Glosario de Artistas

-
Emanuel Rojas Londoño
-

Artes Plásticas UIS

1. Leonardo da Vinci:
Reconocido polímita Italiano Florentino exponente del renacimiento, por sus resaltantes
obras de arte como “La Gioconda” entre otras, conocido a su vez por ser uno de los
primeros artistas en utilizar el Sfumatto como técnica principal en los retratos
antropógenos para dar matices más realistas a sus obras. Fue quien introdujo las medidas
anatómicas más realistas para la época y con gran exactitud para un mejor desarrollo del
arte sobre el humano que estaba en auge en aquella época, visto como un muy gran
ejemplo su aclamado “Hombre de Vitrubio”.

2. Michelangelo Buonarroti:
Es otro gran exponente del renacimiento italiano, Reconocido por ser un gran tecnicista
con la pintura al fresco, así como también por su gran catálogo de obras realizadas
durante sus años como artista activo, de las cuales se destaca arquitectura, pintura, y
sobre todo escultura, retomando los conceptos de la escultura helenística, dándoles una
perspectiva menos canónica y más realista acercándose a la anatomía real del ser
humano. Fue quien pintó las bóvedas de la capilla Sixtina.

3. Rafael Sanzio:
Fue un pintor y arquitecto italiano renacentista que influyó de manera vasta en la creación
de fachadas renacentistas que ayudaban a dar en conglomeración a las demás
edificaciones un orden arquitectónicamente visible a las avenidas y calles así como las
plazas y edificaciones eclesiásticas, con su estilo particular voluminoso pero simple y los
interiores llamativos, fue también el responsable de mantener la religión en el ámbito del
arte renacentista, trabajó para los dos mayores mecenas de su tiempo y para los papas
Julio II y León X.
4. Sandro Botticelli:
Fue el pintor preferido de la corte de Lorenzo de Medici, un gran pintor con gran prodigio
desde su temprana edad, realizaba obras de gran magnitud y extensión en muy poco
tiempo y con gran facilidad, pese a su dura vida de joven, fue rápidamente reconocido
como un gran exponente florentino del renacimiento en la pintura, como ejemplo de ella
está su obra “el nacimiento de Venus”, jugó con la mezcla de la cultura religiosa mitológica
cristiana y la griega.

5. Donatello:
Fue uno de los primeros artistas plásticos renacentistas de gran relevancia en el ámbito de
la escultura, fue uno de los primeros en reavivar la técnica del relieve, así como retratar
por medio del arte la psicología de los personajes propuestos en sus obras.

6. Giotto:
Fue un pintor bizantino, considerado como el precursor de la pintura renacentista.
Desarrolló una gran cantidad de obras en la edad media que atribuían unos matices más
realistas y encaminados hacia el humanismo, así como el desapego implícito del canon
bíblico y acercarse más sus temas pictóricos a la naturaleza.

7. Caravaggio:
Fue un pintor del renacimiento bajo y barroco (siendo el primer exponente de este, al
menos en Italia) que propició un arte pictórico dramático, utilizó un lenguaje en su pintura
que ayudaba a dar un recorrido visual con mucho más detenimiento en los rostros para así
resaltar la expresión fisionómica de los personajes de manera más aseverada. Fue uno de
los primeros artistas destinados a implementar el Chiaroscuro para la resaltación de
expresiones y lograr un contraste que denotara más drama.

8. Filippo :Brunelleschi
Fue un escultor y arquitecto que potenció a finales de la edad media el estilo renacentista
que ahora todos conocen, y la representación de figuras humanas dentro del arte plástica,
prescedente a la cultura gótica, buscando su inspiración una vez más en el arte clásico, del
cual acudió el canonicismo para darle entrada a las medidas humanas y mejorarlas
posteriormente en el renacimiento alto. Con una técnica de tallado sobre mármol
impecable destacó por sus magníficas obras durante su época pues daban un gran
exponente de habilidad sobre un material difícil de manejar en ese entonces. También
logró dar de manera novedosas ideas arquitectónicas gracias a sus conocimientos
matemático-geométricos aplicados en la misma arquitectura.

9. Tiziano:
Fue un pintor de muy gran calibre en El renacimiento, conocido como el maestro del
renacimiento, pues esa era su mayor virtud, podía escoger cualquier estilo que le placiese
y se destacaba de una gran manera entre los demás por su versatilidad, a corta edad fue
 introducido en el mundo del arte llevado a varios talleres para que junto a su hermano
empezara a desarrollar obras de gran calibre.

10. El Bosco:
Fue el artista preferido por Felipe II, manierista nacido en Holanda, fue un pintor que se
encaminó en la representación de parábolas, cuentos con moralejas y más que todo
pasajes y referencias bíblicas, pero con un misticismo muy único, no fue exactamente
canónico según la anatomía humana, pues aún tenía conservación de representaciones
antropomórficas propias del medioevo tardío.

11. Jan van Eyck:

Fue el mayor exponente del arte flamenco, contribuyó a un sinfín de retratos de muy
buena técnica y obra de mano: Se centró en la pintura al óleo con la intención de incluir el
chiaroscuro en su técnica. Fue el favorito de su mecenas, el rey Felipe IV.

12. Donato Bramante:

Fue un pintor y arquitecto italiano del alto renacimiento, diseñador de la basílica de San
Pedro del Vaticano. Adornó con un estilo renacentista Toda Milán y Roma, aportando una
gran cultura arquitectónica renacentista en varias ciudades dejando de lado el estilo
gótico y románico, implementando figuras geométricas con una combinación de
clasicismo en algunas fachadas de las estructuras. En pintura se esmeró en dar
expresividad a los rostros en sus obras.

13. Giovanni Belllini:

Considerado como el artista que revolucionó la pintura veneciana. Fue un idealizador de la
teoría del color con pigmentos vividos en sus obras, con la particularidad de que los
retratos, aunque tuvieran claro oscuro, siempre trataba de darle una cierta vividéz al color
que le diera contraste.

14. Tintoretto:
Fue uno de los grandes exponentes venecianos del manierismo, reconocido especialmente
por exagerar (de buena manera) el claroscuro, y los colores vívidos a la vez, de manera
que fue versátil a la hora de aplicar pigmentos al lienzo. Tuvo gran caracterización por
dotar gran expresividad en el manejo de la perspectiva y una pincelada particular, muy
fuerte y demarcada en cada trazo.

15. Giorgione:
Fue el Leonardo da Vinci de Venecia, pues dentro de su repertorio de obras podía notarse
una técnica libre sin tanta rigidez en el trazo, casi invisible dentro de la obra.
Desgraciadamente no se conoce mucho de él, pues tuvo un final de vida a muy temprana
edad.
16. Fra Angelico:
Fue un pintor Florentino reconocido por pintar el retablo de San Marcos. También se
debe denotar su reconocimiento por la utilización de colores brillantes, de manera que en
sus pinturas logra representar con magnificencia los sentimientos espirituales. (Sus
pinturas básicamente eran dedicadas a la iglesia y la religión).

17. Masaccio:
Se considera como el primer artista que empezó a aplicar las leyes de perspectiva a las
pinturas para darle una espacialidad de retrato mucho más realista. Inspirándose así en la
técnica de Bruneleschi empezó a pintar de esta manera. Decoró con frescos la capilla de
Branacci

18. Lucas Cranach el Viejo:

Fue un artista relevante del siglo XIV, fue un pintor muy reconocido en la corte de Viena,
donde se dedicaba a entregar obras y de allí enseñar en sus últimos años a su hijo el don
del arte. Fue gran amigo de Lutero por lo que se consideraba de su zmovimiento, así como
el arte que representaba corrientes de estilo religioso y épico (historias de batallas y
caballería, así como paisajes campesinos con una técnica de color especial neutra.)

19. Sofonisba Anguissola:

Nacida en Cremona Italia, fue una de las exponentes femeninas más importantes, y
reconocidas, si no la más de su época, cultivó y despertó gran interés por su detallado
aspecto de la perspectiva de perfil medio en los retratos, llegando incluso a hacer retratos
para el Rey Felipe II y su cuarta esposa. Se centró con bastante lidia n el arte, pintando
sumamente dedicada para la monarquía y alta clase de su momento.

20. Benvenuto Cellini:

Fue un artista orfebre muy reconocido por sus esculturas en bronce, dedicado
mayormente a este arte, se profundizó tanto en la técnica sobre este material que fue
llamado por sus allegados como el padre del metal exquisito, pues los acabados que daba
a sus obras eran sumamente precisos y bellos. Se puede destacar de su persona el haber
hecho centenar de estatuas de personajes importantes para la alta sociedad, así como
simbología política mediante la fabricación de escultura en bronce con estilo helénico.
Aunque algunas veces también trabajaba en mármol.

21. Paolo Uccello

: Fue un polímita del primer renacimiento que inició con una técnica de distorsión de la
perspectiva, la cual consistía en centralizar personajes y a partir de ellos, en vista al fondo
ir disminuyendo las medidas de los objetos y segundos, así como el paisaje que
acompañaba el objeto principal, de manera que junto a trazos marcados daba un punto de
 vista interesante al manejo de la perspectiva que oscilaba entre acercarse a la realidad así
como distanciarse de las medidas espaciales exactas para dar perspectiva.

22. Alonso Berruguete:

Fue considerado uno de los más grandes artistas de Roma en aquel momento junto
Spanzovino. Gran conocedor de la escultura y belleza antigua, implementó matices
propios que luego en sus viajes por España iría esparciendo y determinando el
renacimiento como un nuevo movimiento en algunas partes de España, fue quien renovó
el lenguaje escultórico en España, por lo que gracias a él, en diversas partes del golfo
ibérico se empezó a buscar expresividad en las esculturas y a diferencia de Italia se utilizó
tallado de madera como técnica por ser más barata para la producción y fácil de manejar.

23. Lorenzo Ghiberti:

Fue un escultor y orfebre italiano-renacentista que estableció a lo largo de su carrera uno
de los talleres más famosos de orfebrería en Florencia, expandiendo su arte hacia muchas
más personas y enseñando el manejo de este metal como pieza maleable para hacer obras
maestras. De las cuales se podría resaltar las puertas del Baptisterio De Florencia.
Llamadas por el mismo Miguel Ángel “Las puertas al paraíso”.

24. Filippo Lippi:

Fue el gran maestro de Sandro Botticelli. Se centró en la belleza de la luminosidad y la
reflexión de las luces en combinación de los colores apastelados de sus pinturas, así como
en un periodo de adultez, su inquietante búsqueda por buscar un orden de luces.

25. Matthias Grünewald:

Fue un artista alemán renacentista relevante para la época. Era principalmente conocido
por pintar hermosos retablos de temáticas mística- Religiosas, en las cuales el mismo
aplicaba matices oscuros para que al contraste con las pieles, en la madera, se notara más,
así como la expresividad facial de sus representaciones y el detalle profundo al incluirse
landscapes. Fue uno de los pintores que mejor manejó la perspectiva en Italia.

26. Catharina van Hemessen:

Al ser una mujer, no fue tan renombrada como otros pintores de su época. Fue una
pintora flamenca, se le atribuye a ella el primer autorretrato femenino conocido en el
mundo del arte. Responsable de algunos retablos de dimensiones considerables con
técnicas sorprendentes y una colección de pequeños retratos en su mayoría femeninos, de
fondo simple y plano.

27. Juan de Juanes:

Hijo de Vicente Macip. Fue un importante pintor de la corona española, Reconocido
mundialmente por haber pintado “La Santa Cena”. Se enfocaba en la armonía de los
 colores dentro de las pinturas, en variados casos usó esfumato para darle un toque
realista a las obras que retrataba, sobre todo en las religiosas o de carácter cristiano.

28. Parmigianino:
Fue un pintor italiano considerado como uno de los primeros exponentes del manierismo.
Su técnica se basó en las pinceladas difuminadas y una paleta de colores muy grácil y sutil,
que se complementaba con su buen manejo estilístico de la anatomía humana reflejado
en sus obras, a diferencia de otros artistas que no se centraban tanto en la belleza
pictórica, este pintor entonces lograba el balance perfecto entre desarrollo de técnica y
concepto/representación de la obra.

29. Andrea del Sarto:

Manierista italiano, conocido en Florencia por la calidad de sus retratos y obras de pasajes
bíblicos y referencias religiosas. Gran maestro en la representación de puntos focales a
través de las figuras anatómicas. Logrando obras en retablos y dibujos con una
dramatización propia del manierismo, con unos dotes particulares de reflejos de
sentimientos en los personajes de sus obras para añadirles un toque de contraste con la
ligereza de su pincelada.

30. Rosso Florentino:

Fue un pintor italiano. Uno de los padres del manierismo. Su técnica fue muy influyente
pues a la hora de pintar se centraba sobre todo en la dramatización y la búsqueda de la
expresión genuina del sentir, muy diferente a la simplicidad expresiva de inicios del
renacimiento tanto física como fisionómicamente. Estaba obsesionado con la
representación lograda de la muerte y las escenas de desesperación bíblicas mayormente.

31. Andrea Palladio:

Fue un gran arquitecto que integró los pórticos cubiertos y acolumnados, en la
construcción doméstica. Fue una revolución completa pues hasta ese momento aquellos
edificios eran destinados únicamente a él orden religioso, sin darle un uso laicista. Se le
considera el arquitecto que mejor supo actualizar la herencia arquitectónica fusionándola
con la novedosa estructuración del cinquecento de ese momento. Manera así que en un
futuro vendría influyendo y dando paso a los primeros matices del neoclasicismo en la
arquitectura italiana.

32. Giorgio Vasari:

Fue uno de los primeros historiadores de arte durante el renacentismo, fue el mismo
quien acuñó este término al periodo artístico, debido a la gran esclarificación del humano
como objeto central de admiración. Fue también pintor, arquitecto y escritor.
Básicamente un padre del renacimiento, por no decir el principio de el mismo. Le dio un
sentido mucho más complejo a lo que se le llama arte, ya no siendo solo un medio
 pictórico para la representación gráfica sino una expresión de belleza a través de un
mensaje grafico psicológico.

33. Giuseppe Archimboldo:

Fue un artista novedoso manierista italiano, considerado ahora como el abuelo del
surrealismo. Este artista se dedicaba a combinar los famosos bodegones, con la
representación antropomórfica del humano, jugando con el chiaroscuro, y una cantidad
de elementos vegetales orgánicos pictóricos daba la ilusión de conformar rostros y
retratos, por ende, se le fue acuñado el apodo anteriormente mencionado. Este concepto
se salía en grandes medidas de los parámetros estéticos de finales de siglo antes del
barroco. No alcanzaba aún a tocar la palabra extravagancia dentro del baúl de atributos
que se le daban como ofrenda de admiración, pero ciertamente con tantos elementos,
para la época, era una manera ingeniosa y peculiar de resaltar el antropocentrismo.

34. El greco:
Fue un artista nacido en Grecia, alojado en España. Pintor, escritor y escultor. Gran
exponente del manierismo en España y Europa. Al ser un hombre religioso, dedicó su vida
a la representación expresiva de escenas bíblicas, aunque al tener pasión por la figura
humana como un arte misma aparte, se destacó por sus retratos esquicitos; en lo que
respecta para sus pinturas logra dejar una pincelada que según él y otros artistas lograba
dotar una sensación de movimiento y vividéz al personaje.

35. Marietta Robusti

: Hja de Jacopo Comin, fue una pintora italiana, también conocida como Tintoretta.
Básicamente era la encarnación femenina de las obras de Tintoretto, su gran
acercamiento al realismo, y su padre fueron los que le dieron un renombre, algo que no
muchas mujeres lograban para esas épocas. La técnica utilizada era muy parecida a la de
su padre, con la diferencia de que, para ella los auto retratos eran una obsesión, se dice
que mejoró su conocimiento artístico en el tecnicismo gracias a el ego que posaba sobre sí
misma.

36. Rembrandt
: Fue un importante pintor y grabador holandés barroco, que innovó el arte de aquella
época, influenciado por Caravaggio y Rubens, así como la influencia conceptual de su
maestro Pieter Lastman. Sus pinturas y arte en general se alejaban de la comprensión de
la naturaleza humana. Generaba contrastes con colores ocres y una paleta de colores muy
dispuesta a denotar las luces sobre ropajes y ls pieles de los personajes. Fue considerado
el artista pictórico de Holanda más talentoso y prolijo como propuesta estética y aporte
estético de elegancia y sencillez.
37. Diego Velázquez:
Considerado el pintor más importante del barroco español. Dedicó su tiempo como
artista a desarrollar obras de arte para la realeza. Fue el pintor principal de la corte de
Felipe IV. Alcanzó a desarrollar por completo el claroscuro, el tenebrismo y la saturación
de los colores, así como el uso de objetos resaltantes contrastantes que usaba como
punto focal. Su pincelada era totalmente única t muy bella, digna del barroco, así como la
utilización del arte para su acercamiento a la realidad. (En sus pinturas, para la época, era
como ver el reflejo mismo de una persona en un espejo). Como curiosidad, él tenía una
fascinación también por dibujar personajes pequeños, fueran infantes o personas con
enanismo, le daba un toque de humor al cuadro según él.

38. Pedro Pablo Rubens:

Posiblemente la figura más importante del barroco Flamenco, fue junto a Velázquez uno
de los mejores pintores para su época. Una característica que lo denotó mucho fue su
empleo del conocimiento en el ámbito del mercadeo de arte, lo que lo potenció aún más
allá de la capacidad de su inminente talento y le dio gran reconocimiento dentro del
mundo, pues era conocido también por tener una fábrica en cadena de pinturas en su
propio taller. Su estilo se caracteriza principalmente por los matices de color de gran
variedad con una riqueza cromática, se alejaba más allá del color ocre convencional y
jugaba con las luces y las sombras sobresaltando las figuras anatómicas como si se tratase
de denotar la belleza humana más allá de la realidad, a diferencia del arte renacentista.

39. Johannes Vermeer:

Es uno de los pintores holandeses más reconocidos en el arte Barroco. Pese a que sus
obras fueron escasas ya que muchas de ellas se fueron perdiendo a lo largo del tiempo,
sirvió de inspiración para muchos otros artistas que querían llegar al mismo nivel técnico y
el mismo reconocimiento, al menos dentro de Holanda. Él no se llevaba mucho con el caos
y la destrucción que muchos otros artistas querían representar por épocas anteriores y
actuales en su vivir, él prefería representar mejores escenas de paz, tranquilas, la belleza y
extravagancia que podía tener la tranquilidad. Por lo mismo le fascinaba hacer retratos
femeninos, pues él lo asociaba al mundo anteriormente mencionado. Su técnica, así como
su concepto de lo bello al retratar, era usual verse pinceladas simples y calmadas, a
diferencia del arte flamenco, él se centraba en el realismo de la escena que retrataba y
transmitía serenidad.
40. Artemisia Gentileschi:
Artista fémina italiana. Es considerada la primera pintora feminista de la historia. Al ser
una gran narradora de historias, en las cuales realzaba el empoderamiento femenino de
una manera implícita, se determinó a aplicar la belleza de ese sentir que para ella era el
arte en sí mismo, con cuadros que por medio de un realismo escénico intentaba dejar
plasmadas escenas de la cotidianidad donde no se le daba ese aspecto sensual a la mujer,
sino una visión más centrada en mostrarla con igual capacidad de acción y relevancia que
el hombre, también escenificaba momentos de una mujer con los cuales claramente se
nota su afección del machismo, y el arduo reprimir incesante que tenían que vivir en esa
época. Por obvias razones las figuras femeninas fueron la base de temática para sus
pinturas.

41. Bartolomé Esteban Murillo:

Fue un artista español muy prodigioso. Podría decirse que fue el más cotizado y valorado
de su época. Mientras compañeros de su mismo taller se dedicaban a la realeza y el
clérigo, él pudo desenvolverse más al lado comercial, como vender sus obras a la alta clase
y encargos privados. Fue un gran maestro en el manejo del tenebrismo dentro de sus
obras, siempre intentaba dar una escena con un delimitado suspenso para agregarle
curiosidad y admiración conceptual a sus pinturas.
42. Annibale Carracci:
Fue el mayor exponente de arte de la escuela del eclecticismo o clasicismo pictórico.
Reunía cada una de las virtudes de los más grandes artistas hasta el momento. Por ello
mismo, se reúnen equilibrio y caos, manejo de amplia gama de colores, ocres disminuidos,
realismo y sobre-exaltación de la belleza anatómica entre otras. Se basaba en esquemas
geométricos muy rigurosamente para brindar un recorrido visual exquisito. Su técnica de
pintura se basaba en el dibujo y la gran gama de versiones de bocetación para poder sacar
obras de alto calibre.

43. Francesco Borromini

: Es considerado como el máximo exponente del barroco romano, en cuanto a
arquitectura se habla. Fue uno de los más grandes pensadores del equilibrio y belleza de
las figuras arquitectónicas como medio de arte, por lo que dentro de su repertorio de
obras puestas en pie se denotan fachadas en las cuales las decoraciones alternan formas
variadas desde las cóncavas hasta las convexas, queriendo dar la ilusión de movimiento y
complejidad de estructura. Tenía la particularidad de ser un buen hombre a pesar de su
aspecto de ser irascible y desesperado, debido a la enfermedad q lo llevó a cometer
suicidio a relativamente edades no muy vejezcas, pues se centraba en trabajar para
clientes pobres y del clérigo.
44. Francisco de Zurbarán:
Artista español dedicado a la pintura. Siendo un muy cercano amigo de Velázquez. Trabajó
obras en las cuales relata hechos religiosos, en los cuales buscaba representar misticismo
dentro de la misma y sobre exaltar personajes bíblicos, así como revelar un gran peso
visual al mismo mediante los colores en la paleta que empleaba. Fue un gran ejemplo de
artistas que poyaban la contrarreforma, reivindicando el catolicismo por medio de la
pintura, sus espectaculares obras representan personajes bíblicos muchas veces vestidos
con ropajes eclesiásticos de la época; también lograba acabados fuertes con los contrastes
de luz y sombra necesarios para enaltecer las figuras religiosas como la virgen, San Pedro,
Jesús, entre otros.

45. Jan Brueghel el Viejo

: Es el fundador de la dinastía de los pintores de Brueghel. Considerado el pintor holandés
más importante del siglo XVI. Fue empedernido en pintar naturaleza muerta, con
paisajismos y escenas de la cotidianidad, donde la gente del común era representada en
su día a día, diferente a los demás pintores que se empeñaban en representar a la alta
clase de su época. Lamentablemente solo 45 obras de su autoría han sobrevivido hasta
ahora

46. Elisabetta Sirani

: Fue una destacada pintora barroca italiana, responsable de dirigir el primer taller para
mujeres del mundo. Fue muy revolucionaria en el mundo del arte pues contravino todo lo
que se disponía supuestamente para única labor de hombre, demostrando así que la
mujer como sujeto político y social también podía dedicarse a la pintura. Sus
representaciones ante todo se basan en el esclarecimiento de la figura humana femenina
como dominante, la piel era el mayor foco de luz en el cual se reflejaba, cabe resaltar
también su gran manejo de las proporciones canónicas anatómicas a la hora de pintar.
Retrataba escenas en claro oscuro, y en otros pocos casos rojos vibrantes carmesí para dar
mucho más color.

47. Clara Peeters:

Fue Una artista de Países bajos, Máximo exponente del genero de Bodegón. Gracias a ella
el género anteriormente mencionado tuvo gran relevancia y popularidad, representando
la belleza de la naturaleza muerta. La crítica artística le reconoce como un personaje
histórico femenino que incursiono en el ámbito fuera de lo habitual, fuera de las
representaciones antropomorfas, optando por resaltar una belleza incomprendida para la
época de las cosas materiales y los banquetes.
 48. Juan Lorenzo Bernini:
Es el arquitecto y escultor barroco más representativo de Italia. Tenía como características
de arquitecto sumarse importancia a la decoración de la forma, como un medio para
exaltar la belleza misma de un edificio, y brindar un porte extravagante y elegante, tanto
en el exterior como en el interior. Para sus esculturas, Los retratos y perfeccionismo de la
mitología greco romana fueron su pasión. Daba cada detalle con mucha precisión, en los
ropajes, las facciones, músculos, incluso los acabados son finos. A diferencia de las
esculturas clásicas, el artista optó por brindarle prendas para cubrir las zonas erógenas del
cuerpo, pues su concepción de sensualidad no se basaba en la lujuria y pecado sino en la
belleza de la figura del ser.

49. Jacopo da Pontormo

: Fue un gran pintor de toscana, italiano. Era un tipo solitario, únicamente pintaba cuando
se encontraba solo, pues le traía paz a su paranoia, expresada varias veces por quienes le
conocían. Pese a su fobia a la aglomeración de gente, pudo desarrollar un estilo artístico
propio y nuevo, sus bocetaciones incluían una inclusión del manejo de dos lápices de
diferente color, dibujando encima del otro varias veces hasta obtener resultados claros y
poder pintar la mejor versión entre los colores usados. Solía prestarle mucha atención a
expresar la inconformidad que tenía con la gente por medio de los rasgos faciales y la
expresividad de la cara de los personajes en sus obras. Sus obras a bases de dibujos se
visibilizaban con trazos elípticos sueltos y expresivos, pero a la vez finos y sutiles.

50. Alberto Durero:

Fue el artista más importante del renacimiento alemán, reconocido mundialmente por
sus pinturas con gran saturación de colores y representaciones de muy buenos tonos de
pasajes bíblicos. Así como por sus grandiosos grabados, los cuales tenían diversas
direcciones de referencias tanto religiosas como éticas y filosóficas. En el mundo del arte,
fue uno de los que encaminó la misma como una teoría y punto de estudio, como si se
tratase de una rama más del razonamiento humano a modo de expresión. Cabe resaltar
que el realismo que utilizaba Durereo para as grabaciones era algo muy difícil de lograr
para aquella época

Bibliografía: https://www.todocuadros.com.co/