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Automatismo: partiendo del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la

creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto aprendemos a copiar a


través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro
inconsciente. Por tanto todos los medios de expresión son válidos.
Formas abstractas
Onirismo
Predomina ensaje sobre la obra o la técnica
Multitud de temas: destacan muerte, sexo, mente
Estilos muy personales
Uso del collage: ensamblaje de elementos diversos en un tono unificado

4.) Corrientes: Observamos dos vertientes. El surrealismo


abstracto, donde artistas como André Masson, Miró o Paul
Klee crean universos figurativos personales a partir del
automatismo más puro. Y Ernst, Magritte o Dalí que se
interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo
cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque
totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Surrealista abstracta: miró, masson, klee
Surrealista figurativa: dalí, Ernst, magritte
5.) Miró nace en Barcelona en 1893, pintor, escultor, ceramista y grabador, gran
producción artística, sufrió crisis que le llevó a retiro en un pueblo donde comienza
etapa artística, lenguaje muy personal: detalle, minuciosidad, multitud de elementos.
De hecho miro siempre se va a inclinar más por los pequeños elementos que por las
grandes estructuras.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples,
con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el
claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de
expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo
irracional.

 el carnaval del arlequín,


se ha convertido en un manifiesto grafico del surrealismo orgánico. Una obra de interior,
una habitación con una ventana a través de la cual vemos un paisaje. Toda ella cuajada de
elementos que flotan, elementos que conforman una composición dinámica. Como hasta
ahora elementos con apariencia de realidad (como insectos o animales mamíferos, ojo,
escalera)… elementos con valor simbólico, por ejemplo, la escalera que es una vía de
escape. La ejecutó en una época en que el artista pasaba por momentos difíciles y de gran
penuria, también alimentaria
La esencia de esta explicación es que estos objetos simbólicos se mezclan con otros
objetos en la habitación sin que ello afecte a la expresión artística. Los surrealistas creían
que esta expresión artística era otra forma de percibir y reaccionar ante el medio
ambiente; la realidad es el resultado del subconsciente que ellos expresaban mediante
sus obras e interpretaciones que pueden parecer aparentemente irracionales. Este mundo
inconsciente y imaginativo fue un medio pictórico para lograr expresar en la forma del
cuadro su experiencia vital y su memoria
 interior holandés I (de varios)
Reinterpretación de algunos cuadros que él conoció de esos pintores holandeses del siglo
XVII y que persiguen ser una metamorfosis de la realidad a la fantasía.
está basada en la obra de H. Sorgh El tocador de laúd. En realidad el pintor respeta la
mayor parte de los elementos que aparecían en la pintura de Sorgh – aparece el hombre,
la mujer, el perro…- pero reinventados bajo una estética muy personal que el español ya
no abandonaría en toda su producción.
 mujer, pájaro y estrella

5.) Magritte
Belga. 1898. Uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque
emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos
inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas,
ambientes externos e internos Aparecerán en su obra objetos cotidianos pero con
elementos que causan extrañeza. Se acercara más a la realidad. La paradoja será un
elemento fundamental en su obra. Subraya con los títulos sus obras que él aseguraba que
tenían relación con lo representado pero de manera poética. A partir de imágenes
ambiguas, ingeniosas, pretende cambiar la percepción de lo conocido

 Ceci n’est pas une pipe, La traición de las imágenes


Representa una pipa. El titulo aluce a que no es una pipa real, precisamente porque es
una representación pictórica. El propio artista sostenía que si hubiera escrito “esto es una
pipa” habría mentido.
La idea de Magritte era la de provocar una sensación en el espectador de incredulidad y
negación de la imagen. Y lo consigue porque al tiempo que lo leemos lo negamos, ya que
para nosotros es una pipa.
Otra cuestión importante para el pintor es si es necesario que un elemento tan
perfectamente dibujado necesita de una leyenda que lo aclare. Esto entronca con la idea
de Magritte de la importancia de la subjetividad del espectador en la interpretación de los
cuadros, y de cómo el pintor puede, introduciendo determinados elementos, condicionar
esa percepción o provocar un efecto en él.
En este sentido hay que pensar que si no existiera la leyenda, o nosotros no pudiéramos
leerla, el cuadro ya no sería lo que es.
 golconda,
es una lluvia —o una elevación, según se mire— de hombres con abrigo negro y bombín,
similares a Magritte, en un entorno urbano también parecido al del pintor en Bruselas.
Magritte hace referencia a “la maravilla de andar sobre la tierra a través del suelo” él
hace visible la imaginación de todos cuando por momentos mirar al cielo sirve como
escape y hace presente el deseo de suspenderse en el aire cerca de las nube, tomando
imágenes que nos son tan cotidianas, como lo son edificios, el cielo y hombres,
descontextualiza y nos muestra estos tres elementos dentro de un mismo plano haciendo
atribución a lo maravilloso que sería caminar sobre el cielo, pero al mismo tiempo
ridiculizando al ser humano en su afán de pertenecer intentando ser igual a todo lo que le
rodea, perdiendo su identidad. Una lluvia de hombres sin identidad.
 espejo falso,
Representa un ojo en primer plano de tal manera que todo el cuadro es un gran ojo, pero
éste a su vez, es un falso espejo que contempla y refleja las nubes blancas y un imaginario
cielo azul. El iris del ojo refleja imágenes del mundo real. Vemos que este ojo no es real
sino que a la vez es un espejo o una ventana falsa e irreal, a través de la cual vemos una
parte de la realidad, el cielo azul con nubes. El ojo sería como una puerta que separa el
mundo real del irreal. Como si fuera nuestro ojo el que mira y a través del cual vemos el
cielo. A la vez, este ojo clava su mirada en el espectador. Tiende hacia la
bidimensionalidad. No hay perspectiva ni profundidad. Se unen el ojo y el cielo azul
dentro del ojo en un todo a modo de una ventana abierta hacia la realidad. El objetivo que
busca con este tratamiento espacial es crear una escena irreal. Colores fríos, sin rastro de
emotividad
 los amantes
6.) Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros
presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. De hecho, se da una
identificación personal con la producción artística que realizaba. Nace en 1904 en
Figueras, Gerona. Múltiple inspiración: Gala, la muerte de su madre, interpretación
de sueños, paisajes catalanes… Le caracteriza la provocación y su método
"paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se
alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al
sexo y la paranoia.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras
sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
 Gran masturbador
Es una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos, ideas fijas en
donde aparece la forma expresiva del joven Dalí. Es el tema de la masturbación, muy poco
conocido en la historia de la pintura. Existen algunas en el expresionismo europeo en
dibujos y el único precedente es el de Goya en sus pinturas negras. El tema central es una
masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la
izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de Dalí, cuyos orígenes comienzan en el año
1927 con sus cabezas desdobladas, como en la obra Naturaleza muerta al claro de luna
malva, donde el retrato de Dalí está visto de perfil, como germen de donde saldrá el
caricaturizado "gran masturbador".El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el
lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte,
desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy
marcado y en la cabeza está pinchada un ancla que podría aludir a las exigencias de su
familia del año 1929. La otra figura, a la izquierda, puede ser también Dalí cortando las
redes con su familia. Es la huida del contexto español, familiar y catalán a la vanguardia
surrealista parisina.El modelo de la mujer pertenece a un cromo modernista que procede
del prerrafaelismo inglés y alude a Gala. Es el dilema del mundo que le abre Gala; el lirio
representaría la idea de purificación. El escenario crea una atmósfera desolada, un paisaje
extenso que remite a la metafísica del italiano Giorgio de Chirico. La pareja abrazada
debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a Dalí. Por su parte, la mujer modifica su
sustancia con carácter rocoso, aludiendo a sus primeros encuentros con Gala en las rocas
de Cadaqués.
 Persistencia de la memora
espacio real. Paisaje costero, catalán. Arenoso con el mar al fondo, roquedos. Solitario,
metafísico.
Aparecen elementos extraños. Una especie de mesa de la que nace un árbol. Ser amorfo,
gelatinoso. Relojes duros que se convierten en cosas maleables. Relojes que marcan unas
horas concretas. Soledad inquietantes. Hormigas (deseos y almas de los muertos). Relojes
(paso y descomposición que ejerce el tiempo, espejo ene l que uno se refleja).
Contraposición de calidades: lo blando y lo duro. Un concepto que Dalí entre saca del
psicoanálisis de Freud. Lo blando representa lo pasajero, lo mortal. Y lo duro: lo perenne,
lo geológico, lo eterno.
La teoría de Dalí sobre lo blando y lo duro encuentra en las estructuras de los relojes su
máxima expresión, sobre todo como manifiesto del tiempo que se come y que come.
Alude al aspecto que obsesiona al hombre del siglo XX: espacio-tiempo. Después del
conocimiento y las consecuencias de la relatividad, de las teorías de Einstein que
perturbaron al mundo e influyeron en todo, la obsesión por el paso del tiempo y la
obsesión por el espacio fueron los argumentos más utilizados por Dalí en su arte.Es, por
otro lado, la culminación de la imagen del gran masturbador, que había tenido un gran
impacto en el espectador. El reloj no sirve, no es materia, no funciona, de manera que
aparece la estructura blanda simbolizando la idea pasional, vivencial y no racional, sobre
la cabeza del gran masturbador como una masa viscosa, con un ojo, una pestaña y una
gran nariz. Es el triunfo de los sueños que no están controlados por nada, es el canto al
triunfo del deseo sobre la realidad. En definitiva, la capacidad de Salvador Dalí para
mostrar, mediante imágenes inéditas, los mitos eternos del ser humano. Otros estudiosos
insisten en la victoria del deseo sobre la presencia obsesiva del tiempo. Parece que estaba
vinculado a una reflexión sobre la teoría de la relatividad, en la cual la postura de Dalí, que
abogaba por acabar con el existencialismo y con la angustia del hombre ante su propio
destino, lideraba a un gran sector del público.
 retrato de mae west,
Hacia los años 30 Dalí comienza a interesarse por la decoración de interiores. Es el mismo
momento en que la actriz Mae West, tras una larga carrera teatral, es elegida junto a Dalí,
famoso del año 1934 por la revista "Vanity Fair". Su popularidad entre el público
americano, sobre todo por su físico y su cuerpo, convenció aún más a Dalí para realizar
algunas obras sobre ella. Su físico cercano a un objeto fue considerado por los surrealistas
como un maniquí.
El teatro que imagina Dalí lo preparó para que fuera el Teatro-Museo Dalí de Figueres. Fue
construido por el arquitecto Óscar Tusquets en cooperación con el artista.
Dalí transforma el rostro de la actriz en un lugar donde no se hallan los sueños sino en un
sitio donde vivir, en una habitación surrealista. Existe un juego de imágenes dobles. La
realidad se difumina para crear una nueva imagen que a su vez se vuelve a evadir. Como
es costumbre en su obra mezcla lo duro, representado por el parqué y las losas del suelo
con lo blando, encarnado por la nariz, la boca y el pelo pero también simbolizando
cualidades sexuales. Sobre todo, la boca de la actriz representaría además sus genitales.
 sueño provocado por el vuelo de una
El centro de Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un
segundo antes de despertar (Revé causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade,
une seconde avant l'éveil), este cuadro onírico complejo y virtuosamente pintado, es Gala,
la esposa de Salvador Dalí. ¿Es ella la que sueña o es simplemente parte de una visión del
pintor o del espectador? Tanto la construcción espacial del cuadro como su compleja
estructura temporal hacen difícil encontrar una respuesta unívoca a esta pregunta, que
aborda los verdaderos problemas de la obra.
Gala dormida flota en el mar desnuda y tendida sobre una placa de piedra. La superficie
del agua luminosamente azul está sobrenaturalmente tranquila, como subrayando el
silencio mágico del acontecimiento pictórico en el cielo. Se trata de una escena plena de
dramatismo. De una granada surge un pez y de su boca, la cabeza y las patas delanteras
de un tigre, de cuyas fauces, a su vez, salta otro tigre. Finalmente el cuerpo del segundo
felino, en disposición de ataque y lanzado hacia la durmiente desnuda, se prolonga en un
fusil con la bayoneta calada cuya punta se clava en el brazo de Gala. La picadura de abeja
sugerida en el título del cuadro constituye una amenaza real para la durmiente, quien en
sueños la transforma en una picadura simbólica, ideológicamente cercana a muchos otros
cuadros y representaciones.
En esta pintura, Dalí refleja no sólo el distanciamiento de la realidad propio del sueño,
sino también la capacidad de éste para recoger en un momento un acontecimiento
complejo. El pintor consigue que pueda percibirse en un solo instante una acción con
múltiples motivos. Como el durmiente que al despertarse de un sueño de sólo unos
segundos de duración cree haber visto una película larga y complicada, así percibe el
espectador de este cuadro de Dalí la singular temporalidad de lo representado.
En un momento se despliega sobre la cabeza de Gala una serie de monstruos cuya
descripción verbal sería muy prolija, mientras simultáneamente avanza por el horizonte
portando un obelisco un elefante con larguísimas patas de insecto. Es la caricatura de la
famosa estatua de elefante de Bernini, en Roma, que si bien tiene su origen en un
contexto real, sin embargo, se inserta armónicamente en el acontecimiento onírico, que
se atiene a su propia lógica. Al mismo tiempo descubrimos en el primer plano del cuadro
un eco del acontecimiento principal en forma de una granada con una abeja volando a su
alrededor.
Se trata en cierta medida del comentario del pintor, que enmascara su interpretación
como parte del sueño, al igual que en la pintura medieval el autor de un cuadro ocultaba
su significación tras referencias alegóricas. Profundo conocedor de la historia y de la
tradición de la pintura europea, Dalí suspende la granada entre dos gotas de rocío,
evocadoras de las perlas de Venus, y así matiza el símbolo de la fecundidad que proyecta
una sombra con forma de corazón. Según parece, la relación de la granada con el
simbolismo fálico de la serie de agresores lanzados contra la durmiente se inserta en la
relación entre Dalí y Gala, cuya importancia como musa, amada y asesora del pintor es
incuestionable. Dalí amplía la estructura específica del sueño, construida en su pintura
desde una perspectiva espacial y temporal, de un modo que lo destaca como autor de la
visión, pero sobre todo como creador soberano del cuadro.

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