TEMA 3.

Las Segundas Vanguardias:

.- Informalismo: Burri, Vedova.
.- Expresionismo Abstracto: Pollock, De Kooning.
.- Pop Art: Warhol, Lichetenstein, Rauschenberg, Claes Oldenburg, George Segal.
.- Nueva Figuración: Lucian Freud, Francis Bacon,
.- Minimalismo: Morris, Judd.

II SEGUNDAS VANGUARDIAS:

  El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los

años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante
esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se
fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones
artísticas tienen un carácter internacional, pero a veces las peculiaridades
regionales del lenguaje o de la iconografía destacan con una fuerza notable. La
postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las
delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los
rasgos inherentes de lo propiamente artístico. El resultado fue que cualquier cosa
era susceptible de entenderse como arte. El papel del lenguaje artístico como
elemento capaz de ayudar a la construcción de una nueva sociedad fue ignorado,
siendo la mayoría de las obras vanguardistas ininteligibles para el público en
general. El expresionismo abstracto fue el máximo exponente del elitismo
intelectual a finales de los años cuarenta y durante la década de los cincuenta.
Otros movimientos posteriores, como el "happening", el "fluxus", el "land art", el
minimalismo, el arte conceptual, el "art povera" o el "installation art" que repetían o
se inspiraban en los actos y rasgos propios del dadaísmo de comienzos de siglo,
complicaron aún más la situación y provocaron en el público la desorientación y la
inquietud, pues ante tales manifestaciones "artísticas", el espectador duda y no
sabe si verdaderamente se encuentra ante una obra de arte. Incluso el "pop art",
que en los años sesenta fue el único movimiento innovador que reivindicó la
cultura de masas y se reveló contra el expresionismo abstracto, produjo también
obras desalentadoras para la mayoría del público.

A continuación, reseñamos algunas de las corrientes artísticas surgidas durante el

periodo indicado.

 Informalismo.

Informalismo, movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España,

desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto
estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción
lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico del
neoplasticismo o De Stijl.

En 1951 el crítico de arte Michel Tapié presentó en Francia varias exposiciones

que fueron dando forma al nuevo movimiento artístico. Por un lado organizó la
muestra Vehemencias confrontadas, en la que mezcló obras de artistas franceses,
italianos, americanos y canadienses con el fin de ofrecer las tendencias extremas
de la pintura no figurativa. Pocos meses después preparó la exposición
Significantes de lo informal con obras de Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean-
Paul Riopelle, Iaroslav Serpan, Marcel Michaux y Jean Dubuffet. Las exposiciones
se sucedieron hasta que en 1952 apareció el álbum-manifiesto Un arte distinto,
consolidando con ello la nueva tendencia conocida como informalismo.

Más que una escuela, lo informal designa, por tanto, una tendencia a la que se
vincularon durante cierto tiempo diversos artistas como los antes citados o
también Wols, Hans Hartung o Alberto Burri, entre otros muchos. Los
informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en otro tipo de
abstraccionismo buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto
es, la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas, huyendo de todo lo referente
a la forma, a la voluntad formativa, a la estructuración preconcebida y racional.
Se han buscado diferentes influencias para justificar su estética, todas ellas
discutidas y discutibles, desde el automatismo surrealista hasta el nihilismo
dadaísta. Lo que sí es claro y aceptado por todos es que el informalismo es un
término que unifica en su misma imprecisión a unos autores preocupados por
explorar la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto las
posibilidades expresivas de los graffiti como el grattage o el Action Painting.

El pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de 1950 de

la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de Michel Tapié. Se
pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del informalismo
expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los nuevos
materiales darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo
madrileño se puede incluir la obra de artistas como Antonio Saura. Mientras que
en Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies.

Alberto Burri (Città di Castello, 12 de marzo de 1915 - Niza, 13 de febrero de

1995), fue un pintor y escultor abstracto italiano.

Alberto Burri, estudió medicina y fue médico militar durante cuatro años en la
Segunda guerra mundial. Fue internado en un campo de prisioneros en 1944,
donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a
Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo
lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería
Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó
en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados
Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en
documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su
primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en
1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.
Estilo.

Burri pronto se volvió hacia la abstracción (1949), con los catrame, obras
realizadas con alquitrán y óleo sobre lienzo. Realizó cuadros de pintura matérica
abstracta, muy cercanos al informalismo español de la década de los años
cincuenta. Su obra se relaciona con el tachismo europeo, el expresionismo
abstracto estadounidense, y la abstracción lírica. Cultiva una «estética del
desperdicio», con el uso de materiales poco convencionales próxima al Art brut de
Jean Dubuffet y el nuevo realismo; se ha señalado además otras tendencias como
origen de los elementos de su obra, como el neodadaísmo y el arte povera. A su
personal estilo se le denominó «polimaterialista».

Utilizó la técnica del collages a partir de 1950, y la de ensamblajes de materiales

diversos. Burri tomaba de la realidad cotidiana materiales poco ortodoxos como
alquitrán o arpillera. Empezó a realizar una serie de cuadros que se transformaban
en tridimensionales. De 1952 son sus primeras pinturas sobre sacos. Burri
comenzó a producir obras experimentando con madera, metal y plástico; hizo
cuadros con madera carbonizada y arpillera como la primera serie de Cuadros
negros; más tarde, probó con chapas de hierro soldadas. También hace lienzos
con arpillera rota y papel quemado (serie de grandes Telas de saco, 1952-1956).
Desde 1956 empieza sus Combustiones y la serie de los Hierros. Comenzó a
experimentar con materiales sintéticos quemados, como el plástico, que arrugaba,
doblaba y quemaba con una antorcha. A principios de los setenta comenzó sus
pinturas «rotas».

De 1973 es su primer Cretto, imágenes que se realizaba en arcilla que, al cocerse

en caolín, formaban grietas en la superficie. La más destacada de esta serie de
obras es el Grande Cretto Nero que hizo para el jardín de esculturas de la
Universidad de California en Los Ángeles (1976).

Creó, desde 1979 hasta los noventa, una serie de obras integrando en ellas el
material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro,
blanco y oro.
Tuvo el proyecto, inacabado, de transformar el pueblo de Gibellina, en Sicilia, en
un gran Cretto. En Gibellina, realizó, entre 1985 y 1989 el Grande Cretto al cubrir
de cemento blanco todo un barrio destruido por un terremoto y abandonado por
los habitantes. Se trata de un ejemplo monumental de land art. Se presenta como
un inmenso casquillo (coltre) de cemento blanco que se extiende sobre el lado sur-
sureste de la montaña adoptando la forma de un cuadrilátero irregular de
aproximadamente 300 metros por 400. En el cemento trazó grandes trincheras, de
1,60 metros de profundidad y de 2 a 3 metros de longitud, permitiendo a los
visitantes circular por ellas. Siguen el trazado de las calles de la antigua ciudad, y
permiten restituir la idea de la ciudad antes del terremoto.

Emilio Vedova (Venecia, 9 de agosto de 1919 - 25 de octubre de 2006) fue un

pintor y grabador italiano. Iniciado en el expresionismo, empezó a trabajar
inicialmente en contacto con el grupo de Corrente (1942-43).

En la posguerra estuvo entre los promotores del Frente nuevo de las artes.
Precisamente en ese periodo, en 1949-1950, Emilio Vedova se unió al proyecto de
la importante colección Verzocchi (con el tema "El trabajo en la pintura
contemporánea" y actualmente conservada en la Pinacoteca cívica de Forlì),
enviando, además de un autorretrato, la obra "Interior de fábrica".

Luego formó parte del grupo de los Ocho (Afro, Birolli, Corpora, Santomaso,
Morlotti, Vedova, Moreni, Turcato) de Lionello Venturi (1952), pasando del primer
neocubismo de las "geometrías negras" a una pintura cuyas temáticas político-
existenciales han ido encontrando una expresión en una gestualidad
románticamente automática y abstracta.

En 1961 colaboró con Luigi Nono para la escenografía de la obra Intolerancia 60.

Emilio Vedova murió en Venecia a los 87 años, poco más de un mes después de
la muerte de su mujer, Annabianca.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Expresionismo abstracto, movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya
principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través
de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este
movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por
la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo
abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la
representación convencional.

Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor
ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada
utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada
a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores
europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves
Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores
estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la
influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en
Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y
profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la
interacción dinámica de planos de color.

El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York

formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son
tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos
tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de los
planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia (Action
Painting) se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad
del artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los
pintores que realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la
unificación de color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la
Action Painting. Él creó la técnica del dripping, que consiste en dejar chorrear los
colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas
entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willem de Kooning y
Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban amplias
pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio
virtualmente infinito. Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes
en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de
planos cromáticos. Bradley Walker Tomlin, Philip Guston, Robert Motherwell,
Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus obras elementos de las dos
tendencias.

El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa

en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet.
Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del
francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal,
que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la
Action Painting de Nueva York. Entre los pintores tachistas se encuentran los
franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español Antoni Tàpies, el italiano
Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el
canadiense Jean-Paul Riopelle.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO. ACTION PAINTING (PINTURA DE ACCIÓN).

ABSTRACCIÓN PICTÓRICA

  VISIÓN GENERAL

El expresionismo abstracto surge en EE. UU a principios de los años cuarenta y

adquiere su máximo desarrollo a comienzos de los años cincuenta.

La formación de este movimiento no habría sido posible sin la aportación de los

surrealistas.

Al comienzo de la segunda guerra mundial, la casi totalidad del movimiento

surrealista (surrealismo) se exilió en Nueva York. Entre los exiliados estaban
algunos de los pintores surrealistas más importantes: Max Ernts, Roberto Matta,
Salvador Dalí y André Masson. Estos pintores tuvieron como sede de sus
actividades artísticas la galería neoyorkina "Art of This Century". Esta galería fue
abierta en 1942 por la coleccionista Peggy Guggenheim (que entonces estaba
casada con Ernts) para que los artistas exiliados tuvieran un centro donde mostrar
su obra.

Esta presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció una gran influencia

entre los pintores norteamericanos, especialmente entre los jóvenes artistas
neoyorquinos, muchos de los cuales expondrían con el tiempo en la galería de
Peggy Guggenheim (Pollock llegó a ser la estrella de esa galería).

Emerge así la vigorosa escuela de Nueva York, caracterizada por una pintura
"subjetiva" de gran libertad expresiva, que si bien al principio contiene elementos
figurativos (fase mítica), acabará por prescindir totalmente de ellos (fase gestual).

El término de "expresionismo abstracto" se debe al crítico de arte del "The New

Yorker", Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo-
plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952 el crítico Harold
Rosenberg utiliza el término de "action painting" (pintura de acción) para definir
mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas, la importancia dada al
proceso o acto de pintar por encima del contenido.

Otras denominaciones que también recibe este movimiento son las de

"abstracción pictórica" (painterly-abstract) y la de "nueva pintura americana" (new
american painting), ambas debidas al crítico Clement Greenberg.

Características generales:

- Rechazo de todo convencionalismo estético.

- Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

- Ejecución totalmente espontánea.

- Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

- Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el

contenido.

- Empleo de manchas y líneas con ritmo.

Fases:

En este movimiento es posible diferenciar dos fases: la llamada fase "mítica" o de

formación del movimiento (influenciada por el surrealismo), que abarca desde
principios de los cuarenta hasta después de la segunda guerra mundial, y la fase
gestual, a partir de 1947 (año en el que Pollock realiza sus primeras pinturas de
goteo), en la que el movimiento queda plenamente configurado.

Fase mítica:

- Imaginería extraída del subconsciente: de los mitos y símbolos que conforman

los arquetipos universales de la experiencia humana y que se encuentran en el
inconsciente individual (De Kooning, Pollock, Rothko).

- Estilo abstracto biomórfico: composiciones con formas que semejan estructuras

de plantas y animales, formas protozoicas o amiboideas creadas
espontáneamente (Gorky); así como garabatos y símbolos primitivos o cósmicos:
círculos, discos, etc (Gottlieb).

- Ausencia de profundidad y tridimensionalidad.

- Predominio de la armonía tonal.

Fase gestual:

- Abandono del lenguaje figurativo (De Kooning no cesará jamás de practicar una
pintura figurativa).

- Utilización de nuevos métodos de ejecución: dripping.

- Expresión del estado psíquico del artista en el momento de realizar la pintura.

- Utilización de telas de grandes dimensiones.

- Gran libertad en el color (al principio preferencia por el blanco y el negro, más
adelante por los colores brillantes y vivos para traducir estados de ánimo
intensos).

- Variedad de configuraciones estructurales, entre ellas destacan:

Composiciones de campo extendido (all-over field painting):
Toda la superficie del lienzo cubierta uniformemente mediante una maraña
de líneas y cordones de pintura chorreada o goteada que transmiten la
sensación de extenderse indefinidamente más allá de los bordes del cuadro
(Pollock).
Composiciones de campo de color (colour field painting):
Grandes superficies planas combinadas de color sin elementos sígnicos ni
gestuales, creando atmósferas y gran sensación de espacio (Rothko,
Newman, Reinhardt, Still ).

INFLUENCIAS

Las composiciones de Kandinsky, la pintura automática del surrealismo abstracto

de André Masson, el surrealismo simbólico de Max Ernts y la filosofía
existencialista de Jean-Paul Sartre de "ser es hacer" como base justificativa de su
actitud creativa. 

PRINCIPALES ARTISTAS
Jackson Pollock (1912-1956), Willem de Kooning (1904-1997), Barnett Newman
(1905-1970), Arshile Gorky (1904), Franz Kline (1910-1962), Mark Rothko (1903-
1970), Ad Reinhardt (1913-1967), Clyfford Still (1904-1980),

Jackson Pollock (1912-1956), pintor estadounidense, el principal representante

del Action Painting, una corriente pictórica asociada al expresionismo abstracto.

Nació en Cody (Wyoming) y estudió en la Art Students League de Nueva York con
Thomas Hart Benton. Durante varios años viajó por el país realizando dibujos. A
finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en el
programa de arte de la administración federal. Sus primeras obras, en el estilo
naturalista de Benton, retratan de forma realista escenas de la vida cotidiana de
Estados Unidos. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un
estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno de
Nueva York).

A partir de 1947 evolucionó hacia el expresionismo abstracto y desarrolló la

técnica del dripping, que consiste en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre
un lienzo colocado en el suelo. Mediante este método, Pollock realizó esquemas
de formas entrelazadas, como se observa en los ejemplos Full fathom five y
Lucifer (ambos de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). También
pertenece a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza,
Madrid). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en
blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último
periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva
York). Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de
automóvil.
Willem de Kooning (1904-1997), pintor estadounidense de origen holandés,
perteneciente al expresionismo abstracto, que ha tenido una enorme influencia de
ámbito internacional en los estilos artísticos posteriores.

Nació en Rotterdam, Países Bajos, y abandonó la escuela a la edad de 12 años

para trabajar como aprendiz en una empresa de artistas comerciales y
decoradores. También asistió a clases de arte en la Academia de Rotterdam. En
1926 se trasladó a Estados Unidos y trabajó durante una época como pintor de
brocha gorda y, algo después, como artista comercial. Durante la década de 1930
pintó murales dentro del programa de arte de la administración federal, dando
muestras de conocer profundamente a Picasso, más que cualquier otro artista de
la época excepto Arshile Gorky. En 1948 expuso por primera vez en Nueva York
una serie de obras abstractas realizadas en blanco y negro, lo cual le situó como
uno de los creadores más significativos del expresionismo abstracto de la escuela
de Nueva York. El término Action Painting se aplicó por primera vez a la obra de
Willem de Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy
marcados. Dos de los lienzos más sobresalientes que se conservan de este
periodo son Asheville (1948, Colección Phillips, Washington) y Excavación (1950,
Instituto de Arte de Chicago).

En 1953, Willem de Kooning mostró al público un conjunto de seis obras

denominadas Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y gruesos
empaste. Era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte
abstracto. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto
en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, alternó el estilo
figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. Al mismo tiempo también
hizo litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce. En 1980 ganó
junto al español Eduardo Chillida el Premio Andrew W. Hellon en el Pittsburgh
International. En el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York se celebró
en 1983-1984 una exposición retrospectiva de su obra.
.- POP ART

Pop Art, movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y

Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, ‘arte
popular’) se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas
de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en
sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a
sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales
fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura
acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los
artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el
diseño de moda.

Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los

artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición
pictórica estadounidense caracterizada por el empleo del artificio en las
representaciones de objetos cotidianos. Por otra parte, varios integrantes de la
corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como artistas publicitarios.

El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo

abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que los
artistas pops consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social.
Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense John Milton Cage —eliminar
las distancias entre arte y vida— los artistas Pop se aproximaron con ironía al
ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo
y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una percepción crítica
de la realidad, más inmediata que aquella ofrecida por la pintura realista del
siglo XIX.

En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns proporcionaron el

impulso inicial: Rauschenberg con sus collages elaborados con objetos
domésticos, como colchas y almohadas, y Johns con sus series de pinturas
repetitivas de la bandera de su país y de dianas. La primera obra destacada del
Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan
simpáticos? (1956, colección particular) del artista británico Richard Hamilton. En
esta satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se pavonean en un
salón, se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización,
incongruencia, provocación y buen humor.

El Pop Art se difundió rápidamente. En 1960 el artista británico David Hockney

pintó Typhoo Tea (Londres, Gallería Kasmin), una de las primeras pinturas que
reprodujo la marca comercial de un producto. En el mismo año, Jasper Johns
finalizó sus vaciados en bronce sobre las latas de cerveza Ballantine. En 1961, el
estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas
de plástico en forma de hamburguesa y otras clases de fast food (‘comida rápida’).
Al mismo tiempo, Roy Lichtenstein, ampliaba el campo del Pop Art con sus
enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del cómic.

Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió de

las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns ya habían
abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones
seriadas. A principios de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea un
poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de
estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell y otros
objetos representativos de la cultura consumista.

Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las obras escultóricas

de George Segal y Wayne Thiebaud o las series satíricas del Gran desnudo
americano, pintadas por Tom Wesselmann.

Andy Warhol (c. 1928-1987), pintor y cineasta estadounidense, líder del

movimiento Pop Art. Su verdadero nombre era Andrew Warhola y nació en
Pittsburgh, Pennsylvania. Estudió en el Carnegie Institute of Technology. Empezó
su carrera como artista comercial en Nueva York. En la década de 1960 atrajo la
atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como
Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York) y Botellas de
Coca-Cola verdes (1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York), o de
estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962, colección de Mr. y Mrs Burton
Tremaine). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran
objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos
mecánicamente hasta el infinito.

Warhol siguió una dirección similar en su trabajo cinematográfico experimental,

como The Chelsea Girls (1966), un semidocumental de siete horas. Más tarde,
filmes más complejos como Lonesome Cowboys (1969) y Trash (1970), están
también marcados por la improvisación en el diálogo, la ausencia de trama y el
extremado erotismo.

Entre las publicaciones de Warhol se encuentran Mi filosofía de A a B y de B a A

(1975) y America (1985), una colección de mordaces fotografías sobre la vida en
Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicó Interview, una revista mensual
con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. En 1994 abrió sus
puertas en Pennsylvania el museo Andy Warhol, el museo más grande de Estados
Unidos dedicado a un solo artista.

Roy Lichtenstein (1923-1997), pintor estadounidense del Pop Art, artista gráfico y
escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del
cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la
Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo
expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con
imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles,
libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del
Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961
se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de
producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964,
Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los
dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los
mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas
obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la
novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos,
muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas
recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el
Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó
por muchos otros países.

Robert Rauschenberg (1925- ), pintor estadounidense que representó un papel

importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Nació en
Port Arthur, Texas. Estudió arte en París y en diferentes escuelas de Estados
Unidos, incluyendo el Black Mountain College. A principios de 1950 realizó
pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron
cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados.
En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que
las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos
de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de
Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El
más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo),
presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador.
Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una
fuerte influencia en el Pop Art de la década de 1960. A partir de 1962,
Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y
negro y más tarde en color, en la que la repetición de la imaginería tuvo un papel
destacado. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la
dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas,
incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg.

Claes Oldenburg (1929- ), escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Nació en
Estocolmo, donde su padre estaba destinado como diplomático. Entre 1960 y
1965 Oldenburg llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca
Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y
grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde
el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente
pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura. En
1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en yeso de
hamburguesas, sandwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Más tarde
construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con
vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos,
sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores
como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Estas
obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias
al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos...), pero a
su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la
forma en un material rígido. Entre sus obras más famosas destaca su gigante
Pinza para la ropa (1974), Máquina de escribir blanda (1963) y el Ratón
geométrico.

George Segal (1924-2000), escultor estadounidense, famoso por sus obras

figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y
en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor
después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados
de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas
de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con objetos y accesorios que
proceden de depósitos de chatarra.

Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e

imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir
objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una
navaja de rasurado en Mujer afeitándose una pierna (1963, Colección Mayer,
Winnetka, Illinois), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista
pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que
transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.
.- NUEVA FIGURACIÓN: ¿???

La Neofiguración o Pintura Neofigurativa es un movimiento artístico de la

segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa
frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal
y de manera expresionista. Surge como reacción al arte abstracto tras la Segunda
Guerra Mundial, en especial durante los años 1950 y 1960.

El término «neo-» y «figurativo» surgió en los años sesenta en México y España

para representar una nueva forma de arte figurativo. En España se desarrolló
hasta el año 1965, momento en el que se pasó a la figuración narrativa.

La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se

vuelve a representar la realidad, en particular la figura humana, pero con las
técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian
tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o
monstruosas, ejemplo de ello son las obras de Francis Bacon, quien retrata la
soledad, el horror y la angustia contemporáneas en sus figuras aisladas y
deformes. Ejemplo: Estudios sobre el retrato del papa Inocencio X, de Velázquez.

Entre los artistas latinos neofigurativos se encuentran Fernando Botero, Antonio

Berni, Jacobo Borges, Régulo Pérez, Pedro León Zapata.

Lucian Freud (1922- ), pintor inglés de origen alemán, creador de obras precisas
y realistas. Nieto de Sigmund Freud, nació en Berlín el 8 de diciembre de 1922 y
emigró a Inglaterra con su familia en 1933. Entre 1938 y 1943 estudió arte en
Londres y en Dedham. Alcanzó fama internacional durante la década de 1950 y
desde ese año se han llevado a cabo numerosas exposiciones de su obra por todo
el mundo.

Aunque en su primera etapa experimentó dentro del surrealismo y el

neorromanticismo, encontró su estilo personal en obras de un realismo muy
detallado como, por ejemplo, en el sombrío cuadro Interior en Paddington (1951,
Galería de Arte Walker, Liverpool). Entre sus últimas pinturas, caracterizadas por
una pincelada más expresiva y un mayor contraste de color, destacan una serie de
retratos de su madre de gran penetración psicológica.

Francis Bacon (1909-1992), pintor británico de origen irlandés, cuyo estilo

expresionista, basado en un simbolismo de terror y rabia, le ha convertido en uno
de los artistas más originales del siglo XX. Nació en Dublín, de padres ingleses, el
28 de octubre de 1909 y llegó a Londres a finales de la década de 1920. Entre
1927 y 1928 pasó algún tiempo en París y Berlín, donde hizo trabajos de
decoración y comenzó a realizar dibujos y acuarelas, tras la impresión que le
produjo una exposición de Pablo Picasso. En 1929 volvió a Londres y se inició
como autodidacta en la pintura al óleo. En 1944 ante el escaso éxito de sus obras
destruyó casi todas las pinturas que había hecho hasta entonces. El tríptico Tres
estudios de figuras junto a una crucifixión (1944) marcó el reinicio de su carrera
sobre unas bases totalmente nuevas.

En 1948 el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York compró una obra
suya y en 1949, año de su primera pintura inspirada en el cuadro de Velázquez,
Inocencio X, comenzaron una serie de exposiciones individuales. Una buena parte
de su obra está constituida por autorretratos y retratos de amigos suyos como el
Retrato de George Dyer en un espejo (1968, Museo Thyssen-Bornemisza,
Madrid). Su obra es una constante reflexión sobre la fragilidad del ser. En cuadros
como Cabeza rodeada de carne de vaca (Estudio después de Velázquez) (1954,
Instituto de Arte de Chicago) y en una serie pintada en 1952 sobre perros que
gruñen, Bacon intentó impactar al espectador al hacerle tomar conciencia de la
crueldad y violencia.

.- MINIMAL ART / MINIMALISMO

El término "Minimal Art" o "Estructuras Primarias" denomina a un grupo de artistas

que aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del
orden no es inflexible sino más bien moderada. Las obras Minimal personifican
estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de elementos y
está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las
partes singulares o por su ordenamiento composicional; por eso abunda la Gestalt
simple: "el todo es más importante que las partes". .Tanto las propiedades del
material, como las de la superficie y el color permanecen constantes con objeto de
no desviar la atención de la obra como un todo.

El término, acabó por referirse casi exclusivamente a los objetos tridimensionales

desarrollados por determinados escultores reduccionistas norteamericanos.

La "Pintura minimalista" es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se

trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos,
concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose
durante los años 1970.

La pintura "minimal" también se conoce como pintura del silencio, pues se aparta
del mundo material y del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo.

La pintura "minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado

por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a principios de los
sesenta. Así, las obras producidas por Olitski (superficies enfáticas) y Kelly
(paneles de color) a partir de finales de los sesenta están dentro de la tendencia
minimalista.

CARACTERÍSTICAS

- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie,

tamaño y color.
- Máxima sencillez.
- En escultura: formas semejantes a cubos, pirámides o esferas, organizadas en
ángulos rectos, generalmente en series.
- En pintura: superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca
sobre fondo blanco (Ryman) o de otros colores (Olitski) apenas modificadas con
líneas y puntos casi imperceptibles (Martin), por marcas cerca del borde (Olitski) o
por pincelazos (Ryman).
- Se concibe la pintura como "pigmento específico" sobre una "superficie
específica".
- Utilización directa de materiales que son mínimamente manipulados.
- Creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente,
y grueso-fino (Ryman).
- Obras de gran formato y pinturas sin marco.

INFLUENCIAS

Del constructivismo y sobre todo del planteamiento reductor de las últimas pinturas
de campos de color de Ad Reinhardt. Este artista, durante los últimos seis años de
su vida, realizó una serie de pinturas (conocidas como "pinturas negras"), todas
del mismo formato (un metro cincuenta de superficie), que contenían una simple
imagen en forma de cruz pintada en un tono muy oscuro apenas diferenciable del
resto de la superficie del cuadro. Estas obras a primera vista parecían extensiones
uniformes de pintura negra. Pero después de estar mirándolas durante un tiempo,
el ojo se acomoda a las diferencias de tono y la imagen de la cruz se ve
perfectamente.

Los pintores minimalistas, de manera explícita afirmaron que su arte no era una
expresión de sí mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos de
la década precedente. Muy pronto crearon un estilo, entre cuyos rasgos estaban:
formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las
partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo
cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en
los que predomina, ante todo, el color.

En los años 80, se produjo una renovación de la pintura minimalista con las
tendencias "Neo-geo" y "Neo-minimal".
PRINCIPALES ARTISTAS

Pintores: Jules Olitski (1922), Ellsworth Kelly (1923), Robert Ryman (1930), Agnes
Martin (1912),

Escultores: Sol LeWitt (1928), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994),
Carl Andre (1935), entre otros.

Robert Morris (Kansas City, 1931) Artista estadounidense. Encuadrado en la

tradición del arte conceptual, explora las múltiples relaciones existentes entre la
obra, el artista, el público y el espacio circundante, con una especial atención al
proceso mismo de creación de la obra, en el que tanto el espacio como los
materiales empleados se transfiguran poéticamente (Observatorios, 1971;
Laberintos, 1974). En la expresión artística recurre a la utilización de formas
simples, por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte
minimalista a comienzos de la década de los sesenta, siendo el autor de obras
como Fieltros recortados (a partir de 1967), amontonamientos de tierra y basuras
(1968), bloques de piedra (1977). Autor también de series de dibujos como Blind
Time (1986).

Donald Judd (1928 - 1994), artista estadounidense. Su obra se basa en el

espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo
evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que
usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el
uso del espacio en que se encuentran.

A partir de 1963, Judd comenzó a usar colores más llamativos y diferentes. Entre
otros materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal, el contrachapado,
y el plexiglás. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe.

Es frecuente el encontrar a Judd incluido en el grupo minimalista de artistas, pero

él mismo se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.