Curso de Historia del Arte

3º Año

Sexto Semestre

Clase 7

Expresionismo Abstracto
 EXPRESIONISMO ABSTRACTO (1940-1950) EE.UU

• Tendencia artística Post Segunda Guerra Mundial desarrollada en EE.UU.

• Equivalente al Informalismo Europeo.

• Ausencia de toda relación con lo objetivo.

• Rechazo de todo convencionalismo estético.

• Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

• Ejecución totalmente espontánea.

• Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo (herencia del Dadaísmo – Surrealismo)

• Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

• Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

• Empleo de manchas y líneas con ritmo.

 Estados unidos entra al escenario del Arte Moderno
Peggy Guggenheim con su galería de arte Art of this Century (1942) fomentó y presentó el trabajo de los surrealistas exiliados en Nueva
York. Luego cobijó el trabajo de los jóvenes expresionistas abstractos.
Robert Coates a este crítico del New Yorker se debe el término «expresionismo abstracto»
Harold Rosenberg (1952) acuño el término Action Painting en su ensayo en la revista ARTnews
Clement Greenberg (1955) escribió un ensayo titulado tipo de pintura americana en donde defiende la obra de los expresionista abstractos.
Arshile Gorky (1904-1948)

Pintor estadounidense de origen armenio cuya obra combina la abstracción geométrica con un
surrealismo casi figurativo. En 1920 Gorky (cuyo nombre verdadero era el de Vosdanig Adoian) emigró
a Estados Unidos y, tras varios años de estudio, se afincó en Nueva York en 1925. Su obra inicial refleja
la influencia de Pablo Picasso. Después de 1939, se siente más identificado con los surrealistas
europeos y la obra abstracta de Wassily Kandinsky y Joan Miró. Él introdujo esos estilos en Estados
Unidos por lo que ejerció una gran influencia en la pintura estadounidense posterior y contribuyó de
un modo especial al desarrollo del expresionismo abstracto de sus contemporáneos Mark Rothko y
Willem de Kooning, con quien compartió taller a finales de la década de 1930. Las obras de Gorky,
como Agonía (1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y Los esponsales II (1947, Museo de Arte
Americano Whitney, Nueva York), que expresan sus fantasías subconscientes, se caracterizan por la
utilización de líneas caligráficas y tonos brillantes armonizados con el color dominante de fondo.
Diario de un seductor
1945
óleo sobre tela 126,7 x 157,5 cm
MoMA Nueva York
Abrazo, Pastoral (1945)
Agonía (1947)
óleo sobre tela 101,6 x 128,3 cm
Museo de Arte Moderno, Nueva York
El monje negro (última pintura) c. 1948,
óleo sobre tela 78,6 x 101,5 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

La iconografía del cuadro responde a la

reacción que le produjo a Gorky la lectura
del relato de Anton Chéjov El monje
negro, escrito en enero de 1894, en el
que se narra la degeneración y el delirio
de un hombre al que se le aparece un
amenazante monje negro para anunciarle
que es un genio: «Debajo del balcón,
tocaban una serenata, y el monje negro le
susurraba que era un genio, y que moría
sólo porque su débil cuerpo ya no podía
servir de envoltorio al genio». Esta cita,
recalcada por Levy, fue considerada por
Harry Rand como una nota de suicidio.
 Mark Tobey (1890-1976)
Pintor abstracto estadounidense, que nació en Centerville (Wisconsin). En un intento por negar las formas y diseños tradicionales, adoptó las técnicas de la
caligrafía oriental para crear lo que él mismo denominó escritura blanca, confusa trama de líneas filiformes de tinta blanca sobre fondo oscuro. La sensación de
profundidad se sugiere en estos trabajos por la superposición de líneas más que por el uso de la perspectiva tradicional. Preceden en varias décadas a la técnica
de drip-painting utilizada por el expresionismo abstracto.
Broadway (1935-36)

Noche blanca (1942)

Seattle Art Museum
Sobre la tierra
1953
Instituto de Artes de Chicago
Sumi (abstracto)
1957
tinta sobre papel japonés
Willem de Kooning
Action Painting

(Róterdam, 24 de abril de 1904 - Long Island, 19 de marzo de 1997) fue un pintor

neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la
Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta
tendencia, de la action painting o pintura gestual .
Negro, Sin título
1948
Óleo y esmalte sobre papel,
montado sobre madera
75,9 × 101,6 cm
Mujer I (1952) óleo sobre lienzo. 192,7 x 147,3 cm. MOMA Nueva York
Mujer y bicicleta (1952-53)
Marilyn Monroe (1954) óleo sobre tela 50x30
Composición
1955
óleo sobre tela 79x69
Franz Kline (1910-1962)
Action Painting

Pintor estadounidense vinculado al expresionismo abstracto. Estudió pintura en la

Universidad de Boston entre 1931 y 1935 y en 1937 viajó a París y a Londres.
En 1946 inicia su aproximación a la pintura abstracta, en una línea paralela a la de De
Kooning y Motherwell, donde la armazón casi académica de líneas y planos da paso a una
estructura pictórica facetada como en The Dancer de 1946; con el tiempo introduce marcas
caligráficas. Sus trabajos se expusieron por primera vez en la galería Egan en 1950; alcanzó
con ellos una inmediata notoriedad, y participó en la importante exposición titulada The
New American Painting.

Estas obras de Kline representan una forma de expresión absolutamente individual y es una
de las mayores contribuciones al desarrollo del expresionismo abstracto. Hacia 1955 realizó
algunas de sus obras maestras monumentales, tanto en escala como en concepto, como
Mahoning, de 1956. Su obra tuvo un gran impacto en los escultores constructivistas de los
años sesenta, debido al sabio equilibrio logrado entre los blancos y negros, que estudiado
en profundidad, deviene en una estructura compuesta por sólidos blancos en huecos
negros.
Pintura número 7 (1952)
Pintura número 2 (1954)
Reflexiones negras
1959
Robert Motherwell

(Aberdeen, Washington, 1915-Provincetown, Massachusetts, 1991)

Pintor estadounidense. Influenciado en sus inicios por el automatismo surrealista, se

centró con posterioridad en el expresionismo abstracto. Fundó en Nueva York, junto con
Baziotes, Newmann y Rothko, la escuela Subjects of the Artists (1948). Su obra se
desarrolla en torno a grandes series, entre las cuales cabe mencionar Elegías españolas
(comenzadas en 1948 y dedicadas a la república y la guerra civil españolas) y Open. Es
autor también de collages, de dibujos y de ilustraciones para obras literarias (Rimbaud,
Alberti).
La pequeña prisión española (1941) óleo sobre tela 69x43 , MOMA NY
Autorretrato (1943) Collage Guggenheim NY
Visto desde una torre alta (1944)
collage 74x74
Te amo número 2 (1955)
óleo sobre tela 137x182
Jackson Pollock (1912-1956)
Action Painting

(Cody, EE UU, 1912-Springs, id., 1956) Pintor estadounidense. Durante su infancia y su

adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para
estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de
formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó
hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya
particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a
interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período
buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar
técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el
lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos
u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la
adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.
Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más
significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno
de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad,
sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie
de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.
Crucifixión (1939-40)
Pájaro (1941)
La mujer Lunar (1942)
Alquimia (1947) óleo, aluminio, técnica mixta. 195x114 cm
Peggy Guggenheim Foundation, Venice, Italy
“Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima
del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para
participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se
trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales,
como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de
arena, vidrio molido u otras materias”
 Número 5 – 1948 1948 243x121
La pintura más famosa de Jackson Pollock: "# 5 , 1948" tiene el récord de subasta al venderse en 140 millones de dólares (USD 140.000.000), superando a la
pintura de Gustav Klimt "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" vendida por 136 millones de dólares.
Número 8 (1949)
Los artistas del expresionismo
abstracto recibieron toda la atención
de los medios, en especial Pollock, De
Kooning, Gorky, Kline y Rothko.

En 1949 Pollock aparece en un

reportaje de 4 páginas en la revista
Life, en la que se preguntan si el artista
es el pintor vivo más grande de
Estados Unidos.
Número 31, 1950 (1950)
Lee Krasner (1908-1984)
Jackson Pollock trabajando en una de sus pinturas.
Sentada al fondo podemos apreciar a Lee Krasner.
Lee Krasner. Sin título (1948)
Museo Metropolitano de Nueva York
El ojo es el primer círculo (1960)
Mark Rothko (1903-1970)
Letonia nacionalizado norteamericano
Color-field painting

Tras unos inicios en que se acercó al surrealismo y el expresionismo, llegó a un estilo

absolutamente personal que lo convirtió en una de las figuras más destacadas del
expresionismo abstracto, siendo a menudo encuadrado, junto con B. Newman o S. Francis,
en la corriente denominada del campo de color.

Sus obras, normalmente de grandes dimensiones y agrupadas en series, presentan muy

poca variación compositiva y consisten básicamente en rectángulos de varios colores que se
suceden paralelamente de arriba abajo, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de
separación tonal.

La intención del artista fue siempre aprehender el absoluto por medio de una aproximación
contemplativa y sensibilista. Su paleta cromática fue oscureciéndose con el paso de los
años, se especula que en correspondencia con un estado depresivo que lo llevaría al
suicidio.
No.5/No.22
1949-50
272 x 297 cm
Museum of Modern Art, New York City
No. 61 (Rust and Blue)
1953
óleo sobre tela 115 cm × 92 cm
Museum of Contemporary Art, Los Angeles
N° 13
Blanco, rojo sobre amarillo
1958
Óleo y acrílico con pigmentos en polvo sobre lienzo 242,3 x 206,7 cm
Museo Metropolitano de Nueva York
Capilla Ecuménica (1967-1969) Houston Texas. Encargo de la familia De Menil
Helen Frankenthaler (1928-2011)

Pintora expresionista abstracta estadounidense, pionera en la utilización de nuevos métodos

de tratamiento del color. Nació en Nueva York y estudió arte en la Facultad de Bennington. Sus
primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con posterioridad a 1951
desarrolló un estilo propio. Inspirada en Jackson Pollock, creador de la técnica del dripping, que
consiste en salpicar pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizó pintura muy diluida para
empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diáfanos de colores suaves,
como los delicados rosas y azules de Montañas y mar (1952). Tanto ésta como otras obras
posteriores, aunque son absolutamente abstractas, contienen manifiestas evocaciones de
paisaje. En la década de 1960 comenzó a dejar grandes zonas del lienzo vacías en muchos de
sus cuadros, para permitir (según sus propias palabras) que la obra respirara. En 1962 comenzó
a utilizar el acrílico, que resulta más brillante y menos denso que el óleo, y en consecuencia el
colorido de sus telas se fue haciendo más fuerte. En 1975 hizo una serie de pinturas en
cerámica de delicados tonos. Frankenthaler ha tenido una importante influencia en artistas
coloristas estadounidenses como Morris Louis y Kenneth Noland.
Montañas y mar (1952)
La bahía (1963)
Tuti fruti (1966)
acrílico sobre tela 175 x 296 cm
Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
Jean Paul Riopelle (1923-2002)
Canadá

Miembro del movimiento de los automatistas suprarracionales, en 1947 se estableció

en París, donde se vinculó a los surrealistas y estuvo entre los iniciadores del
tachismo. Su pintura se caracteriza por grandes composiciones abstractas, distribuida
en manchas de color y amplios trazos gestuales. Posteriormente ha evolucionado
hacia una cierta figuración (Búhos, 1971-1972). En 1981 recibió el premio Paul-Émile
Borduas y fue objeto de una exposición retrospectiva en el Centre Pompidou de París.
En 1985 le fue concedido el Grand Prix de la Ville de París.
Sin título (1949)
Pintura (1956)
Joan Mitchell (1925-1992) Sin título (1950)
Pintora norteamericana, relacionada con el expresionismo
abstracto y el artista Jean Paul Riopelle. Generalmente sus
obras no tienen título, son de gran tamaño y colorido, con
empastados, pinceladas marcadas y efecto all over.
Piano mecánico (1958)