Nombre:

Jesús Daniel Soler Cepeda #11

Grado:
8° grado sección A

Nombre del estilo:

ARTE RENACENTISTA

Ubicación tiempo y espacio:

Tiempo:
Desde el siglo XV al XVIII

Ubicación geográfica:

Todo el continente Europeo

Reseña:
Este fue un periodo cultural muy importante para la humanidad y también si
se quiere decir fue un periodo de transición, de pensamientos cambiando del
modelo del Medioevo a un modelo más humanista, se dieron grandes
descubrimientos a nivel geográfico, se gesto también la llamada Reforma y
Contrarreforma, se dieron grandes confluencias culturales, y surgieron
grandes exponentes del pensamiento, y la literatura.

Características Generales
• Se observa un enfoque humanista
• Inspiraciones en lo Greco-Romano
• Exaltación de la figura humana.
• Es un arte antropocentrista.
• Los temas religiosos se interpretan con mayor espontaneidad
Arquitectura:

• Deja de lado las formas de la arquitectura gótica y se enfoca en la

romana y bizantina.
• Se observan variantes en la concepción del espacio de las fachadas y
los ornamentos.
• Los muros se entrecruzan y son coronados por grandes cúpulas.
• Las plantas utilizadas eran las de cruz latina.
• Los elementos arquitectónicos dominantes eran el arco de medio punto
y las cúpulas.
• Las ventanas y los portales eran cubiertos por frontones triangulares o
semicirculares.
• Las columnas usadas tenían capiteles clásicos y fustes lisos y
agigantados.
• Los muros exteriores eran cubiertos con mármol y con piedras
decoradas en disposición almohadilladas.
• La arquitectura se desarrollo en distintas etapas a saber:
• Plateresco
La arquitectura plateresca corresponde a la primera mitad del siglo XVI
en el contexto de una arte oficial dominado por la poderosa monarquía
de los Reyes Católicos, primero y de Carlos V, después. En él se
combinan estructuras arquitectónicas del gótico final flamígero o
isabelino con elementos decorativos venidos de Italia, que además
incorpora elementos mudéjares.

• Las características decorativas del plateresco es la profusión de

filigrana de piedra (de ahí su nombre, pues imita el trabajo de los
orfebres) a base de medallones en las fachadas, los frontones y
enjutas, los entablamentos y basamentos, los grutescos, los festones,
las columnas balaustradas, todo ello decorando las fachadas de los
edificios que, sin embargo, tienen la típica estructura gótica de pilares
fasciculados soportando bóvedas de crucería compleja.

• Estilo herreriano

• El estilo hereriano es consecuencia de la situación social, religiosa y

política de España durante la segunda mitad del siglo XVI. Y es que, a
partir del reinado de Felipe II, la corriente de austeridad católica
impregna la sociedad española de la Contrarreforma alcanza también
al arte y a la arquitectura.
 Escultura

• Esta tiene sus antecendentes en las tallas romanicas italianas.

• Se evidencia su relación con la greco romana.
• Enfoque siempre humanista y mayormente de temas religiosos.
• Se desarrolla en varias etapas:
• Primera Etapa de la Escultura del Renacimiento en España (Primer tercio
del siglo XVI)
• En esta primera fase hay escultores italianos y algunos españoles.
• A principios del siglo XVI, son destacables los escultores Domenico
Fancelli autor de la tumba de los Reyes Católicos en la catedral de
Granada y el sepulcro del Infante Don Juan en Santo Tomás, de Ávila.
• También son destacables los escultores Pietro Torrigiano y Vigarny, autor
este último del Retablo de la Catedral de Granada, en madera policromada.
• Hay que citar a Vasco de la Zarza, creador del sepulcro del obispo Alonso
de Madrigal, "el Tostado" de la catedral de Ávila.
• Más apegadas al mundo gótico anterior son las obras de Bartolomé
Ordóñez (Sepulcro de Juana La Loca y Felipe el Hermoso en la Catedral
de Granada) y Diego de Siloé, especialista en altares y sepulcros.
• Segunda Etapa de la Escultura del Renacimiento en España (Segundo
tercio del siglo XVI)
• en el segundo tercio del siglo XVI, los resabios góticos en la escultura del
Renacimiento en España desaparecen para alcanzar el clasicismo pleno,
incluso alcanzando una fase ya manierista del estilo. El principal centro
artístico es Valladolid..
• Las figuras más destacadas son Alonso de Berruguete y Juan de Juni.
• El primero fue hijo del pintor Pedro Berruguete y se formó en Italia por lo
que en su obra se aprecia influencia de Donatello y Miguel Ángel, pero
creando un estilo propio con acusado alargamiento de las figuras,
expresión de angustia y posiciones inestables.
• Algunas de sus mejores obras de Alonso Berruguete son el retablo de la
Mejorada de Olmedo, los retablos de las iglesias de Santiago y San Benito
en Valladolid, la sillería de coro de la Catedral de Toledo y el sepulcro del
Cardenal Tavera en Toledo.
• Por su parte, Juan de Juni, se ve influido por Jacopo della Quercia y
Miguel Ángel. Fue el autor de obras como el Santo Entierro (retablo de la
catedral de Segovia) y la figura orante de San Segundo en Ávila.
• Tercera Etapa (Último tercio del siglo XVI)
• Por último, en el último tercio del siglo, aparecen las últimas figuras de la
escultura del Renacimiento en España, como son Gaspar Becerra (Retablo
de la catedral de Astorga.) y León Leoni y Pompeyo Leoni, grandes
retratistas y autores de diversas estatuas de bronce de El Escorial.
 Pintura

• Los temas religiosos se interpretan con mayor espontaneidad.

• Los detalles se hacen mas precisos .
• Los personajes adquieren expresiones mas relistas.
• Se estudian técnicas de sombra y luz.
• Se perfecciona la representación del volumen.
• Se perfecciono la perspectiva lineal.
• Se invento el oleo.
• Se inicia la pintura en caballete.
• Pintura renacentista y el Manierismo de El Greco
• Aunque el clasicismo de la pintura renacentista italiana pugnó por entrar en nuestro
país, el fervor religioso del catolicismo español no lo permite de manera intensa. En
este contexto, el desnudo apenas existe y si lo hace es cargado e exaltación mística.
• Algunos importantes pintores del Renacimiento español son la Familia Osona,
Fernando Yáñez, la Familia Masip, sobre todo Juan de Juanes, Alejo Fernández,
Alonso y Pedro Berruguete, Fernández de Navarrete, Sánchez Coello, Juan Pantoja
de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" y por supuesto, el líder indiscutible del
Manierismo español, Domenico Teothocopulos "El Greco"
• El Greco nació en Creta en 1541 y murió en Toledo, donde desarrolló gran parte de
su obra.
• Su pintura fue innovadora para su época y por ello no fue muy aceptado en su
tiempo. Su reconocimiento como genio de la pintura de Renacimiento y Manierismo
en España procede del siglo XIX cuando se le "redescubre".
• Su primera formación en Creta supone una fuerte influencia del arte bizantino, en
especial el mosaico, de donde tomara su alto sentido de la religiosidad y la simetría
de sus composiciones, que durará toda su vida.
• Cuando era aún joven, El Greco viajó a Venecia y Roma donde se encuentra en su
máximo esplendor la Escuela del cinquecento (Miguel Ángel, Tiziano y Tintoretto). El
Greco aprenderá de Tiziano el uso de colores cálidos y la importancia de la luz.
• Sin embargo fue en Toledo donde el Greco alcanzó su máximo esplendor. Aquí
encuentra su personalidad verdadera y da rienda suelta a su arte, realizando sus
obras más interesantes. El Greco pintará en España preferentemente temas
religiosos, algunos mitológicos y retratos.
• Una de sus grandes obras de su vida en Toledo fue El Expolio, del altar de la
Sacristía de la Catedral de Toledo. En esta obra, el Greco muestra su genialidad
donde ya no importa ni la proporción ni el realismo del dibujo, y donde sorprende el
juego de colores que usa para perfilar las formas.
• Fue probado por Felipe II para participar en la decoración de El Escorial pero su
pintura no fue del total agrado del rey, precisamente por salirse de la corriente general
establecida.
• Efectivamente, El Greco no fue un pintor convencional del Renacimiento. En su
genial pintura, sus personajes se alargan y se mueven en amplios escorzos, en la
búsqueda de reflejar un exaltado misticismo.
• Algunos de sus cuadros más famosos, además del Expolio son La Santa Faz, El
entierro del conde de Orgaz, Caballero de la mano en el pecho, San Andrés y San
Francisco.
 Biografía

Leonardo Da Vinci
Es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacando como artista, inventor y
descubridor. Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en
Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Leonardo está en el taller de
Verrocchio en 1476, como confirma una denuncia en la que se le acusaba de
homosexualidad. Con 20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por
descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de
Verrocchio hasta prácticamente su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos
aumentaban. En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico Sforza, Duque
de Milán; había marchado a Milán como embajador de Florencia, dentro del plan de los Medici
de difusión del arte florentino como motivo de prestigio e instrumento de propaganda cultural.
En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto
artísticos como científicos, en los que el deseo de experimentar era su principal objetivo. Esto
no le impedía realizar encargos ocasionales para Florencia, que frecuentemente dejaba
inacabados. Tras la invasión de Milán por las tropas francesas, regresa a Florencia para
trabajar como ingeniero militar. Por estos años realizó múltiples disecciones, mejorando y
perfeccionando su conocimiento de la anatomía. En Florencia recibió el encargo de decorar
una sala de la Cámara del Consejo, que nunca acabó. En 1506 regresó a Milán y al año
siguiente entró al servicio de Luis XIII de Francia, para quien trabajó como pintor e ingeniero.
Entre 1513 y 1516 está en Roma, pero consciente de que no puede competir con Miguel
Ángel acepta la invitación de Francisco I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo
de Cloux, cerca de Amboise, en 1519. Su producción estuvo marcada por el interés hacia el
claroscuro y el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una
excelente sensación atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda. Su
faceta como dibujante también es destacable, conservándose una gran cantidad de apuntes.
Al final de su vida sufrió una parálisis en el brazo derecho que le impedía pintar, pero no
continuar dibujando y enseñando. Poco se recuerda de los alumnos de Leonardo, cuya
maestría se impuso con diferencia a la de aquéllos que trabajaron con él. Entre sus
colaboradores destacan los nombres de Francesco Melzi, Boltraffio, Lorenzo de Credi,
Ambrogio y Evangelista de Predis, etc. Leonardo representó una ruptura con los modelos
universales establecidos durante el Quattrocento. Se opuso al concepto de "belleza" ideal,
defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así
contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos,
considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la
atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o
atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial
de los paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y
que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados. Vivió en una
época en la que el humanismo y el estudio de los clásicos estaban de plena vigencia; sin
embargo, parece que tuvo dificultades intentando aprender latín y griego, los idiomas cultos y
la llave de acceso a la cultura filosófica neoplatónica que dominaba Italia y parte de Europa.
Leonardo escribió la mayor parte de sus escritos en toscano, un dialecto florentino. Pero
escribía al revés, como visto por un espejo. La obra pictórica de Leonardo es muy escasa y
discutida. El signo del artista fue el abandono sistemático de los proyectos que se le
encargaban, por muchas medidas que tomaran los clientes mediante contratos, cláusulas, etc.
Él mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y arquitecto, incluso como escultor.
Sin embargo su prestigio en vida alcanzó dimensiones prácticamente desconocidas. En Roma
fue alojado en el palacio del Belvedere, la residencia de verano del Papa. El rey de Francia le
invitó al final de su vida y trató de acaparar sus escasas obras. Isabella d'Este, una de las
mujeres más importantes de su época, le persiguió durante años para conseguir que
terminara su retrato, del que sólo ha quedado un dibujo en muy mal estado. Tras su muerte,
Leonardo se ha convertido en el paradigma de "hombre del Renacimiento", dedicado a
múltiples investigaciones científicas y artísticas. Sus obras han determinado la evolución del
arte en los siglos posteriores, independientemente de que se trate de obras realmente del
maestro o simples imitaciones o colaboraciones. Su vida personal es en gran parte un
misterio; apenas han llegado indicaciones acerca de sus costumbres, gustos o defectos. Se
sabe que era estrictamente vegetariano, por sus cartas y escritos sobre anatomía, en los que
llama a los omnívoros "devoradores de cadáveres". También parece bastante probado que
Leonardo era homosexual, sufrió persecución por este hecho y estuvo a punto de enfrentarse
a la Inquisición. Sus protectores consiguieron siempre que eludiera el juicio público, que en
otros casos terminaba con la quema en la hoguera de los supuestamente culpables. En
cualquier caso, Leonardo permaneció soltero y sin hijos. Tampoco sus discípulos parecen
haber recogido la herencia del maestro, al menos en el terreno pictórico. La obra de los que
trabajaron con él es prácticamente desconocida y de escasa calidad. El proyecto, inacabado,
que Leonardo realizó para un "Tratado de la Pintura", fue recogido por Francesco de Melzi. El
joven no lo ordenó ni lo supo conservar para su publicación. Al cabo de los años se consiguió
una edición provisional, desordenada, sin coherencia, pero que progresivamente se trató de
completar para dar una orientación general de las ideas de Leonardo acerca de la pintura, la
arquitectura, el cuerpo humano, la botánica... todos los temas, en fin, que ocuparon su mente
a lo largo de su vida. El artista que tal vez se mostró más influido por la obra de Leonardo fue
Durero; al igual que el maestro italiano, Durero trató de demostrar el carácter científico de la
pintura. También supo apreciar el interés de Leonardo por las proporciones del cuerpo
humano, del caballo y de la arquitectura. Como Leonardo, Durero proyectó un Tratado sobre
pintura y sobre proporciones que, igualmente, no llegó a publicar. Ambos artistas, cada uno
en su país, dieron un vuelco a la pintura tal como se empezaba a delimitar tras la eclosión del
Renacimiento y la dotaron de un aire de modernidad que se mantuvo vigente hasta el arte
contemporáneo.

ANEXOS:

ARQUITECTURA:

BASILICA DE SAN PIETRO

Donato Bramante.
1502.
Roma
BASILICA DE SAN PEDRO.
Miguel Angel

PALACIO RUCELLAI

LEO BATTISTA ALBERTI

ESCULTURA
SAN JORGE

DONATO DONATELLO

FLORENCIA

SACRIFICIO DE ISAAC

LORENZO GHIBERTI

EL DAVID

MIGUEL ANGEL

PINTURA
 CRISTO MUERTO

ANDREA MANTEGNA

SIGLO XV

MILAN

EL JUICIO FINAL

MIGUEL ANGEL

VATICANO, ROMA

MADONNA DEL GRAN DUQUE

RAFAEL SANZIO

FLORENCIA

BIBLIOGRAFIA:
Para la correcta realización de esta ficha técnica fue necesario la consulta tanto en medio
bibliográficos de información así como también en medio provenientes de la internet a saber:

• www.google.com

• www.wikipedia.com

• www.arteguias.com

• www.artehistoria.com

Medios bibliográficos:

• MATOS GABINO, SANCHEZ VICENTA

EDUCACION ARTISTICA
EDITORIAL SANTILLANA
MARACAIBO VENEZUELA
2002
160PP

• CASTILLO YEPES AUREO

HISTORIA UNIVERSAL
EDITORIAL LARENSE
CARACAS
2007
305PP