El gran masturbador, Salvador Dalí

Identificación: Es un óleo sobre lienzo creado

en 1919 por Dalí, es del estilo surrealista y se
encuentra en el Museo Reina Sofía, Madrid.
Análisis: Presenta una factura lisa, la pincelada
apenas se nota.
El tema representado es bastante complejo.
Aparece una gran masa amarillenta y angulosa
de cuyo extremo superior izquierdo (desde el
punto de vista del espectador) surge la cabeza
de una mujer que se acerca a unos genitales
masculinos. Además están representados una
cabeza de león, una langosta, unos personajes
que pasean solitarios y un lirio, todo ello de
carácter simbólico como se comentará más
adelante
La composición es estática y simétrica aunque ligeramente descompensada en cuanto a
las masas hacia la izquierda. El horizonte es amplísimo y se funde con la línea del suelo de
forma difusa.
Predomina el dibujo , utilizando una línea nerviosa en ocasiones, jugando mucho con las
curvas. Los colores empleados son brillantes y juega con la combinación entre fríos y
cálidos de forma magistral.
Una luz fría e irreal invade toda la composición dándole un aspecto de ensoñación. Las
sombras negras inquietantes que se proyectan indican la presencia de un foco de luz
dirigido desde la izquierda (según miramos el cuadro), provocando grandes contrastes entre
las zonas iluminadas y las que se encuentran en penumbra.
El espacio se sigue entendiendo al modo clásico, se valora el volumen de las figuras y la
perspectiva lineal. Como es habitual en el autor, la visión se produce desde un punto
elevado, lo que baja la línea del horizonte y permite una larga perspectiva que crea un
ambiente, de nuevo, de fuerte extrañamiento.
Las figuras representadas son muy diferentes entre sí. Mientras que la mujer, de líneas
ondulantes, se relaciona con el prototipo de mujer modernista, el hombre al que se acerca
parece más una escultura, es algo frío, pétreo. Por otro lado, las pequeñas figuras que
aparecen debajo se asemejan a maniquíes.
Esa gran masa amarillenta representa un autorretrato del pintor, quien era muy pálido y con
una enorme nariz. Es una obra sumamente autobiográfica en la que aparecen reflejados
multitud de sus miedos u obsesiones. La langosta de forma fálica situada donde debiera
estar la boca, es una de las fobias del pintor: le aterrorizaban de niño. Las conchas y
guijarros, hacen alusión a la playa, a su infancia, mientras que las hormigas que están en el
vientre de la langosta y que ascienden por su cara, son clara referencia a lo putrefacto, a lo
descompuesto...a la muerte en definitiva. La mujer que sale de donde debería estar el
cuello, se acerca a los genitales del hombre en una clara alusión sexual (potenciada por la
cabeza del león, símbolo de la sexualidad y del deseo). No olvidemos que precisamente los
temas tabú para la sociedad del momento como la muerte o el sexo (muy habituales en la
prosa y los ensayos de Bataille), son los más representados por Dalí, escandalizando
incluso a gente de su núcleo pictórico.
No obstante, el hecho de que debajo de la mujer encontremos un lirio, símbolo de pureza,
ha dado lugar a otras interpretaciones: la masturbación como forma limpia de sexualidad (y

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de nuevo asociada a motivos autobiográficos, como el miedo que mantuvo durante toda su
vida al coito, tal vez, como apunta Ian Gipson, al miedo que le incultó su padre a las
enfermedades venéreas)
En las figuras solitarias hay quien ha querido ver la alusión a otra de sus fobias, la soledad,
pero también a los paseos junto a Gala, su musa, por la playa (figuras abrazadas). Otros
críticos las relacionan con la idea del paseante ya presente en las obras De Chirico que
abunda en el tema de la soledad y la visión subjetiva del mundo a la vez que da una nueva
escala a toda la escena al poner en comparación con la figura humana,
monumentalizándola

La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

Identificación: Es un óleo sobre lienzo creado en 1931 por
Dalí, es del estilo surrealista y se encuentra en el Museo De
Arte Moderno, New York.
Análisis iconográfico: Las obras del estilo surrealista dan
pie a diferentes interpretaciones, ya que están cargadas de
gran simbolismo y poseen pocas representaciones
convencionales de la realidad. La persistencia de la
memoria aborda la noción de la temporalidad y de la
memoria.
En una vista generalizada al lienzo, lo primero que nos
llama la atención es la presencia de cuatro relojes, cada uno
en una posición diferente, pero todos en una aparente situación de decadencia. Dalí, según
el mismo contó en una conocida entrevista dijo que para la realización de estos relojes, se
inspiró en el queso camembert relacionándolos por su calidad de “tiernos, extravagantes,
solitarios y paranoico-críticos”
Uno de los relojes cuelga de las ramas de un árbol seco. Este se ha relacionado dentro del
mundo fantástico, con el concepto del thanatos, de la muerte. Otro se encuentra tendido
como en una especie de cara, donde a quienes dicen podría ser un autorretrato de Dalí. Un
tercer reloj parece representarse justo en el momento de estar cayéndose de un muro.
Sobre él vemos una mosca, uno de los elementos más representativos del pintor. Solía
decir que era un apasionado de las moscas limpias.
Por último, vemos el único reloj que se aleja del concepto de los tres anteriores, al tratarse
de un reloj de bolsillo. Este se encuentra repleto de hormigas, un insecto, que en las
diferentes obras de Dalí siempre ha estado relacionado con el erotismo. Hay que decir que
este tipo de reloj se suele siempre llevar próximo a la zona genital, por lo que en esta
ocasión la relación parece clara.
Análisis formal: Ya referente al análisis formal, y en lo que respecta a la concepción
espacial, vemos un espacio claro, luminoso y diáfano con una enorme profundidad,
dominada por la horizontalidad, únicamente alterada por la verticalidad que marca el árbol
del segundo plano. Por otro lado, la figura central con sus formas sinuosas y ondulantes
parecen dar un ritmo lento a la obra.
El dibujo es lineal y bastante preciso demostrando una vez más sus dotes académicos, y
es que a pesar de tratarse de un paisaje onírico y con elementos surrealistas, Dalí ha sido
capaz de captar cada uno de ellos con un gran detallismo y perfección.

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En lo que respecta al color, el artista español ha marcado una clara división con la
utilización de colores cálidos dominados por colores terrosos para el primer plano, que
contrastan con los más fríos y luminosos dominados por los azules del segundo plano.
Otro de los puntos a tener en cuenta es la luz, dado que desempeña un papel muy
importante, que no es otro que el de contribuir a configurar una atmósfera más onírica y
delirante. Para ello establece como una especie de división en el cuadro, donde el muro y el
fondo aparecen fuertemente iluminados por la luz del atardecer, mientras que se establece
una gradación hacia la oscuridad desde el rostro a la esquina inferior derecha.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una

granada un segundo antes de despertar , Salvador Dalí
Identificación: Es un óleo sobre tabla creado en 1944 por Dalí, es
del estilo surrealista y se encuentra en el Museo Thyssen , Madrid.
Analisis:En Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor
de una granada un segundo antes del despertar se representa a
Gala desnuda, levitando dormida sobre una roca en un tranquilo
paisaje marino. Gala fue la esposa y musa de Salvador Dalí
durante muchos años. Bajo ella flotan dos gotas de agua, una
granada y una abeja que revolotea alrededor. El zumbido de la
abeja provoca el sueño de Gala, materializado en la parte superior
por la explosión de otra granada, de la que sale un pez, por cuya
boca surgen dos tigres y una bayoneta. El arma, un segundo más
tarde, despertará a Gala.
Es un cuadro de carácter figurativo, se distinguen perfectamente
las figuras y predomina sobre el color. A la vez, en el color
predomina el azul del fondo y en la parte central el color
anaranjado del acantilado y de los tigres se hace notar. Las
sombras no son negras y el cielo se diferencia del mar porque en el horizonte el cielo es
blanco. Atendiendo el ámbito de la luz, hay una fuente de luz que no se ve en el cuadro
pero que tiene origen en la derecha.
En el fondo, un elefante con largas patas de insecto, lleva un obelisco en el lomo, hay un
contraste entre el cuerpo pesado y las largas patas de insectos que lo sostienen, esto
refuerza la idea onírica. Para realizar el elefante el pintor se inspiró de la escultura de
Bernini (siglo XVII) «Pulcino della Minerva«, la obra se encuentra en la plaza de Santa Maria
Sopra Minerva en Roma. Dalí va a representar posteriormente el elefante en otros cuadros
como: «La tentación de San Antonio» y «El elefante espacial».
Podemos observar que el cuadro es un paisaje marino, probablemente la costa de Port
Lligat, a la que se mantendría fiel en sus lienzos y que es el paisaje de su infancia, una
bahía abrazada de rocas. El cuadro lo pintó Dalí como consecuencia de un sueño que tuvo
Gala sobre una abeja que volaba en torno a una granada.

Para los pintores surrealistas los sueños eran el tema principal de sus obras, Dalí forma
parte de esta corriente y en sus lienzos quiso imprimir el subconsciente, sus obsesiones, y
sus fantasmas. Dalí en sus obras surrealistas pinta un universo simbólico muy personal.

Un perro andaluz, Salvador Dali y Luis Buñuel

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Identificación: Fotograma de 1929, su estilo es surrealista.
Análisis:En Un perro andaluz (Un chien andalou) no aparece ningún perro ni ningún
andaluz. Se cree que el título es un «homenaje» surrealista a Federico García Lorca, que ya
estaba enemistado con los directores. El poeta desde luego se dio por aludido.
Buñuel tenía 29 años (fue su primera peli) y Dalí 25. Ambos decidieron hacer un cine
experimental, surgido lo más directamente posible del subconsciente. Buñuel declaró:
«Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar
idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural».
Efectivamente, todo en la película escapa de la lógica. El guión, escrito en seis días,
plasmaba las primeras imágenes que les venían a la mente a los dos jóvenes, entre ellas la
famosa navaja en el ojo (que nadie se asuste… en realidad era el ojo de una vaca
comprado en una carnicería).
Imagina el desconcierto de la gente cuando vio la película en el estreno. No sólo por la
escenita de la navaja…. Sexo, violencia y sacrilegios están en casi todos los fotogramas:
Burros putrefactos (una posible alusión a «Platero y yo», que ambos artistas odiaban),
manos con hormigas (referente en la obra de Dalí), obispos arrastrados…
Por si acaso, en el estreno, Buñuel se quedó tras el escenario armado con piedras,
oliéndose un linchamiento.
El caso es que Un perro andaluz se convirtió en una indiscutible película de culto que marcó
a miles de cineastas y otros artistas posteriores, desde Magritte o Man Ray a David Lynch o
los Pixies.

Objetos colocados según las leyes del azar,

Jean Arp
Identificación: Es una escultura creada en el
1926, su material es madera y pintura al oleo y la
técnica utilizada es el relieve
Análisis: El azar fue un componente esencial de
la obra de Jean Arp desde la creación del primer
grupo dadaísta en Zúrich durante la Primera
Guerra Mundial y Arp no lo trató como un mero
fenómeno, sino como ley subyacente a la
creación, un aspecto que le acercará al
surrealismo a partir de 1925: «El surrealismo me
apoyaba, pero no me podría cambiar. Quizá
acentuó el aspecto poético asociativo de mi
obra»
En esta obra, el artista distribuyó formas talladas en madera de forma aleatoria, en un
proceso que describió con las siguientes palabras: «Me dejo llevar por la forma que nace y
confío en ella. Las formas pueden ser agradables o extrañas, hostiles, inexplicables, mudas
o somnolientas. Nacen por sí mismas y me parece que yo no hago más que desplazar mis
manos». Esta obra documenta el primer período del surrealismo que, desde su origen
literario, busca formas de aplicación a las artes plásticas.
En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar, collages
tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece
equilibrios entre vacíos y volúmenes. (No encuentro nada más)

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El carnaval de Arlequín, Joan Miró
Identificación: Esta obra usaba la técnica de óleo
sobre tela, fue hecha en 1924-1925, ahora mismo se
encuentra en Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.Esta
obra es considerada como el inicio del surrealismo de
Miró pero no consecuencia de imágenes de los sueños
como afirmaba Bretón , sino relacionadas como él
mismo, Miró escribió que estaban relacionadas con las
alucinaciones provocadas por el hambre en una
situación de penuria económicas.
Análisis iconográfico: CENTRO DEL CUADRO :En la
parte inferior una botella muy esquemática que al ser
descorchada provoca que salga el humo blanco de los
sueños de mujer mientras que el humo o color negro
se transforma en un brazo que atraviesa el cuadro y
acaba en una mano blanca que sostiene la escalera
símbolo de la evasión hacia la libertad. Esta cinta blanca y el brazo negro son los ejes que
dividen el cuadro verticalmente y horizontalmente. A continuación y a su izquierda una
guitarrista, su brazo izquierdo inicia con la guitarra una canción como simboliza el
pentagrama que parece ser seguida por el trino del pájaro rojo sobre fondo amarillo,
mientras su brazo derecho sostiene una cinta con los colores de la bandera española. La
condición de que la guitarrista sea mujer es sugerida por el tipo de sexo-araña en el que
introduce su pico un ave que es una referencia al ave Fenix.
IZQUIERDA: El arlequín luce un gran bigote , está cogido un pequeño insecto azulado que
parece perder sangre y pone tres huevos grandes en relación a su pequeño tamaño
simbolizando la creación, El arlequín tiene barba de pocos pelos , lleva sombrero , traje de
de arlequín o traje de corte inglés con pajarita , fuma en una pipa de la que sale humo y
un gran sexo erecto que acaba en forma triangular.
En su cuerpo presenta un hueco alusión al estómago vacío por el hambre que padece el
pintor.
El arlequín lleva en una mano una pequeña paleta triangular de pintor y en su otra mano
una flauta que se va a transformar en una vela cuyo humo a su vez se transforma en un
dragón.
DERECHA: Sobre el suelo dos gatos vestidos de arlequín que juegan con un ovillo.
A la izquierda del gato amarillo surge un elemento en forma de insecto , tal vez libélula, con
grandes alas azules que parte de unos grandes huevos, el de la parte inferior con una
media luna. De su cabeza surge una llama roja. Sus formas sinuosas parecen vincularse o
asociarse con lo femenino. Una mesa (como alusión a la comida y al hambre) en escorzo
de color azul que se sostiene sobre una sola pata y en la que están presentes : un pez
que parece nadar en el mar azul, dos frutas una germinada de la que sale un tallo y hojas ,
un libro abierto con las páginas en blanco y un mantel, aunque otros opinen que se
representa a una paloma con sus alas abiertas y su pico amarillo.
Análisis formal:En la escena se puede decir que existe horror vacui
En la composición se pueden percibir dos ejes uno vertical formado por la sinuosa forma
blanca y un eje horizontal formado por el brazo negro sinuoso que divide el suelo y la
pared y dos espacios de colores diferentes la pared de color beige claro y el suelo de
beige oscuro.

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Otras líneas o ejes son la vertical de la escalera que se contrarresta con la vertical del
marco de la ventana, el escorzo de la mesa
En la composición de las figuras predominan las líneas curvas y formas circulares que
dotan de dinamismo a la escena.
El cuadro tiene gran cromatismo colores primarios , secundarios y complementarios que
se aplican de forma plana , pero destacan sobre todo los primarios (amarillo, rojo , azul)
separados por blanco y negro
El tratamiento del espacio. Miró representa los elementos surrealistas en un espacio o
perspectiva clásica. El suelo se eleva, el color de la pared más claro, el escorzo de la mesa
y el color azul de la ventana crean efecto de profundidad.
El tratamiento de las figuras es antinaturalista mezclando miniaturas de objetos reales
como una guitarra, un dado, gatos ... con otros elementos inventados por su imaginación.
Todos estos elementos gusanos, amebas, insectos parecen flotar.

Composición rojo, amarillo, azul y negro, Piet Mondrian

Identificación: Es una obra creada en 1921 por Mondrian, un
óleo sobre lienzo actualmente se encuentra en el
Gemeentemuseum (Países Bajos)
Análisis: Mondrian realiza obras que nos parecen muy sencillas
en la forma pero que resultan muy complejas en el concepto. El
resultado es una composición completamente equilibrada, donde
el color, forma y disposición están estudiados según un perfecto
orden mental e influenciadas por sus creencias espirituales, en
especial la teosofía.
Lo horizontal y lo vertical representan los polos opuestos de la
existencia: lo espiritual y lo material, lo masculino y lo femenino, lo
positivo y lo negativo, descanso y actividad.... «Su unión», escribió
el propio Mondrian, «es la felicidad».
Su gran objetivo sería la “ desnaturalización “ como forma de renunciar a cualquier forma
de representación mimética de la naturaleza siendo sus obras rigurosamente abstractas.
La composición se caracteriza por un conjunto de cuadros realizados en colores primarios
(rojo, amarillo y azul ) porque son los que combinándolos se puede formar la gama de otros
colores (verde, naranja, morado … ) y planos porque carecen de diferencias de tonos y
llenos de energía .
Estos colores tienen delimitado su espacio por líneas negras y en algunos cuadros
interiores se terminan en blanco . Con ellas se limitan espacios haciéndolos más pequeños
, más grandes, más anchos, más estrechos o más altos , Por este motivo toda obra se
individualiza y crea diferentes sensaciones como constricción, expansión ,
Las líneas no tienen todas el mismo grosor, para evitar la sensación de caída de un color
rojo la línea tiene que ser más gruesa para contener ese efecto. El resultado es una
expresión más dinámica que estática
Carecen de bordes, con ello el color se puede expandir y el espectador entrar o salir .
Parecen así que los colores están suspendidos
Se omite cualquier línea curva o diagonal y todo aspecto que implique profundidad o
movimiento.No existe efecto de tridimensionalidad
La visión óptica de esos colores y entramado por el espectador es lo que crea el ritmo.

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Edificio Chrysler,Van Allen
Identificación: El edificio Chrysler es un imponente rascacielos
de estilo Art Decó construido en la ciudad de Nueva York entre
1928 y 1930 y el vertiginoso ritmo de las obras llevó a construir
una media de cuatro plantas a la semana
Analisis: Chrysler quería que su nuevo edificio reflejara la
magnificencia de su compañía siendo el rascacielos más alto del
mundo por ello, se estableció una dura competencia con otro
edificio que se estaba construyendo por aquellos años para el
Banco de Manhattan. Éste se había proyectado con una altura de
43 pisos pero cuando Van Allen anunció que las plantas del
Chrysler serían unas 68 plantas de 270 metros de altura, el
arquitecto del Banco, el antiguo socio de Van Allen, Craig
Severance, modificó su proyecto aumentando las plantas de su
rascacielos hasta un total de 63 con 280 metros de altura. Ante
esta situación Van Allen vio comprometido su gran proyecto por lo
que optó por modificar la estructura de la parte y disponer como
cierre del edificio una gran aguja de acero llegando así a los 319
metros de altura.
La construcción de este edificio se llevó a cabo en el distrito Este
de la isla de Manhattan en el cruce de la Avenida Lexington con la
Calle 42. Las excavaciones del solar movieron más de 38.000
metros cúbicos de piedra. En cuanto a los materiales
constructivos debemos destacar el acero y el hormigón. Al
exterior el edificio el edificio es recubierto por losas de ladrillo
blanquecino y gris que enmarcan las columnas de vanos
rectangulares que iluminan el interior de la construcción.La cúpula
fue realizada con vigas de acero curvadas y el exterior es cubierto
con planchas de acero Nirosta por petición expresa de Percy Chrysler. Aunque ya era
conocido el Nirosta nunca se había utilizado con este fin, sin embargo Percy pensó que
sería adecuado por su alta resistencia a los agentes externos, es inoxidable, y por el brillo
que otorga a la parte alta del rascacielos contrastando con el mate de las losas de ladrillo.
La progresión exterior de la cúpula imita, con las placas de acero de forma triangular, los
rayos del sol. El resto de la decoración exterior son elementos que hacen referencia a la
empresa automovilística de Chrysler: las gárgolas con forma de águila de la planta 61, las
decoraciones imitando a los radiadores y tapacubos…
En el interior tampoco se escatimó en gastos, el acceso se hacía a través de un vestíbulo
cuyas paredes eran recubiertas por espléndidos mármoles de origen africano y en el techo
un imponente mural con referencias a la energía, el trabajo, el progreso… realizado por
Edward Trumbull.

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El profeta, Pablo Gargallo
Identificación: Escultura creada en 1936 por Garballo, estilo cubista y su material
es el bronce, actualmente se encuentra en el museo Reina Sofia.
Análisis: Esta escultura está considerada la obra principal del artista Pablo
Gargallo, el cual es aragonés, representa una figura humana realizada por
planchas de metal recortadas, dispuestas alrededor de un eje central constituido
por la cabeza, la columna vertebral y la pierna izquierda.
A partir del eje anteriormente mencionado, se insinúan las diversas piezas del
cuerpo, fabricadas todas por medio de las ligeras planchas metálicas que se
desarrollan en el vacío, de esta forma el aire pasa a ser una parte interna de la
escultura. Se produce un juego muy interesante, el cual permite el vacío
mencionado, de formas cóncavas y convexas, se produce una mezcla de espacios
vacíos y llenos que contribuye a esta figura una gran expresividad y causa una
fuerte impresión emocional.
Del mismo modo, las diversas planchas dentadas que otorgan forma a los cabellos y a las
ropas confieren tensión al conjunto y una gran movilidad formal.
Es interesante recalcar cómo el juego de curvas y contracurvas de las planchas de metal
enfatiza más los contrastes de luz y sombra, y forma lo que llamaría el escultor en cuestión
volumen virtual, dicho de otro modo, que puede ser envuelto por el
espectador.

Autorretrato de Bugatti Verde, Tamara de Lempicka

Identificación: Autorretrato en óleo sobre tabla creado por Lempicka
en 1929, su estilo es el Art Decó.
Analisis: La obra es un pequeño óleo sobre tabla (35×27 cm) que
reúne las características técnicas y artísticas del Art Déco y de la
pintura de la artista.
Tamara Lempicka se retrata como una mujer independiente y elegante
conduciendo un Bugatti verde símbolo de lujo y modernidad. Los
Bugatti son los coches más potentes de los años 20 (ella sólo tuvo un
Renault amarillo). Se considera un homenaje a Isidora Dunca,
bailarina, para muchos la creadora de la danza moderna, que murió a
los 50 años en un accidente de tráfico en Suiza. La leyenda dice que
estrangulada por el chal que llevaba al cuello al enredarse en la rueda del Bugatti que
conducía.
La obra representa muy bien el espíritu de los años 20, por un lado las ganas de vivir, una
vez superada la tragedia de la Primera Guerra Mundial. Por otro lado, la figura femenina
comenzó a ser una pieza clave de la modernidad, las mujeres ya habían demostrado su
valía en la Gran Guerra y ahora, luchan con fuerza por tener su lugar.
La composición del cuadro la resuelve con un primer plano cerrado de una mujer al volante
posando sobre la puerta izquierda de un deportivo, con mirada intensa, tez nacarada,
cabellos rubios, nariz griega y labios rojos. Lempicka se retrata como una mujer
emancipada, elegante, femenina, sensual, urbana,moderna (como lo demuestra a través del
coche, vestimenta, peinado y maquillaje). También tiene el toque garçonné, palabra
francesa de moda en los años 20 para referirse a las mujeres que reivindicaban los
derechos y la igualdad de género adoptando una figura andrógina.