COLECTIVO RUDERA

ALEJANDRO GONZÁLEZ OSÉS

IZARO IEREGI
JORGE ISLA
ALEXIA SAYAGO
MARTA VAN TARTWIJK
JUAN DIEGO TOBALINA
EDU VALLS
IRANTZU YALDEBERE
IMANOL ZUBIAUZ

BILBAOARTE
2023
 BILBAOARTE
2023

Katalogoa |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catálogo ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catalogue |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

 INDEX

Sarrera 7 Trukaketako artistak 73

Introducción Artistas de intercambio
Introduction Exchange artists

Bekadun artistak 13 Harald Gmeiner 75

Artistas becados/das Saray Pérez Castilla 77
Grant holder artists Javier R. Pérez-Curiel 79

Colectivo Rudera 15
Alejandro González Osés 19 Programazioa 81
Izaro Ieregi 23 Programación
Jorge Isla 27 Programme
Alexia Sayago 31
Marta van Tartwijk 35 Claudia Rebeca Lorenzo 83
Juan Diego Tobalina 39 Silvia Coppola 87
Edu Valls 43 Estela Miguel Bautista 91
Irantzu Yaldebere 47 Maider Aldasoro 95
Imanol Zubiauz 51
Zinema
Work in process 99
Ekoizpen-artistak 55 Más allá del biopic 103
Artistas de producción
Production artists Agenda 107

Taxio Ardanaz 57
Martín del Busto 59 Babesleak 109
Nerea Castaño 61 Patrocinadores
Isaac Cordal 63 Sponsors
Jonathan García Lana 65
Mikel Godoy 67 Kredituak 111
Patrik Grijalvo Millois 69 Créditos
Desirée Moreno 71 Credits
Ate Irekien jardunaldi hauek ezohikoak dira, bai denborari dagokionez, bai in-
guruabarrei dagokienez, eta Fundazioak orain dela urtebete baino gehiago pro-
posatutako aldaketetara egokitzeko saiakera bat dira. Artistak, erabiltzaileak eta
azpiegiturak sustatzeko asmoz egindako aldaketak dira, bai eta BilbaoArteren
irudia komunitate artistikoan eta gizartean, oro har, indartzeko asmoz proposa-
tutakoak ere.

2022ko abenduan, zentroak ateak itxi zituen lehen aldiz 25 urtetan, asmo han-
diko barne-obra bat egin eta Fundazioa garai berrietara egokitu ahal izateko.
Lan nekaezineko 25 urte izan dira, eta une honetan ezinbestekoa da lan horren
emaitza ezagutzera ematea. Aldaketa horiek guztiak funtsezko ardatz batean oi-
narrituta daude: artistak.

Horrek eremu guztietan hobekuntzak egitera bultzatu gaitu, tailerretatik hasita,

non hirugarren solairuko lan-eremuak bateratu ditugun, baita eremu komunak
zabaldu eta banaketa pluralagoa eta trinkoagoa egin ere, diziplinartekotasuna
bultzatzeko. Era berean, estudio guztiak bigarren solairuan jarri dira, eta hobe-
kuntza batzuk egin dira horiek handitzeari dagokionez: funtzionalagoak eta, aldi
berean, pribatuagoak bihurtu ditugu. Horrela, aldarrikapen bat martxan jarri ahal
izan dugu: asteburuetan zentroa irekitzea, eskaera eta beharrizan bat betetzeko.

Beste alderdi garrantzitsu bat beka-aldiak dira. Aldaketa esanguratsu horri esker,
2023tik hasita, bekak irailean hasiko dira eta bost eta hamar hilabete arteko irau-
pena izango dute, hortaz, ekainean amaituko dira.

Bestalde, Europako beste erakunde batzuekin lankidetzan aritzea oso lagunga-

rria da artistentzat eta Fundazioarentzat, praxian eta erakusketan oinarritutako
lankidetza-sare handi bat sortzen baita. Esaterako, beka berri bat daukagu Be-
vilacqua La Masa (Venezia) fundazioarekin, funtsean hiru dimentsioko lanetan
zentratzen dena eta Muranoko kristalaren erabilerara zuzenduta dagoena, Otaola
Ubieta beka pribatuaren laguntzarekin.

Apirilean, Abandoibarran, BilbaoArteren erakusketa-gune berri bat eraikitzen

hasi ginen, hiru helburu lortzeko asmoz: batetik, arte garaikideko bildumaren zati
handi bat biltzea, Eusko Jaurlaritzak dagoeneko aitortu duena eta 600 lan bai-
no gehiago barne hartzen dituena. Horri esker, artelanak berrikusi ahalko dira,
bai eta horiek zaharberritu eta ikusgai jarri ere. Bestalde, bilbotar guztiona den
arte garaikidearen ondarea ezagutzera ematea da asmoa; eta, azkenik, espazio
berri bat izatea, non BilbaoArteko artistek beren azken sormen-lanak ikusgai jar
ditzaketen, bilbotar, euskal eta europar gizartearengandik hurbilago dagoen eta
egokiagoa den areto batekin. Bilboko gizarteak eusten dio, eta euskal eta europar
gizarteak disfrutatuko dute.

Ekainean amaitu da 2023-2024 beken deialdirako epea, eta albiste ezin ho-
beak ditugu: izen-emateak % 30 areagotu dira. Horri guztiari eta dirulaguntzen
deialdiari esker, esan dezakegu BilbaoArte ez dela geldirik geratu den proiektu
bat; aitzitik, bere zeregin guztietan bilakaera bat izan duen eta hobetu egin den
proiek­tua da. Etorkizunera begira dago eta gure artisten sustapena, aintzatespe-
na eta ezagutza babesten du.

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Estas jornadas de Puertas Abiertas excepcionales tanto en tiempo como en cir-
cunstancias intentan adaptarse a los cambios que la Fundación se propuso hace
ahora más de un año. Cambios basados en la potenciación de los y las artistas,
usuarias e infraestructuras, y en el fortalecimiento de la imagen de BilbaoArte en
la comunidad artística y en la sociedad en general.

En diciembre de 2022, el centro cerró sus puertas por primera vez en 25 años
para acometer una obra interna ambiciosa con el objetivo de que la Fundación
se pudiera adaptar a los nuevos tiempos. Son 25 años de un trabajo incansable
y con unos resultados que, en estos momentos, es imprescindible dar a conocer,
centrando todos estos cambios en un eje fundamental: los y las artistas.

Esto nos ha llevado a unas mejoras en todas las áreas empezando por los talleres,
unificando las zonas de trabajo en la tercera planta, ampliando las zonas comu-
nes con una distribución más plural, más compacta favoreciendo así la interdis-
ciplinaridad. A su vez, se han centrado todos los estudios en la segunda planta,
también con unas mejoras en cuanto a la ampliación de los mismos, haciéndolos
más funcionales y a su vez más privados. Con esto se ha podido poner en mar-
cha una reivindicación: la apertura los fines de semana, cumpliendo así con una
demanda y una necesidad.

Otro punto importante son los tiempos de becas, un cambio significativo que
desde este año 2023 las becas se iniciarán en el mes de septiembre con una du-
raciones de 5 a 10 meses y por lo tanto acabando en el mes de junio.

Como otro punto, las colaboraciones con otras instituciones europeas son un re-
fuerzo importante para los y las artistas y la Fundación haciendo una gran red de
colaboraciones basada en la praxis y en la exhibición. Como ejemplo, una nueva
beca con Bevilacqua La Masa (Venecia) centrada básicamente en trabajos tridi-
mensionales, y dirigida a su realización en cristal de Murano con el apoyo de la
beca privada Otaola Ubieta.

En abril se comenzó a construir un nuevo espacio expositivo de BilbaoArte ubi-

cado en Abandoibarra con el que se pretenden tres objetivos: por un lado recoger
gran parte de su colección en arte contemporáneo, reconocida ya por parte del
Gobierno Vasco y con más de 600 obras, haciendo con esto posible una revisión
así como una posible restauración y exhibición de las mismas. Por otro lado, dar
a conocer un patrimonio en arte contemporáneo que pertenece a todos los bil-
baínos y bilbaínas; y, finalmente, un nuevo espacio donde los y las artistas de
BilbaoArte den a conocer sus últimas creaciones, con una sala más adecuada y
cercana a la sociedad bilbaína, vasca, europea. Bilbaína que es la que la sustenta,
vasca y europea que la disfrutarán.

En este mes de junio ha finalizado el plazo de convocatoria de becas 2023-24

con las inmejorables noticias de un incremento de inscripciones en un 30%. Esto
junto a la convocatoria de ayudas, hacen de BilbaoArte un proyecto que en vez
de quedarse estancado, evoluciona y mejora en todos sus cometidos, favore-
ciendo la promoción, reconocimiento y conocimiento de nuestros/as artistas de
cara al futuro.

|8|
These unique Open Days, both in terms of time and circumstances, seek to adapt
to the changes the Foundation proposed over a year ago. These changes are fo-
cused on empowering artists, users and infrastructures, and on consolidating
BilbaoArte’s image in both the artistic community and society as a whole.

In December 2022, the Centre closed its doors for the first time in 25 years to
embark on ambitious internal work to allow the Foundation to adapt to modern
times. 25 years of painstaking work which yielded results that must now be un-
derscored, with all of these changes focused on a central pillar: the artists.

This prompted improvements in all the different areas, starting with the work-
shops, combining the work areas on the third floor, expanding the communal ar-
eas with a more collective and compact layout so as to contribute towards inter-
disciplinarity. In turn, all the studios have been located on the second floor, also
making improvements in terms of their expansion, increasing their functionality
whilst also adding more privacy. This has meant that we have been able to put a
specific demand into practice: to open on weekends, thereby meeting a demand
and a requirement.

Another key issue concerns grant periods; a significant change in which, from
2023 onwards, grants will now start in September and run from 5 to 10 months,
therefore ending in June.

Another issue is the fact that collaborations with other European institutions
play an important supporting role for artists and the Foundation, forming an ex-
tensive collaborative network based on praxis and exhibitions. One example is a
new grant with Bevilacqua La Masa (Venice) which essentially covers three-di-
mensional work, and is geared towards their creation in Murano glass with the
support of the Otaola Ubieta private grant.

Work began in April to build a new BilbaoArte exhibition space in Abandoibar-

ra with three goals in mind: firstly, to house a significant portion of its contem-
porary art collection, already recognised by the Basque Government and which
boasts more than 600 pieces, making it possible to examine them and potentially
restore and put them on display. Secondly, to raise awareness of a contemporary
art heritage that pertains to everyone from Bilbao, and finally, a new space where
BilbaoArte artists can display their latest creations, with a gallery that is more
suitable and closer to the Bilbao, Basque and European society. The people of
Bilbao support it, and the Basque and European people will enjoy it.

The deadline for applications for 2023-24 grants closed in June with the re-
markable news that the number of applicants had increased by 30%. This, to-
gether with the call for grants, has transformed BilbaoArte into a project that,
rather than getting stuck, is making progress and improvements with all of its
endeavours, furthering the promotion, recognition and knowledge of our artists
going forward.

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 BEKADUN ARTIST

AK / ARTISTAS BE
OLDER ARTISTS /

CADOS / GRANT H

Katalogoa |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catálogo ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catalogue |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||


Landare erruderalak hondakinen ar-
tean hazten garenok gara. Bide-baz-
terretako, abandonatutako landetako
eta hondakinetako biztanleok gara.
Belar txarrak. Sistemaren hondamen-
ditik bizirik atera garenok, denboral-
dikoak, txikiak, arinak joan-etorrian
ibiltzeko, asko eta azkar sortzen du-
gunok, gonbidapenik gabe, eta te-
matiak garenok. Kaltetuta dagoen
munduan ikasi dugu loratzen, ze-
mentuaren arrakalen artean hazten.
Ez gara ondo egokitzen baratzeko
lerroetara; ez dugu inolako balio
ekonomikorik. Ez gara bertokoak,
giza historiaren gorabeherek lur eta
garai hauetara ekarri gaituzte. Hala
ere, agian, gure sustraien zatirik
sakonenean eta gure hostoen zati
berdean, ahaztuta geneukan sen-
datzeko ahalmena daukagu. Rudera
lan-esparru irekia da, elkarlanekoa
eta diziplinartekoa, krisi ekosoziala-
ren gaineko ikuspegi feminista eta
ekologista daukana. Erortzeko zorian
zeuden espazioetan egiten genituen
esku-hartzeak, site specific ekintzak,
eta soinu- nahiz bideo-materialen
zuzeneko saioak.
Anat Moss (Jerusalem, 1990). Elek-
tropaganismoaren kontzeptua jorra­
tzen dut, espiritualitate gogoetatsua,
patriarkala eta kapitalista den gure
gizartean kontzientzia-aldaketa na-
barmena egiteko beharra bultzatzen
duena. Oraingo lana tenplu errudera-
laren kontzeptutik sortu zen: espazioa
energia-sortzaile gisa, sendabelarrak
eta Ama Lurraren espiritualitatea az-
tertzen dituena sendatzeko eta aska­
tzeko baliabide diren aldetik.
Jara Roset (1998). Irudia sortzen
egiten dut lan, zentzurik zabalenean,
gailu ireki gisa jarduteko duten gai-
tasuna eta materialtasuna jorratzen
ditut. Askotariko lekuetan aritu naiz,
hala nola Bizkaiko mendi eta kobazu-
loetan, eta bizipena-erregistroa-itzul-
pena-elkarrizketa oinarritzat hartuta
atzeraelikatzen den sistema da, beste
forma batzuk sortzeko xedearekin.
Las plantas ruderales somos las plan-
tas que crecen entre los escombros.
Habitantes de los bordes de los ca-
minos, de los campos abandonados y
de las ruinas. Malas hierbas. Supervi-
vientes de la destrucción del sistema,
temporales, pequeñas, ágiles para ir
y venir, creando mucho y rápido, sin
invitación y obstinadas. Aprendemos
a florecer en un mundo dañado, a cre-
cer entre las grietas del cemento. No
nos ajustamos bien en las hileras del
huerto, no tenemos ningún valor eco-
nómico. Ni siquiera somos de aquí,
las vicisitudes de la historia humana
nos han traído a esta tierra en este
tiempo. Pero quizás, en lo más pro-
fundo de nuestra raíz y en el verde
de nuestras hojas, yace una olvidada
virtud de capacidad curativa. Rudera
es un marco de trabajo abierto, cola-
borativo y transdisciplinario, con una
perspectiva feminista y ecologista
sobre la crisis ecosocial. Nuestra
práctica consistía en intervenciones
en espacios en ruinas, acciones site
specific y sesiones en vivo de mate-
rial sonoro y de video.
Anat Moss (Jerusalén, 1990). Trabajo
con el concepto de electropaganis-
mo, una espiritualidad especulativa
que confronta la necesidad de un
profundo cambio de conciencia de
nuestra sociedad patriarcal y capita-
lista. El trabajo actual surge de la idea
del Templo Ruderal: el espacio como
generador de energía, explorando las
plantas medicinales y la espirituali-
dad de la Madre Tierra como medios
para la sanación y la liberación.
Jara Roset (1998). Trabajo en la
construcción de imagen, en un senti-
do amplio, su materialidad y su capa-
cidad para que actúe como dispositi-
vo abierto. Mi práctica ha tenido lugar
en diferentes territorios como cuevas
y montes de Bizkaia y consiste en un
sistema de vivencia-registro-traduc-
ción-diálogo que se retroalimenta
para generar otras formas.
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COLECTIVO RUDERA
Ruderal plants, we are the plants that
grow among the rubble. Inhabitants
of roadsides, abandoned fields, ruins.
Bad weeds. Survivors of the destruc-
tive system, temporary, small, agile to
come and go, creating a lot and fast,
uninvited and stubborn. We learn to
flourish in a damaged world, to grow
between the cracks of cement. We do
not fit well in the rows of the garden,
we have no economic value. We are
not even from here, the twists and
turns of human history have brought
us to this land at this time. But per-
haps, deep in our roots and in the
green of our leaves, lies a forgotten
virtue of healing capacity. Rudera is
an open, collaborative and transdis-
ciplinary framework, with a feminist
and environmentalist perspective
on the ecosocial crisis. Our practice
consisted of interventions in ruined
spaces, site specific actions and live
sessions of sound and video material.
Anat Moss (Jerusalem, 1990). I work
with the concept of electropagan-
ism, a speculative spirituality that
confronts the need for a profound
change of consciousness in our patri-
archal and capitalist society. The cur-
rent work arises from the idea of the
Ruderal Temple: space as a generator
of energy, exploring medicinal plants
and the spirituality of Mother Earth as
means for healing and liberation.
Jara Roset (1998). I work on the con-
struction of image, in a broad sense,
its materiality and its capacity to
act as an open device. My practice
has taken place in different territo-
ries such as caves and mountains in
the territory of Bizkaia and consists
of a system of experience-record-
ing-translation-dialogue that feeds
back to generate other forms.

Contención/construcción/estructura
Etxola bat eraikitzeko honako hauek
behar dituzu: zure gorputza, beha-
rrezko piezak eta lur-eremu on bat,
sendoa dela uste duzuna.
Egitura egonkor bat sortzen jarraitze-
ko, zatiak beraien artean komunikatu
behar dira tentsioa kudeatzeko, be-
raiek eta espazioaren artean, beraiek
eta zure artean.
Lurra berdindu behar duzu eta zi-
menduak jarri behar dituzu, horiek
finkatu, eta espazioa zu eta eraiki­
tzen duzunaren artean sar dadila utzi,
egongelan zehar hedatu zaitez, eta
desagertu egingo zara, ez dago ezer.
Orain, zeure burua kontrolatu eta ir-
ten. Egitura aztertu, eta ikusi zatiak
beren artean eusten direla, eraikun­
tza hau osatzeko, jarraitu kanpoal-
dearekin: estaldura, ikusgai dagoen
aldea. Gero barrualdea, ez altzaririk
ez koadrorik. Berez, hori dena da.
Irten eta eman bueltak lehenengo
oinez, gero pixka bat azkarrago, abia-
dura igo eta azkenean korrika egin
eraikuntzaren inguruan. Mantentzen
bada, babesleku ona izango da.  good shelter.
Alejandro González Osés (Santan-
der, 1990). Arte Ederretako Gradua
Universidad de Castilla la Manchan
(2016) eta Pinturako Masterra EHUn
(2021) Bere ikerketa artistikoa beste
diziplina batzuekin uztartzen ditu,
hala nola diseinu grafikoarekin eta
muralismo publizitarioarekin.
ALEJANDRO GONZÁLEZ OSÉS
Contención/construcción/estructura
Para armar una cabaña necesitas: tu
cuerpo, las piezas necesarias y un
buen terreno, que intuyas sea firme.
Para continuar generando una es-
tructura estable, las partes entre sí,
se deben comunicar para gestionar la
tensión, entre ellas y el espacio, entre
ellas y tú.
Allanas el terreno, empiezas a colocar
los cimientos, los aseguras, dejas que
el espacio entre en ti y en aquello que
construyes, te expandes por la sala,
desapareces, no hay nada.
Ahora te contienes y sales. Analizas
la estructura, ves como las partes
se contienen entre sí, para formar
esta construcción, continúa hacia
lo externo: el recubrimiento, la cara
visible. Luego dentro, ni muebles, ni
cuadros. Ya es en sí todo eso.
Sales y das vueltas primero andando,
luego un poco más deprisa, te acele-
ras y acabas corriendo alrededor de
la construcción. Si te aguanta, será
un buen refugio.  speed and end up running around the
Alejandro González Osés (Santan-
der, 1990). Grado en Bellas Artes por
la Universidad de Castilla la Mancha
(2016) y Máster en pintura por la UPV/
EHU (2021). Compagina su investiga-
ción artística con otras disciplinas,
como el diseño gráfico y el muralismo
publicitario.
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Contención/construcción/estructura
To build a hut you need: your body,
the right pieces and a good plot of
land, which you sense is firm.
To keep building a stable structure,
the parts must all interact with each
other so as to support the stress be-
tween them and the space, between
them and you.
You level the ground, you start laying
the foundations, you anchor them in
place, you allow the space into you
and into what you are building, you
expand into the room, you disappear,
there is nothing.
Now you contain yourself and step
outside. You analyse the structure,
you see how the parts contain each
other, to create this structure, it con-
tinues to the outside: the shell, the
visible surface. Then the inside: nei-
ther furniture nor paintings. That in
itself is all there.
You step outside and walk around,
then a little faster before you pick up
structure. If it holds up, it will make a
Alejandro González Osés (Santander,
1990). He graduated in Fine Arts from
the Universidad de Castilla la Mancha
(2016) and holds a Master’s degree
in Painting from the UPV/EHU (2021).
He complements his artistic research
with other fields, such as graphic de-
sign and advertising wall art.

(apuntes para) La ira neumática
Animalia batzuek zuloak dituzte hezu-
rretan, hala nola ahateek. Hezur pneu-
matiko horiei esker gai dira grabitatea
guk sentitzen dugun moduaz guztiz
bestelako batean hautemateko. Grabi-
tateaz poetikoki hausnartzeak aukera
ematen dit grabitatetik bertatik pen­
tsatzeko eta subjektu erlazionalago
baterako proposamenak sortzeko;
subjektu tente eta bertikalaren nozio
maskulinoa desmuntatzeko. Grabita-
tea tresna politiko bat ere bada. Paul
B. Preciadok kapitulu oso bat eskaini
dio bere azken lanean grabitatearen
erabilera politikoari. Finkatutako ko-
reografia sozialetik kanpo dauden
gorputzaren mugimendu eta keinu
debekatuez dihardu; adibidez, Rosa
Parks ospetsuaren gorputzaren gra-
bitatea eta autobusean zurientzako
erreserbatutako eserlekutik altxatze-
ko ezezkoa. Haserrea grabitatearen
bidez adierazteko modu bat da. Ha-
serrea paralizatzen gaituen emozioa
izan daiteke, baita aktibatzen gaituen
emozioa ere. Emakumezkoen sumi-
na fetitxe bihurtu dute, eta, beraz,
ukatu digute. Valerie Solanasek Andy
Warholi egindako tiroa datorkit gogo-
ra. Zer gertatzen da katua sakatzen
duena gizon tente bat ez denean?
Emakumezkoen haserrea eta indar-
keria genero-aberrazioak dira. Sumi-
na aldakan dago kokatuta. Baraila da
bigarren aldaka. Gorputzeko bi parte
horiek ardatz hartuta, instalazio bat
egin dut BilbaoArteren estudioan eta
estudioa hirugarren solairura eraman
dut haserre pneumatikorako apunte
batzuk egiteko. Beste pertsona ba­
tzuekin batera grabitatea eta zin­
tzilik, arrastaka eta bizigabe dauden
gorputzak esploratu ditugu, egungo
subjektuaren esperientzia prekariotik
haserrea pizten duten ariketen bidez.
Izaro Ieregi (Algorta, 1987). Per-
formancetik egiten du lan, eskultu-
ra-nozioaren bidez, gorputzen zaur-
garritasunarekiko, prekarietatearekiko
eta potentzialtasunarekiko sentikor.
(apuntes para) La ira neumática
Algunos animales como los patos
tienen agujeros en sus huesos. Unos
huesos neumáticos que les permiten
experienciar la gravedad de manera
totalmente diferenciada a la nuestra.
Pensar poéticamente sobre de la gra-
vedad me permite utilizarla como un
lugar desde el que pensar y crear pro-
puestas para un sujeto más relacional
desmontando la noción masculina de
un sujeto erguido y vertical. La gra-
vedad es también una herramienta
política. Paul B. Preciado en su última
obra dedica un capítulo entero al uso
político de la gravedad. Refiriéndose
a los gestos o movimientos prohibi-
dos del cuerpo fuera de la coreogra-
fía social establecida; por ejemplo, la
gravedad del cuerpo de Rosa Parks y
su negativa a levantarse de un asien-
to del autobús destinado a los blan-
cos. Esta es una demostración de la
ira a través del uso de la gravedad. La
ira puede ser una emoción paralizan-
te pero también activadora. La rabia
femenina ha sido fetichizada y por lo
tanto se nos ha sido negada. Pienso
en el tiro de Valerie Solanas a Andy
Warhol. ¿Qué ocurre cuando la que
aprieta el gatillo no es un hombre er-
guido? La violencia y la ira femenina
son aberraciones de género. La rabia
se sitúa en la cadera. La mandíbula
es la segunda cadera. Con estas dos
partes del cuerpo como eje, he reali-
zado una instalación en el estudio de
BilbaoArte y he desplazado el estudio
a la tercera planta para realizar algu-
nos apuntes para la ira neumática.
Junto con un grupo de personas he-
mos explorado la gravedad, los cuer-
pos suspendidos, arrastrados, inertes
a través de ejercicios que activan la
ira desde la experiencia precaria del
sujeto actual.
Izaro Ieregi (Algorta, 1987). Trabaja
desde la performance con noción es-
cultórica; sensible a la vulnerabilidad,
precariedad y potencialidad de los
cuerpos.
| 23 |
IZARO IEREGI
(apuntes para) La ira neumática
Some animals have holes in their
bones. Take ducks, for example.
Such pneumatic bones allow them
to experience gravity in a complete-
ly different way to how us humans
do so. Thinking of gravity in that po-
etic manner allows me to use it as a
place from which to think of and cre-
ate alternatives for a more relation-
al subject, while disassembling the
masculine notion of an upright, verti-
cal subject. Gravity is also a political
tool. Philosopher Paul B. Preciado
dedicated a whole chapter of his last
book to the political use of gravity. He
speaks about the forbidden gestures
and movements of the body outside
of the established social choreogra-
phy. Take as an example the gravity of
Rosa Parks’ body and the reluctance
to get up off that bus seat reserved
for white people. That is a demonstra-
tion of rage through the use of gravi-
ty. Rage can be as paralysing an emo-
tion as it can be activating. Female
rage has been made a fetish, and so
it has been denied to females them-
selves. Valerie Solanas shooting Andy
Warhol comes to mind. What happens
when the one pulling the trigger is not
an upright man? Female rage and vi-
olence are gender atrocities. Rage
lies on the hip. The jaw is the second
hip. Hinging on those two body parts,
I have developed a venue at the Bil-
baoArte studio and moved it to the
third floor to take some notes about
pneumatic rage. Along with some
other people I have explored the
gravity of hanging, dragged, motion-
less bodies through exercises which
activate rage from the precarious ex-
perience of the current subject.
Izaro Ieregi (Algorta, 1987). She
works on performance from an sculp-
tural notion, and is sensitive to the
vulnerability precariousness and po-
tentiality of bodies.

¿Por qué las viviendas obreras tienen
hastiales de colores? lanak Bizkaian
1911-1936 aldiko Etxebizitza Merkeen
Legeko etxebizitza kooperatiben ar­­
ki­­tektura du abiapuntu. Bizkaiko Al­
dundiak eta Bilboko Udalak susta-
turiko legea, zeinaren bidez zenbait
neurri proposatu baitziren langileek
jasan zituzten etxebizitza-baldintza
osasungaitzak arintzeko. Baldintza
horiek siderurgiaren gorakadaren
ondorio zuzena ziren, zeinak lan-
da-eremutik hirirako immigrazio
ma­ siboa eragin baitzuen, eta, on-
dorioz, ohe beroetan eta muturreko
pobrezia-egoeran zeuden etxebizi­
tzetan pilatu behar izan ziren.
Proiektuak auzune hauek ikusten di-
tuenaren begirada aktibatu nahi du,
irudi fotografikotik abiatzen diren
zenbait estrategia plastikoren bidez.
Estrategia horien bitartez, era berean,
proiektu bat ebatzi nahi da, askotari-
ko lengoaiak baliatuta, inbentario/
katalogo mota baten bidez, zeinak
Bizkaiko 1911ko Etxebizitza Merkeen
Legeko eraikinen arkitekturen, onda-
rearen eta sinboloen balioa azpima-
rratuko baitu. Eraikin horiek euskal
estilo berriaren zordunak dira, eta lan
honen bidez, horiei diskurtso plasti-
ko berri bat eman nahi zaie, figurazio
arkitektonikoaren eta abstrakzioaren
arteko zubi zuzen bat ezartzeko,
horiek berrinterpretatzearen bidez,
eta langileen etxebizitzaren norta-
sun-galeraren prozesuak, historia,
de­­­gradazioa eta eraldaketa islatuz.
Jorge Isla (Huesca, 1992). Gaur egun
Bilbon bizi da. Banakako erakusketak
egin ditu honako leku hauetan: Ala-
canteko Las Cigarreras, Arte Santan-
der, SC Gallery, Antonia Puyó Galeria,
Valentziako Rambleta, Presente Ga-
leria, Valentziako Historia Naturala-
ren Museoa, Photoespaña, Kir Royal
Gallery, Kordobako Argazkilaritzako
XV.  Bienala eta CentroCentro Cibe-
les. Horiez gain, hainbat erakusketa
kolek­tibotan eta azokatan parte hartu
du, estatu-mailan zein nazioartean.  nacionales.  group exhibitions and fairs.
¿Por qué las viviendas obreras tie-
nen hastiales de colores? toma como
punto de partida la arquitectura de
las cooperativas de viviendas de la
Ley de las Casas Baratas de 1911-
1936 en Vizcaya. Una legislación,
promovida por la Diputación de Viz-
caya y el Ayuntamiento de Bilbao, que
proponía una serie de medidas para
paliar las insalubres condiciones de
vivienda que los obreros sufrieron,
consecuencia directa del auge de la
siderurgia, que generó una masiva in-
migración del campo a la ciudad, por
lo que éstos tuvieron que hacinarse
en camas calientes y viviendas en si-
tuación de extrema pobreza. 
El proyecto busca activar la mirada de
quien observa esta barriadas a través
de una serie de estrategias plásticas
que parten de la imagen fotográfica
y buscan resolver un proyecto a tra-
vés de un tipo de inventario/catálogo
mediante diferentes lenguajes donde
se pongan en valor arquitecturas, pa-
trimonio y símbolos de las edificacio-
nes de la Ley de las Casas Baratas de
1911 de Vizcaya, deudores del estilo
Neovasco, dotándoles de un nuevo
discurso plástico con la finalidad de
establecer un puente directo entre
la propia figuración arquitectónica y
la abstracción mediante su reinter-
pretación, reflejando los procesos de
perdida de identidad, historia, degra-
dación, y transformación de la vivien-
da obrera.
Jorge Isla (Huesca, 1992). Actual-
mente reside en Bilbao. Ha expuesto
de forma individual en Las Cigarreras
de Alicante, Arte Santander, SC Ga-
llery, en la Galería Antonia Puyó, Ram-
bleta de Valencia, Galería Presente,
Museo de Historia Natural de Valen-
cia, Photoespaña, en Kir Royal Gallery,
en la XV Bienal de Fotografía de Cór-
doba y CentroCentro Cibeles, además
de en diversas muestras colectivas y
ferias, tanto nacionales como inter-
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JORGE ISLA
¿Por qué las viviendas obreras tienen
hastiales de colores? draws inspira-
tion from the architecture of housing
cooperatives of the Economic Hous-
ing Bill of 1911-1936 in Biscay. This
legislation, advocated by the Provin-
cial Council of Biscay and the Bilbao
City Council, put forward a series of
measures to alleviate workers’ poor
housing conditions, a direct product
of the iron and steel industry boom,
which prompted widespread ru-
ral-to-urban migration, which meant
that they had to live huddled together
in overcrowded beds and extremely
run-down homes. 
The project aspires to catch peo-
ple’s attention by means of a se-
ries of artistic techniques rooted in
photography and strives to resolve
a project by means of a kind form of
inventory/catalogue making use of
various languages which emphasise
the architectural features, heritage
and symbols of the buildings dating
back to the 1911 Economic Housing
Bill in Biscay. These buildings bor-
rowed from the Neo-Basque archi-
tectural style whilst at the same time
bringing a new artistic expression to
them with the aim of creating a direct
relationship between architectural
figuration and abstraction through
their reinterpretation, portraying the
processes of loss of identity, history,
degradation and transformation of
working class dwellings.
Jorge Isla (Huesca, 1992). He cur-
rently lives in Bilbao. His work has
been featured in solo exhibitions
at Las Cigarreras in Alicante, Arte
Santander, the SC Gallery, the Anto-
nia Puyó Gallery, Rambleta in Valen-
cia, the Presente Gallery, The Natural
History Museum in Valencia, Pho-
toespaña, the Kir Royal Gallery, the
XV Photography Biennial in Córdoba,
and CentroCentro Cibeles, as well as
in various national and international

En eso de que uno ame más y el otro
sea indiferente hay algo bello, con-
movedor y poético.
Después del teatro
Antón Chéjov
Hitzek ni interpelatzen naute, ni sei-
nalatzen naute.
Ez dut ezer ezkutatu nahi, iluntasuna
ezagutzarako leku gisa begietsi nahi
dut, begiak pixka bat itxi, ikusten na-
goena egia den jakiteko.
Nire gorputza etzandu nahi dut. Nire
burua gatz ez bihurtzea eta nire izena
oihukatzea, azalaren azpian eta hara-
giaren artean begiratu, bizirik geratu,
nire begiradaren fokuaren pean.
Maite nahi dut. Aipatzen ez dena ez
da existitzen eta oker aipatzen dena
eraldatu egiten da. Nire izena etzan-
du eta nire gorputza mugitu, porque
zu gustatzen zait mazo.
EHU-rekin lankidetzan egindako
egoitza.
Alexia Sayago. ESDn Moda Diseinua
ikasten hasi zen, baina karrera erdian
utzi egin zuen Madrilgo Complu-
tense Unibertsitatean Arte Ederrak
ikastera igarotzeko. Era berean, La
Juan Galleryko artista egoiliar gisa
lanean hasi zen, eta bertan hainbat
irekieratan parte hartu du, hala nola
AcciónXM2 edo Canal performance
Teatros del Canalen. Ondoren, Arte
Garaikide, Teknologiko eta Performa-
tiboko Masterra egin zuen EHUn, eta
horren baitan praktikak egin zituen
Consonnin. 2022an doktorego-tesia
hasi zuen EHUn eta Madrid Art Fair
azokan parte hartu zuen.
En eso de que uno ame más y el otro
sea indiferente hay algo bello, con-
movedor y poético.
Después del teatro
Antón Chéjov
Las palabras me dicen a mí, me
señalan.
No pretendo esconder nada, quiero
contemplar la oscuridad como un lu-
gar para el conocimiento, cerrar los
ojos un poco para saber si lo que es-
toy viendo es cierto.
Quiero cursivar mi cuerpo. No con-
vertirme en sal y gritar mi nombre,
mirar bajo la piel y entre la carne, que-
dar viva y expuesta bajo el foco de mi
propia mirada.
Quiero querer. Aquello que no se nom-
bra no existe y aquello que se nombra
erróneamente se transforma. Cursiva
mi nombre y desplaza mi cuerpo por-
que zu gustatzen zait mazo.
Residencia en colaboración con la
UPV/EHU.
Alexia Sayago. Comienza estudian-
do Diseño de Moda por la ESD, carrera
que deja a mitad para pasar a estu-
diar Bellas Artes por la Universidad
Complutense de Madrid. Al mismo
tiempo comienza a trabajar como
artista residente de La Juan Gallery
donde participa en aperturas como
AcciónXM2 o Canal performance en
Teatros del Canal. Posteriormente
cursa el máster en Arte Contemporá-
neo, Tecnológico y Performativo en la
UPV/EHU donde realiza prácticas en
Consonni. En 2022 comienza su tesis
doctoral en la UPV/EHU y participa en
Madrid Art Fair.
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ALEXIA SAYAGO
En eso de que uno ame más y el otro
sea indiferente hay algo bello, con-
movedor y poético.
Después del teatro
Antón Chéjov
Words speak to me, they gesture
at me.
I don’t intend to hide anything; I want
to see the darkness as a place that
brings knowledge, to close my eyes
briefly to ascertain whether or not
what I’m seeing is real.
I want to shift my body. Not to turn
into salt and scream my name, to look
underneath the skin and between the
flesh; to be alive and exposed as the
object of my own gaze.
I want to love. That which is not men-
tioned does not exist and that which
is mentioned erroneously is trans-
formed. Italicize my name and move
my body because I like you a lot.
Residency in collaboration with UPV/
EHU.
Alexia Sayago. She started studying
Fashion Design at the Higher School
of Design, but left halfway through
her studies to study Fine Arts at the
Universidad Complutense de Madrid.
In parallel with her studies, she start-
ed working as a resident artist at the
La Juan Gallery, where she took part
in events such as AcciónXM2 and Ca-
nal performance at Teatros del Canal.
She then went on to study a Master’s
degree in Contemporary, Techno-
logical and Performance Art at the
UPV/EHU, where she completed an
internship at Consonni. She started
her doctoral thesis at the UPV/EHU in
2022 and took part in Madrid Art Fair.

Nire eskuak nire aurrean mugitzen
dira. Beste esku batzuk nire aurrean
mugitzen dira. Nire aurpegia adats
batek astindua. Nire aurpegia ilez
beteta. Neska hark nik bezala dan­
tza egiten du edo nik dantzatzen dut
berak bezala. Ez dakit. Nire eskeletoa
galdu dut gorputzen labirintoan. He-
zur-egitura ahaztu zait, biguna naiz,
esku batetik bestera isurtzen den
larru bat besterik ez. Gaur gauean
nire azala askoren beroki bihurtuko
da. Une horietan txakurra izango dut
gogoan. Txakurraren hankak korri-
ka. Ekintza hori ahalbidetzen duten
hezurdura, lotailuak eta muskuluak.
Inpaktuaren soinua bere gorpu­tzean.
Hezurrak birrintzearen soinu erritmi-
koa. Pneumatiko bakoitzaren ukipe-
na ilajea zapaltzen, forma berri bat
emanez, lurrean geroz eta gehiago
desagerraraziz. Irudi bat sortu eta
hautematea narrazio aktiboko eremu
batean murgilduta egotea da. Irudiak
esperientzia pertsonala nola eskura
dezakeen pentsatzen dut, denborak,
testuinguruak eta esperientzia sub-
jektiboak artikulatzen dituen bisagra
gisa jardun dezakeela. Nire praktikak
irudiak sortzen ditu gorputzarekin
eta hizkuntzarekin esperimentatuz,
ezagutza sortzeko duten gaitasuna
aztertuz, zentzumenak eta gure
erritmo-sentsazioa inplikatuz, gure
irudikapenak eta besteekin ditugun
topaketak birbideratuz. 
Marta van Tartwijk (Bar­tzelona,
1990) artean lizentziatua da Univer-
sidad Complutense de Madriden, eta
bere prestakuntza osatu zuen ESABen
(Frantzia), UBn, A*Desken eta Francis-
co Alcántara Zeramika Eskolan. Hain-
bat erakusketa egin ditu erakundetan,
besteak beste: INJUVE, TEA, La Cape-
lla, Sala de Arte Joven, Fabra i Coats,
Sant Andreu Contemporani edo Mata-
dero. Egonaldiak egin ditu BilbaoAr-
te Fundazioan eta Dos Maresen. Era
berean, finalista izan da Getxoarte
Sarian edo Miquel Casablancas le-
hiaketan eta saritua izan da Circuitos
de Artes Plásticas laguntzetan.
Mis manos se mueven delante de mí.
Otras manos se mueven delante de
mí. Mi cara azotada por una melena.
Mi cara llena de pelo. Aquella tipa de
allá baila cómo yo o yo bailo como
ella. No sé. He perdido mi esqueleto
en el laberinto de cuerpos. He olvi-
dado la estructura ósea, soy blanda,
solo un pellejo que se escurre entre
unas manos y otras. Esta noche mi
piel se hace abrigo de muchas. En
esos momentos pensaré en el perro.
En las patas del perro corriendo. La
osamenta, los ligamentos y músculos
que permiten esa acción. En el sonido
del impacto sobre su cuerpo. Lo rít-
mico de los huesos triturándose. En
el tacto de cada neumático apisonan-
do el pelaje, dando una nueva forma,
haciéndolo desaparecer más y más
en el suelo. Crear y percibir una ima-
gen es estar inmerso en un ámbito de
narración activa. Pienso en como la
imagen puede acceder a la experien-
cia personal, operar como una bisa-
gra que articula tiempos, contextos
y experiencias subjetivas. Mi práctica
crea imágenes experimentando con
el cuerpo y el lenguaje, explorando
su capacidad para generar conoci-
miento, implicar los sentidos y nues-
tra sensación de ritmo, reorientando
nuestras representaciones y encuen-
tros con otros. 
Marta van Tartwijk (Barcelona,
1990) es licenciada en arte en la Uni-
versidad Complutense de Madrid,
completando su formación en ESAB
(Francia), en la UB, A*Desk y la Escue-
la de cerámica Francisco Alcántara.
Ha realizado diversas exposiciones
en instituciones como INJUVE, TEA,
La Capella, Sala de Arte Joven, Fabra
i Coats, Sant Andreu Contemporani
o Matadero entre otras. Ha realiza-
do residencias en la Fundación Bil-
baoArte y Dos Mares. Así mismo ha
sido finalista del Premio Getxoarte
o Miquel Casablancas y premiada en
Circutos de Artes Plásticas.
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MARTA VAN TARTWIJK
My hands move in front of me. Other
hands move in front of me. My face is
flogged by a mane of hair. My face is
full of hair. That girl over there dances
like me or I dance like her. I can’t tell.
I’ve lost my skeleton in the maze of
bodies. I’ve forgotten my bone struc-
ture, I’m soft, just a hide that slips be-
tween one hand and another. Tonight
my skin becomes the shelter of many.
At that moment I will think of the dog.
The dog’s paws running. The bones,
ligaments and muscles that allow this
action. I will think of the sound pro-
duced by the impact on its body. The
rhythm of the bones crushing. The
touch of each tire tamping the fur,
giving it a new shape, making it disap-
pear more and more into the ground.
To create and perceive an image is to
be immersed in a realm of active nar-
ration. I think about how the image
can provide access personal experi-
ences and operate as a hinge, artic-
ulating times, contexts and subjec-
tivity. In my artistic practice I create
images by experimenting with body
and language, exploring their capac-
ity to generate knowledge, engage
the senses and our feeling of rhythm,
reorienting our representations and
encounters with others.
Marta van Tartwijk (Barcelona, 1990)
holds an Art degree from the Univer-
sidad Complutense de Madrid, com-
pleting her studies at ESAB (France),
the University of Barcelona, A*Desk
and the Francisco Alcántara Ceramics
School. She has exhibited her work at
various institutions including INJUVE,
TEA, La Capella, Sala de Arte Joven,
Fabra i Coats, Sant Andreu Contempo-
rani and Matadero. She has held resi-
dencies at the BilbaoArte Foundation
and Dos Mares. She has also been a
finalist for the Getxoarte and Miquel
Casablancas awards and is a Circuitos
de Artes Plásticas award-winner.

Cara espejo-espejo rosA
Ispiluan ikusi genituen gure buruak,
inoiz izan ez ginen bezala. Ispiluan
ikusi genituen gure buruak, izan ezin
izan genuen bezala.
Gure buruaren irudi bat eraiki dugu, ia
gure berdina.
Arrosa bat, arrosa bat da, baina baita
hori baino gehiago ere. Arrosa bat,
begira dituen pertsonen isla da: amo-
dioa, errua, erlijioa, odola. Arrosa bat
ispilu bat da.
AAri Ni baten irudia nolakoa izango li­
tzatekeen iradokitzen diogu: itxurarik
gabe, garondotik begiratuta, arrosa
bati begira, bere islari begira. 
Eta hau da.
Juan Diego Tobalina (Lima, 1982)
ikus- eta soinu-artista bat da, Bar­
tzelonako Unibertsitateko Arte Ede-
rren Fakultatean lizentziatua (2008);
karreraren lehen erdia Peruko Uni-
bertsitate Katolikoan ikasi zuen
(2000-2002). Bisagra (bisagra.org)
arte independentearen proiektuko ki-
dea da, bai eta Madrilgo Enhorabuena
espaziokoa ere. Limako Bilduma Koo-
peratiboko kide ere bada. Gaur egun
Madrilen bizi da.
Bere lanak hainbat erakusketa indibi-
dual eta kolektibotan ikusi ahal izan
dira Latinoamerikako eta Europako
hainbat herrialdetan.
Frantziak Perun duen Enbaxadak an-
tolaturiko Pasaporte para un Artista
2012 saria irabazi zuen eta Cité des
Arts 2013 (Paris), Sommerakademie
2014 um Zentrum Paul Klee (Berna)
eta Triangle France 2018 (Marsella)
egonaldietan parte hartu zuen eta
orain BilbaoArten 2023.
JUAN DIEGO TOBALINA
Cara espejo-espejo rosA
Nos vimos en el espejo como nunca
fuimos. Nos vimos en el espejo como
no pudimos ser.
Hemos construido una imagen de no-
sotros mismos, casi igual a nosotros.
Una rosa, es una rosa, es una rosa,
pero también mucho más que eso.
Una rosa es un reflejo de la gente que
la ve: romance, dolor, culpa, religión,
sangre. Una rosa es un espejo.
Le dictamos a IA cómo sería la imagen
de un Yo: sin facciones, vista desde la
nuca, mirando una rosa, mirando su
reflejo.
Y esto es.
Juan Diego Tobalina (Lima, 1982)
es artista visual y sonoro licenciado
por la Facultad de Bellas Artes de la
Universidad de Barcelona (2008) ha-
biendo estudiado la primera mitad de
la carrera en la Universidad Católica
del Perú (2000-2002). Es miembro del
proyecto de arte independiente Bisa-
gra (bisagra.org), así como del espa-
cio Enhorabuena en Madrid, también
integrante de la Colección Coope-
rativa de Lima. Vive actualmente en
Madrid.
Su obra ha formado parte de expo-
siciones individuales y colectivas en
museos, galerías y espacios indepen-
dientes en varios países de latinoa-
merica y Europa.
Ha sido ganador del premio Pasapor-
te para un Artista 2012, organizado
por la Embajada de Francia en Perú y
participado en residencias como Cité
des Arts 2013 en Paris, Sommeraka-
demie 2014 um Zentrum Paul Klee, en
Berna, Triangle France en Marsella,
2018 y actualmente becado por Bil-
baoArte 2023.
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Cara espejo-espejo rosA
We saw ourselves in the mirror the
way we never were. We saw ourselves
in the mirror the way we could not be.
We formed an image of ourselves, al-
most the same as us. 
A rose, it’s a rose, it’s a rose, but much
more than that. A rose is a reflection
of the people who see it: romance,
pain, guilt, religion, blood. A rose is a
mirror.
We tell AI what the Self would look
like: factionless, seen from the back
of the neck, looking at a rose, looking
at its reflection. 
And that is what it is.
Juan Diego Tobalina (Lima, 1982) is
a visual and sound artist who gradu-
ated from the Faculty of Fine Arts at
the University of Barcelona (2008)
after studying the first half of his de-
gree at the Catholic University of Peru
(2000 - 2002). He is a member of the
Bisagra independent art project (bis-
agra.org), as well as of Enhorabuena
in Madrid, and he also forms part of
Colección Cooperativa of Lima. He
currently lives in Madrid.
His work has been shown in solo and
group exhibitions in various coun-
tries in Latin America and Europe.
He won the Passport for an Artist
2012 award, organised by the French
Embassy in Peru, and also exhibited
in residencies such as Cité des Arts
2013 in Paris, Sommerakademie 2014
um Zentrum Paul Klee in Bern, and
Triangle France 2018 in Marseille and
currently in BilbaoArte 2023.

Izeko Jenek bankura eraman ninduen
bere pick-up beltzean. Leihatilatik
txeke bat kobratu zuen, kotxetik jais-
teko beharrik gabe. McDonald´s bat
zirudien. Arratsalde horretan bertan
arku-tiroa ikasi nuen. Plastikozko
orein bat daukate atzeko patioaren
atzealdean, gezien zuloak dituena.
Tiroan aritu ginen eta gero takoak jan
genituen.
Apurtzea, urratzea, kolpatzea, erre­
tzea, tiro egitea... horiek guztiak sor­
tzeko beste modu batzuk besterik ez
dira. Zenbait eragileren gainean, esa-
te baterako suaren edo balen gainean,
nolabaiteko kontrola izan dezakegula
baderitzogu, iturri suntsi­tzaileen eta
sortzaileen artean dagoen dualta-
suna ikusiko dugu. Sun­tsipena sor-
men-prozesuaren beste urrats bat da.
Battle Mountain izeneko Nevadako
(Ameriketako Estatu Batuak) iparral-
dean dagoen meatze-herri txikira
egindako bisitan sortu zen proiektua
da Trigger and Target. Puntu berean
elkartzen diren piezen multzoa da, non
jolasa eta ehiza indarren etengabeko
borroka gisa erabiltzen baitira. Lan
honen bitartez, bizi garen espazioen
eta nortasunaren garapenaren artean
dagoen harremana jorratzen da, be-
tiere queer ikuspegitik. Toki-subjektu
harremana berriz aztertuko da eta iru-
di-objektu bihurtuko da, argazkilaritza
eta eskultura uztartuz.
Edu Valls Madrilgo Conplutentse
Unibertsitatean Arte Ederretan gra-
duatu zen, eta egonaldia egin du Bo-
lonian (Italian), bai eta Zeramika: Ar-
tea eta Funtzioa masterra EHUn ere.
Bere lana askotariko tokitan egon da
erakusgai, hala nola Bizkaiko Batzar
Nagusietan, Zarauzko Sanz Enean
eta Madrilgo Diputatuen Kongresuan.
Jardun artistikoan, materialen muga
fisikoak ditu aztergai: indarkeria es-
plizitua egiten du horien gainean eta
emaitzak aztertzen ditu prozesuaren
erregistroaren bitartez.
La tía Jen me llevó al banco en su
pick-up negro. Cobró un cheque a
través de la ventanilla sin tener que
bajarse del coche. Parecía un Mc-
Donald´s. Esa misma tarde aprendí
a tirar con arco. Tienen un ciervo de
plástico con agujeros de flechas al
fondo del patio trasero. Disparamos y
comimos tacos.
Romper, rasgar, golpear, quemar, dis-
parar… no son más que otros gestos
de creación. Si consideramos que
podemos ejercer cierto control sobre
agentes como el fuego o las balas,
comenzamos a observar la dualidad
existente entre fuente destructora y
creadora. La destrucción es un paso
más del proceso creativo.
Trigger and Target es un proyecto
concebido a partir de la visita a Battle
Mountain, un pequeño pueblo minero
ubicado al norte de Nevada, Estados
Unidos. Se trata de un conjunto de
piezas que confluyen en un mismo
punto, el uso del juego y la caza como
una constante lucha de fuerzas. Me-
diante este trabajo se plantea la rela-
ción existente entre los espacios ha-
bitados y el desarrollo de la identidad
desde una perspectiva queer. Esta re-
lación lugar-sujeto se retoma y con-
vierte en imagen-objeto mediante la
unión de la fotografía y la escultura.
Edu Valls es graduado en Bellas Ar-
tes por la Universidad Complutense
de Madrid, ha realizado una estancia
en Bolonia, Italia y un Máster en Ce-
rámica: Arte y Función en la UPV/EHU.
Su obra ha sido expuesta en espacios
como Juntas generales de Bizkaia,
Sanz Enea Zarautz o el congreso de
los diputados de Madrid. En su prácti-
ca artística explora los límites físicos
de los materiales ejerciendo una vio-
lencia explícita sobre ellos y analiza
los resultados mediante el registro
del proceso.
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EDU VALLS
Auntie Jen took me to the bank in her
black pick-up truck. She deposited a
check through the car window with-
out having to get out of the vehicle.
It felt like McDonald´s. That same af-
ternoon I learned to shoot a bow. They
have a plastic deer with arrow holes
through it in the corner of the back-
yard. We shot and we ate tacos.
Breaking, tearing, hitting, burning,
shooting… they’re nothing more than
other gestures of creation. If we con-
sider that we can exercise a certain
amount of control over agents like
fire or bullets, we start to realize the
duality that exists between destruc-
tive and creative sources. Destruc-
tion is just another step in the crea-
tive process.
Trigger and Target is a project con-
ceived after visiting Battle Mountain,
a small mining town located in the
north of Nevada, USA. It consists of
a group of pieces that come togeth-
er at one point, the use of games and
hunting reflecting a constant power
struggle. Through this work the re-
lationship between inhabited spaces
and the development of identity from
a queer perspective is risen. This re-
lationship, place-subject is taken and
turned into image-object by merging
photography and sculpture.
Edu Valls graduated from the Uni-
versidad Complutense de Madrid,
with a degree in Fine Arts. He stud-
ied abroad in Bologna, Italy and has a
Master’s Degree in Ceramics: Art and
Function from the UPV/EHU. His work
has been exhibited in spaces such as
The Assembly Hall of Bizkaia, Sanz
Enea Zarautz, and at the Congress of
Deputies of Madrid. In his art prac-
tice he explores the physical limits of
materials, exercising explicit violence
on them and analyzing the results
through taking record of the process.

2015etik ari naiz argazkiak atera­
tzen. Egun arte pratika pribatu oso
aktiboa izan da. Argazkiak zergatik
egiten ote ditudan, ez dakit askorik
teorizatzen. Kamera luzapen bat da,
eta eroso sentitzen naiz harekin; ez
dut sufritzen beste inork erabiltze-
ko modu hobea izan lezakeela pen­
tsatuz. Kamerarekin nire erreserbak
motelak eta ustekabekoak dira. Nire
oroitzapena iruditik urrun dago. Ar-
giak eta berehalako erabakiek erabat
aldatzen dute dena. Zuzenekoa da.
Ekintza honek nire izaera adierazten
du eta egoeren zabaltzean laguntzen
dit. Niretzat argazkia lentearen bidez
ikustea da. Leku komun eta sakona.
Garrantsitsua da irudiak zuzenak iza-
tea. Eta irudiak ikusten ez direnean
sortzen dira.
Irantzu Yaldebere (Bilbo, 1994). Ar-
tista. Okela Sormen Lantegian, Batzar
Nagusietan, Aire Galerian eta Rekalde
Aretoan egin ditu erakusketak, bes-
teak beste.  eremuak #6  aldizkarian
kolaboratu du eta Feministaldian har-
tu du parte. Itziar Okarizek eta Jon
Mikel Eubak emandako Artistentzako
lantegiko partaide ere izan da. Duela
gutxi, egonaldia egin du Halfhousen,
Bartzelonan.
Llevo sacando fotos desde el 2015.
Hasta este año ha sido una práctica
privada muy activa. No sé teorizar
mucho sobre por qué hago fotos. La
cámara es una extensión con la que
me siento cómoda. No sufro pensan-
do que los demás tendrán una forma
mejor de utilizarla. Con la cámara mis
reservas son lentas e inesperadas. Mi
recuerdo está lejos de la imagen. La
luz y la toma de decisiones instantá-
nea lo modifica absolutamente todo.
Es directo. Esta acción expresa mi
forma de ser y me ayuda a crear ex-
tensiones de las situaciones. Para mí
la foto es ver a través de la lente. Un
lugar común y profundo. Es impor-
tante que sean las imágenes justas.
Y las imágenes se crean cuando no
se ven.
Irantzu Yaldebere (Bilbao, 1994).
Artista. Ha expuesto en sitios como
Okela Sormen Lantegia, Juntas Gene-
rales, Galería Aire o Sala Rekalde. Ha
colaborado en eremuak #6 y ha inter-
venido en Feministaldia. Ha partici-
pado en  Taller para artistas, dirigido
por Itziar Okariz y Jon Mikel Euba, y
recientemente ha estado de residen-
cia en Halfhouse, Barcelona.
| 47 |
IRANTZU YALDEBERE
I have been taking photos since 2015.
Until this year, it was an activity that
I did privately and enthusiastically. I
can’t really theorise as to why I take
photos. The camera is an extension
that I feel comfortable with. I’m not
bothered that others may have a bet-
ter way to use it. With the camera, my
reserves are slow and unexpected. My
thought is far from the image. Light
and instantaneous decision-making
change absolutely everything. It is
direct. This action expresses my way
of being and helps me to create ex-
tensions of situations. To my mind, a
photo is to look through the lens. A
common and profound place. It’s im-
portant that the images are accurate.
And images are created when they
are not seen.
Irantzu Yaldebere (Bilbao, 1994).
Artist. She has exhibited at plac-
es such as Okela Sormen Lantegia,
Juntas Generales, Galería Aire and
Sala Rekalde. She has collaborated
in eremuak #6 and has taken part in
Feministaldia. She has taken part in
the Workshop for artists, directed by
Itziar Okariz and Jon Mikel Euba, and
has recently been a resident artist at
Halfhouse, Barcelona.

Proiektua ikerketa antropologikoare-
kin, identitatearekin eta memoria
kolektiboarekin dago lotuta. Euskal
Herria eta Islandia XVII. mendean ba-
lea-arrantzaren garaian batzen dituen
testuinguruarekin lotutako zenbait
instalaziok osatzen dute konfigura-
zioa. Bi kulturek merkataritza-harre-
manak izan zituzten, eta, horren on-
dorioz, protohizkuntza bat eratu zen,
pidgin bat, euskararen eta islandia-
rraren artekoa. Pidgin horren emai­
tza dira hiru eskuizkribu, glosarioak,
itzulpenak eta esaldi konplexuak ja-
sotzen dituztenak euskal-islandiar
protohizkuntza horretan.
Hizkuntza horren erabileraz dihar-
duen aldetik, proiektu honek garaiko
balea-arrantzale baten oroitzapenak
islatzen ditu zentzumen-aztarnen
formatuarekin, irudi finkoen bidez
eta ikus-entzunezko formatuan. Ha-
laber, itsasoko abenturetan erabili-
tako elementuak itsas munduaren
berezko egiturekin lotutako zenbait
instalazio eta altzariren bidez islatu
dira. Proiek­tuak, funtsean, oinarri ar-
txibistikoa du, prisma didaktiko bate-
tik herrion identitatea islatzeko, bai
eta memoria kolektiboaren galeraren
berri emateko ere, baina, aldi berean,
irudimenezkoa eta egiazkoa denaren
arteko muga lausotzen du.  tiempo, difumina el límite entre lo
Imanol Zubiauz Arte Ederretako
doktorea da EHUn eta, gaur egun,
irakaslea da unibertsitatean bertan.
Horrez gain, zenbait egonaldi artisti-
ko egin ditu, hala nola Casa de Veláz-
quez (2017) eta BilbaoArte (2016), eta
ekoiz­penerako zenbait laguntza jaso
ditu, bai eta sari esanguratsuak ere,
hala nola Eusko Ikaskuntza-Laboral
Kutxa (2022) eta Gipuzkoako museoe-
tan site-specific proiektuak egiteko
Labore Beka (2018 eta 2019). Pres-
takuntza akademikoa amaitu zuen
Arte Garaikide Teknologiko eta Per-
formatiboa Masterrarekin (2015) eta
Irakasleen Prestakuntza Masterrare-
kin (2021). Biak egin zituen EHUn.
El proyecto está ligado a la investi-
gación antropológica, a la identidad
y a la memoria colectiva. Su confi-
guración se compone por diferentes
instalaciones relacionadas con el
contexto que une al pueblo vasco y el
islandés durante la época de la caza
de ballenas en el siglo XVII. Sustenta-
do en el comercio, la conexión entre
las dos culturas encauza la formaliza-
ción de un proto-idioma, denominado
pidgin, entre el euskera y el islandés.
Fruto de ello, son tres manuscritos
que contienen glosarios, traduccio-
nes y frases completas en el pidgin
vasco-islandés.
Como partícipe en la utilización de
este lenguaje, este proyecto recrea
los recuerdos de un ballenero de la
época en formato de vestigios senso-
riales a través de la imagen fija y en
formato audiovisual. Asimismo, la re-
creación de elementos utilizados en
las excursiones marítimas se mues-
tran a través de mobiliarios y de dife-
rentes instalaciones asociadas a es-
tructuras propias del mundo naval. El
proyecto tiene una base fundamental
archivística que se utiliza desde una
prisma didáctico para reflejar la iden-
tidad de estos pueblos y la pérdida de
la memoria colectiva, pero al mismo
imaginario y lo verídico.
Imanol Zubiauz es Doctor en Bellas
Artes por la UPV/EHU y actualmente
trabaja como docente en la misma
universidad. Paralelamente, ha com-
pletado diferentes residencias artís-
ticas como Casa de Velázquez (2017),
BilbaoArte (2016) y ha obtenido va-
rias ayudas a la producción y premios
destacables como Eusko Ikaskunt-
za-Laboral Kutxa (2022) y Beca La-
bore para proyectos site-specific en
museos de Gipuzkoa (2018 y 2019).
Su formación académica se completa
con el Máster ACTP (2015) y el Máster
en Formación del Profesorado (2021),
ambos en la UPV/EHU.
| 51 |
IMANOL ZUBIAUZ
The project is linked to anthropolog-
ical investigation, identity and col-
lective memory. It is composed of
several spaces related to the context
that united the Basque and the Ice-
landic during whale fishing season
on the 17th Century. Both cultures
united through commerce, and so a
proto-language was born, a pidgin, as
it is called, between the Basque and
Icelandic languages. Among many
others, three manuscripts containing
glossaries, translations and complex
phrases emerged in that Basque-Ice-
landic pidgin.
For it is related to the use of that
language, this project recreates the
memories of a whale fisher from back
then in a format composed of senso-
ry traces, both through fixed images
and in audiovisual format. The recre-
ation of elements used in maritime
excursions, meanwhile, is achieved
through the use of an array of fur-
niture and venues associated with
structures from the naval world. The
project has a fundamentally archival
basis, and aims to reflect the identity
of those populations and the loss of
collective memory through an edu-
cational lens, while blurring the line
between the imaginary and the real at
the same time. 
Imanol Zubiauz is a Doctor of Fine
Arts in the UPV/EHU, where current-
ly works as a professor. He has also
done a variety of artistic residencies
such as Casa de Velázquez (2017) and
BilbaoArte (2016), and has received
several artistic production grants and
won prizes such as the so called Eu-
sko Ikaskuntza Laboral Kutxa (2022)
and the Beca Labore to do site spe-
cific projects in museums located in
Gipuzkoa (2018 and 2019). Zubiauz
completed two masters degrees to
round out his education: a Masters on
Technological and Performative Con-
temporary Arts (2015) and a Teaching
Masters (2021), both at the UPV/EHU.
 EKOIZPEN ARTISTA
DUCTION ARTISTS /

K / ARTISTAS DE PR
ODUCCIÓN / PRO

Katalogoa |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catálogo ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catalogue |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||


Taxio Ardanazek, mugiarazten duen
desioa azaltzeko ahaleginean, for-
mika-panelen artean, hirurogeita
hamarreko hamarkadaren amaierako
pegatina politikoen abstrakziozko
behe-erliebeekin eta orain amaitzeko
beste proiektu batzuetatik berresku-
ratu dituen pinturekin, konfigurazio
modular batetik abiatuta formali-
zatzeaz hitz egiten du, lan-sistema
bati erantzunez, eta ez istorio edo
testuinguru zehatz bati. Bera, beti
artxiboak aurrez aurre ipiniz, lan osa-
tugabe propioen artxibo bati lotuta
dago, lan horiek hondo komun gisa
batzen dituen presioaren bila, prakti-
ka eta potentzia batuta. Esperimenta-
zioa eta introspekzioa, errepikatzeko
prest dagoen prozedura-patroi beza-
la. Prozedura libidinala. Kolore lau eta
distiratsuen eztandarako prest, po-
litikoarekiko paraleloak diren logika
estetikoak aurkitzeko estrategia due-
na ardatz. Ametsak eta amesgaiztoak
osatzen dituzten irudi errepikakorrak.
Tinta lodiarekin eta geruza anitz atze­
an. Mendia eta gaua presente daudela.
Marta Ramos-Yzquierdo
Taxio Ardanaz (Iruñea, 1978). Arte
Ederretan lizentziatua EHUn, eta
hainbat tailer eta egonaldirekin he-
datu du prestakuntza, hala nola
Erromako Espainiako Errege Akade-
mian edo Donostiako Tabakaleran.
Banakako erakusketen artean ho-
nako hauek nabarmentzen dira: CREE
CREE CREE (Galería Pelaires, Palma),
Gora (Nafarroako Unibertsitate Publi-
koa) eta Causa (La Fragua, Tabacalera
Promoción del Arte, Madril, Ángel Cal-
vo Ulloa komisario zuela). Erakuske-
ta kolektiboen artean honako hauek
nabarmentzen dira: Premi Ciutat de
Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals
2023, Desegindako oroitzapenaren
aurrean: memoria eta Gerra Zibila
(Bakearen Museoa, Gernika), Roma
Akademia (Azkuna Zentroa) eta Com-
plexo Colosso (CIAJG, Guimarães).
En una tentativa de explicar el deseo
que le mueve, Taxio Ardanaz, entre pa-
neles de fórmica con bajorrelieves de
abstracciones de pegatinas políticas
de fin de los setenta y pinturas que ha
recuperado de otros proyectos para
terminarlas ahora, habla de formali-
zar desde una configuración modular,
respondiendo a un sistema de trabajo
y no a una historia o contexto especí-
fico. Él, siempre enfrentado a los ar-
chivos, se sitúa ahora en relación a un
archivo de obras incompletas propias
buscando la presión que las unifica
como un fondo común, ensamblando
práctica y potencia. Experimentación
e introspección como patrón de pro-
cedimiento listo para su repetición.
Procedimiento libidinal. Preparado
para la explosión de colores planos y
brillantes que se centra en la estrate-
gia de encontrar las lógicas estéticas
paralelas a lo político. Las imágenes
recurrentes que pueblan sueños y pe-
sadillas. Con tinta espesa y trasfondo
de múltiples capas. Con la montaña y
la noche presentes.
Marta Ramos-Yzquierdo
Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978). Li-
cenciado en Bellas Artes en la UPV/
EHU, ha ampliado su formación en di-
versos talleres y residencias como la
Real Academia de España en Roma o
Tabakalera Donostia. Entre sus expo-
siciones individuales destacan CREE
CREE CREE (Galería Pelaires, Palma),
Gora (Universidad Pública de Nava-
rra) y Causa (La Fragua, Tabacalera
Promoción del Arte, Madrid, comi-
sariada por Ángel Calvo Ulloa). Entre
sus últimas exposiciones colectivas
destacan Premi Ciutat de Palma An-
toni Gelabert d’Arts Visuals 2023,
Ante el recuerdo desmantelado: me-
moria y Guerra civil (Museo de la Paz,
Gernika), Roma Akademia (Azkuna
Zentroa) y Complexo Colosso (CIAJG,
Guimarães).
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TAXIO ARDANAZ
Striving to explain what it is that in-
spires him, Taxio Ardanaz uses formi-
ca panels with bas-reliefs of abstrac-
tions of political stickers from the
late seventies and paintings that he
has salvaged from other projects to
now complete, to express formalisa-
tion through modular configuration,
in response to a working system and
not to any specific history or con-
text. Always at odds with archives,
he now finds himself dealing with an
archive of his own incomplete works,
looking for the pressures that they
share in common, combining prac-
tice and power. Experimentation and
introspection as a procedural pattern
ripe for repeating. A libidinal process.
Created for an explosion of plain and
bright colours that focuses on find-
ing the aesthetic rationale that goes
hand in hand with politics. Recurring
images that populate dreams and
nightmares. Using thick ink and mul-
ti-layered backgrounds. The moun-
tains and the night are both present.
Marta Ramos-Yzquierdo
Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978).
Graduaded in Fine Art from the UPV/
EHU, he furthered his education at
various workshops and residencies
such as the Royal Academy of Spain
in Rome and Tabakalera Donostia.
Highlights of his solo exhibitions in-
clude at CREE CREE CREE (Pelaires
Gallery, Palma), Gora (Public Universi-
ty of Navarre) and Causa (La Fragua,
Tabacalera Promoción del Arte, Ma-
drid, curated by Ángel Calvo Ulloa).
His latest group exhibitions include
Premi Ciutat de Palma Antoni Ge-
labert d’Arts Visuals 2023, Facing the
Dismantled Memory: Memory and
Civil War (Museo de la Paz, Gernika),
Roma Akademia (Azkuna Zentroa)
and Complexo Colosso (CIAJG, Gui-
marães).

FLYSCH euskal paisaiari eta Bizkaiko
historia industrialari buruzko proiek-
tu fotografikoa da. Izenburuak euskal
kostaldeko harri sedimentatu geruzei
eta “flysch” hitzaren jatorri germa-
niarrari berari (jariatu edo irristatu)
egiten die erreferentzia. XX.  men-
dean zehar, Bizkaiko jarduera nagusia
metalurgia zen. Labe garaietan mea-
tegietatik ateratako minerala galda­
tzen zen, altzairuzko piezak lortzeko
eta gero horiek esportatzeko. Argaz-
kietan fabrika zaharrak, txatarra eta
merkantzia-portuak agertzen dira,
bai eta arrokak, basoak eta baserriko
animaliak ere.
Inprimaketa-prozesuak metalurgiari
ere erantzuten dio, eta anbiguota-
suna, efimeritatea edo mugimendua
bezalako alderdiekin jokatzen du.
Unibertsitatean gertaturiko istripu
bezala hasi zen eta proiektuaren al-
derdi erabakigarri bilakatu da azke-
nean. Paperaren gainean estaldurarik
gabe inprimatzean, tinta ez da itsas-
ten eta irrist egiten du. Izpi ultramo-
reen inprimaketa ere erabili zen hain-
bat pieza metalikotan, materiala eta
irudien testurak goratzeko.
Martín Del Busto. Argazkilari getxo-
tarra. Argazkilaritzako Gradua ikasi
zuen Camberwelleko Unibertsitatean
(UAL), Londresen. Argazkigintza ka-
tua estutzen denean amaitzen ez den
zerbait bezala ulertzen du; edizioaren
edo inprimaketaren bidez eboluzio-
natzen jarraitzen duena. Bere obran
paisaiaren eta gizakiaren aztarnaren
arteko dualtasuna aztertzen du. Bere
prozesua inguruaren eta bere histo-
riaren azterketa batetik abiatzen da,
ondoren bere esperientzia eta pers-
pektiba txertatzeko.
Hainbat erakusketa egin ditu, bes-
teak beste: Matadero (Madril), CGP
(London), GetxoArte, Getxophoto,
Bauhaus Museum (Berlin), SALON
Photofusion (Londres) eta FotoAr-
te-Gasteiz.
FLYSCH es un proyecto fotográfico
que gira alrededor del paisaje vasco
y de la historia industrial de Vizcaya.
El título hace referencia a las capas
de roca sedimentada de la costa
vasca y al propio origen germano de
la palabra “flysch”: fluir o deslizarse.
Durante el siglo XX la principal activi-
dad industrial de Vizcaya era la meta-
lurgia. En los Altos Hornos se fundía
el mineral extraído de las minas para
conseguir piezas de acero y después
exportarlas. Las fotografías abarcan
antiguas fábricas, chatarra, puertos
de mercancías, además de rocas,
bosques o animales de granja.
El proceso de impresión también
responde a la metalurgia y juega con
aspectos como la ambigüedad, la
efimeridad o el movimiento. Empezó
como un accidente en la universidad
y ha acabado siendo un aspecto cru-
cial del proyecto. Al imprimir sobre
papel sin recubrimiento, la tinta no
adhiere y resbala. También se utilizó
la impresión de rayos ultravioleta en
varias piezas metálicas para ensalzar
el material y las texturas de las imá-
genes.
Martín Del Busto. Fotógrafo ge-
txotarra. Se forma en la Universidad
de Camberwell, UAL, Londres con
un Grado de Fotografía. Entiende la
fotografía como algo que no acaba
cuando se aprieta el disparador, sino
que sigue evolucionando a través de
la edición o la impresión. En su obra
explora la dualidad entre el paisaje y
la huella del ser humano. Su proceso
comienza a partir de un estudio del
entorno y de su historia, para incor-
porar posteriormente su propia expe-
riencia y perspectiva.
Ha expuesto en Matadero (Madrid),
CGP (Londres), GetxoArte, Getxopho-
to, Bauhaus Museum (Berlín), SALON
Photofusion (London) y FotoArte (Vi-
toria), entre otros.
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MARTÍN DEL BUSTO
FLYSCH is a photography project that
focuses on the Basque countryside
and Biscay’s industrial history. The
title refers to the layers of sedimen-
tary rock on the Basque coast and
to the Germanic origin of the word
“flysch”: to flow or to slide. During the
20th century, metallurgy was Biscay’s
most prominent industrial activity.
The blast furnaces smelted the ore
extracted from the mines to make
steel parts which were then exported.
The photographs are of old factories,
scrap metal, cargo ports, as well as
rocks, woodland and farm animals.
The printing process also reflects
metallurgy and explores aspects
such as ambiguity, ephemerality and
movement. It all began by accident at
university and ended up becoming a
crucial part of the project. By printing
on plain paper, the ink does not stick
and slips. Ultraviolet rays printing
was also used for a number of metal
parts to emphasise the material and
the texture of the images.
Martín Del Busto. Photographer from
Getxo. He studied at the University of
Camberwell, UAL, London obtaining a
degree in Photography. He sees pho-
tography as something that carries
on after pressing the shutter button
as it is further developed through the
editing and printing processes. His
work explores the duality between
landscapes and the human footprint.
His creative process involves first
analysing the environment and its
history, before then adding his own
experience and perspective.
He has exhibited his work at Matade-
ro (Madrid), CGP (London), GetxoArte,
Getxophoto, Bauhaus Museum (Ber-
lin), SALON Photofusion (London) and
FotoArte (Vitoria), among others.

Nerearen lanak hizkuntza plastikoa
garatzean datza, material desber-
dinez baliatuz (hala nola zeramika,
eskaiola, zementua eta ehun-mate-
rialak, besteak beste). Lan plastiko
horiei ekiteko, kontuan hartzen dira
elementuen eta materialen arteko
elkarguneak, horien arteko artiku-
lazioak eta egitura nola eusten edo
bermatzen den. Erabilitako materiala,
kasu batzuetan, ez da lehengaia, da-
goeneko egindako objektuak baizik,
zatiak edo puskak. Bai eta errepro-
dukzioak ere.
Gaur egun garatzen ari den proiektua
hiriko forma arkitektonikoak erre-
produzitzeko asmoarekin hasi zen.
Horretarako, buztinarekin, interesa­
tzen zaizkion formak harrapatzen
ditu gero beste material batzuk bi-
hurtzeko. Hiriko zati horiek lortu os-
tean, aurretik beste teknika batzuekin
egindako beste material batzuekin
bateratzen ditu. Oraingo honetan,
ehun-materiala lantzea izan du ar-
datz, hala nola puntuan ehundutako
artilea, izarak, olanak eta jantziak,
materialik zurrunenak estali, bildu
edo eusten dituztenak.
Nerea Castaño. Bilbon bizi den artis-
ta. Zeramika: Artea eta Funtzioa Mas-
terra egin zuen Leioako Arte Ederren
Fakultatean (EHU); bertan, aurretik,
Sorkuntza eta Diseinuko Gradua egin
zuen. Bere ikasketak Erroman osatu
zituen, RUFA unibertsitatean (Rome
University of Fine Arts). Hainbat dizi-
plina artistiko landu ditu bere karre-
ran zehar, hala nola diseinu grafikoa,
argazkilaritza, marrazketa eta, be-
reziko, eskultura.
La obra de Nerea consiste en desa-
rrollar un lenguaje plástico utilizando
diferentes materiales, como la cerá-
mica, escayola, cemento y materiales
textiles, entre otros. Para comenzar
estos trabajos plásticos tiene en
cuenta los encuentros entre elemen-
tos y materiales, las articulaciones
entre ellos y como se sujeta o se apo-
ya la estructura. El material usado
no es una materia prima en algunos
casos, sino objetos ya elaborados,
fragmentos o trozos. También repro-
ducciones.
El proyecto actual que está desarro-
llando comienza con la intención de
reproducir formas arquitectónicas
de la ciudad. Para ello atrapa con ar-
cilla las formas que le interesan para
luego convertirlas a otros materiales.
Una vez que obtiene estos trozos de
ciudad, los combina con otros mate-
riales que previamente ha elaborado
con otras técnicas. Esta vez se ha
centrado en trabajar material textil,
como la lana tejida en punto, sába-
nas, lonas y prendas de vestir que
tapan, envuelven o sostienen los ma-
teriales más rígidos.
Nerea Castaño. Artista residente en
Bilbao. Realizó el Máster en Cerámi-
ca: Arte y Función en la facultad de
Bellas Artes de Leioa - UPV/EHU, en la
cual previamente cursó sus estudios
de Creación y Diseño. Completó sus
estudios en Roma, en la universidad
RUFA (Rome University of Fine Arts).
Ha trabajado diferentes disciplinas
artísticas a lo largo de su carrera,
como son el diseño gráfico, la foto-
grafía, la pintura y especialmente la
escultura.
| 61 |
NEREA CASTAÑO
Nerea’s work involves creating an
artistic language using a variety of
materials, such as ceramics, plas-
ter, cement and textiles. Her artistic
work begins by contemplating how
elements and materials interact, the
articulations between them and how
a structure is held together or sup-
ported. The materials she uses are
not always raw materials but, in some
cases, objects that have already been
made; fragments or pieces. They can
also be reproductions.
The project she is currently work-
ing on arose out of her desire to re-
produce the architectural shapes of
the city. To do this, she captured the
shapes she wanted to recreate with
clay and then converted them into
other materials. After creating these
“pieces” of the city, she then com-
bined them with other materials that
she had already worked with using
other techniques. This time he has
concentrated on working with tex-
tiles, such as knitted wool, sheets,
canvases and clothing that cover, are
wrapped around or support the more
rigid materials.
Nerea Castaño. Resident artist in
Bilbao. She obtained a Master’s De-
gree in Ceramics: Art and Function at
the Faculty of Fine Art in Leioa - UPV/
EHU, where she had previously stud-
ied Creation and Design. She com-
pleted her studies in Rome, at RUFA
University (Rome University of Fine
Arts). She has worked with different
art forms over the course of her pro-
fessional career, including graphic
design, photography, painting and, in
particular, sculpture.

Bere lanik ezagunenetako bat Cement
Eclipses proiektu nomada da, artistak
gizarte modernoari buruz hausnar­
tzeko egindako eskultura figuratibo
txikiekin eraikitako hiriko esku-hartze
iragankor eta iraunkorrek osatutakoa.
Pertsonaia estereotipatu berarekin
egiten du lan hasieratik: adin ertaine-
ko gizon burusoil bat, traje gris bate-
kin uniformatua.
Espazio publikoak oso zeregin ga-
rrantzitsua du artista honen obran,
aukeratutako kokalekua bere obraren
funtsezko zatia baita. Espazio seman-
tikoak, non eskala desitxuratzen den,
eta denboraren joanaren narriadura,
gure gainbehera, hautematen den eta
gure inperfekzioaz hitz egiten digun.
Umorea eta ironia modu dosifikatuan,
anbiguoan, erabiltzen ditu, eta dra-
maren mugetan ibiltzen da, non batek
ez dakien barre edo negar egin.
Cement Eclipses espazio publiko
batean hasi zen 2006an proiektu
nomada baten modura, eta oraindik
ere martxan da. Orain arte, hainbat
hiritan esku hartu du: Berlin, Lon-
dres, Bogota, Brusela, Zagreb, Viena,
Taipei, Milan, New York, Amsterdam,
Nantes, San Jose, Hanoi, etab.
Isaac Cordal (Pontevedra, 1974). Es-
kultura, instalazioak eta argazkigintza
lantzen ditu jendaurrean eta erakus-
keta-guneetan. Hainbat tokitan bizi
izan da, hala nola London eta Bruse-
lan, eta toki horiek bere lana markatu
dute. Gaur egun Bilbon bizi da.
Uno de sus trabajos más conocidos es
el proyecto nómada Cement Eclipses,
basado en intervenciones urbanas
efímeras y permanentes construidas
con pequeñas esculturas figurativas
con las que el artista reflexiona sobre
la sociedad moderna. Trabaja desde
el principio con el mismo personaje
estereotipado: un hombre de media-
na edad, calvo y uniformado con un
traje gris.
El espacio público tiene un papel muy
importante, ya que el emplazamiento
elegido es una parte fundamental de
su obra. Espacios semánticos donde
la escala se distorsiona, y se perci-
be el deterioro del paso del tiempo,
nuestra decadencia, que nos habla de
nuestra propia imperfección.
Hace uso del humor y la ironía de ma-
nera dosificada, ambigua, en los lími-
tes del drama, donde uno no sabe si
reír o llorar.
Cement Eclipses empezó como un
proyecto nómada en un espacio pú-
blico en 2006 y todavía está en curso.
Hasta la fecha ha realizado interven-
ciones en ciudades como Berlín, Lon-
dres, Bogotá, Bruselas, Zagreb, Viena,
Taipéi, Milán, Nueva York, Amsterdam,
Nantes, San José, Hanoi, etc.
Isaac Cordal (Pontevedra, 1974) tra-
baja la escultura, las instalaciones
y la fotografía en público y en espa-
cios de exposición. Su obra ha estado
marcada por los lugares donde ha vi-
vido, tales como Londres y Bruselas.
Hoy en día vive en Bilbao.
| 63 |
ISAAC CORDAL
One of his best known works is the
nomadic project called Cement
Eclipses, which consists of ephemer-
al and permanent urban interventions
built with small figurative sculptures
with which he reflects on modern so-
ciety. From the beginning he works
with the same stereotypical charac-
ter: a middle-aged, bald, uniformed
man in a grey suit.
The public space plays a leading
role, as the chosen location is a fun-
damental part of his work. Semantic
spaces that confuse the scale, those
in which we perceive the passage of
time, our decadence, that speak to us
of our own imperfection.
He uses humour and irony in a meas-
ured, ambiguous way, at the limits of
drama, at that point where you don’t
know whether to laugh or cry.
Cement Eclipses began as a nomadic
project in public space in 2006 and is
still in progress. To date it has made
interventions in cities such as Berlin,
London, Bogota, Brussels, Zagreb, Vi-
enna, Taipei, Milan, New York, Amster-
dam, Nantes, San José, Hanoi, etc.
Isaac Cordal (Pontevedra, 1974)
works with sculpture, installations
and photography in public and ex-
hibition spaces. His work has been
marked by the places where he has
lived, such as London and Brussels.
He currently lives in Bilbao.

Máquina de azar percutido #5 insta-
lazioa El íntimo ritmo del azar deitu-
riko serie zabalago baten parte den
soinu-instalazio bat da, non ausazko-
tasunera hurbiltzeko hainbat modu
esploratzen ditudan eskultura auto-
maten bidez.
BilbaoArte Fundazioan egin dudan
egonaldian, aukera tekniko berriak
aztertu ditut, MediaLaben eskura-
garri dagoen urzurrustaz ebakitzeko
makina erabilita. Horri esker, tamaina
askotako zirkuluak moztu ditut mate-
rial zeramikoan. Pieza horiek soinu-
eta estetika-aukera berriak zabaltzen
dituzte, eta aukera horiek ausazko al-
dagaiak dituzten eta oro har espazio
oniriko bat iradokitzen duen soinu-
eta ikus-paisaia bat sortzen duten
mekanismoekin batu ditut.
Jonathan García Lana/Tunipanea
(Belgika, 1985) Bilbon bizi da eta ber-
tan dihardu lanean artista eta artisau
gisa; hiri horretan du bere estudioa
2010etik geroztik. Arte Garaikide,
Teknologiko eta Performatiboko Mas-
terrarekin (EHU), elektronikarekin,
robotikarekin, soinuarekin, artisau-
tek­
nikekin eta fabrikazio digitaleko
teknikekin lotutako beste prestakun­
tza tekniko batzuekin osatu du bere
interes artistikoaren esparrua. Mu-
sika-tresna hibridoak diseinatu eta
eraikitzen ditu, jatorri tradizionaleko
zein garaikideko ideiak, formak eta
baliabideak nahastuz; lutheria es-
perimentalaren esparruan kokatzen
duen praktika.
JONATHAN GARCÍA LANA/TUNIPANEA
Máquina de azar percutido #5 es una
instalación sonora que forma parte
de una serie más amplia llamada El
íntimo ritmo del azar, en la que explo-
ro diferentes formas de acercarme
a lo aleatorio a través de esculturas
autómatas.
Durante mi residencia en la Funda-
ción BilbaoArte he explorado nue-
vas posibilidades técnicas usando la
máquina de corte al agua disponible
en el MediaLab, que me ha permiti-
do concretamente cortar círculos de
muchos tamaños en material cerá-
mico. Estas piezas abren nuevas po-
sibilidades sonoras y estéticas que
he combinado con mecanismos cuya
naturaleza contiene variables aza-
rosas y que en conjunto generan un
paisaje sonoro y visual que evoca un
espacio onírico.
Jonathan García Lana/Tunipanea
(Bélgica, 1985) reside y trabaja como
artista y artesano en Bilbao, donde
tiene su estudio desde 2010. Con un
máster en Arte Contemporáneo, Tec-
nológico y Performativo (UPV/EHU)
complementa su área de interés ar-
tístico con otras formaciones técni-
cas relacionadas con la electrónica,
robótica, sonido, técnicas artesana-
les y técnicas de fabricación digital.
Diseña y construye instrumentos
musicales híbridos mezclando ideas,
formas y recursos tanto de origen
tradicional como contemporáneos,
una práctica que enmarca en el área
de la luthería experimental.
| 65 |
Máquina de azar percutido #5 is a
sound installation that belongs to a
larger series called El íntimo ritmo del
azar, in which I explore different ways
of addressing chance using automa-
ton sculptures.
During my residency at the BilbaoArte
Foundation I explored new technical
possibilities using the waterjet cut-
ting machine available at the Medi-
aLab, which I used to cut many differ-
ent sized circles in ceramic material.
These pieces open the door to new
sound and visual possibilities that
I have combined with mechanisms
with random variables that together
create sound and visual pieces that
evoke dreamlike environments.
Jonathan García Lana/Tunipanea
(Belgium, 1985) he lives and works
as an artist and craftsman in Bilbao,
where he has had his studio since
2010. He has a master’s degree in
Contemporary, Technological and
Performing Art (UPV/EHU) and com-
bines his artistic interests with other
technical education in the fields of
electronics, robotics, sound, crafts-
manship and digital manufacturing
techniques. He designs and builds
hybrid musical instruments by mixing
traditional and contemporary ide-
as, shapes and materials, a practice
which falls under experimental luthe-
rie techniques.

Mono-pla chillón bideoz betetako
etxeetan garatutako ikusizko erai-
kuntzen inguruko proiektua da.
Bakardadeko osagai gisa uler dai-
tezke, zeinetan hitz egiteko premia
agerian baitago. Niretzat pultsio-kon-
tua da ia, eta asmakuntza horiek
proiektu honekin izan nuen lehenen-
go premisa adierazten dute: “Arris-
kuan gaudela sentitzen dugunean,
ez dago babestuko gaituen unibertso
bat bermatzen digun metodologiarik;
babes bakarra ekitea da; eta ihes egi-
tea, beti latente...”.
Mikel Godoy (Bilbo, 1996) Bilbon
finkatutako artista bisuala da. Ha-
siera batean argazkilari izateko pres-
takuntza egin zuen, eta autodidakta
izan zen. Hasieran, askotariko lanak
egin zituen arte-zuzendari eta ar-
gazkilari gisa. Arte-ekoizpenerako
zenbait beka jaso ditu, hala nola Bil-
baoArte Fundazioarena eta Bizkai-
ko Foru Aldundiarena. 2020.  urtean,
lehen erakusketa bat egin zuen, En
el cólico izenekoa, Aldama Fabre are-
toan, eta bigarren postuan geratu
zen 2020ko Errioxako Gazteen Arte
Lehiaketan. Gaur egun, zuzendari­
tzan eta zenbait proiektu plastikotan
dihardu. Zuzendu duen lehenen-
go film laburrak Encajada du izena,
eta 2022an estreinatu zen Triesteko
Science + Fiction zinema-jaialdian.
Mono-pla chillón es un proyecto que
gira en torno a las construcciones
visuales desarrolladas en casas ha-
bitadas por videos. Se pueden en-
tender como dispositivos de soledad
en los que está presente la urgencia
de hablar. Casi desde algo pulsional
para mí, estas invenciones están ape-
lando a mi primera premisa con este
proyecto: “Cuando alguien siente que
está en peligro, no existe ninguna
metodología a la que agarrarse que
garantice un universo protector, el
único soporte será la acción, la huida
está siempre latente… “.
Mikel Godoy (Bilbao, 1996) es un ar-
tista visual afincado en Bilbao. For-
mado inicialmente como fotógrafo
autodidacta. En sus inicios realiza
diferentes trabajos como director de
arte y fotógrafo. Ha recibido diver-
sas becas a la producción artística
como la beca a la producción de la
Fundación BilbaoArte y la Beca de
la Diputación de Bizkaia. En el 2020
inauguró su primera exposición de
titulo En el cólico en la galería Alda-
ma Fabre, además de quedar segun-
do en el Certamen de Arte Joven de
La Rioja 2020. Actualmente está más
centrado en la dirección y en distin-
tos proyectos plásticos. Encajada es
su primer cortometraje como direc-
tor, estrenado en 2022 en el festival
de cine de Trieste Science + Fiction.
| 67 |
MIKEL GODOY
Mono-pla chillón is the name of this
project about the visual construc-
tions developed in houses inhabited
by videos. They can be understood
as displays of loneliness in which the
urgency to speak is present. Almost
in an impulsive way, these inventions
appeal to my initial premise with this
project: “Whenever we feel at risk,
there is no such thing as a methodol-
ogy one can hang onto to guarantee
a saving universe; the only support
shall be action, and an escape is al-
ways latent...”.
Mikel Godoy (Bilbao, 1996) is a visual
artist based in his hometown of Bil-
bao. He initially became a self-taught
photographer. At first, he would do
various jobs as an art director and
photographer. He has received an
array of scholarships to help his ar-
tistic production, such as the ones
from Fundación BilbaoArte and the
Diputación Foral de Bizkaia. He inau-
gurated his first exhibit in 2020 under
the name of En el cólico in the Aldama
Fabre showroom, and came second
at the contest for young artists in La
Rioja that same year. He is currently
focused on his work as a director and
on various art projects. Encajada is
the name of his first short film, which
premièred in 2022 at the Trieste Sci-
ence + Fiction festival.

Gravitación visual proiektuak mu-
seo desberdinetako edukitzailearen
eta edukiaren arteko lotura eta erre-
ferente fotografikotik gauzaturiko
eraikuntza artistikoa ditu ardatz.
Asmoa lotura bat sortzea da, eduki­
tzailearen edo museoaren xedearen
eta obra artistikoaren edukiaren edo
esanahiaren artean. Bestela esanda,
edukitzaile arkitektonikoa (Museoa)
erabiltzea eduki artistikoa (Obra)
sortzeko. Lotura horiei buruz haus-
nartzeko, formatu erdiko argazki ana-
logikotik abiatzen da, lanerako mate-
rial gisa. Alde horretatik, lehenengo
fasea espazio arkitektonikoak koka­
tzea da. Bigarrena saiakuntzarena da:
pieza txikiekin jolastea bolumen be-
rriak sortuz eta argazki-erreferentea
forma arkitektonikoari buruzko haus-
narketa baterantz mugituz, eta erai-
kitako espazioaren esanahi hedatu
batekin berregindako irudi bihurtuz.
BilbaoArte Ekoizpenerako Lagun­
tzarako, Gravitación visual serieko
obren irakurketa guztiz eskultorikoa
egitea zen, MediaLaben laguntzare-
kin. Kontzeptua lengoaia propio bat
sortzea izan da, dagoeneko ekoitzi-
tako obren informaziotik abiatuta,
irudi fotografikorik gabeko bolumena
sortzeko eta konnotazio arkitektoni-
koak dituen emaitza eskultoriko ba-
tera iristeko.
Patrik Grijalvo Millois (Bilbo, 1984)
Arte Ederretan lizentziatua da EHUn.
Egonaldi eta ekoizpen laguntzak jaso
ditu honako hauetan: Kunsthaus Bre-
genz Museum, Het Wilden Weten (Rot-
terdam), BilbaoArte, Cité Internationa-
le des Arts de Paris eta SEMA (Seuleko
Arte Museoa). Bere lanak hainbat mu-
seotan egon dira ikusgai, baita Bil-
boko Guggenheim Museoan ere eta
nazioarteko hainbat arte-azokatan
ere. Horien artean, honako hauek na-
barmendu daitezke: ART MIAMI, VOL-
TA (Basilea), ART Madrid, London Art
Fair, Code Art Fair (Kopenhague), Art
Karlsruhe, Kunstrai Amsterdam edo
Luxembourg Art Week.
PATRIK GRIJALVO MILLOIS
El proyecto Gravitación visual se cen-
tra en la relación entre contenedor y
contenido de los diferentes museos
y en la construcción artística desde
el referente fotográfico. La intención
es crear un vínculo entre el propósito
del contenedor o museo y el conteni-
do o significado de la obra artística.
Dicho de otro modo, utilizar el con-
tenedor arquitectónico (Museo) para
crear contenido artístico (Obra). Para
reflexionar sobre estas relaciones la
idea es partir de la fotografía analó-
gica de medio formato como material
de trabajo. En este sentido, la primera
fase es la de la localización de los es-
pacios arquitectónicos. La segunda
es la del ensayo: jugar con pequeñas
piezas creando nuevos volúmenes y
desplazando el referente fotográfico
hacia una reflexión sobre la forma ar-
quitectónica, convirtiéndola en ima-
gen reelaborada con un significado
expandido del espacio edificado. Para
la beca de Ayuda a la Producción de
BilbaoArte la idea era dotar a la lectu-
ra de las obras de la serie Gravitación
visual de un componente plenamente
escultórico con la ayuda del Media
Lab. El concepto ha sido crear un len-
guaje propio desde la información de
obras ya producidas para generar un
volumen exento de imagen fotográfi-
ca y llegar a un resultado escultórico
con connotaciones arquitectónicas.
Patrik Grijalvo Millois (Bilbao, 1984)
es licenciado en Bellas Artes por la
UPV/EHU. Ha recibido becas de resi-
dencia y producción del Kunsthaus
Bregenz Museum, el Het Wilden We-
ten de Rotterdam, BilbaoArte, la Cité
Internationale des Arts de París y el
SEMA (Museo de Arte de Seúl). Sus
obras se han mostrado en varios mu-
seos, incluido el Museo Guggenheim
Bilbao y en numerosas ferias de arte
internacionales, en las que cabe des-
tacar ART MIAMI, VOLTA en Basilea,
ART Madrid, London Art Fair, Code Art
Fair en Copenhague, Art Karlsruhe,
Kunstrai Amsterdam o Luxembourg
Art Week.
| 69 |
Gravitación visual project focuses on
the relationship between the contain-
er and the content at different mu-
seums and on artistic construction
from a photographic perspective. It
seeks to establish a relationship be-
tween the purpose of a container or
museum and the content or meaning
of artistic work. In other words, using
the architectonic container (Muse-
um) to create artistic content (Work).
In order to explore these relation-
ships, this project begins by working
with medium-format analogue pho-
tography. In this respect, the first
stage involves locating the archi-
tectonic spaces. The second stage
consists of experimentation: working
with small pieces, creating new vol-
umes and taking photography further
to contemplate architectural style,
transforming it into reworked images
that expand on the meaning of the
actual buildings themselves. For the
BilbaoArte Production Aid grant, the
goal was to lend a completely sculp-
tural dimension to the interpretation
of the work in the Gravitación visual
series, with the help of the Media Lab.
The goal of the project was to create
a unique language out of the informa-
tion contained in work that already
existed, so as to create a volume free
of photography and to create sculp-
tures with architectural connotations
Patrik Grijalvo Millois (Bilbao, 1984)
is a graduate in Fine Arts from the
UPV/EHU. He was awarded residen-
cy and production grants from the
Kunsthaus Bregenz Museum, the
Het Wilden Weten in Rotterdam, Bil-
baoArte, the Cité Internationale des
Arts in Paris and the SEMA - Art Mu-
seum in Seoul. His work has been dis-
played at various museums, including
the Guggenheim Museum in Bilbao,
and at many international art fairs,
including ART MIAMI, VOLTA in Basel,
ART Madrid, London Art Fair, Code
Art Fair in Copenhagen, Art Karlsru-
he, Kunstrai Amsterdam and Luxem-
bourg Art Week.

Proiektu hau grabatu kalkografiko
sorta batez osatuta dago. Ustekabe-
koa prozesuaren lehenengo fasean
zehar sartzen da bat-batean. Abia-
puntu bezala, lehenik eta behin, or-
ban bat egin dut erabat ustekabean
eta ausaz, Judeako betun-hautsetik
abiatuta (alkograbatua). Hasierako
puntu horretatik abiatuta, eta plan-
txan dagoen lehen forma organiko
horrek iradokitzen didanaren arabera,
irudia pixkanaka garatzeko eta eral-
datzeko aukerak bilatzen ditut, eta
oraingoan prozesu hausnartuagoa
eta kontrolatuagoa da. Beste teknika
grafiko batzuk konbinatuz, eta segi-
dako egoera-probak eginda, arretaz
zehaztu eta birdefinitu dut irudia,
nahi nuen puntura iritsi arte.
Nire interesak natura elementu
ukiezin gisa hartzen duen ideiaren
ingurukoak dira, abstraktutik eta oni-
rikotik hurbil dagoen irudikapen bat
eginez, ikuslearen interpretaziora
irekia. Paisaiaren anbiguotasunera
jotzen dut natura bikain batean, non
irudiak zailak baitira ezagutzen du-
gun errealitatearekin lotzeko. Eszena
atmosferikoak, lurtarrak edo astralak
identitate surrealista eta ilun batean
bateratzen dira. Inguratzen nauen
naturaren behaketak plantxan gra-
fikoki bihurtzen dudan imajinarioa
sendotzen du.
Desirée Moreno. Arte Ederrak ikasi
zuen Valentziako Universitat Poli-
tècnican, eta marrazketan eta gra-
batuan espezializatu zen. Ondoren,
bere prestakuntza grabatura heda­
tzea erabaki zuen, eta Obra Grafikoko
Masterra egin zuen CIEC Fundazioan.
Hainbat erakusketatan eta graba-
tu-lehiaketatan parte hartu du. Horien
artean, Sortzaile Gazteentzako Arte
Grafikoaren Lehiaketa Nazionalean
edo DCOOP Arte Plastikoen sarian lor-
turiko sariak nabarmentzen dira; bai
eta hainbat ohorezko aipamen ere.
Alma Gráfica eta Open Portfolio beza-
lako azoketan parte hartu du.
Este proyecto consta de una serie de
grabados calcográficos. Lo fortui-
to irrumpe durante la primera fase
del proceso. Como punto de partida,
desarrollo una primera mancha com-
pletamente accidental y aleatoria
generada a partir de betún de Judea
en polvo (alcograbado). Desde este
punto inicial en adelante, y en base a
lo que me sugiere esa primera forma
orgánica en la plancha, busco posibi-
lidades para desarrollar y transformar
poco a poco la imagen, tratándose
esta vez de un proceso más medita-
do y controlado. Mediante la combi-
nación de otras técnicas gráficas, y
sucesivas pruebas de estado, cuida-
dosamente he ido concretando y re-
definiendo la imagen hasta llegar al
punto deseado.
Mis inquietudes giran en torno a la
idea de naturaleza como elemento
intangible, haciendo una represen-
tación cercana a lo abstracto y oní-
rico, abierta a la interpretación del
espectador. Me inclino hacia la ambi-
güedad del paisaje en una naturaleza
sublime, donde las imágenes son di-
fíciles de vincular con la realidad que
conocemos. Escenas atmosféricas,
terrestres o astrales convergen en
una identidad surrealista y oscura. La
observación de la naturaleza que me
rodea consolida un imaginario que
traduzco gráficamente en la plancha.
Desirée Moreno estudia Bellas Artes
en la Universitat Politècnica de Valèn-
cia, especializándose en dibujo y gra-
bado. Posteriormente, decide ampliar
su formación en grabado realizando
el Máster de Obra Gráfica en la Fun-
dación CIEC. Ha participado en múl-
tiples exposiciones y concursos de
grabado. Entre ellos, destaca el pre-
mio obtenido en el Certamen Nacio-
nal Arte Gráfico para Jóvenes Crea-
dores o el premio de Artes Plásticas
DCOOP; así como varias menciones
honoríficas. Ha participado en ferias
como Alma Gráfica y Open Portfolio.
| 71 |
DESIRÉE MORENO
This project consists of a series of
chalcographic engravings. The in-
cidental takes hold during the first
stage of the process. I start with a
completely incidental and random
stain using powdered bitumen of
Judea (alkogravure). Then, starting
with this, and based on what this first
organic shape on the plate evokes in
me, I look for ways to gradually devel-
op and transform the image, and this
stage consists of a more thought out
and controlled process. By combining
other artistic techniques and succes-
sive artist proofs, I carefully refine
and redefine the image until I reach
where I want to get to.
My concerns hinge on the idea of
nature being intangible, creating an
abstract and dreamlike depiction,
that is left to the observer’s own in-
terpretation. I lean into the ambiguity
of the landscape in a sublime nature,
creating images that are not easily
associated with the reality we know.
Atmospheric, terrestrial or astral im-
agery collides in a surreal and dark
aesthetic. Observing the nature that
surrounds me shapes the images that
I express on my plates.
Desirée Moreno studied Fine Art at
the Polytechnic University of Valen-
cia, specialising in drawing and en-
graving. She has shown her work in
numerous exhibitions and engraving
competitions. She has presented her
work in numerous exhibitions and en-
graving competitions. These include
an award in the Certamen Nacional
Arte Gráfico para Jóvenes Creadores
(National Graphic Art Contest for
Young Creators) or the DCOOP Plastic
Arts Award, as well as various hon-
ourable mentions. She has presented
work at fairs such as Alma Gráfica and
Open Portfolio.
 TRUKAKETAKO ARTI
CHANGE ARTISTS /

STAK / ARTISTAS D
E INTERCAMBIO / EX

Katalogoa |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catálogo ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catalogue |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||


Nire lan artistikoak gizakiek beren in-
gurunearekin dituzten ikusmoldeak
eta interpretazioak jorratzen ditu,
baita haien hedadura eta/edo erre-
frakzioa ere. Horrela, jokabide-eredu
kolektiboek modu esanguratsuan
mugiarazten eta moldatzen dutelarik
edukia. Lan egiteko erabiltzen ditu-
dan teknikei dagokienez, margoak,
marrazkiak eta grabatuak lehen pla-
noa hartzen dute, eta bideoz, ekin­
tzez eta Open Studioz osatuta daude.
Kunsthaus Bregenz-rekin lankide­tzan
egindako egoitza (Austria).
Harald Gmeiner (haraldgmeiner.cc)
Wolfurten bizi eta lan egiten du, Aus-
trian. KunstVorarlberg-eko kidea da
(Arte Garaikideko Foroa eta Vorarl-
bergeko Ikusizko Artisten Elkarte Pro-
fesionaleko kidea), Tenneale Nenzing
udako egoitza artistikoaren eta Pro-
fiterol kolektiboaren sortzaileetako
bat da. Open Studios ugaritan parte
hartu du, Myanmar, Thailandia, India,
Egipto, Maroko, Malta, Espainia, Ita-
lia edo Sri Lankako egoitzetan parte
hartu duelarik. Erakusketa indibidual
eta kolektibo ugari egin ditu, bai bere
aberrian eta baita nazioartean ere.
Mi trabajo artístico aborda las con-
cepciones e interpretaciones que los
humanos mantienen con su entorno,
así como su extensión y/o refracción.
De esta manera, los patrones de con-
ducta colectivos movilizan y moldean
el contenido de manera significativa.
En cuanto a las técnicas con las que
trabajo, la pintura, el dibujo y el gra-
bado ocupan un primer plano, y son
acompañadas de videos, acciones y
Open Studios.
Residencia en colaboración con el
Kunsthaus Bregenz (Austria).
Harald Gmeiner (haraldgmeiner.cc)
vive y trabaja en Wolfurt, Austria. Es
miembro de KunstVorarlberg (Foro de
Arte Contemporáneo y Miembro de
la Asociación Profesional de Artistas
Visuales de Vorarlberg), cofundador
de la residencia artística de verano
Tenneale Nenzing y del colectivo Pro-
fiterol. Ha iniciado numerosos Open
Studios y participado en residencias
en países como Myanmar, Tailandia,
India, Egipto, Marruecos, Malta, Es-
paña, Italia o Sri Lanka. Ha realizado
numerosas exposiciones individuales
y colectivas y proyectos tanto a nivel
nacional como internacional.
| 75 |
HARALD GMEINER
My artistic work deals with the con-
ceptions and interpretations that the
human being holds in relation to their
living environment, as well as their
extension and/or refraction. There-
by, the collective behavioral patterns
move and shape the content in a
significant way. In terms of the tech-
niques I use, painting, drawning and
printmaking stand in the foreground,
accompanied by videos, actions and
Open Studios.
Residency in collaboration with Kun-
sthaus Bregenz (Austria).
Harald Gmeiner (haraldgmeiner.cc)
lives and works in Wolfurt, Austria. He
is member of KunstVorarlberg (Forum
for Contemporary Art and Member of
the Professional Association of Visual
Artists Vorarlberg), co-founder of the
artistic summer camp Tenneale Nen-
zing and the artist collective Profiter-
ole. He has initiated many Open Stu-
dios and participated in residencies
and stays in countries such as: Myan-
mar, Thailand, India, Egypt, Morocco,
Malta, Spain, Italy, Sri Lanka. He has
done many solo and group exhibi-
tions and projects, both at home and
abroad.

El desierto que somos Saray Pérez
Castillak Bevilacqua La Masa erakun-
dean garatutako eskultura-proiek-
tu interaktiboa da. Proiektu horrek
Europako paisaiaren desertifikazio
ekologiko eta kulturaleko prozesuak
hartzen ditu intereseko objek­tu gisa;
irudia, soinua eta eskultura-proze-
suak Muranoko kristalarekin eta ze-
ramikarekin esploratuz. Hiru dimen­
tsioko palinpsesto batzuek osatzen
dute proiektu hau eta testuran, kolo-
rean eta material gordinean abstrak-
tutako basamortuko paisaia garai-
kideen erregistro arkeologikoen 3D
eskaneoetatik abiatzen dira (Veneto
eskualdetakoak, Carrara eta Extre-
madurakoak). Gorputz eskultorikoak
eta ikus-entzunezko proiekzioek bat
egiten dute lurraldearen ikuspegia-
ren hierarkia zalantzan jartzen duen
paisaia likido batean eta paisaiaren
pertzepzio subjektiboa eta memoria
seinalatzen dituzte. Zati-sorta batek
El desierto que somos proiektuaren
ehuna osatzen du, eta lurraren pai-
saia periferiko akitua erakusten digu.
Fondazione Bevilacqua La Masa-rekin
lankidetzan egindako egoitza (Italia).
Saray Pérez Castilla. Diziplina ani­
tzeko artista eta ikerlari egoiliarra Bil-
bon. Arte Ederretan lizentziatua (2012)
eta Zeramika: Artea eta Fun­tzioa Mas-
terrean espezializatua (2014) EHUn.
Bere praktika artistikoak memoriaren
eta lurraldearen gatazketara hurbil­
tzen gaitu, teknologiaren/zeramika-
ren eta artxiboaren erabilera leun
batetik abiatuta (MediaArt). Hainbat
erakundetan egin ditu erakusketak
eta saritua ere izan da: BilbaoArte
(2022, 2018), BFAren Ikusmen-arteko
produkzio-beka (2021 eta 2016), Izo-
kin (2020), ¿En que piensan los artis-
tas? (Guayaquil-Galápagos, Ekuador
2019) Villa Guarini egonaldia (Italia,
2019), ERTIBIL (2019, 2013, 2012), Pai-
sajes Invisibles - BARRIEK (Rekalde
Aretoa, Bilbo, 2018), Provincia 53 (MU-
SAC - CDAN, 2017-2018), Shedding the
skin (Linz, Austria, 2017).
SARAY PÉREZ CASTILLA
El desierto que somos es el proyecto
escultórico interactivo desarrollado
por Saray Pérez Castilla en Bevilac-
qua La Masa, que toma como objeto
de interés los procesos de desertifi-
cación ecológica y cultural del paisa-
je europeo, mediante la exploración
de la imagen, el sonido y los procesos
escultóricos con cristal de Murano y
cerámica. Una serie de palimpsestos
tridimensionales componen este pro-
yecto, que parten de escaneos 3D de
registros arqueológicos (de la región
de Véneto, Carrara y Extremadura) de
los paisajes desérticos contemporá-
neos abstraídas en textura, color y
material crudo; cuerpo escultórico y
proyecciones audio-visuales conflu-
yen en un paisaje líquido que cuestio-
na la jerarquía de la visión del territo-
rio y señalan la percepción subjetiva
y la memoria del paisaje. Una selec-
ción de retazos, compone el tejido
del proyecto El desierto que somos,
mostrándonos el paisaje periférico
exhausto de la tierra.
Residencia en colaboración con la Fon-
dazione Bevilacqua La Masa (Italia).
Saray Pérez Castilla. Artista multi-
disciplinar e investigadora residente
en Bilbao. Licenciada en Bellas Artes
(2012) y especializada en el Máster de
Cerámica Arte y Función (2014) UPV/
EHU. Su práctica artística, nos acer-
ca a los conflictos de la memoria y el
territorio, desde un delicado uso de la
tecnología/cerámica y el archivo (Me-
diaArt). Ha expuesto y sido premiada
en diversas instituciones tales como:
BilbaoArte (2022, 2018), Beca de Pro-
ducción en Artes Visuales de la DFB
(2021, 2016), Izokin (2020), ¿En que
piensan los artistas? (Guayaquil-Ga-
lápagos, Ecuador 2019) Residencia
Villa Guarini (Italia, 2019), ERTIBIL
(2019, 2013, 2012), Paisajes Invisi-
bles - BARRIEK (Sala Rekalde, Bilbao,
2018), Provincia 53 (MUSAC - CDAN,
2017-2018), Shedding the skin (Linz,
Austria, 2017).
| 77 |
El desierto que somos is an inter-
active sculpture project created by
Saray Pérez Castilla at Bevilacqua La
Masa, which focuses on European
ecological and cultural desertifica-
tion processes, by exploring imag-
es, sound and sculptural processes
using Murano glass and ceramics.
This project consists of a series of
three-dimensional palimpsests cre-
ated from 3D scans of archaeological
records (from the Venetian region,
Carrara and Extremadura) of contem-
porary desert landscapes that are
abstracted in texture, colour and raw
material; sculptural bodies and au-
dio-visual projections come together
on a liquid landscape that questions
the territorial perception hierarchy
and underscores the subjective per-
ception and memory of landscapes.
El desierto que somos project com-
prises a selection of remnants, re-
vealing the earth’s exhausted periph-
eral landscape.
Residency in collaboration with Fon-
dazione Bevilacqua La Masa (Italy).
Saray Pérez Castilla is a multidisci-
plinary artist and researcher based in
Bilbao. She holds a degree in Fine Arts
(2012) and specialised with a Master’s
Degree in Ceramics: Art and Function
(2014) at UPV/EHU. Her artistic ap-
proach explores conflicts of memory
and territory making meticulous use
of technology, ceramics and archives
(MediaArt). Her work has been exhibit-
ed and awarded at various institutions
including: BilbaoArte (2022, 2018),
DFB Visual Art Production Grant (2021,
2016), Izokin (2020), ¿En que piensan
los artistas? (Guayaquil-Galápagos,
Ecuador 2019) Residencia Villa Guar-
ini (Italy, 2019), ERTIBIL (2019, 2013,
2012), Paisajes Invisibles (Invisible
Landscapes) - BARRIEK (Sala Rekalde,
Bilbao, 2018), Provincia 53 (MUSAC -
CDAN, 2017-2018), Shedding the skin
(Linz, Austria, 2017).

Gizakiok gure beharrizanen arabera
eraiki eta diseinatzen ditugu erai-
kinak, baina, neurri batean, eraikin
horiek ere gu “eraikitzen gaituzte”,
bai eta moldatu ere. Gure bizitzako
zatirik handiena leku itxietan igaro­
tzen dugu. Zehazki, %  90 inguru; Es-
tatu Batuetan egindako inkesta baten
arabera. Horrek esan nahi du 40 urte
dituzunean 36  urte eman dituzula
barrualdeetan. Egunerokotasunean
murgilduta, egunero bizi ditugun gu-
neetan gaude arreta handirik jarri
gabe eta ia ez dugu zalantzan jar­
tzen nola gune horiek eragiten duten
munduaren inguruan dugun irudiaren
eraikuntzan. Bregenzen egon naize-
nean, gorputzaren eta barrualdeen ar-
teko loturak emozionalak irudikatzea
bilatu dut. Horretarako, material gisa,
KUB barruan lan egiten duten zenbait
pertsonen askotariko pertzepzioen
oroitzapena erabili dut, soinu-lan bat,
eskultura bat eta bideo bat sortzeko.
Kunsthaus Bregenz-rekin lankide­tzan
egindako egoitza (Austria).
Javier R. Pérez-Curiel Arte Ederre-
tan lizentziatua da eta eta Ikerketa eta
Sormena Artean Masterra egin zuen
EHUn. Itziar Okarizek eta Jon Mikel
Eubak Tabakaleran emandako tai-
ler batean parte hartu zuen 2019an,
eta, 2021ean, JAIn Itziar Okariz, Asier
Mendizabal eta Ibon Aranberri tuto-
re zituela, Tabakaleran eta Artiumen.
2023an, Mataderoko jardun artis-
tikoetarako hezkuntza-programan
(PEEPA), Jon Mikel Euba eta Azucena
Vieites emana. 2023an, Roni Hornen
eta Isabel de Naveránen tailerrean,
Botín Fundazioan. Artista egoiliarra
izan da BilbaoArten, Tabakaleran eta
Art Omin. Bere lana erakusketa kolek-
tiboetan, Carreras Múgica (Bilbo), Ta-
bakalera (Donostia), Montehermoso
Kulturgunea (Gasteiz), Konvent (Bar­
tzelona), UVNT ART FAIR; zein erakus-
keta indibidualetan, La Taller (Bilbo),
TACA (Palma Mallorcakoa), Rekalde
aretoa (Bilbo), Espai 777 (Bartzelona),
egon da ikusgai.
JAVIER R. PÉREZ-CURIEL
Los humanos construimos y diseña-
mos edificios según nuestras nece-
sidades pero, en cierta manera, esos
edificios también nos “construyen”
y moldean. Pasamos la mayor parte
de nuestra vida en lugares cerrados.
Concretamente, en torno al 90%, se-
gún una encuesta realizada en EE
UU. Eso significa que a los 40 habrás
pasado unos 36 años en interiores.
Inmersos en la cotidianidad, estamos
en los espacios que habitamos todos
los días sin prestar mucha atención
y apenas cuestionamos cómo esos
espacios afectan la construcción de
nuestra imagen del mundo. Durante
mi estancia en Bregenz he buscado
representar relaciones emocionales
entre cuerpo y espacios interiores.
Para ello he usado como material el
recuerdo de variadas percepciones
de algunas personas que trabajan en
el interior de KUB para crear un tra-
bajo sonoro, una escultura y un video.
Residencia en colaboración con el
Kunsthaus Bregenz (Austria).
Javier R. Pérez-Curiel es licenciado
en Bellas Artes y Máster en Investi-
gación y Creación en Arte por la UPV/
EHU. En 2019 participó en un taller
impartido por Itziar Okariz y Jon Mi-
kel Euba en Tabakalera, en 2021 en
JAI, tutorizado por Itziar Okariz, Asier
Mendizabal e Ibon Aranberri, en Ta-
bakalera y Artium. En 2023 en PEE-
PA el programa de educación para
la práctica artística en Matadero im-
partido por Jon Mikel Euba y Azucena
Vieites. Y en 2023 en el taller de Roni
Horn e Isabel de Naverán en la Fun-
dación Botín. Ha sido artista residen-
te en BilbaoArte, en Tabakalera y en
Art Omi. Su obra ha sido expuesta en
colectivas, Carreras Múgica (Bilbao),
Tabakalera (San Sebastián), Centro
Montehermoso (Vitoria), Konvent
(Barcelona), en UVNT ART FAIR; y de
forma individual en La Taller (Bilbao),
TACA (Palma de Mallorca), la sala Re-
kalde (Bilbao), Espai 777 (Barcelona).
| 79 |
Humans build and design buildings
based on our needs but, to some
extent, these buildings also “build”
and shape us. We spend most of our
lives in closed spaces. To be specific,
we spend around 90% of our lives in-
doors, according to a survey conduct-
ed in the USA. This means that we will
have spent about 36 years indoors by
the time we turn 40. Caught up in our
everyday lives, we spend time in the
places we frequent every day without
giving much thought about it
and rarely wondering how these plac-
es affect our lives. During my time in
Bregenz, I have attempted to depict
emotional relationships between the
body and indoor areas. To do so, I
have used the memories drawn from
different experiences of people work-
ing in KUB as the medium by which to
create an audio piece, a sculpture and
a video.
Residency in collaboration with Kun-
sthaus Bregenz (Austria).
Javier R. Pérez-Curiel holds a degree
in Fine Arts and a Master’s Degree in
Art Research and Creation from the
UPV/EHU. In 2019 he attended a work-
shop taught by Itziar Okariz and Jon
Mikel Euba at Tabakalera, and in 2021
at JAI, supervised by Itziar Okariz,
Asier Mendizabal and Ibon Aranberri
at Tabakalera and Artium. In 2023 at
PEEPA, the education programme for
artistic practice at Matadero, taught
by Jon Mikel Euba and Azucena Vie-
ites, and this year (2023) at Roni Horn
and Isabel de Naverán’s workshop at
the Botín Foundation. He has been
a resident artist at BilbaoArte, Tab-
akalera and Art Omi. His work has
been featured in group exhibitions,
Carreras Múgica (Bilbao), Tabakalera
(San Sebastián), Centro Montehermo-
so (Vitoria), Konvent (Barcelona), at
the UVNT ART FAIR; and in solo exhibi-
tions at La Taller (Bilbao), TACA (Palma
de Mallorca), Sala Rekalde (Bilbao),
Espai 777 (Barcelona).
 PROGRAMAZIOA →

→→→ / PROGRAMAC
GRAMME →→→→ /

IÓN →→→→ / PRO

Katalogoa |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catálogo ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||| Catalogue |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

23.03.03 - 23.03.17
ALREDEDOR DE UNA CABEZA
Claudia Rebeca Lorenzo

Erakusketa honetan bi prozesu ez-
berdin daude. Alde batetik, marrazki
matrize batzuk oinarri hartuta egin-
dako collage batzuk, motibo nagusi
bereko aldaera-serie gisa jarriak, eta,
bestetik, aire zabalean egindako lur-
zoruko eskultura batzuk.
Alrededor de una cabeza artikula­
tzeko, artista burua edo bustoa ele-
mentutik eta aldakuntzaren ideia-
tik abiatzen da, kontzeptu horien
inguruan pieza batzuk egiteko. Beti
forma berak erabiliz, maniki-buru ba-
ten moldeak edo bolak, eta geruzaka
lan eginez konbinazio desberdinak
exekutatzen ditu. Pieza horiei heltze-
ko materialak aurrez aurre jarri behar
ditu, naturala eta mugikorra indus-
trialari eta geldiari aurrez aurre jarriz.
Bi plano bereizi daude: hormakoa, ko-
lorea nagusi duena, eta zorukoa, zuria
nagusi dena.
Claudia Rebeca Lorenzo. Arte Ga-
raikideko Ikerketa eta Sorkuntza
Masterra egin zuen EHUn 2014an.
Bere prestakuntza Kalostra arte es-
perimentaleko eskolan (Donostia) eta
MACBAren Ikasketa Independenteen
Programan (Bartzelona) osatzen du,
Paul B. Preciadok zuzenduta. 2022an
BilbaoArten (Bilbo), 2020an Villaver-
gerie-n (Huesca), 2019an Tabakaleran
(Donostia) eta 2017an NauEstruch-en
(Sabadell) izan da artista egoiliarra.
Erakusketa berrienen artean, honako
hauek daude: Pala de plata, Amadís
aretoa, (Madril); Generaciones 2020,
La Casa Encendida, (Madril); BI, DOS,
TWO, Azkuna Zentroa, (Bilbo); Perro
dormido, IRJ, (Logroño); Cabeza fren-
te Cabeza, Salón (Madril); La primera
piedra, Hangar (Barcelona); Pliegue,
Okela, Bilbo; NETA INU NI, Arizko Do-
rrea, (Basauri); Ertibil, Rekalde Aretoa
(Bilbo); Call 2017, Luis Adelantado
(Valencia).
CLAUDIA REBECA LORENZO
En esta exposición conviven dos pro-
cesos diferentes. Por un lado, unos
collages realizados a partir de unos
dibujos matriz que se disponen como
una serie de variaciones del mismo
motivo principal, y por otro, y, por
otro, esculturas de suelo realizadas
al aire libre.
Para la articulación de Alrededor de
una cabeza la artista parte del ele-
mento cabeza o busto y de la idea
de variación, conceptos con los que
ejecuta una serie de piezas. Usando
de base siempre las mismas formas,
moldes de una cabeza de maniquí o
bolas, y trabajando por capas, ejecuta
diferentes combinaciones. Su mane-
ra de abordar estas piezas pasa por
la confrontación de los materiales,
enfrentando lo natural y fluido a lo
industrial e inmóvil. Hay dos planos
diferenciados, el de pared donde pre-
domina el color y el del suelo donde
predomina el blanco.
Claudia Rebeca Lorenzo. Máster en
Investigación y Creación en Arte Con-
temporáneo en la UPV/EHU en 2014.
Completa su formación en la escuela
de arte experimental Kalostra (San
Sebastián) y en el Programa de Estu-
dios Independientes del MACBA (Bar-
celona) dirigido por Paul B. Preciado.
En 2022 ha sido artista en residencia
en BilbaoArte, en 2020 Villavergerie
(Huesca), en 2019 en Tabakalera (San
Sebastián) y en 2017 en NauEstruch
(Sabadell). Entre sus exposiciones
más recientes destacan Pala de plata,
Sala Amadís (Madrid); Generaciones
2020, La Casa Encendida (Madrid); BI,
DOS, TWO, Azkuna Zentroa (Bilbao);
Perro dormido, IRJ (Logroño); Cabe-
za frente Cabeza, Salón (Madrid); La
primera piedra, Hangar (Barcelona);
Pliegue, Okela (Bilbao); NETA INU NI,
Torre de Ariz (Basauri); Ertibil, Sala
Rekalde (Bilbao); y Call 2017, Luis
Adelantado (Valencia).
| 85 |
In this exhibition, two different pro-
cesses coexist. On the one hand,
collages made from master drawings
that are arranged as a series of varia-
tions of the same key theme and, on
the other hand, floor sculptures made
in the open air.
For the construction of Alrededor de
una cabeza the artist starts from the
head or bust element and from the
idea of variation, concepts with which
she creates a series of pieces. Always
using as a basis the same forms,
moulds of a mannequin head or balls,
and working in layers, she creates dif-
ferent combinations. Her approach
to these pieces involves the confron-
tation of materials, confronting fluid
and natural elements with industrial
and immobile ones. There are two
differentiated planes, the wall where
colour is predominant and the floor
where white is predominant.
Claudia Rebeca Lorenzo. Master’s
Degree in Investigation and Creation
in Contemporary from the UPV/EHU
in 2014. She completed her educa-
tion at the Kalostra experimental art
school (San Sebastian) and the MAC-
BA Independent Studies Programme
(Barcelona) directed by Paul B. Pre-
ciado. In 2022 she was a resident art-
ist at BilbaoArte, in 2020 Villavergerie
(Huesca), in 2019 in Tabakalera (San
Sebastian) and in 2017 in NauEstruch
(Sabadell). Among her most recent
exhibitions, of particular mention are:
Pala de plata, Sala Amadís (Madrid);
Generaciones 2020, La Casa Encen-
dida (Madrid); BI, DOS, TWO, Azkuna
Zentroa (Bilbao); Perro dormido, IRJ
(Logroño); Cabeza frente Cabeza,
Salón (Madrid); La primera piedra,
Hangar (Barcelona); Pliegue, Okela
(Bilbao); NETA INU NI, Torre de Ariz
(Basauri); Ertibil, Sala Rekalde (Bil-
bao); and Call 2017, Luis Adelantado
(Valencia).
23.03.24 - 23.04.23
OUT AND ABOUT
Silvia Coppola

Erakusketa honetan, artistak ikus-
entzunezko instalazio bat proposa­
tzen du, teknologiak errealitatea nola
irudikatzen duen arreta jartzeko eta
irudiaren gainean dituen eraikun­tza-
aukerak aztertzeko, errealitatearen
eta birtualaren arteko mugak desi-
txuratzen saiatuz.
Espazioa, ibilbidea banatzen duten
hormarik gabe nahita, diagonalean
jarritako bi proiekzio-azalerek ditu
buru, bi bideo-pieza jasotzen dituzte-
nak, soinu-instalazio batekin batera.
Bideo-lanak txandaka erreproduzi­
tzen dira, gainjarri gabe eta aretoko
espazioa aldi berean okupatu gabe.
Lehenengo piezak, Out and about
(2023) izenekoak, grafiko errealistak
dituen bideojoko batean egindako
ibilaldi digitala erakusten du. Biga-
rren piezan, ¿Por qué hay algo aquí
cuando no debería haber nada? ¿Por
qué aquí no hay nada cuando debería
haber algo? (2019), Vicenzan (Italia)
grabatutako autoz egindako zenbait
ibilbide aurkezten ditu, automobiletik
errepidearen azaleran proiektatuko
irudiak ikus daitezkeenak.
Erakusketa osatzen duen soinu-ins-
talazioa feedback loop-ean egina
dago, aluminiozko xafla baten bibra-
ziotik abiatuta. Pieza osatzen duten
objektuen egoera fisikoek, eta digi-
talki automatizatutako maiztasun-al-
daketa txikiek, soinua etengabe al-
datzen dute.
Silvia Coppola (Padova, 1991). Flo-
rentziako Arte Ederren Akademian
Ikusizko Arteetan eta Adierazpen Hiz­
kuntza Berrietan Graduatua (Italia,
2015). Arte Garaikide Teknologikoan
eta Performancean Masterra (EHU,
2017). Praktikak egin zituen Bulegoa
z/b-n 2017an, eta 2018az geroztik han
egiten du lan.
En esta exposición la artista propone
una instalación audiovisual que pone
la atención en cómo la tecnología
representa la realidad y explora sus
posibilidades constructivas sobre la
imagen, tratando de desdibujar los
límites entre lo real y lo virtual.
El espacio, intencionadamente des-
provisto de muros que separen el
recorrido, está presidido por dos su-
perficies de proyección dispuestas
en diagonal que recogen dos piezas
de vídeo acompañadas de una insta-
lación sonora.
Las obras de vídeo se reproducen en
alternancia sin solaparse ni ocupar
el espacio de la sala simultáneamen-
te. La primera de las obras, Out and
about (2023), muestra un paseo digi-
tal en un videojuego con gráficos rea-
listas. La segunda, ¿Por qué hay algo
aquí cuando no debería haber nada?
¿Por qué aquí no hay nada cuando
debería haber algo? (2019), presenta
varios recorridos en coche grabados
en Vicenza (Italia) en los que puede
verse la grabación de una proyección
sobre la carretera.
La instalación sonora que completa
la muestra está realizada en feed-
back loop a partir de la vibración de
una plancha de aluminio. El sonido
es alterado constantemente por las
circunstancias físicas de los objetos
que componen la pieza y por leves
cambios de frecuencias automatiza-
dos digitalmente.
Silvia Coppola (Padova, 1991). Gra-
duada en Artes Visuales y Nuevos
Lenguajes Expresivos en la Academia
de Bellas Artes de Florencia (Italia,
2015). Máster en Arte Contemporá-
neo Tecnológico y de Performance
(UPV/EHU, 2017). Realiza prácticas
en Bulegoa z/b en 2017 y desde 2018
trabaja allí.
| 89 |
SILVIA COPPOLA
In this exhibition, the artist proposes
an audiovisual installation that fo-
cuses on how technology represents
reality and explores its constructive
possibilities over the image, trying to
blur the boundaries between real and
virtual images.
Intentionally devoid of walls that
would act as a divider, the space is
dominated by two projection surfac-
es arranged diagonally, which show
two video works accompanied by a
sound installation.
The videos are played alternately
without overlapping or simultaneous-
ly occupying the space in the room
The first work, Out and about (2023),
shows a digital walk in a video game
with realistic graphics. The second,
¿Por qué hay algo aquí cuando no de-
bería haber nada? ¿Por qué aquí no
hay nada cuando debería haber algo?
(2019), shows various car rides re-
corded in Vicenza (Italy) in which the
recording of a projection on the road
can be seen.
The sound installation that completes
the exhibit is made in a feedback loop
based on the vibration of an alumin-
ium sheet. The sound is constantly
altered by the physical circumstanc-
es of the objects making up the piece
and by slight digitally- automated
changes in frequencies.
Silvia Coppola (Padova, 1991) is a
graduate in Visual Arts and New Ex-
pressive Languages from the Flor-
ence School of Fine Arts (Italy 2015).
Master’s Degree in Contemporary
Technology Art and Performance
(UPV/EHU, 2017). She did her intern-
ship at Bulegoa z/b in 2017 and has
been working there since 2018.
23.04.28 - 23.05.21
VITAMINA, PERO.
Estela Miguel Bautista

Vitamina, pero. Estela 2022an Bil-
baoArten bere egonaldian garatzen
hasi zen ikerketa-prozesuaren emai­
tza da. Helburua materia berriak sor­
tzea zen, hondakinen hondarretatik
abiatuta. Ia urtebeteko lanaren ondo-
ren, artistak material eta lan bukatu
gisa erabiltzeko aukera ematen duten
ehun batzuk aurkezten ditu, aldi be-
rean papera, plastikoa eta ehunaren
artean daudenak. Duela gutxi, mem-
brana izenez bataiatu ditu. Izenburua
mugikorrean kasualitatez aurkitzen
duen ohar batetik sortzen da, baina
proiektuari gaikako batasuna emate-
ko balio dio. Alde batetik, Vitamina,
pero. materialak lantzeko moduari
egiten dio erreferentzia; izan ere, ma-
terialak fruta- eta barazki- pure gisa
prestatzen ditu, eta horiei irina edo
agar-agarra bezalako aglutina­tzaileak
gehitzen dizkie. Bestalde, organikota-
sunarekiko duen interesa agerian uz-
ten du, frutak imitatzen dituzten eta
hauekin fabrikatzen diren pieza bolu-
metriko batzuekin berma­tzen dena.
Estela Miguel Bautista (Cuenca,
1992) bizi eta lan egiten du. Arte
Ederretan graduatua da UCLMn, eta
Zeramika Masterra du: Artea eta Fun­
tzioa EHUn. Marrazketa, eskultura eta
zeramika alorren artean mugitzen da
bere praktika, eta aldi berean moda-
ren, diseinuaren eta artisautzaren
munduarekiko interesak garatzen
ditu Hemen Proiek­ tuan. Bere lana
bakarka erakutsi du ArteSantaderren,
Espacio Alexandran (Santander),
Manisesko Zeramikaren Biurtekoan
(Valentzia), artista gonbidatu gisa,
Lamosan (Cuenca), TEAn (Cuenca).
Talde-erakusketetan parte hartu du,
hala nola: Montehermoso Kulturu-
nean (Gasteiz), Cercoko Bienalean
(Zaragoza), This is Jackalope-rekin
(Madril), Santa Cruz Musean (Toledo)
saritua, Ertibil 18an (Bilbo) hautatua,
artista egoiliar gisa Ifitry-n, Centre
d ‘art contemporain d’ Essaouira-n;
Casablancako (Maroko) Artearen Bie-
nalean, Marten (Castellon), FIGen (Bil-
bo), GetxoArte 16-n (Bilbo).
ESTELA MIGUEL BAUTISTA
Vitamina, pero. es el resultado del
proceso de investigación que Estela
comienza a desarrollar durante su
residencia en 2022 en BilbaoArte.
El objetivo era generar nuevas ma-
terias a partir de residuos de deshe-
chos. Tras casi un año de trabajo, la
artista presenta una serie de tejidos
que permiten su uso como material y
como obra final, y que están a la vez
entre papel, plástico y tejido. Recien-
temente bautizados por ella como
membranas. El título surge por una
anotación en el móvil que encuentra
por casualidad pero que le sirve para
dar unidad temática al proyecto. Por
un lado, Vitamina, pero. hace referen-
cia a su forma de trabajar los materia-
les, que cocina como purés de frutas
y hortalizas a los que añade agluti-
nantes como la harina o el agar-agar.
Por otro lado, deja ver su interés por
lo orgánico, que apoya con una serie
de piezas volumétricas que imitan y
se fabrican con frutas.
Estela Miguel Bautista (Cuenca,
1992) vive y trabaja en Bilbao. Es Gra-
duada en Bellas Artes en la UCLM y
con Máster en Cerámica: Arte y Fun-
ción en la UPV/EHU. Su práctica pa-
sea entre los campos del dibujo, la
escultura y la cerámica al tiempo que
desarrolla sus intereses hacía el mun-
do de la moda, el diseño y la artesanía
en Proyecto Hemen. Ha expuesto de
manera individual en ArteSantader
con Espacio Alexandra (Santander),
Bienal de Cerámica de Manises (Va-
lencia) como artista invitada, Lamosa
(Cuenca), TEA (Cuenca). Y en mues-
tras colectivas en el Centro Cultural
Montehermoso (Vitoria), la Bienal de
Cerco (Zaragoza), con This is Jacka-
lope (Madrid), premiada en el Museo
de Santa Cruz (Toledo), selecciona-
da en Ertibil 18 (Bilbao), como artis-
ta residente en Ifitry, en Centre d’art
contemporain d’Essaouira; la Bienal
de Arte de Casablanca (Marruecos),
Marte (Castellón), el FIG (Bilbao), Ge-
txoArte 16 (Bilbao).
| 93 |
Vitamina, pero. is the result of the in-
vestigation process that Estela start-
ed to develop during her residency in
2022 in BilbaoArte. The aim was to
create new materials from discarded
waste. After almost a year of work,
the artist is exhibiting a series of fab-
rics which can be used as material
and as a final work, and which in turn
are something between paper, plas-
tic and fabric. She has recently bap-
tised these as membranes. The title
arose through a note on her mobile,
that she found by chance but which
serves to give thematic unity to the
project. On the one hand, Vitamina,
pero. refers to her way of working the
materials, which she cooks as fruit
and vegetable purées to which she
adds thickening agents such as flour
or agar-agar. On the other hand, it
shows her interest in organics, which
she supports with a series of volu-
metric pieces that imitate and are
made with fruit.
Estela Miguel Bautista lives and
works in Bilbao. She is a graduate in
Fine Arts from the UCLM and holds a
Master’s Degree in Ceramics: Art and
Function from the UPV/EHU. Her work
moves between the fields of drawing,
sculpture and ceramics while she
develops her interests towards the
world of fashion, design and craft-
work in the Hemen Project. She has
individually exhibited at ArteSantad-
er with Espacio Alexandra (Santand-
er), Bienal de Cerámica de Manises
(Valencia) as a guest artist, Lamosa
(Cuenca), TEA (Cuenca). And in col-
lective exhibitions at the Centro Cul-
tural Montehermoso (Vitoria), the Bi-
enal de Cerco (Zaragoza), with This is
Jackalope (Madrid), a prizewinner at
the Museo de Santa Cruz (Toledo), a
selected artist at Ertibil 18 (Bilbao), as
a resident artist in Ifitry, in the Centre
d’art contemporain d’Essaouira; the
Casablanca Art Biennale (Morocco),
Marte (Castellón), the FIG (Bilbao),
GetxoArte 16 (Bilbao).
23.05.26 - 23.06.18
AXILA, QUE ROBO SOBACO
Maider Aldasoro

Axila, que robo sobaco ekintza bera-
ren hiru fase biltzen ditu, fikziozko
pertsonaia baten sexu-fantasiaren
inguruan. Ibilbidea artikulatzen du-
ten bideo-piezak hiru formatu oso
desberdinetan ekoiztu dira eta ziklo
bat osatzen dute, berriro hasten den
ekintza bat. Ikus-entzunezko horie-
kin batera, ikusleak metalezko eta
oihalezko eskulturak aurkituko ditu
bere ibilbidean, pertsonaiaren izan
zitekeen altzari fetitxistak gogoraraz-
ten dituztenak, artistak grabazioetan
erabiltzeko sortutako jantzi kolore­
tsuez gain.
Hiru bideo-piezetatik lehenak per­
tsonaia protagonista erakusten du le-
hen fasean, erakargarritasunarenean.
Formatua antzerkikoa da, dantza-fil-
metatik hurbil dago, eta atzealdeko
musika du. Bigarren bideoa formatu
analogikoan grabatuta dago. gero
digitalera eramanda. Sexu-ekintza-
ren fasea da, eta pertsonaia protago-
nistak dagoeneko aurkitu du ekintza
hori egiteko norbait. Pieza honen
grabazioan, Aldasorok egindako janz­
kerek berebiziko garrantzia hartzen
dute. Azken fasea selfie formatuan
grabatuta dago, mugikorraren bidez
partekatzen diren sexu-argazkien
modura. Honetan, protagonista ikus
daiteke aurreko bideoaren pertso-
naiaren azalarekin jolasten.
Maider Aldasoro (Mexiko, 1992).
Arte Ederretan graduatu zen EHUn,
eta Erasmus bat egin zuen Norwich
University of the Arts-en 2013an.
Artea eta Sorkuntza Ikertzeko Mas-
terra egin zuen Madrilgo Compluten-
se Unibertsitatean. Bere bakarkako
praktikak jantzien diseinua, eskultura
eta bideo-performancea nahasten
ditu. Hainbat beka eta arte-egoitza
izan ditu, hala nola Babestu 2020,
BilbaoArte 2021 eta 2022, eta bakar-
kako erakusketak egin ditu Bilboko
Alondegian eta ArtLacuna galerian,
Londresen, B.A.C.E. Project 2022 es-
parruaren barruan.
Axila, que robo sobaco recoge tres
fases de una misma acción, sobre el
acto sexual de un personaje ficticio.
Las piezas de vídeo que articulan el
recorrido han sido producidas en tres
formatos muy diferentes y forman un
ciclo o bucle, una acción que vuelve a
empezar. Acompañan a estos tres au-
diovisuales esculturas en metal y tela
que recuerdan al mobiliario fetichista
que podría haber pertenecido al per-
sonaje principal, además de las colo-
ridas prendas creadas por la artista
para ser utilizadas en las grabaciones.
La primera de las tres piezas de vídeo
muestra al personaje protagonista en
la primera fase, la de la atracción. El
formato es teatral, cercano a las pe-
lículas de danza, con música de fon-
do. El segundo vídeo está grabado en
formato analógico. Es la fase del acto
sexual, en la que el personaje prota-
gonista ya ha encontrado alguien con
quien realizarlo. En la acción grabada
de esta pieza las indumentarias fabri-
cadas por Aldasoro cobran vital im-
portancia. La última fase está graba-
da en formato selfie, aludiendo a las
fotografías sexuales que se compar-
ten a través del móvil. En este vídeo
puede verse al personaje protagonis-
ta recreándose con la piel del perso-
naje dominado en el vídeo anterior.
Maider Aldasoro (México, 1992). Gra-
duada en Bellas Artes por la UPV/EHU,
incluyendo un Erasmus en Norwich
University of the Arts en 2013. Máster
en Investigación en Arte y Creación
en la Universidad Complutense de
Madrid. Su práctica individual mezcla
el diseño de vestuario, la escultura y
la video-performance. Ha disfrutado
de becas y residencias de arte como
Babestu 2020, BilbaoArte 2021 y 2022
y realizado exposiciones individuales
en la Azkuna Zentroa Bilbao, en la ga-
lería ArtLacuna, Londres, dentro del
marco de B.A.C.E. Project 2022.
| 97 |
MAIDER ALDASORO
Axila, que robo sobaco captures three
phases of the same action, on the
sexual act of a ficticious person. The
videos making up the circuit were
producted in three very different
formats and form a cycle or loop, an
action that starts again. Three audio-
visual sculptures accompany these
videos, in metal and cloth that bring
to mind the fetish furniture that could
have belonged to the main character,
as well as the colourful garments
created by the artist for use in the
recordings.
The first video shows the protagonist
in the first phase, that of attraction.
The format is theatrical, approaching
that of dance films, with background
music. The second video is recorded
in analog format. This is the phase of
the sexual act, in which the protag-
onist has already found someone to
do it with. In the action recorded for
this video, the costumes made by Al-
dasoro are of the utmost importance.
The final phase is recorded in selfie
format, alluding to the sexual photos
that are shared through mobiles. This
video shows the protagonist recreat-
ing themselves with the skin of the
dominated character in the previous
video.
Maider Aldasoro (Mexico, 1992).
Graduate in Fine Arts from the UPV/
EHU, including an Erasmus at Nor-
wich University of the Arts in 2013.
Master’s Degree in Investigation in
Art and Creation from the Universi-
dad Complutense de Madrid. Her in-
dividual work is a mixture of costume
design, sculpture and video-perfor-
mance. She has benefited from art
scholarships and residencies such as
Babestu 2020, BilbaoArte 2021 and
2022, and has had individual exhibi-
tions in the Azkuna Zentroa Bilbao, in
the ArtLacuna gallery, London, within
the framework of the B.A.C.E. Project
2022.
23.03.01 - 23.04.26
WORK IN PROCESS
Fuerda de Campo
 Work in Process
fuera de campo

MAR 1 MAR | 19:00 #1 MAR 8 MAR | 19:00 #2 MAR 15 MAR | 19:00 #3 MAR 22 MAR | 19:00 #4
Tokyo-Ga (1985) The Draughtsman’s Contract (1982) Level 5 (1997) Un baile con Fred Abstrait +
Wim Wenders | 89’ Peter Greenaway | 103’ Chris Marker | 104’ Una película en color (2020)
Bruno Delgado | 58’

MAR 29 MAR | 19:00 #5 API 12 ABR | 19:00 #6 API 19 ABR | 19:00 #7 API 26 ABR | 17:00 #8
20.000 Days on Earth (2014) Ne Change Rien (2009) Free Radicals (2011) La Belle Noiseuse (1991)
Iain Forsyth + Jane Pollard | 97’ Pedro Costa |100’ Pip Chodorov | 82’ Jacques Rivette | 230’

ART HOUSE ZINEMA

Programazioa | Programación MAR - API | MAR - ABR Urazurrutia 32, 48003 bilbaoarte.org | 944 15 50 97

Fuera de Campok (Daniel Alegrete
eta Maite Choya) antolatutako lehen
zikloan sorkuntza-prozesuari buruz
hausnartzeko praktika artistikoa lan­
tzen duten zenbait film daude.
Hautaketa honetan zortzi film daude:
fikziozko lanak, ez-fikziozkoak eta er-
dibidean dagoen guztia, gehienetan
edozein etiketei ihes egiten diete-
nak. Hemen proposatzen da ibilbide
bat egitea sormen-prozesua osatzen
duten faseetan zehar, hau da, inspi-
raziotik hasi eta azken obra burutu
arte. Agertzen diren artistak era as-
kotakoak dira, eta horrek mosaiko
bihurtzen du ziklo hau, pintoreak,
musikariak edo zinemagileak biltzen
dituena.
Martxoak 1 | 19:00
Tokyo-Ga
Wim Wenders, 1985 | 89’
Martxoak 8 | 19:00
The Draughtsman’s Contract
Peter Greenaway, 1982 | 103’
Martxoak 15 | 19:00
Level 5
Chris Marker, 1997 | 104’
Martxoak 22 | 19:00
Un baile con Fred Abstrait
Una película en color
Bruno Delgado, 2020 | 58’
Martxoak 29 | 19:00
20.000 Days on Earth
PIain Forsyth + Jane Pollard, 2014 | 97’
Apirilak 12 | 19:00
Ne Change Nien
Pedro Costa, 2009 | 100’
Apirilak 19 | 19:00
Free Radicals
Pip Chodorov, 2011 | 82’
Apirilak 26 | 17:00
La Belle Noiseuse
Jacques Rivette, 2009 | 230’
El primer ciclo de cine, organizado
por Fuera de Campo (Daniel Alegrete
y Maite Choya), está compuesto por
una serie de películas que abordan la
práctica artística para reflexionar so-
bre el proceso de creación.
Esta selección incluye un total de
ocho films, obras de ficción, de no
ficción y todo lo que está en el medio,
que escapan en su mayoría de cual-
quier tipo de etiquetas. Se propone
aquí un recorrido por las diferentes
fases que forman parte del proceso
creativo, desde la inspiración hasta la
ejecución de la obra final. Los artistas
que aparecen son de naturaleza muy
diversa, lo que hace de este ciclo un
mosaico que reúne a pintores, músi-
cos o cineastas.
1 de marzo | 19:00
Tokyo-Ga
Wim Wenders, 1985 | 89’
8 de marzo | 19:00
The Draughtsman’s Contract
Peter Greenaway, 1982 | 103’
15 de marzo | 19:00
Level 5
Chris Marker, 1997 | 104’
22 de marzo | 19:00
Un baile con Fred Abstrait
Una película en color
Bruno Delgado, 2020 | 58’
29 de marzo | 19:00
20.000 Days on Earth
PIain Forsyth + Jane Pollard, 2014 | 97’
12 de abril | 19:00
Ne Change Nien
Pedro Costa, 2009 | 100’
19 de abril | 19:00
Free Radicals
Pip Chodorov, 2011 | 82’
26 de abril | 17:00
La Belle Noiseuse
Jacques Rivette, 2009 | 230’
| 101 |
WORK IN PROCESS
Fuera de Campo
The first film series, organised by Fuera
de Campo (Daniel Alegrete and Maite
Choya), comprises a collection of films
that address artistic practice in order
to reflect on the creative process.
This selection includes a total of
eight films, works of fiction, non-fic-
tion, and everything in between, most
of which simply cannot be included
under any specific type of label. The
aim here is to look at the different
phases making up the creative pro-
cess, starting with inspiration right
up to the execution of the final work.
The artists appearing are extremely
diverse in nature, turning this cycle
into a mosaic that gathers together
painters, musicians and filmmakers.
March 1 | 19:00
Tokyo-Ga
Wim Wenders, 1985 | 89’
March 8 | 19:00
The Draughtsman’s Contract
Peter Greenaway, 1982 | 103’
March 15 | 19:00
Level 5
Chris Marker, 1997 | 104’
March 22 | 19:00
Un baile con Fred Abstrait
Una película en color
Bruno Delgado, 2020 | 58’
Marchk 29 | 19:00
20.000 Days on Earth
PIain Forsyth + Jane Pollard, 2014 | 97’
April 12 | 19:00
Ne Change Nien
Pedro Costa, 2009 | 100’
Apiril 19 | 19:00
Free Radicals
Pip Chodorov, 2011 | 82’
Apiril 26 | 17:00
La Belle Noiseuse
Jacques Rivette, 2009 | 230’
23.05.03 - 23.06.21
MÁS ALLÁ DEL BIOPIC
Fuera de Campo

MAI 3 MAY | 19:00
Camille Claudel 1915 (2013)
Bruno Dumont | 97’
MAI 31 MAY | 19:00
Cravan vs. Cravan (2002)
Isaki Lacuesta | 100’
ART HOUSE ZINEMA
Programazioa | Programación
Más allá del biopic
fuera de campo
#1 MAI 10 MAY | 19:00 #2
Mahler (1974)
Ken Russell | 110’
#5 EKA 7 JUN | 17:00 #6
Andrei Rublev (1966)
Andrei Tarkovsky | 205’
MAI - EKA | MAY - JUN
MAI 17 MAY | 19:00
Oleg y las raras artes (2016)
Andrés Duque | 70’
EKA 14 JUN | 19:00
Si un árbol se cae (2022)
Only Rituals Can Save Us (2022)
Julia Martos | 21’ + 10’
From Vincent’s House in the
Borinage (2016)
José Fernandes | 18’
Urazurrutia 32, 48003
#3 MAI 24 MAY | 19:00 #4
Cassandro, the Exotico! (2018)
Marie Losier | 73’
#7 EKA 21 JUN | 19:00 #8
Orlando (1992)
Sally Potter | 90’
bilbaoarte.org | 944 15 50 97

Ziklo hau osatzen duten filmak bene-
tako zein fikziozko artista baten iru-
diaren inguruan biratzen dira, baina
biopic delakoaren formatu tradiziona-
la itzurtzen dute, horrek datu biogra-
fiko hutsak besterik ez ditu jaso­tzen.
Askotariko zinemagileen egiletza
aho­tsaren bidez, filmek pertsonaiaren
konplexutasunera hurbiltzeko beste
modu bat proposatzen dute, erretra-
tuko artista eta hura erretratatzen
duen artistaren arteko elkarrizketa
ezartzen dute. Horietako bakoitza zi-
nemagile beraren unibertso zinema-
tografikoan jasotzen da eta, batera,
sorkuntzari buruzko hainbat ikuspe-
gitako collagea eskaintzen dute.
Maiatzak 3 | 19:00
Camille Claudel 1915
Bruno Dumont, 2013 | 97’
Maiatzak 10 | 19:00
Mahler
Ken Russell, 1974 | 110’
Maiatzak 17 | 19:00
Oleg y las raras artes
Andrés Duque, 2016 | 70’
Maiatzak 24 | 19:00
Cassandro, the Exotico!
Marie Losier, 2018 | 73’
Maiatzak 31 | 19:00
Cravan vs. Cravan
Isaki Lacuesta, 2002 | 100’
Ekainak 7 | 17:00
Andrei Rublev
Andrei Tarkovsky, 1966 | 205’
Ekainak 14 | 19:00
Si un árbol se cae
Only Rituals Can Save Us
Julia Martos, 2022 | 21’ + 10’
From Vincent’s House in the Borinage
José Fernandes, 2016 | 18’
Ekainak 21 | 19:00
Orlando
Sally Potter, 1992 | 90’
Las películas que componen este
ciclo giran en torno a la figura de un
artista, real o ficticio, pero rehuyen el
formato tradicional del biopic, cen-
trado en datos puramente biográfi-
cos. Los filmes proponen, a través
de la voz autoral de cineastas muy
diversos, una manera diferente de
aproximarse al personaje en su com-
plejidad, estableciendo un diálogo
entre el artista retratado y el artista
que lo retrata. Cada una de ellas se
enmarca en el universo cinematográ-
fico propio del cineasta y, en su con-
junto, ofrecen un collage de distintas
miradas sobre la creación.
3 de mayo | 19:00
Camille Claudel 1915
Bruno Dumont, 2013 | 97’
10 de mayo | 19:00
Mahler
Ken Russell, 1974 | 110’
17 de mayo | 19:00
Oleg y las raras artes
Andrés Duque, 2016 | 70’
24 de mayo | 19:00
Cassandro, the Exotico!
Marie Losier, 2018 | 73’
31 de mayo | 19:00
Cravan vs. Cravan
Isaki Lacuesta, 2002 | 100’
7 de junio | 17:00
Andrei Rublev
Andrei Tarkovsky, 1966 | 205’
14 de junio | 19:00
Si un árbol se cae
Only Rituals Can Save Us
Julia Martos, 2022 | 21’ + 10’
From Vincent’s House in the Borinage
José Fernandes, 2016 | 18’
21 de junio | 19:00
Orlando
Sally Potter, 1992 | 90’
| 105 |
MÁS ALLÁ DEL BIOPIC
Fuera de Campo
The films making up this series re-
volve around the figure of an artist,
real or fictitious, but avoiding the tra-
ditional format of the biopic, which
is centred on purely biographical
information. Through the authorial
voice of very diverse filmmakers, the
films propose a different approach
to the character in their complexity,
establishing a dialogue between the
portrayed and portraying artist. Each
film is framed within the character-
istic cinematographic universe of
the actual filmmaker and, as a whole,
they offer a collage of different views
on creation.
May 3 | 19:00
Camille Claudel 1915
Bruno Dumont, 2013 | 97’
May 10 | 19:00
Mahler
Ken Russell, 1974 | 110’
May 17 | 19:00
Oleg y las raras artes
Andrés Duque, 2016 | 70’
May 24 | 19:00
Cassandro, the Exotico!
Marie Losier, 2018 | 73’
May 31 | 19:00
Cravan vs. Cravan
Isaki Lacuesta, 2002 | 100’
June 7 | 17:00
Andrei Rublev
Andrei Tarkovsky, 1966 | 205’
June 14 | 19:00
Si un árbol se cae
Only Rituals Can Save Us
Julia Martos, 2022 | 21’ + 10’
From Vincent’s House in the Borinage
José Fernandes, 2016 | 18’
June 21 | 19:00
Orlando
Sally Potter, 1992 | 90’
 AGENDA

MARTXOA ↓ MARZO ↓ MARCH ↓

Martxoak 1, 8, 15, 22, 29 1, 8, 15, 22, 29 de marzo March 1, 8, 15, 22, 29

Work in process Work in process Work in process
Art House Zinema Art House Zinema Art House Zinema

APIRILA ↓ ABRIL ↓ APRIL ↓

Apirilak 11 - 14 11 - 14 de abril April 11 - 14

Cursos Bonitos 2023 Cursos Bonitos 2023 Cursos Bonitos 2023
Ilustrazio tailerra eta topaketa irekia Curso de ilustración y encuentro abier- Illustration workshop and conference
Katrin Stangl eta Elisabeth Pérezekin. to con Katrin Stangl y Elisabeth Pérez. with Katrin Stangl and Elisabeth Pérez.
Bonito Editorial-rekin lankidetza Colaboración con Bonito Editorial. Collaboration with Bonito Editorial

Apirilak 12, 19, 26 12, 19, 26 de abril April 12, 19, 26

Work in process Work in process Work in process
Art House Zinema Art House Zinema Art House Zinema

MAIATZA ↓ MAYO ↓ MAY ↓

Maiatzak 25 - 26 25 - 26 de mayo May 25 - 26

Quitarse el jersey Quitarse el jersey Quitarse el jersey
Tailer esperimentala eta topaketa ire- Taller experimental y encuentro abier­­ Experimental workshop and open
kia Raúl Nieto Guridirekin. to con Raúl Guridi. conference with Raúl Guridi.
Euskal Irudigileak-rekin lankidetza Colaboración con Euskal Irudigileak Collaboration with Euskal Irudigileak

Apirilak 3, 10, 17, 24, 31 3, 10, 17, 24, 31 de mayo May 3, 10, 17, 24, 31
Más allá del biopic Más allá del biopic Más allá del biopic
Art House Zinema Art House Zinema Art House Zinema

EKAINA ↓ JUNIO ↓ JUNE ↓

Ekainak 8 - 9 8 - 9 de junio June 8 - 9

Persiguiendo la inspiración a través
de la luz
Argazki-zuzendaritza ikastaroa Lara
Vilanovarekin.
(H)emen Elkartearekin lankidetza
Persiguiendo la inspiración a través
de la luz
Taller de dirección de fotografía con
Lara Vilanova.
Colaboración con (H)emen Elkartea
Persiguiendo la inspiración a través
de la luz
Photography direction workshop with
Lara Vilanova.
Collaboration with (H)emen Elkartea

Ekainak 27 - 29 27 - 29 de junio June 27 - 29

Zinegoak 2023
Proiekzioak eta solasaldia Izaskun
Arandia, Peter Stephens, Miren Ape-
rribay eta Yogurinha Borovarekin.
Zinegoak Elkartearekin lankidetza
Zinegoak 2023
Proyecciones y coloquio con Izaskun
Arandia, Peter Stephens, Miren Ape-
rribay y Yogurinha Borova.
Colaboración con Zinegoak Elkartea
Zinegoak 2023
Screenings and talk with Izaskun
Arandia, Peter Stephens, Miren Aper-
ribay and Yogurinha Borova.
Collaboration with Zinegoak Elkartea

Ekainak 7, 14, 21 7, 14, 21 de junio June 7, 14, 21

Más allá del biopic Más allá del biopic Más allá del biopic
Art House Zinema Art House Zinema Art House Zinema

| 107 |
Beca Otaola Ubieta

| 109 |
 BILBAOARTE

Bilboko Udala Javier Riaño BilbaoArte

Ayuntamiento de Bilbao Zuzendaria Edizioa
Bilbao’s City Council Director Edición
Director Editing
Juan Mari Aburto
Bilboko Alkatea Aitor Arakistain Daniel Alegrete
Alcalde de Bilbao Jon Bilbao Maite Choya
Bilbao’s Mayor Koordinazioa Maketazioa
Coordinación Maquetación
Gonzalo Olabarria Villota Coordination Layout
Kultura eta Gobernantza Zinegotzia
Concejal de Cultura y Gobernanza Mario Paniego Hori-Hori
Councillor of Culture and Gobernance Alberto Salcedo Itzulpenak
Pilar Valdivieso Traducciones
Beatriz Araujo Muntaia Translations
Yolanda Díez Montaje
Alba Fatuarte Assembly BilbaoArte Lan Taldea
Koldo Narbaiza Zuzenketak
Ana Viñals Ana Canales Correcciones
BilbaoArte Fundazioko Agurtzane Quincoces Corrections
Patronatuaren kideak Ekoizpen exekutiboa
Miembros del Patronato de la Producción ejecutiva Imprenta Garcinuño
Fundación BilbaoArte Executive production Inprenta
BilbaoArte Foundation’s Imprenta
board’s members Alicia Prieto Printing
Komunikazioa eta hedapena
BI 00785-2023 Comunicación y difusión
Legezko gordailua Communications and diffusion
Depósito legal
Legal deposit

| 111 |
Fundación BilbaoArte Fundazioa |||||||||||| Urazurrutia 32, 48003 ||||||||||||||||||||||||||||| bilbaoarte.org ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||