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Periodización
El arte de la Grecia arcaica (VII-VI a. C.)
Alternar subsección El arte de la Grecia arcaica (VII-VI a. C.)
Estilo
Arquitectura
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Cerámica y pintura
Vestigios
Alternar subsección Vestigios
Pintura
La arquitectura
El templo griego
Escultura
División de la escultura
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Cerámica
Arquitectura
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Arte de la Antigua Grecia

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Diadúmeno, de Policleto (3.er cuarto del siglo v a. C.).

El arte de la Antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artistas
griegos, caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el "mundo
ideal" del modelo platónico, o mediante la "imitación de la naturaleza" en el
sentido de la mímesis aristotélica.

La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la

cultura occidental. De este, surgieron los conceptos y principios del arte, la
filosofía y el saber posterior. El arte griego se inicia de manera autónoma al
final de la civilización micénica, cerca del 1100 a. C..1

Las historiadoras del arte definen, en general, el arte griego antiguo como el arte
producido en la región de lengua griega entre el siglo x a. C. y el siglo i d. C. y
excluyen, en general, el arte de las civilizaciones minoica y micénica, que existía
entre el siglo xv y el siglo xii a. C. aunque se haya tratado de culturas que
hablaban el griego, no existe continuidad —o existe muy poca— entre el arte de
estas civilizaciones y el arte griego posterior. En lugar de las representaciones
vegetales naturalistas de la época micénica, aparecen los diseños con líneas
geométricas y solo más tarde se vuelve a la representación de animales y personas
con formas esquemáticas. Se pasó por varios periodos, inspirándose en anteriores
civilizaciones como Egipto y Mesopotamia, pero siempre con creaciones nuevas.2

El arte más antiguo de los griegos es generalmente excluido del arte de la Antigua
Grecia, y en su lugar se conoce como arte griego neolítico seguido por el arte
egeo; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y
micénica de la Edad del Bronce griega.34 El arte de la antigua Grecia se divide
generalmente estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico, el arcaico, el
clásico y el helenístico. La edad Geométrica suele datarse alrededor del 1000 AC,
aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años
anteriores, tradicionalmente conocido como la Edad Oscura . El siglo vii a. C. fue
testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, como lo ejemplifica el estilo de
figuras negras de la cerámica griega. Alrededor del 500 a. C., poco antes del
inicio de las Guerras médicas (480 a 448 a. C.), se suele tomar como línea
divisoria entre los períodos arcaico y clásico, y se considera que el reinado de
Alejandro Magno (336 a 323 a. C.) separa los períodos clásico y helenístico. A
partir del siglo i a. C. se utiliza el término grecorromano, o más localmente para
el mundo griego oriental.5

En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte
se desarrollaron a diferentes velocidades en diferentes partes del mundo griego, y
como en cualquier época algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que
otros. Las fuertes tradiciones locales y los requisitos de los cultos locales
permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de las obras de arte
que se encuentran lejos de su lugar de origen. El arte griego de varios tipos fue
ampliamente exportado. Durante todo el período se produjo un aumento general y
constante de la prosperidad y de los vínculos comerciales dentro del mundo griego y
con las culturas vecinas.

La tasa de supervivencia del arte griego difiere notablemente. Tenemos grandes

cantidades de cerámica y monedas, mucha escultura en piedra, aunque aún más copias
romanas, y unas pocas esculturas grandes de bronce. Casi todas las piezas que
faltan son pinturas, vasijas de metal fino, y cualquier cosa en materiales
perecederos, incluyendo la madera. La cáscara de piedra de varios templos y teatros
ha sobrevivido, pero poco de su extensa decoración.6

Los pintores y los escultores griegos adquirieron su técnica mediante el

aprendizaje, a menudo iniciados por su padre y protegidos por ricos mecenas. Aunque
algunos fueron célebres y admirados, no tenían el mismo estatus social que los
poetas o los dramaturgos de la misma época. Fue desde el período helenístico,
después del 320 a. C., cuando los artistas empezaron a ser reconocidos como una
categoría social de pleno derecho.7

Periodización

Kílix ático (siglo v a. C.) que representa un amante (ἐραστής) besando a su amado
(ἐρώμενος). Las representaciones de escenas pederastas son abundantes en el arte
griego.
La historiografía del arte ha identificado varios estilos que periodizan el arte de
la Antigua Grecia:

Geométrico (siglos ix y viii a. C.); hay muy pocos datos del periodo anterior,
conocido como Edad Oscura, a la que precedió el arte de las civilizaciones
prehelénicas (arte cicládico, arte minoico y arte micénico)
Orientalizante (final del siglo viii y comienzos del vii a. C.)
Arcaico (siglos vii y vi a. C.), en la decoración pictórica de la cerámica se
caracteriza por las figuras negras.
Severo (finales del vi y comienzos del v a. C.), en la decoración pictórica de la
cerámica se caracteriza por los vasos bilingües.
Clásico (siglos v y iv a. C). —de las Guerras Médicas al reinado de Alejandro Magno
—, en la decoración pictórica de la cerámica se caracteriza por el uso de las
figuras rojas, que se prolonga en el periodo posterior.
Helenístico (final del siglo iv y siglos iii y ii a. C.), prolongado por el arte
romano a partir de la conquista romana de Grecia (146 a. C.).
El arte de la Grecia arcaica (vii-vi a. C.)
El periodo arcaico se inicia a finales del siglo viii a. C. y abarca hasta
comienzos del siglo v a. C. En este periodo se produce una expansión de la polis
griega, instaurándose un nuevo orden ciudadano, con la tiranía como marco político
principal, sistema que pronto desaparecerá frente al ideal igualitario de
ciudadanía del siglo v a. C. La legitimación de este tipo de mandato ciudadano
supone la promoción de grandes obras públicas, representativas del prestigio del
tirano, quien apoya la creación de edificios civiles y religiosos en las ciudades
donde gobierna, para lo cual manda remodelar su entramado urbano. Esta actuación
tuvo como objeto otorgar a cada urbe una identidad propia, al tiempo que mostrar su
preponderancia sobre el resto de ellas. Consecuentemente, el arte desempeña en esta
etapa un nuevo papel propagandístico de la tiranía, cuyos gobernantes lo utilizan
para justificar su poder escasamente legitimado. A partir del siglo vi a. C. el
centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia artística,
convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las actividades cívicas de
la sociedad. Entre todas ellas sobresale la de la ciudad de Atenas, impulsada por
el legislador Solón y monumentalizada en la época de los Pisistrátidas.

El culto religioso desempeñó también un papel fundamental en la sociedad griega de

este periodo, de manera que todas aquellas ciudades que dispusieron de medios
económicos suficientes promovieron la construcción de edificios religiosos en
piedra, los cuales cumplieron un importante papel a la hora de cohesionar las
diferentes clases de la nueva sociedad, menos igualitaria que la de siglos
anteriores. Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su poder, y se
fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen mitos relacionados con
dioses y héroes locales, lo que incrementa las identidades políticas de las
distintas polis que necesitan sentirse independientes y destacar sobre el resto.

Estilo

El Heraion de Posidonia, un templo griego de orden dórico, en una ciudad de la

Magna Grecia conocida posteriormente por el nombre romano de Paestum. Hacia 550 a.
C.

Elementos arquitectónicos del Heraion de Samos, un santuario cuyas construcciones

iniciales datan del siglo viii. El edificio principal, de Reco y Teodoro de Samos
(mediados del VI a. C.), se considera el primer gran templo de orden jónico; fue
destruido por un terremoto diez años después de su construcción.

Frontón del templo de Artemisa en Córcira (Corfú), con Gorgona flanqueada por
leones. Hacia 580 a. C.8
Arquitectura
La arquitectura griega fijó las formas del templo, que se fue desarrollando en las
acrópolis (ακρόπολις) o ciudadelas elevadas de cada ciudad; así como en los
santuarios panhelénicos. Los propiamente panhellénikós (πανελληνικός -"de todos los
griegos"-), celebraban juegos (agónes αγώνες -"contienda", "desafío", "disputa"-),
donde competían atletas y aurigas en representación de sus polis, en una
sublimación de la violencia en lo sagrado que convertía a los vencedores en héroes
o semidioses, por lo que adquirían el derecho a ser representados en estatuas; y
acumulaban riquísimas ofrendas, guardadas en lujosos edificios, levantados a costa
de cada polis (los thesaurós θησαυρός). Aunque había muchos otros juegos en honor
de otras divinidades o en otras polis (como los Panatenaicos de Atenas), se
destacaban cuatro, no por el premio ofrecido (unas olivas, o una corona de hojas de
laurel), sino por el prestigio que daba la concurrencia periódica (cada dos o
cuatro años) de gentes de toda la Hélade: el de Apolo en Delfos (donde se
celebraban los oráculo de Dodona), el de Zeus en Olimpia (del que solo quedan
ruinas, donde se celebraban los Juegos Olímpicos), el de Poseidón9 en Istmia (del
que solo quedan los cimientos, donde se celebraban los Juegos Ístmicos) y el de
Zeus10 en Nemea (del que quedan unos restos de época helenística, donde se
celebraban los Juegos Nemeos). Sin ser estrictamente panhelénicos, también
alcanzaron un enorme prestigio en toda la Hélade otros santuarios: el de Hera en
Samos (Ἥραιον, Heraion, el primer gran ejemplo de orden jónico -Reco y Teodoro de
Samos-, donde se celebraba la eclesiástica hierogamia ἱερός γάμος) o el de Artemisa
en Éfeso (Ἀρτεμίσιον, Artemision, el segundo gran ejemplo del orden jónico, que
entró en el catálogo de las siete maravillas del mundo).11

Triglifos y metopas del friso del Templo C de Selinunte, dedicado a Poseidón. Hacia
580 a. C. Las esculturas representan el carro de Helios, la decapitación de Medusa
por Perseo (que lleva las sandalias aladas -talaria en latín, arbulóptera
άρβυλόπτερα en griego- y el pétasos πέτασος de Hermes) y a Heracles capturando a
los Cercopes.12

Restauración de las ruinas del templo de Hera en Olimpia. Se destruyó en un

terremoto en el siglo iv a. C., y no se reconstruyó.

Antefija (remate del tejado) de un templo griego de Campania, con la figura de una
ménade. Siglo vi a. C.
La lista de los templos importantes sería inacabable (templo de las Musas en
Helicón —de hecho, todo el monte Helicón estaba dedicado a ellas, al igual que el
monte Parnaso, pero de un modo más tangible a la forma en que el monte Olimpo lo
estaba a los principales dioses—, templo de Démeter en Eleusis, templo de Apolo en
Dídima, templos de Poseidón —en Halicarnaso, en Ege, en Calauria, en Atenas—,
templo de Artemisa —en Carje, en Esparta—, templos de Afrodita —en Cnido, en
Lindos, en Citerea—, templos de Hermes —en Imbros, en Samotracia, en Lemnos—,
templos de Hera —en Micenas, en Argos, en Figalia, en Esparta—, templo de Ares en
Esparta, templos de Dionisos —en Naxos, en Chios, en Atenas—, templos de Asclepio —
en Cos, en Epidauro, que alcanzarían mucho mayor prestigio en épocas posteriores
—),13 algunos de ellos formando una relación espacial definida, como el "Triángulo
Sagrado" entre el Parthenón (Παρθενών -templo "de la virgen", es decir, de Atenea-,
en la Acrópolis de Atenas), el Soúnion (Σούνιονy, en el promontorio desde el que
Egeo se arrojó al mar) y el templo de Afaia en Egina.14

La forma del templo griego derivaba del megaron (μέγαρον) micénico: esencialmente
una planta rectangular cubierta con tejado a dos aguas, con los elementos
estructurales de madera. Con la misma estructura se han encontrado restos de un
templo de la Época Oscura en Lefkandi (Eubea), y los primeros restos encontrados
del Heraion de Samos (mediados del siglo viii a. C.) son similares. La
"petrificación" de los elementos del templo se fue produciendo paulatinamente
(columnas -cuyo fuste mantiene el recuerdo vegetal con las estrías o el
acanalamiento-, vigas -que producen los remates exteriores de triglifos y metopas-,
arquitrabes, cornisas, etc.), siendo el ejemplo más evidente el Heraion de Olimpia
(ca. 600 a. C.).15 Una de las razones que impulsaron el cambio fue la
generalización de las tejas de cerámica en sustitución de la cubierta de paja y
ramas, y que se produjo en Corinto en el siglo vii a. C. Uno de los primeros fue el
Thermón (Θερμον, templo de Apolo en Thermos, Etolia, hacia el 630 a. C.)). El peso,
muy superior, obligaba a disminuir la pendiente del tejado, y terminó por definir
las proporciones definitivas del frontón que resultan tan armónicas. En las
distintas zonas de la Hélade se definieron los estilos dórico (más sobrio y macizo)
y jónico (más esbelto y decorativo).16

Reconstrucción de la policromía del frontón occidental del templo de Afaia en Egina

(ca. 500 a. C.)
Reconstrucción de la policromía del frontón occidental del templo de Afaia en Egina
(ca. 500 a. C.)

Dama de Auxerre (ca. 640 a. C.)

Dama de Auxerre (ca. 640 a. C.)

Placa votiva de terracota hecha a molde. Creta, (ca. 640 a. C.)

Placa votiva de terracota hecha a molde. Creta, (ca. 640 a. C.)

Figura de terracota de Atenea, tipo Palládion (Παλλάδιον). Gortina, siglo VII a. C.

Figura de terracota de Atenea, tipo Palládion (Παλλάδιον). Gortina, siglo vii a. C.

Cleobis y Bitón, del escultor Polimedes de Argos (ca. 600 a. C.)

Cleobis y Bitón, del escultor Polimedes de Argos (ca. 600 a. C.)

Reconstrucción de la policromía de la Estela de Aristión, del escultor Aristocles.

[17] (ca. 510 a. C.[18]
Reconstrucción de la policromía de la Estela de Aristión, del escultor
Aristocles.17 (ca. 510 a. C.18

Escultura

Kuros hallado en Merenda (ca. 540-530 a. C. Al fondo, una figura de esfinge

(sphinx) similar, pero a escala reducida, a la que como ofrenda de Naxos se
levantaba sobre una monumental columna jónica en el santuario de Delfos (Esfinge de
Naxos).
Εἴθ' ἐξαλειφθεῖσ' ὡς ἄγαλμ' αὖθις πάλιν
αἴσχιον εἶδος ἔλαβον ἀντὶ τοῦ καλοῦ
¡Ójala pudiera, borrada como en una estatua,
desaparecer mi belleza y tener un desagradable aspecto!
Helena, de Eurípides.19
La escultura griega de época arcaica, influenciada notablemente por la egipcia, se
caracterizó por rasgos originales, como la sonrisa eginética o arcaica (llamada así
por exhibirse en la figura de un famoso guerrero moribundo del Templo de Afaia en
Egina); que se fueron transformando, al final del periodo (últimas décadas del
siglo vi y primeras del v a. C.), en un estilo de transición al clasicismo
denominado estilo severo, estimulado finalmente por la necesidad de renovar la
decoración escultórica de los templos destruida durante la invasión persa. Las
figuras masculinas (kuroi, en singular kuros κοῦρος) y femeninas (korai, en
singular kore κόρη) podían representar tanto a seres humanos como a dioses, muestra
de la antropomorfización de estos y de la elevación al rango semidivino o heroico
de aquellos (particularmente, del prestigio que alcanzaban los vencedores en los
juegos panhelénicos).

Las primeras esculturas eran las xoana (ξόανα, en singular xoanon ξόανον), de
madera, representaciones muy simplificadas del cuerpo humano adaptadas a la forma
cilíndrica del tronco de un árbol. Fueron sustituyéndose por figuras talladas en
mármol (especialmente prestigiosa fue la cantera del Pentélico) y las fundiciones
de bronce. Dada la posibilidad de reutilizar este material tan caro, han sido muy
pocas las que se han conservado. De mucho menor coste eran las figurillas de
terracota, que se producían a escala industrial, mediante moldes.

Además de las posibilidades texturales que ofrecen los distintos materiales y

técnicas de acabado, aprovechadas de forma limitada en la época arcaica, fue la
policromía aplicada sobre las esculturas la que las dotó de luminosidad y sensación
de vida. Los antiguos griegos no hubieran concebido que una escultura se dejase sin
pintar, la considerarían imperfecta o inconclusa. Incluso la inevitable pérdida de
los colores por el paso del tiempo, que el gusto romántico considera un incremento
del interés estético, era considerada como un deterioro esencial.20
Terraza de los leones de Delos (ca. 600 a. C.
Terraza de los leones de Delos (ca. 600 a. C.

Monstruo de tres cabezas y cola enroscada que se ajusta al extremo derecho de un

frontón (en el Hecatompedón o en algún otro templo destruido de la Acrópolis de
Atenas).
Monstruo de tres cabezas y cola enroscada que se ajusta al extremo derecho de un
frontón (en el Hecatompedón o en algún otro templo destruido de la Acrópolis de
Atenas).

Kore llamada peplófora, hallada en la Acrópolis de Atenas (ca. 530 a. C.

Kore llamada peplófora, hallada en la Acrópolis de Atenas (ca. 530 a. C.

Tesoro de los Sifnios en Delfos

Frontón oriental, con la figura de Zeus en el centro (donde el espacio permite la

representación de una figura de mayor tamaño) y la disputa entre Apolo y Heracles
por la posesión del trípode de Delfos. Debajo, en la parte correspondiente del
friso, se representa la guerra de Troya. A la izquierda, una asamblea de los dioses
olímpicos (sentados de perfil, como en la plástica egipcia, pero con mucha más
movilidad y realismo) deciden el destino de los hombres: los filo-troyanos son
Ares, Afrodita, Artemisa y Apolo; los filo-aqueos son Atenea, Hera y otra diosa
(quizá Deméter). Los bandos se determinaron por la decisión del troyano Paris en el
juicio por la posesión de la manzana de Discordia, que se representa bajo el
frontón occidental. La posición decisiva de Zeus tendrá que responder, más que a
sus simpatías personales, a su condición arbitral y al mantenimiento de la paz
doméstica (su esposa e hija están inclinadas hacia Grecia, mientras que una de sus
múltiples amadas, la ninfa Tetis, con la que tiene una importante deuda de
gratitud, le ruega a sus pies por su hijo Aquiles -que en ese momento está
resentido con Agamenón-). Es una perfecta metáfora de la política en las polis
arcaicas.

Friso norte, con la Gigantomaquia, uno de los temas principales del arte griego,
que da forma a un aspecto esencial de la forma griega de entender el mundo: la
victoria del orden (κόσμος, kosmos-) sobre el desorden (χάος, khaos), de la cultura
(τέχνη, techne) sobre la naturaleza (φύσις, physis) o de la civilización sobre la
barbarie. Las fuerzas del orden, a la izquierda (los dioses olímpicos, ayudados por
Heracles), vencen a las del caos, a la derecha (representados aquí como hoplitas:
los gigantes, hijos de Gea -la Tierra- y de la sangre de Urano -el cielo, muerto
por su hijo Cronos, el tiempo, padre de Zeus y los demás olímpicos-). Hay un
evidente paralelismo formal entre la escena del ataque del león y motivos similares
en los relieves de la Apadana de Persépolis (hacia 515 a. C.), que tienen una
lectura religiosa en el zoroastrismo (Noruz o "año nuevo"), además de tener como
precedentes lejanos los relieves animalísticos asirios. El Tesoro de los Sifnios
del santuario de Delfos es uno de los mejor datados de este periodo: año 525 a. aC
pan
Frontones de transición del estilo arcaico al clásico

Guerrero del frontón occidental del Templo de Afaia en Egina, entre 510 a. C. y 470
a. C. (Gliptoteca de Múnich).

Frontón occidental del templo de Zeus en Olimpia, que representa la centauromaquia

(lucha entre lápitas y centauros). La figura central es Apolo. Estilísticamente
representa el final del estilo severo y el comienzo del clasicismo. Entre 470 y 456
a. C.21
Cerámica y pintura
Ánfora epónima del Pintor de Neso (el primer ático en adoptar el estilo corintio,
en el que introduce innovaciones) (ca. 620 a. C.). En el vientre se representa a
Perseo y las Gorgonas y en el cuello a Heracles con el centauro Neso.
Artículo principal: Cerámica griega
Tras un inicial periodo geométrico (siglos ix y viii a. C.), al que siguió un
período orientalizante (siglos vii y primera mitad del vi a. C.) en el que se
detecta la influencia asiria y de otras civilizaciones del Antiguo Oriente (por la
importancia y difusión que alcanzaron en esta época los talleres de Corinto se
habla de estilo protocorintio); la cerámica griega fue evolucionando sus formas,
que hacia el final del siglo vi a. C. alcanzaron un alto grado de refinamiento
expresivo, respondiendo a un amplio conjunto de necesidades refinadas de la vida
cotidiana de las clases altas, y a la demanda de productos de lujo fácilmente
exportables a todo el espacio mediterráneo, e incluso a lejanos lugares en el
centro de Europa.

La producción en muchas de las colonias fundadas en esos siglos fue tan importante
como la de las metrópolis. Además, la influencia de la cerámica griega se dejó
notar en la producción local de los pueblos indígenas, especialmente en la cerámica
etrusca (que tiene tipologías verdaderamente sincréticas, como es el caso de la
hidria ceretana o hidria de Caere)22 o en la cerámica ibérica.

Se aprovecharon extensamente las posibilidades que las distintas tipologías de

vasos daban en ciertas partes de su superficie (fondos de las copas, vientres y
cuellos de las ánforas, etc.) para ejercer como soporte para la pintura griega, que
se expresó sucesivamente en dos estilos principales, denominados "cerámica de
figuras negras" y "cerámica de figuras rojas".

Véanse también: Cerámica ática, Cerámica bilingüe y Técnica de fondo blanco.

23

Cada escuela local de ceramistas se distinguió por un estilo local característico,

aunque se influyeron mutuamente.

Vaso Mikonos, un pithos (πίθος -para almacenar grano y, en su caso, fermentarlo-)

decorado al relieve, que presenta la
Troya. Mikonos (ca. 670 a. C.)[24]
Vaso Mikonos, un pithos (πίθος -para
decorado al relieve, que presenta la
Troya. Mikonos (ca. 670 a. C.)24
primera representación conocida del caballo de
almacenar grano y, en su caso, fermentarlo-)
primera representación conocida del caballo de

Vaso Chigi, un olpe (ολπη -jarra, más pequeña que el oinokhoe-) protocorintio (ca.
650 a. C.) hallado en una tumba etrusca.[25]
Vaso Chigi, un olpe (ολπη -jarra, más pequeña que el oinokhoe-) protocorintio (ca.
650 a. C.) hallado en una tumba etrusca.25

Dinos (δινος) rodio pintado al estilo de la cabra salvaje (ca. 625 a. C.)
Dinos (δινος) rodio pintado al estilo de la cabra salvaje (ca. 625 a. C.)

Vaso François, una crátera ática
570 a. C.) con distintas escenas
en una tumba etrusca.
Vaso François, una crátera ática
570 a. C.) con distintas escenas
en una tumba etrusca.
(del ceramista Ergótimos, pintada por Clitias (ca.
mitológicas y decoración orientalizante. Hallada
(del ceramista Ergótimos, pintada por Clitias (ca.
mitológicas y decoración orientalizante. Hallada
La llamada Taza de los pájaros es un skýphos (σκύφος) producido en Tebas hacia el
550 a. C. Su pintura es de estilo orientalizante.
La llamada Taza de los pájaros es un skýphos (σκύφος) producido en Tebas hacia el
550 a. C. Su pintura es de estilo orientalizante.

Lekythos (λήκυθος, envase para aceite perfumado usado como cosmético y en rituales
funerarios) del Pintor de Aqueloo (ca. 525 a. C.). Entre las figuras representadas
hay un atleta en el momento de darse impulso con los halteres (ἁλτῆρες -pesas-), y
un tañedor de aulós (αὐλός -doble flauta-).
Comenzó a ser común que los ceramistas y, menos frecuentemente, los pintores26
firmaran sus obras (Clitias, Exequias, Psiax, Eufronio), lo que se interpreta como
una valoración social de su trabajo, implicando un concepto muy moderno de la
función del arte y del artista, en un momento en que el trabajo manual estaba
degradándose en su consideración, vinculada a la de los esclavos. Es habitual que
solo se conozca el nombre del ceramista, con lo que el pintor se denomina por este
(Pintor de Andócides, Pintor de Amasis, Pintor de Antimenes,27 Pintor de Taleides28
). En otras ocasiones solo se ha podido establecer la identidad común de un maestro
por sus obras (Pintor de Príamo,29 Pintor de Neso,30 Pintor de las cabezas de
caballo,31 Pintor de Aqueloo32) o por los lugares donde se han encontrado (Maestro
del Dípilon) o los museos y colecciones particulares donde se conservan (Maestro o
Pintor de Madrid,33 Maestro o Pintor de Princeton,34 Maestro o Pintor de
Edimburgo,35 Maestro o Pintor de Rycroft,36 Maestro o Pintor de Castellani37). A
algunos se les agrupa por sus características comunes38 (Pequeños maestros,39 Grupo
de Leagro,40 Grupo Perizoma,41 Grupo de las tres líneas,42 Grupo pionero -este
último ya a comienzos del siglo v a. C.-).

Aquiles y Áyax jugando a los dados, en un ánfora de cerámica de figuras negras de

Exequias. Hacia 540 a. C.[43]
Aquiles y Áyax jugando a los dados, en un ánfora de cerámica de figuras negras de
Exequias. Hacia 540 a. C.43

Crátera de Eufronio (cerámica de figuras rojas de Eufronio, hacia 515 a. C.). La

escena representa al cuerpo de Sarpedón sostenido
[44]
Crátera de Eufronio (cerámica de figuras rojas de
escena representa al cuerpo de Sarpedón sostenido
Hermes.44
por Eros y Tánatos, ante Hermes.
Eufronio, hacia 515 a. C.). La
por Eros y Tánatos, ante

Ánfora de cerámica de figuras negras, que representa la disputa entre Apolo y

Heracles por el trípode de Delfos. Relacionada con el denominado Grupo de Toronto
305. Hacia 510 a. C.[45]
Ánfora de cerámica de figuras negras, que representa la disputa entre Apolo y
Heracles por el trípode de Delfos. Relacionada con el denominado Grupo de Toronto
305. Hacia 510 a. C.45

También hubo pintura sobre paneles y muros, que no se ha conservado a excepción de

muy pocos restos, como los Paneles de Pitsa (descubiertos en una cueva de Sición,
la localidad al norte del Peloponeso, cerca del Golfo de Corinto, donde la
tradición consideraba que se había inventado la pintura sobre paneles -pinax πίναξ,
plural pinakes πίνακες; de donde viene la palabra "pinacoteca"-).46 o los frescos
de la Tumba del nadador, en Posidonia (Magna Grecia). La influencia etrusca de esta
tumba es evidente; aunque a su vez la pintura etrusca había recibido una notable
influencia griega durante los siglos vii y vi a. C..
Véase también: Pintura de la Antigua Grecia

Fresco que representa un simpósion, en la Tumba del nadador. Hacia 480 a. C. Los
concurrentes, sin abandonar su posición reclinada, se dedican al juego del kótabos
(κότταβος, consistente en acertar a un blanco lanzando vino con el kílix) o a los
placeres de la paiderastía (παιδεραστία, entre un imberbe erómenos ἐρώμενος y su
erastés ἐραστής).
Chatos, negros: así ven los etíopes a sus dioses.
De ojos azules y rubios: así ven a sus dioses los tracios.
Pero si los bueyes y los caballos y leones tuvieran manos,
manos como las personas, para dibujar, para pintar, para crear una obra de arte,
entonces los caballos pintarían a los dioses semejantes a los caballos, los bueyes
semejantes a bueyes, y a partir de sus figuras crearían
las formas de los cuerpos divinos según su propia imagen: cada uno según la suya.
Jenófanes, Fragmentos 15 y 16.47
Vestigios

Ruinas del Templo de Artemisa en Éfeso.

Grabado de la estatua de Zeus en Olimpia.

El arte antiguo griego ha perdurado en la forma de esculturas y arquitectura;
también en artes menores como el diseño de monedas, el grabado de alfarería y
gemas.

Pintura
Artículo principal: Pintura de la Antigua Grecia
Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraban la pintura como
una de las formas más altas de arte. Las obras de Polignoto de Tasos,48 que trabajó
en el siglo v a. C., seguían siendo admiradas incluso 600 años después de su
muerte, como después ocurrió con las de Leonardo da Vinci o Miguel Ángel, sin
embargo en este caso no solo no se han conservado ninguna de sus obras sino tampoco
ninguna reproducción.

Los pintores griegos trabajaron generalmente sobre paneles de madera, que se

estropeaban rápidamente (a partir del siglo iv a. C.), cuando no eran bien
protegidas. Hoy en día no queda casi ninguna pieza de pintura griega, excepto
algunos restos de pinturas en terracota y de algunas pinturas en las paredes de
tumbas, sobre todo en Macedonia e Italia. De las obras maestras de la pintura
griega tenemos solamente algunas copias realizadas en las épocas romanas, la
mayoría de ellas son de una calidad inferior.

Pintura sobre vasija, cerca 500 a. C.

Con anterioridad a la formación del arte griego en sí hubo en territorios de la
antigua Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan solo en
ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones
guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas
revelan notable expresión y vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras
veces la figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles.

En cuanto a la pintura griega, el conocimiento de sus artistas se debe casi por

entero a los antiguos historiadores, pues no se conserva de ella ni un solo cuadro
ni se conoce obra alguna de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados
desde la antigüedad los pintores por antonomasia. Las obras pictóricas griegas que
al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas
y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de
arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano
griega. Consta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo
menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes ánforas
de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple y
quizás al óleo. Los asuntos representados en tales pinturas, a juzgar por lo que se
observa en las mencionadas vasijas, fueron escenas de la vida humana y tradiciones
o leyendas mitológicas y heroicas.

La arquitectura
La gran mayoría de edificios griegos no han perdurado, debido a varias razones:
fueron destruidos en guerras, saqueados para obtener materiales de construcción o
abatidos por terremotos. Solamente un puñado de templos, tales como el Partenón y
el templo de Hefesto en Atenas. De las cuatro maravillas del mundo creadas por los
griegos las cuales ninguna de ellas han perdurado:

La estatua de Zeus en Olimpia.

El templo de Artemisa en Éfeso.
El Coloso de Rodas.
El Faro de Alejandría.
El templo griego
Artículo principal: Templo griego

Ruinas de un templo griego a la luz del sol (Sicilia).

La Antigua Grecia destacaba en la arquitectura. Son los templos la construcción más
representativa de la arquitectura griega, ya que su principal era brindarle
protección o albergue a una deidad o dios. En la parte de adentro se encontraba la
efigie de la deidad mientras tanto en la parte exterior se le rendía culto. Los
griegos utilizaban el pretexto religioso para justificar con esto sus grandes
creaciones de esta forma podían desatar su imaginación y crear maravillosas
estructuras. Considerado como una arquitectura sublime esto sirvió de ejemplo para
la construcción de otras estructuras griegas; por esto los edificios griegos
comparten similares características.

La diferencia principal del templo arcaico al templo prehelénico es que se hace el

alma de la ciudad, es decir, antes los palacios eran, a su vez, refugios para los
ciudadanos en caso de guerra, en la época arcaica son los conjuntos de templos, es
decir la acrópolis, es la casa del dios y el refugio de los ciudadanos, ya que
estaban situados en una colina y además estaban fortificados, probablemente para
las utilidades de antes.

Las ceremonias, cualquiera pese a su importancia, se realizan fuera del templo para
que el olor de los sacrificios llegase a la estatua divina para que esta se lo
agradeciese y les diese buenas cosechas, etc.

Al principio los templos son muy pequeños y apenas se diferencian de una casa, pero
con el tiempo, además de la sustitución de elementos blandos por rocas o sillares,
se establecen los órdenes: el dórico, el jónico y el corintio son los tres órdenes,
los dos primeros surgen al principio de la época mientras que el corintio se
origina después derivando del jónico. Además la arquitectura griega es adintelada o
arquitrabada por la viga que se pone en el pórtico llamada dintel. Ignora los arcos
y otros tipos de arquitectura.

La planta: al templo se accede por el pórtico, que está entre dos columnas, que
lleva a la sala que cobija al dios (cella), que lleva al opistodomos, lugar sellado
donde se encuentra el tesoro del templo, aunque a veces se puede acceder desde el
exterior.
Si el templo está rodeado de columnas, se le llama períptero y si las columnas se
limitan al pórtico, se llama próstilo, según las columnas que tenga el pórtico,
será dístilo (dos columnas), tetrástilo (cuatro), y así sucesivamente siempre
siendo pares.

El orden dórico: tiene como base tres escalones, los dos primeros por abajo
llamados estereobatos y el primero por arriba llamado estilobato. No tiene basa y
el diámetro del fuste es más pequeño desde el estilobato hasta el capitel, pero no
es regular ya que se abomba en el centro (éntasis). La separación entre el fuste y
el capitel es el collarino, que da al equino, que es el núcleo principal y tiene
forma de plato, y después da al ábaco, que es un prisma rectangular. Encima del
ábaco se coloca el arquitrabe, que es una viga que une las dos columnas, que
después sujeta la tenia, que es una cinta fina, y las régulas, que son triglifos
cortados. El friso se compone de triglifo y metopa, los mútulos son los ya
mencionados antes triglifos cortados, y el geison es un alero que marca profundidad
en el frontón la delimitación triangular del tejado en el templo y que hace posible
el frontón es la sima.
El orden jónico: tiene la misma base y se le añade un elemento que permite decorar
el fuste, la basa. El fuste recibe el mismo trato que en el jónico excepto en el
éntasis, ya que no tiene. El capitel, aunque puede ser más compuesto, está decorado
con volutas, y el collarino pasa a formar parte del capitel y no se le da tanta
importancia como antes.
El arquitrabe pasa a tener tres bandas horizontales que se llaman fasciae y que
rebasan cada una a su inmediata inferior. El friso es un espacio liso dedicado a
realizar esculturas en él. Los demás elementos son iguales que el dórico.

Escultura
Artículo principal: Escultura de la Antigua Grecia

Atenea (siglo v a. C.). Copia romana de la obra de Fidias.

Todas las esculturas y obras de arquitectura que han perdurado, solo son una
pequeña muestra de la inmensa colección de obras griegas. Muchas esculturas de
dioses paganos fueron destruidas durante la era cristiana. Desgraciadamente, cuando
se calcina el mármol se produce la cal, y ese era el destino de muchas obras de
mármol griegas durante la Edad Media.49 Durante ese mismo período, debido a la
escasez de metales, la mayoría de las estatuas de bronce eran fundidas.50
Actualmente muchas de las obras que hoy tenemos son copias romanas.

La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta

donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano. Aunque Grecia floreció en todas
las Bellas Artes, ninguna le distingue tanto como la escultura.

Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos los géneros de escultura, adoptando con
predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como asuntos
principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época
el retrato de personajes históricos.

Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la

expresión de la realidad idealizada, la regular proporción orgánica, el alejamiento
de lo vago y monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la armonía y
belleza en las formas y la finura en la ejecución.

División de la escultura

Afrodita, Pan y Eros.

Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos históricos bien delimitados
a los cuales precede el protohistórico51 o minoico52 y micénico.53 En este, se
desarrolló por espacio de unos veinte siglos (desde el año 3000 a. C. al 1100 a. C.
aproximadamente) un arte rudimentario pero lleno de vida y movimiento que modeló el
barro y trabajó la piedra, el marfil, el hueso e incluso el oro, el plomo y el
bronce, produciendo relieve, grabados, entalles mitológicos en piedras finas y
pequeñas estatuas e idolillos. Aunque labrados con cierta tosquedad, se presentan a
veces con admirable corrección en el dibujo que parece recordar el arte de los
cazadores del reno los cuales pudieron tener con la civilización egea algún lazo
histórico.
Los cuatro períodos arqueológicos que tras un prolongado silencio artístico
siguieron al micénico se distinguen del siguiente modo:

El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.;

El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.;
El período de perfección o clásico, hasta finales del siglo iv a. C.;
El período de difusión, que algunos llaman de decadencia, después de Alejandro
Magno hasta la conquista de Grecia por Roma, de 323 a. C. a 146 a. C.
Otras artes
A partir del período arcaico del arte griego, las cerámicas pintadas y las
esculturas son casi las únicas formas de arte que han perdurado. La pintura estaba
en sus inicios durante aquel período, y ningún ejemplo ha perdurado. Aunque las
monedas fueron inventadas en el siglo vii a. C., no eran comunes en la mayor parte
de Grecia hasta el siglo v a. C.

Cerámica

siglo xii a. C.
Artículo principal: Cerámica griega
De este período destaca la elaboración de cerámicas para uso cotidiano, o de
carácter fúnebre, donde se emplearon grandes jarrones.54 Estos jarrones estaban
ornamentados con representaciones lineales, y motivos relacionados con la muerte,
como batallas marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería está compuesta
por piezas domésticas, de las que perduraron recipientes tales como las ánforas,55
pequeñas cráteras56 e hidrias.57 Por otra parte, de la cerámica funeraria se han
encontrado varias urnas. También se fabricaron figurillas en barro cocido,
principalmente para ser depositadas como ofrenda en los templos. Durante el período
helenístico, fue elaborada una gran variedad de objetos de alfarería, aunque solo
algunas poseen valor artístico.

Durante los períodos más antiguos, hasta las pequeñas ciudades griegas producían
objetos de alfarería para el mercado local, siendo sus estilos y modelos muy
variados. Entre los años 550 y años 480 a. C. el arte en cerámica sufrió una gran
transformación; además, los autores incluyeron sus nombres, el nombre del alfarero
o del pintor que decoraba aquellas piezas (también existían algunos artistas que
practicaban ambos labores). La cerámica ática y cerámica corintia destacaron por
sobre las demás. Atenas creó las primeras representaciones del estilo bello:
recipientes con figuras rojas sobre fondo negro.

La historia de la cerámica griega antigua está subdividida en los siguientes

períodos:

Período A partir del año

Progeométrico 1050 a. C.
Geométrico 900 a. C.
Estilo orientalizante finales del siglo viii a. C.
Figuras Negras siglo vii a. C.
Figuras Rojas 530 a. C.
La gama de colores que podía ser utilizada sobre la alfarería fue restringida por
las técnicas de cocción: negro, blanco, rojo y color amarillo eran los colores más
comunes. Durante los tres primeros períodos, las cerámicas guardaban su color
natural claro con algunos motivos negros.

Arquitectura
Artículo principal: Arquitectura en la Antigua Grecia

Las columnas de orden dórico del Partenón.

Uno de los signos más fácilmente reconocibles de los logros artísticos griegos es
su agraciada arquitectura, caracterizada por las elegantes columnas de piedra y los
frontones triangulares esculpidos de los tres estilos arquitectónicos que se
desarrollaron entre el 600 y el 300 a. C.

Estos estilos fueron creados para construir más templos a los dioses que eran muy
importantes para ellos. Esculpidos en mármol, ellos imitaron las técnicas de corte
de la madera de los edificios hechos originalmente en este material.

El estilo dórico es el más antiguo y el más simple, con columnas firmes y frentes
cubiertos con esculturas que, al mismo tiempo, podían pintarse de rojo o azul para
generar impacto; cabe destacar que no tiene base comparado con otros estilos. El
mejor ejemplo superviviente de un templo dórico es el Partenón (438 a. C.) en la
Acrópolis de Atenas.

El estilo jónico apareció alrededor del mismo tiempo en las ciudades más ricas de
Asia Menor. Produce la sensación de más ligereza y es más decorativo, con columnas
esbeltas destacando volutas ensortijadas en cada esquina del capitel. El estilo
alcanzó su apogeo en el desaparecido Templo de Artemisa en Éfeso, una de las Siete
Maravillas del Mundo. Se puede admirar la arquitectura jónica en el Templo de
Atenea Niké en la Acrópolis.

Hacia el año 400 a. C. surgió una nueva versión, más elaborada, de la arquitectura
jónica: la corintia. Se caracterizaba por intrincadas hojas espinosas de acanto
esculpidas en los capiteles de las columnas, que puede reflejar la influencia del
Oriente Medio. La prestancia del estilo corintio lo convirtió en el estilo
arquitectónico favorito de la arquitectura del Imperio romano. Los templos se
pueden clasificar por el número de columnas que tienen:

In antis, si solo tienen dos en su fachada y muros de la cella.

Tetrástilo: cuatro.
Hexástilo: seis.
Octóstilo: ocho.
Decástilo: diez.
Próstilo: si solo tiene un pórtico en la parte delantera.
Anfipróstilo: si lo tiene también en la parte posterior
Períptero: cuando las columnas exentas rodean la cella.
Díptero: cuando son dos las filas de columnas.
Pseudoperíptero: cuando está dispuesto con columnas adosadas a los lados.
Áptero: si no tiene columnas.
Hípetro: si no tiene techo.
Véase también
El desnudo en la Antigua Grecia
Notas y referencias
Barral i Altet, 1987, p. 8.
Richter, 1980, p. 18.
Boardman, 1993, pp. 3–4.
Cook, 1986, pp. 1–2.
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Maggi, 2007, p. 12.
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Gebhard, Elizabeth; ‘The Evolution of a Pan-Hellenic Sanctuary: From Archaeology
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Fuente citada en en:Aristocles (sculptors)
Catálogo, op. cit. Robin Lane Fox
Citado en Catálogo, op. cit.. Texto completo en griego, y traducción francesa,
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Catálogo, op. cit., pg. 40
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Fuente citada en fr:Frontons du temple de Zeus à Olympie
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Greek vase painters y en it:Lista di ceramografi greci.
Véase Categoría:Pintores de vasijas de la Antigua Grecia
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Beazley, op. cit. Fuente citada en en:Castellani Painter y en de:Castellani-Maler
Véase la categoría en la Wikipedia en alemán: de:Kategorie:Künstlergruppe (Antike)
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Beazley, op. cit. Fuente citada en en:Leagros Group
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Beazley, op. cit. Fuente citada en en:Three Line Group y en de:Drei-Linien-Gruppe
Ficha en Artehistoria. Ficha en historiadelarte.us
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John Boardman, Schwarzfigurige Vasen aus Athen. Ein Handbuch, Mainz 1977, ISBN 3-
8053-0233-9, pg. 120. Fuente citada en de:Gruppe von Toronto 305.
Boardman, J. and Callaghan, P. "Western painting, Archaic period (625–500 BC)".
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Fragmentos
No se debe confundir al pintor griego Polignoto de Tasos con el antiguo pintor de
cerámica, también llamado Polignoto.
Las pocas estatuas que perduraron, fue porque quedaron enterradas u olvidadas.
Las estatuas de bronce que no fueron fundidas se perdieron en el trasporte por
mar.
adj. Perteneciente o relativo a la protohistoria. Real Academia Española
adj. Perteneciente o relativo a la antigua Creta. Real Academia Española
El período micénico se caracteriza en arquitectura por los robustos muros y
palacios de aparejo ya ciclópeo, poligonal y medio escuadrado y por las tumbas de
cúpula falsa la cuales se hallan diseminadas por las regiones de Grecia y mar Egeo.
Con la idea de que fueran usados por el difunto en su próxima vida.
Las ánforas eran empleadas para conservar y transportar alimentos sólidos o
líquidos.
En las cráteras se combinaba el agua y el vino.
Jarrones específicos para el agua.
Bibliografía
Barral i Altet, Xavier (1987). Historia Universal del Arte: La antigüedad Clásica
II. Barcelona: Planeta. ISBN 84-320-8902-8.
Richter, Gisela M. A. (1980). El Arte Griego. Barcelona: Ediciones Destino. ISBN
84-233-1018-3.
Maggi, Stefano (2007). Grecia, Los Tesoros de las Antiguas Civilizaciones.
Barcelona: RBA Libros. ISBN 978-84-7901-027-0.
Boardman, John (1993isbn= 0198143869). The Oxford History of Classical Art, Oxford
University Press (en inglés).
Cook, Robert Manuel (1986). Greek Art (en inglés). Penguin. ISBN 0140218661.
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre el arte de la Antigua
Grecia.
HARRISON, Jane Ellen: Ancient Art and Ritual (El arte antiguo y el ritual), 1913.
Reproducción, en facsímil electrónico, en el sitio del Internet Archive; en inglés.
Nota introductoria.
Índice.
Cuerpo principal.
Bibliografía.
Índice alfabético.
Reproducción, en inglés, en el sitio del Internet Sacred Text Archive.
SEEMANN, O.: La mitología de Grecia y de Roma, con atención especial a su empleo en
el arte.
Traducción inglesa del alemán: The Mythology of Greece and Rome; with special
reference to its use in art.
Reproducción en facsímil electrónico, en el sitio del Internet Archive.
Índice general.
Índice de ilustraciones.
Índice onomástico.
NEILS, Jenifer: Myth and Greek Art: creating a visual language (El mito y el arte
griego: la creación de un lenguaje visual), en The Cambridge Companion to Greek
Mythology (Vademécum de Cambridge de la mitología griega), edición preparada por
Roger D. Woodard, Cambridge University Press, 2009.
Reproducción en facsímil electrónico en el sitio del Internet Archive.
Ilustraciones.
Jenifer Neils (n. 1950): arqueóloga clásica estadounidense.
Roger D. Woodard: profesor de Clásicas y de Lingüística de la Universidad de
Búfalo.
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Categoría: Arte de la Antigua Grecia
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