ARTE BARROCO

Estética actualizada

25 DE NOVIEMBRE DEL 2021

UNIVERSIDAD MICHOACANA DE SAN NICOLAS HIDALGO
Yara Elizabeth Garcia Vivas
Introducción

Fue una tendencia artística que se desarrolló primero en las artes plásticas y luego se manifestó en
la literatura el teatro y la música y es por eso que toda la cultura de ese periodo incluyendo
costumbres valores y relaciones sociales es llamada barroca. Su nombre deriva de la palabra
portuguesa para las perlas irregulares, quería decir extravagante y desordenado. Con el tiempo no
sólo perdió ese sentido peyorativo, sino que se usó para describir otros aspectos de la cultura de la
época. Y aunque nuestro punto es el arte también se habla de una religiosidad, mentalidad y hasta
una ciencia barroca, todo está conectado por eso se define como un período de la historia cultural
y expresa todo el contraste como la espiritualidad, el teocentrismo de la edad media, el racionalismo
y el antropocentrismo del Renacimiento. Fue un movimiento artístico que se desarrolló entre las
últimas décadas del siglo 16 y las primeras del 18 principalmente en Europa y América con centros
en Italia España y los Países Bajos. Cada lugar cuenta con muchas continuidades del renacimiento,
pero también rechaza su fundamento creando una estética original y profundizando lo que el
manierismo comenzó. Principalmente ya no busco una belleza idealizada, sino que se caracteriza
por el movimiento, la atención, la emotividad y la complejidad. El mundo era muy diferente y con él
cambiaron los gustos estéticos. El siglo XVII fue bastante sombrío: hubo un descenso demográfico,
pestes, e incluso el clima fue el más frío en mucho tiempo causando problemas en la agricultura.
Además, estuvo repleto de guerras como la guerra de los 30 años (la más sangrienta de Europa hasta
el momento). En política los Reyes buscaron el poder absoluto destacándose Luis 14 el rey sol de
Francia. Incluso en filosofía Descartes, exponente del racionalismo, concluía que sólo podía estar
seguro de que existía porque pensaba. Hubo dos barrocos: uno protestante y burgués en el norte
de Europa, y otro católico y monárquico en el sur, aunque había casos mixtos como Inglaterra.
Arquitectura
La arquitectura barroca fue concebida en relación con el espacio donde
se ubican. Los edificios como en Italia predominaron las construcciones
con líneas curvas, formas dinámicas y caprichosas. Lo más destacado
proviene de la Europa católica y monárquica ya que son iglesias y
gigantescos palacios. Su característica principal es la abundante
ornamentación sin dejar espacios vacíos en los muros, se mantienen
elementos de la antigüedad como las columnas (que de ser griegas
pasaron a inventar columnas salomónicas como las del Baldaquino de
San Pedro), arcos y frontones, pero se multiplican, sobre todo se ven
muchas más líneas curvas. Aumenta la escala
de los edificios. En Italia probablemente el
más importante sea la fachada de la Basílica Ilustración 1 Iglesia de Santa Maria Delle
(“Baltasar Longhena,” 2012)
de San Pedro en el Vaticano. En Francia
destaca el Palacio de Versalles que construyó Luis XIV. En España existen
muchas iglesias como la Catedral de Murcia. Algo interesante es como el
estilo se mudó a América, donde se encuentran Santa Prisca de Taxco en
México y la Iglesia de la Compañía en Cuzco. Un ejemplo de distinción con
las obras renacentistas es la Basílica de Santa María Novella en Italia a la
Fachada de Santiago de Compostela en España.

Ilustración 2 San Carlo Alle Quattro Fontane, Roma (ArtChist, 2014)

Escultura
Las esculturas barrocas son dinámicas y naturalistas donde se buscó
representar la psicología de los personajes, así como los estados de ánimo
y también los sentimientos. Al ser también un arte costoso se desarrolló
principalmente por encargo de nobles y reyes. El escultor más importante
sin duda fue Gian Lorenzo Bernini no sólo hizo El David (que se diferencia
mucho con el de Miguel Ángel que pareciera estar posando y este coloca
todas sus fuerzas en atacar con su honda, uno prioriza
la perfección anatómica mientras que el otro la acción
y la emoción), sino que entre sus muchas esculturas
las más destacadas, una de ellas es El éxtasis de Santa
Teresa, una obra que combina detalles de
movimiento y expresividad. Por otro lado, tenemos a
la Fontana Di Trevi en Roma de Nicola Salvi. Destaca Ilustración 3 (“Éxtasis de Santa Teresa,” 2017)
también el Transparente de la Catedral de Toledo de Narciso Tomé. Haciendo
una pequeña diferencia a las obras del renacimiento tenemos La piedad
también de Miguel Ángel con la de la catedral de Notre Dame donde el rostro
de la segunda muestra mucha más tristeza que en la primera.
Ilustración 4 David (Gian Lorenzo Bernini, 2015)
Pintura
Su tarea fue la búsqueda de representar la realidad tal cual es, sin idealizaciones ni embellecimiento
de los elementos y también la búsqueda de representar el movimiento y el momento culminante
de la acción. La evolución más importante tiene que ver con el dominio de la luz, los pintores usan
pinceladas gruesas para reproducir mejor las luces y sombras con las que resaltan partes de la
escena y le dan naturalidad y dramatismo. Por otro lado, la composición también se complejiza con
más detalles llegando a veces a ser sobrecargado, además se busca un
movimiento en las escenas por lo que suele parecer que estamos viendo
un instante congelado en el tiempo, como si en cualquier momento los
personajes fueran a moverse y para esto se utilizan muchas líneas curvas
y diagonales que transmiten tensión y acción. Por último, algo muy
característico es que al no buscar esa belleza idealizada los pintores no
tienen miedo de mostrar alegría, sufrimiento, esfuerzo, tristeza o incluso
fealdad, el barroco es más cercano a la realidad que el renacimiento. Las
pinturas religiosas e histórico mitológicas siguen siendo muy populares,
pero también se multiplican otras como paisajes, autorretratos,
naturalezas muertas y las llamadas pinturas de género que muestran
escenas de la vida cotidiana. Se pintaba de todo en todas partes, pero la
demanda cambiaba: en los países protestantes se rechazaba el culto a la
Virgen y a los Santos y se desaconsejaban las imágenes religiosas y en Ilustración 5 (“Archivo:Judith Leyster Young Flute
Player.jpg - Wikipedia, la enciclopedia libre,” 2021)
los católicos el arte fue patrocinado para profundizar la contrarreforma.

En Italia, entre los pintores más importantes de estos primeros años se encuentra Caravaggio, su
estilo influenció a artistas de toda Europa, en sus obras vemos un ejemplo temprano de todas las
características mencionadas: el movimiento, el uso de la luz, la expresividad de los personajes, etc.
A veces representaba escenas de la vida cotidiana, pero se destacó por sus pinturas religiosas. No
esquiva para nada la violencia de escenas como los martirios de los Santos, después están Los
hermanos Carracci o Artemisia Gentilleschi, una de las
pocas pintoras reconocidas en esta época.

En el imperio español también hubo pintores como

Zurbarán y Murillo. En la cima se encuentra Diego
Velázquez que pintaba para el rey Felipe IV y realizó
grandes obras como Las Hilanderas, Marte o La rendición
de Breda y encontramos su obra maestra Las Meninas
donde nos encontramos con Velázquez pintando, pero no
podemos ver su obra, la mayoría de los personajes nos
miran, notamos al espejo en la pared de fondo y nos damos
cuenta de que el rey y la reina se encuentran reflejados.
Ilustración 6 Judit decapitando a Holofernes, Artemisia Gentilleschi
(“5 brillantes mujeres artistas olvidadas por la historia,” 2011)
Dentro del imperio Burgos también estaba Flandes de donde provenía Peter Paul Rubens que
también pintó para la corona española. Creó una gran cantidad de obras alternando entre escenas
mitológicas religiosas y los retratos, además es uno de los que mejor condensa las características
del estilo como se aprecia en La adoración de los Reyes Magos donde
nos hace seguir la diagonal que forman los personajes hacia la intensa
luz que sale del bebé Cristo, sin mencionar la crucifixión que se le
puede comparar con la de Rafael que se diferencian por la luz, el
movimiento de los rostros, el detalle y más interesante es la sangre
de Cristo que de un lado, en el de Rafael Los Ángeles recogen las pocas
gotas derramadas por el hijo de Dios y del de Rubens Jesús es un
hombre de carne y hueso sufriendo su sacrificio.

Siglo de Oro en neerlandés. Entre tantos pintores el más importante

fue Rembrandt, trató todos los temas que vimos incluidos una
cantidad absolutamente increíble de autorretratos. Sus obras
muestran los diferentes grupos de la sociedad burguesa y la más Ilustración 7 La joven de la perla
popular es la llamada Guardia de noche. A pesar de que en realidad (Johannes Vermeer, 2017)
transcurre de día prácticamente es un manual del estilo, ni dioses ni reyes, solo la milicia de la ciudad
a punto de marchar. Cada personaje está haciendo algo diferente pero las diagonales de lanzas,
armas y estandartes nos dirigen al capitán en el centro. Era un genio para pintar luces y sombras,
tenía pinceladas gruesas que le daban mucha naturalidad a sus obras. Pero el título de maestro de
la luz le pertenece Vermer ya que convertía escenas de la vida cotidiana en obras de arte. Su pintura
más famosa es un retrato ficticio: La joven de la perla, también conocida como la Mona Lisa
neerlandesa. Cada destello fue cuidadosamente colocado y para la perla que cuelga de su oreja sólo
necesito un par de pinceladas sueltas. Finalmente está Franz Hals.

Literatura
Los textos reflejan elementos rebuscados y casi siempre extravagantes donde
se valora los detalles en un juego de contrastes. La literatura estaba marcada
por características que evidencian el juego de palabras e ideas, además es
marcado el uso de las figuras del lenguaje como la metáfora, inversiones,
hipérbola como así también la paradoja y la antítesis. Adoptó distintas formas,
pero en general intentó impactar al lector a través de recursos como
exageraciones expresivas, complejidades en la forma y juegos de palabras,
entre otros.

Ilustración 8 de Lope de Vega (“Fuenteovejuna,” 2021)

Música
Aparecieron nuevos instrumentos musicales como el violín, la flauta traversa, los Oboe y el fagot
entre otros. Como consecuencia se enriqueció enormemente la composición musical.
Conclusión
Al inicio escuchaba al barroco como una etapa del arte histórico que sería de unos colores grises y
oscuros como lo fue con el gótico acercándose quizás más a lo rustico y considerablemente aburrida
pero ahora veo que se a convertido en una de las épocas que más me han gustado. El barroco es
auge principal que representa la emancipación del razonamiento y al mismo tiempo la demencia
humana, pues como todo arte, va de la mano con el contexto histórico en la que el hombre actúa y
se va expresando artísticamente de la manera en que lo percibe. Entonces vemos a una humanidad
dolida y bastante realista donde el sufrimiento es (en parte) el centro de la expresividad, ya nada es
mágico, bendito o luminoso, aunque la iglesia haya seguido manteniendo esa sensación en algunas
de las obras, sino que ahora existen estos grupos que se tiran en contra de todo lo divino y glorioso
representando desgracias, guerras y hechos trágicos en su vida y las artes logran plasmar esto que
había estado muy ausente en las épocas anteriores: la otra cara de la moneda que demuestra una
realidad existente pero poco mostrada, un reconocimiento, el desface de una fantasía no lograda.

Bibliografía
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Planta + sección + axonometría. Retrieved December 8, 2021, from Blogspot.com website:
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