EL ARQUITECTO HANNES MEYER EN MÉXICO, 1938 A 1949

"TODO AQUÍ ES VULKANISCH"

Georg Leidenberger*

En el verano de 1939, el arquitecto y urbanista Hannes Meyer llegó a México al ser contratado
para dirigir el primer instituto de urbanismo en el país. Esta estancia del suizo vanguardista, que
duraría 10 años, estaba repleta de posibilidades. Meyer llegó a México cuando estaba en la cima
de su carrera, reconocido internacionalmente por sus escritos y proyectos que lo ubicaron dentro
del ala radical de la arquitectura moderna. Había sido director de la prestigiosa escuela de diseño
alemana Bauhaus y, posteriormente, el convencido socialista había dedicado seis años a diseñar
nuevas ciudades en el oriente lejano de la Unión Soviética. Su estancia iba a dar un gran empuje al
proyecto modernista mexicano, ya que en este momento se había perfilado un grupo de
profesionistas comprometidos plenamente con una construcción racionalista. Se esperaba
institucionalizar estas corrientes con la creación del Instituto de Planificación y Urbanismo (IPU),
asociado por medio de la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura (ESIA), al Instituto
Politécnico Nacional (IPN) y bajo el liderazgo del reconocido arquitecto. Sin embargo -y es sobre
"sin embargo" de lo que trata este articulo- en poco tiempo el instituto cerró sus puertas y Meyer,
si bien siguió trabajando en México alrededor de ocho años más, nunca recuperó su posición de
liderazgo.

Meyer y México. Fue al inicio, por lo menos, un encuentro de mutuos espejismos. Para Meyer,
México era un ente poco conocido: sólo sabía que fue el sitio de una revolución social y que tenía
un presidente "socialista". Medio forzado a salir de la Unión Soviética a su natal Suiza en 1936,
Meyer vio en México su oportunidad de consolidar su Lebenswerk, o vocación de vida, que
consistía en dedicarse como arquitecto y urbanista al avance de las masas urbanas y campesinas.
Referencias: https://www.jstor.org/stable/j.ctvhn07w9.18#metadata_info_tab_contents

EOS

MÉXICO el diseño de Mauricio y Sebastián Lara

Libro eos México, el diseño de Mauricio y Sebastián Lara , un registro fotográfico de más de 12
años de trabajo del estudio. El libro presenta La Historia, "el Piense" y textos de personalidades
como: Ana Elena Mallet, Carmen Cordera, Dina Comisarenco, Emiliano Godoy, Javier Prado y Jorge
Moreno.
Referencias: https://issuu.com/eos_mexico/docs/s-libroeos_final_nov9

Arne Jacobsen, arquitecto y diseñador danés

Si hay una figura esencial en el diseño escandinavo, ese es Arne Jacobsen. Este diseñador
industrial y arquitecto danés, nació en la capital de este país nórdico, Copenhague, el 11 de
febrero del año 1902. Pasó su infancia y adolescencia en esta ciudad escandinava.

Siempre interesado en la construcción de edificios, Arne Jacobsen estudió durante cuatro años en
una escuela de construcción, tras lo cual comenzó a estudiar en la Facultad de Arquitectura de la
Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.

Arne Jacobsen desde sus primeras obras destacó en el campo de la arquitectura, haciendo grandes
aportaciones al funcionalismo arquitectónico. Sus obras se han convertido en una pieza esencial
del patrimonio arquitectónico danés.
Siendo uno de los padres del Mid Century Modern, Arne Jacobsen diseñó también una gran
cantidad de muebles, que con el paso del tiempo se han convertido en clásicos, como es el caso de
las sillas Ant (hormiga) Swan (cisne) y Egg (huevo), diseñadas para la decoración del hotel SAS de
Copenhague, que se han convertido en unos de los diseños de sillas más icónicos del siglo XX.

Arne Jacobsen falleció en al año 1971 de manera repentina, dejando una gran cantidad
de proyectos inacabados.

Referencias: https://moovemag.com/2016/08/arne-jacobsen-arquitecto-disenador-danes/

Isamu Nuguchi
Hijo de un poeta japonés y de una escritora de origen escocés, el
diseñador estadounidense Isamo Noguchi (1904-1988) heredó de
ambos un espíritu artístico que plasmó en piezas de carácter
escultórico que no dejan de asombrar con el paso de los años. Usó
todos los materiales que tuvo al alcance de sus manos: piedra, metal,
madera, arcilla, hueso, papel. Y es que para él todo era escultura.
“Cualquier material, cualquier idea sin obstáculos que surja en el
espacio es una escultura”.

Noguchi empezó los estudios de medicina, pero pronto vio que su

verdadera vocación era el arte. Se formó en EE.U. y se trasladó a París
para trabajar y aprender en el taller del maestro Brancusi. A lo largo de
su vida, fue desarrollando una obra basada en las formas abstractas perfectamente pulimentadas,
en las que combinaba la sutileza oriental con la refinada sofisticación occidental. Sus piezas, pura
poesía, están repartidas entre el MOMA, el Guggenheim, la Tate, el MET, etc, y el Noguchi
Museum. 

La escultura The Cry está expuesta en el Museo Guggenheim de Nueva York y ejemplifica la fuerza
del viento.
A partir de 1950, sus proyectos iban destinados a espacios al aire libre, y estaban diseñados según
los principios estéticos de los jardines japoneses, donde las grandes esculturas abstractas se sitúan
en espacios predestinados a ellas para lograr un equilibrio. En esta época firmó obras tan
ambiciosas como el jardín de la Paz (1956-1958, sede de la UNESCO, París), el jardín del
Agua (1964-1965, Chase Manhattan Bank Plaza, Nueva York) o el jardín Billy Rose
Art (1965, Jerusalén). Creaba espacios de formas muy alejadas de las que realizaban los paisajistas
de la época: Noguchi veía los jardines como una escultura única. 

El jardín de la Paz de Isamu Noguchi, en la sede de la Unesco de París, es el primero de estilo zen
hecho por un escultor y no por un jardinero.

Referencias: https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/isamu-noguchi
Ora Ito

Nacido en 1977, este artista iconoclasta se hizo mundialmente famoso a finales de los 90 al
secuestrar en 3D los productos de las marcas más emblemáticas e internacionales como Vuitton,
Apple, Nike y Bic…

Además, gracias a numerosas publicaciones en la prensa, la ficción se convirtió en realidad,

cuando los clientes intentaron comprar estos productos imaginarios, las ordenes inundaron la web
de Ora Ito. Esta se convirtió en la segunda obra digital jamás adquirida por los Fondos Nacionales
de Arte Contemporáneo (FNAC). Durante los años 2000, Ora Ito se dedico a su propio estudio y a
la creación de productos reales, desarrollando proyectos transversales de casi todos los sectores
empresariales de diseño, arquitectura, comunicación, etc. Sus creaciones esconden los códigos de
nuevo lujo, atemporal y universal con el mismo dibujo minimalista.: formas evidentes para
entenderse en flash frutos de su filosofía.

Referencias: https://www.vondom.com/es/designers/ora-ito/
Románico

El románico fue un estilo artístico que se difundió en gran parte de Europa entre el siglo XI y los
primeros años del siglo XIII d. C. Se manifestó de manera más relevante en arquitectura,
caracterizándose por su aspecto de solidez y por el uso del arco de medio punto y las bóvedas de
cañón y de arista. Por este motivo, cuando el estilo comenzó a ser identificado y estudiado en
el siglo XIX, se le dio el nombre de «románico» al ser considerado una derivación del arte romano.

Su desarrollo coincidió con la expansión del feudalismo, la fundación de la orden religiosa del

Cister, la reforma de la orden benedictina que daría lugar a la orden de Cluny, las cruzadas y un
intenso movimiento de peregrinaje hacia las iglesias que poseían reliquias sagradas.

Características del arte románico:

Las principales características del arte románico son las siguientes:

Presentó un gran número de corrientes locales con características propias.

La manifestación más importante del arte románico fue la arquitectura religiosa, especialmente

sobre iglesias y monasterios.

Las distintas disciplinas artísticas, como la pintura, escultura y el mosaico, estaban subordinadas a
la arquitectura. Las paredes de las iglesias estaban cubiertas por pinturas y relieves que tenían una
función narrativa: transmitir a los fieles, generalmente analfabetos, los principios del cristianismo.
Por ese motivo se ha llamado a las iglesias románicas «biblias de piedra».

La estructura de sus construcciones sentó las bases del estilo posterior, el gótico.

Durante la Edad Media, tanto la arquitectura como la escultura y la pintura eran consideradas
artes mecánicas, es decir manuales, y no tenían la misma valoración que las actividades
intelectuales. Como consecuencia, los artistas románicos no tuvieron relevancia social y sus
nombres no han perdurado.

Arquitectura en el arte románico:

La manifestación más clara de la arquitectura

románica son las iglesias.

Muchos de estos edificios albergaban reliquias

de santos, consideradas sagradas para sus
fieles, y por lo tanto fueron centros de
peregrinación que recibían viajeros de toda
Europa.Para generar un espacio eficiente,
tanto para la liturgia habitual como para el
culto de las reliquias, durante el románico se
desarrolló un tipo de planta con naves laterales, crucero y ábside con capillas, que permitía la
circulación de los peregrinos por la iglesia.

Las iglesias se orientaban de oeste a este y la forma de esta planta, conocida como cruz latina, se
asoció simbólicamente con la crucifixión de Cristo.

Los rasgos más característicos de las construcciones fueron las coberturas abovedadas,

normalmente resueltas con bóvedas de cañón corrido y de crucería; aunque en algunas regiones
de Francia también se emplearon pequeñas cúpulas para techar los tramos de las naves. El crucero
tenía una cobertura en forma de cimborrio, generalmente con techumbre plana.

Escultura y pintura en el arte románico:

La escultura y la pintura estuvieron subordinadas a la arquitectura durante el románico. Así como

pintores y escultores eran considerados artesanos que solo contribuían con el objetivo principal,
que era el edificio, estas expresiones no se consideraban relevantes en sí mismas.

Escultura

Su manifestación más característica son los relieves, especialmente los que se ubicaban en los
portales de las iglesias. Otro soporte de relieves fueron los capiteles de las columnas. Se trata, en
todos los casos, de una escultura sintética, repetitiva y esquemática, sin intención de realismo o
naturalismo.

Los temas más importantes fueron los bíblicos, sobre todo la imagen de Cristo Juez del mundo
(Pantocrátor) en el portal principal. También se representaron santos, relatos evangélicos, escenas
fantásticas y parábolas.
Pintura:

Gran parte de la pintura románica se ha perdido. Han quedado manifestaciones de decoraciones

en iglesias, realizadas con la técnica del fresco, y escasos ejemplos de pintura sobre tabla e
ilustraciones de libros.

En Italia son comunes, además, las decoraciones realizadas con mosaico.

Del mismo modo que sucedió con la escultura, la función de la pintura era narrativa, por lo tanto la
mayor preocupación de los artistas era la claridad y la expresividad de las imágenes. Estas toman
formas esquemáticas y sintéticas, con rasgos convencionales que se repiten en distintas obras.

Obras más destacadas del arte románico:

Algunas de las obras más destacadas del arte románico son las
siguientes:

La Basílica de la
Madeleine en
Vézelay,
construida en
1037 en Francia.
La fachada sur de la catedral de Santiago de
Compostela, en España, conocida como
Fachada de las Platerías.

Los frescos de la iglesia de San Clemente de

Taüll, en España.

Los mosaicos de la iglesia

de San Vital, en Rávena,
Italia.

Referencias:

Conant, Kenneth. Arquitectura carolingia y románica. Madrid, Cátedra. 2001.

Focillon, Henri. Arte de Occidente. La Edad Media románica y gótica. Madrid, Alianza Editorial.
1988.

Shaver-Crandell, Anne. Introducción a la Historia del Arte. La Edad Media. Barcelona, Cambridge
University Press, Gustavo Gili. 1985.
Art Nouveau

Art nouveau es una corriente artística y cultural que busca

romper con las tendencias dominantes del
momento, modernizando el arte y la cultura urbana con un
fuerte sentido decorativo.

El movimiento cultural art nouveau surge a fines del siglo XIX

y permanece hasta los inicios del siglo XX, buscando
contrastar con la industrialización después de la segunda
revolución industrial.

El art nouveau usa motivos inspirados en la naturaleza o materiales orgánicos para plasmar la

sensualidad y el erotismo en objetos de arte decorativos, característicos de este movimiento.

Art nouveau abarca los campos de la pintura, escultura, literatura, decoración, fotografía y diseño
de joyas, muebles y objetos.

Esta corriente recibe varios nombres según la lengua en que se use. A pesar de ser la más conocida
el francés art nouveau, también recibe el nombre de modernismo en español, jugendstil en
alemán, sezessionstil en austríaco y stile floreale en italiano.

Características del art Nouveau:

El art nouveau se caracteriza por la presencia de elementos de la naturaleza, enfatizando sus

líneas rebeldes como una analogía a la libertad frente a la industrialización. Es altamente
decorativo, llegando a ser definido por corrientes posteriores como un movimiento de
ornamentación excesiva.

Además, este movimiento conjuga varias referencias culturales con el fin de realzar las cualidades
estéticas y artísticas del objeto como, por ejemplo, el uso de motivos bizantinos, grabados
japoneses e influencias del barroco y rococó francés.

Arquitectura art nouveau

La corriente del art nouveau explora su influencia

no solo en las pinturas, sino que su impacto es
especialmente importante en el ámbito de la
arquitectura.
El estilo art nouveau en la arquitectura comienza a ser usado y reconocido en el mundo, luego de
que el arquitecto belga Victor Horta (1861-1947) terminara la casa Tassel en 1893.

En México, aún se pueden encontrar en la Ciudad de México algunas obras arquitectónicas de

influencia art nouveau, como el Palacio de Bellas Artes, el edificio del Palacio de Hierro, la Casa
Prunes y el Museo de Geología de la UNAM

Obras y representantes del art Nouveau:

La búsqueda de la belleza, asociada al placer, la sensualidad y, por primera vez, el erotismo, es uno
de los rasgos distintivos del art nouveau.

Esto se puede ver reflejado en las obras del artista checo Alfons Maria Mucha (1860-1939),
considerado el padre de esta corriente artística, y en el cuadro El beso del pintor austríaco Gustav
Klimt (1898-1908).

En la literatura, mejor conocido como modernismo, se considera al nicaragüense Rubén Darío

como uno de sus precursores.

En arquitectura se destacan los belgas Goh ver Wayans y Victor Horta y el catalán Antoni Gaudí,
que se destaca con La Sagrada familia.

Referencias: https://www.significados.com/art-nouveau/

Funcionalismo
Es el principio por el cual la forma de los edificios solo debe ser la expresión de su uso o función.
Pero esta formulación no es tan obvia y genera controversia dentro de la profesión, especialmente
en relación con el Movimiento Moderno. Su influencia
fue particularmente notable en los Países Bajos, la
Unión Soviética, Alemania y Checoslovaquia.

Los orígenes del funcionalismo arquitectónico se

pueden remontar al arquitecto romano Vitruvio,
donde la tríada: utilitas (comodidad o utilidad) va de la
mano de venustas (belleza) y de firmitas (solidez),
como una de las tres metas de la arquitectura clásica.
En los primeros años del siglo XX, el arquitecto de la
Escuela de Chicago Louis Sullivan popularizó el lema la
forma sigue siempre a la función para recoger su
creencia de que el tamaño de un edificio, la masa, la
distribución del espacio y otras características deben
decidirse solamente por la función de este. Esto
implica que, si se satisfacen los aspectos funcionales,
la belleza arquitectónica surgirá de forma natural.

Características del Funcionalismo:

• La arquitectura moderna y el funcionalismo son vinculados.

• La decoración es sencilla y suele ser posible identificar a simple vista cuál ha sido la materia
prima utilizada para la construcción.

• La idea es que aparezcan tal y como son. Pero también cumplieron la función de elevar y
destacar la producción de la era moderna.

• con el paso del tiempo la ausencia de estética ha sido tan determinante en estas construcciones
como el principio funcional.
Organicismo

Orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que promueve la

armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e
integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en
parte de una composición unificada y correlacionada.

Un ejemplo bien conocido de la arquitectura orgánica es la Fallingwater o Casa de la Cascada de

Frank Lloyd Wright, diseñada para la familia Kaufmann en la zona rural de Pensilvania.
Wright tenía muchas opciones para emplazar la casa en la amplia finca, pero eligió colocarla
directamente sobre la cascada, en el lugar en que la familia solía hacer sus reuniones campestres.
Los pilares, de piedra del lugar, y las vigas en voladizo de gran luz, componen un edificio único en
medio de un exuberante bosque.

CATERISTICAS:

• tienen relación con el hombre y la naturaleza; pues la arquitectura debe estar a

disposición del hombre y de los ambientes.

• las obras intentan estar inspiradas en la naturaleza, en función de las necesidades

humanas. • deben ser sostenibles y tener una relación con el entorno que la rodea.

• una arquitectura adaptable, muy flexible. • hecha con materiales que permitan la flexibilidad,
como el hormigón. • satisfacer al ser humano y responder a las necesidades sociales y físicas del
mismo. • se les da bastante importancia a los espacios interiores.

Referencia:
KITSCH

El kitsch es un estilo artístico considerado «cursi», «adocenado», «siútico», «hortera» o «trillado»

y, en definitiva, vulgar aunque pretencioso y por tanto no sencillo ni clásico, sino de mal gusto y
regresivo o infantiloide.

Fue definido en el campo de la estética en los años treinta por Hermann Broch (1886-

1951), Walter Benjamin (1892-1940), Theodor Adorno (1903-1969) y Clement Greenberg (1909-
1994), con el propósito de definir lo opuesto al arte de Vanguardia o avant-garde. En aquella
época el mundo del arte percibía la popularidad de lo kitsch como un peligro para la cultura. Más
tarde fue definido sobre todo en Alemania en los años setenta.

Desde un punto de vista marxista, Theodor Adorno percibía lo kitsch en términos de lo que él

llamaba la industria cultural, donde el arte es controlado y planeado por las necesidades
del mercado y es dado a un pueblo pasivo que lo acepta. Lo que es comercializado es un arte que
no cambia y que es formalmente incoherente, pero que sirve para dar a la audiencia ocio y algo
que mirar. El arte para Adorno debe ser subjetivo, cambiante y orientado contra la opresiva
estructura del poder, y afirmaba que el kitsch es una parodia de la catarsis, y también parodia de
la verdadera conciencia estética. Los rasgos que definen lo kitsch según esta perspectiva son la
inoriginalidad o imitación y la pretenciosidad, el «deseo de aparentar ser»; en este sentido, todas
las imitaciones y copias son manifestaciones de lo kitsch y el empleo en este tipo de obras de
materiales no genuinos, sucedáneos o impropios.

El kitsch alude a un tipo de relación estética del ser humano con las cosas o con el ambiente. Es un
concepto universal y corresponde sobre todo a una época de
génesis estética y a un
estilo de ausencia de
estilo, a una función
de confor t so breañadida a
las funciones
tradicionales
de un objeto. Es un
«nada está de más» del
progreso.
Referencias: https://es.wikipedia.org/wiki/Kitsch

Marcer Wanders

Marcel Wanders (1963, Boxtel, Brabante Septentrional, Países

Bajos) es un diseñador holandés que está abogando por un
pensamiento más romántico y humanista dentro del mundo del
diseño.

Eliminando los límites del pensamiento tradicional, Marcel

Wanders propone soluciones audaces y hermosas que tocan los
corazones y las mentes de las personas.

Se graduó Cum Laude por la Universidad de las Artes de Amsterdam (AHK) Amsterdamse

Hogeschool voor de Kunsten, en 1988, después de ser expulsado de la Academia de Diseño de
Eindhoven.Marcel Wanders abrió su estudio Powerhouse en Amsterdam en 1995, ganando
atención mundial en 1996 con su icónica “Knotted” chair, donde mezcló materiales de alta
tecnología con métodos de producción “low tech“.

Este Estudio de Powerhouse se encuentra, desde 2006, en el centro vibrante del barrio de

Jordaan (Amsterdam).

En 2001 Marcel Wanders co-fundó el exitoso sello de diseño Moooi, en el que tiene un triple papel
actúa como propietario, es director de arte y también diseñador de
producto para la empresa.

Basado en su experiencia en diseño 3D y diseño conceptual, Marcel

Wanders crea productos inteligentes e innovadores, interiores
acogedores y multisensoriales, vajillas sorprendentes, cosméticos
sofisticados, y mucho más.Como propietario de Moooi, Marcel Wanders
encuentra muchas maneras de crear un universo de diseño romántico,
nada dogmático, con una energía humanista que nutre a los diseñadores
y su trabajo, y juntos poder ser una fuerza imparable en la guerra contra
el “diseño fundamentalista “.
Referencias: https://decorador.online/disenadores-destacados/marcel-wanders/

Alessi

Fundada por el tornero Giovanni Alessi en el año1921 en la ciudad de Omegna, Italia. Sus primeras
creaciones fueron objetos para el hogar, como cafeteras y cubiertos, realizados en diversas
aleaciones metálicas siempre interesado en unir “arte e industria”. Fue recién en 1932, con la
incorporación del hijo del fundador Carlo como jefe de diseño, cuando la compañía puso en
marcha la búsqueda de productos únicos y cuidadosamente manufacturados. Carlo Alessi había
estudiado diseño industrial en Novara; durante la década de los cuarenta fue el creador de la
mayoría de los productos de firma, entre los que se destacó el “juego de té y café Bombe” uno de
los símbolos de la primera época de diseño italiano. En 1950, bajo la dirección de Carlo y su
hermano Ettore, la empresa decide encargar el diseño de productos a profesionales de la
disciplina que no pertenecían a su planta, definiendo así un nuevo perfil para la firma. Y en 1970,
de la mano de Alberto Alessi se propone convertir algunos
productos cotidianos considerados solo funcionales en
pequeñas obras de arte. A lo largo de la historia de Alessi
han dejado
estampados sus
nombres los más
relevantes del
mundo del
diseño en sus
productos (más de
200); desde
Alessandro
Mendini
(consultor de
diseño de la firma
desde 1979) con su
sacacorchos
“Anna G.” pasando por Philippe Starck con su
exprimidor “Juicy Salif”, hasta Ettore Sottsass
y su conjunto de aceitera, platos y recipientes para queso parmesano. Se destacan: Richard
Sapper, Achille Castiglioni, Aldo Rossi, Michael Graves, Stefano Giovannoni, Guido Venturini,
Jasper Morrison y Ron Arad. Alessi también ha incursionado en la arquitectura con sus colecciones
“Tea & Coffee Piazza” (1979-1983) y “Tea & Cofee Towers” (2003), Aún más recientemente los
proyectos de 22 arquitectos considerados por la firma como fundamentales en el diseño
contemporáneo. En los últimos años la empresa ha buscado expandir sus “fronteras” utilizando
además de acero y aleaciones otros materiales tales como la cerámica, la madera y sobre todo el
plástico; también fundo en 1990 el “Centro de Estudios Alessi”, un laboratorio experimental que
promueve la formación de sus propios equipos profesionales. En la Actualidad, posee 3 líneas de
productos: • “Officina Alessi” los objetos más exclusivos • “Alessi” productos industriales en serie
• “A di Alessi” caracterizada por su gran calidad de diseño junto con un precio razonable.
 Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Alessi
Vitra

Es un fabricante suizo (originalmente alemán) de mobiliario de diseño. Se caracteriza por la

fabricación industrial de mobiliario diseñado por diseñadores de renombre para vivienda, oficina y
espacios públicos.

Vitra se fundó en Weil am Rhein, Alemania, en 1950 por Willi Fehlbaum, el dueño de una tienda de
muebles en las cercanías de Basilea, Suiza. En los años siguientes, Fehlbaum adquirió los derechos
sobre los diseños de Charles y Ray Eames y George Nelson.

En 1981 un gran incendio destruyó las instalaciones de Vitra, por lo que los propietarios
encargaron al arquitecto británico Nicholas Grimshaw el proyecto de una nueva fábrica de
producción. Este nuevo edificio, con un cerramiento de aluminio, estuvo listo para reanudar la
producción solo seis meses después del incendio. Años más tarde, en 1986, se encargó al
arquitecto portugués Álvaro Siza otro edificio para ampliar las instalaciones y seguidamente, en
1989, Frank Gehry diseñó una nueva nave de producción.

A la vez, Vitra encargó a Gehry un edificio para albergar la colección privada de muebles propiedad
de Rolf Fehlbaum, que a la postre acabó convirtiéndose en el museo Vitra.

En 1993, la arquitecta iraquí Zaha Hadid añadió una estación de bomberos al conjunto de edificios.

La estación de bomberos alberga en los últimos años la colección de sillas de diseño del Museo
Vitra. En ese mismo edificio el arquitecto japonés Tadao Ando diseñó un pabellón de conferencias
que se construyó en los terrenos propiedad de la empresa.

En 1994, se terminó la construcción de la nueva sede de la empresa (también obra de Frank

Gehry) en las cercanías de Birsfelden en Suiza, por lo que el personal administrativo se trasladó
desde Weil am Rhein a esta nueva sede.

La línea de productos Vitra consiste en muebles de diseño para el uso en oficinas, viviendas y
espacios públicos. Aparte de los diseños propios de la empresa, Vitra también fabrica y distribuye
las obras de diseñadores como: Charles y Ray Eames, George Nelson, Verner Panton, Antonio
Citterio, Philippe Starck, Sipek Borek, Mario Bellini, Glen Oliver Löw, Thiel Dieter, Jasper Morrison,
Alberto Meda, Ron Arad, Maarten Van Severen y Jean Prouvé.
Referencias: https://es.wikipedia.org/wiki/Vitra
¿Qué se trabaja en la arquitectura interior?

El arquitecto de interiores, artista y técnico a la vez, diseña, vuelve a idear, realiza, adapta, inventa
los espacios interiores teniendo en cuenta las exigencias funcionales, presupuestarias y técnicas.
Al ser el jefe de la obra, interviene en todas las etapas del proyecto: del boceto (diseño y
representación visual de un espacio, definición técnica), a la configuración (funcionalidad,
volumen, materiales, iluminación, dispositivos acústicos,…) hasta la entrega de las

obras realizadas según el entorno social y cultural.

Diseño, escenografía, decoración,… la arquitectura de interiores se impregna tanto de las artes

plásticas, decorativas como gráficas. El arquitecto de interiores trabaja y dispone los espacios
privados (particulares, empresas,…) públicos (museos, comercio, hoteles, obras de teatro, escenas
de películas o series de televisión,…). Se requieren varios años de estudios ya que aportan, además
de la creatividad, competencias en arquitectura así como un dominio de la normativa específica
aplicable a la construcción (tabiques, muros sustentantes, electricidad, ventilación, calefacción,…).

Sin embargo no debe confundirse la arquitectura de interiores con la formación y profesión de

arquitecto: la duración de los estudios, los campos de acción (construcción orientada a los
espacios exteriores) así como las responsabilidades no son los mismos.
Referencias:

chromeextension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://ressources.campusfrance.org/
esr/domaines/es/architecture_interieur_es.pdf
Nórdico

Cuando hablamos de arquitectura nórdica nos referimos a la propia de Noruega, Finlandia, Suecia,
Dinamarca e Islandia. Fue a partir del año 1930 con la aparición de figuras que resultaron
trascendentes en el mundo de la arquitectura y el diseño de estos países, que la arquitectura
nórdica empezó a difundirse en el panorama internacional.

Después de la Segunda Guerra Mundial llegó a ser un estilo reconocible en el que destaca lo
orgánico de sus construcciones, la combinación de lo rural con lo urbano, el abandono del rígido
formalismo, en pro de la espontaneidad, y la adaptación de las construcciones a los materiales
tradicionales del lugar.

Son máximos exponentes de esta fama mundial de la arquitectura nórdica arquitectos y

diseñadores de la talla de los finlandeses Eric Bryggman y Alvar Aalto, los daneses Kay Fisker y
Arne Jacobsen y el pintor y diseñador de interiores sueco Carl Larsson.

Los principios que rigen esta arquitectura y que configuran sus características esenciales
haciéndolo un estilo fácilmente reconocible más allá de sus fronteras son los siguientes:

Simplicidad y minimalismo. La arquitectura nórdica busca un estilo simple, de líneas limpias y

sencillas. Se pretende la simplicidad tanto en la forma como en la función. Según afirmaba el
mencionado arquitecto finlandés Alvar Aalto “todo lo superfluo termina siendo feo”.

Materiales naturales. El empleo en las construcciones de materiales naturales es una de las señas
más identificativas de la arquitectura nórdica. Esencialmente se trabaja la madera, la cual aporta
calidez no sólo visual, sino que funciona como un gran aislante natural.

La madera más utilizada es la de pino rojo, que abunda en los extensos bosques de estos países y
resulta un material de instalación rápida, económico y de bajo impacto ambiental. Estos pinos son
talados en los meses más fríos del año cuando contienen la mayor cantidad de resina, lo que les da
más resistencia. La madera del pino rojo es bastante útil en un clima tan frío pues es un aislante
natural y mantiene el calor en el interior de la estructura.

Máximo aprovechamiento de la luz y colores claros. Los países nórdicos son países que tienen en
invierno escasas horas de sol, de manera que otro de los principios de su movimiento
arquitectónico es la apertura hacia el exterior a través de amplios ventanales y la utilización en el
interior de las viviendas del blanco como color principal u otras tonalidades claras que reflejen la
luz.

Ecología e integración con la naturaleza. Los países nórdicos disfrutan de grandes parajes
forestales y naturales de gran belleza y existe en la población una gran concienciación ecológica
que se transmite a la arquitectura de manera que la planificación urbanística proyecta al milímetro
la integración de las construcciones con su entorno, con el máximo respeto al medio natural y la
mejor gestión para su aprovechamiento.

Se trata de construcciones cuyo objetivo es el ahorro energético (ahorran hasta un 70 % de

consumo energético) a través de materiales aislantes, un riguroso control de infiltraciones, y un
máximo aprovechamiento de la energía del sol.

La búsqueda de la felicidad. Todos los principios anteriores tienen por objetivo la felicidad de los
habitantes de las viviendas proyectadas. Finlandia, Dinamarca, Noruega, Islandia y Suecia
encabezan cada año la lista de las naciones más felices del mundo que elabora la Red de
Soluciones para un Desarrollo Sostenible.
Referencia:

https://arquitecturayempresa.es/noticia/principios-de-la-arquitectura-nordica#:~:text=La
%20arquitectura%20n%C3%B3rdica%20busca%20un,Materiales%20naturales.

Mediterráneo

La arquitectura tradicional mediterránea es la técnica y el estilo que se utilizaban en las

construcciones de las costas de Europa meridional, África septentrional y Asia occidental. En estas
regiones costeras destacan los vientos marítimos y climas soleados, por lo que su arquitectura fue
diseñada para resistir los días calurosos y absorber las corrientes de aire para mantener el frescor.
Además, cuenta con una temática muy definida, tiene influencias italianas, griegas y españolas. Es
decir, el diseño de las casas mediterráneas tiene una influencia cultural.

Asimismo, el acceso privilegiado al mar Mediterráneo influenció todo su concepto, así que sus
referencias estilísticas contemporáneas son inconfundibles. Este estilo arquitectónico les causa
furor y fascinación a los amantes de la arquitectura histórica, así como a los amantes de las
edificaciones lujosas.

Las viviendas construidas bajo este tipo de arquitectura son acogedoras, frescas, abiertas y
luminosas. Sin embargo, aunque cada región tiene sus particularidades arquitectónicas, todas ellas
tienen algún aspecto en común. Es habitual el uso del banco para las paredes, ladrillos y azulejos
artesanales, junto con la madera y la terracota para el suelo. Por lo tanto, es muy importante la luz
natural, para que le aporte esa calidez y brillo junto con la frescura típica de este tipo de
construcciones.

Por lo que todos los elementos que predominan en este tipo de casas es una decoración natural
sobre lo artificial, colores como el blanco, verde y azul.
Los elementos clave de la arquitectura mediterránea:

Esta arquitectura posee elementos únicos y particulares, tales como los que te vamos a compartir
a continuación:

COLORES MEDITERRÁNEOS

En la arquitectura urbana del mediterráneo se utilizan los colores claros para potenciar la luz
natural y aumentar y favorecer esa sensación de luminosidad. Por lo que, son comunes los colores
blancos, beige o cremas, azules, ocres y algunas tonalidades de gris para los acabados en piedra.

A modo de ejemplo, el color blanco es de los más representativos y de los más utilizados tanto en
el interior como en el exterior, ya que transmite calma y serenidad. Además, el blanco permite que
el calor se refleje en las paredes, lo cual evita que se acumule en el interior de la vivienda y se
pueda disfrutar de una casa más fresca y aireada.

En resumen, se suelen elegir tonalidades que permitan reflejar los rayos solares con alto grado de
perfección, y así dar ese clima mediterráneo al lugar.

LA LUZ NATURAL

Es el segundo elemento más importante en el diseño de la arquitectura mediterránea, ya que

condiciona toda la experiencia habitacional.

Es por ello que son comunes las tonalidades blancas para amplificar la luz. Además de las ventanas
amplias y las puertas transparentes. Generalmente en las cocinas, habitaciones y salones
principales

MATERIALES PÉTREOS

Se aplican con frecuencia los materiales provenientes de rocas, así como los morteros de cal, o los
compuestos de arcilla, son muy utilizados en la construcción de casas mediterráneas.

Por ello es que son muy útiles para revestir muros y paredes, además de ser idóneos para el área
de los jardines y terrazas.

DETALLES DE MADERA

La madera es uno de los materiales favoritos dentro de la arquitectura mediterránea, la cual se

aplica en los techos y a veces en los suelos.

TECHOS Y SUELOS

Los techos y suelos no pueden pasar desapercibidos en un atractivo proyecto de arquitectura

mediterránea.

Por un lado, es muy frecuente que los suelos estén empedrados o que sean baldosas de terracota.
Estas se colocan en los suelos o en las paredes de ciertas áreas de la casa como; la cocina, la
terraza o el baño. Con el fin de, aportar color a los hogares y darles ese toque acogedor a las
habitaciones. Aunque las maderas claras también son muy comunes en estas villas mediterráneas.

Por otro lado, es muy usual que la mayoría de las veces los techos son blancos. Por lo que ese
toque distintivo es aportado por las vigas de madera, que ayudan a enriquecer el decorado de una
manera exquisita.

La arquitectura mediterránea en la actualidad:

A día de hoy, la arquitectura mediterránea moderna se ha perfeccionado complementándose con

toques y estilos de la arquitectura mediterránea tradicional, tomados de los destacados detalles
estéticos del Renacimiento italiano y español.

Las casas más modernas de la actualidad cuentan con distribuciones horizontales perfectas, techos
con azulejos, amplias puertas de hierro o madera, grandes patios, etc.  Además, son casas muy
cómodas y acogedoras, capaces de transportarte al ambiente mediterráneo sin tener que estar al
lado del mar.

Todas son muy diferentes entre sí, pero a la vez muy iguales. Es decir, comparten los mismos
elementos y características. Pero por encima de todo y todos comparten un factor clave, su
encanto.

En Babel Arquitectos siempre te mostramos información interesante acerca del sector. En este
caso, te hemos traído un trocito del estilo arquitectónico más llamativo del mediterráneo para que
puedas conocerlo al detalle. Si tienes alguna duda o pregunta contamos con un grupo de expertos
con los cuales podemos asesorarte sin problema.
Referencias:

https://www.babelarquitectos.com/arquitectura-mediterranea/#:~:text=en%20la
%20actualidad-,Qu%C3%A9%20es%20la%20arquitectura%20mediterr%C3%A1nea,%C3%81frica
%20septentrional%20y%20Asia%20occidental.
Chill Out

La decoración Chill Out está inspirada y pretende provocar sensación de relax y descanso. Puede

utilizarse tanto para interior como para exterior y está orientada a ambientes tranquilos; creando
de esta forma un ambiente calmado y pacífico que casi todas las personas desean tener en algún
rincón del hogar.

En esta tendencia los colores principales más utilizados son todos aquellos que se aproximan a la
gama del azul, crema y el blanco.

Un consejo que puede ser de gran utilidad es que accesorios como alfombras, almohadones o

cortinas sean blancos o color crema, ya proporcionan a cada espacio un toque único de frescura,
pureza y tranquilidad.

En lo que se refiere a los elementos decorativos, son muy escasos o inexistentes.

Tener en las estancias velas aromáticas resulta fundamental, ya que tanto el olor como la propia

luz de las velan otorgan un ambiente único.

El mobiliario deberá ser, por encima del resto de las características, cómodo y relajante; de modo

que invite al descanso con su estética sencilla y sus líneas simples.

Por último, para lograr una completa decoración Chill Out, la iluminación debe estar bien
distribuida, logrando así descentralizar la fuente de luz y brindando un ambiente mucho más
cómodo y acogedor.
Referencias:
https://www.10decoracion.com/sumergete-en-el-estilo-chill-out/