Introducción A La Historia Del Arte

[AFO013879] Experto en Conservación del Patrimonio Cultural
[MOD013222] Conservación del Patrimonio Cultural

[UDI075235] Introducción a la Historia del Arte
INTRODUCCIÓN
Cuando se habla de historia del arte, se hace referencia a la evolución que ha ido teniendo ésta lo
largo del tiempo. Dicho de otro modo, es considerada como una disciplina que tiene como objetivo o
como fin el estudio del arte y su evolución y desarrollo que se ha realizado a lo largo de la historia de
la humanidad.
Sin embargo, dentro de la historia del arte no se llega a estudiar todo lo relacionado con las
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disciplinas artísticas, sino que solamente se hace a las artes superiores o las bellas artes, como
pueden ser: las pinturas, esculturas, música, danza, arquitectura o literatura, lo que genera que se
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excluyan las artes que son menores o que son aplicadas, por ejemplo, la artesanía, la composición y
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el diseño.
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Además, un artista debe saber cómo se tiene que llevar a cabo la interpretación de una obra pero,
no solo es quien lo puede interpretar, sino que es una función de éste como del cliente que viene a
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ver la obra.
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Después, se llevará a cabo una datación y composición de la obra para saber si la obra es
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auténtica o puede ser una falsificación de otro artista. Para ello, hay que tener en cuenta una serie
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de aspectos.
Por último, es muy importante que la obra este firmada por un artista, puesto que esto le hará
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saber al cliente y a otros artistas la autenticidad que tiene la obra y el valor que puede llegar a tener
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el artista además de su biografía.

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campus.euroinnova.edu.es
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OBJETIVOS
Conocer que es el arte y la historia que tiene además de los estilos artísticos que hay y su
evolución.
Identificar cuáles son las artes mayores junto con sus materiales, los elementos que lo
sustentan, etc.
Saber cómo se debe de interpretar una obra y la cómo se realiza la datación y composición de
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la obra.
Determinar cómo se realiza la firma de una obra de arte y la cotización que puede tener el
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artista por ello.
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MAPA CONCEPTUAL
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1. El Arte
La obra de arte va a ser una manera de expresión de aquellas necesidades, ideas o emociones del
ser humano. Será por ello que el arte refleja la cultura de una sociedad en cada periodo histórico.
Las obras de arte de una época histórica tienen entre sí rasgos parecidos, ciertos rasgos comunes y
diferencias que han llevado a clasificarlas por estilos, escuelas, países o periodos.
La historia del arte es una disciplina que se centra en el estudio de las artes visuales entre las que
es
destacan Artes Mayores (arquitectura, escultura y pintura) y las Artes Menores o aplicadas
(cerámica, orfebrería, grabado, mosaico, textiles, etc.).
d u.
El Arte es un lenguaje específico (al igual que el escrito u oral o el científico) pero igualmente un
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modo de expresión y una manifestación espiritual exclusiva del hombre. Inicialmente fue una
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expresión espontánea, intuitiva, pero luego se iba a convertir en una actividad elaborada, compleja y
estrictamente codificada.
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Sus objetivos fundamentales son la imitación de la naturaleza y la transmisión de emociones
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estéticas (con o sin formas sensibles); la búsqueda de la belleza no tiene por qué ser uno de tales
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fundamentos.
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Dentro de las Bellas Artes, cada una de ellas tiene un medio específico de expresión: Arquitectura
(espacio), Escultura (forma y volumen), Pintura (color), Poesía (palabra), Música (sonido), Danza
(movimiento), Cine (imágenes móviles). La mayoría juegan con los conceptos espaciales y
temporales, las tres artes mayores por excelencia (Arquitectura, Escultura y Pintura) van a ser
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eminentemente espaciales.
Habrá que citar las Artes Menores o aplicadas (muebles, tapices…) y las populares (alfarería,
cestería…).
Una obra de arte puede tener distintas significaciones (individual, social o universal), ésta cumple
dos tipos de funciones: una en el contexto de su propia época; otra de cara a nuestra época actual.
En su época, una obra de arte podrá servir para la contemplación y el goce estético (función
es
estética), para expresar ideas que correspondan a la realidad tangible o a realidades paralelas
(función intelectual) o para manifestar el poder de alguien, servir de recuerdo, facilitar el culto o los
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ritos.
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Actualmente posibilita aumentar la formación estética y personal del contemplador además de
conocer culturas alejadas de nosotros en el tiempo o en el espacio.
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2. La Historia del Arte
La Historia del Arte se presenta como una continua aspiración de interpretar la realidad en forma
global. Se intenta la reconstrucción total y comprensiva de la realidad humana, adoptando una
perspectiva que le permita captar las leyes que rigen el cambio o la permanencia de los conjuntos
sociales.
En el transcurso de la Historia, cada época ha respondido de manera diferente a la cuestión del
es
concepto de arte, por tanto, si en la antigua Grecia se pretendía reflejar una belleza ideal y
normativa, en la Edad Media el arte se movió entre su uso religioso y las acusaciones de idolatría.
u.
Tan sólo el siglo XIX introduciría visiones más subjetivas y variadas hasta caer en un casi absoluto
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relativismo en el siglo XX.
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En el tránsito al siglo XX va a aparecer la iconografía, que va a incidir más en el significado de las
obras sin olvidar lo formal aplicando tres niveles de lectura: identificación de lo representado, del
no
tema y sus valores y de su significado.
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En edades posteriores llegaron las aportaciones de influencia marxista, que iban a tratar de vincular
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las obras con las estructuras políticas, socio-económicas y culturales de su contexto (o del propio del
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observador), dando lugar a la sociología del arte.
Para poder ofrecer una visión más global de la obra de arte van a surgir después corrientes como la
s.
psicología del arte, ya hagan referencia al autor y su carácter, como a la percepción observador o
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como el estructuralismo, que quieren decodificar el arte como lenguaje comunicativo estructurado
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con significantes y significados.

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No obstante, la gran aspiración de la historiografía artística actual continúa siendo la búsqueda de
una visión que tenga la capacidad de integrar tales corrientes.
A continuación se van a ver los estilos artísticos y su evolución:
Fase preclásica o protoclásica
Incluye los primeros ensayos indecisos en busca de las normas y el lenguaje propio del
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estilo.
Fase clásica
Se crean referencias fijas, modelos generales obtenidos por abstracción y aplicados a las
formas y a las ideas; su reiteración genera el academicismo.
Fase manierista
Se van a acentuar los rasgos clásicos o se reacciona contra ellos; domina la originalidad
personal, la aparente arbitrariedad y la sorpresa.
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Fase barroca
La inspiración es clásica, pero los elementos se van a usar de un modo libre y subjetivo,
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cayendo en lo artificioso, decorativo, dinámico y simbólico.
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Fase arcaizante
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Se podrá dar en la fase barroca en el momento en que persistan formas artísticas ajenas a
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la cultura dominante, incorporadas a los patrones clásicos.
Fase recurrente o neoclásica

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Va a poder darse en el momento en que en la fase barroca de un estilo posterior van a
renacer los elementos del anterior, eso sí, empleados de modo ecléctico.
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3. Artes Mayores
Artes Mayores es la denominación histórica de la pintura, la literatura, la escultura y la arquitectura.
Los conceptos confluyentes de artes plásticas o artes visuales son de uso posterior.
El concepto de artes mayores se va a usar en oposición al de artes menores o aplicadas, para poder
considerar a éstas como artesanías y a aquellas como artes liberales, a las primeras como manera de
expresión de la belleza y a las segundas como forma de ejecución de objetos en los que va a primar
es
la utilidad.
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3.1. La Arquitectura
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Desde su surgimiento en el Neolítico y, sobre todo, en las primeras civilizaciones urbanas, la
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arquitectura pasa a ocupar un lugar esencial puesto que, generalmente, la pintura, la escultura y las
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artes aplicadas se van a subordinar a ella.
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En toda obra de arquitectura se tendrá en cuenta diferentes elementos:
A. Materiales
Se comenzó usando la madera y el adobe, posteriormente se siguieron usando el ladrillo, la piedra,
el yeso, la cal, la arena, etc. El entorno geográfico iba a determinar la elección de unos materiales u
otros.
El ladrillo se utilizó en la civilización del Valle del Tigris y Éufrates y posibilitó el desarrollo del arco
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y de la bóveda. Por el contrario, en Egipto se iban a explotar las canteras de piedra caliza, granito y
diorita para levantar edificios monumentales.
Las civilizaciones posteriores usaron tales materiales variados de distintas maneras. La sociedad
industrial introduciría materiales novedosos como el hierro, el acero, el aluminio o el hormigón
armado que transformarían las técnicas de construcción y la estética de los edificios.
B. Planta y alzado
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El edificio se puede contemplar desde puntos de vista diferentes. La planta será un dibujo
u.
arquitectónico de una obra representada en sección horizontal con delimitación de macizos y vanos.
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Va a recoger la manera del edificio vista desde arriba.
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Las plantas serán muy variadas. En el caso de las iglesias, podrán ser según su forma:
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Basilical
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Se encuentra formada por un número impar de naves dispuestas de manera longitudinal.

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La nave central va a ser más ancha que las laterales y terminará en un ábside o cabecera
semicircular o poligonal.
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Las naves laterales

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Igualmente podrán terminar en un ábside. Su origen se encuentra en la basílica romana,

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un edificio civil, que fue tomado como modelo por el arte paleocristiano para construir las
primeras iglesias. Fue la planta preferida en la Edad Media y se siguió usando en el
Renacimiento y épocas posteriores.
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De cruz latina
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Es un tipo de planta basilical en forma de cruz. El brazo longitudinal va a ser más largo
que el transversal (transepto). El lugar donde se cruzan los dos brazos se llama crucero. El
brazo longitudinal y, en ocasiones, igualmente transversal, se divide habitualmente en
naves siendo la nave central más ancha que las laterales. El ábside es posible que se
complique con absidiolos (pequeñas capillas). Las naves laterales se podrán prolongar más
allá del crucero y rodear por detrás al altar mayor, en lo que se conoce como
deambulatorio o girola. Va a ser característica de la cristiandad occidental (románico,
gótico, etc.).
Centralizada
Se organiza en torno a un espacio central. Va a ser característica de la cristiandad oriental
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(arte bizantino). Se va a recuperar en el Renacimiento.
De cruz griega
Va a tener forma de cruz con los brazos iguales: la nave y el transepto tendrán el mismo
tamaño. Será característica de la cristiandad oriental (arte bizantino).
Planta de salón
Será una planta rectangular con un número impar de naves -3 o -5 con poca diferencia de
altura entre ellas. El espacio interior va a ser amplio, unitario y diáfano lo cual posibilitará
albergar una gran cantidad de personas. Su aspecto va a ser de gran salón. Se desarrolló
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en el gótico europeo. En España se introduciría en el siglo XIV y tendría una enorme
difusión en el gótico mediterráneo.
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El alzado va a ser el diseño de un edificio representado en sección vertical o vista vertical de un
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edificio.
C. Los elementos sustentantes: muro, columna y pilar

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Su misión principal va a ser la de soportar el peso de la cubierta y, además, dar sentido al espacio
construido. En ciertos edificios se van a usar columnas y pilares simultáneamente.

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Los muros: los muros van a estar formados por bloques de piedra o de otros materiales (adobe,
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ladrillo, etc.) que van a poder combinarse entre sí. A los bloques se le llama sillares. Una serie
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horizontal de sillares se llamará hilada. La manera en la que se disponen los materiales en el muro
se denominará aparejo. Podrá ser regular o irregular.

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La columna: es un elemento sustentante vertical, generalmente con forma cilíndrica o de base
circular. Su diseño va a variar según las culturas. Va a componerse de:

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Basa: parte inferior de la columna sobre la que se apoya el fuste.
Fuste: parte de la columna entre la basa y el capitel. Es el elemento principal, de tal forma que
muchas columnas sólo tienen fuste.
Capitel: parte de la columna situada sobre el fuste, generalmente ornamentado, que va a
recibir de manera directa el peso de los elementos que sustenta.
La columna suele tener igualmente función decorativa, sobre todo en el caso de las columnas
adosadas al muro.
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El pilar está a medio camino entre el muro y la columna. Es un elemento sustentante vertical de
sección cuadrada o poligonal. Suele tener basa, fuste y capitel. Si aparece adosada al muro recibe el
nombre de pilastra.
D. Elementos sustentados
Van a ser los que forman la techumbre del edificio o cubierta. La cubierta puede ser adintelada
(igualmente llamada arquitrabada) o abovedada.
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Un dintel es todo elemento constructivo horizontal que salva un espacio entre dos apoyos. En el caso
de que el dintel forme parte de un vano (un espacio vacío dejado de un muro como puertas o
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ventanas) se apoya en las jambas.
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E. Los sistemas constructivos
Los más habituales van a ser:

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Arquitectura adintelada o arquitrabada

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Este tipo de arquitectura se basará en el uso de columnas y pilares que sujetan cubiertas
rectas (dinteles). Un ejemplo son los templos egipcios y griegos.
eu
Arquitectura abovedada
s.
La cubierta es curva y se utiliza el arco, la bóveda y la cúpula como forma de cubrir los
pu
edificios. Un ejemplo es la arquitectura románica y gótica.
Arquitectura basada en el uso de nuevos materiales

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A partir del siglo XIX, el uso de nuevos materiales de construcción, como el acero, el
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hierro o el hormigón armado, dio lugar a un sistema constructivo distinto en el que la

estructura del edificio se sustenta en un ‘esqueleto’ interno. De tal manera, los muros
dejan de tener su función de sujeción y pueden ser sustituidos por materiales frágiles,
como el cristal e incluso desaparecer.
3.2. La escultura
La escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia,
representado en volumen figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o asuntos de
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la imaginación del escultor.
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Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas:
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Exenta o de bulto redondo: va a ser la que posibilita Contemplar una figura desde cualquier punto
de vista a su alrededor. Si sólo representa la cabeza y la parte superior del tórax se llama busto. De
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representar el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas se llama torso.

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Relieve: va a ser una escultura no exenta. Se llama autorrelieve si sobresale del fondo más de la
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mitad del volumen de las figuras y bajorrelieve si las figuras sobresalen menos de la mitad del fondo.
s.
En el análisis de una escultura hay que tener en consideración:

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Técnicas artísticas
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El modelado: usa materiales blandos y se trata de ir añadiéndolos.

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La talla: supone la eliminación del material hasta dar forma y volumen a la figura.
La fundición: se inyecta en un molde material líquido fundido al fuego (bronce, hierro, etc.) o
licuado con agua.
Soldadura: se unen distintas partes metálicas. Es propia de la época industrial.
Policromía: consiste en aplicar color a la pieza, lo que ha sido habitual en todas las culturas. En el
caso de la madera se utilizan técnicas como el estofado (se utilizan panes de oro debajo y color
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encima para después raspar o bruñir y que la policromía resalte).
Materiales
La utilización de distintos materiales para la realización de una escultura es esencial, ya que cada
uno va a proporcionar una calidad táctil diferente, transmitiendo sensaciones distintas. La calidad
depende del material y el tratamiento (superficies finas, pulidas, aristadas, rugosas…). Los
empleados habitualmente van a ser: madera, bronce, mármol, hierro, terracota, marfil, hueso, etc.
es
Volumen
u.
Espacio ocupado por la masa escultórica. Toda escultura implica un volumen pero cuando la
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escultura ha estado muy ligada a la arquitectura creaba poco espacio a su alrededor. Por el
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contrario, en otros periodos adquieren volumetría, lo que permite observarlas desde distintos puntos
de vista.
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Movimiento
Las figuras se podrán disponer de manera estática, rígida e inmóvil (crean sensación de
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inaccesibilidad y alejan al espectador) o en forma de movimiento en potencia o de movimiento en

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acto.
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Composición
s.
Se encuentra determinada por el deseo o no de movimiento. Puede adoptar distintas estructuras:

pu
diagonal, piramidal, geométrica, etc. que se pueden resumir en dos tendencias. Cerrada: la
escultura se recoge sobre sí misma limitando su movimiento. Abierta: la escultura se abre al exterior
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(miembros que se estiran o agitan).

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Proporción
En unas épocas se ha entendido que la belleza había de ajustarse a unos cánones que establecían un
equilibrio entre las partes y una semejanza con la realidad; pero en otras épocas se han buscado la
desproporción o la deformación de las figuras con fines expresivos.
Masa
Hace referencia a la sensación de peso que provoca la visión de una escultura. Es una apreciación
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intelectual por la que nos parece que una figura puede ser pesada, rotunda, compacta o por el
contrario, liviana, ingrávida.
Luz
Luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces aprovechando la textura y la forma de la
obra); posible función de la luz en la obra.
es
3.3. La pintura
u.
La pintura va a ser una representación sobre una superficie plana a través de línea y color. La
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materia pictórica va a estar formada por diversos elementos: el soporte (muro, lienzo, madera,
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papel); el colorante o pigmentos minerales o químicos y el aglutinante o elemento que se añade al
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colorante para que se pueda aplicar. Se han utilizado agua, clara de huevo, aceite, etc.
no
La pintura contemporánea ha añadido además a la materia pictórica elementos que, hasta el
momento, iban a ser extraños al lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal, etc.
in
La totalidad de tales elementos van a otorgar a la pintura una textura que, en ocasiones, llega a ser
ro
tan densa que se hablará de pintura matérica.

eu
Técnicas pictóricas
s.
Van a existir diversas técnicas pictóricas que varían según el soporte, el efecto y los materiales.
pu
Las más utilizadas son:

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Fresco
Técnica muy usada desde la Antigüedad para pintar sobre muro. Consiste en preparar la
pared con una capa de yeso y aplicar sobre ella los colores, disueltos en agua, mientras
todavía se encuentra fresco o húmedo y tierno.
Temple
Técnica de pintura en la que los pigmentos de color se van a disolver en un aglutinante

viscoso, espeso, como podría ser la clara de huevo. Es una técnica utilizada sobre tabla o
muro. Va a ser muy característica de la pintura medieval europea y de los iconos
bizantinos.
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Óleo
Técnica de pintura que consiste en disolver los colores en un aglutinante oleoso, como el
aceite de linanza, el de nuez o aceites animales. Se usa sobre tabla. La técnica fue
desarrollada por Jan Van Eyck (escuela de los primitivos flamencos) y se convirtió en la
técnica más habitual a partir del siglo XVI. Fue una novedad respecto al temple puesto
que permite retocar y corregir.
Acuarela
Usa mucha agua con diluyente y escasa cantidad de aglutinante.
es
Collage
Técnica usada en la pintura contemporánea en la que se mezclarán materiales de uso
u.
cotidiano (periódicos, cartones o plásticos) que se van a combinar en ocasiones con la
pintura.
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Acrílica
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Será una pintura de origen plástico que se seca con suma facilidad. Se usará en el arte
contemporáneo.
no
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La línea
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Posibilita la identificación y el reconocimiento de las formas. Va a tener un valor esencial en la
transmisión de un mensaje pictórico. Según su trazo varía la expresión plástica:

eu
Continuo y cerrado = descriptivo.

s.
pu
Grueso y vehemente = expresivo.

m
Abierto = imaginativo y poético.

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Curvilíneo = sensualidad.
Además, el trazo predominante en una obra va a tener un significado simbólico: los trazos verticales
se suelen identificar con el misticismo; los triangulares, equilibrio; en caso de ser circulares,
perfección, etc.
Volumen
Es una ficción en la pintura puesto que ésta será siempre bidimensional pero, en caso de que el
autor intente transmitir una sensación de tridimensionalidad, lo va a hacer modelando figuras a
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través de luz, color, línea, etc.
Perspectiva
Consiste en simular profundidad (la tercera dimensión) en todo el conjunto del cuadro puesto que la
obra va a concebirse a modo de ventana mediante la que se va a enseñar la realidad.
En la Edad Media apenas se tenía en consideración la perspectiva puesto que el arte sería simbólico
y no pretendía ser un reflejo de la realidad aunque, en ocasiones, se iba a representar la distancia
es
disminuyendo el tamaño de los objetos del segundo plano.
u.
En el Renacimiento se ideó la perspectiva lineal gracias a una fórmula matemática que simulaba la
d
profundidad trazando líneas que forman una pirámide, cuyo vértice sería el punto de fuga de las
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mismas. La perspectiva aérea es una aportación de Da Vinci y consistirá en modificar los contornos
va
de los perfiles y los objetos en la distancia, difuminar las figuras, etc.
no
Color
El color va a ser la esencia de la pintura. Los artistas van a usar el color como manera de expresión.
in
Van a existir colores primarios y los secundarios (que van a surgir en el momento en que los
ro
primarios se mezclan entre sí).

eu
Los colores se van a dividir a su vez en cálidos, que van a expandir la luz y avanzan hacia el
s.
espectador y fríos, que absorben la luz y se alejan del espectador. Los colores van a tener un valor
simbólico que varía según las culturas o la psicología de los artistas.

pu
m
Luz
ca
Será algo irreal o ilusorio que el artista usará como elemento de expresión o composición. Así, una
luz clara y homogénea transmite equilibrio; la contrastada refuerza la expresividad y el movimiento;
la oblicua la profundidad y el movimiento.
Composición
Determinará la ordenación de la totalidad de los elementos en el conjunto del cuadro. Como en la
escultura predominan dos tendencias: cerrada y abierta. Se organizan de múltiples maneras:
piramidal, diagonal, simétrica, etc. Cada uno de los estilos va a tener preferencia por un tipo
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concreto de composición.
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4. Interpretación de una obra de arte
Los aspectos esenciales a tratar en la interpretación de una obra de arte van a ser:
Su finalidad o función, que van a depender tanto del autor como del cliente: decorativa, ilusionista,
estructural, urbanística, docente, religiosa, conmemorativa, civil.
Su marco cronológico (estilo, etapa y autor) situando la obra en el conjunto de obras del artista y del
periodo y considerando las circunstancias históricas (técnicas, sociales o ideológicas).
es
u.
Antecedentes y consecuencias de la obra, ya sea en el terreno de las funciones, como en el de las
formas o los significados; igualmente se incluirán reflexiones acerca de su impacto actual.
d
.e
Para llevar a cabo la interpretación artística, será preciso seguir un método, un orden determinado.
va
Considerando que lo ideal va a ser integrar en una perspectiva global todos los puntos de vista
posibles, los métodos interpretativos más relevantes en Historia del Arte van a ser:
no
in
ro
Método histórico-crítico o tradicional

eu
Estará basado en el análisis cronológico y crítico de las formas.
Método positivista
s.
Incide en la conexión causal existente entre la obra y el medio en el que nace, además de
pu
en el carácter histórico de los estilos, pero descuidará el análisis formal.
Método formalista
m
Analizará la evolución formal de los estilos, pero sin atender al contexto en lo que la
ca
Historia del Arte se va a convertir en una sucesión irreversible de estilos.
Método iconológico
Ahonda en el significado de la obra, en las ideas transmitidas a través de formas y

símbolos.
Método sociológico
Buscará en la obra referencias para el estudio de las clases sociales o los determinantes
económicos de una época, sin olvidar otros condicionantes como los psicológicos,
materiales, técnicos, políticos, históricos, etc.
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Método estructuralista
Analiza la estructura interna de la obra desde un plano mental, social o ideológico.
Método cuantitativo o serial
Va a estar basado en las técnicas de análisis matemático e informático.
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5. Datación y composición de la obra
El análisis que será necesario realizar para la autentificación de una obra comprenderá los aspectos
siguientes:
Período de producción de la obra de arte.
Producción típica.
Trabajo único.
es
Complejidad de la obra de arte.
u.
Perfección de la obra.
d
.e
Así, este estudio de la obra debe partir de la identificación de la pieza de arte y verificación de que
es original, lo cual se corroborará a partir de la firma del artista o documento acreditativo.

va
no
Conviene señalar que el perito tasador solo debe analizar lo anterior y en ningún caso emplear
técnicas de rayos X, infrarrojos, etc., para establecer la validez o falsedad de la obra (lo cual
in
compete a otro campo profesional).

ro
Una vez se admite la obra como original, se deberá ubicar a la misma dentro de la producción
eu
artística del autor, siendo fundamental en esta etapa haber realizado un buen análisis bibliográfico
del artista.
s.
pu
A partir del conocimiento de la producción artística, se determinarán cuáles son los elementos
predominantes de cada una de sus etapas:

m
ca
Técnica
Los dibujos son menos valorados que las acuarelas y las mismas frente al óleo.
Estilo
Los períodos vitales del artista se reflejan en el estilo, trazos, tonalidades, etc., lo cual está en
muy valorado.
Temas tratados
Los típicos del autor se valoran mejor que los que no son típicos.
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Tamaños de las obras
Las piezas pequeñas son valoradas por compradores individuales y las de mayor tamaño por
grandes coleccionistas.
Con lo anterior, el perito evaluará la calidad artística del trabajo, la perfección o imperfección del
mismo, etc.
es
5.1. Valoración de la obra de arte
u.
La valoración de la obra de arte se deberá realizar previo estudio de la firma del autor (influyen los
d
aspectos significativos de su vida y de su producción artística).
.e
Toda valoración de una obra de arte se debe realizar de forma individualizada, reuniendo la
información del conjunto de variables significativas. va

no
El valor intrínseco de la obra de arte, dentro de la producción artística de un determinado autor,
in
debe partir del valor de la firma el cual deberá corregirse a partir de ciertos valores determinantes.
ro
eu
s.
pu
m
ca
Para la valoración se examinarán todos los elementos de la obra por separado y en conjunto.
El examen indicado deberá hacerse por niveles de análisis:
Primer nivel: la apreciación del autor en el mercado del arte.
Segundo nivel: se establecerán los elementos diferenciadores de la obra, atendiendo a la
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producción artística total del autor.
Tercer nivel: establecimiento de la época a la que pertenece la obra. Considerando además: el
tema, la técnica, el material empleado, las variaciones existentes, la producción típica de esta
época, etc.
Cuarto nivel: particularidades de la obra, las cuales determinarán la importancia de la obra de
arte y sus elementos. En este nivel se atenderá al proceso de creación, al lugar de creación, al
empleo de modelos y a la organización del conjunto, sin olvidar las implicaciones sociales.
es
Quinto nivel: estado de conservación de la obra y restauraciones realizadas (deberá aparecer
tanto el proceso realizado como las causas que lo motivaron).
u.
Sexto nivel: seguimiento de la obra de arte, es decir, precio inicial de la obra, transacciones
d
de las que ha sido objeto,…
.e
Séptimo nivel: es el valor actual del cuadro, el cual tendrá en cuenta lo anteriormente
expuesto.
va
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6. Firma de la obra de arte
La firma de una obra de arte se convierte en un sello de autenticidad sobre el autor y la obra. Sin
embargo, en ocasiones este elemento tiende a ser falsificado, de manera que se pueda malversar la
obra de arte y obtener beneficio de ello.
Al igual que una firma, se caracteriza por diferentes principios que indican que ha sido realizada por
una persona en concreto, aportando características de personalidad en la realización del escrito. En
es
las obras de arte ocurre lo mismo, puesto que la firma es plasmada por el autor.
u.
La presencia de la firma en una obra de arte provoca que ésta adquiera un valor mayor a nivel
d
mercantil y económico, así como fama y prestigio.
.e
Por ello, para la estimación de la firma del artista podemos establecer dos fases, las cuales podrán
diferir de unos a otros peritos: va

no
En la primera se determinará la cotización del artista en el mercado.
in
En la segunda se delimitará la importancia de los factores relacionados con su vida y

ro
producción artística.
eu
Así, se deberá partir de la notoriedad o fama (la cual suele atender a la cotización de obras
s.
anteriores). Para su análisis documentoscópico, es preciso tener en cuenta los siguientes criterios
pu
descritos a continuación.
m
Cotización del artista

ca
Atendiendo a cotizaciones anteriores se podrá establecer un valor medio, el cual será la referencia
para una obra estándar de dimensiones normales (dentro del formato de trabajo del artista), la cual
recogerá el tema y la técnica que caracterizan a la mayoría de sus obras.
Con lo anterior, se podrá establecer una relación entre la obra a tasar y una obra base de referencia
del autor. Esta base de referencia deberá ser actualizada cada año, lo cual se debe a las
fluctuaciones del mercado del arte.
23 / 30
es
u.
Como puede desprenderse del proceso anterior, la información disponible para realizar los cálculos
d
y comparativas no siempre será fácil de obtener. Ello se debe a que los artistas de con escasa
.e
presencia en el mercado disponen de menos información documentada, lo cual limita el alcance de
esta aproximación estadística descrita. va

no
Biografía del autor
in
Cuando estudiamos la biografía del autor debemos buscar en ella aquellos hechos y vivencias que
ro
sean relevantes, los cuales influirán en el valor diferencial de sus obras.

eu
El estudio de la biografía del autor también permitirá:

s.
Categorizarlo profesionalmente.
pu
Valorar su trayectoria.
Englobarlo dentro de un colectivo o corriente artística.

m
Establecer los reconocimientos obtenido del mercado.

ca
El análisis biográfico del artista se deberá plantear como un proceso de análisis y recopilación de
datos.
Entre las fuentes de información a emplear encontramos:
Libros de historia del arte.
Artículos de revistas especializadas.
Índices de artistas.
24 / 30
Enciclopedias de artistas.
Diccionarios de artistas y anuarios artistas.
Guías de precios e informaciones de subastas.
Otros archivos: artículos de prensa, folletos, exposiciones,…
No todos los artistas tienen el mismo reconocimiento en los distintos mercados del arte a lo largo del
tiempo y el espacio. Por ello, como mínimo los datos a recopilar para hacer un estudio bibliográfico
es
completo serán:
d u.
Fechas de nacimiento y defunción
.e
Se hace necesario conocer cuánto tiempo lleva como artista, a qué edad empezó a pintar,
va
o la que tiene en el momento de la tasación. Ello permitirá delimitar las distintas etapas
del artista.
no
Formación artística
in
Los estudios formativos en la carrera del artista son de importancia, aunque también se
deben valorar los logros de los artistas autodidactas que pueden ser iguales o mejores que
ro
los anteriores.
eu
Movimientos artísticos
Los artistas catalogados dentro de cierto estilo pueden tener más o menos relevancia.
s.
Además, el reconocimiento por parte de los restantes miembros del movimiento aporta
pu
mayor valor.
Exposiciones realizadas
m
Hay que dividirlas en individuales y colectivas, así como entre lugares de realización. El
ca
lugar de la exposición debe ser relativo ya que las galerías prestigiosas tendrán mayor
repercusión.
Premios recibidos
Son reconocimientos a la producción artística o a una obra en cuestión.
Instituciones y coleccionistas que tienen obras del pintor
No todas las instituciones y coleccionistas privados son considerados por igual, por ello,
mientras más prestigiosos sean, más influirán en la biografía del autor.
25 / 30
Precios alcanzados por sus obras
Son susceptibles de análisis ya que atienden a períodos concretos.
es
d u.
.e
va
no
in
ro
eu
s.
pu
m
ca
26 / 30
Glosario
Contemplar: 1. Mirar una cosa tranquila y atentamente mirar, observar.
es
d u.
.e
va
no
in
ro
eu
s.
pu
m
ca
27 / 30
Recuerda
La obra de arte va a ser una manera de expresión de aquellas necesidades, ideas o emociones
del ser humano.
La Historia del Arte se presenta como una continua aspiración de interpretar la realidad en
forma global.
Algunos estilos artísticos son: fase preclásica o protoclásica, fase clásica, fase manierista,
es
fase barroca, fase arcaizante y fase recurrente o neoclásica.
Artes Mayores es la denominación histórica de la pintura, la literatura, la escultura y la
u.
arquitectura. Los conceptos confluyentes de artes plásticas o artes visuales son de uso
d
posterior.
.e
La finalidad de interpretar una obra va a depender tanto del autor como del cliente:
va
decorativa, ilusionista, estructural, urbanística, docente, religiosa, conmemorativa, civil.
El análisis que será necesario realizar para la autentificación de una obra comprenderá los
no
aspectos siguientes: período de producción de la obra de arte, producción típica, trabajo único,
in
complejidad de la obra de arte y perfección de la obra.

ro
La valoración de la obra de arte se deberá realizar previo estudio de la firma del autor.
La firma de una obra de arte se convierte en un sello de autenticidad sobre el autor y la obra.
eu
s.
pu
m
ca
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Autoevaluación
Los objetivos principales de las obras de artes son:
La imitación de la naturaleza sin transmisión de emociones estéticas (con o sin formas

sensibles); la búsqueda de la belleza no tiene por qué ser uno de tales fundamentos.
es
La imitación de la naturaleza y la transmisión de emociones estéticas (con o sin
formas sensibles); la búsqueda de la belleza tiene por qué ser uno de tales
u.
fundamentos.
d
.e
La imitación de la naturaleza y la transmisión de emociones estéticas (con o sin
formas sensibles); la búsqueda de la belleza no tiene por qué ser uno de tales
fundamentos.
va
no
Indica si es verdadero o falso el siguiente enunciado: “Las artes mayores es la

in
denominación histórica de la pintura, la literatura, la escultura y la arquitectura”.

ro
eu
Verdadero.
s.
Falso.
pu
m
¿En qué arte mayor se comenzó utilizando la madera y el adobe para la creación
ca
de la obra de arte?
Literatura.
Escultura.
Arquitectura.
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Completa el espacio en blanco del siguiente enunciado: “La _________ supone la

eliminación del material hasta dar forma y volumen a la figura”.
Fundición.
Talla.
es
Soldadura.
u.
d
¿En qué nivel se establecerán los elementos diferenciadores de la obra,
.e
atendiendo a la producción artística total del autor?
Primer nivel.
va
no
in
Séptimo nivel.
ro
Segundo nivel.
eu
s.
pu
m
ca
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Introducción A La Historia Del Arte

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[AFO013879] Experto en Conservación del Patrimonio Cultural

[MOD013222] Conservación del Patrimonio Cultural

el artista además de su biografía.

(cerámica, orfebrería, grabado, mosaico, textiles, etc.).

conocer culturas alejadas de nosotros en el tiempo o en el espacio.

2. La Historia del Arte

global. Se intenta la reconstrucción total y comprensiva de la realidad humana, adoptando una

En el transcurso de la Historia, cada época ha respondido de manera diferente a la cuestión del

observador), dando lugar a la sociología del arte.

con significantes y significados.

No obstante, la gran aspiración de la historiografía artística actual continúa siendo la búsqueda de

una visión que tenga la capacidad de integrar tales corrientes.

A continuación se van a ver los estilos artísticos y su evolución:

Fase preclásica o protoclásica

Fase recurrente o neoclásica

Artes Mayores es la denominación histórica de la pintura, la literatura, la escultura y la arquitectura.

En toda obra de arquitectura se tendrá en cuenta diferentes elementos:

Se comenzó usando la madera y el adobe, posteriormente se siguieron usando el ladrillo, la piedra,

diorita para levantar edificios monumentales.

industrial introduciría materiales novedosos como el hierro, el acero, el aluminio o el hormigón

armado que transformarían las técnicas de construcción y la estética de los edificios.

Se encuentra formada por un número impar de naves dispuestas de manera longitudinal.

Las naves laterales

Igualmente podrán terminar en un ábside. Su origen se encuentra en la basílica romana,

Se organiza en torno a un espacio central. Va a ser característica de la cristiandad oriental

(arte bizantino). Se va a recuperar en el Renacimiento.

C. Los elementos sustentantes: muro, columna y pilar

construido. En ciertos edificios se van a usar columnas y pilares simultáneamente.

se denominará aparejo. Podrá ser regular o irregular.

La columna: es un elemento sustentante vertical, generalmente con forma cilíndrica o de base

circular. Su diseño va a variar según las culturas. Va a componerse de:

Basa: parte inferior de la columna sobre la que se apoya el fuste.

muchas columnas sólo tienen fuste.

Capitel: parte de la columna situada sobre el fuste, generalmente ornamentado, que va a

recibir de manera directa el peso de los elementos que sustenta.

(igualmente llamada arquitrabada) o abovedada.

Los más habituales van a ser:

Arquitectura adintelada o arquitrabada

edificios. Un ejemplo es la arquitectura románica y gótica.

Arquitectura basada en el uso de nuevos materiales

hierro o el hormigón armado, dio lugar a un sistema constructivo distinto en el que la

representado en volumen figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o asuntos de

la imaginación del escultor.

representar el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas se llama torso.

En el análisis de una escultura hay que tener en consideración:

El modelado: usa materiales blandos y se trata de ir añadiéndolos.

licuado con agua.

Soldadura: se unen distintas partes metálicas. Es propia de la época industrial.

encima para después raspar o bruñir y que la policromía resalte).

inaccesibilidad y alejan al espectador) o en forma de movimiento en potencia o de movimiento en

Se encuentra determinada por el deseo o no de movimiento. Puede adoptar distintas estructuras:

(miembros que se estiran o agitan).

desproporción o la deformación de las figuras con fines expresivos.

contrario, liviana, ingrávida.

Luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces aprovechando la textura y la forma de la

obra); posible función de la luz en la obra.

tan densa que se hablará de pintura matérica.

Las más utilizadas son:

Técnica de pintura en la que los pigmentos de color se van a disolver en un aglutinante

Usa mucha agua con diluyente y escasa cantidad de aglutinante.

Técnica usada en la pintura contemporánea en la que se mezclarán materiales de uso

Posibilita la identificación y el reconocimiento de las formas. Va a tener un valor esencial en la

transmisión de un mensaje pictórico. Según su trazo varía la expresión plástica: