-1499). para quien
la belleza, solo puede ser captada por la vista, oído e inteligencia, lo cual será la ideología
de la Academia.
 LA EVOLUCION RELIGIOSA: REFORMA Y CONTRARREFORMA
En los últimos tiempos de la edad media, se aprecia una crisis en el seno de la Iglesia, manifestada como
ostentación, relajamiento del clero, falta de dedicación a los feligreses (DURANTE LA PESTE NEGRA,
1348-1353 APROX.), a ello se unen recelos provocados por exenciones fiscales a los amigos de quienes
ostentan el poder, así como abusos relacionados con la predicación de indulgencias.
Todo ello va a provocar una situación de desamparo entre los creyentes que desembocara en la aparición
de corrientes místicas (FLAGELANTES), inicio de reformas.
Esta situación de crisis unida al pensamiento humanista supondrá el cuestionamiento de muchos
planteamientos religiosos. Esto llevara a pensadores como Erasmo de Rótterdam a denunciar y criticar la
organización eclesiástica así como otros aspectos de la religiosidad popular. Lutero (1483-1546,
Alemania) y Calvino (1509-1564, Francia), afirman que Cristo es el único mediador entre Dios y los
hombres y el hombre solo se justifica por las gracias, no por las obras. Frente a esta postura protestante
(1517-18 SE MASIFICAN por toda Europa LAS “95 Tesis” de Lutero).
Luego la Iglesia inicia el proceso de Contrarreforma (con Carlos V), que encontrara ayuda en la Compañía
de Jesús fundada por San Ignacio de Loyola en 1540, la que se caracteriza por su abandono activo a la
voluntad de Dios y fidelidad al papa, también esta ligada a la pobreza estricta y el Concilio de Trento que
reorganizara la Iglesia ,afirma la libertad humana, la necesidad de buenas obras, validez de los
sacramentos, , el culto a los santos y regulariza la formación de sacerdotes.
 LOS CAMBIOS DEL ARTE: QUATTROCENTO, QUINQUECENTO Y MANIERISMO
En el siglo XV (Quattrocento), que es caracterizado por el antropocentrismo, el renacer de la
antigüedad y el apoyo de mecenas sin romper totalmente con la tradición gótica, el
Renacimiento alcanzara su cima y su crisis. Su cima, el Cinquecento (sigo XVI) con un
cambio hacia un arte mas clásico, en torno a Roma y un mecenazgo desarrollado casi en
exclusividad por el Papado. Este periodo conducirá a las artes a su punto máximo de
creatividad, manifestados en Rafael, Leonardo y Miguel Ángel.

• La crisis se inicia poco antes de mediados del siglo XVI (1530 aprox.), coincidiendo con la Reforma y
la Contrarreforma y se manifiesta en la escasa creatividad de los artistas, que en muchas ocasiones
se dedican a la imitación o la repetición de estereotipos de Miguel Ángel o Rafael. A este periodo final
del Renacimiento que constituye por si mismo un estilo diferente se le denomina Manierismo. En el
se engloban multitud de manifestaciones artísticas diversas alejadas (geográficamente hablando), de
la corte Papal: Venecia, Parma, Flandes, la España de Felipe II Contrarrefromista.
 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO
PUNTO DE PARTIDA: FUNDAMENTOS IDEOLOGICOS Y SUS REPERCUSIONES
Vitrubio: escritor y arquitectos de los últimos años del periodo Románico. Su tratado “Los
diez libros de la Arquitectura”, será publicado en Italia en los años 1485, 1521 y 1556.
Influirán de gran manera en arquitectos Florentinos como Brunelleschi, Bramante, y Alberti
Ruinas grecorromanas: en general, los artistas italianos, tenían a su alcance, en su propio
suelo, modelos de arte antiguo que podían analizar directamente como el Coliseo, el
Panteón de Agripa, o las termas de Caracalla.
La numismática: es un medio para acceder al pasado y conocer edificios antiguos, muchos
desaparecidos.
A través del estudio, la observación y análisis de estos restos arqueológicos y los escritos
de Vitrubio, se recuperan los órdenes clásicos para adaptarlos a la nueva realidad
constructiva. Revitalizan elementos estructurales como arcos de medio punto,
entablamentos, frontones, cúpulas, columnas y pilastras, e incorporan elementos
ornamentales como medallones, guirnaldas, puttis o angelotes que reemplazan a los
amorcillos, grutescos (combinación de elementos vegetales como follajes, guirnaldas,
cornucopias, mitológicas y teriomorficas como centauros, animales fantásticos como
quimeras, siempre en simetría), techos artesonados, el orden candilieri y techos con
casetones.
• Bóveda vaída, cupiliforme o de pañuelo. Casquete esférico limitado por los planos
verticales de las embocaduras. Se sujeta a las paredes adyacentes a través de pechinas
o triángulos curvos que permiten unir una cúpula elíptica a una planta rectangular. Fue
usada por Filippo Brunelleschi formando galerías o naves.
 SE PRODUCE LA UNION ENTRE TEORIA Y PRAXIS
En el ámbito teórico se incluye la realización de planos y proyectos como el diseño de
Miguel Ángel para la plaza del Campidoglio en Roma, en los cuales queda reflejada la
manera de pensar de sus autores. Así, el Quattrocento se caracteriza no solo por la
construcción de obras, sino también por la serie de tratados escritos y por los proyectos
aportados por los humanistas y los propios artistas. Todas las construcciones o proyectos,
reflejan el deseo humanístico del “proyecto perfecto” y por lo tanto, raramente realizable.
“Plaza del Campidoglio”, Roma.
“Monumento ecuestre al Emperador Marco Aurelio”. Año 176 (Siglo II) d.c
 Se concibe a la arquitectura como un sistema de proporciones matemáticas generado por
ejemplo en la arquitectura religiosa. a partir del “modulo” cuadrado resultante de la
intersección de la nave principal con la transversal o transepto en el crucero. La aplicación
de la secciona Áurea permitirá una arquitectura con orden, simetría racional en la que la
belleza es tan importante como la utilidad.
Se eliminaran elementos que puedan desorientar, como por ejemplo las naves laterales.
Para crear un espacio central o eliminar elementos decorativos (como el cromatismo) para
evitar dispersar la atención del espectador.
Ejemplos de esto son las Iglesia de San Lorenzo o Espíritu Santo en Florencia que parecen
románicas, pero no lo son.
“Iglesia de San Lorenzo”, Florencia
“Spiritu Santo”, Florencia
 ELEMENTOS DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO
MATERIALES
Ladrillo, revestimientos de placas de mármol (practica de origen medieval),
piedras grises y claras, blancas.
 ARQUITECTURA CIVIL Y URBANA: LA CIUDAD, LAS VILLAS, LOS PALACIOS
LA CIUDAD: se busco entre los artistas de l renacimiento como Filarete, o Alberti diseñar la
“ciudad ideal”. Filarete (1400-1469) en su tratado de la Arquitectura concibe su “Sforzinda”
como un polígono estrellado dentro de una circunferencia de ocho puntas con refuerzos es
las puntas, un claro resabio medieval de defensa, en el centro estaría la catedral, palacio y
mercado, en la mitad, más palacios e iglesias y mercados. No hay indicaciones sobre la
disposición de los edificios en este plano ni en otros. Son los edificios civiles y religiosos
los que destacan en las ciudades renacentistas, y el deseo de regularidad, orden. La ciudad
ideal, se proyecto, pero no se realizo, solo se hizo en el papel. Lo más aproximado fue una
remodelación de los centros urbanos a partir de vías principales rectilíneas y la aparición de
los barrios nuevos construidos en base de retículas como las actuales manzanas. Un
ejemplo: la Roma de Sixto V (Papado desde 1585-90).
 VILLAS: son residencias de nobles y ricos comerciantes en las que sus dueños
gustan pasear a pie, a caballo relacionarse con la naturaleza, leer. En Roma hay
que mencionar a la villa Farnesina del banquero Chigi. También las villas Madama,
Giulia, ambas de Médicis.

• “Villa Farnesina”(1505-11). Por el arquitecto Baldassare Peruzzi.

• “Villa Madama”, por Rafael Sanzio (1519). Encargo de Giulio de Médicis. Planta de terma
romana.
• “Villa Giulia”, encargo del papa Julio III (1550-1555), al arquitecto Jacopo Vignola.
Frente y ninfeo.
PALACIOS: deja de ser fortaleza medieval de carácter militar. Sirve de residencia, lugar de trabajo. Pierde
el carácter de refugio de la edad media.
Son construcciones costosas, son cúbicas, con un espacio vacío en el interior (patio) rodeado de
pórticos (la logia o galería con columnas).
El palacio florentino del Quattrocento conserva elementos de influencia medieval como el aspecto
defensivo del exterior, construcción pesada y maciza, paredes limpias o desnudas, escasos vanos, con
bloques de piedra (almohadillado) de grandes dimensiones, tres pisos y galerías (como en los claustros).
El prototipo de esto es el palacio Medici-Riccardi de Michelozzo iniciado en 1444.
 En el siglo XVI, especialmente en Roma los palazzi evolucionaran y tendrán un patio rectangular, con
galería y agregándose una escalera de dos tramos rectos con descansos que dan accesos a los diversos
pisos en algún lateral. Se destacan el palacio Farnesio (1534-1546) de Sangallo y terminado por Miguel
Ángel, el palacio Sacchetti de Sangallo también, el Spada y el Baldassani.

“Palacio Farnesio”, por el arquitecto Sangallo El joven. Por pedido de Paulo III. No tiene
Pinturas de Anibale Carracci (1560-1509), Palacio Farnesio.
“Palacio Spada”
ARQUITECTURA RELIGIOSA: empieza a usarse la cúpula, el orden gigante, en el que una columna abarca
varios pisos, uso de varios ordenes clásicos a la vez (cónico, dorio, corintio) mas el toscano (derivado del
etrusco italiano), almohadillados rústicos o de punta de diamante en las fachadas. Se dejan de usar
elementos del gótico como arcos de medio punto. Se cubren los cruceros con cúpulas. Alberti propone
en su Tratado de la Arquitectura que la planta ha de ser circular o derivada del círculo (cuadrada,
exagonal, octogonal) ya que el círculo se consideraba la forma más perfecta y natural.
Giuliano de Sangallo propone otra solución en su Santa Maria delle Carceri: una planta de cruz griega
organizada en torno a un cuadrado central.

Entablamento, capitel y columna, ordenes corintio, jonico, dorio y toscano.

Cúpula de San Pedro del Vaticano. Bóveda de crucerías, Catedral de Reims, Francia.
Estructura de bóveda de cañón. Bóveda de crucería, cubierta por pinturas de Anibale
Carracci.
“Cúpulas de Santa Maria dei Fiore” (a 84 mts de altura) por Brunelleschi, planta, por Arnolfo
di Cambio. Largo de la nave central de 150 metros.
 “San Lorenzo”, por Brunelleschi, planta cruz latina
“Santa Maria delle Carceri”, Sangallo, planta en cruz griega (1486-1495)
Sus fuentes inspiración serán el Panteón de Agripa, el templo circular de Tivoli y templos con cúpulas.
“Hospital de los Inocentes”, por Brunelleschi, encargo de Cosme de Médicis”en 1419. Proporción en base
a cubos o cúbica, destaca la fachada con una plataforma de nueve escalones, un pórtico de columnas
corintias adornos entre columnas de “stoas” (el pórtico es para cubrirse del sol, la lluvia) y puttis
blancos sobre fondo azul en el piso superior, trece ventanas con frontón en retroceso.
Logia o galleria, tondis cerámicos por Luca della Robbia. Ruota en el extremo izquierdo del pórtico, por
donde poner los bebes de manera anónima.
Finalmente será el clasicismo del siglo XVI el que imponga la planta centralizada. Su máximo exponente
será Leonardo da Vinci quien investiga las variantes que se pueden hacer a la planta centralizada
añadiendo elementos en semicírculo, cuadrado, octágono. También sobresalen Bramante con su San
Pietro in Montorio y Miguel Ángel con San pedro del Vaticano.

“Templete de San Pietro”, por Bramante.

La actual configuración de la Basílica en forma de cruz latina y su fachada, fueron obra de Carlo Maderno,
planos de Miguel Angel Buonarrotti, durante el papado de Julio II . Gian Lorenzo Bernini, se encargo de la
columnata y la plaza tiempo mas tarde. Hay 140 estatuas de 4 metros de altura aproximadamente. Su
construcción que inicia en 1505 durante el papado de Julio II, termina en 1655 con Inocencio X (paso por
manos de 21 Papas). Tiene 218 mts. de largo y su altura máxima es de 136 mts Hasta la cúpula. Es el
edificio religioso cristiano mas grande. Y uno de los mas grandes del mundo. Su exterior, es de travertino
(compuesto de calcita, aragonita y limonita de aspecto blanco-amarillento y traslucido). Se uso el orden
gigante. Posee seis campanas, cada una de toneladas de peso. La fachada mide 115mts de ancho por 46
de alto.
 FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
Es un maestro del Renacimiento. Es introductor del nuevo estilo cuando crea iglesias de planta cuadrada
como la Capilla Pazzi o crea palacios con predomino de líneas horizontales como el palacio Pitti.
Brunelleschi experimenta a partir de formas geométricas., investigas las formas antiguas, y usa de ella el
bicromatismo de blanco y gris, presente en arcos, pilastras y columnas. Obras importantes: La cúpula del
Duomo de Florencia (presenta aun influencias góticas como la ojiva), su usa maquinaria para levantar los
materiales, porque es una cúpula de dimensiones enormes que se eleva a 82 metros de altura.
Hospital de los inocentes: donado por Cosme de Médicis, fue el primer hospital para niños abandonados,
es de planta simétrica, Capilla Pazzi: se considera el manifiesto de la proporcionhabilidad, tiene una
cúpula semicircular. Iglesia del Santo Espiritu de Florencia.

“Capilla Pazzi”, ultima obra de Filippo Brunelleschi

“Palacio Pitti”(1458). En el no se encuentra torre defensiva del medioevo, pero si su
almohadillado y vanos pequeños.
LEON BATTISTA ALBERTI: escribe los tratados “De pintura” (1435), “De statua” (1464), “De
aededificatoria” (1459). Fue más proyectista que realizador. Vuelve a dar lustre a los
ordenes clásico, enaltece la figura del arquitecto, dice “la ciudad tiene el cometido de
ofrecer a su habitantes una vida pacifica sin daños ni molestias.” Santa Maria Novella (1458-
1470): es del orden Románico, realiza la fachada, en base al trabajo de modulado. Templo
Malatestiano: construido para la amante de Segismundo Malatesta, Isotta. Fue iglesia y
templo de memoria.

“Santa Maria Novella” por Alberti.

“Templo Malatestiano” (1450).
 ARTISTAS DEL QUINQUECENTO
Hemos visto como la arquitectura del Quattrocento tiene su capital en Florencia.
En el Quinquecento el centro del arte se traslada a Roma.
Gracias a la acción de los Papas desde mediados del siglo XV, se convertirá en el centro.
Así Roma se transforma en el lugar idóneo para que los mejores artistas desarrollen sus
más grandes proyectos. Hacia 1550, los Papas son los mayores constructores del mundo.
Sixto IV, Julio II, León X, Sixto V, dieren transformar la ciudad medieval en una ciudad
nueva. La decoración adquiere un carácter secundario y se busca armonía, simpleza. En la
cúpula, también están presentes oculos (aberturas o ventanas que pueden ser circulares o
geométricas , ovaladas) para proporcionar iluminación adicional (como es en este caso), o
pueden ser solo decorativos.
 Tipos de oculos:
Aberturas circulares centrales
Ventanas circulares en Basílicas y otros templos religiosos.
Ovaladas o circulares en arquitectura o en barcos se denominan ojos de buey.
Ventanas circulares en buhardillas de casas de Francia del siglo XVII
Linternas (estructura en forma de torre con ventanas colocada sobre una cúpula)
Rosetones (ventanas circulares caladas vidriadas, diseñadas para dejar pasar luz, la calidad
de esta luz dependerá del tipo de vidrio usado y la luz en si. Es propio de las fachadas
góticas. Abajo linterna y oculos de la Cúpula del Vaticano.
 DONATO BRAMANTE (1444-1514): trabaja en Milán y Roma para Cardenales y Papas. Su arquitectura es
monumental y estructurada. TRABAJA CON EL MODULO DE CUADRADO. Obras: San Pedro del Vaticano:
diseña una planta de cruz griega cupulada, por pedido del papa Julio II, es la más grande construida
hasta ese momento, también será mausoleo papal, y tumba de apóstoles, hacia 1547 Miguel Ángel se
hace cargo del proyecto. Palacio de Beldevere 1505, Vaticano.

“Palacio Beldevere”, vista del patio de la Piña(1506), A Pedido de Julio II, Vaticano. Allí
encontramos lBiblioteca Vaticana, una de las mejores del mundo y los Museos
Vaticanos: Museos Sacro, Profano, Chiaramonti, Gregoriano Etrusco, Gregoriano
Egipcio, Gregoriano Profano Etnologico de las Misiones, como galerías de tapices,
carruajes, mapas numismática, de medallas.
“Escalera del Museo Vaticano”, por Giuseppe Momo
“Piña” (1510), Bramante, del patio del Museo Beldevere
“Esfera con esfera” de Arnaldo Pomodoro
“Monóptero de San Pietro”, Roma. Templo circular con cúpula sostenida por una
sola fila de columnas.
MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475-1564): FUE ARQUITECTO AL FINAL DE SU VIDA. Aprovecha las
formas clásicas, En Florencia realiza la fachada y sacristía de San Lorenzo, la Biblioteca Laurentiana,
para albergar los manuscritos de Lorenzo el Magnifico, esta destaca por su vestíbulo, con su escalera
exenta, la sala de lectura, se alternancia piedra gris o pietra serena con piedra blanca.

“Biblioteca Laurenciana”(1530)
 ESCULTURA DEL RENACIMIENTO
Su desarrollo y punto de partida tendrá lugar en Florencia a raíz de los abundantes encargos realizados
para la catedral, el baptisterio y el exterior de la iglesia de Or San Michele (1337). Las formas se inspiran
en el clasicismo griego. Este fenómeno es italiano, ya que no debemos olvidar que para el resto de
Europa el siglo XV es el gran siglo gótico. En Italia el carácter distintivo es el retorno a la antigüedad
clásica. La faceta Renacentista de la escultura será iniciada por Brunelleschi, Ghiberti, Donatello,
Verrochio, y culminada por Miguel Ángel alrededor del 1525. El iniciador, es Nicolás Pisano (1215-1280)

“Pulpito”, Baptisterio de Pisa (1255), Nicolás Pisano.

“Pulpito”, San Andrés Pistoya. Juan de Pisa.
“Or San Michele”, de inspiración gótica, la fachada tiene 14 nichos con esculturas de
santos, de las cuales varias serán realizadas en el Renacimiento.
“San Lucas”, Gianbologna (1508),detalle de la cúspide del tabernáculo de San Lucas,
“San Marcos”, Donatello (1413).
 CARACTERSTICAS GENERALES:
Gusto por el placer estético, las formas bellas tendrán valor por si mismas, no se recurre a valores
trascendentales o religiosos, se fundamenta el gusto en la contemplación visual, el temas principal será
el hombre, fundamentalmente desnudo, hay gran preocupación por la anatomía, se busca expresar una
belleza sensitiva, realismo anatómico, idealización, se asiste también al triunfo del genero del retrato con
mucho realismo, sea funerario, ecuestre etc. Durante la primera parte del Quattrocento las esculturas
serán hechas para se vistas de frente.
 ARTISTAS PRINCIPALES DEL QUATTROCENTO
LORENZO GHIBERTI (1378-1455)
Como buen humanista, era polifacético (arquitecto, escultor, comentarista de arte, pintor), su técnica
favorita fue el trabajo en bronce, hace relieve stacciato o bajo, en los que trabaja magistralmente los
detalles, el paisaje.

“Puerta del Baptisterio” de Florencia, 5.20 de alto x3.10 de ancho, ocho toneladas de peso.
Cinco escenas del Antiguo Testamento por batiente.
Retratos de Ghiberti y su padre. Panel con “Vida de José”
“Noe”, “Isaac, Jacob y Esau”, “David y Goliat”, “Adan y Eva”, “Sacrificio de Isaac”, .
“Puerta Norte” por Ghiberti:1 Anunciación. 2 Nacimiento. 3 Adoración de los
Magos. 4 Disputa de los doctores. 5 Bautismo. 6 Tentación de Cristo. 7
Expulsión de los mercaderes del Templo. 8 Jesús caminando en el agua. 9
Transfiguración. 10 Resurrección de Lázaro. 11 Entrada a Jerusalén. 12 Ultima
cena. 13 Agonía en el Huerto. 14 Captura. Flagelación. 15 Jesús ante Pilatos.
16 Ascenso a la caballería. 17 Crucifixión. 18 Resurrección. 19 Pentecostés. A
San Juan. B San Mateo. C San Lucas. D San Marcos. E San Ambrosio. F San
Jerónimo. G San Gregorio. H San Agustín.
 DONATELLO (DONATO DI NICCOLO BARDI 1382-1446)
Fue discípulo de Ghiberti, en algunos aspectos es aun medieval, pero también muy clásico, por ejemplo
en el tratamiento del desnudo y la elección de figuras ecuestres.Gran capacidad para captar estados
espirituales y características de la edad. También es un gran intérprete de la alegría infantil. Hace de la
risa de un niño el tema de un busto.

“San Jorge”,”Gattamelatta”, “San Marcos”

En el caso de los monumentos ecuestres, (en teoría), cuando el caballo se levanta sobre dos patas, el
jinete habría muerto en batalla, si el caballo esta sobre tres de sus patas, el jinete habría fallecido
momentos después de que terminase la batalla. Si el caballo esta parado sobre sus cuatro patas, la
muerte del jinete, no tendría que haberse debido a las batallas. La esfera bajo la pata izquierda del
caballo en este caso significa “ el mundo a sus pies”.
“Retrato de Nicolas de Uzzano”. Define el tipo de busto renacentista cortado
horizontalmente y no a la clásica sobre un pedestal.
“David” (1476) Bronce, 1.26 mts.
“Amorattis” (1441). Probablemente encargada por la familia Bartolini Salbimbeni dado que
aparecen amapolas en el cinturón del niño-dios mercurio, (presentes en el escudo de
armas de esa familia) que fue descripto por Giorgio Vasari como “vestido de manera
extraña”. Su iconografía es muy especifica, por lo que es posible que se trate de un
encargo privado de carácter humanista. La serpiente a sus pies indicaría un culto
ctonico o a los dioses del inframundo o a los ciclos de la vida. Seria un geniecillo medio
ángel, medio diablo.
 ANDREA VERROCHIO (1435-1488)
Comenzó su actividad como orfebre y platero, es también un maestro del bronce. Fue maestro de
Leonardo, Perugino, Boticcelli.

“Monumento ecuestre de Colleoni” (1479-1488). Bronce, 4 mts, Venecia.

“La duda de Santo Tomas”
“David”
 JACOPO DELLA QUERCIA(1374-1438)
.Uno de los mejores escultores toscanos. “Fuente de la alegría o Fontana gaia” (1346), ciudad de Siena. El
material de las estatuas es mármol de Siena , débil, lo que provoco la degradación de las estatuas.
“Romulo y Remo y Acca Laurentia”
“Rea Silvia” (1414-18). Actualmente en un museo. Marmol de Siena 1,63 mts.
“Sabiduria”
“Sepulcro de Santa Hilaria de Carreto” (1406)
“Portada de San Petronio” (1425-1434).
 ARTISTAS PRICIPALES DEL QUINQUECENTO
MIGUEL ANGEL (1475-1564): SU ARTE ES SINTESIS DE BUSQUEDAS, es fundamentalmente escultor,
para el arte, es “liberación de la imagen”, del espíritu del peso hostil de la materia, donde esta contenida.
“La imagen ya esta contenida en el bloque”, dirá. Esa lucha se vera plasmada a veces, en sus obras no
terminadas, como en sus esculturas llamadas esclavos. Su padre fue un funcionario de una familia de
clase media alta, luego vive en una familia de canteros desde los seis años y en ese tiempo, empieza su
educación con el humanista Francesco Galatea de Urbino y por 1488 empieza su aprendizaje pictórico a
pesar de la oposición familiar.

“Centauromaquia” , “Virgen de la escalera” (mármol, 55x40cm), primeros trabajos de Miguel

Ángel, ambas del año 1493.
 En El siglo XVI o Quinquecento, PUEDE DISTINGUIRSE DOS FORMAS DE ESCULPIR:

GRUPO DE TENDENCIA CLASICISTA

Tienen en mente el ideal clásico. En estas obras no hay ornamentación, por ejemplo Jacobo de
Sansovino (1486-1570) Tras el Saqueo de Roma (1527), emigra a Venecia.

“Neptuno y Marte”, Jacopo di Sansovino. Escalera del patio de los Dux de Venecia.
“Perseo, Apolo, Mercurio y Minerva”, Bronces de la Logietta o Loggia de Plaza de San Marcos.
Logietta o Loggia de Plaza de San Marcos.
 GRUPO DE TENDENCIA MANIERISTA
Otro grupo de tendencia manierista, siguen la línea de Miguel Ángel cuasi manierista o titanista por la
manera en que sus personajes parece retorcerse sobre su eje, tambien presentan ornamentos que no se
ven en la tendencia Clasicista. Por ejemplo, el escultor, escritor y orfebre Benvenuto Cellini (1550-71) que
fue discípulo de Miguel Ángel.

“Salero”, de Benvenuto Cellini (1540-1543). Oro, esmalte, ébano, 26x34 cm.

Neptuno y Ceres (tierra y agua), con sus piernas entrelazadas simbolizan la
combinación de estos elementos que al unirse producen la sal.
“Perseo” (1545-54). Benvenutto Cellini. Bronce, 3.10 mts. Fue realizada para ser mirada
desde abajo.
“Autorretrato de Benvenutto Cellini”
“Perseo y Danae , su madre”
“Minerva”
Trabajara en el taller de los hermanos Ghirlandaio. Entre 1489 y 1492 estudia escultura en el jardín de los
Médicis, allí Lorenzo lo acoge y se transforma en su mecenas, también se relaciona con los
neoplatonistas como Marsilio Ficino, aprende anatomía, a través de mirar escultura clásica, y la
investigación directa del cuerpo humano. Por 1494 debido a los disturbios politos en Florencia y la
expulsión de los Médicis marcha a Venecia y Bolonia. Regresa a Florencia en 1501 y se le pide la creación
de un símbolo para la ciudad, así crea, la figura bíblica del David tras tres años de trabajo.

“David”(1501), mármol, 4.10 mts. Se representa a David, en el momento de máxima

concentración, previo al ataque. Esa tensión, se expresaría en la musculatura marcada.
Esta obra, “rompe”, con el Quattrocento. Es la representación de un ideal político, de
fuerza, acción, atributos que habían caracterizado a Florencia en defensa de su libertad.
 En 1506, va a Roma, y ya es famoso, Julio II, le encarga la ejecución de su tumba. Por ello, Miguel Ángel
se va Carrara a escoger los mármoles para el mausoleo. A su vuelta, el papa cambia de idea y pide otro
proyecto que es la de la Basílica de San Pedro. Enojado, se va a Florencia, donde es llamado por el papa
para llevar a cabo la pintura de la Boveda de la Sixtina que le demandara hasta 1512. Entre 1512 y 1534
viaja entre Florencia y Roma, para realizar la tumba de Julio II, y las capillas Mediceas. Por 1563, empieza
el tema escultórico de las Piedades y dirige la Academia de Diseño de Florencia.

“Tumba de Julio II (Della Rovere)”(PROYECTO ORIGINAL DE CONJUNTO ESCULTORICO Y

RESULTADO FINAL DE NICHO EN PARED, 1543), RAQUEL Y LIA CON MOISES.
“Moisés”, (1547). La presencia de cuernos en su cabeza, se debería a una mala traducción bíblica de
“rayos de luz” por “cuernos”, que figura en la Volgata de San Jeronimo. Su lado derecho, presenta la
estabilidad, lo divino, la parte izquierda la rebeldía del ser, lo indomable, el mal. Esta representados,
según las teorías Neoplatónicas, los cuatro elementos: la barba el agua, el fuego en los cuernos, el
aire en las aletas de la nariz extendidas, la tierra en los pliegues de su vestido y su ropa. En esta
época Miguel Angel esta en el apogeo de su fama. La terribilitá, propia de su obra, aquí es mas
presente que nunca.
“Raquel y Lía”
“Esclavo rebelde” “Esclavo moribundo” (1513-16), representarían las artes huérfanas tras la
muerte de Julio II, o los pueblos sometidos por el cristianismo. Aprox. 2.30 mts.
“La Piedad”, (1497). Mármol, 1.74x 1.96 de base. Basílica de San Pedro del Vaticano. La realiza en su
Juventud, a los 24 años de edad aprox. En la cinta que cruza el pecho dice: “Miguel Angel Buonarroti
la hizo”. En 1972, sufrió un atentado a manos de un hombre armado con un martillo.
“Baco” (1496-97). Mármol, 2.03.Evoca la sexualidad, la androginia, el hedonismo, la piel
desollada de león que contiene uvas, representa la vida que triunfa sobre la muerte,
Baco también parece balancearse por los efectos del vino. La perfección técnica se
aprecia también en el pulido, ya que, la luz corre sobre la estatua como un velo de agua.
“Complejo arquitectónico de San Lorenzo”, “Sacristía nuova” Allí se encuentran las Capillas
Mediceas encargadas por Clemente VII.
 “Capillas Mediceas”, son dos, una dedicada a Lorenzo Duque de Urbino (1521-1531), representado en
actitud pensativa y rodeado de la “Aurora” a su derecha y a su izquierda, “El Crepúsculo”.
La de Giuliano Duque de Nemours (1524-1553), en actitud activa, esta rodeado por el “Día” a su izquierda,
y la “Noche” a su derecha. Cada una mide 6.30x4.20 de base.
“Madonna entre San Cosme y San Damián”
“Piedad del Duomo de Florencia” (1550-55). Acompañado de Maria y Maria
Magdalena y Nicodemo.
“Piedad Palestrina” (1550)
“Piedad Rondanini” (1559-64). Mármol 1.95
 PINTURA DEL RENACIMIENTO SIGLO XV
Hacia el 1400, fuera de Italia, prácticamente todo es gótico. Incluso en la misma Italia los
marcos de los cuadros aun tenían formas góticas, Carlo Crivelli pinta su “Virgen con el
niño” en 1450 y Gentile da Fabriano pinta en 1423 su “Adoración de los magos”, aun
plenamente góticos.
 Pero un nuevo estilo se esta desarrollando, fundamentalmente en Italia y Flandes, donde
aparecen “temas”, con cierto sabor profano y secular, abundan los retratos de monarcas y
de la burguesía de las ciudades.
La pintura adquirirá una mayor carta de ciudadanía en un sentido privado. El ascenso de la
burguesía con su mentalidad de prestigio social, influirá en el desarrollo de la pintura. En el
Renacimiento, en la escuela Florentina se dibuja primero y se pinta después, es decir, es
una pintura dominada por el disegno (el dibujo como proyecto previo), donde el color es
algo adicional. Luego, con la pintura veneciana se rompe esta manera de pintar, dando
preeminencia al color, vale decir, a lo pictórico en si. En adelante encontraremos estas dos
líneas de expresión.

“Detalle”, Sandro Boticelli. Se ve el predominio de la línea , la construcción, sobre el color.

 CARACTERISTICAS:
IMITAR LA NATURALEZA
Imitar las cosas, representarlas como son. El objetivo del pintor, será según Alberti:
“…circunscribir con líneas y teñir con colores las superficies de apariencia semejante a
cada cuerpo…”
Pero el artista no se contenta con esto, porque considera que debe ser dueño de la realidad,
seleccionar y escoger lo más hermoso que hay en cada cuerpo, porque la plenitud de la
belleza siempre desde la interpretación científica de la naturaleza.

“Doriforo” de Policleto, “Apoxiomeno” de Lisipo

Se presta atención a la profundidad, a la expresividad (optando por un aspecto naturalista
de las formas), el movimiento (estático o dinámico, dados a través de líneas direccionales
que se pueden apreciar en las obras).

“Descendimiento o deposición de la Cruz” (1504), 333x 218 mts. Filipino Lippi

 REPRESENTACION CIENTIFICA DEL ESPACIO
Este método toma como modelo la Antigüedad clásica. No obstante su influencia sobre la
pintura es menor en la pintura que en la arquitectura y la escultura debido a que no existían
ejemplos antiguos de pinturas.
La presencia de lo antiguo, quedara reflejada en la temática mitológica que llega de la mano
de la escultura y la arquitectura clásicas. Esto conllevara a:
Aplicación de un sistema de proporción, que será el creador de la belleza. El punto de
referencia es el hombre, a partir del cual se realizan una serie de cálculos mediante los
cuales la figura humana se concibe aritmética y geométricamente (descomponiendo los

rostros y cuerpos en figuras geométricas como cuadrados y triángulos).

“De Prospectiva Pingendi”, Piero della Francesca
• “Hombre de Vitrubio”, el canon de Leonardo Da Vinci. Mide ocho cabezas (La cabeza, desde la
barbilla hasta su coronilla, mide la octava parte de todo el cuerpo.
• El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca
arriba, con sus manos y sus pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando
una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.
• La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se
mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre
las puntas de los dedos con los brazos extendidos. El dibujo también es a menudo considerado como
un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.
Perspectiva de un solo ojo, Brunelleschi
Canon de Durero
“Trinidad”, Santa Maria Novella, Masaccio.
 PIGMENTOS
TEMPLE: el pigmento se disuelve en agua y aglutinantes como grasas animales, yemas de huevo,
resinas naturales.
OLEO: el pigmento se aglutina con aceites vegetales como el de linaza o con trementina. Da una
buena estabilidad de colores.
PIGMENTOS: Hierro y arcilla para pieles y sombreados de las mismas, cardenillo, aloe, hiel,
malaquita (carbonato de cobre) para los verdes, lapislázuli y azurita para el azul, tiza roja, oxido de
hierro, cinabrio, carmín de cochinilla para los rojos y tierras, amarillo de cromo para los amarillos y
naranjas, mezclados con resinas naturales, oleos, aguarrás vegetal (esencia de pino o trementina),
SOPORTES: tablas, paredes, cobres, piedras, linos, algodones, arpilleras previamente encoladas,
aceitas o enyesadas (o estuco compuesto de cal apagada, yeso y mármol)
 Las disquisiciones sobre el canon y la proporción de la figura humana fueron abundantes.
Además de Leonardo, otros artistas investigaron buscando un canon de proporcionalidad: Bramante,
Giorgione y Durero. Los artistas usaran cánones de seis y media cabezas, de siete cabezas, (cánones
normales), de siete y media cabezas (canon más esbelto) de ocho, ocho y media (canon heroico o
gigante) también y a veces un poco más.
La aparición de perspectiva de punto de fuga o científica, que es la base de las leyes de la óptica, según
las cuales las imágenes que percibimos disminuyen o empequeñecen con la distancia. También se usara
la perspectiva aérea (será Leonardo quien desarrolle esta ultima).

“Entrega de las llaves a San Pedro” (1482) fresco, 335x550, Perugino. Perspectiva central.
San Pedro del Vaticano
 CENTROS DE PRODUCCION
Durante el Quattrocento, será Florencia el centro de
producción más importante. Su pintura escara dominada por
la línea y el dibujo.
En el Cinquecento, Roma y Venecia abren la línea pictórica
hacia el color.
Sin embargo no debemos olvidar que existen otros centros
de producción como Padua, Milán, o Ferrara.
 TEMATICA
En primer lugar, pervive la temática a religiosa, se mantienen temas de inspiración
medieval, pero actualizando las vestimentas (basta observar el vestuario para comprobarlo).

Este proceso, se denomina secularización.

“Viaje de los reyes magos”, Bonozzo Gozzoli, 1459,1461), frescos, Palacio Medici-Riccardi.
Están presentes la retratistica, el genero ecuestre y el paisajista.
 En segundo lugar, el retrato experimenta un importante desarrollo como consecuencia del
humanismo imperante, del culto al individuo, de la autoseguridad de la alta burguesía. Tal
es la fuerza del individualismo del Renacimiento que el “solo” de música o de instrumento
musical, aparece en este momento. El hombre busca perpetuarse a si mismo, en el presente
y la posteridad mediante el retrato o como donante o mecenas.

“Lorenzo de Médicis”, retratos del escultor Verrochio, y los pintores Girolamo Macchietti,
:P
 La temática mitológica se desarrolla como consecuencia de la recuperación de la
Antigüedad.
Esta pintura no consiste en la representación de héroes o dioses paganos, sino que son
instrumento para la exaltación de los valores humanos que encarnan o de los hechos
históricos que pueden simbolizar a través de las alegorías o emblemas que pueden
interpretarse en ambientes privados familiarizados con ellos. Su desarrollo puede deberse a
que quizá sea el lenguaje mas apto para plasmar las ideas filosóficas del pensamiento
neoplatónico, de gran influencia en lo estético, y un instrumento valido para expresar
alegóricamente temas morales.

“La calumnia de Apeles” (1491), temple sobre tabla, 62x91, Sandro Botticelli
 VALORES TECNICOS
El pintor renacentista es versátil. Las principales técnicas que usa son el fresco, el temple y
luego, el óleo, debido quizás a la influencia de los pintores de la Escuela Flamenca (Roger
Van der Weyden, los hermanos Van Eyck) y por los venecianos (Bellini, Carpacio).
La luz cobrara valor para lograr la unidad ambiental, se buscara pintarla y registrar las
variaciones que provoca en los colores.

“Venus y Marte unidos por el amor” (1565), Veronese.

 MASOLINO DI PANICALE (1383-1440)
Es de la generación de Fra Angélico. Conserva rastros de la pintura trecentista. Junto con
su aprendiz Masaccio, pintan los frescos de la Capilla Brancacci como “El pecado original”,
y dos historias de San Pedro.

“La tentación”, “Predica de San Pedro”, Capilla Brancacci

“Fundación de Santa Maria la Mayor” (Santa Maria Maggiore)
 GENTILE DA FABRIANO (1370-1427)
Representa al Gótico Internacional en Italia. Fue un artista itinerante.

“Coronación de la Virgen” (1420)

“Virgen del humildad” (1420)
“Visita del Reyes Magos”, Pala Strozzi (Retablo Strozzi). Considerada obra
maestra del estilo Gotico Iternacional.
 MASACCIO (1401-1428)
Se lo considera el padre de la pintura del Quattrocento, un iniciador del renacimiento.
Tomasso di Ser Giovanni di Simone nace en 1401 el día de Santo Tomas en Castel San
Giovanni, Florencia. Hijo de un escribano rural, es según el biógrafo Vasari muy
despreocupado. En 1422 se establece en Florencia, dos años después entra al gremio de
San Lucas Su maestro fue, Masolino di Panicale, uno de los últimos seguidores de Giotto.
En su obra domina la masa y el volumen, dibuja a partir de la luz. Sus formas presentan
monumentalidad, (esto viene de Giotto) y anticipa la corporeidad de Miguel Ángel. Su dibujo
es sintético, no presenta detalle. Es un pintor de temas religiosos y manifiesta tendencia al
naturalismo. Sus figuras son como elementos arquitectónicos que no hacen a un conjunto,
sino que cada una configura su espacio, sus vestimentas son sencillas, de gestos

grandiosos.

“Pago del tributo” (1424-27), fresco 255x598. Capilla Brancacci.

 Obras más importantes:
“Santa ana, la virgen y el niño Jesús”, allí se ven las intenciones de volumen. En 1426, pinta
“La Virgen con el niño”, parte central de un políptico, hay perspectiva lineal, y un espacio
casi tridimensional dado por los relieves y huecos que logro con el claroscuro, el rostro de
la Virgen tiene expresión. Luego, sustituye a su maestro Masolino en un encargo
importante: la Capilla familiar de la familia Brancacci, del rico mercader Felipe Brancacci,
donde pinta la vida de San Pedro, por ejemplo, “San Pedro sanando con su sombra”, “El
tributo de la moneda”. Otras obras importantes “El Bautismo de los Neófitos”, La expulsión
del edén” .Es pobre, vive con su madre, no puede ni pagarles a sus ayudantes, lo cual le
suscita amenazas y problemas, su ropa la tienen prestamistas. Para terminar con este
problema, viaja a Roma, pero muere allí a poco de llegar, a los veintisiete años de edad,
quizás envenenado por un rival preocupado por su naciente gloria.

“Expulsión del Paraíso”, “Bautismo de los Neófitos”, Capilla Brancacci

 Hace un excelente uso de la luz y la sombra, de la perspectiva, notable conocimiento
anatómico, intensa veracidad de las expresiones. Todos los Quattrocentistas peregrinaran a
la capilla Brancacci para formar su talento, mirar sus obras, luego en el Quiquecento irán
Fra Brtolommeo, Miguel Ángel, Rafael, Andrea del Sarto.

“Resurrección del Hijo de Teofilo Prefecto de Antioquia” (1424-28) fresco 230x598), Cap.
Brancacci, Iglesia Santa Maria del Carmen.
 “San Pedro cura con su sombra”
“Crucifixión de San Pedro”, Cap. Brancacci.
“Trinidad”, (1401-28), fresco, 680x475. Santa Maria Novella.
“Virgen con el niño” (1426). Temple sobre tabla, 135x73 cm.
 FRA ANGELICO (1400-1455)
Nacido en la Toscana, paso su vida entre Florencia, Orvieto, y Roma donde fue llamado a
trabajar en la decoración del Vaticano y donde moriría. Fue un hombre que vivió entre el
escolasticismo y el humanismo, formado por conceptos medievales. Es el pintor de la vida
terrenal de Jesús y temas marianos en un ambiente de espiritualidad. Su estilo con gran
amor por el detalle, es consecuencia de su formación miniaturista y la influencia de Ghiberti
se ve reflejada en su línea suave y la abundancia de oros. Es un estilo dominado por el
dibujo, colores rosas, azules, celestes y oros, de la tradición gótica. Presenta personajes

esbeltos, elegantes, rostros alargados cejas altas.

“Anunciación” (1426), oro y temple sobre tabla 194x194.

“Coronación de Maria” (1395-1455), Museo de San Marcos.
“Adoración de Jesús” (1437)
“Muerte o deposición de Cristo”, 1437
“Virgen de la humildad”
 PAOLO UCELLO (1397-1475)
Se llamo Paolo di Dono, nace en 1397, hijo de un cirujano barbero ciudadano de Florencia.
Su apodo fue Ucello, “pájaro”, seria por su cariño por los animales. Desde los diez años de
edad, aparece registrado como mancebo del Taller de Lorenzo Ghiberti (colaboro en la
ejecución de las puertas de bronce del Baptisterio de San Juan).
Su primera obra pictórica es un retrato de un condotiero ingles “John Hawckwood”, que
mandaba a los mercenarios de Florencia. Durante su juventud estudio la perspectiva con
Brunelleschi y el matemático Antonio Manietti. Se obsesiona con la geometría, e interpreta
la pintura como un problema de perspectiva geométrica.

“John Hawckwood”,
Hacia 1440, pinta dos versiones de “San Jorge y el dragón”(57x73 cm.). Por 1445, realiza su
celebre “Diluvio”, en el claustro de Santa Maria Novella, donde da una excelente sensación
de espacio. Este fresco se hizo famoso y los pintores de toda Florencia acudían a verlo.
Abajo, “Retrato de una Dama”.
Por 1432, pinta la “Batalla de San Romano”, un tríptico cada tabla de 182x320, basándose en
hechos de su tiempo: habiendo derrotado los florentinos a los sieneses, quisieron los
Médicis (florentinos), adornar una sala de su palacio con un recordatorio del triunfo. En este
tríptico, los elementos están simplificados y dispuestos rítmicamente, las largas líneas
rectas de las lanzas, se contraponen con los grandes volúmenes de los caballos y los
caballeros, también allí aborda por primera vez, el ámbito de lo fantástico y hará que este
tríptico sea considerado uno de los precursores del surrealismo pictórico, dado que todo
en el concurre a crear un universo extraño, casi onírico (de sueño), efecto que es
acentuado por los rostros tapados y la luz nocturna que baña al conjunto.
 A los 71 años, pinta “el milagro de la ostia profanada”, es una predela o pared
inferior de un retablo. En esa época, reina un furioso antisemitismo. Esta obra,
también presenta una atmósfera de irrealidad.
Cuando pinta su “Caceria”, es viejo, su pintura esta en el olvido. Para 1469, esta
en la miseria. Muere en 1475 solo, ignorado, representa un caso único en el arte
del Quattrocento.
 ANDREA DE MANTEGNA (1431-1506)
Perteneciente a la escuela de Parma. Fue discipulo de Donatello y Filippo Lippi. Su estilo, tiene mucho de
la grandiosidad del trabajo de Masaccio y Ucello. Obras: en el Convento de Santa Apolonia pinta los
frescos de “La cena”, y “Los varones ilustres”.
Su pintura es fuerte, rotunda, dotadas de expresiones duras. Domina la masa, la monumentalidad, sus
caracterización de las telas son duras. Buenos escorzos. Fue copiador de ruinas, lo que lo convierte en
uno de los más importantes representantes de la recuperación de la Antigüedad.

“Crucifixion”
 Es la figura de la Escuela de Padua, que nace a mediados del siglo XV, (El terreno para un
arte de tipo monumental, lo prepara el escultor Donatello, al levantar allí, su estatua
Gattamelatta, y el interés que Padua manifiesta, es semilla sembrada). Su pintura, es fuerte,
monumental, sus personajes fuertes, rígidos también, como columnas, como también sus
ropajes, sus fondos producen sensación de masa, no de espacio, sus paisajes están llenos
de desoladas canteras con formas pétreas extrañas, pero debemos aclarar que tiene un
profundo conocimiento de la perspectiva aunque esta no destaque en su obra. Su hermana
se casara con el pintor veneciano Giovanni Bellini, quien lo entusiasmara con el uso de un

color brillante y fuerte. Su obra importante tendrá lugar en Mantua al servicio de los
Gonzaga, para ellos pinta “La camara degli sposi”, pinturas murales “El triunfo del Cesar”,
en la corte de Mantua pinta “Parnaso”, “Transito de la Virgen”.

“Sagrada Familia”,
“Epifanía”
 “Muerte de Maria” (tabla, 54x52 cm.),
“Cristo muerto”1451-1507(tempera sobre tela 68x81cm).
“Atenea expulsa a los Vicios del Jardín de la virtud” (1497). Temple sobre tabla, 160x192.
Atenea entra al “Jardín” de la mente, en las nubes están la Justicia, la Fortaleza y la
Templanza, en el jardin estan la lujuria representada por Venus parada sobre el lomo de
un centauro, el Ocio, si brazos es llevado por la Inercia, la Avaricia y la Ingratitud portan
a la Ignorancia
 “San Sebastián”,
“Oración en el huerto de los olivos”
“Cámara de los esposos” (1474). Trampa de ojo en forma de oculo.
“Parnaso”(1497). Tempera y oro sobre lienzo, 54x70.
 “Madonna de la cantera”
“Virgen con el niño”
“Madonna Victoria”(1496). Temple sobre lienzo 280x166. Francesco Gonzaga agradece a la
Virgen por su protección en las batallas (el manto de la Virgen tapa parcialmente su
cabeza), hay una leyenda entre las patas de león del trono (Madre de Dios, alégrate) y
sobre ello una escena de del Pecado original. En el espaldar hay un disco sola de oro y
perlas. Jesús tiene dos flores rojas y un coral (símbolos de la Pasión), también se
encuentran San Longinos (lanza rota), y San Miguel (con espada), San Jorge (con lanza
roja), sobre Maria una ostra que la convierte en la nueva Venus)
 Cámara degli sposi:
“Portadores de trofeos y toro sacrificial”
“Maquinas bélicas”
“Cesar triunfante”
 FRA FILIPPO LIPPI (1406-1469)
Junto con Masaccio y Ucello, es otro de los creadores del Quattrocento. Nace en Florencia
en 1406. Su padre carnicero, muere al poco tiempo de nacer el. Su madre muy pobre para
educarlo, lo confía a los ocho años al convento de los Carmelitas donde pronuncia sus
votos a los 15 años. Nada mas ingresar como novicio, ve pintar a Masolino y a Masaccio los
frescos de la Capilla Brancacci y recibe con ellos sus primeras lecciones de pintura. Casi
todos sus cuadros, están consagrados a Maria: “La Anunciación”, “La Natividad”, “La
Coronación de la Virgen”. Con el, las madonas, pasan a ser madres verdaderas, vírgenes
vivientes, son su mejor trabajo, lo destacan.
 En 1450 va a prisión, por un supuesto recibo falso. Lo saca de allí, Cosme de Médicis,
porque aprecia su talento, pero al año siguiente, a los 50 años, nombrado capellán de las
religiosas de Santa Margarita, rapta a una joven y bella monja llamada Lucrecia Butti, que le
servia de modelo para una Virgen. Tendrán un hijo que será un pintor de fama: Filipino
Lippi. Cosme de Médicis interviene de nuevo tras “haberse reído con ganas de las locuras
del fraile” y obtiene del Papa Pío II, la secularización para que los dos culpables puedan
casarse. De todos modos, Lippi seguirá su vida de libertino. Quizás murió, en 1469,
envenenado por la familia de una de sus seducidas. En la Catedral del Prato pinta al fresco
“Banquete de Herodias”.

“Visión de San Bernardo”

“Anunciación”
• “Muerte de la Virgen”
 BENOZZO GOZZOLI (1421-1497)
Discípulo de Fra Angélico. Hereda de su maestro el gusto por el paisaje poblado de figuras
y escenas anecdóticas. Es el narrador del Quattrocento. De estilo naturalista.
En los Campos de Pisa, pinta fresco “Noe ebrio”.
En “Los reyes magos”, retrata a los dueños de la casa de Médicis (Palacio Medici-Ricardi), a
la Florencia de su tiempo y su autorretrato, en la pared Este, representa al mas joven de los
reyes magos, Gaspar, que procede de Asia, va de blanco representando el sol naciente con
su juventud, lleva el incienso que representa la fe y el incienso, en la pared Sur, se
represento a Baltasar, de edad intermedia, procedente de África, encarna la madurez del sol
del mediodía lleva la mirra que simboliza la esperanza y el color verde, en la pared Oeste, se
representa al mago de mayor edad, Melchor procedente de Europa, que encarna la vejez de
sol poniente, y lleva el oro que simboliza la caridad al igual que el color rojo.
 PIERO DELLA FRANCESCA (1420-1492)
Es el pintor enamorado de la luz. Obras: “El milagro de Constantino”. Con el uso de la luz,
ablanda los volúmenes de los cuerpos. Su pintura, puede recordar a la de Ucello, pero sin
su tono épico. Su mundo es ligero, casi transparente. Obras: “Historias de la Santa Cruz”,
pinturas al fresco en Arezzo.

“Madonna de Senigallia” (1470)

“Resurrección” (1460)
“Duques de Montefeltro” (1465)
“Virgen del parto”, (260x203 mts. Año 1460 aprox.)
Imágenes de su Tratado “De prospectiva Pingendi”
 “Flagelación de Cristo” (1444), Temple sobre tabla 59x82 cm.
“Descendimiento de la cruz”, Capilla Bacci (1452-66) Pinturas al fresco.
 “Bautismo de Cristo”
“Sueño de Constantino” (Leyenda de la Vera Cruz)
 DOMENICO GHIRLANDAIO (1449-1491)
Amigo de la filosofía, es parte de los asiduos de la Academia Platónica y poeta. Lo narrativo
y lo profano constituyen su nervio principal. Personajes elegantes, algo rígidos. Buena
parte de los personajes de sus escenas son retratos de patronos y amistades. Para los
fondos, trabaja ricas perspectivas, arcos del triunfo. Su obra principal es la serie de frescos
de Santa Maria Novella de las “Vidas de la Virgen y de San Juan”, allí se representa “El
nacimiento de la Virgen”, de sus pinturas en tabla citamos “”Visitación” en el Louvre,
“Adoración de los pastores.

“Adoración de los reyes”

 “Abuelo con su nieto”
“Retrato de Giovana Tornabuoni”
“Retrato de Girolamo Savonarola” (1452)
 Capilla Tornabuoni: ”Nacimiento de San Juan Bautista”
“San Mateo” (evangelio) “San Juan Evangelista” (aguila) “San Marco”(león) “San Lucas” (toro)
“Natividad o Nacimiento de la Virgen”,Capilla Tornabuoni de la Iglesia Santa Maria Novella
 SANDRO BOTICCELLI (1445-1510)
Se forma en el taller de Fra Filippo Lippi y el escultor Verrochio. A los 25 años tiene taller propio donde
trabaja casi todo el tiempo, salvo cuando deba ir a Roma a trabajar en la Capilla Sixtina.
ES EL MAESTRO PUENTE entre Quattrocento y Quinquecento, tanto por sistemas como por su estilo.
Su temperamento artístico es apasionado, y muy sensible. La emoción guía la línea de sus dibujos. La
pintura de sus primeros años es un reflejo en pintura de la cultura literaria de la Corte de Lorenzo el
Magnifico, racional, naturalista, culta refinada. Es el pintor de fabulas paganas de Lorenzo el Magnifico.
“Nacimiento de Venus”, se representó en Porto Venere, lugar de donde provenía el amor platónico de los
hermanos Giuliano y Lorenzo el Magnifico, Simonetta Vespucci.

“Palas y el centauro”
“Judith”
 “Retrato de hombre con sello”
“Retrato de Giuliano de Medicis”
“Adoración de los reyes” (1475). Temple sobre tabla 111x134.
“Historia de Nastagio degli Honesti”, del Decameron de Bocaccio, en las dos primeas tablas representa a
Nastaggio, que triste por el desden de una muchacha, el ve en un pinar, una escena que esta condenado a
perseguir eternamente a su amada y arrancarle el corazón para tirarlo a los perros. Nastaggio organiza un
banquete en el lugar, invita a su enamorada que ve la misma escena que el y accede a casarse con el.
También pinta el retrato de Lorenzo el Magnifico, de su hermano Giuliano. Las tres primeras son tablas de
83x118 y la ultima de 84x182.
 En una segunda época su obra adquiere estilo propio, se adentra en el concepto de belleza como se
refleja en sus muchachas adornadas de piedras preciosas, con rosas, velos. Es uno de los más
inspirados pintores de la Virgen, las representa con expresión pensativa, melancólica, ensoñada. Es el
creador de un nuevo tipo de belleza cuerpos desnudos, etéreos, rostros alargados, ondulantes
cabelleras. Una belleza poética.

“Retrato de Simonetta Vespucci”

“Tondo del Magnificat”
 “Anunciación”
“Virgen con el niño”
El acercamiento a las ideas de Girolamo Savonarola se dejara sentir en sus obras del siglo
XVI, de temática religiosa. Sus tondos de “Virgen de la granada”, “San Sebastián” figuran
entre las creaciones mas inspiradas del Renacimiento.
“Lamentación por Cristo muerto”
“Visita de los reyes magos”
“Coronación de Maria”
“La primavera”, es una composición alegórica inspirada en textos de Lucrecia y Poliziano, en ella Venus
preside la escena, a la derecha esta Flora, seguida de la Primavera, a la izquierda Las Gracias,
representan un ideal de belleza adolescente que desaparece en la generación siguiente.
“La Primavera”
 En “La calumnia”, esta arrastra a un hombre que pide perdón. Se la ve ayudada por la Traición y el
Engaño que la engalanan con flores, es guiada por el Rencor (joven encapuchado), ante el rey Midas con
grandes orejas de asno, que escucha los consejos de la Ignorancia y la Sospecha, en el extremo opuesto,
están la Verdad, desnuda con los ojos al cielo confiando en su triunfo final y la penitencia de negro.
 PERUGINO (1448-1523)
Se lo considera perteneciente a la escuela de Umbria, que inicia por la segunda mitad del
siglo XV (1450), pero se ha formado en Florencia. Su estilo es personal, sus formas blandas,
redondeadas, siempre un tanto femeninas, de miradas dulces, según Vasari, “no hubo
medio para hacerle creer en la inmortalidad del alma”. Usa mucho la simetría. Obras:
“Crucifixión”, “Entrega de las llaves a San Pedro”. Es uno de los primeros en usar la pintura
al óleo en Italia.

“Entrega de las llaves a San Pedro” (1482) fresco, 335x550, Perugino. Perspectiva central.
San Pedro del Vaticano
“Combate de Amor y Castidad” (1503). Temple sobre tabla 160x191.
 “Maria Magdalena”
“Bautismo de Cristo”
“Retrato de Fra Baldassare” (1500)
“Vision de San Bernardo” temple sobre madera (173x170)
“Desposorios de la Virgen”,(1501-04). Óleo sobre tabla, 234x184.
 FILIPINO LIPPI (1457-1504)
Sus personajes son demacrados, delgados, exalta también cierto “desequilibrio” o aparente
caos compositivo. Se despreocupa por la belleza, se complace en lo feo, lo deliberadamente
incorrecto. Obras: “Virgen y San Bernardo”, frescos de Santa Maria Novella, “Vida de San
Felipe”.

“Descendimiento de la cruz”
“San Pedro es visitado en la cárcel”
“Desposorios de Santa Catalina”
“Adoración de los Magos”
 “Crucifixión de San Pedro”
“Autorretrato de Filipino Lippi”
 FRA BARTOLOMMEO (1474-1517)
Empieza su carera como artista a los 11 o 12 años de edad, como Baccio Della Porta,
Fue muy influido por el monje Savonarola alrededor del año 1590, y cuando este murió en
1498, fra Bartolommeo ingreso a la orden de los Dominicanos no sin antes destruir sus
obras que tuvieran representados desnudos. Compositivamente es ordenado, armonioso,
suave. Por 1504, conoce a Rafael Sanzio, y se hacen amigos, además aprende el, la
perspectiva y Rafael a su vez toma su manera de colorear como una influencia en su obra.
Se dice que so obra carece de “fuerza”, debido a que sus personajes son pequeños,
cubiertos de ropas. Fue uno de los primeros pintores en usar maniquís articulados para
representar la figura humana. Obras: “La piedad”, “Sagrada Familia”, “Santa Catalina”,
“Presentación en el Templo”, “La visión de San Bernardo”.

“La Piedad” (1516)

“Presentación en el templo” (1516)”
“Santa Catalina” (1511)
“Visión de San Bernardo” (1504)
“Ascensión de la Virgen” (1512)
“Cristo resucitado con todos los santos” (1516). Oleo sobre lienzo, 284x204.
 PINTURICCHIO (1454-1513)
Ocho años mas joven que el Perugino, gusta como el, de los escenarios amplios, se inclina
por el lujo, y acumula elementos anecdóticos. Obras: “Disputa de Santa Catalina, en la
Catedral de Siena, “Partida para Basilea”.

“Retrato de un niño”
“Virgen con el niño”
“Lucrecia Borgia” (Detalle), Camara delos Borgia , Vaticano
“Alegoría de la Aritmética”, Chamarra de las Ciencias y las Artes, Palacio de los Borgia,
Vaticano
“San Sebastián” Palacio Borgia, Vaticano
“Alegoría de la Gramática”, Cámara de las Ciencias y las Artes, Palacio de los Borgia,
Vaticano.
 ESCUELA VENECIANA
Gracias a su habilidad política, Venecia consigue en el siglo XVI, gran esplendor. Mientras
tanto, el resto de la península italiana ha entrado al Manierismo. El mecenazgo de los Dux y
los contactos comerciales con el Oriente dotan a su arte de brillantez.
Alli, se desarrollan lo pictórico, en contraposición con lo lineal. Esta manera de pintar,
conlleva el desarrollo de los efectos de color. Más que ocuparse de la experiencia espacial
como la Florentina, de Umbria y Padua, se ocupa de preocupaciones del alma. Varias
circunstancias confluyen para dar en Venecia la creación de una pintura diferente: tiene un
clima especial, con neblina, al lado del mar que desdibuja los contornos de las cosas y
obliga a dar mayor protagonismo al color, es una ciudad comercial familiarizada
acostumbrada ver gente procedente de lejanos países ataviados con ropas extrañas y
coloridas, todo tiene ambiente festivo en la ciudad, hay fiestas, procesiones, banquetes, hay
suntuosidad, palacios cortesanos por todas partes, esto se ve en las telas fastuosas que
representa Gentile Bellini en las tonalidades de las luces de Carpaccio.
Mientras que el artista toscano no olvida el dibujo y tiene un sentido escultórico de la obra,

el veneciano ama el color.

“Retrato de Pietro Aretino”

 CARACTERISTICAS FORMALES
Culto al color: se usan colores saturados, en especial cálidos.
Importancia de los temas secundarios: atención a la anécdota, los detalles y los
fondos. El paisaje como tema se vuelve un tema central.
Culto al lujo y la riqueza: representación de ambientes palaciegos, telas vistosas,
ambientes musicales.
 GIOVANNI BELLINI (1430-1516)
Marca el transito del siglo XV al XVI. Lo conoció el artista alemán Alberto Durero, ya en su vejez, y dijo
que a pesar de su edad es el mejor pintor de Venecia. Es narrativo, espectacular, de línea blanda.

“Alegoría Sacra” (1487) su significado es incierto, se ha interpretado como un debate sobre los
atributos divinos (misericordia, verdad, justicia). El niño que agita el árbol para hacer caer manzanas,
podría ser una representación de la inocencia anterior al pecado original. A la izquierda de este patio,
la Virgen esta sentada en un trono sobre el que cuelgan uvas de la Eucaristía. Apoyados en la
balaustrada se encuentran San Pedro y San Pablo. A la derecha Job representa el Antiguo
Testamento, mientras San Sebastián con una flecha clavada observa, igual que San Antonio Abad
quien desciende las escaleras de la Cruz hasta un centauro.
 “Virgen y niño entre dos santas”
“Transfiguración de Cristo” (1487)
“Embriaguez de Noe”
“Venus ante el espejo” (1515. Oleo sobre tabla 62x79.
“Maria Magdalena”
 ANTONELLO DELLA MESSINA (SICILIANO 1430-1479)
El sur de Italia, desde mediados del siglo XV sujeto a la Corona de Aragón y sujeto antes a la dominación
francesa a la par de la influencia flamenca, recibe de esta última la técnica del óleo desconocido en el
resto de Italia. Obras: “San Jerónimo”.

“Retrato de un condottiero”
“Cristo”. Óleo sobre madera 105x81
“Ecce homo” (1475). Oleo 48x38
“Cristo muerto sostenido por un ángel” (1475). Óleo sobre tabla 74x51
“Cristo en la columna”
“Autorretrato”
 “San Sebastián”
“Virgen de la Anunciación”
“Virgen con el niño” (1460) 43x34
 GIORGIONE (1477-1510)
Es uno de los personajes mas enigmáticos dado que no se sabe mucho de el a ciencia
cierta, quizás debido a que viajaba mucho. En algún momento se formulo la teoría de que
quizás, no existió, dado que no solía firmar sus obras, o que estas fueron pocas, una
docena quizás y eran terminadas por sus ayudantes, si existieron. También se dice de el,
que era un excelente músico. Murió durante un brote de peste en1510.
Paulatinamente sustituye la perspectiva de un punto de fuga por la perspectiva aérea.
Potencia el iluminismo del color. Su pintura es libre de la línea. Es de los primeros en Italia
en usar lienzos para pintar

“La Tempestad” (1508). Óleo sobre lienzo 79x73. No se sabe a ciencia cierta su significado.
Podrían ser Adán y Eva luego de la expulsión del paraíso, la familia del artista, una
escena de la Metamorfosis de Ovidio que muestra a Decaulion y Pirra sobre vivientes del
diluvio, la Fortaleza y la Caridad en lucha frente a la Imprevisibilidad (el rayo).
“Concierto campestre” (1510)Óleo sobre lienzo 110x138. (Actualmente atribuido a Tiziano).
“Las tres edades” Óleo 62x77.
“Retrato de Laura”. Óleo sobre lienzo en tabla 41x33
“Retrato de Joven” (1508). Pintura al óleo 73x54
 “Judith”
“Pala de Castelfranco”. Óleo sobre tabla 200x152.
“Venus dormida” Óleo 108x175
 TIZIANO (1489-1576)
Su trabajo es de belleza clásica, pero con la adición del cromatismo. Sus formas
son naturalistas, líricas, deshace la forma en manchas de color. Sus retratos lo
muestran como un consumado maestro, en especial en la captación del espíritu
humano. Usa un formato de tres cuartos con una mano apoyada y la otra portando
algún instrumento. Obras: “El hombre del guante”, “Carlos V en Muhlberg”,
“Isabel de Portugal”, “Felipe II”, “Amor sagrado y amor profano”.

“Retrato de Ludovico Ariosto” (poeta italiano)

“Salome con la cabeza de San Juan Bautista”
“Flora” Ideal de belleza renacentista
“Venus de Urbino” (1538)
“La Bacanal” (1518). Dice en el pentagrama “Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que
es beber”
“Amor sagrado y amor profano” (1514)
“Retrato de Pietro Aretino”
(1545)
“Las tres edades” (1565)
“Caballero del reloj” (1550).
Óleo 101x122.
“Autorretrato”
 “Castigo de Marsias” 212x207
“Rapto de Europa” Óleo 185x205.
“Venus y Adonis”
“Anunciación de la Virgen” (1516)
“Maria Magdalena”
 VERONES (1528-1588)
Se lo define como el pintor de lujo. En su obra aparecen los palacios de mármol, jardines
con fuentes, alhajas, aparecen detalles anecdóticos (músicos, criados, mesas con
manjares) el lujo de los materiales como mármoles, como en “La cena en casa de Levi”, allí
pinta soldados alemanes, lo que le costo una investigación por parte del Tribunal de la
Inquisición, su respuesta a este fue: “Nosotros los poetas nos tomamos la licencia que se
toman los poetas y los locos, y yo he puesto aquellos alabarderos para dar a entender que
el patrón de la casa era hombre rico y grande y podía tener tales servidores”.

“Curación de la Hemorroisa”
“Marte y Venus unidos por el amor (1565)
“Moisés salvado de las aguas” (1580)
 “Autorretrato”
“Retrato de Clarissa Strozzi”
“Venus y Adonis (1580)
“Cena en la casa de Levi” (1573). Óleo sobre tela
 PINTURA DEL RENACIMIENTO SIGLO XVI
CLASICISMO ITALIANO (1490 hasta 1525 aproximadamente)
EDAD DE ORO DEL RENACIMIENTO ITALIANO
Empieza en los últimos años del siglo XV en Florencia y se traslada a Roma, ciudad que
proporciona el nuevo mecenazgo. El país dividido en Estados o Republicas es invadido en
1494 por Carlos VII de Francia. Las guerras duran hasta 1559. Los Médicis son expulsados
(1494). Así, la ciudad de la flor de lis roja, deja de ser el foco artístico de Italia y la sucede

Roma en ese rol. Dos papas destacan en esta función: Julio II y León X.
Ambos quieren recuperar una imagen positiva del Papado, que fue dañada por el gobierno
de los Borgia (1492 a 1503 papado/1503 a 1507 Gobierno de Cesar Borgia).

”Alejandro VI, Cesar y Lucrecia Borgia

 Julio II, “El Papa guerrero” o Luciano Della Rovere.
(Papado de 1503 a 1513).
Es violento y combativo. Fue alguna vez, un hombre humilde, que vendía cebollas
en Génova. Gustaba de embriagarse. Se decía en la época “solo tenemos papa
hasta el mediodía, a partir de esa hora, su Santidad, esta en las viñas del señor”.
Fue Mecenas de Bramante, (por el empieza la construcción de la Basílica de San
Pedro) y la hace pintar por Rafael y Miguel Ángel.

“Papa Julio II”, Por Rafael Sanzio

 León X
(Papado de 1513-1521)
Es hijo de Lorenzo el Magnifico. Fue de temperamento pacifico, Era obeso y casi ciego, solo
podía ver con la ayuda de una lente de berilo. Gustaba de las fiestas, se dice que era un
buen músico y letrado, fue protector de los primeros impresores venecianos (los Aldo). En
1517, su “Venta de Indulgencias”, pone a Martin Lutero a formular sus “95 Tesis) que
iniciara la Reforma eclesiástica que cambiara la historia de la religión católica.

“León X”, por Rafael Sanzio

 Menos ingenuos y mas cultos, los pintores del Quinquecento, no los seducen detalles ni
anécdotas, desde lo compositivo son simples, claros, están bajo la influencia del
espiritualismo neoplatónico, así, los sentidos se someten al gobierno del espíritu. Se vuelve
primordial la anatomía humana, los cuerpo potentes, las actitudes decididas, pero, la
pasión, esta contenida, esto el la “gravedad clásica”, también hay escorzos, perspectiva
aérea.
La condición social del artista ha cambiado. Ya no son simples artesanos. Los mecenas no
confunden a los maestros con simples artesanos, yeseros o albañiles. Les pagan bien, los
tratan con infinitos miramientos. Leonardo, Sodoma, Rafael, Tiziano llevan cadenas de oro y
espadas. Armonía, moderación, investigación son lo que caracterizan al arte del Clasicismo.

“Sagrada Familia” (Tondo Doni,1503). Temple sobre tabla 120x120)

 LEONARDO DA VINCI (1452-1519):
Defensor de todas las artes, para el, la pintura es ante todo una actividad intelectual que reproduce la
realidad, por tanto analizando esta realidad se logra recrear la naturaleza. La experimentación es la forma
de llegar al conocimiento. La naturaleza es “la” fuente de inspiración. La “belleza”, se expresaría, en el
“sfumatto” (perspectiva aerea) que es un espesor transparente de la naturaleza. Le gustan las sombras,
por que para el, el exceso de luz, hace los rasgos duros, la luz del crepúsculo seria la mejor pues
confiere ternura a los rostros. Obras: “Virgen de las rocas”, “La ultima cena”, “La Gioconda”, “La Virgen
con Santa Ana, “Adoracion de los Magos”, “Juan Bautista” y el niño”. Debido a que empezaba trabajos
que luego no solía terminar, solo se conocen una veintena de sus obras. Redacto unos 50.000 escritos de
los que hoy quedan unos 13.000 guardados en su mayoría en el Vaticano.

“Virgen del clavel” (1478). Pintura al óleo 62x47.

Primer pintura que realizo y regalo a su maestro Verrochio.
“Anunciación”(1472). Medidas 98x217 cm.
En 1482, Leonardo escribe al duque de Milán, Ludovico Sforza, para ofrecerle sus servicios.
Se presenta ante el, tocando una lira de plata de su invención, con forma de cráneo de
caballo. En esta época, pinta su “Virgen de las rocas”. Por encargo de este duque, también
pinta ”La ultima cena” en el Convento de Santa Maria de la Gracia ,pero el lugar es
demasiado húmedo, y con el paso del tiempo, malas restauraciones, usos militares etc., el
lugar se casi-derrumbo. Actualmente, se puede visitar pidiendo turno.
En 1502 entra al servicio de Cesar Borgia en calidad de ingeniero militar.

“La Ultima Cena” (1495) Fresco,4.66x8.80

 “Virgen de las Rocas” del Louvre (1483). Pintura al óleo 199x122 cm.
“Virgen de las Rocas” (1492-1508). Óleo sobre tabla 120x187 cm.
Leonardo eligió pintar un momento de la infancia de Cristo, cuando Juan el Bautista niño, huérfano, refugiado dentro de
una gruta y protegido por un ángel, encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto. De acuerdo con la
interpretación tradicional de las pinturas, representan a la Virgen María en el centro, empujando a Juan hacia Jesús,
que está sentado con el ángel Uriel. Jesús está bendiciendo a Juan, que extiende su mano en un gesto de oración. En
este cuadro, tal como lo pinta Leonardo, Juan reconoce y venera al Niño como Cristo.
Las dos versiones (Londres y Louvre) fueron por encargo de los monjes Franciscanos.
“La Gioconda” (1504, Museo del Louvre ). Pintura al óleo sobre tabla de nogal, 77x53 cm.
“San Juan Bautista” (1513). Pintura al óleo,69x57 cm.
“La Virgen, Jesús y Santa Ana”(1508). Pintura al óleo,168x112 cm.
Bocetos: maquinas de volar (tornillo aéreo),maquina con alas, estudio del embrión humano.
“Gioconda” (Museo del Prado,1503-16) Óleo sobre tabla de nogal 76x57 cm. La
ausencia de sfumatto, mas el gusto por el detalle, hacen que se atribuya a un
pintor de l norte, Hans Holbein el Joven, pero también se considera que por la
calidad en general, debería haber sido realizada por alguien perteneciente al
talle de Leonardo, alguien que estuviese trabajando en paralelo a el como
Francesco Melzi o Andrea Salai.
“Monna Vanna”, Francesco Melzi (unos de los discípulos favoritos de Leonardo)
Como figura mítica su actividad abarca el campo de la investigación en general, ya que fue
pintor, escultor, matemático, ingeniero, militar, y aeronáutico, proyectista, músico,
anatomista etc. Escribió un “Tratado de Pintura” en 1467 el que da recomendaciones.
Algunas observaciones: “el color nunca aparece puro”, “el verde, adquiere un tono azul
cuando es mas oscuro”, “el mar no tiene un color uniforme”, “las cosas muestran
contornos borrosos y confusos”, “lo que se ve a la distancia sufre deformación”, “es mejor
pintar retratos al anochecer, o cuando esta nublado”.

“Leda y el cisne” (1515). Óleo sobre madera, 112x86 cm. Copias de una obra de Leonardo,
llevada acabo por su discípulo Cesare da Sesto o por Sodoma.
“La dama del armiño (Cecilia Gallerani”(1489). Pintura al óleo, 54x39.El animalito podría ser
también un hurón blanco , mascota apreciada en esa época.
“La bella ferretera” (1490-95). Óleo sobre tabla (62x44).
“Retrato de Ginebra Benci”(1474). Temple y óleo sobre tabla, 38x36 cm.
 MIGUEL ANGEL BUONARROTTI (1475-1564): Es un genio máximo de la historia. Se
consideraba principalmente escultor. Sus conjuntos pictóricos, parecen formas escultóricas
pintadas, muy diferentes de la de sus coetáneos (a Miguel Ángel no le gustaba la pintura de
Leonardo ni la de Rafael).
Apuesta por una belleza diferente, que va mas allá de la apariencia física. Casi siempre
trabaja solo, rehúsa tener colaboradores. Prepara los bocetos con minucia. Obras: “Techo
de la Sixtina”, Entre 1543-41, Miguel Ángel acabara su Juicio Final en la Capilla Sixtina por
encargo Del Papa Paulo III).allí presenta al hombre, desde su creación, hasta su caída en el
paraíso. Encuadra las escenas con espacios arquitectónicos que engañan al ojo dado que
son una arquitectura ficticia, también allí se presentan Profetas, Sibilas, a Noe, Adán y el
Creador, meditando, escuchando, leyendo. En el “Juicio Final”, parte trasera o el espadar
del altar mayor, se ve la influencia de “La Divina Comedia”, de Dante Alighieri. El conjunto
tiene unas 400 figuras de diferentes tamaños todos en grupos distribuidos en espacios
cerrados, todos tensionados, musculosos. Se destaca San Bartolomé”, con la piel de Miguel
Ángel colgando de su mano. También esta la Barca de Caronte, el barquero que en la
mitología griega, llevaba las almas de los muertos. Ante todo, terribilita y monumentalidad.

“Autorretrato”
 Sin duda, su gran obra pictórica, es la
Capilla Sixtina, tiene 40.9 metros de
largo por 13.4 metros de ancho. La
capilla mas famosa del Vaticano. Se la
considera patrimonio del a Humanidad.
Actualmente, es el lugar donde se elige
a los Papas. Esta consagrada a Maria.
En los años 1508-12 pinto la Bóveda
que esta a una altura de 21 metros
aprox., es una bóveda de cañón
rebajada, lunetos rodean las ventanas,.
En los años 1536-41 pinto el Juicio
Final. Allí también hay pinturas del
Perugino, Boticelli. Su detalles
arquitectónicos, es solo visual, son
trampaojos, por ejemplo, las pechinas
(estructuras triangulares) elevadas
sobre pilastras adosadas, molduras,
cortinas El piso es de estilo
cosmatesco ( un estilo geométrico,
realizados con piezas de colores varios
de piedra o cemento coloreado). Tiene
una mampara o trasenna de mármol
con candelabros creada por Mino da
Fiesole.
En la pared norte, esta representada la “Vida de Moisés” (prueba de Moisés, Castigo de los
rebeldes) por Botticelli.
En la pared sur, la “Vida de Cristo”, realizadas por Botticelli, Perugino y otros artistas.

“Bautismo de Cristo”, Perugino.

“Prueba de Moisés” “Castigo de los rebeldes” Botticelli.
• Amarillo: enjutas o lunetos (se representan antepasados de Cristo)
• Naranja: Sibilas y Profetas
• Marrón: historias centrales
• Gris: pechinas (historias sobre la salvación del pueblo de Israel) Judith y Holofernes, David y Goliat,
Castigo de Aman, Serpiente de bronce.
En la parte central de la bóveda pintó una serie de nueve escenas del Génesis que muestran
La Creación, La Relación de Dios con la Humanidad y La Caída del Hombre.
Historias: Embriaguez de Noe, Diluvio Universal, Sacrificio de Noe, Pecado original y
Expulsión del Paraíso Terrenal, Creación de Eva, Creación de Adán, Separación de las
tierras y las aguas, Creación de los astros y las planetas, Creación de la luz.
“Diluvio universal”
“Pecado original y expulsión del Paraíso”
“Creación de Eva”
“Creación de Adán”
“Creación de los astros”
En los lunetos situados sobre las ventanas están pintados los Antepasados de Cristo enjutas o lunetos
(antepasados de Cristo)
Zorobabel, Abiud, Eliacim
Ozias, Joatam Acaz
Roboam Abias
Salomon, Booz, Obed
Jese, David, Salomon
Asa, Josafat,Joram
Ezequias, Manses, Amon
Josias, Jeconias, Salatiel
Pechinas: (historias sobre la salvación del pueblo de Israel) Judith y Holofernes, David y
Goliat, Castigo de Aman, Serpiente de bronce.
“Serpiente de bronce”
“David y Goliat”
“Castigo de Aman”
Los Profetas y las Sibilas: se presentan alternados en los rectángulos. Ellos profetizaron
que Dios enviaría a Jesucristo para la salvación de la humanidad.
Profetas: Zacarías, Ezequiel, Joel, Daniel, Jeremías, Jonás, Isaías.

Sibilas: Eritrea, Pérsica, Libica, Cumana, Delfica.

Sibilas Eritrea y Pérsica
Sibila Libica
Profeta Jeremías
Profetas Isaías y Daniel
Profetas Jonás y Zacarias
Profetas Joel y Ezequiel
Debido a los desnudos de la escena del “Juicio Final”, se organizo una “Campaña de la hoja
de parra”, llevada a cabo por un Cardenal y un Monseñor, para tirar abajo los frescos.
También se quejo el Maestro de Ceremonias del Papa. Por ello Miguel Ángel lo represento
como Minos en la escena, un juez del infierno. Cuando el representado se quejo, el Papa le
dijo que el infierno no era parte de su jurisdicción, y que el retrato se quedaría. Finalmente,
el pintor Daniel Volterra debió pintar paños sobre los genitales por lo que fue luego
conocido como “il braghetonne” Las polémicas, que prosiguieron por años, las "bragas" de Daniel

fueron sólo las primeras, otras se añadieron en los siglos sucesivos.

 Al lado de Cristo se halla la Virgen, que tuerce la cabeza en un gesto de resignación; sólo
esperar el resultado del Juicio.
Incluso los Santos y los Elegidos, colocados alrededor de las dos figuras de la Madre y del
Hijo, esperan con ansiedad el veredicto. Algunos de ellos se pueden reconocer con
facilidad: San Pedro con las dos llaves, San Lorenzo con la parrilla, San Bartolomé con su
propia piel en la que se suele identificar el autorretrato de Miguel Ángel, Santa Catalina de
Alejandría con la rueda dentada, San Sebastián de rodillas con las flechas en la mano.
En la faja de abajo, en el centro, los ángeles del Apocalipsis despiertan a los muertos al son
de las largas trompetas
A la izquierda, los resucitados que suben hacia el cielo recomponen sus cuerpos (Resurrección de la
carne);
A la derecha, ángeles y demonios compiten para precipitar a los condenados en el infierno.
Por último, abajo, Caronte a golpes de remo, junto con los demonios, hace bajar a los condenados de su
barca para conducirlos ante el juez infernal Minos, con el cuerpo envuelto por los anillos de la serpiente.
En esta parte es evidente la referencia al Infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri.
Ignudis: (desnudos masculinos, puede tener varios significados: ser Ángeles sin alas,
híbridos de humano y divinidad) sostienen medallones con historias biblicas.
 RAFAEL SANZIO (1483-1520): Nacido en Urbino, presenta en sus obras, una belleza que
será calificada de “natural” por año 1700. Su mundo es equilibrado, amable, sereno lleno de
gracia. En sus obras la belleza se liga a la naturaleza. Es muy ordenado compositivamente.
Se destacan las obras que le encargo Julio II para las Estancias Vaticanas, en especial en la
Biblioteca, por ejemplo “La Disputa del Sacramento”, “El Parnaso”, “La Escuela de
Atenas”. En la Estancia de Heliodoro trabaja “Retirada de Atila”, “La liberación de Pedro”,
“Misa del Bolsena”, “Expulsión de Heliodoro”, retratos como “El cardenal”, “Retrato de
Agnolo Doni”, “La Fornarina”, “La Sagrada Famillia del cordero”, “Triunfo de Galatea”, “La

Virgen de la silla”.