SURREALISMO

Este término fue usado primeramente por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1917

Pero fue empleado hasta 1924 por André Breton quien había sido camillero en hospitales
psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció la extraña realidad oculta tras la locura.

Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de «cambiar la vida» con eso de
«transformar el mundo». Nace así el surrealismo que según su líder «se basa en la creencia en la
realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en
el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes
mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida».

----------En la práctica, el automatismo consistía en trasponer en papel, lienzo o cualquier otro

soporte de expresión artística, un pensamiento o sueño directamente del subconsciente, sin
ejercer control estético o moral. El objetivo era que la creación artística se automatizara tal como
es automática la respiración o la acción del pestañeo. Era así un intento de protesta contra las
normas establecidas, tanto en el arte como en el ámbito social. Los surrealistas creían que la
creatividad que nacía del subconsciente de un artista era más auténtica y poderosa que la
derivada de la consciencia. También estaban interesados en explorar el lenguaje de los sueños que
creían que revelaba los sentimientos y deseos ocultos. De una forma general, se puede decir que
la idea era lograr la mayor espontaneidad posible, algo que se reveló más o menos fácilmente
en el dibujo y la escritura, pero no tanto así en la pintura, pues esta es una disciplina muy
compleja que no permite tanta espontaneidad. -------------------

fueron usadas para alcanzar la anhelada espontaneidad de creación.

Una de estas técnicas fue el frottage, que consistía en pasar un lápiz, por ejemplo, sobre una
superficie rugosa, creando así formas y texturas en el soporte para crear una obra nueva a partir
de ese material.

Otro ejemplo es la decalcomanía, una técnica en la cual cierta cantidad de tinta es arrojada contra
un lienzo o papel. Esta superficie se dobla por la mitad y al abrirla nuevamente, muestra un patrón
de tinta que sirve de material para crear una obra gracias a lo que provoca al nivel subconsciente.

SALVADOR DALÍ:

Dalí era famoso por su personalidad extravagante y su papel de provocador travieso, sus pinturas
también muestran una fascinación por el arte clásico y renacentista, claramente visible a través de
su estilo hiperrealista y el simbolismo religioso de su obra posterior.

Dalí por medio de su técnica buscó la forma de captar situaciones u objetos con una visión

libre de prejuicios que mostrara sus obras de una forma extraña. Utilizaba una
fuerte influencia psíquica, muchas figuras distorsionadas y objetos que jugaban con
el subconsciente humano. Utilizaba algunos sistemas para controlar el sueño con el
objetivo de inducirse a la creación de imágenes psicóticas que luego plasmaba en sus obras. En su
técnica se dice que por lo general pintaba en un sillón cómodo, de manera que pudiera llegar a
la relajación profunda para luego ver figuras diferentes y singulares que iban más allá de
toda lógica.
RELOJES BLANDOS-PERSISTENCIA DE LA MEMORIA:

Dalí pintó 3 relojes blandos y uno rígido. El rígido se encuentra boca abajo y no deja ver el tiempo.
Los blandos tenían dos horas diferentes que daban a entender la relatividad del tiempo. Dalí decía
que el tiempo es personal.

Para Dalí, los relojes representan la memoria que en algún momento de tu vida se acaba. Si no
cuidas de tu memoria y simplemente la sigues calentando con los constantes recuerdos del
pasado, en algún momento se acabará...se derretirá. En la obra de La Persistencia de la Memoria
todo es fugaz y el tiempo es relativo. Todo lo que perdura es solo el paisaje, así como es la obra de
Dalí.

Se dice que pintó este cuadro después de comer queso camembert……

Las hormigas en el plato representan decadencia. Como todos sabemos, las hormigas y las moscas
suelen acercarse a lo que está en putrefacción. Estos relojes están condenados a la putrefacción
por lo cual atraen a las hormigas.

FRIDA KAHLO

Ella como tal no pinto surrealismo, y decía que no le caían bien los surrealistas, pues ella siempre
pinto su realidad mas no sueños. Pero luego se le catalogaron sus obras como parte del
surrealismo pues tiene elementos simbólicos, además de que sus obras son tan bellas y tratan de
dar a interpretar algo que los clasifica dentro de esta corriente.

Las dos Fridas es un doble autorretrato en el que dos mujeres comparten el mismo asiento y sus
rostros duplicados se muestran inexpresivos. Esa actitud de las mujeres contrasta con el fondo de
amenazantes nubes, reflejo de los dolores físicos y emocionales que Frida Kahlo mantuvo
prácticamente toda su vida. Las sombrías nubes contrastan con los vivos colores del resto de la
composición; esto enfrenta al espectador con la amalgama de sentimientos encontrados de la
pintora. Kahlo nos muestra a una de las Fridas cuando todavía estaba casada con el muralista
Diego Rivera; esta luce un vestido tehuano de colores, signo reivindicativo de su nacionalidad
mexicana y al amor por su marido. La Frida soltera viste un rico vestido de encaje blanco estilo
europeo. Pese a tener los corazones totalmente expuestos, las dos mujeres se muestran
tranquilas.

Uno de los elementos simbólicos que atrapa la atención en esta obra son las rojas arterias. Estas
sirven de transfusión sanguínea, conectando y nutriendo a las dos mujeres. El intercambio de
sangre, de corazón a corazón, es el alimento energético que las dos mujeres necesitan; el
ingrediente vital para sobrellevar la soltería de una Frida y el apasionado, pero atormentado
matrimonio de la otra Frida. La imagen del retrato del niño-Diego que sostiene en la mano la Frida
casada está conectado mediante una arteria al corazón. Sin embargo, la arteria, que sale del
corazón de la Frida europea, derrama sangre a causa de un corte de tijera, manchando el vestido
blanco. Una acción que sirve de símbolo de la ruptura matrimonial y los diversos abortos de la
artista Frida Kahlo.

En la obra, Frida Kahlo hace una búsqueda de ese equilibrio necesario para sobrellevar su divorcio,
el dolor físico que arrastrará toda su vida, debido a un accidente que tuvo a los dieciocho años, y el
intenso dolor de una maternidad quedó interrumpida demasiadas ocasiones. Dolor que hizo de
Frida Kahlo una de las artistas más cotizadas e icono feminista del siglo XXI.

El caligrama es un poema visual, frase o un conjunto de palabras cuyo propósito es formar una
figura acerca de lo que trata el poema, en el que la tipografía, caligrafía o el texto manuscrito se
arregla o configura de tal manera que crea una especie de imagen visual.

Calligrammes, subtitulado Poèmes de la paix et de la guerra 1913-1916, es una colección de

poemas de Guillaume Apollinaire, publicada en 1918. Los caligramas se caracterizan por la forma
de la tipografía y la disposición espacial de las palabras sobre las páginas, que juegan un papel tan
importante como las propias palabras en el significado del poema. En este sentido, la colección
puede verse como poesía concreta o poesía visual. Apollinaire describió su trabajo como sigue:

Los Caligramas son una idealización de la poesía de verso libre y de la precisión tipográfica, en
una era en que la tipografía está alcanzando un brillante final en su carrera, por la llegada de
nuevos medios de reproducción, como el cine y el fonógrafo.

LA NOCHE ESTRELLADA

Este cuadro fue pintado por Van Gogh dentro del hospital psiquiátrico  en el que se
encontraba después de haberse cortado el mismo la oreja. En este cuadro  quiso expresar
todo el dolor que sentía e incluso se imaginó como sería la vista al exterior y así la reflejó
en el cuadro. Los trazos del cuadro reflejan la desesperación, la angustia y el deseo y afán
de encontrar la luz donde no existía.