MODERNISMO

ASIGNATURA.
Historia de la arquitectura moderna a contemporánea

PRESENTADO POR:
❖ Arroyo Adriana
❖ Barrera Esteban
❖ Monzón Natalia

Universidad de la costa CUC

Facultad de arquitectura
Barranquilla
27/05/2021
 WILLIAM MORRIS, REINO UNIDO (1834-1896)
fue un Arquitecto muy influyente dentro del mundo artístico, además de ser el fundador del
movimiento Arts and Crafts que rechazaba totalmente la producción industrial en las artes
decorativas y la arquitectura. Apostaba por el retorno de la artesanía al igual que en la edad
media donde el diseñador tenia el estatus de artista, y alo largo de su vida diseño muebles y
también fue un Escritor, reformador social, diseñador y artista inglés que a través de su obra
literaria, teórica y artística intentó la renovación de la cultura recuperando el espíritu de
las artes y oficios medievales. Como diseñador y artesano, su obra ejercería gran influencia
en el diseño de libros, en el arte de la impresión, en las artes visuales y en el diseño industrial
del siglo XIX. Su ideario social, de signo utopista, quedó recogido en escritos teóricos y en
novelas como Noticias de ninguna parte (1890).
Hijo de un comerciante que se había enriquecido en la industria mecánica apenas
introducida en la Inglaterra victoriana, y combatida siempre por el mismo Morris, que la
consideraba causa de las inhumanas condiciones de vida de los obreros, realizó sus estudios
en Oxford, tras una tranquila infancia pasada entre bosques y prados y una severa
adolescencia en el colegio.
En Oxford conoció al pintor prerrafaelista E. Burne-Jones, cuya romántica religiosidad
había de producir en él crisis místicas, pronto dominadas por la reflexión y por su amor a
la vida. Su pensamiento quedó definido de 1853 a 1855. La fuerte influencia producida sobre
él por la predicación de J. Ruskin, y su descubrimiento del gótico en las catedrales de
Francia e Inglaterra lo orientaron hacia un "retorno al gótico", basado en razones sociales
de carácter libertario, y por ello laico. Fue ésta la más original característica de su
ideología, que, en el terreno político, desembocó en su adhesión al Manifiesto de Marx.

Red House, Reino Unido 1834-1896 Villa Maund, 1900s

FRANK OWEN GEHRY, CANADÁ TORONTO 1929

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un
arte, en el sentido de que, una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte,
como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido
trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos
primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste
en el entorno. Entre sus obras mas destacadas podemos mencionar Casa Frank Gehry
(California), Museo Guggenheim (Bilbao España), Hotel Marqués de Riscal (El ciego,
España), Casa Danzante (Praga República Checa), Edificio del Banco DG (Berlín
Alemania).

The Walt Disney Concert Hall, Los Ángeles 2003 Clínica de Alzheimer, Las Vegas 2007

RICHARD MEIER, NEWARK 1934

Arquitecto estadounidense de origen judío. Nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey.
Estudió arquitectura en la Universidad Cornell y a continuación trabajó en varios despachos
de arquitectos, hasta 1963 que abrió su propio estudio. Meier concede siempre la misma
importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización
de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno,
y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores. En su mayoría, los
edificios de Meier son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los
demás y va cambiando de tonalidad durante el día. Según Meier, Le Corbusier ha ejercido
una gran influencia sobre él, al igual que Frank Lloyd Wright. No obstante, considera que
la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, porque va cambiando
con el paso de los años y los arquitectos marcan estilos que influencian a los demás. Entre
sus obras más importantes está el Centro Experimental Bronx de Nueva York (1970-1977),
Museo de Artes Decorativas de Frankfurt (1979-1984), Museo de Arte Contemporáneo de
Barcelona (1990-1992). En 1984 recibió el premio Pritzker de arquitectura, en 1989 la
Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos, en 1992 fue nombrado
comendador de las Artes y las Letras por el gobierno francés y en 1997 recibió la Medalla
de Oro de la Asociación Internacional de Arquitectos (AIA). Recientemente ha proyectado
el edificio federal de Phoenix y la iglesia del Año 2000 en Roma.
iglesia del jubileo Italia roma, 2003 Casa Smith, Connecticut, 1965

ANTONI GAUDI, BARCELONA (1852-1926)

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una
gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras
antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras;
prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los
iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando
instrucciones a sus colaboradores sobre lo que debían hacer.
Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una
forma global atendiendo, tanto a las soluciones estructurales, como las funcionales y
decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la
arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección:
cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en
el tratamiento de los materiales, como su famoso "trencadis" hecho con piezas de ceramica
de desecho.
Después de unos inicios influido por el arte noegotico, así como ciertas tendencias
orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia,
entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más
allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la
naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el
paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.
Uno de los arquitectos famosos del siglo XX, es este catalán genial. Máximo exponente del
modernismo. Su uso de las líneas curvas, las innovaciones tecnológicas, y el empleo de los
motivos extraídos de la naturaleza como modelos de la forma, confieren a la arquitectura de
Gaudí, un sello único y personal. Su obra culminante es sin dudas, la iglesia de la Sagrada
Familia, en Barcelona, que ocupó sus últimos días y no pudo concluir.
Sagrada Familia Barcelona, 1883 Casa Batllo Barcelona, 1877

LUDWIG MIES VAN DER ROHE, ALEMANIA (1886-1969)

Arquitecto alemán. En 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y
en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de Bruno Paul y, de 1908 a 1911,
en el de P. Behrens, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él
mismo y el estadounidense Frank Lloyd Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.
Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, La consagración de Mies van der
Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición
Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras
arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los
espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas.
En la misma línea realizó posteriormente algunas otras obras, caracterizadas siempre, como
era connatural en él, por un uso avanzado de los nuevos materiales de construcción (cemento
armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas
y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza.
En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de
Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio
Pabellón Alemán Barcelona, 1929 Toronoto Dominion Center Canada,
1967
FRANK LLOYD WRIGHT, EU (1869-1959)
Arquitecto estadounidense. Nacido en el seno de una familia de pastores de origen británico,
pasó su infancia y su adolescencia en una granja de Wisconsin, donde vivió en estrecho
contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura.
Ingresó en la Universidad de Wisconsin para estudiar ingeniería, pero tras dos cursos, se
trasladó a Chicago, donde entró en el estudio de Ll. Silsbee; como éste era un arquitecto
demasiado convencional, no se sintió a gusto y lo abandonó para trabajar con L. H. Sullivan,
con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años y al que siempre recordó con
respeto y afecto.
Siguió una época de reflexión y de planteamientos más teóricos que prácticos, antes de
volver a la actividad con obras en las que desempeña un papel fundamental el hormigón
armado. Entre ellas ocupa un lugar destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann
o Casa de la Cascada, que se adapta a la perfección al escalonamiento del terreno y
prolonga hacia el exterior el espacio interior en una búsqueda de integración entre
arquitectura y naturaleza. A raíz de esta construcción, Bruno Zevi definió el concepto de
arquitectura orgánica u organicismo, corriente de la que Wright es considerado el máximo
exponente, pese a que no la formuló teóricamente. Esta arquitectura orgánica tuvo su
máxima expresión en el complejo de Taliesin West, en Phoenix, donde logró sintetizar
magistralmente todos los elementos formales que habían caracterizado su obra hasta la
fecha. Su carrera de precursor de la arquitectura moderna, que se prolongó a lo largo de
más de sesenta años, se cerró de manera brillante con el Solomon R. Guggenheim Museum
de Nueva York, donde el arquitecto experimentó una nueva concepción del espacio, basada
en el desarrollo orgánico de plantas curvas o circulares en un continuum.

Casa de la Cascada Pensilvania EU, 1935 Museo Guggenheim Nueva York, 1943
LE CORBUSIER, SUIZA(1887-1965 )
Arquitecto francés de origen suizo que fue, junto a Walter Gropius, el principal protagonista
del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX. Además de ser uno de los más
grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor
que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida
fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que
su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior. Con una formación tan sólo
artesanal, construyó su primera casa a los diecisiete años. Aprendió después con los mejores
arquitectos de su época: Joseff Hoffmann, Auguste Perret y Peter Behrens. En 1919 fundó
con Amadée Ozenfant el purismo, una derivación del cubismo. También había creado una
revista, L'Esprit Nouveau, desde la que lanzaba sus proclamas contra la Escuela de Bellas
Artes y fustigaba los dictados de una tradición anquilosada y obsoleta. La utopía de Le
Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre
naturaleza y desarrollo tecnológico. Para ello, arquitectura y urbanismo debían estar
perfectamente integrados. Le Corbusier concebía el urbanismo como interacción del espacio
de la civilización en el espacio de la naturaleza y su ciudad ideal, proyectada en 1922, está
construida en vertical, dejando libres grandes zonas de la superficie del suelo, que se
convierten en zonas verdes para discurrir por debajo de los edificios. Éstos se levantan sobre
pilotis, dejando las plantas bajas como espacios de libre comunicación. Los tejados,
convertidos en jardines, dejan de ser espacios inútiles; las calles son de amplias dimensiones
y el tráfico se organiza en grandes vías de circulación rápida, netamente separadas de las
zonas para peatones.
Ante el caos de los grandes centros urbanos, incapaces de absorber la imparable
aglomeración de vehículos y personas, Le Corbusier soñó una ciudad de rascacielos
conectados por jardines y autopistas, pero sus sueños eran sólo de papel y, aunque proyectó
decenas de rascacielos, nunca construyó ninguno. En los años veinte, aun tenía que
conformarse con la construcción de casas aisladas; una de éstas, que ha pasado a la historia
como magnífico ejemplo del racionalismo corbuseriano, es la Ville Savoye (1928-1929, Le
Possy), una aplicación de la casa sustentada por pilotis, relacionada con el exterior a través
de grandes cristaleras y con los espacios interiores conectados.
Villa Savoye Paris, 1929 La iglesia de Ronchamp
Francia,1955,

WALTER GROPIUS, ALEMANIA(1883-1969)

Arquitecto alemán, fundador y director de la Bauhaus de 1919 a 1928, figura clave en la
renovación arquitectónica del siglo XX. Tenía veintitrés años cuando se le confió el primer
encargo de arquitectura: la construcción de un grupo de casas rurales. A los veintiocho,
daba a la arquitectura contemporánea una de sus obras fundamentales: el establecimiento
Fagus.
El joven Walter Gropius, procedente de la burguesía inteligente, había estudiado en Berlín
y en Munich. Trabajó en la primera de estas ciudades, de 1907 a 1910, con Peter Behrens,
el primer arquitecto contratado por una gran empresa industrial como responsable artístico:
es ésta una circunstancia que hay que considerar determinante para la orientación
ideológica de Gropius, el cual ha planteado siempre el problema de la edificación en nuestro
tiempo en relación con el sistema industrial, con la producción en serie. Llegará incluso
hasta el extremo de considerar el edificio como un producto directo de la industria y fundará
en 1943, junto con Konrad Waschsmann, una empresa de edificaciones prefabricadas.
La fábrica Fagus, de arquitectura revolucionaria, le dio en 1911 una fama que confirmó en
Bolonia, en 1914, al construir para la exposición del Werkbund un palacio para oficinas de
atrevida concepción estructural, estética y técnica. La guerra interrumpió su actividad de
constructor, reclamado al frente. Pero durante aquellos años fue madurando en su ánimo la
conciencia de que tenía un deber humano muy elevado que cumplir: la arquitectura había
de desempeñar un papel en el problema social que la posguerra plantearía con toda
gravedad; y este problema social había de fundirse con el estético.

Escuela de Bauhaus Alemania, 1919 Fabrica Fagus Baja Sajonia, 1911

PHILIP JOHNSON, E.U. CLEVELAND OHIO (1906-2005)
Arquitecto estadounidense. Estudió Filología y en 1940 comenzó sus estudios de
arquitectura en Harvard (Cambridge, Massachusetts), donde tuvo como profesor a Walter
Gropius. Dirigió la sección de arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva York, en
el que dedicó exposiciones a arquitectos como Mies Van der Rohe.
Junto con Henry Russell Hitchcook, Philip Johnson publicó la obra International Style, que
pondría de manifiesto sus concepciones arquitectónicas. Defendió la edificación como
espacio acotado cuya cubierta ideal era la fachada cortina (de cristal), para encerrar dentro
de sí el volumen puro, rechazando los añadidos ornamentales. Su propia casa, la Glass
House (1949) será producto de esa estética. Construyó también en New Canaan la Casa
Hodgson (1951) y la Casa Wiley (1953), en la línea de su International Style.
En colaboración con Mies Van der Rohe, construyó el Seagram Building (1954-1958, Nueva
York) concebido desde el planteamiento clásico como un prisma vertical que resalta por su
carpintería de bronce. En 1963 realizó la Galería de Arte de Sheldon en la Universidad de
Nebraska y el Teatro de Lincoln Centre, ambos con un planteamiento también clasicista.
Durante los años sesenta trabajó en diversos proyectos para edificios bajo la sensación de
bloques cerrados, entre los que destaca la Kunstalle de Bielefeld (1968).
Entre sus construcciones posteriores destaca por su monumentalidad el rascacielos de la
American Telephone and Telegraph, de Nueva York, donde se muestran influencias de Louis
Sullivan en el modo de distribución del edificio. La escala gigantesca utilizada y su tipo de
coronación, compuesta por un frontón partido por un elemento circular, hacen que el edificio
destaque en el perfil urbano de la ciudad de Nueva York. En 1979 recibió el premio Pritzker,
considerado el Nobel de la arquitectura.
Bank of America Center Houston, 1981-1983 Torres Kio Madrid, 1989-1996
NORMAN FOSTER MÁNCHESTER UK 1935
Arquitecto británico. Es el creador de la corriente arquitectónica denominada High-Tech.
El término no fue acuñado por él sino por Buchanan en 1983, con motivo de la presentación
de la fábrica Renault de Norman Foster. La idea de esta tendencia es la de solucionar
distintos problemas arquitectónicos mediante los medios tecnológicos más sofisticados. Esta
arquitectura sólo resulta adecuada en edificios de grandes dimensiones y elevados
presupuestos.
Discípulo de James Stirling y abanderado del posmodernismo en arquitectura, Foster es uno
de los arquitectos británicos actuales más prestigiosos e influyentes. En 1985 diseñó el
Banco de Hong Kong, el edificio de mayor coste económico del mundo. También proyectó
en Nîmes la Mediateca y el Centro de Arte Contemporáneo, conjunto inspirado en la
arquitectura de Mies van der Rohe. El exterior del centro, construido en acero y cristal, está
concebido como un gran contenedor prismático sostenido por una estructura ligera,
protegida por gigantescas persianas para graduar la luz.
Es también creador de audaces diseños para mobiliarios de oficinas, a partir del empleo de
la tecnología más moderna, concebidos en base a una extremada economía formal. En 1999
fue galardonado con el Premio Pritzker, el más prestigioso reconocimiento en el ámbito de
la arquitectura a una trayectoria profesional.
Torre de comunicaciones de Collserola Barcelona, 1991 torre swiss Re Londres, 2004
Art nouveau es una corriente artística y cultural que busca romper con las tendencias
dominantes del momento, modernizando el arte y la cultura urbana con un fuerte sentido
decorativo.
El movimiento cultural art nouveau surge a fines del siglo XIX y permanece hasta los inicios
del siglo XX, buscando contrastar con la industrialización después de la segunda revolución
industrial.
El art nouveau usa motivos inspirados en la naturaleza o materiales orgánicos para plasmar
la sensualidad y el erotismo en objetos de arte decorativos, característicos de este
movimiento.
Art nouveau abarca los campos de la pintura, escultura, literatura, decoración, fotografía y
diseño de joyas, muebles y objetos.
Esta corriente recibe varios nombres según la lengua en que se use. A pesar de ser la más
conocida el francés art nouveau, también recibe el nombre de modernismo en español,
jugendstil en alemán, sezessionstil en austríaco y stile floreale en italiano.
Características del art nouveau
El art nouveau se caracteriza por la presencia de elementos de la naturaleza, enfatizando
sus líneas rebeldes como una analogía a la libertad frente a la industrialización. Es
altamente decorativo, llegando a ser definido por corrientes posteriores como un movimiento
de ornamentación excesiva.
Además, este movimiento conjuga varias referencias culturales con el fin de realzar las
cualidades estéticas y artísticas del objeto como, por ejemplo, el uso de motivos bizantinos,
grabados japoneses e influencias del barroco y rococó francés.
Arquitectura art Nouveau
Imagen del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México
La corriente del art nouveau explora su influencia no solo en las pinturas, sino que su
impacto es especialmente importante en el ámbito de la arquitectura.
El estilo art nouveau en la arquitectura comienza a ser usado y reconocido en el mundo,
luego de que el arquitecto belga Victor Horta (1861-1947) terminara la casa Tassel en 1893.
En México, aún se pueden encontrar en la Ciudad de México algunas obras arquitectónicas
de influencia art nouveau, como el Palacio de Bellas Artes, el edificio del Palacio de Hierro,
la Casa Prunes y el Museo de Geología de la UNAM.
Arquitectura Art Decó
El Art Deco es un estilo arquitectónico modernista que floreció desde mediados de la década
de 1920 hasta principios de la de 1930. Además de tener una influencia significativa en la
arquitectura, también se extendió a la moda, el arte, la escultura, la joyería y el mobiliario.
El Art Decó, se caracteriza por sus distintivos bordes afilados y detalles estilizados,
geométricos y decorativos.
pesar de que los ejemplos son evidentes en Europa y América del Sur, la arquitectura Art
Deco se considera sinónimo de la arquitectura estadounidense de la época. Fue el primer
estilo arquitectónico estadounidense en mirar hacia adelante en lugar de hacia atrás, como
el caso de los estilos de renacimiento anteriores.
Algunos historiadores de la arquitectura se refieren a arquitectura Art Decó como
“Modernista”, lo que genera cierta confusión entre los edificios de estilo Art Deco y los
edificios de estilo Art Moderne, los cuales pueden describirse como modernistas.
Edificio Chrysler Torre del Chicago Tribune Casa del
Senado de Londres.
La arquitectura Art Deco atrajo la atención del público por primera vez en 1922 cuando el
arquitecto finlandés Eliel Saarinen participó en un concurso de diseño para la sede del
Chicago Tribune. Aunque no ganó, el estilo fue ampliamente publicitado como nuevo y
emocionante.
Eliel Saarinen presentó un diseño Art Deco que no fue elegido, pero fue ampliamente
publicitado y adoptado como un nuevo y emocionante estilo arquitectónico.
Características de diseño de la arquitectura Art Decó
Las principales características de la arquitectura Art Deco son sus formas geométricas
elegantes, lineales, a menudo rectangulares, dispuestas y divididas por elementos
ornamentales curvos. Una serie de retrocesos que crean un contorno escalonado ayudan a
crear la apariencia monolítica de las típicas fachadas Art Deco.
Los materiales de construcción que utilizó de la arquitectura art-deco son; estuco, bloque
de hormigón, ladrillo vidriado, piedra lisa y terracota. El acero y el aluminio también se
usaban comúnmente junto con acristalamientos opacos decorativos.
Si bien algunos edificios art deco presentaban elementos hechos a mano, otros se
conformaban con decoraciones repetitivas hechas a máquina que eran menos costosas.
Dichos detalles podrían incorporar motivos artísticos o exóticos según la función del edificio
o las preferencias del arquitecto.
Se utilizaron pilastras y frontones elaborados para decorar las puertas, y los alrededores de
las puertas a veces se decoraban con lengüetas convexas o estrías cóncavas.
Los proyectos de la arquitectura Art Decó a menudo produjeron colaboraciones dinámicas
entre arquitectos, pintores, escultores y diseñadores.
Materiales
Los materiales Art Deco incluían estuco, hormigón, piedra de cara lisa y terracota. El acero
y el aluminio se usaban a menudo junto con bloques de vidrio y placas de vidrio opacas
decorativas (vitrolita).
Techo
Los diseñadores Art Deco adornaban los techos planos con parapetos, agujas o
construcciones en forma de torre para acentuar una esquina o entrada. Se agregaron
curiosidades decorativas como chimeneas para destacar el diseño.
Ventanas
Las ventanas suelen aparecer como aberturas perforadas, cuadradas o redondas. Para
mantener una apariencia aerodinámica del edificio, a menudo se dispusieron en bandas
horizontales continuas de vidrio. Las aberturas de las paredes a veces se rellenan con vidrio
decorativo o con bloques de vidrio, creando un contraste de formas sólidas y vacías al tiempo
que admiten la luz del día. Muchos edificios de apartamentos grandes encontraron un éxito
estético con paneles decorativos en relieve colocados debajo de las ventanas. Los
apartamentos Kennedy-Warren son un ejemplo.
Entrada
Las puertas a veces están rodeadas de pilastras y frontones elaborados, y los alrededores de
las puertas a menudo se adornan con cañas (una decoración convexa) o estrías (una
decoración cóncava). La calidad y extensión de los motivos decorativos varían según el
proyecto y el diseñador.
Ejemplos de arquitectura Art Decó
Dado que el estilo Art Deco fue visto como un rechazo de los precedentes históricos en el
uso de nuevas tecnologías de construcción, fue particularmente adecuado para el diseño de
la nueva forma de edificio emergente del siglo XX; el rascacielos.
Senate House, Londres
Edificio Chrysler, Nueva York
Empire State, Nueva York
The Carlyle, Miami
Chicago Board of Trade Building , Chicago
Fisher Building, Detroit
Los Angeles City Hall, Los Angeles
Hoover Dam, Nevada
Mossehaus, Berlin
Centre for Fine Arts, Brussels
Rex Theatre, Athens
Palais de Tokyo, Paris

LINEA ESPACIO TIEMPO

LAS PRINCIPALES ETAPAS/FASES DEL MODERNISMO

antecedentes: el siglo xix
el detonante que hizo que el modernismo iniciara fue la reacción de los abanderados del
romanticismo hacia la revolución industrial y la actitud, perspectiva del mundo y
ordenamiento social de la nueva clase burguesa.
se puede decir que el modernismo inició con el pintor j.m.w. turner, quien decidió romper
con los esquemas tradicionales de la representación pictórica y con su estudio del color se
anticipó a lo que posteriormente se convertiría en la primera escuela del modernismo: el
impresionismo francés.
el ideal de mejorar la calidad de vida de las clases trabajadoras que habitaban las urbes,
junto con el deseo por producir cualquier tipo de pieza artística, ya fuese literaria o
pictórica, inspiró a los seguidores del romanticismo a creer que el arte tenía la capacidad
de impactar la manera como la sociedad estaba estructurada, mejorando las condiciones de
la clase obrera.
así nacieron los pre-rafaelistas, un grupo de literatos que defendían la ausencia de la técnica
en pro de una producción literaria experimental, libre y del pueblo.
entre este grupo y manet, se considera que el modernismo inició formalmente a finales del
siglo xix.
inicio del modernismo en francia
muchos historiadores coinciden en que el modernismo inició en francia en el año 1870, con
la aparición de la teoría de la termodinámica, el desarrollo de las obras divisionistas de
seurat, los libros de baudelaire, las prosas de flaubert y las pinturas de manet.
en general, se cree que el modernismo nació como una manera nueva de pensar la realidad
que abarcaba todas las disciplinas del conocimiento y el arte.
de esta manera, se evidencia que el modernismo no solo apareció en el arte y la literatura,
fue expresamente manifiesto en todas las ramas del conocimiento de forma reactiva a las
consecuencias de la revolución industrial y la actitud de la burguesía.
el modernismo presentaba una actitud irónica, consciente y experimental que buscaba
transgredir las normas y parámetros tradicionales.
el francia apareció la primera escuela modernista, conocida como el impresionismo. esta
escuela inicialmente se enfocaba en los resultados más allá de la técnica.
los impresionistas buscaban demostrar que el ser humano no ve objetos, sino que ve la luz
en los mismos. inicialmente fue rechazada, pero con el tiempo ganó adeptos y sus obras
fueron presentadas en el salón de parís en los años 1870 y 1880.
fue la obra de manet como pionero del impresionismo la que abrió las puertas
definitivamente al modernismo en francia.
gracias a esto, pudieron surgir nuevas escuelas del modernismo en francia, como lo fue el
simbolismo, con los libros de charles baudelaire y los poemas de arthur rimbaud.
principios del siglo xx hasta 1930
durante esta etapa del modernismo fueron definidos los aspectos que le dieron su toque
distintivo. cada vez se volvió más evidente su interés por adoptar nuevas técnicas, reescribir
lo que ya estaba escrito, revisar la historia y parodiarla de nuevas maneras.
el modernismo para este momento de la historia tenía una relación compleja con la
tradición.
sus principios eran revolucionarios y reactivos, sin embargo, aún continuaba ligado a la
idea del nihilismo, y a ciertas técnicas creativas anteriores.
durante la primera década del siglo xx, aparecieron los pintores como pablo picasso y henri
matisse, quienes atrajeron la atención de la crítica al rechazar la perspectiva y estructura
de la pintura tradicional.
en 1907, picasso pintó las señoritas de avignon, y con esto definiría de una vez por todas las
bases del cubismo. de igual manera, aparecieron grandes arquitectos como le corbusier,
desafiantes de la norma y la tradición estética.
el movimiento del expresionismo también aparecería durante esta etapa del modernismo,
esta vez en alemania, trayendo consigo a otros “ismos”, como lo fueron el futurismo,
vorticismso, surrealismo y dadaísmo. esta etapa del modernismo va hasta el año 1930,
cuando adolf hitler sube al poder.

del 1930 hasta el 1945

para el año 1930, el modernismo se había extendido por toda europa, adoptando nombres
como “avant-gardé” en francia.
los intelectuales de diferentes escuelas continuaban con su producción artística, llegando a
américa en el año 1940 cuando el diario el new yorker decidió incluir en sus páginas algunos
chistes de humor surrealista.
para este momento, el modernismo se enfrentaba a un periodo de adaptación a nuevas
tecnologías.
la aparición del teléfono, la radio y el automóvil, junto con la necesidad imperante de
repararlos, creó un cambio social tan disruptivo como el que tuvo lugar en el año 1870.
la velocidad de la comunicación se convirtió en un elemento de la vida cotidiana y la
acelerada urbanización de ciertas ciudades llevó nuevamente a cambios en la vida y
estructura social.
con la aparición del marxismo, los modernistas que aún continuaban activoso, tomaron un
tinte racional. de esta manera, el modernismo pronto dejaría de llamarse así y mutaría en
lo que hoy se conoce como posmodernismo.