Vanguardias Históricas:

Es un arte innovador y que se desarrolla aproximadamente en la primera mitad del siglo XX.
Hay gente que los asocia a movimientos anteriores del siglo XIX. Comienza con el fauvismo
en 1905. La vanguardia es un término militar, un grupo reducido que efectúa misiones de
peligro. Las artes como la literatura adoptan este término para designar o nombrar las
corrientes innovadoras que se oponen al academicismo de las artes. En este sentido las
vanguardias son grupos reducidos que se enfrentan a la normativa establecida.

El término vanguardia comienza en la literatura, unos poetas y escritores que intentan acabar
con el lenguaje academicista. Buscan libertad tipográfica, uso de pocas comas, de pocos
adjetivos… Las vanguardias se relacionarán con el pensamiento político que rompe con lo
establecido. Sobre todo con la aparición de un documento literario que será clave para las
vanguardias, el manifiesto comunista de Marx y Engels. Los movimientos de vanguardia
tomarán este manifiesto para hacer una declaración pública de intenciones, se presentan y
dicen que propósitos de actuación tienen. Esto se ve, por ejemplo, en el manifiesto del
futurismo. El futurismo es un movimiento italiano y crean una gran cantidad de manifiestos
para prácticamente todas las disciplinas artísticas. En un principio anarquistas y a partir de
1930 son más fascistas.

¿Qué entendemos por vanguardias?

Se entiende como manera de hacer arte desde un principio de libertad, buscando nuevas
emociones y de acuerdo con dos cuestiones importantes:
● Las nuevas invenciones (cine y fotografía, que son imagen en movimiento, por lo que
el arte pierda su forma de existir ya que captan mejor la realidad)
● Las nuevas realidades y anhelos sociales, muestran la situación conflictiva del
momento. Va a haber artistas que August Macke o Franz Marc mueren en la I guerra
mundial. La primera guerra mundial influye negativamente en los artistas, les da una
visión pesimista del mundo y de la cultura en general y el arte en particular. El arte
reacciona buscando un arte nuevo para una nueva sociedad. Este arte busca
inspiración fuera de la dura realidad y se inspirará en fantasías y sueños.

El fauvismo, expresionismo, cubismo y futurismo nacen antes de la “gran guerra”. Época de

grandes cambios en la que Charles Péguy por ejemplo dijo que en los últimos 30 años cambió
más el mundo que desde los tiempos de Jesucristo.Durante la guerra los artistas reaccionan
ante ella de distinta manera. Movimientos como el dadaísmo reaccionan con provocaciones a
la sociedad, otros buscan una tranquilidad metafísica como es el caso de la pintura metafísica.
Después, en los felices años 20 la gente quiere olvidar y disfrutar antes de que haya otro
conflicto por lo que las vanguardias se reinventan para en los años 30 situarse a favor de las
dos grandes ideologías del momento el fascismo y el comunismo.

Ahora surgen nuevas formas de representación que conlleva el empleo de nuevos materiales
extra artísticos como cigarros, paquetes… surgen nuevas técnicas como el collage. Rompen
con la estética provocando una nueva lectura y cambios en el pensamiento de la sociedad.
Los antecedentes de las vanguardias se deben buscar en movimientos previos como el
impresionismo o el postimpresionismo. Estos movimientos fueron rompedores y
vanguardistas. Desde el nacimiento de estos se producen unos cambios que se ven reflejados
en las vanguardias. Se pasa de una pintura realista a otra impresionista que abre el camino a
los movimientos posteriores. Se alteran los valores considerados hasta entonces inamovibles
desde 3 puntos de vista:
● Por un lado se van a cambiar las tornas en cuanto a la importancia de los géneros
pictóricos.Antes habían temas mayores y menores. En este momento se cambiará esto
y los géneros menores pasarán a ser mayores y al revés. El tema ahora es solo un
recurso para pintar.
● Por otro lado se ve como cambian los medios expresivos. La composición, el color, la
pincelada, el dibujo… Anteriormente en la concepción académica se valoraba el
dibujo y la composición. Ahora importa el color y la factura o la forma de hacerlo.
● Se borran las fronteras entre escultura o pinturas como en el collage. El psiquiatra de
Kurt Schwitters.

En este momento los movimientos se solapan y un pintor puede empezar con una vanguardia
y acabar con el estilo de otra al experimentar con el tiempo.

Libro: ¿Qué estás mirando? 150 años de Arte Moderno.

Todos estos movimientos tienen unas características comunes. La primera es que se rompe
con la pintura de carácter retiniano, de retina o de ojo. Marcel Duchamp decía que la pintura
retiniana es un arte interpretado por la vista y no por la mente. Ahora predomina el arte de la
mente, de los sentimientos, de la sensibilidad… frente a la retina. La aparición de la
fotografía y el cine hace que la pintura se aleje de la realidad. En este sentido es importante la
reflexión de Giacomo Balla que nos dice que gracias a estas dos disciplinas ya no le interesa
a nadie la pintura realista. Se intentan alejar de la realidad para ofrecer una representación
que elabora nuestros sentidos. Para Cezanne pintar no es copiar es representar lo que uno
siente. El fauvismo por ejemplo reacciona a la realidad exagerando el color, el surrealismo va
a basarse en la imaginación, en los onírico, en la representación de realidades ocultas. El
cubismo reacciona frente a esta pintura realista con la descomposición de las formas desde
diferentes puntos de vista. La abstracción es prescindir del modelo objetivo para alcanzar la
visión mental. Aparecen nuevos términos como el ensamblaje , el collage, el arte no
representado, el arte no objetivo… términos que nos acercan a una nueva realidad artística.

Estos autores renuncian a la perspectiva. Desde Alberti la perspectiva es algo básico en la

pintura, pero en este momento eso cambia.

Otra característica es el cambio en la consideración de la propia pintura como objeto de 2

dimensiones. El cuadro ya no es una ventana para ver el mundo , por lo que muchas veces
pasa a ser solo un objeto material que se basa o presenta una realidad basada en su propia
materialidad. Se valora como hay contrapuesto de materiales, colores, superficies… El
collage es una buena forma de esto , ya que se le añaden distintos materiales. El cuadro se
valora por sí mismo, no es bueno por el tema o por la representación lograda, sino por el
juego , equilibrio en la composición, sutileza del dibujo, manera de articular los objetos…

En este arte se ven influencias de las culturas exóticas, se revaloriza lo étnico, lo primitivo…
Sobre todo el arte africano (Picasso, Matisse) o el arte oceánico. Lo que en un principio se
tomaba como algo excéntrico, se acabó convirtiendo en objeto de colección para muchos
artistas. Se comprarán en distintas tiendas de objetos exóticos o se podrán ver en los museos
etnográficos. Esto ayuda a buscar nuevos valores plásticos y nuevas líneas de investigación o
experimentación que rompe con lo académico. Los artistas ven en estos objetos un arte en el
que prima lo subjetivo, una expresión de los sentimientos o el interior y también es evidente
que les sirve para trabajar con nuevas perspectivas, colores, volúmenes… Los primeros en
tener esta influencia son los fauvistas, pero afectará a artistas de todo tipo de movimientos.

El arte exótico será considerado arte en este momento, porque no va a serlo el arte outsider
(fuera de lo normal) como es el arte de los niños, enfermos mentales o amateur (arte Naif).
Uno de los estudiosos del arte de los enfermos mentales es Hans Prinzhorn que tuvo obras de
arte de más de 400 enfermos, él pensaba que el arte lo podía hacer cualquiera. En este libro
que se publicó en 1922, muchos artistas (Paul Klee, Max Ernst…) pudieron inspirarse en
alguna obras de los enfermos. De este arte de los enfermos mentales, otros artistas
comenzaron con la tendencia del outsider art o art brut donde se hacía una obra fuera de lo
común realizada por artistas.

Surge una nueva relación entre el arte y la sociedad ya no va a haber mecenas que marquen la
actividad de un artista. Habrá algún que otro mecenas que pida obras, pero serán casos más
excepcionales. Con las vanguardias surge un arte dirigido por marchantes, medios de
comunicación, galeristas, directores de museos, compradores adinerados… Alfred
Flechtheim por ejemplo es un marchante, galerista, escritor… que fue un judío compraador
de muchas obras de arte. Aunque el arte es más democrático las vanguardias no tuvieron
mucho éxito en un principio entre el gran público.

Fauvismo: La pasión por el color

Es un movimiento apasionado y brillante, es la primera vanguardia del siglo XX. Movimiento
muy brillante, pero corto. Surge en 1905 y en 1908 se termina, ya que los pintores deciden
distintos estilos. El crítico Louis Vauxcelles escribe una crítica del salón de otoño de 1905 en
la revista Gil Blas. En la sala 7 se encuentra con unas pinturas caracterizadas por un color
estridente y composiciones agresivas que estaban puestas alrededor de dos bustos realistas,
por lo que dice que Donatello está entre las fieras. (Donatello chez les fauves.) Esta frase dará
el nombre a esta vanguardia. Otro crítico, Camille Mauclair, estuvo en la exposición y señaló
que esas obras eran un tarro de pintura tirado a la cara del público. Con estas críticas se
vuelven la comidilla de la ciudad. En este momento todavía se está digiriendo el
impresionismo, aparece este movimiento lleno de color. La persona más importante de este
movimiento es Henri Matisse, pero hay otros pintores de gran importancia como: Charles
Camoin, Andre Derain, Henri Manguin, Albert Marquet o Maurice de Vlaminck.
A estos artistas el nombre les gusta y en 1906 en el salón de los independientes ya se
presentan como fauves “fieras” y así serán conocidos en la historia del arte. Muchos otros
pintores no solo franceses son parte de este movimiento: Raoul Dufy, Georges Rouault, Robet
Delaunay, Kees Van Dongen, Gilman, Francisco de Iturrino, Juan de Echevarria… Todos
estos coinciden en que el arte es parte de su vida, lo entienden también como una liberación
de su temperamento o personalidad.

Este movimiento que renueva el arte tiene ciertas características. Son conocidos por el
tratamiento libre e innovador del color. De tal manera que no se representa fielmente el
motivo elegido. La pincelada violenta y agresiva, aveces incluso tubo de color. La libertad de
ejecución también es una parte importante.

El color. Ellos pintan lo que sienten y viven, es por eso que utilizan los colores para
representar sensaciones, Barcas en el Puerto de Collioure, arena roja porque quema. Se aplica
una pincelada agresiva suelen ser pinceladas anchas, sueltas, vigorosas, muchas veces
discontinuas al estilo de Van Gogh y se aplica de forma independiente a la naturaleza.

Estos fauvistas siguen con lo que habían hecho los impresionistas, los postimpresionistas…
Ya en las obras de Van Gogh vemos la aplicación extrema del color y la fauvistas lo exageran
aún más. Se inspiran en Cezanne, tanto que hay una etapa de fauvismo Cezanniano, que
coincide con la aparición del cubismo.

Otra característica es que la luz tiende a desaparecer de las composiciones, con ello la
profundidad también, por lo que la composición tiende a ser plana. Esto bebe mucho de
Gauguin. Los volúmenes de las figuras se perfilan con pinceladas gruesas de color negro y
muchas veces sin utilizar el tradicional claroscuro. A los críticos es esto lo que les llama la
atención, con su idea de romper el espacio.

La pintura fauvista tiene cierto orden constructivo, el color sea estridente ocupa en el cuadro
un lugar determinado, no se pone de forma arbitraria, se busca una arquitectura cromática.

En general, es una pintura de tono amable, lírica, emocional… Solo algunos autores toman
temas más duros o sociales. El fauvismo toma temas tradicionales como el paisaje lumínico,
naturaleza muerta y retratos (son cruzados, un artista retrata a otro y así practican y
evolucionan en su estilo).

Los fauvistas no pretenden plasmar la realidad, no quieren hacer un duplicado visual del
mundo. Ellos procuran reflejar sentimientos, estados mentales… nuestro yo interior. Son
escenas esquemáticas y parecen inacabadas.

Los fauvistas utilizan la técnica divisionista o puntillista.

También son de los últimos artistas que pintan al aire libre, su interés por la luz les lleva al
Mediterráneo francés. Zonas como Collioure o Saint-Tropez.
Utilizan muchos colores primarios y complementarios.

Se ve un gusto por el arte primitivo. Muchos de ellos son coleccionistas de este.

A los fauvistas les apoyan distintos marchantes y galeristas como: Eugène Druet o Berthe
Weill.

Los fauvistas inauguran el periodo de las vanguardias, pero nunca conformaron un grupo
unido como tal, no tienen intención de ser un grupo. Son amigos y pintan juntos, pero no
tienen unas normas , ni unos principios, ni revista… Son un encuentro fugaz de unos artistas
jóvenes que han estudiado juntos y comparten intereses pictóricos. Cada artista poco a poco
va evolucionando y ser parte del fauvismo forma parte de su etapa formativa. El fauvismo
supone un período brillante e intenso con un gran impacto posterior, ya que constituye uno de
los primeros golpes a la academia, su impacto será decisivo de tal manera que los creadores
de muchos movimientos como Kandinsky o Mondrian comienzan con este movimiento, dan
ideas y ejemplos para establecer las bases de otros movimientos rupturistas como el
expresionismo o el cubismo.

Henri Matisse (1869-1954)

Su estilo es todo lo contrario a su imagen de vida aburguesada.Él en su vida personal no era
tan “bestia” como su pintura. Nace en una familia acomodada y él iba a ser abogado. En 1888
va a París a estudiar derecho y en 1890 deja derecho y estudia pintura. Aprende en la
academia Julian, lugar donde se formarán muchos pintores de la vanguardia. Su profesor será
Bouguereau. Luego recibe clases de Gustave Moreau, un pintor simbolista muy dibujístico,
pero que era un extraordinario profesor y colorista. Él decía que el color debía ser imaginado.
Moreau será profesor de muchos fauvistas y les incita a copiar para aprender, no para plagiar.
Les dice que vayan a la calle y se inspiren en la gente de la vida cotidiana. Moreau le dijo a
Matisse que sería el encargado de simplificar la pintura. Matisse a su vez en 1907 no
reacciona de forma positiva a Picasso, diciendo que se encargaría de hundir el arte moderno
al ver las señoritas de Avignon. En la escuela de Bellas Artes coincidió con diferentes artistas
y por aquel entonces todavía no era el maestro del color, sino que era un buen dibujante y
alguno le definía como el maestro de los grises. Su cambio en el arte aparece cuando conoce
a Pissarro, que le sugiere que se deja mover por los colores.

El fauvismo tiene contactos con la obra de Signac o Cezanne, Matisse compra un cuadro de
tres bañistas de Cezanne de tal manera que sus cuadros funden los aspectos técnicos de
Signac (divisionismo) y la composición de Cezanne. Una de las primeras obras fauvistas será
Lujo, calma y voluptuosidad con ese uso del divisionismo y las composiciones de Cezanne.
Cuadro colorista. Se ve ese reflejo del espíritu sosegado de Matisse.

En 1905 pasa el verano en Collioure , un pueblo al que fue Signac a finales del XIX para
pintar. Esta estancia en Collioure le aporta la fuerza de Derain, que se convierte en un
estímulo para trabajar. Derain también avanza ya que cuenta con el apoyo de Matisse que era
mayor que él y tenía reputación. Uno gana brío y el otro confianza. En Collioure conoce a
Daniel Monfried que tenía cuadros de Gauguin de Tahití. Todo esto hace que abandone el
divisionismo y que comience a hacer una pintura a base de colores puros. Después de estar en
Collioure expone en el salón de otoño.

Como muchos otros ya cuando salió de la tendencia fauvista se ve una notable evolución.
Pasa por una etapa cubista, luego pasa a una etapa academicista… desarrolla unos temas
propios como: las odaliscas, interiores con ventanas, grabado escultura… Hace papiers
Decoupes que son papeles recortados y que coloca sobre planos. Empezó con estos ya que
tuvo una operación y se quedó postrado en una silla de ruedas. Aquí se vuelve a ver una
pintura plana y sintética. Hace un libro llamado Jazz con estos papeles recortados. El
periquito y la sirena 1952. Al final de su vida decoró la capilla de Saint Paul de Vence con
esta técnica.

Él ve la pintura como algo decorativo que de serenidad. Tiene un carácter decorativo, que no
imita la realidad… El color se independiza y asume la función constructiva del cuadro. Se ve
un contrapeso entre complementario, rojo-verde, se yuxtaponen a violetas y amarillos, en el
retrato de la raya verde 1905. También lo consigue colocando el mismo color en distintos
planos espaciales. Intenta anular el efecto de la tercera dimensión. En otras obras representa
telas , alfombras, papeles pintados, cuyos estampados se despliegan tanto en el mantel como
en el fondo, Armonía en rojo 1908.

Matisse dijo que quería un arte equilibrado, puro , que no inquiete. Una obra para que un
hombre cansado lo disfrute en calma. Quería que su arte tuviera el mismo efecto que un
sillón.

Lujo, calma y voluptuosidad. 1904-5.

Vemos una visión o un sueño simbolista de un picnic que se celebra a orillas del mar.
Concretamente sabemos que la localización es Saint-Tropez, donde Matisse coincide con
Signac y Edmond Cross. Todos ellos buscan el color, calor y luz del Mediterráneo. Este
cuadro lo termina en París en 1905. Vemos a una mujer vestida de un traje violeta vestida
sobre algo verde. En su anterior cuadro El golfo de Saint Tropez había un niño, ahora es un
espectro. El resto de personajes son 5 mujeres desnudas. El cuadro sería una visión del niño
que la madre no sospecha, el niño imaginando a mujeres desnudas. El cuadro está inspirado
en un poema de Charles Baudelaire, invitación al viaje. De estos versos saca el nombre de la
obra “allá todo es orden y belleza. Lujo, calma y voluptuosidad”. Matisse nos presenta un
paraíso de la belleza en la que debemos destacar el tratamiento del tema. Se ve como le
importa más la experimentación por el color, que el propio tema o las formas que solo están
esbozadas. En el uso del color se puede anticipar el uso de colores complementarios. Este
cuadro fue aceptado por el público y el propio Signac lo compró en el salón de los
Independientes de 1906. Matisse dice que utiliza la técnica de Signas, pero que no se sentía
muy agusto con los colores limitados de los divisionistas. Nos dice que le interesa más un
arcoiris. Matisse distribuye los colores con gran rigor (arquitectura cromática), lo que
constituye un anticipo de la idea de los fauvistas con la pintura. Matisse depende mucho de
otros artistas en este momento, donde la técnica deriva de Signac, el tema podría inspirarse en
Cezanne y sus bañistas o mujeres desnudas ademas de las líneas onduladas y también la
concepción de paraíso idílico de Gauguin.

Retrato de la raya verde. 1905.

Se considera una declaración de intenciones del fauvismo, es como su manifiesto pictórico.
Sería el retrato de la mujer de Matisse, Amélie Parayre. Se hizo famosa y ha pasado a la
historia por esa raya verde que le cruza desde la frente a la barbilla. Le da relieve al rostro.
Matisse dijo que esa no es una mujer, es una representación de una mujer. Podía intentar tener
un juego de luces o colores. Los Stein: Leo, Allan, Gertrude, Theresa Ehrman, Sarah Stein y
Michael Stein son los propietarios del cuadro y son los que le ponen el nombre. Esta familia
será importante, ya que comprarán distintas obras en el mismo salón. Se distingue la distinta
luminosidad en el rostro de Amélie, en el lado derecho vemos tonos cálidos y más frios o en
sombra en el lado opuesto. Vemos cierto relieve por la combinación de colores del pelo y las
cejas. Presenta unos colores tirando a amarillentos en el lado derecho y grisáceo en la
izquierda. Vemos una pincelada vigorosa y ancha. Aquí se puede ver la contraposición de los
colores rojo con el verde, el morado con el amarillo… Esta complementariedad de los colores
hace que tenga algo de profundidad. Vemos un rostro idealizado y lo que realmente importa
es la experimentación de los colores. Es una de las primeras obras de vanguardia, ya que el
artista reivindica que solo él es responsable de sí mismo, que nada puede limitarlo a la hora
de crear, ya que aunque solo sea un retrato no imita a la realidad. Matisse transforma la
realidad ofreciéndonos una sensación o vivencia. Qué es lo que él sentía al ver el rostro de su
mujer. Kandinsky en sus obras hace lo mismo y por eso para la Apollinaire este será el último
alumno de Matisse.
La alegría de vivir. 1905-6.
Se le puede considerar la apoteosis del fauvismo. Lleva al extremo la liberación del color. El
color domina toda la composición, es un color arbitrario, que no tiene nada que ver con la
realidad. Es una obra de gran tamaño, aparecen un total de 16 figuras y fue una obra
comprada por la familia Stein, en concreto Leo y Getrude. Nos intenta crear calma, como si
fuera un sillón. Esta obra se relaciona con Signac, ya que él considera que con esta obra
Matisse le traiciona, ya que se abandona la técnica puntillista. Esta obra la hace en Collioure
donde hace dibujos preparatorios, nos muestra una obra pastoral en la que se celebra la vida.
Se ven a distintas parejas bailando, juntos, tocando instrumentos… viviendo como si fuera un
paraíso terrenal. La obra se sitúa en una playa entre árboles y al fondo una línea negra nos
marca el mar con un cielo grisáceo. Va poco a poco creando obras cada vez más sencillas y
dibujísticas. El tema es clásico, figuras desnudas que celebran la vida con parejas basándose
en un entorno natural, es una representación estándar de un momento feliz. Se inspiró en la
obra de Agostino Carracci Reciproco Amore, donde vemos grupos de amantes y en el centro
un grupo de bailarina que se reproduce en esta escena. Utilizará las representaciones de estas
obras para hacer otras. Picasso con las señoritas de Avignon intenta rivalizar con esta obra. Se
presentó en el salón de los independientes y sorprendió a la gente por sus colores, la forma de
pintar, los cambios de la escala, las anatomías distorsionadas. Uno de los Stein comenta que
crea una formula de color que crea escuela en los pintores de la época. El color no reproduce
la vida real, él pretende crear una armonía visual. La línea que divide el cielo y en el mar es
púrpura como un trozo de la hierba, la hierba es amarilla, el cielo rosa… En la hierba vemos
diferentes figuras, que son más grandes cuanto más cercanas están, aunque no todas siguen
esta lógica. Intenta crear profundidad. Los personajes tienen un contorno negro para qu eno
desaparezcan en el color. Los colores son cálidos y fríos, puestos en manchas de color plano.
Vemos una gran economía de medios. En esta obra ya vemos como su obra ha madurado.
El Mantiel (armonía en rojo).1908.
Fue una obra comprada por Sergei Schukin, este hombre llegó a comprar más de 40 de sus
obras.Esta obra decoraba el comedor de su casa. Hoy en día el color dominante es el rojo,
pero en un principio era verde, después cuando Schukin lo compró el color era azul y se
titulaba armonía en azul y cuando llega a Moscú el color es rojo. Esto nos quiere decir que
para Matisse se puede sustituir un color por otro manteniendo siempre la misma armonía. En
este caso se piensa que lo cambiaría ya que el rojo le parecería más decorativo. Considerada
una de las obras más meditadas de Matisse y en esta se superponen las experiencias fauvistas
y sus experimentos o razonamientos sobre el color. El tema se supedita completamente al
color. Este llama la atención e invita a la tranquilidad y serenidad que él buscaba. Vemos la
influencia del arte oriental (japonés), lo vemos en ese motivo vegetal de color violeta. Esto
revela el carácter decorativo de la obra. Es una suma de luces y colores estridentes fauvistas.
Son colores primarios y secundarios. Representa a una doncella que está preparando la mesa
y se parece a una obra anterior de finales del XIX. La mesa casi no se distingue con el suelo,
se ve una pared de un color intenso, se ve un bodegón de diferentes colores. Deliberadamente
Matisse coloca la misma ornamentación en la pared trasera. La ventana tiene mucha
importancia en la obra de Matisse y vemos unos árboles que recuerdan a la alegría de vivir,
son árboles finos, que siguen la forma curvilínea de los motivos arabescos. se ve una casa
rosa. Es un tema clásico, bodegón, pero que se ve transfigurado.
La danza. 1909-1910.
Se la pide Shchukin para la escalera de su palacio. Hay más de una versión de esta obra.En un
principio el propio Shchukin le pidió que se tapara los desnudos. Aquí se produce un cambio
importante. En la armonía todavía hay una sensación de profundidad, pero aquí no, es más
importante el color que la forma de representar los desnudos. Es una composición simétrica,
cerrada y ajustada al marco. Se ve como las figuras se tienen que agachar. El motivo de la
danza proviene de la obra Alegría de vivir, donde en el centro aparece un grupo de bailarinas,
aunque en esta obra desaparece una de las bailarinas de la obra original. Se forma una elipse
y la anatomía de las formas se deforma. Se ha querido ver la influencia de los beatos en las
formas, en las disposiciones y cómo se ajustan al marco. Se ven 3 colores (verde, azul y rojo)
y el autor los explica. El azul alude al color del Mediterráneo, el verde a las colinas y árboles
mediterráneos y los personajes sólo podían destacar si fueran de este color rojo luminoso. Se
ve la gran simplicidad en su obra. Esta obra aparecerá en futuras obras.

André Derain. (1880-1954)

Se caracteriza por la elegancia, unidad cromática… trabaja en Collioure. En 1906-7 un
marchante le manda a Londres para que vaya a hacer unas representaciones de la ciudad que
rivalicen con las que hizo Monet. Derain evoluciona al cubismo, donde se verá una obra en la
que priman las formas cúbicas. El arte africano también les inspira, conoce a Picasso y eso le
hace abrazar el cubismo. En 1920 evoluciona a un estilo personal y más académico, donde
estudia y usa temas más antiguos. Fue escultor y le influye la escultura primitiva. También
crea vestuarios para ballets.

Retrato de Matisse. 1905.

Lo hace en Collioure. Es un cuadro como el de la raya verde, son completamente libres y no
obedecen a ningún encargo. Consigue reflejar el sentimiento y la amistad que tiene con el
modelo. Sirve para experimentar e ir planteando sus ideales estéticos. Derain le representa
como un hombre maduro, serio, le coloca algunos elementos que le podrían dotar de carácter
bohemio como una pipa y una camisa informal, intentando darle un aspecto bohemio. Es un
cuadro con el que Derain intenta convencer a sus padres de que podía vivir de la pintura. Es
una pincelada suelta y gruesa influenciada por Van Gogh. También se ve como con pocas
pinceladas consigue mostrar la imagen que tenía de Matisse. El color recuerda a Gauguin. Se
mantiene cierta sensación de perspectiva y de modelado. Se le ve menos fauvista que el
retrato que le hace Matisse a Derain. Los colores del fondo resaltan la cabeza de Matisse. Las
luces y las formas hacen que exista cierta sensación de forma, tiene una parte más iluminada
que la otra.

Puente de Charing Cross. 1906.

Forma parte de una serie de 30 obras que le encarga Ambroise Vollard, unas vistas de
Londres para renovar la visión que había transmitido Monet pocos años antes. Estará 3
estancias cortas entre 1906-7. Whistler también hizo vistas de Londres. A diferencia de
Whistler y Monet que presentan una ciudad gris (smog), Derain nos da una visión de Londres
llena de luz, se siente más cercana a las representaciones de Turner y en una carta que le
mandó a Vlaminck que en esta serie no buscaba como MOnet la impresión que perdura, sino
lo eterno, lo inmutable, lo eterno. Con esta pintura renovó la imagen de la capital británica
con colores arbitrarios y fauvistas. Es una visión desligada de la típica visión naturalista y con
una gran variedad estilística. Un primer aspecto que llama la atención son las zonas
monocromas, que son las zonas azules y algunos árboles rosas, son ⅔. El resto si es más
fauvista con más color. El cielo también lo resuelve con manchas naranjas, amarillas y
lavandas. El puente debe ser el puente de Hungerford. Se puede ver como la carretera se
curva lo que le otorga un gran dinamismo a la obra. Estos paisajes de Londres son los
ejemplos máximos de su breve periodo fauvista y los paisajes son la obra cumbre de Derain.

Vlaminck.
Trabajó en diferentes cosas, fue ciclista. Se empieza a relacionar con el arte en 1900.
Comparte un estudio con Derain. Será el más salvaje de los fauvistas, muy jocoso y divertido.
Su pintura es muy poco convencional. La pincelada es la más intensa y violenta del grupo.
Emplea colores primarios en grandes manchas. Pintaba con prisa, como si fuera una
fotografía pensando que el momento iba a desaparecer. En el salón de otoño causa una gran
impresión al marchante Ambroise Vollard y le pinta toda la obra que había pintado y firma
una opción de compra de lo que pintara en el futuro, esto le permite centrarse completamente
en la pintura. Su tema preferido son los paisajes, hace bodegones de poco objetos, retratos de
amigos (Derain) y pinturas de personas del barrio parisino de Montmartre y del cabaret Le
Rat Mort. Después se deja influir por Cezanne y por el incipiente cubismo. Es por eso que
tiene un periodo Cezanniano, La ciudad 1909. Sigue evolucionando y en los años 20 hace
composiciones más oscuras y de tono dramático, ese colorido inicial ha desaparecido. Es un
artista polifacético, desarrolla la cerámica,la litografía (en la talla de madera influye su
colección de arte africano) o escritor (escritor de temas eróticos).

Orillas del Sena en Carrieres-Sur-Seine. 1906.

Se ve la influencia de Van Gogh. Derain y Vlaminck se conocen en un accidente de tren y
llegan a compartir estudió. Derain le presenta a Matisse y le influye. En las curvas y la
religiosidad del paisaje recuerda a Van Gogh. El lienzo lo realizó en Chatou que era una
localidad cerca del Sena. Los paisajes fauvistas tienen unas formas particulares, formada por
trazos discontinuos que dan lugar a unos ramas muy características. Se ve un río con un
pueblo enfrente. El color es lo más reseñable, verde junto al gris y rosa. NO reproduce
fielmente la realidad. Este autor aplica directamente la pintura del tubo al cuadro. El pintaba
deprisa como si quisiera grabar o fijar el instante antes de que desapareciera.
Desnudo Tumbado. 1905.
El reproduce bailarinas o prostitutas de Montmartre, zona relacionada con Toulouse Lo-Trec.
Son figuras con siluetas negras y con maquillajes exagerados y expresionistas.La modelo no
la conocemos es una fusión entre actriz de cabaret, prostituta… Aparece semidesnuda y con
una mano en el pecho. La otra mano sujeta la cabellera pelirroja. La postura nos habla de
provocación sexual, que se realza con la curbatura de la cadera y el sexo tapado con la sábana
bicolor. Se ven toques de pintura pastosa. No le interesa la figura física se ven errores en la
realización, solo le importa la expresión del color.

Albert Marquet.
Estudia en la escuela de bellas artes de París, allí establece contacto con Matisse y Moreau.
Una de sus primeras obras es la decoración del Grand Palais. Se va a dedicar gran parte de su
vida a viajar por el mundo, cerca de 40 años. Marquet es conocido por pinturas de puertos,
muelles , playas… francesas. Puertos como Le Havre, Marsella… Es un pintor que se
caracteriza por aplicar muy poca pintura en sus cuadros.

Foco de Le Havre:
Surge en torno a 1906, la exposición de otoño del año anterior llama la atención de un grupo
de jóvenes artistas que provenían de esta ciudad como Othon Friesz, Braque o Dufy. Estos
artistas llegan al movimiento cuando Matisse ya empieza a abandonar el fauvismo y cuando
sus compañeros empiezan a suavizar el colorido chillón de sus cuadros. Braque y Friesz van a
la zona Mediterránea (Marsella) a pintar.

Expresionismo:
El término expresionismo puede ser entendido en 2 sentidos: por un lado, la tendencia que
tienen artistas de todos los tiempos a distorsionar, deformar… enfatizando en los contenidos
y por otro lado, para referirse a un estilo alemán de principios del siglo XX. El expresionismo
alemán tiene su origen en el color y las formas en Van Gogh y Gauguin, otro componente es
la influencia de Eduard Munch en la pintura alemana. El fauvismo básicamente se desarrolla
en pintura, pero con el expresionismo vemos un movimiento que se desarrolla en diferentes
facetas artísticas (poesía, literatura, pintura, arquitectura, cine…). Es un movimiento que se
sirve de la deformación de la realidad para plasmar la visión subjetiva del artista. El término
expresionismo podría venir del galerista (der sturm) Herwartg Walden, cuyo seudónimo era
Georg Levin. Este potencia y descubre a muchos expresionistas como Kokoschka. Unos
autores piensan que acuñó el término en 1912. Otros piensan que se acuñó en una revista de
1910 que financiaba el propio Walden, el nombre de la revista era Der Sturm. Der Sturm
también es el nombre del colectivo que decoró la película de El Gabinete del Doctor
Caligari. Otra teoría del historiador Wolf-Dieter Dube dice que el expresionismo fue acuñado
para denominar el arte de fuera de Alemania en concreto el arte de los fauvistas más Picasso,
que expusieron en Berlín en 1911.

El expresionismo se desarrolla en paralelo con el postimpresionismo y el fauvismo. Surgen

distintos grupos como Die Brücke (el puente), que lidera a Kirchner, pero hay otros artistas
como Emil Nolde, Heckel, Rottluff… Otro grupo es Der Blaue Reiter (el jinete azul)
formado por Franz Marc, August Macke, Kandinsky, Kokoschja o Egon Schiele. Un artista
diferente es Georges Rouault y Chaïm Soutine. En España podemos citar a José Gutierrez
Solana que tiene una temática religiosa, de prostitutas, de fiestas… que se relaciona con
Goya. Este movimiento es muy dinámico y abierto, desarrollándose en países muy diferentes
surgiendo en Polonia el movimiento Bunt (La rebelión) con Kubicki y en la República Checa
a Kubista. También tenemos a los suizos Camenisch y Scherer que convivieron con Kirchner.
Otra autora será Sonia Delaunay que la conoceremos por el cubismo, pero que también
trabaja el expresionismo.

Características:
Suelen ser obras insertadas en una atmósfera agresiva, pues ofrecen una visión personal que
muchas veces debido a su vida, es una visión agresiva ya que a ellos les interesa en gran
medida el ser humano desde el punto de vista de la miseria moral, la muerte, erotismo… E
incluso podríamos hablar de miseria física. Consigue transmitir estas ideas a través de
representaciones sintéticas. Se plasma mediante la deformación o exageración del físico,
con unas líneas que delimitan las formas. Suelen usar líneas quebradas y angulosas que
aumentan la emotividad de la representación. Los protagonistas suelen ocupar gran parte de
la tela y se suelen centrar en el rostro, el resto es más superfluo. En cuanto a los colores
predomina el rojo, negro, amarillo… Se ve una pincelada aplicada con violencia y pastosa,
que cubre el cuadro como un empaste rugoso. Los expresionistas dan más importancia a la
utilización radical del color y la forma.No representan objetivamente la naturaleza. Tienen
una vida menos burguesa en comparación con la fauvistas. Los fauvistas tienen una vida
comunitaria con por ejemplo la práctica del desnudo. Comparten con los fauvistas el color y
la influencia del arte africano. Los alemanes veían estas en los museos etnográficos de Berlín
y Dresde. Estos pintores acudirán a Oceanía. En el caso alemán la xilografía será muy
importante por lo que influye en sus formas angulosas. También ofrecen al mundo de la
vanguardia algunos descubrimientos artísticos y estilísticos que luego van a ser decisivos para
el resto de movimientos posteriores. Kandinsky (sinestesia) y su aplicación de teorías
musicales a la pintura, por ejemplo.

Buscan la expresión mediante la naturaleza un arte primigenio o no corrompido, pintan la

ciudad desde dos puntos de vista. Como algo que cambia y el otro sentido es el vicio. Pintan
retratos, autorretrato y temas místicos y simbólicos.

Podemos diferenciar 3 fases en la evolución del expresionismo:

● En la primera fase encontramos un periodo Naif, en el que queda clara la importancia
del arte en el ser humano como forma de expresarse. En esta primera etapa lo
importante es el colorido y la deformación de las figuras.
● El segundo periodo es el expresionismo puro en el que esta deformación va a conducir
a la abstracción. Como el caso de Kandinsky por ejemplo, donde aplica la técnica de
la sinestesia. Franz Marc crea una teoría del color en el que cada uno tiene un
significado.
● La última etapa, en torno a la primera guerra mundial, destaca por convertirse en un
crítico furibundo (fuerte) contra la humanidad.

Precedentes del expresionismo:

Distintos autores franceses influyen, por ejemplo Daumier o Courbet. El simbolismo de
Arnold Böcklin o Ferdinand Hödler. Otros artistas como Van Gogh, Gauguin o Goya. El arte
de oceanía y la xilografía alemana.

Edvard Munch y James Ensor también serían un referente para ellos. Son pintores aislados
que llevan trabajos muy personales e inéditos para su época. El sentimiento trágico de las
obras de Munch y las máscaras de la sociedad (crítica a la burguesía) en Ensor, que no tienen
nada que ver con lo que se ha hecho en su época. Son considerados precursores del
expresionismo. El estilo entre ambos es muy diferente, pero si tienen algo en común, su
desapego con la modernidad. Comparten un rechazo al arte conformista. Ellos apra expresar
sus sentimientos no creen en el arte conformista o tradicional. También comparten la
necesidad de que la pintura pase del plano imitativo al de la expresión. Estos son dos
precursores de las vanguardias.

Edvard Munch (1863-1944)

Junto con Ensor, se le considera un precedente del expresionismo y sobre todo el alemán.
Causó un gran impacto. Él estilísticamente se sitúa entre el simbolismo y el expresionismo.
Su temática son paisajes solitarios, melancólicos, seres humanos tristes, una sociedad
diferente… Nace en Noruega, un país sin mucha tradición artística, en un principio estudió
ingeniería y pasa a Oslo donde se empieza a formar artísticamente. Desde 1885 y durante dos
décadas viajará por Europa lo que le permite entrar en contacto con muchos artistas , conocer
estilos y conoce la técnica de la que será un maestro, la estampa. Se estableció en Noruega a
partir de 1909 hasta el final de sus días. En general, no trata temas de corte tradicional,
aunque hace una serie de pinturas para la sala de auditorios de la universidad de Oslo,
Historia. A él le interesan temas marcados por los asuntos traumáticos que el experimento en
su vida. Así surgen unos pocos temas marcados por el amor, el miedo y la muerte. Estas son
sus obsesiones existenciales. Hay 2 circunstancias que marcan su obra fuera de los cánones
habituales:
● En primer lugar le influye su carácter neurótico y enfermizo (paso la tuberculosis),
alcohólico, tenía ataques de neurosis… Esta forma de ser se ve exponencialmente
aumentada por la muerte de su madre y sus hermanos cuando era muy joven. La
muerte de su hermana es un tema muy pintado por él (6 veces). Todos ellos murieron
por tuberculosis. Su padre era depresivo y eso es algo que heredó de su padre. La otra
hermana era esquizofrénica. Le interesó la filosofía noruega (Kierkegaard,
strindberg…) que son autores que transmiten mucha angustia vital. Él también probó
a hacer fotografías.
● El segundo aspecto que hace que su obra tenga esta temática es la visión problemática
que tiene de la mujer. Retrata a las mujeres de forma frágil e idealizada. Por otro lado,
las pinta como vampiras que chupan la sangre del hombre.Vampiresa. Otro aspecto
importante es que estos temas de la mujer los repite continuamente, con distintas
formas, épocas… Él lo que hace es revisar y profundizar en el tema. Es una
circularidad temática. Estos temas los coloca en distintos escenarios.

Aunque Munch parte de una pintura impresionista o simbolista, acaba creando una pintura
única y con un estilo muy reconocible, en cuya búsqueda se acercó a otras disciplinas como
la escultura, grabado, cine o fotografía. Son pintoras muy expresivas, con personajes, pinturas
monstruosas o deformes… No va a seguir ningún estilo de los que domina en la época. Su
estilo consta de figuras planas y sinuosas, con colores que tienen un significado, se ve la
deformación expresiva del cuerpo empleando texturas y técnicas novedosas. Su mayor mérito
es haber sabido trasladar a la pintura el sentimiento de angustia y desesperación que él vivía.
Para ello recurre a temas cotidianos como, Paseo vespertino.No son personas normales se ve
un rostro calavérico o como máscaras, que no se comunican entre sí y que van al destino
final, la muerte. El grito, es uno de los primeros puntos de partida del arte vanguardista. Su
obra logra reproducir el nuevo entorno urbano en el que se desarrolla la vida. Ciudades
pobladas, estresantes, de gente que va y viene. Personas que sufren patologías como la
ansiedad o la soledad. Son obras que reflejan sus estados de ánimo como Pánico o
Desesperación. Es un artista que fue declarado artista degenerado por los nazis, dicen que no
es un arte bonito, ni que hace un tema histórico. El otro motivo es que roban arte para
venderlo y sacar dinero para los conflictos bélicos. Cuando Munch muere se descubren una
gran cantidad de obras.
El grito. Munch. 1893.
Es su obra más conocida y es una obra de culta. Hay un total de 5 obras: dos al óleo, dos al
óleo y una litografía a color. 2 de las pinturas se conservan en el museo de Munch en Oslo,
otra en la galería nacional de Oslo (fue robada 2 veces), otra versión se mantiene en una
colección privada y se vende por 90 millones. En una de las obras (la de la galería de Oslo)
hay una inscripción de Munch, en el que se dice que es la obra de un loco o que solo lo ha
podido pintar un loco. La obra se parece mucho a una anterios llamada la Desesperación. Se
publica en una revista francesa llamada la Revue Blanche y se hace famosísima. Se le
considera una de las obras más importantes de todos los tiempos. En su diario cuenta como
un día paseando con unos amigos le dió un ataque de ansiedad y vivió lo que se ve en el
cuadro en el barrio de Ekeberg, aunque el cuadro lo pinta en Niza. El barrio es importante, ya
que aquí estaba el matadero de la ciudad y estaba el sanatorio mental en el que se encontraba
su hermana esquizofrénica. Se dice que escuchaba los gritos de los animales y los dementes.
Se sabe que era un sitio muy frecuentado por suicidad. Algunos autores dicen en cuanto el
cielo se puede inspirar en un atardecer real, krakatoa un volcán que estalló hace un tiempo y
las cenizas pudieron llegar hasta Europa mostrando un cielo rojo. Se ve un personaje que
parece una momia, puede inspirarse en una momia peruana que vió en una exposición
universal de París en 1889. Esa momia puesta junto a un fondo rojo, con un mar que parece
un torbellino de hondas… da al cuadro esa sensación de angustia. Da una sensación
ascendente en diagonal, que produce una sensación de inestabilidad. Los amigos son dos
simples manchas que pasean al fondo. La zona del puente es recta, mientras que al otro lado
vemos formas curvilíneas, creando mayor tensión. Nos muestra ese vacío existencial, donde
un hombre se queda solo. Schopenhauer decía que el límite expresivo de una obra era su
incapacidad para hacer oír el grito. La línea sinuosa o curva puede verse influida por los
modernistas y también por Toulouse-Lautrec. Con esta obra se inaugura el expresionismo.

Madonna. 1895-1902.
Es una litografía. En 1895 la hace y en 1902 le da color. El tema es una femme fatale, una
vampiresa que le atrae, pero a la vez le da miedo, se conocen 5 obras en las que se reproduce
el mismo modelo de mujer. Puede recordad a la Judith de Klimt o el Pecado de Franz Von
Stuck. En un marco una mujer semidesnuda… Frente a la mujer ideal, casta o Femme
Frágile, vemos una mujer seductora y amenazadora a la vez, se encontraría en plano éxito
sexual. El título hace referencia a la virgen y es posterior, el título original del primer cuadro
sería mujer haciendo el amor. El espectador se convertía en un voyeur o en el amante.Encima
de la melena tiene un alo de color rojo, algo que alude a la virgen María, de tal manera que en
una misma obra opone a la Eva bíblica y la Virgen María. Es un buen resumen de su estilo, el
tema de la mujer, línea curva del espacio que rodea a la figura, la postura expresiva
(orgásmica) y el tema de la melena que para Munch tiene un significado especial, para él es
un atributo que hace perder la razón al hombre. Otro ejemplo de Fame Fatale es la Mujer
vampiro y en Salomé aparecería esa Femme frágile que aparecen con ese pelo largo. La
mujer del cuadro de Salomé sería Eva Mudocci que fue una buena amiga de Munch, aparece
también en el Bruche

Es una obra simbolista, hay ciertos elementos que nos pretenden comprender mejor eso. En el
cuadro podemos ver unos espermatozoides y en una esquina un feto. Aparece con unos ojos
grandes y asustados. La presencia de los espermatozoides hablarían del rechazo a la idea de la
mujer como mero receptáculo de vida. Para otros podría aludir a la idea del propio parto. Se
conoce a la modelo de la Madonna, Dagny Juel. Las mujeres de Munch tienen una relación
con él.

La niña enferma. 1907.

Es un tema común en él de la muerte.

James Ensor (1860-1949)

Es un artista Belga con orígenes ingleses. Él se sentía inglés y decía que los artistas ingleses
del momento imitaban a los italianos. Dice esto ya que se inspira en Turner o Hogarth,
mientras que los ingleses eran prerrafaelitas. Estudia en la academia belga, pero la abandona
por aburrimiento. Su estilo queda conformado por los artistas flamencos como Brueghel o el
Bosco. Por su gusto por lo burlesco o lo anecdótico, pero también se acerca a artistas
cercanos de como Gauguin u Odilos. Gran parte de su obra está basada en la visión grotesca
de la vida de Goya. Influye en los expresionistas, dadaístas y surrealistas. Es el fundador del
grupo de artistas belga de los veinte y de este grupo fue parte el artista español Regoyos. Es
un grupo que se decantó por el simbolismo centrado en la figura de Cristo. Su pintura tiene
un colorido rico, disonante, es un pintor que pone muchos personajes, tema de carnavales con
un tratamiento satírico o incluso político, podemos denominar a su arte como político por su
crítica y su sátira.Ataca a la burguesía, iglesia, jueces, a la policía y a los críticos de arte que
no le comprendían, tiene temas muy irreverentes, como Bélgica en 1889. Alimentación
doctrinaria , Entrada de Cristo en Bruselas, el meón… A pesar de toda la crítica fue
nombrado barón por el rey Alberto I.

Bélgica en 1889. Alimentación doctrinaria 1889.

Se incluye en un conjunto de pinturas que hace en un momento en el que se le podría
considerar socialista o anarquista. Es un momento convulso para Bélgica en lo político. Deja
tema más naturalistas y empieza a hacer un arte satírico. Cuando se ennoblece debe ocultar
esta obra. Aparece el rey Leopoldo II junto a distintos estamentos importantes que alimentan
ideológicamente al pueblo de Bélgica. Muchos de ellos llevan algunas procramaciones del
pueblo en las manos, como el juez que lleva ( sufragio universal), la mujer (educación
pública) y el soldado (servicio militar). Estas demandas sirven como papel higiénico.

En el último decenio del siglo XIX, ya consolida su propia obra, que es algo muy personal
vemos un mundo personal y fantástico lleno de máscaras. Son máscaras presentes en su vida,
ya que sus padres tenían una tienda de souvenirs donde vendían máscaras ya que en Ostende
la fiesta más importante es el carnaval. Representa su mundo con un estilo vivaz y punzante
que prefigura al expresionismo. Pinta personajes deshumanizados y figuras no reconocibles.
El colorido estridente que ayuda a transmitir estados de ánimo, pincelada de trama gruesa…
son elementos que prefiguran el expresionismo. Todo esto se traduce en sus obsesiones. La
muerte con los esqueletos, la hipocresía de los bien pensantes, revelan la verdadera naturaleza
maliciosa y ridícula de la humanidad. Fue también un gran grabador, sobretodo el aguafuerte.
Sus temas principales son el retrato y el autorretrato, la naturaleza de Bélgica (Los baños de
Ostende), Religión ( Es un Cristo revisado, establece un paralelismo de su vida y la de Cristo.
Ya que ambos fueron perseguidos por sus ideas. Calvario. Donde aparece el Crítico Fetis que
le clava la lanza y uno de los XX que mira su muerte ya que no le entienden) y las máscaras
(nos muestra la farsa de la vida, personas que se ocultan tras estas).

Autorretrato con Máscaras. 1889.

Se ve su rostro rodeado de máscaras uno de los leitmotiv de su obra, hay casi 50. Algunas
reproducen esqueletos. Inspiradas en máscaras de carnaval que sus padres vendían, pero con
un detalle curioso pierden tdo carácter festivo y se metamorfosean en todo lo contrario. Porta
un sombrero anacrónico, recuerda a otros maestros de su tierra como Rubens o Van Dyck que
se autorretratan con ese sombrero. Antes había hecho un retrato similar, pero el sombrero fue
un añadido posterior. El colorido es vivo y estridente, recuerda al fauvismo. Pincelada gruesa
y pastosa. Las máscaras son muy expresionistas. Este tema nos muestra de esa forma d ever
la vida de Ensor, para él la sociedad es un carnaval ya que está llena de falsedades e
hipocresías. Es una sociedad que le oprime como se muestra en el cuadro con todas las
máscaras oprimiendole. Él se veía como un incomprendido.
Entrada de Cristo en Bruselas. 1888-89
Se encuentra en Los Ángeles, pero durante mucho tiempo estuvo en su casa de Ostende. EL
cuadro lo hizo por partes. Composición compleja con muchos personajes, muy estudiada con
muchos dibujos preparatorios, es una obra que tiene muchas modificaciones con el paso del
tiempo. Utiliza personajes que ha usado antes en la obra. Es rechazado por le grupo de los
veinte, se lleva un chasco y lo enrolla y no lo expone de nuevo hasta 1929. Despertó una
violenta oposición, pero hoy en día es considerada como su obra maestra. Esta gran obra da
rienda suelta a todo su ideario plástico e ideológico, combinando la narrativa flamenca , la
habilidad del artista, el uso de colores, dominio artístico y un agudo sentido de la sátira. Nos
presenta un carnaval burlesco, pero si que tiene un contenido político, habla de las huelgas de
la década de 1880 donde hubo muchas huelgas y manifestaciones. Ensor se inspira en una
fotografía de una manifestación de 1886 en Bruselas. Los especialistas señalan que Ensor se
pregunta a sí mismo que ocurriría si Cristo volviese a la tierra a Bruselas como entró en
Jerusalem. Habría diferencia¿?. Él pensó que si volviese a la tierra los intereses comerciales y
políticos capitalizarían el hecho. Ensor era ateo, pero utiliza motivos cristianos para rechazar
y criticar lo que él creía que era un mundo injusto política y socialmente. Es una crítica social
más que una crítica religiosa.

Es una obra muy trabajada que tiene un precedente en la viva y radiante. La entrada a
Jerusalém de 1885-6. Es una seríe de dibujos inspirados en grabados de Rembrandt en el que
la luz tiene una gran trascendencia. Se reproduce la entrada de Cristo en el Jerusalem, aunque
hay algunas pancartas en las que sale los XX. La fuente literaria sería Honore de Balzac que
escribió Jesucristo en Flandes. Nos dice que Crisot vuelve a la tierra sufre un naufragio y
aparece en Ostende. Su pintura podría ser una continuación de la historia. Cristo casi se
pierde entre la multitud y parece que salvo los más cercanos no le hacen mucho caso. El
alcalde de Bruselas aparece encima de una tarima verde con la banda blanca que se cruza el
pecho y parece que intenta utilizar el evento para su beneficio, aparece como hablando en un
mitin. Emilé Litre es el que encabeza la manifestación vestido de Obispo con la capa roja y la
mitra dorada con un bastón, preside la manifestación y conduce a la multitud ansiosa a modo
de desfile grotesco se acerca a nosotros y nos llevaría por delante. Este hombre es un filósofo
ateo y reformador. Nos habla a través de unas pancartas y textos de los problemas que le
afectan, sus gustos y opiniones. Habla del movimiento flamenco, bidisección, socialismo,
movimientos artísticos… Parece que en este cuadro debió borrar o repintar algunas de las
inscripciones antes de 1929. En 1929 le hacen una exposición retrospectiva y se vuelve
Barón. En este tema se muestran las entradas triunfales de los mandatarios extranjeros en los
países Bajos, como las de Felipe IV en Bruselas. Actualiza la tradicional historia de la
entrada de Cristo en Jerusalén, le da un aspecto contemporáneo, irreverente y pesimista.
Personas que ahora te gritan viva y mañana te critican. El cuadro se burla del ser humano y
de las carencias del mismo. En general, esta multitud que nos arrolla son seres anónimos,
aunque hay algunas figuras públicas, personajes históricos como el Marqués de Sade, amigos,
familiares, él mismo… Recuerda al tema de Pieter Brueghel el Viejo, la procesión al calvario
de 1564. Él se retrata en paralelo a Cristo. Aparece un personaje que guía a la banda que
parece un militar borracho (Crítica) y aparece el Marqués de Sade un personaje atípico
irreverente de la Francia del siglo XVIII. Aparece un niño en frente de un esqueleto
(memento mori), mujeres inspiradas en obras anteriores, máscaras japonesas del teatro Noh al
lado de la tarima, son de un aspecto grotesco o horrible hablando del aspecto de belleza que
tienen otras sociedades. Aparece un búho símbolo de sabiduría e inteligencia, pero también
de locura. De nuevo aparece el XX hablando del grupo de los 20 encima de esto un personaje
vomitando y otro cagando. Mantiene muy pocos textos. Hay una estampa realizada en 1898
en la que incluye muchos más textos de los que conserva el cuadro actual, estas podrían
existir en el cuadro, pero como se hizo barón desaparecieron. Uno de los textos es viva
Anseele, que era una figura emblemática del socialismo belga. Viva Jesús y las reformas, ya
que él intentó reformar la sociedad por lo que se le podría ver como un socialista. Aparecen
otros mensajes en apoyo del movimiento flamenco por ejemplo. Ha repercutido a otras obras
como Entry of Christ into Liverpool de Adrian Henri de 1962-4 o Christ´s entry into
Washington de Joel Pelltier en 2008.
Expresionismo Alemán.

Die Brücke (El peunte) 1905-1913.

Surge en Dresde y lo hacen unos arquitectos que se reúnen, entre ellos dos personajes
importante Kirchner y Heckel, pero hay otros personajes como Rottluff o Fritz Bleyl (el
único que se dedica a la arquitectura). Posteriormente este grupo de amigos se convirtió en un
grupo organizado con admisiones y expulsiones de miembros y por eso se unen en 1906
Pechstein, Emil Nolde y Cuno Amiet. En 1908 se junta Kees Van Dongen y en 1910 se une
Otto Mueller.

Según Kirchner el grupo viene a aludir en el mundo del arte a un puente hacia el futuro,
algunos autores dicen que el nombre procedería de la obra de Nietzsche de así habló
Zaratustra. Donde se emplea más de una vez la frase “puente hacia el superhombre” y
también se dice que lo que hace grande al ser humano es ser un puente no una meta, lo que en
él puede amarse es paso no caído. Nos habla del puente como metáfora de la fugacidad
humana. un grupo cerrado de amigos que se reunía en el estudio de Kirchner, ahí pasaban las
tardes y dibujaban, para ello utilizan los modelos no profesionales como niñas o niños,
personas negras, cantantes, bailarinas… aquí charlaban de sus problemas, preocupaciones…
en un ambiente decorado por ellos mismo con esculturas, telas con motivos primitivista que
se llaman Batik. EL puente no tenía grandes inquietudes intelectuales, no como el jinete azul
el otro grupo alemán, pero sí tenían una vida en común que además de fortalecer nexos de
amistad, fortalece un estilo artístico común, que pasaban en verano en los lagos de
Moritzburg. Esta vida en plena naturaleza fue el motivo por el que Nolde abandona el grupo
tras estar 18 meses. Contaban con algunos miembros pasivos que pagaban una cuota anual y
a cambio recibían información sobre el grupo, alguna carpeta con obras gráficas… llegaron a
ser unos 80 entre ellos Rosa Schapire.

En el caso del puente no se puede hablar de que haya un manifiesto, habría una hoja volante
donde se resumiría el espíritu y los objetivos del grupo. Aquí se hace énfasis al carácter
expresivo de la pintura. No se habla de la forma estética, son opiniones filosóficas propias de
la vanguardia. Ruptura con lo establecido o el academicismo y por lo tanto una mayor
libertad. Es una llamada alegre y optimista de cara a iniciar un camino hacia un futuro más
esperanzador.

Este movimiento tiene unos artistas a los que admira entre ellos Van Gogh que expone en la
galería Arnold de Dresde en 1905 y estos artistas observan su obra. Casa de Dangast de
Erich Heckel muestra cómo le influye la intensidad de las líneas, la curva, la expresión de
sentimiento, la vitalidad… También les influye Gauguin con su autonomía del color, el gusto
por el desnudo, el gusto por el arte exótico o primitivo…. Esto se ve en Tarde en la Dunas de
Pechstein. Cezanne también les influye en el desnudo se ve en la Bañistas de Moritzburg de
Kirchner. Munch también les influye, estuvo muchas veces en Alemania exponiendo en
Dresde, conoce a distintos artistas del puente. Matisse y el primer cuvismo también les
influye. Esto se ve en el Desnudo de rodillas ante un biombo de Kirchner que se puede
comparar con la Dríada de Picasso o el Denuso de Matisse. Paula Moderson-Becker fue una
mujer que influyó mucho en este grupo de artistas. Parece influir en la vida comunitaria que
desarrollan en Moritzburg, ya que ella lo hizo en Worpswede donde vivía con escritores como
Thomas Mann o Rainer María Rike. Además, también les influye en el desnudo femenino,
ella misma se solía autorretratar desnuda y embarazada. Se ve el cuerpo humano como
vehículo de expresión.

Estos artistas influyen a un movimiento alemán que se llama nueva objetividad, estos le dan
un nuevo giro a este arte y se vuelve a un arte realista. También influyen artistas de Austria,
Francia… Influyen a los artistas americano Pollock (utiliza el sistema pouring, por ejemplo.
También utilizó la técnica del dripping) y Rothko. Después de la Segunda Guerra Mundial
influyeron en Francis Bacon, Lucien Freud, George Baselitz o Julian Schnabel.

Este es un arte joven que rechaza lo anterior, pero que no sabe a dónde dirigirse. Es un puente
hacia un arte nuevo, pero no saben cómo será. Tienen unos iniciones neoimpresionista, con
técnica puntillista, Gabarra en el Elba de Heckel o Lago en Dresde de Kirchner. Pasan un
periodo fauvista, pero hay una diferencia entre los franceses y los alemanes. Los franceses
tenían claro la diferencia entre vida y arte, pero los alemanes pensaban que la vida era una
forma de arte o en el arte como una forma de vivir. Esto es un reflejo de su actitud ante la
vida. Técnicamente emplean colores de gran intensidad, son unos colores muy estridentes,
emplean la distorsión de las formas y unos contornos muy sólidos en negro que luego llenan
con color. Como las vanguardias simplifican el tema y eliminan los superfluo, tienen una
peculiar interpretación de la perspectiva (de abajo a arriba). Esto causa una gran conmoción
en la sociedad alemana ya que hizo temblar los cimientos del arte y su concepción
tradicional. Magdalena Moeller nos dice que existen dos periodos de 1905-1911 que sería un
expresionismo fauvista, donde se ve un brillante colorido, vitalidad… y desde 1911 hasta
1913/4 más o menos es un periodo más oscuro o gótico entendido como sombrío y oscuro, en
1911 se trasladan de Dresde a Berlín y su obra muestran más pesimismo frente a la ciudad.
Una ciudad que tiene ese contraste de atracción y repulsa. Se van a Berlín ya que es un mayor
punto cultural y este cambio de ciudad supone un punto de inflexión que se traduce en sus
obras. En Dresde los cuadros van de paisajes de vivos coloridos, en los que aparecen unos
desnudo de cuarto de hora (el tiempo que puedes estar en la misma postura). En Berlín son
más retratos y cuerpos de formas angulosas y nerviosas. Los temas también se vuelven
sórdidos (Soldado sin mano). La belleza y la fealdad fueron redefinidas y se inspiraron en
otros movimientos como el cubismo. También utilizan escenas callejeras donde aparecen
prostitutas (cocottes), los locales de ambiente o salas de baile. La vida personal les cambia y
descubren lo que hay al final del puente, la soledad del individuo, otros males como las duras
condiciones de los trabajadores, la pobreza…

En 1913 se disuelve el grupo y ya habían expulsado a Schmidt- Rottluff. En este momento

los miembros pasivos que pagaban reciben una breve nota oficial en el que los miembros
comunican su disolución. Kirchner hace un repaso personal de su actividad en su obra
crónica, que los demás miembros no lo ven así. Niega cualquier influencia del cubismo o del
futurismo. Kirchner pasará varios años en sanatorios mentales por lo que vivió en IWW,
Schmidt Wottluf se refugió en la religión, Heckel fue enfermero y acabó volviendo a la
pintura realista…

Hay que destacar el uso del grabado xilográfico en madera, estos lo hacen ya que es más facíl
trabajar y difundir su obra. La xilografía les obliga a simplificar las formas. Ellos relacionan
el arte primitivo con la libertad y los pueblos no contaminados. Utilizan obras primitivas
como fuente de inspiración. Utilizan modelos de raza negra, bailarines, gente del teatro…
También les permite la técnica xilográfica entroncar con la tradición grabadora alemana. Van
a realizar también ilustraciones para libros, carteles… Es un grupo con muchas facetas.

Emil Nolde (1867-1956)

En verdad se llamaba Emil Hansen, Hansen lo toma de la localidad donde nació. Era un
hombre de origen campesino y de carácter introvertido. Se dedica tarde a la pintura, porque él
era carpintero y el iba a clases nocturnas de pintura. Esta formación modesta la complementa
con viajes donde va a Dinamarca, París, Amsterdam… Schmidt- Rottluff es quine le invita al
puente, no dura mucho por diferencias de edad y porque tenía otro criterio estético, tampoco
le gustaba esa vida en la comuna que vivía el grupo. él tenía 39 años y en solitario había
llegado a las mismas conclusiones y gustos que ellos, por ellos se deja llevar por el gusto de
la juventud. Le influye Van Gogh, Ensor (le visita en Ostende)... Su temática es variada:

● Paisajes de su tierra natal (Nolde), isla de Alsen, Seebüll (Frisia septentrional), nubes,
jardines y flores, marinas…
● Figuras grotescas y exóticas (máscaras , viaje a las islas del pacífico en 1913-14).
Forma parte de una expedición alemana que va desde Alemania a Papua pasando por
distintas zonas de Asia.
● Danza.
● Temas religiosos (a partir de 1909). Tiene una gran enfermedad y eso le hace usa estos
temas. Se quiere comprara o medir con la cultura que ve en el Louvre, donde ve
pinturas de Tiziano o Rubens, queriéndose convertir en el artista moderno de los
temas religiosos y entroncar con la cultura alemana.

El misionero. 1912
Es un claro ejemplo de la unión en una misma composición de diferentes culturas y
elementos de distintas tradiciones, aunque tienen en común que son culturas primitivas. La
madre con el niño procede de la cultura Yoruba de Nigeria. La máscara central es una
máscara bongo de Sudán que Nolde la vió y la copio en el museo etnológico de Berlín. El
misionero se inspira en un ídolo coreano fechado en 1895 que se llama Jangseung que
significa guardián del pueblo está hecho en madera y tiene pigmentos polícromos.
Corresponde a una dinastía Josean y se colocaban en las entradas de los pueblos y eran
masculinos y femeninos. Representa al Dios del cielo, mientras que la femenina representa a
la Diosa de la tierra. Su función es proteger a la aldea de enfermedades, favorecer en las
cosechas…La inscripción que porta dice el mayor general en el cielo. Este modelo es el que
toma para representar al misionero que lleva un papel en las manos, que porta una cultura
diferente a la mujer que aparece arrodillada con los pechos al descubierto y un niño a la
espalda que nos mira. Obedece a un cierto simbolismo ambos se observan que son exóticos el
uno para el otro. Son figuras sencillas al borde de la caricatura. La mujer con su postura casi
forma una silla, que seguramente se basa en una escultura. Se ven colores intensos.
Podríamos ver la influencia de las máscaras de Ensor

Bodegón con Máscaras. 1911.

Forma parte de una serie de bodegones que parece ser una especie de homenaje a Ensor. Para
algunos historiadores esta representación solo sería un homenaje, unas máscaras que no
pretenden criticar. Son unas máscaras que pinta y que adecua a su estilo. Para otros si hay un
significado detrás de las máscaras, como a Ensor le aprisionaban las máscaras, para Nolde
sería igual. Este sería escéptico del mundo y eso le generaba desconfianza y ansiedad. Esta
idea hace que represente estas máscaras. Sería la angustia vital. La palabra máscara es latina
y significa persona. En la pintura vemos 5 máscaras colgadas con diferentes expresiones
grotescas y que parecen moverse, por lo que no es una bodegón o naturaleza muerta. el títula
queda un poco corto. Las máscaras representan un sentimiento o emoción. Las máscaras son
de distintas culturas. La de la izquierda se inspira en la proa de las canoas de las islas
Salomón, que estaría en uno de los museos etnográficos de Berlín. Otra máscara es una
cabeza trofeo de Brasil, es una cabeza reducida. También hay una máscara rosada y otra
amarilla , que podrían ser máscaras de carnaval más acorde con nuestra cultura, mientras que
la última con la barba blanca procedería de una tribu de Nigeria llamada Ijo, parece la
máscara más calmada, pero el color verde llama a la intranquilidad. Formas grotescas y
colores estridentes. Podriamos hablar de la estética de lo feo no le interesa lo bonito. Para él
el arte puede estar hecho para resultarnos repulsivo. Las pinceladas de Nolde son muy
expresivas como las máscaras. Son rostros premeditadamente feos, salvajes, violentos…
retomando el significado de angustia o desconfianza hacia el mundo.
La última cena. 1911
Forma parte de un tríptico de la vida de Cristo. A partir de 1909 se empieza a centrar en los
religiosos, él es protestante , pero utiliza la temática religiosa para solventar sus problemas
existenciales. Tuvo una enfermedad y por eso empieza con una pintura tradicional que
entronca con el pasado, pero también quiere presentarse como el pintor moderno de la
temática religiosa. También le sirve para equipararse con grandes maestros como Tiziano,
Leonardo o Grünewald. Se dice que el origen de este cuadro se pudo inspirar en su visita a
Milán donde vió la de Leonardo. Nolde quiere captar la emoción del instante más que ilustrar
el pasaje del nuevo testamento. Se ve ese Horror vacui donde todos los personajes están
constreñidos y en composición circular, no hay profundidad espacial, se ve un pequeño
mantel, pero en general solo se ve a los personajes. Da una sensación de angustia e inquietud.
Destaca la pintura a base de manchas gruesas.Esta obra fue rechazada. la iluminación procede
de la figura de Cristo y que está rodeado de figuras oscuras con rostros grotescos que
recuerdan a máscaras. Deliberadamente busca un dibujo tosco que deforma los rostros de los
participantes. Quiere escapar de la imitación de lo verídico le implementa un sentido
dramático que se puede ver en las caras que parecen máscaras. Se podría ver un homenaje a
Ensor, en su autorretrato con máscaras

Kirchner (1880-1938)
Uno de los fundadores del grupo y considerado como el ideólogo del grupo. Es uno de los
maestros más importantes de la modernidad junto a nombres como Matisse, Picasso… Se
forma en Munich, Dresde… estudió arquitectura, profesión que no llega a practicar, ya que él
se centra en pintura, escultura y grabado (lo descubre por durero. Le permite simplificar las
formas y acercar su arte al africano). En sus inicios se deja influenciar por el divisionismo del
neoimpresionismo, por Van Gogh con su pintura sinuosa. El modernismo o Jugendstil de
Alemania. La expresividad de Muncha también le influye. En 1911 cuando llega a Berlín
descubre el tema de la ciudad, con las salas de bailes y las prostitutas. Su obra muestra la
sordidez y su obra tiene un color estridente con formas radicales y alargadas. El tema de la
ciudad revela su inquietud y ansiedad. Son imágenes deformadas hechas como vistas por una
columna angular… Reflejan su personalidad un tanto psicopática. Expone en el Armory show
en USA en 1913 y en su etapa berlinesa no se olvida de la vida en la naturaleza y sustituye
sus desnudos de Moritzburg por unos en Fehmarn. La guerra le marca intensamente y en
1915 es licenciado ya que no es apto para el servicio, le confinan en varios psiquiátricos y sus
cuadros revelan la angustia de lo que ha vivido por sí mismo. Autorretrato como soldado, no
se quedó manco , pero ya no podía pintar. En 1915 se mueve a Davos donde vive hasta su
muerte pintando paisajes, retoca obras de etapas anteriores. Actualiza su obra a un estilo más
madura a una composición más clara y con colores claros, evoluciona a una cierta
abstracción, pero no deja el naturalismo del todo. Sus obras son tomadas como obras
degeneradas en la etapa Nazi. En 1938 se suicida con un tiro en el corazón. Fue un artista al
estilo de Munch de una obra inmensa, hizo óleos, grabados, esculturas, fotografías… Él pinta
también las dos caras de un lienzo, que se descubre en las restauraciones y que no será el
único.

Autorretrato con Modelo. 1910-26

Cuando está en Suiza de mayor actualiza sus antiguas obras y pierde la angulosidad de antes.
Tenemos al pintor en el borde del lienzo descalzo fumando en pipa y con los utensilios de
pintar en las manos. Los espectadores ocupas el lugar del espejo en el que el pintor se ve
reflejado. Es un encuadre insuelto y parece que el pintor está evaluando lo que está pintando.
Llama la atención el intenso colorido fauvista. Aparece relajado fumando en pipa, parece que
lleva una bata y parece que se acaba de levantar de la cama donde está sentada su pareja
modelo. La bata representa unas franjas violetas o malvas, son unos colores complementarios
que resultan agresivos a la vista. El contraste cromáticos y la poderosa presencia de la figura
hace que casi ni nos fijemos en la modelo. Aparece sentada al fondo del estudio y presenta el
contraste cromático que predomina en la composición. Atrás aparecen unas cortinas que
podrían ser un biombo o las cortinas que hacían ellos las batik(S) que estarían pintadas a
color. Sean biombo o cortinas nos muestra la influencia de Van Gogh que los solía colocar
detrás de sus modelos y también Felix Valloton le influye en el uso de motivos japoneses. La
mujer se podría parece a la Pubertad de Munch, estos le podrían influir en el tratamiento de
personajes solitarios. Los ojos son rasgados y la simplificación de lso detalles se asocia con
sus xilografías, otros hablan de cierta influencia del cubismo. Otros piensan que podría ser las
dos cosas a la vez. La escena es recortada por la derecha. El recorte de la escena es algo
habitual en las obras de los artistas japoneses , esto también influye a Matisse, en su Mantel
rojo. Esta obra revela el gusto por autorretratarse de los grandes pintores, además de una
forma de “entrenamiento”, también mostraría su orgullo de ser pintores. Por otro lado, nos
muestra esa aspiración del pintor por la tranquilidad en un ambiente alejado de la civiliación
contaminada, a pesar de esto la expresión de ambos rostros es triste por lo que le llega esa
civilización hasta aquí.

Calle con buscona de rojo. 1914-25

Es el título más explícito de una serie que los historiadores la han titulado como escenas de la
calle de Berlín. Hizo 12 de estas representaciones en distintos soportes y técnicas. Es el título
más explícito, es un tema protagonizado por una cocottes (prostitutas) o viudas de guerra
obligadas a esta profesión. Esta serie de 12 pinturas las realizó entre 1913-15. Muestra Berlín
como una nueva ciudad del pecado, esta serie es considerada como la cumbre de su obra y un
hito del expresionismo alemán. Las prostitutas se vestían de viudas para dar más pena y
conseguir más dinero. Este tema de la mujer en la calle ya lo trabajo con la Calle de Dresde.
En este cuadro solo aparece una mujer, normalmente reproduce la escena de las busconas en
grupos de 2, 3 o incluso 5. También las representa dignas, altivas… Nos dicen que son una
mercancia, pero que también son difíciles de conseguir. Son colores intensos, chillones,
formas irregulares, pinceladas nerviosas… Consigue transmitir esas calles convulsas en los
momentos previos a la guerra o los primeros momentos de la guerra. Sería un Moloch que
todo lo devora. Es también una crítica a la gente que no ve venir la guerra o que no le da
importancia. Es esa crítica a las personas que no ven lo que se avecina. El también escribió
que como artista se identificaba con las prostitutas, ya que constantemente le pedían que se
vendiese a sí mismo para sobrevivir. Mujeres con ropas lujosas, muy maquilladas casi como
máscaras, el canon alargado, formas geometrizadas o angulosas, se podría ver la influencia
cubista, los fuertes contrastes cromáticos… Los rostros a veces están absortos en sí mismos o
que miran al espectador, en general son vacíos, inexpresivos…Alrededor tienen hombres
vestidos de negros, con rostros esteriotipados y repetitivos. Hay que advertir de la rigidez del
velo que es menos estético. Estaba prohibido por las ordenanzas de Berlín llamar la atención
siendo prostitutas, no podían pasear de forma indecente o incitar a la lujuria verbalmente.. Se
prohibía estar de pie o de forma provocativa. Sirvieron de modelo dos hermanas, Gerda
Schilling y su hermana Erna que será amante de Kirchner. La obra inicial tendría un tono
pastel, no es óleo y la de 1925 sería más angulosa. En 1925 la retoca y en su diario nos dice
qué cambios ha introducido en la obra. Dice que suaviza las pinceladas nerviosas y
entrecruzadas, que las atenua con zonas de color plano y opaco. Hace una mujer menos
esbelta, la redondea, como se ve en el culo. En la obra se ve una figura central vestida de
rojo, vemos que está entre dos calles, aunque parece que está cruzando la calle. En la de 1914
se vuelve en claro objeto de vista de los hombres. Presenta una doble diagonal que se cruza
en Medio del sexo de la mujer tapado por le bolso. EL personaje de la izquierda dirige la
mirada a ese cruce de caminos.

Marzella. 1909-10.
Es una adolescente que junto con Fränzi son dos adolescentes. Se pensaba que eran hermanas
hijas de un artista de circo que eran vecinas de este, luego se supo que no tenían nada que ver.
Eran chicas adolescentes que participan activamente en la vida del grupo, en principio serían
modelos. Serían modelos por sus formas anatómicas simples, redondeadas, angulosas…
Además, por su desinhibición a la hora de posar desnudas. Es un cuadro prototípico de su
periodo de Dresde. Marzella tendría 15 años, es una obra muy directa como la mirada de la
modelo que nos mira es una mirada atrevida, no sexualmente explicita, pero si provocativa.
Es una adolescete que no tiene los pechos marcados, el rostro muy maquillado, un lazo en el
pelo, los ojos de gran tamaño y labios de color rojo intenso. La situación denota confianza
aparece desnuda se tapa, pero parece confiada del pintor. Observamos una gran infleuncia de
Munch en su Pubertad y en Matisse en la mujer del rostro verde en las manchas de ese color.
En los colores disonantes y antinaturales recuerda a Van Gogh. Vemos una pincelada espesa y
gruesa. Vemos al fondo un biombo o un batik (persiana con motivos). Aparece con las
piernas cruzadas, figura perfilada con líneas negras y un color rosado en el cuerpo. Heckel
graba a Marzella.
Karl Schmidt- Rottluff (1884-1976)
En 1905 añade Rottluff a su nombre que es su localidad natal para distinguirse de otros
artistas que tenían el mismo nombre y apellido. Este fue el que anotó el nombre del grupo en
1905. A pesar de ser el más joven del grupo es uno de los que menos participa en este, no
solía ir a los lagos de Moritzburg. Progresivamente se va alejando de la temática de sus
compañeros, no le interesa la ciudad y en su pintura está presente la naturaleza y los
desnudos. Se ve inspirado por el arte africano, el cubismo y el futurismo. Fue también
combatiente en la IWW y como Nolde se refugia en la religión, destaca sus series grabadas
sobre las sagradas escrituras, Cena de Emaús. Se dedica también a escultura religiosa, Geben
(dar). Entra en la academia en el 31, pero los nazis le expulsan. En 1944 en un bombardeo
sobre Berlín se destruye su estudio con gran parte de su obra. En 1964 con lo que le queda de
su obra lo dona a la ciudad de Berlín para hace un museo sobre su figura, pero después sus
herederos depositan su obra en el museo del puente.

Paisaje de otoño en Oldenburg. 1907.

Fue pintado en Dangast , zona del Báltico. Viajó junto a Heckel a este lugar al que fueron de
forma aleatoria. Pasan 5 veranos en esta localidad desde 1907 a 1912. Es una obra parecida a
la Fábrica de Ladrillos de Heckel. Muestra el estilo característico del grupo a su inicio y la
influencia de Van Gogh en sus pinceladas agitadas y de gran grosos, los colores brillantes sin
mezclar que se aplican directamente y que da lugar a contrastes cromáticos y lumínicos muy
acusados. En su caso abría que añadir otra influencia la pintura al plein aair (aire libre), que
es una tendencia francesa que intenta captar los efectos de la luz. El mismo título indica esta
tendencia , hace referencia a una estación del año. Paisaje construido a base de color. Vemos
una casas al fondo con tejados de distintos colores. Vemos cúmulos de paja en el campo. Es
una pequeña propiedad rural construida a base de color. La paleta nos crea un impacto
emocional. Los colores son escasos y no se mezclan. Para Heckel todos aportan algo al
movimiento, pero que tenían un gusto parecido por lo que era difícil saber qué aportan
Rottluff aportó el color puro de Chemnitz.
Retrato de Rosa Chapire. 1911.
Retrato de esta mujer que era una mecenas del grupo, la pintó en 4 ocasiones y vemos en
estos retratos como avanza su estilo. El último , el de 1919, fue un regalo que le hizo Rottluff
y su mujer a Rosa Chapire. La conoció en 1907, Rosa es historiadora del arte, judía y natural
de Hamburgo. Inicialmente como resultado de su profesión se interesó por Nolde, pero como
dirá Heckel cuando conoce a Rottluff experimenta un cambio radical en su vida. Rosa
Chapire imparte conferencias y escribe artículos por su interés en Rottluff, compró parte de
su obra de tal manera que buena parte de su obra se conserva gracias a que esta mujer huye
de Alemania en la época de los nazis y se lleva su obra. Otra gran parte se perdió por un
bombardeo a su taller. Rosa Schapire le pide que le decore una habitación de su casa de forma
integral, esta no se conserva. Ella también se encarga de catalogar su obra gráfica en 1923.
Rottluff le paga los favores con su amistad y retratándola. Es una fuerte defensora del puente,
llegó a posar para Kirchner. Vemos un retrato cortado, un busto, en el que se le ve sentada
con un brazo apoyado en el brazo de la silla y apoyando su cabeza en esta con una postura
reflexiva. Viste un sombrero negro con un lazo rosa. Sin embargo, se le ve con actitud serena
y reflexiva que contrasta con el color. Las manchas sustituyen a los rasgos físicos es un color
explosivo. Los ojos se sustituyen por manchas azules, se ve el contraste entre el color rojo de
la cara y el verde del vestido. Esos colores le relacionan co el fauvismo. Rayas rojas
delimitan el cuerpo de la retratada.
Cuatro bañistas. 1913.
Es de su última etapa productiva en el puente, el grupo se disuelve en este mismo año. Se
pintó en Nidden, Lituania. El dice que en este mismo años le es infiel a la localidad de
Dangast, ya que Pechstein le dice que vaya. Es un lugar alejado de la ciudad y es un lugar
natural. Se ven desnudos donde aparecen entre árboles. Muchos expertos dicen que parece
más una pintura de taller por las estudiadas posturas de los retratados. Se ve influencia de la
escultura africano, el inicio del cubismo (señoritas de Aviñón) , los rostros parecen
máscaras… Hay muchos contrastes de color y se ve la influencia de Gauguin en sus
Tahitianas bañándose. en el escenario y las disposición de las figuras. La figura de la mujer
que se agacha podría parecerse a los Lujos de Matisse. Se ven cuerpos marcados con líneas
negras y colores del cuerpo antinaturales, rojos y naranjas intensos.

Erich Heckel (1883-1970)

Estudiante de arquitectura y miembro fundador del puente, recibió clases en Chemnitz y es
donde conoció a Schmidt- Rottluff y se mueven juntos a Dresde antes de iniciar el puente. La
primera exposición del grupo se hace en una fábrica de lámparas que es organizada gracias a
Heckel. También pone en contacto a sus compañeros con otros movimientos, galeristas… es
como el relaciones públicas del grupo. En 1909 viaja a Roma y va abandonando su estilo,
aquí conoce el arte etrusco y la luz italiana, madurando mucho su estilo. Viaja por Europa
hasta 1936, se interesa por le arte antiguo y otros movimientos como el cubismo que hace que
su arte se endurezca. Durante la guerra su paleta se oscurece, él tendrá la suerte de ser
enfermero, es destinado en Holanda y conoce a Ensor en Ostende y a Max Beckmann, esto
nos explica el cambio de su obra al realismo a partir de 1918. En los años 20 se acerca a la
nueva objetividad y al jinete azul, hace el mural de los estados del ser (Etapas de la vida). Se
le toma como un artista degenerado y se refugia en Suiza. En 1944 otro bombardeo destruye
su estudio. Toma a su mujer Siddi como modelo mostrando su cuerpo, por lo que se vuelve
retratista. Es también grabador y escultor. Es un arte muy directo.

Fábrica de ladrillos. 1907.

Este también se pinta en Dangast en la época que va con Rottluff. Se relaciona con la obra de
este. El tema no es una construcción rural, sino una fábrica de ladrillos. Se hará una fábrica
de ladrillos que era su principal industria se dice que todavía permanece activa. Es uno de sus
temas favoritos ya que la estructura de la fábrica le permite estructurar la composición. Hay
un contraste entre la verticalidad de la chimenea con la horizontalidad de los barracones de la
fábrica. El otro contraste evidente es el rojo del ladrillo con el verde del campo. Es un paisaje,
pero a la vez tampoco lo es, es todo lo contrario a los impresionistas. Quiere remarcar la
realidad subjetiva, lo que sienten al ver un paisaje no una simple fotografía. Para ellos
trastoca los colores, las líneas, la perspectiva… Casi ha suprimido las formas y se han creado
mediante el color. Es un color estridente, antinatural, vibrante, que se aplica de forma
espontánea… Se ve una composición expresiva. Nos podemos imaginar que la fábrica está en
llamas. influencia de Van Gogh, pero las pinceladas son menos ordenadas que las de el pinto
holandés. La influencia del fauvismo también está clara en los colores antinaturales y
agresivos.

Chica egipcia. 1909

Se le conoce también como chica desnuda sentada. El cuadro quizás se haría en su visita a
Moritzburg. Heckel elige un tema tradicional de la pintura, un desnudo femenino, pero la
imagen que ofrece es bastante radical o novedosa. Es una pintura provocativa de una joven
desnuda. Posiblemente esté tomando el sol. No es totalmente novedosa ya que Courbet en su
obra del origen del mundo ya había trabajado este tema. Es provocadora ya que es una chica
joven. Es una muestra de un ataque deliberado contra las convicciones morales. La chica
aparece sentada sobre algo blanco-azulado en total libertas tomando el sol, aparece recortada
por los pies. Hecha con unos rápidos brochazos. Sin embargo, la muchacha no parece quieta,
pero gracias al movimiento de las líneas rojas que parecen vibrar hacen que el cuerpo mo
parezca estar quieto. Estas líneas rojas enmarcan o cierran el desnudo d ela joven que
presenta un color amarillo típico de este grupo. Se desconoce la persona retratada, pero hay
una carta que le dedica Kirchner a Heckel en la que da que pensar que era una modelo de los
dos artistas. Kirchner le dice que con sus largos cabellos parece una belleza egipcia. Dice que
tiene unos atractivos pecho en forma de W que son infantiles. Suelen retratar modelos
jóvenes con angulosidad en los cuerpos y que no tenían miedo a mostrar sus cuerpos.
Roquaril. 1917.
Inspira a David Bowie e Iggy Pop.

Max Pechstein (1881-1955)

Es el más académico del grupo,porque antes de formar parte ya había recibido formación de
dibujo o pintura en distintas instituciones del arte. Tras conocer a Heckel entra en el grupo en
1906 y como Heckel es un viajero empedernido. Acude a Italia y aquí se deja influir por el
arte etrusco, los mosaicos bizantinos… De regreso del viaje se queda en París y se deja
influenciar por el Fauvismo y en concreto por los desnudos de Matisse. Los expertos dicen
que sus desnudos son más eróticos que los de Matisse. En París conoce a Van Dongen y le
invita a unirse al grupo en 1908, en este año también se establece en Berlín siendo el primero
del grupo que llega a Berlín. Este también se ve influenciado por Gauguin y su diario
Noa-Noa. Emprende un viaje a las islas Palaos que era una colonia de Alemania y está
también en Papúa Nueva Guinea. Tríptico de Palau. Aquí será hecho prisionero por los
japoneses, no vuelve a Alemania hasta 1915 y en la II WW fue también prisionero de los
rusos. Después de la IWW los artistas y la sociedad se dividen en grupos ideológicos,
Pechstein funda junto a Heckel y Schmidt-Rottluff forma un grupo de arte revolucionario que
apoya a la URSS y que se llama el consejo laboral de las artes. Habla de la renovación
artística cultural, utopía socialista… Formó parte del grupo de Noviembre en donde está
integrado Muller y otros artistas no expresionistas. Su ideología ahce que sea perseguido por
los nazis, se le expulsará de la academia, se le confiscaron las obras… Él también utiliza los
lienzos por las dos caras.
Mercado de caballos en Moritzburg. 1910.
Aquí intentan huir de lo urbano de Dresde y podían experimentar con la pintura de desnudos
al aire libre. Como modelos en Moritzburg posaban ellos mismos, novios o mujeres, modelos
de estudio, artistas de variedades (Circo)... Al estilo de Cezanne y sus bañistas, qunue est eno
las pintó al aire libre. Pechstein nos cuenta cómo fue su verano en Moritzburg, que dice fue
inolvidable. Le sirvió para aprender, libertad sexual, fiesta… Se ve la representación de una
feria de caballos, que se hacía 5 veces al año en esta localidad. Este se localizaba al lado de la
cervecería en la que residía. Pechstein dice que a él le interesa captar los relucientes cuerpos
de los animales y la muchedumbre que se movía alrededor de ellos. Destaca por la
extraordinaria economía de medios pictóricos, no se preocupa por el detalle o la
representación anatómica perfecta. A él le interesa el conjunto. Parece ser que estaría en un
lugar elevado y los árboles están esbozados, pareciendo una alberca. El colorido es fauvista.
Cuerpos rellenos de color. Fue uno de los cuadros confiscados por los nazis.

Debajo de los árboles. 1911.

No lo comentamos.

Tríptico de Palau. 1917.

Pechstein y su mujer Lotte viajan a las islas de Palaos unas islas del pacífico. Aquí le
sorprende la primera WW le atrapan lso japoneses consigue escapar y realiza un trayecto por
todo el mundo. Viaja a Alemania y tiene que ir al frente ya que están en guerra. Muchos
pintores son licenciados (ya no tienen que participar en la guerra) y no soportan los horrores
de la guerra. Una vez que regresa a la ciudad nos muestro lo bien que vivió al volver. Seguirá
haciendo obras parecidas a esta hasta finales de la segunda WW. Ve estos lugares desde un
punto de vista romántico, es un paraiso terrenal en contraposición con la Europa
ensangrentada y en conflicto bélico. Se olvida de que las islas Palaos eran colonias, no eran
tan felices ya que estaban dominados por los alemanes. Contrapone un mundo feliz donde se
puede pescar, bañar… se ve un mundo primitivo, en contraposición con una Europa
materialista, asesina… Evoca una vida idealizada que nos presenta reflexiones como las de
Rousseau que habla del buen salvaje. Abandona el estilo agresivo y moderno del puente ,
mostrando una obra serena que pierda la fuerza de su producción. Se ve que hay dibujo,
perspectiva, formas redondeadas… Formalmente s trata de un tríptico, es una paisaje en 3
paneles en forma de friso. En la parte más a la izquierda se ve un juego con un barco que
entra en el otro panel. A la derecha una familia y en el centro las casas y personajes
saludando a los otros personajes que están en una barca. Se ve la presencia del agua (peces),
aire(pájaros) y tierra (humanos).

Otto Müller (1874-1930)

Conocido como el gitano, no está comprobado, pero por su temática se piensa que su madre
podría ser gitana y en concreto de la etnia sinti.Parte de su temática entronca con la etnia
gitana, viaja por el este de Europa donde la presencia de estos es notable. Otto se integra en el
puente en 1910 y es un outsider, alguien particular o individual dentro del grupo, era
introvertido, no le gustaba lo excesivo. Ese carácter introvertido se refleja en la temática y en
la técnica empleada. Él recupera la pintura al temple, pero se trata de la aplicación de una
pintura seca en una tela, con lo que consigue un efecto rugoso y de tono pastel. Se diferencia
de sus compañeros en que él consigue representar el ideal de los expresionistas de
reconciliación del ser humano con la naturaleza. Estudia en la academia de Dresde por la
influencia de Arnold Böcklind. Del grupo con el que mejor se lleva es con Heckel que
consigue meterle en el grupo y con Kirchner. Con Heckel viaja a la isla de Fehmarn o
Bohemia. Participa en las exposiciones del Jinete Azul y es herido en la IWW. Después le
nombran profesor de la academia de Breslavia, que sería Polonia hoy en día. Es pintor,
grabador, litógrafo… En su obra se siente bastante monótono, mantiene una temática
limitada: desnudos de mujeres en la naturaleza, parejas de amantes y gitanos. La resolución
de estos temas también es monótono, los modelos son: muy repetitivos, mujeres estilizadas,
ojos rasgados, barbilla puntiaguda… Se parece al arte egipcio. Quiere expresar la relación del
hombre en la naturaleza, el mismo indica que para ello se inspira en el arte egipcio, pero
también de Gauguin, como se ve en la obra y el oro de sus cuerpo. Las pinturas murales de
Ajanta también le inspiran. Son unas cuevas que se llevan pintando desde hace muchísimo y
que se conocía desde principios del XX. Lucas Cranach el pinto alemán con su Venus le
inspira con sus cuerpos estilizados y alargados. Su obra fue confiscada para la exposición de
arte degenerado. Su obra aunque es muy sencilla en cuanto a tema son difíciles de fechar, ya
que nunca les pone fecha.

Dos desnudos femeninos en un paisaje. 1926.

Se ven los temas de gitanos y los desnudos femeninos al aire libre. Se ven esos cuerpo
ángulos y presentan mentones apuntados y puntiagudos, con ojos rasgados. Los pinta con
colores suaves, más allá de la sensualidad presenta los cuerpos de forma romántica, son
figuras serenas. Dibujo limpio con contornos definidos y líneas negras. Se ve la vegetación,
rocas… que rodea a las modelos. Se ven mujeres de perfil, que recuerdan al arte egipcio,
Cezanne, Gaugion. Recuerda al paraiso terrenal perdido situado en Tahiti. A él no le interesa
tanto marcar el sitio donde se ha hecho, se ha podido hacer en cualquier lado. Es una pintura
un tanto extraña por la diferencia de la técnica. Se ve la recuperación de la técnica al temple.
Estos lienzos se hacen en una superficie rugosa y el empleo del óleo es muy seco por lo que
parece una pintura al temple.

Der Blaue Reiter (El jinete Azul)

Dos de los miembros del grupo mueren en al guerra (Franz Marc y Auguste Macke) por lo
que el grupo desaparece rápido. La “fundación” del grupo se debe a Kandinsky y Franz Marc.
Estos no crean un grupo. Otros artistas son Alexei Von Janlensky, Münter, Werefkin o
Sajarov. Todos estos participan en la asociación de artistas de Munich. Estos son el germen
del jinete azul. Ellos publican el almanaque del Jinete Azul que le dará nombre al
movimiento. Este nombre se debe al gusto por los caballos de Kandinsky. El jinete sería un
emblema o representación de la transformación dinámica de la sociedad. El caballo
simbolizaría la energía creativa. El azul tendría un valor de los cósmico, celestial… El jinete
se podría reducir a San Jorge y el dragón, sería una modernización del tema d ela lucha dle
bien contra el mal. La modernización del arte, encarnación de la lucha contra la retraguardia
artística. Se han hehco dos exposiciones en las que participan estos artistas y otros artistas
franceses como Delaunay o Rousseau. Exposición DBR en Múnich. Los nombres principales
del grupo son: Franz Marc, Auguste Macke, Paul Klee, Gabriele Munter y Kansinsky. Son
artistas que se unen por una proximidad ideológica espiritual. La idea principal es que la
forma es una expresión del contenido y el contenido es diferente apra diferentes artistas.
Resumiendo, lo importante es compartir un mismo espíritu y no tanto la forma. No tendrán
un estilo fijo hay más variedad y tampoco hay un manifiesto, aunque si hay almanaques con
nos dicen su ideología. Lo que comparten con el puente es un arte basado en la expresión del
yo en el arte, de los subjetivos. Pero se diferencia del puente en que son una agrupación
informal de artistas con una idea cultural común , sin un estilo tan definido, pero mucho más
intelectual. Algunos dicen que más que un grupo son un libro o almanaque. Es un arte que
trasciende de lo cotidiano, no se preocupan de los horrores y las bajezas del ser humano. No
desean agobiar o asustar al espectador con las desgracias de la vida. Kandinsky piensa que el
artista debe ser un sacerdote de la belleza. Debe enseñar que está bien o mal. La conexión
entre alma y belleza se debe hacer a través del color. Un colorido armonioso y a veces
relacionado con la armonía musical, sinestesia (ver sonidos). BUscan una dimensión
espiritual del arte. Todos estos aspectos de la búsqueda de lo esencial , belleza universal… se
deriva en que algunos pintores acaben en la abstracción. Una pintura sin formas naturales. El
progreso humano lleva es un camino que lleva de lo material a lo espiritual. Para ellos el arte
debe ir de la imitación de la naturaleza a la abstracción. Creían que el equivalente de la
pintura es la música. La música como la pintura puede transmitir unos valores expresivos que
influyen en el alma.Luego sus cuadros se llamarán de formas musicales.

Sus antecedentes serían el ``art noveau'' de Henry Rousseau. El cubismo de Picasso. El arte
no occidental. También el arte popular como es la pintura alemana sobre vidrio. Estampas
populares (lubki o Lubok). La visión cósmica del romanticismo.

En este grupo se mezclan artistas de distintas nacionalidades y también es un movimiento en

el que hay mujeres pintoras. La guerra interrumpe el desarrollo del grupo no solo por el
hecho en sí, sino también por la muerte de dos participantes.

El almanaque se publica en mayo de 1912 se llama igual que el grupo y se edita en Múnich.
La idea original era crear una crónica anual que diese cuenta de las exposiciones más
importantes, que publicará artículos de artistas… Con una preparación de 8 meses se publica
el primer ejemplar financiado por Marc, Kandinsky y Bernhard Koehler un industrial berlinés
y coleccionista de arte. El almanaque incluye obras efectuadas por niños, realizadas por
miembros del grupo, obras extraidas de culturas antiguas o extraeuropeas, mosaicos
bizantinos, arte oceánico…Se reproducen obras del Greco, Rousseau, Gauguin, Picasso,
Malevich, Bloch, Goncharova… Bernhard Koehler será uno de los hombres que más obras
de este grupo coleccionó, gracias a él se ha podido hacer un gran museo.

Franz Marc (1880-1916)

Murió en la IWW. Es hijo de un pintor paisajista y es uno de los difusores del almanaque del
jinete azul. Un dato importante es que antes de dedicarse a la pintura él fue influido por su
madre, una mujer muy religiosa, que le hizo pensar estudiar teología para hacerse pastor. Esto
tiene mucha importancia ya que sus pinturas tendrán mucha espiritualidad. Su vida fue corta,
pero en poco tiempo mostró una gran evolución. Entre 1900-02 acude a la academia de bellas
artes de Munich y en su formación tiene mucha importancia sus viajes a París. Aquí visita
exposiciones, comprar estampas japonesas, entrar en contacto con autores que en sus
primeros momentos le servirán de guía. Los impresionistas, Van Gogh, simbolistas
(Gauguin)… Su gusto por los animales se puede ver influenciado por Niestlé. Como ya
hemos comentado participa en el almanaque, en las obras que aparecen en este, en diferentes
artículos como el de los salvajes de alemania. Recuerda a los fauvistas como salvajes ante el
orden establecido. El artículo se ilustra con una talla de un guerrero indigena. Escribe la
nueva pintura que no está en el almanaque. Marc creía que los animales poseían una cierta
piedad que los hombres ya habían perdido hace tiempo. Los convierte en su tema principal en
pinturas e incluso en esculturas. Los convierte en alegorías y símbolos que personifican la
belleza pura y verdadera que ya no es posible encontrar en el ser humano cada vez más
urbanita y cercado por los pecados de esta. Piensa que los animales son más dignos que el ser
humano y les dota de colores fantásticos.

En su teoría del color habla de 3 colores principales: El azul es en principio masuclino, rudo ,
espiritual, intelectual, activo… Simbolizaba el cielo. El amarillo es el sol y lo femenino.
suave, alegre, sensual… El rojo es la materia , la tierra, el mundo duro o cruel, la pasión, la
brutalidad… es el color que debe ser atacado por los otros dos. Esto se ve en su cuadro , la
vaca amarilla. La vaca sería el símbolo de su esposa Maria Franck. El pintor estaría en los
picos azules del fondo.

Conoce una evolución hacia la abstracción con composiciones rectangulares, prismáticas…

Se piensa que utilizaba una herramienta llamada prisma acromático. En esta transformación
tiene mucha importancia el conocimiento del autor italiano Umberto Boccioni y su viaje a
París en 1912 donde conoce a Robert Delaunay. Su estilo ,llamado Orfismo, es un cubismo
con color. En sus últimas obras sin embargo, Marc aparece decepcionado no solo por el
hombre, sino también con la naturaleza y los animales. Al final descubrió en los animales lo
feo y lo insensible, su deformidad y repulsión. Ahora se ha vuelto plenamente consciente de
la fealdad de la naturaleza. Esto hace que sus representaciones se vuelvan más esquemáticas
como se ve en su cuadro Formas peleándose. Algunos han querido ver la pelea de Alemania
con el resto del mundo por la IWW.

Se alistó voluntario en la guerra. Pensaba que la guerra era un mal menor y que había que
regenerar la sociedad y que Alemania ganaría la guerra. Se entera de que August Macke
muere y no cambia su idea de la guerra. Pero antes de morir escribe cartas a su esposa y a la
viuda de Macke en la que la guerra no es tan buena. Diciendo que desea volver a casa. Justo
cuando le iban a licenciar una metralla le mata. Justo cuando Alemania se dió cuenta de que
había que sacar a esas grandes mentes del frente murió. Inspiró a artistas como Heinrich
Campendok.

Gran Caballo Azul. 1911.

Hay que tener en cuenta que los animales para él son ideales de pureza. Antes de elegir a los
animales como leit motiv de su obra, ya los dibujaba. Para él serían la inocencia frente a la
caída del ser humano en el mal. Marc busca un regreso al estado natural, el “edén”, anterior al
ser humano. El tema claro es el caballo. Color azul que emplea de forma simbólica y que
aluda al nombre del grupo, alude a la energía simbólica y a lo masculino. Pasa de un azul
natural a un color simbólico.El caballo desde siempre ha sido un animal noble y valorado por
su carácter. Vemos un potro erguido ante nosotros y con la cabeza ladeada a la derecha como
si estuviese pensativo. Parece tener sentimientos. El blanco aparece en las formas de su
cuerpo. Se ve un fondo con distintos colores en los lados que hacen resaltar la figura del
caballo. Tiene una anatomía precisa, Marc durante un tiempo enseñó anatomía animal, pero
tiende hacia la simplificación. Quizás eso se debe a que no quiere representar a un caballo
concreto, sino a un símbolo de la naturaleza.
Tigre. 1912
Es una de sus obras más conocidas. Es una obra donde se ve la influencia de Roebrt Delaunay
y su orfismo, que le lleva a la evolución a la abstracción. Se ve su influencia en una visión de
forma prismática y de color. Está presente Van Gogh en la pincelada y Gauguin en el color.
También ve obras de Braque y Picasso en Alemania. Todo ello nos lleva a la fragmentación
de formas y colores en prismas geométricos que recuerdan a geodas. El formato de la imagen
es cuadrado y está dominado por una forma poderosa y de espaldas de un tigre. Este presenta
unos contornos muy angulosos como si fuera una piedra tallada. Realiza un medido escorzo
girando la cabeza. Los trozos amarillos y negros de su cuerpo destacan del resto de
formaciones cúbicas que nos da a entender que está encima de una roca o vegetación. Parecen
formar una unidad indisoluble. El amarillo es muy chillón y parece que contribuye a su
camuflaje en el habitat. Nos muestra a un animal en la naturaleza que solo destaca por su
color. Solo quiere resaltar el animal y la roca o vegetación del fondo.El tigre es una idea que
desarrolla de antes en una escultura. Por lo que esto sería el resultado de años de
investigación de este animal salvaje.
Paraíso. 1912.
Colabora con Macke en esta obra. Es una pintura mural que fue realizada en el estudio de
Macke en Bonn. Esta después fue desgajada del estudio y fue trasladada a un museo. Es uno
de los pocos ejemplos de pintura mural del expresionismo. Se ve a Adán y Eva en el paraíso
con distintos animales. Un mono azul, un buey, una gacela, un aguijorro… Como su propio
nombre indica es el paraíso en el que aparecen seres humanos y animales juntos. Esto nos
quiere hablar de la convivencia pacífica del ser humano con el animal, es algo utópico. Es
una obra con bastantes curvas, no hay demasiada angulosidad y tiene un gran colorido. Marc
hace a Adán, los animales y el paisaje. Macke hace a Eva y a distintas figuras.

August Macke (1887-1914)

Vivió en Bonn gran parte de su vida. En 1910 conoce a Marc y Kandinsky. Murió muy joven
solo con 27, un mes después de alistarse muere en la guerra. Tiene formación artística
aprendió en la academia de Bellas Artes de Düsseldorf y como Marc viaja por Europa y va
con el propio Marc a París en 1912. En este viaje a París aprende y conoce muchos
movimientos como el impresionismo o el postimpresionismo. Macke se deja seducir por
Renoir y sus escenas de cafés. Otros nombres que le influyen son Cezanne, Renoir, Matisse,
Delaunay. Macke escribe en el almanaque del jinete azul un artículo sobre las máscaras. Su
contacto con Delaunay es básico y se convertirá en el heredero alemán del cubismo cromático
u orfismo (simultanierismo). Se va a convertir en una interpretación personal del orfismo de
Delaunay.

Mientras Marc desarrolla un punto espiritual, Macke tiene un pensamiento más ordenado ya
que en 1912 ve una obra de Wilhelm Worringer titulada abstracción y naturaleza, que junto a
de lo espiritual en el arte de Kandinsky serán los pilares teóricos de su obra. Worringer
crítica lo figurativo y todo el arte hecho hasta el momento. Para él el arte es algo subjetivo y
expresivo por lo que la experiencia estética es una manera de sacar tu propio yo. Esta lectura
le lleva a Macke a hacer obras en las que se descompone la luz, se ven planos geométricos
coloreados. 5 meses antes de morir va a Túnez con Klee y Louis Moilliet donde pinta unas 40
acuarelas que son de lo mejor de su producción. El descubrimiento que hace en Túnez es la
luz brillante e intensa que hace que su paleta se ilumine. Diseño alfombras. Tapices, trabajo el
grabado, el vidrio y la cerámica.

La temática suelen ser temas banales como el circo, paseos por las calles , paisajes…
Generalmente los protagonistas de sus obras son mujeres. Son elegantes, les gusta el
vestuario femenino… aparecen paseando mirando escaparates sobre todo de sombreros. NO
hay temas de crítica social. Son temas tranquilos , incluso aburridos. El colorido es brillante y
armonioso, casi celebra las alegrías simples de la vida, esto está algo alejado de la búsqueda
de Marc de algo lejano. Se conforma con algo simple y banal. El color es muy fuerte y
brillante. En su última obra Despedida se ve lo contrario un tema , se ven personas
despidiéndose de las personas que van a la guerra y se ven colores más oscuros. Macke se dió
cuenta antes que su amigo Marc de que la guerra era mala. Pero aun así, morirá en el frente.

Húsares al galope. 1913.

Se muestra la influencia del futurismo en su obra. En 1912 su amigo Herwarth Walden
publicó en la revista Der Sturm nª103, publicó la traducción en alemán del manifiesto de la
pintura futurista. Esto le hace conocer de primera mano las intenciones de los futuristas. La
obra debió ser pintada en su estudio en 1913 y el tema es raro en su producción y parece tener
su origen en su estancia como voluntario en un régimen de infantería. En este regimiento
estuvo también en la Gran Guerra. Los futuristas en sus manifiestos glorificaban la guerra
decían que la guerra era la única higiene del mundo. La pintura es muy abocetada, ya que
quiere captar el movimiento y la velocidad de una carga de húsares. Esto era un tema habitual
en los futuristas como nos muestra la carga de los lanceros de Umberto Boccioni. Se ven
figuras simplificadas con rasgos básicos, colorido vivo, pintura pastosa… Los jinetes parece
que se desmaterializan de tal manera que se acaban fundiendo con el fondo y solo queda en el
fondo manchas de color.
Mujer con chaqueta verde. 1913
La realizaría en Hilterfingen al lado del Lago Thun, una localidad de Suiza donde Macke va
con su familia en los veranos de 1913-14. Aquí pinta buenos escenarios y los convierte en su
tema. Nos muestra un formato casi cuadrado, las figuras son esbeltas sin rostros, parecen casi
columnas, se ve dos parejas al fondo. La disposición de la mujer recuerda a un cuadro de
Seurat. Son figuras anónimas y sin rostro que nos recuerda a la pintura de Friedrich. Sus
colores no tienen ningún significado. Al fondo vemos unas casas en forma de cubo que
podrían recordar al primer cubismo de Braque en la localidad de L´estaque. Sus mujeres son
muy parecidad, de espaldas y sin rostro.

Sombrerería. 1914.
Es una muestra de que se deja seducir por ciertas modas o costumbres de la modernidad
como es el ocio. Se ve como aparece una mujer callejeando observando un escaparate, es un
tema común en él y le gusta mucho el tema de las sombrererías. La primera vez que hace este
tema de un escaparate es en el Gran escaparate iluminado, se basa en Boccioni y en
Delaunay para hacer la obra. En este aparece una mujer enfrente de un cristal. Estos reflejan
que pasa detrás de la mujer en la calle. Hay un señor con una capa y una chistera. Esta
sombrerería corresponde a una etapa de madurez y la situa en el paseo marítimo en la
localidad de Hilterfingen al lado del Lago Thun. La mujer pose con elegancia, serena frente a
un escaparate con sombreros. Parece tener un imán en el transeúnte tanto por el producto,
como la atracción que produce en el cristal. Estos elementos no son de primera necesidad y
nos muestra ese consumismo en estas ciudades de Europa. Suma el expresionismo con el
Orfismo. Para Macke el conocimiento de Delaunay fue algo básico. Sencillez,
esquematismo… no hablan del expresionismo, mientras que los volúmenes, los prismas…
nos hablan de Orfismo. Aparece una mujer congelada, hierática…
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Es uno de los pilares fundamentales del arte contemporáneo en occidente que tiene que ver
con la abstracción lírica. Él hace una abstracción en base a unas figuras naturales pero a la
vez abstractas. Tendrá unos 50 años de carrera en el que se va alejando del mundo tangible
para realizar un tipo de arte más espiritual.Un arte libre, intuitivo, repleto de colores y
formas, la pintura debía ser tan abstracta como la música y debía provocar una respuesta
emocional sin tener que hacer un tema reconocible. Hablaba del poder oculto de la paleta.
Otros nombres importantes de esta intención son Malevich, Piet Mpndrian o Hilma Af Klint.
Fue también profesor, escritor, fundador y destructor de grupos de artistas, organizador de
exposiciones… Nace en Moscú y estudió derecho. Renunció a una catedra en la universidad,
se dice que esto lo hace por quedar alucinado por una exposición de impresionistas (Monet)
en Moscú, esto junto con la puesta en escena de la ópera Lohengrin de Wagner le hizo
decidirse ser un artista y dejar sus estudios. Se traslada a Munich donde pasará los siguientes
18 años de su vida. Kandinsky relacionará la música con los colores, sinestesia. Es un rasgo
neuropsicológico que los estudios dicen que afecta entra a un 2 al 5 % de la población.
Cuando se estimulan los sentidos se producen efectos en otros sentidos. El podía escuchar
música y ver colores.

De 1901 a 1904 da clase en la escuela PHALANX, que era una escuela opositora al
academicismo. Aquí realiza sus primeras xilografías y conoce a Gabriele Münter una
compañera muy importante. Hace una exposición en París en 1905 en una exposición de la
Secessión como el salón de otoño donde participaron también los fauvistas. Hizo el grupo
NKVM en 1909 junto con Alfeed Kubin, Alexey Von Yanlensky o Franz Marc. Muchos de
ellos eran rusos e incluían bailarines, músicos, teóricos del arte… Los abandona en 1911 para
formar parte del jinete azul, ya que se mosqueo por no ver con buenos ojos su arte. Fue uno
de los grandes teóricos del arte contemporánea y del arte no objetivo. Hizo el tratado De lo
espiritual en el arte donde examina la capacidad del color para expresar cualidades
psicológicas, espirituales… del ser humano. Publicará el libro Klänge , que la denomina
como una obra musical. Es una combinación de xilografías entre ellas lírica que se acompaña
de poemas en prosa y presenta una novedosa tipografía. En 1925-6 crea la obra de Punto y
línea sobre el plano en su etapa en la Bauhaus. Aquí en vez de preocuparse por los colores se
preocupa por la línea y el punto como elemento importante en la construcción de una pintura.

Su evolución nos explica gran parte del desarrollo del arte contemporáneo hacia la
abstracción. Tiene una primera etapa entre 1896 y 1908 en la que juega con la modernidad o
Jugendstil, el neoimpresionismo (divisionismo)... Los temas de esta primera etapa son temas
de las leyendas rusas, de cuentos alemanes y rusos. Suelen ser paisajes tardo--impresionistas
de colores vivos. El caballo en las etapas iniciales es su tema recurrente y su símbolo de
transformación del arte. Su segunda etapa de 1908 a 1909 corresponde con su traslado a
Murnau un pueblo al sur de Munich donde se traslada junto a Gabriele Münter y junto a la
pareja Alexey Jawlensky y Marianne Von Werefkin. Aquí va a inspirarse y a buscar
tranquilidad. Aquí elabora paisajes de tono fauvista, usando elementos compositivos del
fauvismo, pero poco a poco se acerca al arte abstracto, le va dando más importancia al color,
a la línea. Se aleja de las referencias naturales y empieza a plantear que la belleza reside en el
color y no en lo representado.

Desarrolla su teoría del color donde nos dice que posee un significado simbólico. Le influirá
la corriente de la Teosofía, se relaciona con una secta, pero es una corriente espiritual que
mezcla creencias de diversas religiones y una corriente a la que perteneció también Malevich
o Piet Mondrian. Cada color le corresponde a un instrumento concreto y establece una tabla
sinestésica. Por ejemplo: el amarillo lo relaciona con la pasión. El instrumento musical es la
trompeta. Dice que es un color que puede tranquilizar a las personas. Mientras que el azul les
haría sentir bien, lo relaciona con la espiritualidad, lo celestial, cósmico… Distingue el azul
claro que lo relaciona con la flauta y el azul oscuro con el violonchelo. El naranja lo relaciona
con la campana. EL marrón con el tambor. El rojo con la tuba, el verde con la calma,
pasividad y el violín, el violeta con la gaita que dice que es rojo enfriado en el sentido físico y
psicológico tiene algo de enfermizo dice que es un vestido bueno para las ancianas, dice que
los chinos utilizan el violeta como color de luto. El blanco para él es el silencio y el negro
sería el punto final de la composición, la nada.

Las formas también tendrán un significado. La línea cuanto más gorda más energía. Si es una
línea ascendente nos habla de la alegría. Ascendente tristeza, alegría para abajo y al lado
tranquilidad. El círculo como el color azul sugiere el plano cósmico y espiritual, por lo tanto
la perfección. Por eso el círculo irá sustituyendo al caballo en su obra. El triángulo para el
artista encarna la acción, la agresividad, violencia… Si apunta hacia arriba indica fuerza,
mientras que si se coloca hacia abajo sería tristeza. El cuadrado representa la paz y la calma.
El semicírculo para él simbolizaría la tranquilidad.

La tercera etapa es de 1910 a 1914 y es cuando crea o ingresa al jinete azul. Es una etapa muy
importante, ya que “conquista” a la abstracción. Clasifica estas obras en 3 categorías de
acuerdo a la música. Le influye mucho la obra Lohengrin de la ópera de Wagner y son
ejemplos de un nuevo tipo sinfónico de composición. Impresiones, es una impresión más o
menos directa de la realidad. Improvisaciones, pintó unas 35 en principio son fruto del
inconsciente , pero en las mismas todavía hay un cierto plano de realidad. Se pueden
reconocer paisajes o figuras.Composición, las hace hasta 1939 hace unas 10, pero las 3
primeras desaparecen en la II Guerra Mundial. En estas obras se hace una gran cantidad de
análisis y hay un mayor o menor grado de espontaneidad al hacerlas. Todas ellas son obras
muy dinámicas que él consigue mediante la combinación dle color y líneas de trazos negros.
Se habla de paisajes sonoros-musicales y para él el espectador podría escuchar el sonido
interno del color. Esto hace que poco a poco se vaya alejando del mundo físico, en 1911 hace
su primera pintura abstracta Pintura con círculo de 1911. Aunque se piensa que podría ser la
Primera acuarela abstracta de 1910 o 1913.

A partir de 1914 se separa de Münter y tiene que abandonar Alemania , va a Rusia donde
estará de 1914 a 1921. Aquí tendrá contacto con la vanguardia rusa (Malevich,
Rodchenko…). Realiza pocas pinturas porque se centra más en la educación y en la reforma
de los museos. Fundo el INKHUK o instituto de cultura artística y forma parte del ministerio
de cultura. Estos contactos con los rusos que constructivistas o supremacistas le marcan un
nuevo rumbo.

En 1922 entra dentro de la Bauhaus donde entra como profesor de pintura mural. La Bauhaus
era el lugar donde había que estar para ser moderno. Una escuela que pensaba que se podía
transformar la sociedad y el ser humano con el arte. En el nuevo régimen sovíetico no está
bien visto el arte que hace Kandinsky no se ve bien, ese expresionismo espiritual. Eso hace
que abandone Rusia. A raíz de los contactos con los vanguardistas rusos y la Bauhaus se
inclina por la abstracción pura, empleando forma geométricas. Somete la intuición a la razón.
Las manchas que antes eran deformes ahora adquieren una precisión matemática , abandona
el caos de las obras anteriores y los elementos se disponen de forma ordenada.

En 1940 se establece cerca de París y en sus últimas obras se acerca al surrealismo de autores
como Miró o Dalí. Apareciendo en sus obras formas microscópicas o de ameba. Se acerca al
grupo abstraction-creation que aboga por una estética no figurativa y en la que participan Piet
MOndrian y George Vantorgerloo.

Tiene una fase en la que hace retratos y luego empieza a experimentar a la abstracción con los
rostros, donde acaban siendo simples rasgos al final de su etapa artística.

El jinete azul. 1903.

Su nombre recuerda al nombre del jinete azul, el grupo al que perteneció. El caballo para
Kandinsky simbolizaba el arte guiado por el jinete (Artista) y que su veloz recorrido iría
transformando a la sociedad y la cultura. Este nos habla de la misión del grupo, el llegar a
elaborar una nueva tipología de arte, algo moral que transforme el mundo. Es un caballero
que lleva una capa azul montado en un caballo blanco. Atraviesa un prado con el que parece
incluso confundirse. Un tema que recuerda a las leyendas populares rusas y alemanas. El
jinete parece remitir a San Jorge y el dragón o San Martín. Kandinsky veía la lucha del bien
contra el mal, entendiendo por bien la espiritualidad y el mal el materialismo. Es un elemento
que representa la lucha de la vanguardia contra la retaguardia artística. Recuerdo o refleja el
impacto que tuvo la exposición de impresionistas de Moscú de 1896 en la que la obra de
Monet le impactó mucho. Le influye en el empleo del color, los reflejos dorados de los
árboles. Las pequeñas pinceladas con las que Kandinsky da forma al jinete y el caballo en la
que la sencillez da sensación de velocidad. Se acerca al impresionismo en la
bidimensionalidad que adquirieron estas de las estampas japonesas. Kandinsky veía en esta
negación o simplificación de la forma un inicio del que partir hacia su propio camino a la
abstracción.

La iglesia de San Luis de Múnich. 1908.

Aquí se puede ver como se une el postimpresionismo y el fauvismo. Representa la iglesia del
barrio donde vivía en Munich. Nos representa una multitud que se agolpa enfrente del pórtico
de la iglesia de donde sale una procesión religiosa. Esta obra fue objeto de mucho estudio. Se
ven muchas anotaciones, esbozos… En estas notas apuntaba cuestiones relativas al color.
Desde 1904 Kandinsky se interesó por la técnica divisionista de Signac, al que menciona en
su libro. También pudo conocer sus obras en una de las exposiciones de PHALANX de 1904.
Tiene diversas obras que nos hablan de su Rusia natal. Los personajes están hechos a base de
puntos. El colorido es vibrante casi como una luz solar, aunque está matizada a que se hace
sobre cartón y la primera capa que se pinta en negro y absorve la luz. Se ve influenciado por
Matisse cuya obra pudo ver en París en el salón de otoño. Se diferencia de lso franceses en el
fuerte contraste entre las manchas y los abundantes espacios del fondo negro como los del
pórtico de la iglesia. Aunque el cuadro tiene diversos elementos que nos permiten ubicar la
obra, se ve como va derivando o acercándose a la abstracción.
Lírica. 1911.
Los caballos y los jinetes fascinaban a Kandinsky y será su tema recurrente durante sus
primeras épocas. Sería el jinete (Artista) guiando al caballo (el arte). Busca un arte nuevo.
Obra que reproduce en grabado en la obra Klänge, se reproduce en el almanaque del jinete
azul. Aparece en otras obras de forma más abstracta. Se ven líneas negras y planos de color
con los que Kandinsky consigue plasmar la imagen de un caballo en pleno galope. Una línea
marca el perfil inclinado de la krin del caballo que se prolonga en los trazos amarillos que
configura la pierna del jinete. Delinea el cuerpo, la cara, patas… del animal que cruza las
escena sujetado por las líneas onduladas. No hay paisaje, ni contexto. Esta obra sería la
ruptura de Kandinsky con la pintura objetiva y el comienzo de la abstracción. Esta suma de
colores, formas y líneas. Kandinsky pretende crear una síntesis entre la emoción y el
intelecto.

Impresión III (concierto). 1911.

Se sabe que el 2 de Enero con Franz Marc y con otros miembros de la NKVM acude a un
concierto de Schönberg que hace música atonal. Se dice que Kandinsky quedó tan impactado
que en esa misma noche empezó a pintar el cuadro y en 2 días lo tenía acabado. Él creía que
la pintura podía ser tan abstracta como la música, crear respuestas emocionales y pensaba que
se podía conseguir sin hacer temas figurativos. Se puede ver una mancha negra, que podría
ser un piano de cola cuyo magnetismo hace que el público se acerca hacia él. En el lado
derecho vemos una superficie amarilla que representaría el sonido que sale del piano, sería
como un aura que desprende el piano. En el otro lado la masa es más densa, nebulosa… Con
algunas figuras más o menos reconocibles. La intención de Kandinsky es que como la música
ejerce algo al oyente, los colores y las formas deberían producir una vibración anímica.
Asocia la pintura de Kandinsky con Schomberg, comparten cartas donde se dicen como se
influyen el uno al otro y que se admiran mucho entre sí.
Composición IV. 1911.
Todavía es una obra “razonablemente” figurativa. Aparece un paisaje estilizado con las
formas alargadas y estiradas hacia arriba. Se ven motivos que en esta época están muy
presentes en su obra pictórica. Esta obra se relaciona con sus recuerdos de niñez en Rusia y
de su mundo interior. Se vería una montaña coronada por un castillo o torre. Unos cosacos,
barcas con remos, el arcoiris, una pareja de amantes, el jinete con el caballo… son elementos
que pertenecen a la obra de Kandinsky. Esta composición fue la primera de las conservadas ,
ya que las primeras 3 desaparecieron durante la II Guerra Mundial. El tema se ha entendido
como una batalla apocalíptica que se repite eternamente a lo largo de la historia. La lucha del
bien y el mal, lo terrenal y lo espiritual, dos zonas contrapuestas con dos áreas diferenciadas,
con dos líneas negras que dividen la composición. A la derecha todo pacífico e idílico y en la
otra domina la batalla y la confusión. Su intención no es que reconozcamos las imágenes,
sino la de impresionarnos, emocionarnos… a través de las manchas de color en las que
domina el azul (espiritual) y el amarillo (tranquilidad), sobre los verdes y rojos que son
colores más terrenales. Las imágenes son usadas como signos o símbolos, como si fueran
olores, notas de música… aunque perviven en nuestra memoria. Así de esta manera hablarnos
de las inquietudes de cualquier ser humano. El mito, el cielo en la tierra, el bien y el mal…
Estilísticamente se ven las finas líneas negras rectas y curvas, superposición de formas y el
caballo que ya aparece en el cuadro Lírica, Cosacos, Cuadro sobre vidrio con sol…

Coposición VII. 1913

Culmina su pintura abstracta, hay hasta 30 bocetos o estudios preparatorios. Al igual que
Dora Maar, fue Gabriele Münter quien fotografía el proceso de creación del cuadro.El propio
autor nos dice que es uno de los más complejos, dice que es un cuadro sinfónico, casi como
Wagner en su anillo de los nibelungos. En el centro destaca una especie de ojo o centro de un
vórtice o huracán psicodélico. En la parte derecha se ve más libre y en el izquierdo caos. Hay
una línea negra abandonada y se dice que puede tratarse de la batuta del director que debe
introducir orden en el caos.

Primera acuarela abstracta. 1910-3

Algunos piensan que podría ser un estudio para la anterior. Sin embargo, Kandinsky la fecha
en 1910, pero en 1921 señala que pintó su primer cuadro abstracto en 1911 que haría la
pintura con círculo ser la primera. En 1921 se estaba debatiendo quien había sido el primer
creador del arte abstracto para poder ser el primer autor de este movimiento. Otros piensa que
podría ser un estudio previo. Podríamos hablar de formas que bailan.

Amarillo, rojo y azul. 1925.

Es un título muy simple. Decía que un título es solo un mal evitable ya que limita la obra.
Dejó escrito a los que decían que el arte abstracto no decía nada, que el impacto agudo de un
triángulo agudo en un círculo produce un efecto tan fuerte como el dedo de Dios tocando el
de Adán de MA. Es del periodo de la Bauhaus. El artista empieza a regresar al orden , tras
sus anteriores obras. Se ve influencia del suprematismo y constructivismo sovíetico. En 1925
la Bauhaus se trasladó de Weimar a Dessau. Kandinsky sigue trabajando las formas
geométricas diferentes, colores… Esa investigación culminó en el libro punto de línea sobre
plano. El mismo cree que las formas del cuadro tienen un significado. Agresividad, calma, lo
cósmico… Podemo hablar de formas geométricas en el lado izquierdo, que se oponen a las
más libres de la derecha. La parte derecha nos mostraría para nuestra mente el entorno
cómodo de lo cotidiano, lo seguro, lo conocido… Esta zona sería más pesada y musicalmente
hablando con un ritmo más lento y relajado. Por el contrario, a la izquierda nos alejamos de
lo cotidiano para iniciar un camino a lo desconocido. Pero también hacia la libertad.
Podríamos hablar de una zona terrenal y una zona celestial. Siguiendo esta teoría Kandinsky
hace formas geométricas lentas con colores lentos que aumenta la tranquilidad. Predomina el
aspecto cromático del color frente al gráfico. Sobre todo en la parte de confort. La zona
amarilla es más frenético y con más formas, casi presenta un rostro. La obra se resuelve del
paso del azul al amarillo, pasando por el rojo. Esto daría el título a la obra.
EXPRESIONISMO FUERA DE ALEMANIA

Austria

Se encuentra cerca de Alemania y por tanto tendrá su influencia. La sucesión con Klimt y
otros autores que habían traído exposiciones con obras de algunos de los principales
representantes de la vanguardia artística como Gauguin, Munch, Matisse o Van Gogh.

En torno a la figura de Gustav Klimt surgen otros artistas que superan al maestro y se
vinculan mucho más al movimiento expresionista como son Oskar Kokoschka y Egon
Schiele.

Como otros movimientos, se oponen al naturalismo de los impresionistas y a la vez van a

realizar una crítica moral a la burguesía. Se oponen también a ese arte de la academia y a los
pintores de la corte, muy académicos. En sus obras van a destacar los temas de la meditación
sobre la vida y la muerte, el amor y el dolor y casi siempre desde un punto de vista
angustiado. No van a componer un grupo definido como ocurre en Alemania, son personajes
aislados que de vez en cuando participan en los grupos alemanes ya mencionados. Tenemos a
Alfred Kubin que es un pintor, grabador con el tema de la muerte, las pesadillas muy
presente en su obra que participó en algunas exposiciones del jinete azul. Broncia
Koller-Pinell (1863-1934) pintora especializada en retratos.

La temática principal de los dos autores que vamos a comentar son el retrato y el desnudo.
Tratan de penetrar en la psique y criticar la moral puritana en la que vivían. Son artistas
degenerados, los nazis les confiscaron obras.

Oskar Kokoschka (1886-1980)

Su formación es ecléctica, multiforme, empieza en la escuela de oficios de Viena y empieza

haciendo artes decorativas. Se relacionará con miembros de la sucesión como Klimt. Su
estilo se va a ir renovando con los numerosos viajes que hace desde 1908 como Israel o
Estados Unidos. Llegó a vivir en Alemania, se establece allí desde 1910, primero en Berlín y
luego en Dresde pero no va a formar parte de la vida ni del puente ni del jinete azul. Es uno
de los artistas considerado degenerado.
Tiene un estilo muy personal, atormentado, es muy buen dibujante y entre sus temas tenemos
paisajes con un colorido que recuerda al fauvismo, la mujer, la muerte, la sexualidad muchas
veces en un tono trágico y sarcástico en lo que tiene mucho que ver Alma Mahler. Destaca su
faceta como retratista, es un género muy solicitado porque la burguesía que se está
enriqueciendo quiere un retrato como símbolo de prosperidad. Él les llama víctimas a sus
retratados y se definía a sí mismo como un psicólogo abrelatas. Trataba de captar el yo de su
retratado, sobre todo se fijaba en el rostro y en las manos, son manos más grandes de lo
normal, lo utilizan como un método de expresión.

Es un artista polifacético, hace pinturas, litografías, un póster sobre la guerra civil “ayuda a
los niños vascos” donde refleja el bombardeo de Guernica y aparece Praga como aviso de
que lo que pasó en Guernica pasaría también en Praga. También era escritor, escribió un
drama titulado “asesino, esperanza de las mujeres”. También va a ser escultor y tenemos
obras como la de “autorretrato como guerrero” que es arcilla pintada con témpera de 1909.

Egon Schiele (1890-1918)

Murió de gripe española a los 28 años. Es muy personal, inclasificable, peculiar. Se va a
iniciar en la secesión de Viena donde Klimt va a ser su padre artístico porque le va a animar a
seguir estudiando en la academia de bellas artes de Viena donde entró con dieciséis años
aunque solo dura tres años porque no aguanta la disciplina de la misma. Se ve la influencia
de Klimt en su obra “muchacha de pie con tela de cuadros” de 1910. Cuando se va de la
academia forma el grupo de arte nuevo (neukunstgruppe). Su estilo es bastante dibujístico,
predomina la línea, los tonos opacos, apagados y de nuevo la importancia de las manos como
elemento expresivo.

Los temas que trata son el paisaje, sobre todo de una ciudad llamada Kromau que era la
ciudad natal de su madre. El retrato, le interesa el cuerpo humano y lo va a tratar a través de
los retratos y también de los autorretratos como en su obra “desnudo con la boca abierta”. Es
más conocido por sus desnudos, en su momento se le acusó de pornógrafo, de los que
tenemos un gran número de ejemplos.

Fue un hombre maldito con una vida desgraciada, su padre le abandona y su madre era
sifilítica, y está mala suerte le acompaña hasta su muerte, muere meses después de perder a
su mujer que estaba embarazada de su hijo no nato y cuando él empezaba a ganar
reconocimiento en el arte.

Suiza

Se habla francés, alemán e italiano y el estilo se va a difundir fácilmente. Habían

determinados artistas alemanes como Kirchner que se habían asentado en Davos y eso
sumado a algunas exposiciones va ha hacer que surja después de la Primera Guerra Mundial
los grupos Rot-Blau I y II. Muller y ___ fundan el grupo rojo y azul I, el único de los tres
fundadores que continúa en el grupo rojo y azul II es Paul ____.

Francia
Concretamente París. Allí hay una gran diversidad de procedencias de artistas. Jules Pascin
es búlgaro, Amedeo Modigliani es italiano, Moïse Kisling, Marc Chagall es ruso y el lituano
Chaïm Soutine. El genuinamente francés es Georges Rouault. Estos suelen estar agrupados
en la escuela de París.

Chaïm Soutine (1894-1943)

Tiene una vida bastante modesta, era judío. Va a estudiar en Vilnius desde 1910 y va a tener
problemas ya que en Talmud prohíben la representación de rostros humanos. Se traslada a
París en 1913 con otro pintor y desde su llegada se interesa por la pintura de artistas antiguos
como Rembrandt, Goya, el Greco, este último por la distorsión de la figura. Es el más
expresionista de los afincados en París. Fue amigo de Picasso. Es una personalidad que va a
combinar periodos de diferente actividad, además es una personalidad insegura y depresiva
que hace que tenga brotes violentos y que le llevan a quemar y romper muchas de sus obras.
El mismo carácter hace que cuando se engancha a un tema, lo repita obsesivamente.

Tiene una pincelada nerviosa, convulsa, rápida y aparentemente incontrolada. Planteaba sus
trabajos con carbón, no esbozada a con lápiz. Sus pinturas van a ser denominadas por sus
coetáneos como báñales y sucias. Sus temas principales son las naturalezas muertas que son
unos bodegones que hace con animales muertos como “pollo colgando frente a una pared de
ladrillos” o “El buey desollado”. Retoma temas famosos que habían tratado otros autores
anteriormente como es el caso del buey desollado que ya había pintado Rembrandt. Le van a
homenajear autores como Chagall que pintará también el buey desollado en 1947. También
realiza paisajes que recuerdan al fauvismo por el colorido y por el movimiento a Van Gogh
con esa pincelada curva y el trazo violento. Retratos y autorretratos que casi siempre son
frontales y destaca la serie que hace a camareros, pasteleros, cocineros, botones… Hace unos
30 entre 1919 y 1935. Influye en el llamado expresionismo abstracto americano, en el
llamado el grupo cobra.

OBRAS

Oskar Kokoschka

Retrato de Herwarth Walden (George Lewin) (1910). Retrato de cuerpo. Walden fue
poeta, crítico de arte, editor y propietario de una galería de arte, por tanto un personaje
importante en el panorama artístico de la vanguardia. La obra cumple con su cometido,
retrata al personaje, pero hay ciertos rasgos que se exagera para captar el yo interior. El
rostro es bastante hierático, no debía ser una persona muy expresiva. Las manos contribuyen
a Ra si tienen otro rasgo de este personaje, un hombre serio. El fondo es impreciso y neutro,
como era habitual en las obras de Kokoschka, para resaltar los detalles psicológicos y
fisiológicos. Se ha querido interpretar de ese color rojo que tiene en la nariz y en la frente un
cierto desasosiego que no pega con la seriedad de la figura.
La novia del viento (1913). Es considerada su obra maestra. También se conoce como “la
esposa del viento”. Se representa a Alma Mahler, a quien conoce en abril de 1912, con quien
va a tener una relación tormentosa hasta 1915. Ella era siete años mayor que él y viuda del
compositor Gustav Mahler. Vivieron un tormentoso romance, ella tuvo un aborto y debió ser
bastante pesado, él le suplicó matrimonio varias veces. Se dice que ella no aceptó porque
tenía miedo de los celos de él y no se llevaba muy bien con la suegra. Finalmente ella se casó
con Walter Gropius. En principio la obra se conocía como “Tristán e Isolda” que era una
ópera. También se la conocía como “la tempestad”. Se dice que quizá esta obra esté basada
en una tormenta real que vivió la pareja en Nápoles en 1913. Gran contenido simbólico y
alegórico por esa relación tormentosa que tuvieron. Un colorido estridente y amplias
pinceladas que parecen surgir del fondo del cuadro. Es un retrato doble de dos amantes
tiernamente abrazados en el interior de una barca apenas esbozada en un mar embravecido.
Simbólicamente aludiría a esa tormenta amorosa pero podría aludir también a la cercanía de
unos tiempos amargos como los de la guerra que está por llegar. Colores fríos, destacan los
azules y grises. El hombre con las manos crispadas sobre su cintura aunque con rostro sereno
mientras que Alma, semidesnuda igual que Kokoschka, está adormecida buscando su
protección.
 Egon Schiele

Retrato de Wally (1912). Fue un retrato expropiado por los nazis a sus dueños legítimos que
luego vendieron a otros y tras doce años de disputas judiciales, en el 2010 volvió a Viena, al
museo Leopold. Es un retrato que hace de su modelo preferida que aquí tendría dieciocho
años y que también fue su amante. Wally viene de Walburga Neuzil. Se dice que fue modelo
e igualmente amante de Klimt. Vivieron juntos hasta 1915, año en el que él se casa con Edith
Schiele. Wally muere en la guerra en la que se alista como enfermera. Es una obra gemela de
la obra “autorretrato con physallis”. La protagonista con una gran cabeza desproporcionada
mira con esos grandes ojos azules fuera de la pintura, parece que está buscando a alguien.
Destaca la pincelada gruesa, expresiva y decidida que contrasta con el fino contorno,
delimitado por finas líneas que dotan a sus obras de un aspecto flácido. En cuanto a los
colores tenemos una combinación, el fondo blanco que se funde con el cuello de Wally frente
al que destacan la superficie negra del vestido, los labios rojos y el pelo rojizo de la modelo.
La naturaleza va a tener una importancia simbólica en su obra, muchas veces con flores que
se van marchitando y hablan del decaimiento y la muerte. Es habitual encontrar flores y
sobre todo hojas de otoño que ayudan a dotar al cuadro de cierta melancolía, tristeza,
oscuridad. Desde el punto de vista estético sirven para compensar la composición. Llega a
hacer una especie de sello para firmar sus obras donde pone el nombre, abajo el apellido y
debajo la fecha. Al principio no tenía una firma definida pero cuando aparece el sello nos
habla de confianza en sí mismo y en su obra.

El abrazo (1917). A pesar de lo impetuoso y de la pincelada, son composiciones muy

preparadas. Del abrazo nos quedan algunos bocetos y estudios que nos hablan de cómo se
llega finalmente a esta composición. Recordando a Kokoschka tenemos dos amantes. Se
autorretrata junto a una mujer que por la fecha podría ser su mujer Edith. Una pareja de
amantes abrazados sobre una colcha que encuadra a la pareja como si fuese una aureola
blanca y que actúa como mediadora entre el realismo anatómico de los cuerpos y el paisaje
abstracto e indefinido sobre el que se encuentra. Composición dinámica con una gran
diagonal. Es muy habitual el gesto de las manos con los dedos abiertos. También destaca el
enfoque desde arriba, la vista de pájaro, visible también en el “retrato del Hugo Koller”. Esto
permite representar los scorzos sobre todo de la figura masculina y nos habla de su habilidad
como dibujante. El tema parece estar inspirado en la obra “el amor” de Ferdinand Hodler que
son tres lienzos que representan los tres momentos del acto sexual: el deseo, la unión y el
reposo. Plasticidad de la espada. El motivo de la sabana ya aparece en la obra “la muerte y la
doncella”. La cercanía, esa aproximación de sus cuerpos hace que los amantes no puedan
mirarse a los ojos y se dice simbólicamente que pese a su proximidad están alejados. Es la
imagen de dos seres humanos unidos casi de forma desesperada y en ese abrazo buscan el
mayor amparo posible. Pese a ese acercamiento, como no se mira, nos podría hablar de la
soledad, el aislamiento de cada uno. Este cuadro pudo ser contemplado en una exposición en
Estocolmo y en la exposición de la secesión de 1918.

Chaïm Soutine

La raya (1922). En la década de los 20 se plantea el objetivo de continuar con la pintura

occidental. Había sido un motivo que ya habían pintado Matisse o Ensor. El espíritu de esta
temática, sobre todo el carácter crudo y realista, se ha relacionado con el mundo interior del
artista. En algunas ocasiones se ha buscado en estas pinturas una premonición de la Segunda
Guerra Mundial. Sí que en esa época ya había un espíritu antisemita y quizás ya pensaba en
el exterminio. Es una pintura salvaje tanto en el tema como en la forma de abordarlo. Es un
cuadro más pasional que intelectual, más carnal que racional.
Buey desollado (1925). Siguiendo a Rembrandt nos presenta a un buey desollado. Pintura de
impasto. Le importa la variación de los colores.

Nueva objetividad: (Neue Sachlichkeit)

Se le puede llamar postexpresionismo y se realiza entre 1925 (primera exposición) y 1933
cuando los nazis acceden al poder. A mediados de la década de 1920 se produce un retorno al
orden, a la figuración, al realismo, una técnica más cuidada, ofrece serenas, bellas… En otros
países como Italia ocurre lo mismo con la pintura metafísica, que cuenta con la revista Valori
Plastici que influye en Alemania o a Diego Ribera el marido de Frida Kalo. Otros artistas
como Picasso, André Derain… experimentan ese retorno a la figuración. En el caso Alemán
hay que entroncar esta pintura con los maestros del norte de Europa como Durero, Holbein u
otros más modernos como Friedrich o Runge (Romanticismo). La obra de Fran Roh es
importante, es un historiador, teórico de la fotografía ,conocido por sus collages… Escribió
en 1925 su libro Realismo mágico o Postexpresionismo. De este libro se extrae una
comparación entre el expresionismo y este nuevo movimiento. Se hacen profundas
reflexiones teóricas, reproducciones en balnco y negro de los artistas, pinturas de pintores de
fuera del movimiento (Picasso, Carlo Carrá o Giorgio de Chirico) y nos dice que se vuelve a
la realidad.

La nueva objetividad es un término creado por Hartlaub que era director del museo de
Mannheim en la década del 23 al 33, que fue promotor del expresionismo alemán y se
encarga de organizar la exposición que consagra al movimiento. Lleva por título nueva
objetividad y la pintura alemana desde el expresionismo. En esta exposición participan 36
autores alemanes con 124 obras y es en esta exposición donde surge el nombre.

Es un nombre que sirve para identificar la obra de una serie de pintores. Una de sus
intenciones es apartarse del arte expresionista de ese yo interior del artista y se quieren alejar
del arte abstracto y de sus ideas que se quedan en el aire. Al hacer esto se quieren centrar en
el objeto y en la capacidad que tiene la pintura para desentrañar, mostrar… la realiad que les
toca vivr. Les toca vivir los felices años 20 y se interesarán en mostrar el contraste en la que
la sociedad tenemos a veteranos de guerra, obreros, prostitutas y por otro los burgueses
enriquecidos por la guerra… No es un movimiento estructurado no forman un grupo, pero
tienen un deseo común, desenmascarar, mostrar con crudeza el mundo que les rodea. Son
artistas que viven y trabajan en ciudades distintas van a exprimentar o crear un arte con
características comunes. Hay 2 focos: Berlín y Múnich.

Los autores de Berlín harán una pintura de un gran contenido crítico e incluso político. SOn
autores casi activistas de izquierdas, muchos participan en el partido comunista alemán.
Tienen un fuerte sentido de crítica social y esta crítica es desgarradora , pero incluso se acerca
de forma caricaturesca. La guerra y sus consecuencias son un tema muy importante en su
obra. La ciudad también es un tema importante en concreto la de Weimar, esta ciudad traería
los males a la población alemana: desempleo, inflación, vicios… todo esto lleva a la
deshumanización de las personas aparecen prostitutas lisiados de la guerra, poderosos y
prepotentes que se ríen de las miserias, asesinos… abordan la sociedad que les toca vivir,
pero desde un punto de vista posimista y desgarrador. Aun así, hay una cociencia de que hay
que vivir o Carpe Diem, disfrutar de la vida.

La otra vertiente tiene como centro la ciudad de Munich es un realismo más purista casi
neoclásico. Muy inspirada en los maestros del norte de Europa, el quatrocento o los
metafísicos. Tocan temas menos polémicos como las naturaleza muertas o los retratos.
Autores como Schrimpf o Mense.

Ambos grupos si tienen como tema principal el retrato y el autorretrato. Son retratos de
fisionomías cercanas a la realidad, detallistas, con dibujo preciso y el colorido es un colorido
frío que permite transmitir la sensación de tristeza o desgarro. Algunos artistas de este grupo
luego participarán en el dadaismo como Grosz o Schad. La nueva objetividad también se
desarrolla en la literatura como Herman Hesse o Thomas Mann. El cine también se ve
influenciado como en la película de la calle sin alegría. La fotografía también se ve
influenciada con fotógrafos como August Sander o Aenne Biermann.

Cuando llegan los nazis al poder el movimiento se acaba, es descabezado y se les condena al
ostracismo quitándoles sus puestos en academias, convirtiéndose en artistas degenerados.
Stoecklin es el único extranjero que participó en la exposición que le dió nombre al
movimiento.

Otto Dix.
Está ligado a la ciudad de Dresde donde se forma en la escuela de arte y oficios, después de la
I WW será profesor en la academia de bellas artes de Dresde entre 1927 y 1933, cuando llega
el nazismo al poder. Experimenta una evolución se deja influir por los expresionistas y
después vive diferentes etapas como el cubismo, futurismo, dadaísmo, la secesión de Dresde
de 1919… firmaba sus obras como Dada Dix. Obras como Tranvía eléctrico…Trás
experimentar con estos movimientos se decanta por un arte realista que le permite manifestar
su repulsa a la sociedad en la que vivía. Este participó en 2 guerras mundiales. En la primera
como voluntario con 23 años en la que salió herido en varias ocasiones y en la IIWW
participa y es hecho prisionero. Le marcan mucho los horrores de la guerra. Vivió como
centinela en las trincheras y le marcó profundamente. El uso del gas y las máscaras se
mostrará en sus obras, hace una serie grabada titulada Der Krig (la guerra), donde se
muestran 50 grabados en los que nos enseña todos los horrores de la guerra. Le influye la
obra de Jacques Callot o Goya, pero hay diferencias ya que ellos eran civiles y Dix participa
es actor y víctima a la vez. Está influenciado por el libro Guerra a la Guerra de Friedrich. En
este aparecen unas 180 fotografías hechas por soldados en las que aparecen hombres
mutilados… en general horrores de la guerra. Friedrich es el fundador del museo contra la
guerra de Berlín.

Su obra tiene un montón de referencias a los grandes maestros del renacimiento alemán como
Durero, Cranach Hans Baldung Orieg… autores que conoce gracias a las colecciones de
Dresde. Él dice que querría haber podido pintar como ellos. Sus obras muestran algunas
características y va más allá ya que sigue el mismo proceso que ellos. Dibujos preparatorios,
bocetos , manera de preparar la tabla, recupera las veladuras, el formato del tríptico. Su firma
se acabará convirtiendo en un Anagrama, al estilo de Durero. Su firma es una serpiente
enlazada a un arco. Esta serpiente se relaciona con la serpiente o Dragón que aparecía en la
pintura de Cranach el viejo. Grosz le llamó de forma sarcástica Hans Balndung Dix, por su
gran similitud con el maestro alemán. A partir de 1925 pintó sobre tabla y a veces utilizando
una técnica mixta sobre tabla. Es declarado como artista degenerado, se le requisa su obra y
algunas fueron recuperadas poco a poco como Amanecer que se recuperó en el 2013.

Se dice que frente al realismo de Munich lo que hace Dix en su madurez se le denomina
verismo grotesco. Representa los temas con dureza y frialdad, si es una escena de amor este
es desesperado, si es de sexo será muy vulgar… Utiliza las distorsiones físicas,
exageraciones… para condenar la degradación del ser humano o la violencia.

Hace retratos de todo tipo, son muy minuciosos y detallistas, pero muchos de ellos tiene un
poso de melancolía, no sonríen e incluso en sus autorretratos o en retratos de familiares. Sus
retratos más famosos los realiza en Berlín entre 1922 y 27, todos son encargos y él prefería
no conocer personalmente al retratado, porque así pensaba que sería más neutral en la
captación psicológica. Le interesa más el rol o papel en la sociedad que captar su fisionomía.
Hace desnudos parejas de amantes, escenas de burdel, escenas de baile…algunas de las
escenas se denunciarán por escandalosas. Nos muestra minusválidos, pobres, la guerra..

Retrato de la periodista Silvia von Harden , aunque su verdadero nombre es Silvia Nehr.1925
La conoce en el café que en el momento era muy importante Romanisches cafe. Es más
famosa por el retrato que por su trabajo. Es una representante de esa vida agitada que ocurre
en la República de Weimar. Es una época que en lo económico y en social es muy mala , pero
es una época de gran creación artística. Christian Schad también la representará-. Aparece
fumando y bebiendo un cóctel. Lleva el pelo corto y un vestido llamativo con tonos negros,
lleva un monóculo y una de las medias está medio caída. También tiene mucho maquillaje.
En la mesa hay una pitillera y vemos su nombre escrito en ella. En la caja de las cerillas
aparece el águila de los Augsburgo. Normalmente la gente buscaba que le pintase, pero en
este caso él le pide pintarla a ella. Ella es consciente de que es una mujer poco atractiva , pero
él insiste y dice que lo que le interesa es su modelo como representación de una época. Él no
quería mostrar lo feo, ya que todo lo que veía le parecía bello. Le importa el mensaje no lo
exterior. La película Cabaret hace un homenaje a esta obra, donde se ve a la protagonista nada
más empezar la película aparece. Ya con anterioridad se muestra a mujeres fumando y
bebiendo, como Ramón Casa en Au Mouline de la Galette o Pablo Picasso y la bebedora de
absenta.

Prager Strasse. 1920.

Es la calle del lujo en Dresde. En 1938 la ciudad fue atacada y los nazis quemaron las tiendas
de los judíos, es un óleo sobre lienzo y con distintas piezas que crean un collage. Las ruedas
del carro del invalido están hechas con papel de plata. Hay otros materiales pegados como
debajo de la niña que pinta la pared hay un periódico donde pone dictadura de la derecha. El
carrito del minusvalido pisa un panfleto donde pone “Fuera judíos”. Un señor da un sello a
modo de limosna a un minusvalido que solo tiene una mano con la que recoge el sello. En lso
escaparates vemos diversas partes pegadas donde se pegan fotografías y se ven los personajes
de la calle. Se ven prótesis para las personas que han perdido miembros en la guerra. Hay una
tienda de pelucas es un objeto relacionado con la belleza de este momento, pero que marca un
contraste con el otro escaparate con algo necesario pero desagradable y con un accesorio.
Entre ellos hay un grafiti en el que leemos Dumm (Estupido, idiota, bobo). Se ven dos
minusválidos, pero la actitud es diferente entre los dos. El que recibe el sello que sobrevive
mendigando. El otro en un carrito bien vestido, con una cruz de hierro se muestra orgulloso
de su condición, tiene una actitud diferente. El resto de manos se ven que son de personas
poderosas que llevan guantes y bastones, tienen perros que muestran su estatus como
burgués.Vemos una serie de líneas que serían unos cordones que recuerdan al futurismo a la
obra Dinamismo de perro con correa. Otros dicen que esta línea recuerda a una guadaña, la
muerte. Se ve un perro con cierta agresividad hacia el hombre. Es un cuadro denuncia a los
causantes de la guerra que han causado esto y otras como las desigualdades sociales, la
hipocresía, la indiferencia hacia estos, el antisemitismo de los excombatientes… En resumen,
una crítica a los desastres de la guerra y en definitiva un mundo estupido que se reflejaría con
el Dumm de la pared. La composición da sensación de desequilibrio, confusión… La
combinación de colores chillones… muestra esa estética de lo feo. Es una mezcla entre el
expresionismo y el dadaismo. Formaría parte de un tríptico llamado Dadá, que se presentó en
1920 , donde formaba tripleta con los jugadores de cartas en el que aparecen mutilados de
guerra y la barricada que está desaparecida, que alude a la revolución espartaquista.
Mantendría el tema en el vendedor de cerillas de 1920. Luego este tema lo hace con un nio.

Georg Grosz (1893-1959)

Hace una obra muy crítica. Se forma en Dresde y Berlín su ciudad natal en la escuela de artes
decorativas. Es el autor más político. Ha pasado por el uso político de sus dibujos y pinturas
contra las autoridades. Es un gran dibujante y caricaturista. Sus dibujos son bastante ángulos
y aparecen en periódicos, gacetas satíricas antimilitaristas, le consideraban antipatriota por
criticar a la república de Weimar. Según un crítico, si los dibujos pudieran matar a los
militares prusianos estarían enterrados. El propio Grosz indicó que todo lo que quería decir
estaba en sus dibujos. Series como Hintergrund o el rostro de la clase dominante son series
donde aparecen autoridades, esqueletos, fosas comunes… Se le compara con Goya por la
crítica a los vicios y su arte refleja lo que debe ser criticable. Se alista al ejército y le darán
pronto de baja por problemas de salud, le vuelven a llamar se intenta suicidar y le dan la
licencia definitivamente. Al volver de la guerra se vuelve un crítico de la sociedad que
permitió que ocurriera eso. Refleja las desigualdades, el abuso de poder… todo lo que al final
conduce al nazismo. Su obra tiene una lección moral para nuestra sociedad, ya que no ha
perdido vigencia. Su crítica a la sociedad berlinesa la comparten otros artistas. Su lenguaje
visual está compuesto por prostitutas, desempleados, heridos de guerra, especuladores,
usureros… También aparecen dandys, snobes…

Se deja influir por caricaturistas como William Hogarth, Goya o Daumier. Por otro lado
influyen los ambientes eróticos. Rubens por la voluptuosidad de las mujeres que aparecen en
este ámbito erotico. Por último los ukiyoes, pintura japonesa, que se traduce como pintura
del mundo flotante y hace referencia a la vida cotidiana.

Va a experimentar una evolución, va a experimentar con el dadaísmo y será quien lidere o

comience el movimeinto en Berlín. También realizará collage. Los maniquís, propios de la
pintura metafísica italiana, los podemos ver en su obra “deportista” de 1922. También
admiraba a Ensor pero por otro lado, criticaba o le aburrían Picasso y Cezanne.

Con el ascenso de los nazis al poder, huye unos días antes y dice que se fue a causa de hitler
porque él también era pintor y no iba a haber sitio para los dos. Fue otro artista declarado
degenerado, se le confiscó parte de su obra, entre otras “Metrópolis” (1916-1917). Huye a
Estados Unidos y añade una obra a su obra (George). Siempre le gustó Estados Unidos por lo
que leía en los libros de Fenimore Cooper y Jack London, para él era el país de la
modernidad. Quiere triunfar como ilustrador y participa en algunas revistas como Vanity
Fair, Esquire Magazine pero no triunfa como esperaba y tiene que dar clases en academias.
Se desilusiona y regresa a Alemania, donde fallece en 1959 en Berlín al caerse borracho por
unas escaleras.

La Segunda Guerra Mundial le hace volver al pesimismo del inicio de su carrera como
podemos ver en obras como “Paz” o “Me alegra estar de vuelta”.

Metrópolis (1916-1917). Una obra que está en el Thyssen. Lo realiza en plena Primera
Guerra Mundial. Es la obra que le ratifica o le reafirma como artista. Realiza unas
ilustraciones, pandemónium, que ya nos presentan algunos elementos de la obra de
metrópolis. Es una obra estudiada, con muchos bocetos, incluso antes de que culminase la
obra Theodor Däubler ya había hecho una descripción muy acertada. Se trata de una
representación caótica de una ciudad, que suponemos que es Berlín, y que es una suma de
elementos de las distintas vanguardias históricas, se ha entendido como un homenaje a estas
vanguardias. En primer lugar el cubismo, con esas casa geométricas, son bloques
geométricos rotundos que nos recuerdan a Picasso o Braque. También tenemos ecos del
expresionismo como las formas deformes, colorido intenso, sobre todo rojo pero también
verdes, amarillos y azules. El futurismo, la propia ciudad es un tema futurista ya que ven la
ciudad como un lugar de avances pero con un punto pesimista. Se relacionaría también con
ciertos autores anteriores como el Bosco, por ese aire apocalíptico, también se ha hablado de
la influencia del cine con ese plano de pájaro (de arriba a abajo).

La composición se hace mediante dos diagonales que se cruzan en esa farola exageradamente
alta con dos luminarias rojas como la luna. La farola que queda enfrente del ángulo del
edificio acentúa el efecto de perspectiva oblicua. El tema principal es la crítica negativa a la
ciudad moderna con esa vida acelerada, una sociedad enloquecida que parece que camina
hacia su propia destrucción. Vemos ríos de gente por esas calles en diagonal, en general
habitantes anónimos que tienen facciones aunque otros nada, personajes deshumanizados en
todo caso. Parecen caricaturas, rostros es la mínima expresión, aparecen esqueletos, una
mujer desnuda sin cabeza y los colores son antinaturales. Vemos la bandera de Estados
Unidos, el tranvía verde que se mueve a gran velocidad y los personajes habituales en su
obra como prostitutas o perros. Aparece un paraguas, que veremos que aparece en otra de sus
obras, publicidad. Para él la ciudad es sinónimo de cosmopolitismo, dominada por los
grandes almacenes, los cafés, las luces de neón, los moteles, los vehículos. Esta obra pasó a
formar parte de la colección de la nueva objetividad junto con “El entierro” de 1917-18 de
Oskar Panizza. Es una de las obras que confiscaron los nazis que finalmente la vendieron
hasta que el artista la recuperó.

Eclipse de Sol (1926). Tenemos una acuarela de 1925 que aunque cambiarán algunos
elementos se trata del mismo tema. El tema sigue siendo una visión crítica de la Alemania de
posguerra, a ese periodo de inestabilidad política, social y económica. De nuevo perspectiva
oblicua. Está representado un consejo de ministros donde se va a criticar algunas cuestiones
como el capitalismo, el ejército y el autoritarismo, y la religión más el nacionalismo alemán.
El capitalismo está representado por el personaje que lleva bajo el brazo elementos de la
industria armamentística, se sospecha que sea Gustave Krupp que es un empresario que está
susurrando al militar, le está dictando la política a seguir, una política militarista. El militar es
Paul Von Hinderburg, presidente de la República de Weimar. Aparece con la corona de laurel
por sus victorias. Sobre la mesa un sable con sangre y una cruz rodeada con los colores de la
bandera alemana. George pensaba que la iglesia bendecía la situación del país (la cruz). Junto
a estos personajes vemos a otros cuatro sin cabeza, tres vestidos con frac y otro vestido de
traje. Son cuatro líderes políticos que actúan al dictado, son los encargados de poner en
práctica, con leyes, los dictámenes a nivel económico. Encima de la mesa hay un burro con
un pesebre delante que representaría al pueblo, en las orejeras del burro está dibujada el
águila imperial. Los papeles del pesebre podrían ser los votos y otros dicen que podría ser
propaganda. Hace alusión a la propaganda que se traga el pueblo sin cuestionarse nada. El
pueblo no es culpable pero sí pensaba que podía hacer más que simplemente tragar todo lo
que les daban. En la esquina inferior derecha hay unas borlas con un esqueleto y una cabeza
de gran tamaño. Algunos interpretan que son los disidentes, otros el pueblo oprimido y
encarcelado y otros que es la nación, el futuro de la nación si sigue aceptando los dictados de
la clase dominante. Arriba a la izquierda vemos un sol que está tapado con el símbolo del
dólar, que era la moneda referente en vez de poner los marcos que era la moneda alemana.
No ilumina ya que está tapado y se forma ese eclipse. Nos habla de cómo el dinero
corrompe, es motivo de codicia. El cielo, al fondo, hay una especie de humareda, fuego, que
se ha interpretado como una premonición de futuros conflictos.

Los pilares de la sociedad (1926). Un nazi que solo piensa en la guerra, con la esvastica,
una espada y bebiendo cerveza. La pluma del periodista. El socialista con las heces en la
cabeza.

Max Beckmann (1884-1950)

Se une a este movimiento por la técnica y la temática pero se aparta por el componente
simbólico de su obra. Procede de Leipzig aunque luego se muda a Berlín. Conoce la obra de
Cezanne, de Van Gogh, a Munch al que conoce personalmente y a Piero della Francesca. Va
a superar el expresionismo, es un espíritu bastante independiente que va a desarrollar un
estilo muy personal y va a representar de forma fría la sociedad de su época. Desarrollará la
litografía con series como apocalipsis en 1941-42 y también hace escultura. Va a estar
marcado por la Primera Guerra Mundial, sufre un colapso nervioso y se deslicencia en 1915.
Es una experiencia que le marca y la violencia y las figuras grotescas están presentes en su
obra. Es importante porque tiene una producción interesante de trípticos como “Los actores”
o “La partida”. A principios de la década de los 30 va aser el artista alemán más reconocido
pero con la llegada de los nazis, huye al día siguiente de la exposición de artistas
degenerados.
Christian Schad (1894-1982)

Se le mete en este grupo por el realismo de sus obras pero no participó en la exposición y él
siempre negó cualquier relación con el movimiento. No va a ser un artista degenerado, va a
permanecer en Alemania.

Va a realizar retratos que son casi fotografías, algo sobrios. Suelen ser gente de bien los
personajes retratados. Tuvo una rica formación cultural y académica. Empieza a hacer
xilográficas. No participa en la guerra, se refugia en Suiza y va a experimentar con el dadá.
Y va a experimentar con las llamadas schadografías, son elementos que se colocan sobre un
papel fotosensible que al darle la luz saca como una fotografía sin cámara. Vuelve a Italia y
con el contacto con los clásicos se vuelve más realista. Desde el 28 estará en Berlín.
CUBISMO

Las fechas de desarrollo serían 1907-1914. 1907 viene de la realización de “Las señoritas de
Avignon” de Picasso y 1914 es el inicio de la Primera Guerra Mundial. Esta pintura cubista
va a ser inaugurada por un español, Picasso, seguido por un francés, Georges Braque, y
seguido por otros como Juan Gris, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Fernand Léger o Robert
Delaunay.

Va a recibir importantes influencias del arte escultórico primitivo como el africano, el

oceánico, el egipcio y la escultura íbera. A esta escultura antigua se le suman otros códigos
estéticos más recientes en el tiempo como el arte bizantino o el románico que les ofrece la
simplificación de formas. Hay otros artistas más modernos como Maurice Denis, Gauguin,
Seurat, pero sobre todo Cezanne van a ser los que marcan el camino. La obra de Cezanne va
a permitir construir una estética que se pueda ajustar al espacio plano del cuadro.

El término cubismo se atribuye a Louis Vauxcelles que publicó un artículo en la revista Gil
Blas el 14 de noviembre de 1908 en la que dice: “el señor Braque desprecia la forma, lo
reduce todo, parajes, figuras y casas, a meros cubos”. Otra versión es que quien hace este
comentario sería el propio Vauxcelles pero haciéndose eco de un comentario de Matisse que
estaba en el jurado que admitía y rechazaba obras en el salón de otoño de 1908, cuando
Matisse ve algunas obras como estas dice que Braque había hecho una obra llena de cubitos.
En este salón son rechazados los cuadros de Braque y Xahnweiler organiza una exposición
con los cuadros de Braque.

El cubismo se presenta por primera vez en el salón de los independientes de 1911. El nombre
del nuevo estilo se afianza con la aparición de dos libros: “del cubismo” escrito por Albert
Gleizes y Jean Metzinger y “los pintores cubistas, meditaciones estéticas” de Apollinaire.
Este Segundo es considerado el texto oficial del movimiento. El movimiento no va a contar
con el apoyo del público ni de la crítica y tienen que vivir apoyados en las labores de
mecenazgo como Gertrud Stein, Kahnwiler o Ambroise Vollard.

Se van a conocer cuatro periodos de acuerdo con Apollinaire: el cubismo científico, el

cubismo físico, el instintivo y el bárfico (?).

Las más conocidas son el protocubismo o cubismo de Cezanne, el cubismo analítico o

hermético y el cubismo sintético.

El protocubismo (1907-1909)

Picasso y los pintores que se movían en torno a Le Beteau Lavoir lo desarrollan a partir de
una exposición homenaje retrospectiva a Cezanne en el salón de otoño de 1907. Les marca
esa simplificación y esa búsqueda de los volúmenes y también el arte africano que
coleccionaban los pintores fauvistas y las que veían en las visitas al museo trocaderó que
hoy es el museo del hombre. En esta época los objetos son todavía reconocibles pero
destacan las formas geométricas subyacentes. Los tonos suelen ser, por influencia de
Cezanne, marrones y verdes.

Segunda fase: Cubismo analítico o hermético. 1909-11/2

Es una etapa corta y es una etapa muy intelectualizada, que no solo se trata de entender lo que
nuestro ojo capta en la pintura, sino cómo lo procesa nuestra mente. Ejemplo: kahnweiler
retrato. En esta nueva fase se multiplican los puntos de vista, al mismo tiempo que se
deconstruye en fondo y el tema hasta tal punto que la figuración se hace ilegible. Son
pequeñas piezas geométricas y se denominan facetas, que son pequeños planos espaciales que
tejen una red o malla lo que da lugar a una suma de visiones o puntos de vista que según los
abanderados del movimiento pretende ofrecer la imagen verdadera de las cosas. Las formas
naturales se reducen a formas geométricas que son observadas desde puntos de vista
cambiantes. El cubismo solía ver la realidad a través de una botella de anís del mono (botella
con muchos cubos), en definitiva lo que nos quiere decir es que los artistas ven la realidad
desde un prisma. Para lograr esta deconstrucción de las formas los cubistas echan mano de
una serie de recursos. Renuncian a una imagen que sea comprensible de inmediato, muchas
veces es el título o introducción de signos o letras lo que nos permite reconocer lo
representado. Esta segunda fase requiere de temas que no sean demasiado complejos.
(retratos, instrumentos musicales…). En los retratos no vemos signos de personalidad, tienen
que ser temas básicos que se puedan descomponer. Dejan de lado los colores brillantes, son
obras con colores austeros como el gris o el marrón.

El collage y el cubismo
El objeto se sintetiza, las formas recuperan importancia, se hacen más reconocibles, el
colorido vuelve. Se utilizan grandes áreas de color, se introducen elementos como el papier
collé (papel colado), también se le añade elementos extra-artísticos que se añaden a la tela.
Conformando la mayor aportación del cubismo a la historia del arte, el collage. Ejemplo:
Compotier et verre de Braque. Se discute cuál fue el primer autor de un Collage, se piensa
que era Picasso, pero últimamente se piensa que podría ser Braque.
El cubismo supone la construcción de un nuevo lenguaje pictórico, una nueva visión de la
realidad mediante la simultaneidad de planos en una única superficie. Como el resto de
movimiento de vanguardia se quiere alejar de la representación naturalista, pero el cubismo
poco a poco va más allá, porque intenta distanciarse de esa representación de la naturaleza
desde el punto de vista emocional, visual… Aún así, no quieren caer en la abstracción. No
entienden los cubistas a los pintores que hablan de querer pintar lo invisible. Por eso en la
etapa analítica que parece que podría desembocar en la abstracción, los cubistas añaden
signos, letras… que permiten intuir lo representado. En esta deconstrucción tiene mucha
importancia la velocidad de la época que llega con los medios de transporte y la tecnología.
Esto hace que intenten ver la realidad desde distintos puntos de vista. Los avances científicos
también les influye, ya que son grandes lectores de sus estudios. Es un arte muy
intelectualizado.

En un principio se centran en paisajes, como el Depósito de agua en Horta del Ebro de

Picasso o El viaducto de L'Estaque de Braque. También se inspiran en elementos cotidianos,
objetos que pueden ver como periódicos, pipas, cigarros… Con el tiempo braque y Picasso
dan un paso más a lo que es la simple adición de trozos de papel, entradas de cine… dando un
salto en la imitación de la realidad añadiendo materiales de decoración, bricolaje e incluso
añadiendo a las telas cuerdas, plásticos, Hule (mantel de casa de amama)…

A partir de 1912 se difunde por todo Europa con grupos que llegan al este del continente, a
Moscú, Osma (República Checa)... Bohumil Kubista, Emil Filma… Llegan variantes como el
orfismo que recuerda a la abstracción y es un cubismo con color. El nombre se lo da
Apollinaire. La sección de Oro con Jacques Villon a la cabeza y en el que participan los
hermanos Duchamp. El vorticismo inglés para algunos entra en el cubismo y para otros es
parte del futurismo. Hay mujeres como María Blanchar, Natalia Goncharova, Marie
Laurencin , Alexandra Exter…

Georges Braque (1882-1963)

Pertenecía a una familia de pintores de interior y él en principio estudió en Le Havre en una
academia nocturna donde estudió arte artesanal. Aquí se aficiona y a partir de 1901 se va a
París donde se titula para poder dedicarse a la pintura como oficio. En esa formación inicial
conserva ese gusto por el trabajo artesanal donde mezcla materiales… Se le considera un
artesano ilustrado. Se matricula en Humbert para estudiar pintura y conoce a Francia Picabia.
Braque dijo que todo lo que sabía lo aprendió de forma autodidacta con la revista Gil-Blas.
Según él aprendió copiando los dibujos que aparecían en esta revista. Braque tiene un primer
periodo fauvista de 1905 a 1907. En 1907 expone junto a ellos en el salón de Otoño , aquí se
fija en él el marchante Kahnweiler. Braque fue a la IWW. El cambio del fauvismo al cubismo
se da cuando conoce a Picasso y conoce su obra de las Señoritas de Avignon que en un
principio no le gusta. Braque dejó escrito que los dos eran como dos escaladores atados a la
montaña y Picasso por su parte dijo que Braque era su esposa. Estuvieron 8 años juntos y
trabajaron mucho juntos. Se puede plantear cual es el guía en el cubismo, se ha pensado que
Picasso era el lider, ya que era más conocido, pero actualmente se piensa que es Braque quien
da el primer paso y desarrolla el cubismo analítico con sus naturlezas muertas y paisajes. Se
considera que es el inventor de la técnica del papier collé. Se considera que es el que anuncia
la última etapa del cubismo al añadir esos materiales extra-artísticos. También le marca la
obra de Cézanne y sus formas. Le influyen también la casa en L ́estaque y la Roche-Gouyon,
que le sirven para dar los primeros pasos cubistas.

Es un pintor sereno, emplea tonos suaves evitando la estridencia cromática y compositiva. Su

principal tema son las naturalezas muertas. Destacan la técnica de Trompe L´oeil, la ilusión
óptica recordando sus inicios como pintor, introduce materiales como los papier collé. trozo
de periódico…

En la IWW recibe un disparo en la cabeza y Picasso dice que ya nunca volvió a ser el mismo.
Estuvo unos años sin pintar hasta 1917 que conoce a Grise. Vuelve a retornar a esa nueva
objetividad. Al final de su vida recordando a Matisse realizará vidrieras como en la capilla de
Varengeville sur Mer y Saint Paul de Vence. Al final de su vida hacé 3 series distintas. Mesas
de billar, los talleres (atelier de 1949 al 56). Simplifica formas y colores y recuerda a Matisse.
El propio museo del Louvre le pide que pinte el techo de la sala de Enrique II donde pinta
pájaros. También trabaja el grabado (xilografía, aguafuerte…)con su libro teogonía. Colabora
con Diaghilev que es. Hace esculturas en Yeso, piedra zinc… tocando temas mitológicos. De
estas esculturas solo se conserva la escultura de esquina. Picasso haría su construcción con
guitarrista y violín e influiría a Tatlin en su Relieve en Esquina. Al final de su vida hace
joyas. Se le declaró artista degenerado por los nazis y en esa exposición donde se burlaban de
estos artistas se colgaron varias de sus piezas.

Casas en L´Estaque. 1908.

Empieza aquí un cubismo experimental donde intenta sacar de la naturaleza volúmenes
puros, cubos y cilindros. Utiliza superficies diseladas, cortantes y angulosas. Las forma
cuboides que presenta el cuadro inspiraron la etiqueta de cubista. L´Estaque es una localidad
cercana a Marsella en la que pintaron autores como Cézanne o Derain, donde pintaban en
verano sobre todo. Muestra un paisaje de tejados como se muestra en la fotografía de
Kahnwelier. Hay un árbol que cruza diagonalmente la obra como en la fotografía. Se ve la
naturaleza que representa color verde pardo y terrosos apagados. Además expande los
volúmenes hacia arriba y aparecen simplificados o geometrizados, asemejándose a una
formación mineral.
El portugués. 1911.
Es un ejemplo avanzado del cubismo analítico. Aquí los volúmenes solo están sugeridos y
han de ser buscados y recompuestos por el espectador para ver la figura de un “hombre” que
toca una guitarra, entre unos anuncios o inscripciones. Estas letras son una innovación
importante que nos permite reconocer mejor el tema y refuerza la planitud de la imagen que
debería tener volumen. El personaje representado sigue en el centro. Los plano oscurecidos
sugieren la parte superior del cuerpo. Hay formas cilíndricas que vendrían a indicar los
brazos y sobre estas hay unos semicírculos que representan los hombros. Hay una sombra
triangular que es largo y que enmarca el cuello y la cabeza del guitarrista. Hay líneas
semicirculares, medialunas, párpados cerrados, un bigote. Pero no podemos identificar lo que
debería ser más claro para representar una cara: la nariz, la boca o los ojos. Abajo habría una
guitarra , que se puede intuir también por la colocación de los brazos. Así apreciamos el
contorno negro que sería la boca del instrumento, que está atravesado por unas líneas
laterales que podrían corresponder a las cuerdas del instrumento. Luego tenemos un
rectángulo que podría ser el diapasón. Introduce algunos signos y letras que podemos
identificar para situar donde se desarrolla la escena. Introduce unas letras que responden a un
café. Vemos un d, que podría ser parte de las palabras Grand bal (Gran baile). Aparece debajo
un 0´40. Serían palabras tomadas de un cártel de un baile que ayudan a transmitir la
atmósfera de un bar o café, la música que significa la guitarra y por si fueran pocas las
evidencias se inspiró en un músico portugués callejero que vió tocas en el puerto de Marsella.
En ocasiones se dice que no es un café, sino un barco. Aparece como un lazo y una pesa que
están en la derecha, que se ha pensado que sería el brazo de una cortina, es algo que suele
aparecer en las obras de Braque o Picasso, lo que sugeriría que está en un interior de un café,
pero no es seguro. Las fuentes en las que habla Braque son contradictorias en algunos dice
que es un café. Lo del portugués se podría dar por el gorro que lleva en la cabeza. Es un
cuadro monocromo, que reacciona al fauvismo y sus colores. Los planos separados por líneas
negras y las formas que parece que vemos desde un prisma formas el cuadro.
Naturaleza muerta con tenora. 1913.
Es una obra hecha sobre papel, es carboncillo , tiene tiza, lápiz… Es un collage. Es un
ejemplo consumado de ese estilo cubista sintético. Un primer contraste se da entre lo que está
dibujado y el brazo. Se ven fragmentos geométricos que imitan madera… Evoca la
composición de una fuga, ya que dos melodías distintas se entrelazan creando una
composición diferente sonora cada una reflejando una realidad. La invención del Papier collé
supuso una revolución y sus composiciones están presentes. Introduce materiales y texturas
reales en un arte basado en representaciones ilusionistas. Es un intento de introducir vida en
esas imágenes. Se ven fragmentos pegados. Aunque recuerda a una mesa no presenta
ninguna referencia ya que solo se ve un campo monocromo de color gris. En este momento
combina objetos reales con abstractos.

Pablo Picasso (1881-1973)

Tiene 3 museos a su nombre. Es junto a Braque el fundador del cubismo, pero va más allá. Es
el artista que mejor encarna al artista del siglo XX. Es uno de los autores más estudiado y que
se le dedica muchísimos estudios. Su evolución artística está muy unida a su personalidad y
de hecho se dice que hay que enfrentarse a Picasso como si fuera un cuadro cubista, como si
tuviera un rostro con 2 perfiles. Todo el mundo lo considera como un gran artista, pero sobre
él recae su mala relación o maltrato hacia sus amantes. Trabaja como artista desde que era
pequeño. Hijo de un pintor y coge el apellido de su madre de origen genovés . Su padre pintor
especializado en paisajes, flores, fue conservador del museo de Málaga, profesor de dibujo en
distintas academias… En Málaga vive los 10 primeros años de su vida siempre muy rodeado
de mujeres y muy mimado por ellas. El padre estímulo desde pequeño su creatividad y se
dice que dejó de pintar cuando vió el talento de su hijo. Con 8 años ya pinto su primer cuadro
el pequeño picador amarillo. Se cierra el museo y se mudan a Coruña , donde el padre
obtiene un puesto en la academia de Bellas Artes y su hijo aprenderá ahí desde 1892. Su
profesor fue Brocos y se ve desde pequeño su gran habilidad. Realizó dos pequeños
periódicos ilustrados, Azul y Blano y La Coruña . La muerte de su hermana Conchita le
marcó profundamente y hace que el padre intercambie su plaza de profesor de Coruña por
una en la academia de la Lonja en Barcelona. Picaso prometió a Dios que si la curaba dejaba
de pintar. Aquí también se forma Picasso hasta 1897, año en el que acude a la Real Academia
de San Fernando en Madrid. En Barcelona toma contacto con el ambiente modernista del
lugar a través de los artistas que acuden a las cervecerías Els quatre gats, donde conoce a
personalidades como Ramón Casas o Isidro Nonell. Aquí hacen la primera exposición suya.

En esta etapa catalana se ve una experimentación con diversos lenguajes y estilos , esto no
solo lo hace en Cataluña, es una característica que será continua en su trayectoria. Hacía unas
obras como la Primera comunión de 1896 y Ciencia y Caridad de 1897. En ambos cuadros
aparece el padre del pintor. Son obras que fueron aceptadas en exposiciones locales y con
Ciencia y Caridad ganó un premio en Málaga. Se ve una obra con un estilo académico y de
gran perfección cuando todavía era menor de edad. Puede recordar a Munch con la niña
enferma, es un tema de moda la representación de la enfermedad y la muerte. Algo común en
el realismo social.

En octubre de 1900 acude por primera vez a París sin saber francés y sin recursos. Presenta su
obra últimos momentos, este cuadro se reutilizará y pintó encima La Vida de su periodo azul.
En París pasa dos meses donde vive con su amigo Carlos Casagemas en el estudio que le deja
Isidro Nonell. Vive en Montmartre donde visitará exposiciones, museos… también visita
cafes, cabarets, club nocturnos… en general el ambiente callejero. En esta primera estancia
pinta Le Moulin de la Gallete que recuerda al Postimpresionismo y el color del Fauvismo.

Entre 1900 y 1904 alterna estancias entre París, Madrid y Barcelona. Es en este momento
cuando surge el periodo azul. Su figura es tan importante que se estudia en etapas. Es el
primer periodo de madurez, donde se ve un estilo propio que obedece a las duras condiciones
de vida, sociales y de acuerdo con una influencia expresionista inspirada en el Greco. Es el
periodo azul, ya que utiliza este color que recuerda a la melancolía, un color frío, de
tristeza… Hay un hecho que marca el inicio del periodo, la muerte de Carles Casagemas, que
se pegó un tiro después de intentar matar a su amante, Germaine Gargallo. Ella le rechaza, le
intenta pegar un tiro y se suicida. Realiza varios cuadros en honor de su amigo como Entierro
de Casagemas. Temas como el frío, la muerte, denuncia social… Pinta a personas mayores y
por ejemplo se autorretrata mucho más maduro de lo que es. El guitarrista ciego es muestra
de estas representaciones. Su cuadro más representativo de la etapa azul es La Vida donde
representa a su amigo Carles. Es una alegoría de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte.

El resto de periodos se ven marcados por la presencia de mujeres. El próximo periodo será el
rosa desde 1904 a 1906, donde se asienta en París en el taller Bateau Lavoir, en la última
planta de este que antes ocupaba Paco Durrio, un escultor vasco. Conoce a personajes
importantes de la vanguardia como Apollinaire, André Salmon o Max Jacob. Hace obras
como el Retrato de Manolo Hugué o el retraro de Bendetta Bianco, la mujer de Ricardo
Canals, un artista catalán. En este momento conoce a Fernande Olivier que será su pareja
desde 1904 a 1912, su verdadero nombre es Amélie Lang. Esta mujer le calmó, qué es lo que
necesitaba ya que era una personalidad muy agitada. Su pintura conocerá una suavidad mayor
donde incorpora colores rosas y sienas, pasando de una temática triste y realista a una más
alegre con el uso de otros temas y modelos extraídos del circo Medrano. Personalidades del
mundo del teatro donde impera la diversión y el ocio, esto se ve en la obra El actor. Utiliza
saltimbanquis, acróbatas, actores… como se ve en la obra de la Familia de Saltimbanquis (los
titiriteros) de 1905. Es un ejemplo de cuadros alegres que reflejan ternura, tranquilidad…
que tendría que ver con su relación sentimental. En este periodo predomina el dibujo, las
superficies empiezan a ser planas y empieza a experimentar con figuras y esculturas.

El siguiente es el Periodo Negro. Su obra va evolucionando cuando entra en contacto con la

escultura ibérica y conoce otras culturas o maneras de elaborar el arte. Va al Louvre donde
puede ver más esculturas ibéricas, africanas… También le inspira el románico catalán que lo
ve en Gósol. Se dice que era una aspiradora creativa, tomaba ideas de otros y las incorporaba
en su trabajo consiguiendo una gran cantidad de obras. Él mismo comienza a adquirir
esculturas antiguas y se le llegó a acusar del robo de unas esculturas en el Louvre,en verdad
fue el secretario de Apollinaire pero fue cómplice. El periodo negro es un periodo de
transición al cubismo. Se llama así por la influencia del arte africano. En esta etapa se ve la
influencia del primitivismo que cambian el físico de sus representados y que le hacen jugar
con todo tipo de volúmenes. Se ve como busca una nueva síntesis formal donde se ve una
combinación de las distintas influencias que ha ido cogiendo. Todas estas influencias le
llevan a la descomposición de las figuras, ruptura con los volúmenes… como se ve en las
Señoritas de Avignon que se podría pensar que es la primera obra cubista y la que abre el
camino al cubismo. Es una obra muy repensada que hizo en distintas composiciones y que no
fue bien aceptada en un principio. Gertrude Stein la identificó como un verdadero cataclismo.
Matisse dice que es una broma y Vollard dijo que era la obra de un loco. Braque y
Kanhweiler no lo vieron con buenos ojos.

Después llega el periodo cubista de 1912 a 1917, aunque seguirá haciendo obras cubistas
después como Los tres músicos. Picasso elabora un lenguaje revolucionario en el que la
realidad se va descomponiendo en múltiples elementos geométricos en el que figura, fondo…
se entremezclan . Inventa un nuevo lenguaje basado en la fragmentación y singularidad de los
objetos.
Con la llegada de la IWW empieza una nueva etapa y trás el conflicto continúa una fructífera
carrera derivada de su genialidad. Caminará por otra serie de etapas sin que su calidad u
originalidad decaiga. La presencia del cubismo seguirá presente combinándolo con estilos
clásicos creando un pluriestilismo simultáneo, donde podemos ver distintos estilos juntos
como en el Guernica, donde podemos ver el expresionismo, cubismo, composición clásica en
pirámide… Al final de la IWW viaja a Italia y trabaja en el vestuario y en el telón para el
ballet Parade del ballet de Sergei Diaghilev, que es una compañía de danza que cuando
conoce a Picasso participará en sus ballets. Tras la IWW vuelve a la figuración y al realismo,
donde se ve una pintura más reconocible.

Así comienza su periodo neoclásico. Este periodo se caracteriza por su relación con Olga
Koklova con la que se casa en 1918 y tendrá un hijo, Pablo, con ella en 1921. Este periodo
supone un regreso a la pintura tradicional inspirada en el mundo greco-latino y muy
dibujística. la temática se centra en arlequines, mujeres, maternidades…. Dos mujeres
corriendo por la playa de 1921, pero sigue haciendo pintura cubista como los ya
mencionados 3 músicos de 1921.

El siguiente periodo es el surrealismo donde los desnudos a la orilla del mar toman una gran
importancia. Son figuras que contrastan con la tranquilidad el mar con unas formas y
posiciones violentas. Se han entendido como una parodia simbólica de como se fue
deteriorando la relación con Olga Koklova, ya que en 1927 empezó una relación con Marie-
Thérese Walter. Su relación con Olga no termina hasta 1935. Marie será su modelo hasta
1940 y que con ella tiene una hija. Ella es rubia y en muchos desnudos y pinturas en las que
aparezca una mujer rubia será ella. Donde aparece con posturas muy variadas y diferentes.
También hace la obra de la Minotauromaquia donde se pueden ver la influencia de Durero o
Goya, donde se puede ver a Marie de modelo. También empieza a trabajar técnicas mixtas
como las Guitarras, que se denominan como dibujos en el espacio. Participó en las
exposiciones surrealista de 1925 y 36 donde se expusieron sus cuadros, conoció a Andre
Breton que es uno de los representantes del surrealismo y fue el que convenció a Jacques
Doucet de que comprara las señoritas de Avignon. La primera vez en la que habla de este
cuadro es en la revista Surrealiste. Picasso es un artista que siempre se relaciona con la
vanguardia artística.

La etapa de la guerra donde se posiciona a favor del bando republicano y pide la ciudadanía
francesa que no se la conceden. Desde Francia pinta cuadros en contra de la guerra como
Retrato de la marquesa de culo cristiano echándoles un duro a los soldados moros
defensores de la Virgen de 1937. El bando sublevado trajo a muchos moros en la lucha contra
la república, este cuadro nos muestra ese doble rasero del bando sublevado. En este periodo
se hace referencia a dos conflictos la guerra civil (36-39) y la IIWW (39-45). Estos periodos
marcan la vida de muchos europeos y en este caso de Picasso. Este periodo sirve de protesta,
antibelicista y muestra de la hipocresía de algunos. La obra más representativa es el Guernica
(1937), que es la mejor representación del horror de la guerra. En esta obra se ve una
composición piramidal clásica, se ve un separación en tríptico, el surrealismo por la
simbología del mundo onírico , el expresionismo en los rostros y en algunos elementos que
nos muestran el sufrimiento, el cubismo con la fragmentación de las figuras y los elementos,
monocromatismo se ven pinturas casi monocromas que representan la crudeza de la guerra…
Dora Maar era una fotógrafa y modelo de Picasso que conoce y será una de sus amantes, ella
fue la encargada de fotografiar el proceso creativo del Guernica. Hizo muchos estudios, se ve
la influencia de Rubens, La Piedad, temas clásicos… Dentro de una de las versiones puso
collage. A ella la retrató como Mujer que llora de 1937. Picasso fue un artista degenerado
para los nazis.

En sus años finales y una vez superados los conflictos bélicos empieza una relación con
Françoise Gilot y deja a Dora Maar, es pintora y todavía vive. Es la madre de dos hijas
Paloma y Claude… En esta etapa vuelve un optimismo y se apasiona por la cerámica, pero
sigue explorando nuevos modelos como la escultura de yeso como Niña soltando a la cuerda.
Recuerda a los objetos de Duchamp, son obras que se hacen con objetos hechos y les da
forma como en su Guitarra de 1926 o su cráneo de todo de 1942. En los últimos años de su
vida reflexiona sobre la obra de los grandes maestros y hace sus propias versiones de su obra.
Rembrandt, Velázquez, Courbet, Delacroix, Manet, David… De Velázquez hace una serie de
44 personajes de su obra. La última mujer de su vida será Jacqueline Roque y es con la que
vive hasta su muerte. En sus últimos años hace obras como Venus y Amor o El pintor y su
modelo. Jacqueline se suicidó trás la muerte de Picasso igual que otras amantes de Picasso, su
nieto también se suicido… En general, Picasso dejó una gran huella en la vida de las personas
que le rodearon.

Retrato de Gertrude Stein. 1906.

Es una escritora y mecenas de arte. Junto a su hermano, Leo, fue uno de los primeros apoyos
de Picasso. La modelo posó más de 80 veces para Picasso y nunca consiguió pintarla como él
quiso. Lo acaba sin tener a la modelo presente, de memoria. Lo concluye tras una estancia en
Gósol en verano de 1906. Parece ser que fue el campesino Josep Fontdevila, un campesino
del pueblo, con su rostros marcad el que le sirvió de inspiración para la obra. La propia
Gertrude Stein se ve reflejada en esta obra. A Picasso le decían que no se parecía, pero dijo
que ya se parecerá cuando envejezca. Stein significa piedra, que estaría unido al primitivismo
y sus esculturas. Técnicamente habría que resaltar el contraste del tratamiento ortodoxo del
cuerpo y el sofa con el rostro que es más sintético, ovalado, con la frente despejada, ojos
grandes, asimétricos en forma de almendra. Un rostro que reflejaría la fuerte personalidad de
Gertrude que era lesbiana y una mujer adelantada para su tiempo. Marca el inicio de la etapa
negra con la influencia de las máscaras africanas y el arte iberico que pudo ver en el Louvre y
que compró. La posición de las manos y los brazos, el sillón… recuerda al retrato de Louis-
François Bertin de Ingres.
Las señoritas de Avignon. 1907
Se conserva en el MoMA. Es fruto como todas las obras de Picasso de un largo proceso de
preparación, estaría medio año y le ocupo 16 cuadernos. Hizo muchos dibujos, bocetos,
acuarelas, pinturas… este largo proceso de elaboración nos muestra uno de los puntos de
partida más importantes del cubismo, para muchos este es el cuadro manifiesto del cubismo.
Aunque muchos otros dicen que habría que hablar de angulismo por su fuerte geometrismo.
Los expertos dicen que pudo ser la respuesta a muchos otros maestros que habían tratado este
tema de forma parecida. Se piensa que quería superar a las representaciones del baño turco de
Ingres, las bañistas de Cezanne, la alegría de vivir de Matisse o el Juicio de París de Rubens.
Sobre todo quería competir con Matisse y sustituirlo en la posición de máximo exponente de
la vanguardia. Dentro de La alegría de vivir una de las señoritas tiene la misma postura que
una de las representadas en las señoritas de Avignon. Matisse le respondería en su desnudo
azul recuerdo de Brisca. La presentó en 1916 sin ningún título, pero acepto el que le dió el
poeta Apollinaire o Ande Salmon de el burdel de Avignon. El burdel era real, pero estaba en
Barcelona y se ubicaba en la carrer D´Avinyó. Es una obra en principio criticada por las
personas que lo pudieron ver, pero fue admirada por Breton y publicada en la revista
Surrealisme y comprada por Jacques Doucet.

En este cuadro se nos presenta 5 desnudos femeninos en un interior decorado por cortinas que
parecen descorrerse y que tiene un bodegón a los pies de las mujeres desnudas. Es un
bodegón que se dice que podría ser un homenaje a Cezanne. Los estudios iniciales muestran
algunos cambios empezando por la presencia de dos personajes masculinos. Sería la figura de
un joven estudiante con un libro o papel en las manos, en otros tendría una calavera que sería
su amigo Casagemas. Mientras que el otro personaje sería un marinero , que podría hacer
alusión a estos personajes que iban a estos sitios. El mensaje de este cuadro podría ser el tener
cuidado con la ETSs, ya que muchos artistas y jóvenes iban a estos sitios. En lso bocetos se
ven floreros, sandías… que luego fueron cambiados en el dibujo final. En principio el cuadro
se podría interpretar como un memento mori, una llamada a la muerte en un lugar destinado
al placer. La fruta se suele asociar con la sexualidad. Las mujeres nos miran y nosotros las
miramos. La visión de Picasso es que los que las miran son hombres, sería como un
escaparate.

Es una obra muy heterogénea, se da una gran presencia de diversas influencias que el el
absorbe. Los especialistas ven en las caras una mayor influencia de estilos. En el centro
aparecen dos mujeres con posturas similares. Los rostros de estas dos figuras recuerdan al ate
ibérico primitivo, planos delineados en negros, ojos grandes frontales y esquemáticos. La
nariz aparece de perfil o la presencia del moño debe ser algo muy español. La mujer de la
izquierda aparece esquinada de perfil, con una mano desproporcionada y aparece
descorriendo la cortina y mostrando a sus compañeras. El color casi se fusiona con parte del
fondo, los volúmenes se han reducido a lo esencial y el ojo se presenta de forma frontal,
aunque el cuerpo aparece de perfil. Esta solución se ha intentado relacionar con el arte
egipcio y es un rasgo primitivo que recuerda a Gauguin. El rostro empieza a recordar por el
color a las pinturas primitivas, pero al ver las posturas más antinaturales como la mujer que
aparece de espaldas y agachada, mientras tiene la cara de frente. Esto nos recuerda a las
máscaras africanas con planos cortantes, deformidad del rostro, marcas de colinas paralelas
que recuerdan a la madera. Estas dos figuras de la derecha nos mostrarían esos rostros
deformados por las ETSs. Picasso absorbía conocimientos y estilos por lo que es posible que
la Apertura del Quinto Sello del Greco nos recuerde a esta obra con sus formas. El
significado sería la atracción sensual, pero también las consecuencias que trae este placer
sexual. Es una advertencia.

Dominan el azul y el rosa. Los periodos iniciales del Picasso. La concepción del espacio es
claustrofóbica, parece que todo se acumula y amontona. Al ser una obra iniciadora del
cubismo, todavía hay un recuerdo figurativo que nos permite distinguir figuras. Es una
actualización de la pintura tradicional como es el retrato o el desnudo. También aparece un
bodegón, que no es uno al uso, pero hace presencia. Recuerda más al angulismo que al
cubismo. Nos muestra una simplificación de formas que es la base del cubismo maduro.

Depósito de Agua de Horta de Ebro. 1909.

Hoy en día el pueblo se llama Horta de Sant Juan. La pintó en el verano de 1909 donde
estuvo en esta localidad de Tarragona. Aquí le acompañó su compañera Fernande Olivier.
Picasso se centra en paisajes y realiza unos 15 retratos de Fernande.Es un periodo muy
importante, ya que dice que todo lo que sabe lo aprendió aquí. Es una etapa de investigación
y de creación de un nuevo estilo, totalmente alejado del mundo y la realidad. Hay una
fotografía de Picasso que nos muestra cómo era el depósito original. El paisaje se compone
del depósito y las casas del propio pueblo. Se hace a través de líneas y estructuras
geométricas. Todo esto en aras de la eliminación de detalles. La profundidad espacial se da
por la superposición de formas. La parte inferior es el depósito con agua que refleja las
formas de los edificios que le rodean. La parte de arriba da sensación de estabilidad, mientras
que lo que se refleja no. Picasso aplica colores independientes que no tiene que ver con la
realidad, es un color propio, apagado, antinaturalista y en el que predominan los ocres y
verdes, que ganan volumen cuando se juntan con el blanco y el negro. Otra obra de este
momento es el retrato a Fernande Olivier de 1909.

Cubismo analítico. Muchacha con mandolina. 1910.

Hay uno del mismo tema y título de Braque. Vemos una proximidad temática y estilística
entre ambos artistas. Estos intercambiaban palabras, tenían charlas sobre el arte y su estilo,
por lo que justificaría su parecido. Este cuadro podría ser la respuesta al de Braque que lo
hizo antes. Nos muestra la influencia de Camille Corot que desarrolló el tema de mujeres con
mandolina de forma naturalista. Pudieron ver sus obras en el salon de Otoño de 1909. En el
caso de Picasso se dice que utilizó la mandolina por el parecido a un cuerpo femenino. Hizo
cuadros anteriores y posteriores con este tema. En Picasso se ve claramente la mujer y la
guitarra, en la obra de Braque es más complicado. El cuadro de Picasso sería menos
abstracto. Braque parece estar en una etapa en la que no se puede entender lo que pinta.
utilizarían un gris azulado, una cromalidad serena. Como no usa colores primarios luminosos
nos concentramos en la representación de la mujer. Moderada como si de un prisma óptico se
tratara. Es una mujer vista por un prisma, lo que contribuye a desfragmentar a la figura en
formas geométricas o facetas. En este tratamiento vemos el rostro en dos planos y el cuerpo
es casi como una escultura.
Cubismo sintético: Naturaleza muerta con silla de paja (o rejilla). 1912.
Es una técnica mixta en la que tenemos un collage en el que encontramos un hule, una cuerda
de cáñamo, mientras que el resto se pinta al pastel. Esa cuerda de cáñamo contiene el
desorden que hay en la pintura. Se podría inspirar en una mesa que tendría en su estudio con
una tapa movible que tendría ese borde hecho con cáñamo. En muchos manuales se discute si
es el primer collage del arte, aunque también se piensa que podría ser de Braque. Lo que
queda claro es que es una pieza fundamental del cubismo sintético. Es un tema cubista, es un
bodegón o naturaleza muerta inserto en un óvalo que recordaría a una mesa de café, pero
también se ha hablado por su formato ovalado que podría recordar a un espejo que refleja una
serie de objetos depositados una mesa, pero si fuera un espejo las letras estarían del revés.
Algunos piensan que JOU podría venir de Journal o de un juego. Se divide en dos partes. La
superior es donde encontramos la pipa, el periódico, limón… está pintada de acuerdo a los
conceptos del cubismo analítico. Son colores apagados, objetos que están descompuestos o
fragmentados, formas geométricas…. Todo ello recuerda al periodo anterior que está
superando Picasso. Debajo vemos el collage o el trozo de hule pegado que imita el trenzado
de una silla. Encima de esta hay unas manchas con las que Picasso quiere hacernos dudar si
existe o no el collage, no sabemos si es una parte pegada o algo que ha podido pintar él. Este
juego junto con los papeles recortados y pegados. El uso de estos es algo nuevo en el arte
supone la apertura de nuevos caminos en el arte, al coger materiales extrartisticos o
cotidianos como el hule o el cáñamo y convertirlos en herramientas de expresión. Lo
importante es la intención que tendrá una gran transcedencia posterior, muchos movimientos
como el futurismo, el dadaísmo , arte Povera, el nuevo realismo… los acabaran usando en sus
propios collage, ensamblajes, ready made… Esto hace pensar a la gente sobre lo que es arte y
no, algo que se ve en la Pintura Trampa de Daniel Spoerri que se inspirará inicialmente en la
obra de Picasso.
Postcubismo: Guernica (1937)
Realizada con pintura sintética sobre lienzo, esta pintura es de mala calidad. Este es el motivo
de que el Guernica no se encuentre en EH por su complicado traslado y mantenimiento. Es
una síntesis de diversos estilos entre los que prevalecen el expresionismo y el cubismo. El
dolor y la expresión, planos y figuras fragmentadas. Vemos también una composición
tradicional, donde vemos una pirámide o la forma de tríptico que podría tener. También se
puede hablar de surrealismo por lo onírico de la escena y de los elementos. Se ve una suma
de todo lo que Picasso ha ido investigando a lo largo de su trayectoria. El autor malagueño la
pintó para el pabellón español de la exposición universal de París de 1937 por encargo del
gobierno del país. Meses antes del bombardeo que sufre la villa de Guernica el 26 de abril de
1937. Picasso se entera de este bombardeo y Picasso va a denunciar esta situación y la guerra.
Aprovecha la situación para hacer un cuadro denuncia y leugo también hará denuncias sobre
los bombardeos de Lleida por ejemplo. La mujer que llora, es también otra obra que habla de
esta denuncia. Para el 4 de Julio Picasso ya tiene organizado y preparado el cuadro como
símbolo universal de la paz. Hizo muchísimos bocetos con muchas ideas. En un origen
también tedría parte de collage y utilizaría otros materiales como bello púbico, aunque al
final no acabó así. Dora Maar,que en ese momento era su amante, fotografía el proceso de
creación de la obra. Es una obra que tiene unos 7m de largo.

Es una obra muy estudiada y se le han visto un montón de ispiraciones. Los beatos
mozárabes, la biblia sacra de León, o el beato de Saint Sever (Escena del diluvio). Los
horrores de la guerra de Rubens también se ha querido relacionar. La presencia d ela lampara
arriba recuerda a los comedores de patatas de Van Gogh. Los fusilamientos del 3 de Mayo de
Goya o la Piedad de MA en la mujer con el niño en los brazos. También se inspiraría en su
propia escultura de la Dama oferente, que se inspiraría en La justicia y la Divina venganza
persiguen al crimen, que lleva una antorcha. La película adios a las armas de 1932 dirigida
por Franz Borzage también le inspiraría aquí aparece una casa en llamas que recuerda a la
escena. Por último tenemos la oba de sueño y mentira de Franco en que se ven distintas
estampas que Picasso uso para recaudar dinero para la República, estas imágenes se utilizan
en la obra.

Es la obra más conocida del artista malagueño y un alegato a la paz. Es una obra con colores
balncos y negros, que le sirven para excluir los colores realistas en la obra y potencia la
expresividad. Es un color muy adecuado para mostrar la tragedia de la Guerra Civil española.
La representación se puede ver con una composición piramidal en la que en el interior
encontramos el completo caos y la confusión, donde las figuras parecen esta descompuestas,
rotas como si una bomba cayera y destrozase todo. La presencia de la luz nos habla del
moemnto en el que se bombardeó la ciudad el día en mitad de un mercado. Hay un lenguaje
simbólico, el caballo relinchando simbolizaría al pueblo que queda atrapado por las llamas.
El toro hace alusión a la brutalidad. Se meustran víctimas inocentes, como la mujer con el
niño, la mujer entre las llamas… nos muestra el dolor y la impotencia. Las formas son
cortantes y simplificadas. Es una obra que se ha convertido en una obra de culto que ha
influido a infinidad de dibujos, artistas… como a Armondarain

Juan Gris (Jose Victoriano González). 1887-1927.

Es un pintor madrileño. Este se inicia en el modernismo y antes de dedicarse a la pintura, es
conocido por sus ilustraciones humorísticas, como las de la revista Blanco y Negro, Papitu o
L´Humoriste. También hizo Ex-Libris, que son como un sello que utiliza un escritos para
marcar su libro. Se introduce en el cubismo por su huida de España para no hacer el servicio
militar. Se fue a París joven y se fue con otro pintor, Daniel Vazquez Diaz. Se instala en el
Bateau- Lavoir y en 1910 empieza a trabajar la técnica del cubismo analítico. Era un
tremendo dibujante que podría transformar las figuras en formas geométricas. Aunque se
inicia en el cubismo Juan Gris pasará a la historia del arte como el principal representante del
cubismo sintético que se desarrolla a partir de 1912. Él decía que Cezanne de una botella
hace un cilindro y yo de un cilindro una botella. Se le considera como el refundador del
cubismo, ya que estaba al borde de la desaparición porque no avanzaba. Pintará algunos
paisajes como Casas (Ceret) en 1913, pintó los arlequines, pero su tema principal será el
bodegón, como Naturaleza muerta con mantel de cuadros. En 1914 realiza unas 50
naturalezas muertas. En estas aparecen periódicos, tazas, botellas… Utiliza trozos recortados
de carteles lo que acentúa el carácter realista de la obra. Muchos son de formato vertical. Lo
más destacado de su producción se encuentra entre el 16 y el 19. Luego tendrá una
enfermedad Pleuresía. Después ya dejará el cubismo y hará obras más naturalistas. Juan Gris
será un artista polifacético hará litografías, será escenógrafo… Para muchos su mayor
aportación al cubismo son sus escritos, ya que fue un gran teórico.Destaca la obra
Posibilidades de la pintura, que deriva de una conferencia que dió en la Sorbona.
EL fumador. 1913
Está pintado en Céret, un pueblo en el que Kahnweiler le dominará como meca del cubismo ,
ya que aquí se quedaron distintos artistas cubistas como Picasso. Kahnweiler dice que tras
estar aquí su obra logra sencillez y claridad. Con toda seguridad se trata del retrato de un
amigo suyo, Franz Haviland o Franz Burty. Este era un rico americano, amigo de los Stein
otro mecenas de arte y era protector de nuevos creadores de la época. En Céret participa en la
restauración de un monasterio con intención de dedicarlo a un museo. La forma en la que se
abre la cabeza del retratado en forma de abanico revela la influencia de Brack y de Picasso.
Situándose el centro imaginario de la composición en la nariz. Gris se distingue del resto de
autores por el uso del color. Él emplea superficies luminosas con dos colores principales, el
verde y el azul añil que se distribuyen de forma arbitraria en los distintos fragmentos en el
que se despliega la pintura. Aparece la cabeza descompuesta en la que podemos encontrar
partes de la cara en cada fragmento como son: una oreja, barbilla, nariz… Lleva un cuello
blanco que en un momento se presenta frontal, pero detrás como un reflejo de lo anterior.
Vemos como el sombrero cambia de color y lo que permanece sin moverse es el humo del
puro que asciende vertivalmente. Se basa en un dibujo en el que en vez de fumar un puro,
fumaba un cigarro que no echaba humo. Es un rostro un tanto caricaturizado y a la vez del
esbozo, pudo existir una composición previa con papeles para conseguir los colores.

Naturaleza muerta con mantel de cuadros. 1915.

Se le considera como un maestro de las imágenes disfrazadas u ocultas. A simple vista lo que
vemos es una mesa colorista con tazas de café , copa de vino , un frutero en el que vemos un
racimo de uvas, una botella de vino tinto, otra de cerveza en cuya etiqueta se ve un diamante
rojo de la marca Bass. En realidad se trata de un trampantojo , Trompe-l-oeil, ya que todos
ellos son elementos simulados. Introduce grafito, pero no son papeles recortados (papiers
collés), son simulaciones a forma de collage que imita todos esos elementos. Estos parecen
recortes reales, pero en verdad están pintados. También tiene una identidad la presencia de
una cabeza de toro en forma de V. La taza de café y el platillo formarían el morro. A la
izquierda un círculo en forma de diana es un ojo. La botella de cerveza es un cuerno y el
contorno de la guitarra sería el otro cuerno. Las letras Eau del vino hacen referencia a una
región concreta, Beaujolais. Juan Gris siente una gran atracción por los juegos de palabras,
misterio, descubrir lo oculto… se habla d eun personaje de una serie de ficción Fantomas que
es un criminal muy listo que nunca es atrapado y que iba disfrazado con un antifaz. En varias
obras introduce una revista con el número de Fantomas. En esta pintura lo que no es evidente
ahí está y hay que buscarlo. Todo se complica cuando un personaje de esta obra se llama ojo
de buey al que podría aludir la diana. Es una obra que compró un particular que loa cabó
donando.

Fernand Léger. 1881-1955.

Su primer contacto con el arte fue trabajando en el estudio de un arquitecto en Caen entre
1897-99. En 1900 se traslada a París y como viene de un pueblecito descubre la ciudad, la
luz, la publicidad…Acudirá a la academia Julian y se matricula en la escuela de artes
decorativas en 1903. Muestra influjos impresionistas y de Cezanne del que toma la reducción
de las formas en prismas y conos. Hizo un retrato de su tío en 1905, este quería que dejase
sus aspiraciones artísticas. En su obra se ve la forma de tubos. Practica un cubismo, que se le
ha llegado a llamas tubismo o incluso cilindrismo. Después se junta a una comuna de artistas
la Rouche o colmena. En esta están Soutine o Archipenko que le influyen y también le
inspiran artistas anteriores como Henri Rousseau con su retrato de Madame X que influye a
la obra el Mecánico. Este se une a los cubistas, pero mantiene un estilo personal y se aparta
del cubismo canónico. Le da una mayor importancia al color. Él habla de que al llegar a la
ciudad siente una invasión polícroma. El color lo invade todo como una marea.Su pintura a
través de contrastes de color y de formas va a expresar el dinamismo de la vida, obsesionado
como estaba por las máquinas , inventos, revolución industrial… de tal manera que va a
realizar un cubismo maquinista. Él plantea una relación de convivencia entre la máquina y le
ser humano. En su obra se ve el gusto por la máquina, el desarrollo indsutrial… por lo que le
pone en relación con el futurismo italiano. Va a evolucionar a partir de sus series de
Contrastes de formas de 1913. Cuando firma un contrato y va evolucionando en sus formas
como se ve en la obra La escalera. Aplica el concepto de Cezanne en las obras en la que la
naturaleza se basa y se fundamenta en figuras de forma de cono. Él acaba abandonando toda
fragmentación de la humanidad y él acaba diciendo que entre 1912 y 1913 mantuvo una
batalla o enganche con Cezanne que tuvo que ir tan lejos como la abstracción. Léger será
soldado en la IWW, será herido y como era un amante de las luces, máquinas… en general de
la modernidad, empezará una nueva etapa en la que importan mucho las armas. Es una etapa
maquinista. que llega hasta los años 20. Representa humanos como robots o personas que se
crean con elementos cilíndricos. Decía que no hay nada más cubista que una guerra, pues se
divide en varias piezas y las envía a los 4 puntos cardinales. Para Malévich consigue tratar al
humano como un robot, les consigue quitar la carne y el alma. Aun así, Léger no tiene un
sentimiento crítico, es algo más cercano a las máquinas nada más. En los años 20 retorna a la
figuración y el mundo de lo cotidiano, con unas figuras humanas más reconocibles, pero
tratadas de manera mecánica, rostros inexpresivos… como si fueran maniquíes, ejemplo:
Gran Comida (almuerzo). Por la IIWW se exilia en USA. Aquí el modo de vida americano le
lleva a evolucionar a un tratamiento aún más realista de la figura humana. Aparece el mundo
del trabajo y el ocio de los mismos (el circo por ejemplo, La gran parada. Picnic, turistas,
nadadores…). Es un artista polifacético, es capaz de desarrollar distintas actividades
artísticas. Hace decorados de teatros, fue director de cine experimental (le ballet mecanique
donde muestra a Charlot (Charles Chaplin) de forma geométrica y también hace la película
sueños que puede comprar)., hace cerámica, mosaicos… Es también un teórico y escritor. En
sus ensayos defiende un arte integrado en la nueva civilización tecnológica. Tiene cierta
relación con Le Corbusier. Destruyo gran parte de su obra de 1902-8, porque no era más que
un transito hacia su estilo definitivo.

La escalera (segundo estado). 1913.

Léger adapta el cubismo de Brack o Picasso a la captación de los contrastes de la vida
moderna, pero además añadiendo el uso del color. Es una obra que obedece a un periodo
anterior a la guerra. Es un periodo álgido de su carrera. Corresponde a una serie que englobo
bajo el lema contrastes de formas. En general, se utiliza un lenguaje cercano a la abstracción,
pero aún se detecto o aprecia la intención de representar figuras humanas. Es una figur
humana deshumanizada, mecanizada, que se funde con el entorno. Una ciudad tecnológica.
También se separa dle cubismo más clásico en el sentido de que Léger otorga a los objetos un
cierto sentido de volumen físico. Opone a las líneas rectas, unas curvas. Empieza a utilizar
formas tubulares y colores puros. Este es uno de sus temas favoritos por la sensación
implícita que lleva la escalera de movimiento. Es un cuadro que puede estar influido por los
experimentos de Muybridge con sus fotografías en movimiento o la obra de Marcel Duchamp
del Desnudo bajando la escalera de 1912. Utiliza colores primarios: rojo, azul y amarillo
junto con el negro y el blanco. Se acerca a la abstracción ya que no quiere mostrar la figuras
de forma real, son forma de tubos, embudos…Las cabezas son las formas ovaladas el resto
del cuerpo.
La partida de cartas. 1917
A pesar del impacto de la guerra no pinta demasiadas con tema bélico. 1916 es importante ya
que es en este momento cuando es herido por el gas mostaza y en su recuperación concluye
esta obra. Deja la guerra y se puede dedicar a pintar de nuevo. Como Otto Dix refleja la dura
vida de ls soldados en las trincheras, donde le propio Leger dijo que empezó a apreciar la
vida y personas y decía que su arte solo satisface a los intelectuales. La partida de cartas se
relaciona con Cezanne que tiene varios cuadros con jugadores de cartas. Uno de los cuadros
estuvo en la exposición homenaje de la exposición de otoño , por lo que le pudo influir.
Además le permite pintar uno de los elementos más queridos de los cubistas, las cartas.
Combina el cubismo con la estética propia de él, una estética maquinista tubilirista. Vemos
alrededor de una mesa de color amarillo una serie de figuras tubulares, soldados… jugar a las
cartas era una de las pocas distracciones que tenían. Son representados con rodamientos,
pistones, tubos, embudos… Se ve un trozo de un periódico y las cartas que son los únicos
elementos que se alejan del cubismo. Son personas representadas como robots cubiertas por
armaduras brillantes como el acero. Animadas por algunos colores rojos, azules, verdes…
Léger al pintar máquinas no lo hace en un sentido negativo, creía que las máquinas iban a
facilitar la vida en especial de la clase trabajadora. En el centro estaría el sargento con los
galones y sale fumando en pipa, lleva una medalla. A la derecha otro fuma pipa, lleva un
casco de acero, tiene pose de pensador. El de la izquierda que es el más grande aparece
condecorado en el pecho.

Robert Delaunay (1885-1941)

Se inicia en la pintura en 1903 y no llega a su estilo definitivo hasta pasar por distintas etapas.
Hace pintura post impresionista y fauvista. Al cubismo se liga en torno a 1909, pero como
sucede con Léger, Delaunay se especializa por un cubismo especial basado en las teorías de
Michel-Eugène-Chevreul que experimenta con el círculo cromático. También la teoría de
Seurat y abandona la perspectiva habitual. Es una pintura colorista en la que toma como
modelo a la ciudad. Lo hace en el mismo sentido que Léger, ciudad como ejemplo de
dinamismo, civilización avanzada… Plantea un nuevo lenguaje y series relacionadas con la
torre Eiffel que pintará en varias ocasiones y el otro gran tema es la ciudad de París, casas,
iglesia de Saint- Severin…. Hace también retratos, naturalezas muertas y lo más innovador
son los Discos o formas circulares. Será Apollinaire el que en 1913 acuñe un término para
designar el peculiar cubismo de Delaunay, lo llama orfismo. Se llama así porque para
Apollinaire la pintura de Delaunay transmitía unas cualidades musicales, espirituales,
armónicas… esa paz que Orfeo lograba tocando la lira. Se refiere a este tipo de pintura como
cubismo coloreado, cubismo órfico o simultaneismo (el término que utilizaba Delaunay).

Es una variedad del cubismo que destaca por la armoniosa organización en el ritmo y
distribución del color. Su esposa Sonia Trek será la que va a conducir el cubismo a la
abstracción. Esta abstracción se ve en su disco Simultáneo. El cubismo no tiene como
objetivo la abstracción, pero en este caso sí dieron el paso por lo que influirá en movimientos
como la abstracción geométrica, futurismo, expresionismo alemán… Participó en la
exposición del jinete azul y en la revista Der Sturm Klee tradujo un tratado de Delaunay
sobre la luz. Por lo que se puede ver su influencia en Alemania.

En sus obras podemos ver colores complementarios que a través de la sensación que crea la
yuxtaposición de esta es capaz de generar en el espectador una sensación de movimiento o
dinamismo que influye en los futuristas italianos. La portuguesa, es muestra de esto. El
matrimonio se trasladó a la península durante la IWW, por lo que se mueven por España y
Portugal. En 1914 desarrolla una pintura aún más colorista ya aplicada no solo a elementos
abstractos, sino a elementos extraídos de la realidad también. Es una fase realista en el que
también pone sus discos. La guerra les pilla en Hondarribia con el pintor Ángel Zárraga y
vivirán en varios sitios como Sitges, Vigo o Madrid. En Portugal deja huella en diferentes
artistas del momento como Eduardo Viana, Amadeo De Souza-Cardoso o José De Almada
Negreiros. En España tuvo más influencia en la literatura de la época, concretamente en el
movimiento ultraísmo cuya cabeza es Ramón Gómez de la Serna. Este en 1931 publica el
libro ismos y aquí dedica un capítulo al simultanismo. También habla del futurismo,
tubularismo…

El matrimonio trabaja para los ballets rusos de Diaghilev y una vez que el matrimonio regresa
en París en 1921 lo que está de moda es el Dadaísmo y el Surrealismo, conocerá a Tzara y a
André Breton. Al final renueva la base abstracta y vuelve otra vez a jugar con los colores
complementarios y discos.

Sonia Trek estará más ligada al mundo de la moda, aunque también pintará. Es una pintora en
la dirección que crea con su marido, sino que también es diseñadora. Sonita desarrollo
decoración, moda y abrió distintas tiendas de ropa. Llegaron a exponer en Bilbao en 1919
invitados por la asociación de artistas vascos.
Vista de la Torre (La Tour aux rideaux). 1910
Vemos la torre Eiffel desde una casa desde una ventana con cortinas. Uno de sus primeros
tema es la Torre Eiffel, aquí se separa de los cubistas, es un tema novedoso y un tema que
desarrolló mucho. Es un momento en el que retoca alguna obra del periodo inicial. Para
Delaunay la torre es como una emisora de radio que propaga como si fueran hondas el
emblema de la modernidad. Lo llamó el objeto más grande creado por el hombre. Es el
símbolo de una nueva era, del avance tecnológico y el optimismo que intenta transmitir
Delaunay. Es una época alejada de las guerras y por lo tanto ignora el potencial destructivo
que tiene la tecnología. Este mismo sentimiento se da con Seurat y Apollinaire. Lo que hace
es captar esa construcción de hierro a través de una ventana con cortinas descorridas,
mostrando también los distintos tejados de París de forma cubista. Las cortinas no solo están
descorridas, sino que ocupan casi la mitad del cuadro. Es la fase destructiva no en un sentido
malo, sino que deconstruye lo que pinta de forma fragmentada. De tal manera que casi parece
levitar o moverse como si no pesase. Consigue salirse del hermético mundo de los temas
clásicos de los cubistas como los bodegones. La arquitectura presenta una perspectiva
deformada y el cielo cubierto de nubes recuerda bastante a las que solía hacer Leger. Las
nubes recuerdan a unas pompas de jabón ascendentes. Retoma el tema en 1922, en el poeta
Philippe Soupault. Llega a retocar muchas de sus obras como ocurre en Campos de Marte. La
torre roja. 1911-23

Formas circulares. 1930.

La experimentación de los contrastes simultáneos de Chevreul se ven en la obra. Empieza a
hacer este tipo de representaciones en 1913. Delaunay hace representaciones abstractas con
con círculos de color. NO representan ningún elemento figurativo. Se debió basar en estudios
de planetas, pero empezó a desarrollar este tipo de investigaciones en las que pretende
representar la percepción óptica a través del juego de luces y colores. Su mujer Sonia iría más
lejos en el camino hacia la abstracción. Se puede hablar de la teoría del simultaneísmo de las
teorías de SEURAT O CHEVREUL, que hacen investigaciones que nos dicen como los
colores se yuxtaponen. El rojo y el verde… Se les llaman formas circulares o discos
simultáneos. Se le llama así ya que los colores actúan los unos sobre los otros de forma
simultánea. Esta obra se relaciona con el futurismo por la representación del dinamismo.
Podemos hablar de un lenguaje plástico colorista al que se une el principio de simultaneidad
con un cierto cubo-futurismo para lograr estos discos simultáneos. Es una obra en la que
predomina el color brillante, son círculos concentricos de diferentes colores que crean un
efecto de caleidoscopio. Estos discos se han puesto en relación con los mosaicos bizantinos
de la Catedral de Monreale (Palermo), donde se ve a Dios padre creando el cielo y la luna.
También podrían ser los mandalas indios.

Mujer desnuda leyendo. 1920.

Fue un tema muy recurrente en Delaunay cambia un poco el tamaño, pero siempre es lo
mismo un interio, una mujer desnuda sentada en una silla de la que cuelga una prenda que se
refleja en un espejo y que está leyendo un libro. 7 versiones entre 1915 y 1920. Obedece a la
época en la que se encuentra en España durante la IWW. Se libro de la guerra y estuvo en la
península ibérica. Estuvo en Madrid vió el Prado y por eso pudo meter figuración en su obra.
En España pinta mujeres leyendo, gente tocando la guitarra, gitanos…Se ve la influencia de
Rubens en la mujer rubia bastante grande con formas rotundas o carnales. Se le ha
relacionado con la obra el Diana y Calisto de 1601, en la que se parece a la mujer sentada. En
muchos sitios del cuerpo de la mujer se aprecian los círculos en el cuerpo.

Futurismo. 1909-1944.
Se desarrolla en dos momento el primero entre 1909 y 1917, la segunda etapa va del 18 al 44.
En este movimiento el cubismo se pone en movimiento. Esta va a ser la vanguardia con
mayor respaldo político. Esto se ve en sus manifiestos que son textos en el que los autores
proclaman sus ideas artísticas y de todo tipo. Bajo el nombre futurismo van a aparecer toda
una serie de artistas en distintos campos culturales. Es un movimiento que va más allá de la
pintura. Encontramos poesía, literatura, música, cine, escultura, arquitectura… Pretendían
renovar la vida social italiana en todos los ámbitos. Se considera que el futurismo va más allá
de la innovación estética. Debemos entenderlo como un movimiento vital que como punto de
partida va a tener los avances técnicos, descubrimientos científicos, la modernidad… todo lo
que haga salir a Italia de la vulgaridad del pasado y ponerlo en el mapa. Es un movimiento
que va a hacer uso del activismo. Van a ahcer conferencias, difunden ideas y participan en las
llamadas Serate Futuriste, que son como veladas artísticas. Se podían ver ecitales de poesías,
música, proclamas políticas… solían contener mucha provocación se metían con el público
de tal manera que decían que no pedían aplausos sino pitidos.

Se va a iniciar oficialmente con la publicación del manifiesto futurista de Filippo Tommaso

Marinetti en el periodico francés Le Figaro. Lo hace en París ya que era consciente que es la
capital del arte y la vanguardia y se asegura de esta manera la difusión de su movimiento
entre la gente interesada en esta en Europa. Antes ya había aparecido en diversos periódicos
italianos como la Gazzetta dell ́Emilia. También hay una proclama futurista a los españoles
que apareció unos 2 meses después en Francia. En todos estos países el manifiesto se publicó
en 1909. A este manifiesto le siguen un montón de ellos como el de los pintores futurísticos
de Boccioni, El técnico de la pintura futurista de nuevo de 1910 de Boccioni. El manifiesto
técnico de la escultura futurista de Boccioni de 1912 y el manifiesto de la arquitectura
futurista de Sant Elia hecho en 1914. Se dice que para los futurista un manifiesto tiene el
mismo valor que una obra de arte. Hacen manifiestos hasta de comida, dejando de lado a la
pasta. Crean un bar o restaurante. Se podría considerar que la revista oficial de este
movimiento sería La Cerba. Es un movimiento que comienza en el ámbito literario y luego se
expande por el resto de movimientos. Siempre tienen unas connotaciones políticas muy
grandes en sus obras. En un principio el movimiento está ligado con actitudes anarquistas.
Tras la IWW y la desaparición de algunos de sus miembros sus ideas belicistas les acercarán
al fascismo, sobre todo en el Secondo Futurismo. La mayor parte de ellos interviene en la
IWW y mueren algunos como Boccioni que es el líder artístico, Sant´Elia y otros más son
heridos. La pérdida de estos líderes hace que el movimiento decaiga y que su primera etapa
histórica se da por concluida en torno al 17.

Una de sus proclamas es el desprecio a la mujer, la escritora Valentine Saint-Point escribe y

publica en 1912 el manifiesto de la mujer futurista. La propia mujer de Marinetti fue una
artista destacada del segundo futurismo, Benedetta Cappa Marinetti. Se muestran contrarios
con el moralismo , la tradición artística del arte italiano… ellos ante esto proponen en primer
lugar la ruptura con el pasado. Ellos hablan del pasadismo, que parece que Italia vive más del
pasado que del presente. Hablan de una Italia anclada. Ellos plantean la destrucción de los
museos Marinetti habla de cementerios, dormitorios públicos o absurdos matadores de
escultores y pintores. Va contra las academias y todo tipo de instituciones incluyendo el
gobierno, todo ello buscando que Italia despierte y se una a la modernidad.
La principal característica del movimiento es la consideración de la velocidad como el nuevo
signo de los tiempos modernos. Ellos creen que el mundo que les toca vivir es esplendoroso
con las máquinas, industriales… Tiene un plus con el movimiento y la velocidad. Sus
temáticas nos muestran la ciudad industrial moderna y la velocidad, que se convertirán en los
dos temas predominantes. Algo de esta temática ya estaba en los expresionistas alemanes
cuando van a Berlín en el Metrópolis de Gross por ejemplo. Diríamos que la pintura futurista
es una mezcla más o menos original del cubismo, puntillismo y el expresionismo. EN la
busqueda de velocidad quieren plasmar la fusión de imágenes que surge de la misma, se
podría hablar de un simultaneismo, como ocurría en el estudio fotográfico de Muybridge del
caballo moviendose. La luz y el color son las bases del movimiento. Van a aplicar la
disociación del color de los puntillistas, al descomposición de planos que hacían los cubistas.
En estos estudios fotográficos vemos a Muybridge y a E. J. Marey. Como resultado final
tenemos una especie de cubismo lleno de color y dinamismo. Como consecuencia vemos la
obsesión pro representar el movimiento y el dinamismo de forma más pura nos lleva a la
abstracción como ocurre en la obra de Balla.

El futurismo influye en otros países, Varinelli lo promocionará en otros países fuera de Italia
como Bélgica, España, Rusia… Un representante en Bélgica sería Schmalzigaug. En España
surge el ultraismo que surge en el ámbito literario, pero en el PV tenemos la obra de Guezala
La puerta giratoria o retrato de begoña de la Sota. Otro ejemplo sería la obra de Diego Rivera
que se vería influida por el futurismo. En Rusia Malevich también se vería influido, también
Goncharova y otros que crean el manifiesto del futurismo ruso, ellos crean el movimiento
especial del cubo-futurismo. Surge también el Vorticismo en Inglaterra cuyos representantes
más importantes son Wyndham Lewis y Nevinson. También está el eat-art de Manzoni
Spoerri.

El segundo futurismo se desarrolla al acabar la IIWW entre el 18 y el 44, dentro de este hay
dos etapas. En 1944 muere Marinetti. La primera va de 1918 a 1928, aquí lo que va a afectar
es el cubismo o el postcubismo, el constructivismo ruso… con autores como Fortunato
Depero , Enrico Prapolini o Giacomo Balla. Aquí se vuelve un poco al realismo. Es un arte
que se extiende a todos los ámbitos de la vida. La segunda etapa va desde 29 al 44 y aquí el
movimiento que más le sinfluye es el surrealismo y el grupo se centrará en Turín, cuando
antes se vinculaba en Milán.

Otra cuestión importante es la introducción del areopintura. Llega un momento que ese gusto
po la máquina y la velocidad se centra en una nueva máquina como es el aeroplano. Este
tiene su velocidad, ruido y estética. Estas imágenes transportan ese dinamismo futurista a las
nuevas dimensiones. Los pintores de esta corriente es Guglielmo Sansoni, Gerardo Dottori,
ullio Crali o Prampolini. La aeropintura tiene también su propio manifiesto.

Umberto Boccioni (1882-1916)

Es uno de los pintores más importantes del movimiento, también fue escultor y se le puede
considerar desde el punto de vista estético se le puede considerar el líder del movimiento.
Muchos piensan que el futurismo muere en 1916 tras su muerte. En torno a 1900 se asienta en
Roma y aquí conoce a otro joven pintor Gino Severini con el que frecuenta el taller de
Giacomo Balla, que será el encargado de enseñar a ambos jóvenes la técnica divisionista.
Posteriormente viaja a París, Rusia y se acaba instalando en Milán donde conoce a Marinetti
y de esta manera ya tenemos su unión con el futurismo. Destaca como teórico, teoriza sobre
la visión simultánea, líneas fuerza, la luz… SU participación es destacada en la creación de
manifiestos.

Su técnica es divisionista o puntillística, aunque va intorduciendo partes expresionistas,

cubismo, simbolismo… Practica el simultaneismo y su temática se centra en la ciudad, en la
construcción de esta con obreros y gente que va a trabajar. La ciudad será Milán en la que hay
un gran despegue económico e industrial. También tiene una temática de mayor calado
poético en el que minimiza la violencia, agresividad…Tiene la serie de Estados de ánimo con
un componente pético muy marcado y en la que minimiza la violencia.

Sus esculturas son pasadas al bronce en 1931. Plantea una estética opuesta a la escultura
tradicional, ya que esta escultura es pequeña. Es uno de los pioneros de la escultura y utiliza
materiales extra-artísticos ya que no los llegó a fundir, utiliza el yeso o el cristal… destaca el
intento de representar el dinamismo o el movimiento.

La ciudad se levanta 1910-11

Se encuentra en el MoMA ya que las herederas de Boccioni se lo quisieron vender al Estado
italiano este lo rechazó por la connotación fascista de Boccioni. Esto nos muestra el carácter
de ese secondo futurismo. Es considerada la primera obra futurista de Boccioni, pero es un
futurismo inicial. Vemos formulas anteriores como el divisionismo, vemos rasgos
expresionistas en esas figuras alargadas, pero también ofrece unas soluciones novedosas
como las llamadas líneas fuerza , se le pone líneas detrás para que parezcan que se muevan.
Este arte sería una renovación y fruto del tiempo industrial que se vivió en el norte de Europa.
Tiene un precedente en un boceto que hizo que se llama gigantes y pigmeos, donde la parte
central se ve un caballo atado a un carro. La obra tiene distintos estudios previos. En la obra
de gigantes y pigmeos vemos un árbol en la parte izquierda, en el centro obreros y caballos
que simbolizarían al día y finalmente a la derecha vemos un instrumento mecánico que hace
referencia al alba. En la obra final Bocioni elemina los paneles laterales y se queda con la
parte central que hace referencia la día y al trabajo. Vemos unos vigorosos caballos de color
rojo, blanco y amarillos que ienen alas. Puede representar a Pegaso y por la forma y el color
del caballo se habla que podría recordar a los bisontes de altamira. Con toda las imágenes
industriales se intenta mostrar el desarrollo industrial que ocurre en estas ciudades del norte
de Italia. Se alude al despegue de la industria. Boccioni pensaba en un futuro mejor
propiciado por el desarrollo tecnológico y la máquina. Destaca el carácter simbólico del
caballo que sería una fuerza imparable y que veremos como desaparece el carácter positivo
en la obra de la carga de los lanceros. El espacio y la profundidad de la obra se consigue
mediante la superposición y el menor tamaño de las figuras cuando nos vamos alejando. Todo
lo comentado va en relación con esa ciudad que se levanta cada mañana que el artista intenta
recrear como reivindicaban en el manifiesto de la pintura futurista de 1910. El nuevo tema del
arte es la frenética actividad de las grandes capitales, todo lo que se mueve… Se reconocen
distintos puntos de la ciudad de Milán.

La carga de los lanceros. 1915

En esta obra el caballo pierde ese significado positivo, es una carga imparable negativa.
Destacar que es una obra mixta que tiene trozos de collage, se ve el templo, pluma y tinta. Es
de pequeñas dimensiones. El tema es bélico, hay que recordar que los futuristas deseaban la
guerra, esto se ve en esta carga fde uno jinetes lanceros que cargan contra una trinchera
enemiga donde se ven soldados agazapados ante el ataque enemigo. Es una visión heroica de
la guerra. El caballo es un símbolo de una forma imparable de modernidad, pero aquí se
transforma en un símbolo de la guerra. Boccioni murió al caerse de un caballo por lo que su
pasión por la guerra y los caballos quedó truncada. Es unt ema muy dinámico con un
amontonamiento de caballos y lanceros en posición de ataque. Aquí las líneas de fuerza
podrán ser las lanzas y las grupas de los caballos. Observamos un jinete en primer plano, pero
esta figura se repite en planos sucesivos con al misma postura y movimiento por lo que
tendríamos una imagen simultánea. Es un único lancero pero desplazado y corrido hacia
arriba como si fuera una secuencia fílmica. El colo es apagado , con grises y marrones
apagados. Lo une con el cubismo analítico por el color y el sintético por el papel. El papel de
arriba a la derecha nos habla de la guerra.

Formas únicas de continuidad en el espacio. Diseño, 1913 y vaciado en 1931.

Hizo la escultura en yeso y barro y que será vaciada en bronce en 1931. Hay varias copias
alrededor del mundo en colecciones privadas y museos. La altura es de 1´1m , parece grande
pero es pequeña. Estuvo dos años estudiando mediante pinturas y dibujos la anatomía del ser
humano y como esta se transforma o cambia cuando se mueve. Lo hizo en relación con las
teorías estéticas de Henri Bergson. Para algunos es una réplica de la victoria de Samotracia,
aunque hay una gran diferencia por el material , distancia… pero sobre todo por que el
movimiento en la victoria viene por la ropa y en la de Boccioni es el propio movimiento del
cuerpo. Reconocemos uns er humano y un cuerpo deformado por la velocidad que parece
avanzar por una corriente de aire fría que congela sus músculos. EL rostro y los brazos han
desaparecido y no conocemos el sexo de la figura. Se ve una clara sensación de movimiento
mediante los distintos planos que se mueven y parecen salir. Se ha dicho que es un
antecedente del arte cinético y es la muestra de un cuerpo moviendose. A su vez influye a
oros autores como a Costas Varotsos en el Dromeas.

Carlo (Dalmazzo) Carrà (1881-1966)

Fue un decorador mural y con 18 años pinta pabellones en la exposición universal de París.
En 1900 va a Londres y aquí se pone en contacto con las ideas de Marx y Bakunin, de todos
los pintores futuristas él es el más político de ellos, primero como anarquista y después como
un ultranacionalista italiano. Estudió en la academia de Brera en Milán se unirá a los futurista
sen 1909, firma su manifiesto en 1910 y en París se va a acerca a la técnica del papier collés
como al cubismo. Tras la guerra se separa dle grupo futurista su obra se vuelve más clara y
acaba creando con Giorgio De Chirico la pintura metafísica. Conoce a Chirico en un hospital
de Ferrara, crean una escuela muy relacionada con el Quattrocento, este acabará haciendo el
manifiesto de la pintura metafísica.

Funerales del anarquista Galli, 1911.

Se encuentra en el MoMA, es una de sus obras más importantes y una de las representaciones
más importantes del futurismo. Es un cuadro de carácter político y que revela su ideología
anarquista y su preocupación social. El telón de fondo son los enfrentamientos en Milán entre
obreros y policías tras la muerte de Angelo Galli un líder sindicalista durante una huelga en
1906. La huelga era en una fábrica de algodón en la fábrica Hofman que pedían la reducción
de la jornada laboral a 10h Galli fue herido por una cuchillada de un guardia de seguridad y
muere por las heridas. Se dice que estas manifestaciones fueron en 1904 y el propio Carra en
una biografía dice en 1903 que asocia la obra a una huelga de 1904 que fue muy importante y
él mismo utilizó esta fecha ya que era mucho más referencial. También nos dice que el
recuerdo de esta escena dramática fue lo que le empujó a incluir en el manifiesto de la pintura
futurista la frase “pondremos al espectador en el centro del cuadro”. La mancha roja es el
ataúd del anarquista que se balancea y se ven distintas líneas de fuerza. Se ve la lucha de los
policías a caballo y los obreros. El ataúd da un poco de luz a una escena bastante oscura en
general creando un contraste y efecto visual entre la claridad y oscuridad dotando de un
carácter violento a la obra. Los colores son muy apropiados porque son los de la bandera
anarquista. La escena muestra un gran caos y movimeinto, por el uso de las líneas de fuerza
que forman un torbellino y que mueve a todo el mundo. Aquí solo destaca unas poas
personas, observamos algunas banderas negras de las lanzas, bastones… El conflicto se hace
porque los trabajadores quieren sacar el féretro del cementerio y mostrar a la gente que murió
Galli, la policía lo intentó impedir y acabó en problemas. Alfred H. Barr dice que este funeral
es tan clásico como una batalla de Uccello.

Manifestación intervencionista. 1914.

Es un collage sobre cartón se publicará en la revista Lacerba el 1 de agosto de 1914. En este
día Alemania declara la guerra a Rusia. Es una obra de propaganda ultranacionalista, se ve un
sentimiento patriótico exacerbado. En la pintura vemos distintas bandera italianas y algunos
eslóganes de tinte intervencionista. El collage lo entronca con el cubismo y un collage que
tiene un montón de recortes, palabras… que se difunden por todo el cuadro. Se ven palabras
en libertad. Parece hacer referencia al lanzamiento desde aviones de propaganda o panfletos
en una manifestación en la Piazza del Duomo en Milán, parecen caer haciendo giros como si
fuera una hélice o como si explotara una bomba y que cae en todas direcciones. Composición
circular en un collage sobre cartón con un montón de palabras escritas, sin representación
figurativa y recuerda a los discos de Delaunay. Otros hablan de que recuerda a la hélice de un
avión girando. En todo caso es un lenguaje abstracto. Se puede entender como un collage
verbal, técnica que inventa Marinetti, que consiste en usar palabras escritas con distintas
fuente tipográficas, tamaños… son poesías sin ningún tipo de puntuación ni sintaxis. Como
las palabras Zang Umb Tuum que hizo Marinetti. Aparece la palabra muerto en alemán. Se
ven tonos cálidos con amarillo y rosa.
Giacomo Balla (1871-1958)
Nace en Turín, era maor que el resto de integrantes del grupo y es uno de los precursores dle
movimiento , firman el manifiesto de 1910 y no expone con ellos hasta 1913. Presenta
actitudes teóricas como la publicación del manifiesto del traje madsculino y en 1918 firma el
manifiesto del color. Sus primeros cuadros están ejecutados con la técnica divisionista que la
aprende en París y será el encargado de llevar a Italia esta técnica, se la enseña a Boccioni y a
Severini. Después se ve influido por la Cromofotografía de los hermanos Bragaglia lo que le
hace aproximarse a partir de 1913 a la abstracción. Al final de su vida retorna a la figuración
más realista como en su obra La Hija del Sol de 1933, cuando el futurismo se empieza a
revalorizar. En 1913 subasta su obra realizada hasta entonces dice que Balla “ha muerto” y
renace como Futur Balla o Balla futurista. A partir de entonces extiende los principios
futuristas a todos los aspectos cotidianos. Pinta, esculpe, talla, hace muebles… Diríamos que
diseña una nueva visión de la vida y los colores nos indican que quiere reconstruir el universo
alegrándolo y recreandolo integramente. Hace la reconstrucción futurista dle universo que es
una exposición de 1915. A partir de este momento empieza a hacer elementos movibles
hechos con papel, cartón, plástico… que llamará complejos plásticos y desde 1917 es otro de
los escenógrafos que diseña escenarios para los teatros de Diaghilev.

Muchacha corriendo en el balcón. 1912-3.

Lo hizo en DUsseldorf donde decoraba la casa de Löwenstein en esta ciudad. El balcón es el
de su casa y la modelo es su hija Luca. En Dusseldorf hace la obra Mano del violinista de
1912 que sería el dueño de la casa Arthur. Tras su estancia aquí empezó a hacer obras
abstractas. Es una obra muy estudiada y meditada con muchos bocetos. Los estudios de los
hermanos Bragaglia y de Etienne-Jules Marey le hace interesarse por el movimiento y la luz
procede de la estancia en París donde conoció el divisionismo de Signac y Seurat. La obra se
compone de pequeños fotogramas o teselas de mosaico de la niña. El tema se disuelve
totalmente en el color con el apoyo de la multiplicación de las formas. Balla lo hace bien,
consigue crear ese movimiento de la niña por el balcón y los espectadores seguimos ese
movimiento que marcan las botas. Todo se funde en una superficie de colores brillantes y
vivos.

Dinamismo de perro con correa. 1912

Se encuentra en USA en Buffalo. Es una de sus obras más conocidas. Es un perro Teckel que
sería como un perro salchicha paseado por su dueña de la que solo se ve la falda y los
zapatos. Para sugerir el movimiento plas pata del perro se multiplican de tal forma que parece
un ciempiés canino. Lo mismo ocurre con los pies de la mujer que parece que tiene varios
pares de zapatos, la cadena también da vuelta y parece que hay varios. La figura principal es
el perro y establece una parodia entre la relación del hombre con el animal y en cierto modo
caricaturiza esa sociedad italiana anquilosada en la que la burguesía y la clase media alta
comienzan ahora a comprar mascotas y pasearlas como un reflejo de estatus, riqueza recién
adquirida… Se exploran los efectos ópticos del movimiento, como lo hacen las fotografías de
Marey o los Bragaglia. EL paseo se produce por una calzada rayada y es una obra muy
monocroma, solo aparece el negro, marrón y un pcoo de rosacio. Todo simple, pero que
refleja de gran manera el movimiento.

Gino Severini (1885-1965)

Nació en Cortona, de origen modesto y discípulo de Balla tiene un gran papel en el futurismo
porque recibirá vivirá en París desde 1906, se casa con la hija del poeta Paul Fort y aquí entra
en contacto con los cubistas, Apoliniere… se convertirá en el más cubista de los futuristas,
pero se inicia en el puntillismo o divisionismo como sus compatriotas. Se convertirá en el
intermediario entre los francés y sus compañeros. Se centra en el baile principalmente que le
permite transmitir el dinamismo que intenta captar. Espectáculos de la vida nocturna, guerra,
trenes… él se muestra más sensible y esto le lleva a discutir con Marinetti por querer hacer
un arte más simbólico a partir de 1916 empieza a separarse del grupo. Después de la IWW
vuelve al orden y escribe la obra del cubismo al clasicismo donde ilustra el camino de vuelta
o de retorno a la tradición. Trata temas como bodegones, polichinelas… Hace pinturas
morales y mosaicos. Hace grandes proyectos de la arquitectura fascista. Musollini mandó
construir muchas cosas y Severini fue encargado desde los 30 de decorar con sus mosaicos
Roma, Milán… Al finalizar la IIWW y adopta una estética postcubista como los músicos ,
que recuerda a los 3 músicos de Picasso. Hace ilustraciones y hace obras de orfebrería.

Bailarina azul. 1912.

Es un tema muy presente en su producción, destaca porque introduce el tema femenino en su
producción. Es de los pocos que introduce el tema femenino en su obra. Estas mujeres son
bailarinas. Se habla de que quizás por el tipo de vestido podría ser una bailaora. flamenca y se
habla de que tal vez se deba a esa amistad con Picasso y Juan Gris que le influyen como se
puede ver en la obra. Son rostros y brazos en diversas partes, multiplicidad de puntos de
vista. Los puntos que aparecen en los vestidos con lentejuelas reales. hace referencia al
collage. Se ve la reducción cromática, domina el azul sobre un gris blanquecino que parece
una humareda. Un color y una contraposición de colores que acentúa la sugerencia del mundo
frenético de la danza. Efectuada por una figura de composición triangular. Se ve el
simultaneismo propio del cubismo.

Jeroglífico dinámico del Bal Tabarin. 1912.

Es un local del París de los inicios del siglo XX. El autor ve en esta obra las posibilidades que
ofrecen los salones de baile para representar una experiencia multisensorial. Se ve un
ambiente bullicioso con mujeres bailando con una rubia y una morena, vemos diversos
clientes , camareros… es una obra con un toque dadaísta o irónico ya que introduce como un
collage fragmentos naturalistas de forma sorpresiva o irónica anticipando en cierta medida el
espíritu burlón del dadaísmo. Vemos una mujer desnuda que cabalga sobre una tijeras junto a
la palabra bowling (bolera). Hace referencias a hechos contemporáneos, un áraba que monta
un camello que se referiría a la guerra turco-italiana de 1911. Hay banderitas de diversos
paises que remiten a cierto sentimiento patriótico. Es una muestra de la suma del futurismo,
cubismo y la experiencia simultaneistas, que es visible en el abandono de la perspectiva
tradicional, la descomposición de los cuerpo en fragmentos. Planos del color traslúcidos que
remiten al colorido del orfismo… En este sentido los cuerpos se descomponen indicando
movimiento,pero conservan fragmentos naturalistas que pretenden transmitir emociones.
Todo ello quiere transmitirnos lo que están viviendo los personajes. El ruido de la música , el
biala (aparece Valcse, Polka…).. que indican el ritmo trepidante del local. El futurismo se
denominaba como el cubismo con color y esta sería una referencia a esto.

La revuelta. 1911.
Como en la muerte de Galli es también una manifestación , donde se ven muchas líneas de
fuerza. Una cuña roja rompe la ciudad.

La abstracción geométrica:
A partir de la fotografía los artistas se comienzan a cuestionar cuál es su función, la razón de
ser. El cine liberaba a la pintura de contar historias. Otros inventos nuevos como el
telescopio y el aeroplano permiten otras visiones y también influyen en que los artistas
cuestionen su razón de ser. En la abstracción va existir una formulación teórica, un ensayo
de 1908 de Wilhelm Worringer (filósofo alemán) titulado “Abstracción y empatía”.

Hay preferentes artísticos de la abstracción como el arte prehistórico o el románico ya que

buscan que sus imágenes transmitan mensajes, vivencias esenciales. El romanticismo es un
movimiento que tiende a la subjetividad de la emoción frente a lo convencional de la
realidad. El movimiento simbolista que frente a la realidad tiende a mensajes simbólicos. El
impresionismo con Monet, el postimpresionismo de Van Gogh y Cezanne por la
simplificación de formas, los puntillistas, el orfismo de Delaunay y Frantisek Kupka.
Algunos de estos autores vinculaban este arte abstracto con la música, para algunos la
música sería el arte abstracto por excelencia.

Hay tres posibles orígenes de la abstracción:

1. La históricamente correcta, la canónica. Vendría de la propia evolución de la pintura a
partir de Monet. Esta opinión es la defendida por Alfred H. Barr, director del
MOMA, y la mantuvo en una exposición muy importante inaugurada en 1936
titulada “Cubismo y arte abstracto”. Esta idea la mantiene también Herbert y
Kazimir Malevich.
2. Otro enfoque más reciente que surge a partir de la exposición celebrada en los ángeles
en 1986 titulada “Lo espiritual en el arte. Pintura abstracta 1890-1985”. Relacionan
 esta pintura con lo espiritual. Hilma af Klint. El arte cumplía un valor subliminal de
los instintos. Pensaban que arquitectura, escultura, pintura, literatura y música eran
el equivalente reflejo de los cinco estadios de la evolución de la humanidad que
serían la masa, el grupo, el individuo, la inteligencia y el alma.
3. Subraya las relaciones existentes entre lo abstracto y el lenguaje decorativo.

Aunque la abstracción no va a ser un movimiento único marca una ruptura con el arte
anterior. A partir de ahora la pintura no tiene por qué ser un medio de conocimiento ni
representar nada concreto sino reflejar sentimientos o emociones muchas veces subjetivas.
Así es como el objeto va perdiendo importancia frente a la forma y el color. Malevich en su
obra “Del cubismo al suprematismo” decía respecto al suprematismo que su objetivo era
apartar las ideas artísticas, los conceptos y las imágenes, para alcanzar un desierto en el que
nada pudiera percibirse sino sentirse. Todos estos movimientos lo que hacen es eliminar lo
superfluo para alcanzar una verdad, un lenguaje, una belleza universal. En exposición de
cubismo y arte abstracto del MOMA se destaca a Mondrian como el máximo exponente de
la abstracción geométrica mientras que los representantes de la abstracción lírica serán
Kandinsky y Joan Miró. Un autor dijo que se trataba de la forma del cuadrado enfrentada a
la silueta de la ameba para diferenciar una abstracción muy geométrica de otra más orgánica
como la de Miró o Kandinsky. La corriente principal de la abstracción va a ser la geométrica
que en cierta medida tiene un contenido espiritualista, filosófico.

NEOPLASTICISMO

Se desarrolla entre 1917 y 1931 y supone un enfoque novedoso en las artes plásticas
pensadas para una nueva sociedad. Una sociedad que ha sufrido una catástrofe y debe
reinventarse y crear una nueva visión del arte que para los componentes de este grupo
pasaba por crear un estilo internacional que diese lugar a una unión entre arte, cultura y
vida. El término lo utiliza por primera vez Mathieu Schoenmaekers en su obra “La nueva
imagen del mundo”. El nombre, de styl, también es el nombre de la revista del movimiento,
creada por Theo Van Doesburg. Tiene noventa números y en ella van a aparecer diversos
documentos teóricos acerca de los objetivos del nuevo movimiento. Son importantes dos
prefacios y tres manifiestos entre 1917 y 1921. El más importante es el primer manifiesto
del estilo de 1918 firmado por varias personas. Los dadaístas también publican uno de sus
manifiestos en esta misma fecha pero a diferencia de los dadaístas que querían destrozar el
arte, los neoplasticistas querían renovar el arte a través de la racionalidad plástica. Su
objetivo era llegar a todos los públicos, crear un estilo que fuera único y que se pudiera
aplicar a todas las manifestaciones artísticas con una estética simple, ordenada. Para ello
recurren a un lenguaje visual impactase y por ello reducen los elementos de la
representación a lo más básico que son el color, la forma y la línea. Así, van a buscar un
diálogo entre lo horizontal y lo vertical, lo claro y lo oscuro, lo grande y lo pequeño y para
ello van a utilizar tres colores básicos: el amarillo, el azul y el rojo. Utilizando además de
esos colores primarios los llamados los no colores: el negro y el blanco. Gompertz dice que
es como un lego para adultos.

El núcleo fundacional del movimiento lo constituyen: Vilmos Huszar, Piet Mondrian, Theo
Van Doesburg, Jan Wils y J.J.P. Luego se van a unir otros como Bart Van Der Leck (de
quien pudo tomar Mondrian el uso de los tres colores primarios), el arquitecto Gerrit
Thomas Rietveld y el escultor George Vantogerloo.

El neoplasticismo se da cita con otros movimientos como el dadaísmo o el bauhaus pero los
diferencia que los neoplásticos quieren alcanzar ese ideal desde una perspectiva más
espiritual. El plan que se plantean los neoplásticos es la de la conformación de una nueva
sociedad y para ello pretenden partir de lo más básico, la planificación urbana, y de ahí iría
abarcando el resto de campos que conforman el medio humano. Lo que pretenden es
alcanzar todas las unidades de la vida humana desde el diseño de una casa y el contenido de
la misma, pasando por la tipografía, el diseño de un libro, etc. para ellos no existe distinción
alguna entre una casa y una caja de cigarrillos porque aspiran a conquistar todos los ámbitos
de la vida humana. Querían unir todas esas disciplinas, abolir esa jerarquía, para crear un
nuevo arte, un nuevo mundo. A diferencia de los dadaístas, los neoplasticistas no se
vinculan a ningún movimiento político. Por contra, piensan que la belleza, este nuevo estilo
con el que se va a alcanzar la belleza, ya sería bastante. Piensan que a través de su arte con
esa idea de belleza y bienestar se va a conseguir satisfacer los deseos de la humanidad. Para
lograr todo esto, esta nueva visión del mundo y del arte, van a utilizar unos elementos muy
básicos. El lenguaje neoplástico es muy básico porque ellos piensan que es necesario
abandonar todo lo que es superficial, secundario. Pretenden suprimir la naturaleza, la
realidad. Buscan el cruce de esas líneas verticales y horizontales que tiene un simbolismo.
Piensan que ese cruce es la síntesis más perfecta del equilibrio, de la esencia de la belleza,
de la pureza absoluta. Para ellos las líneas verticales simbolizan la vivacidad y las
horizontales la tranquilidad. La vida y la muerte, el bien y el mal, el color y no color. A este
cruce de líneas añaden una serie de colores vivos pero muy escasos también y teóricamente
el espectador a través de la diferente colocación de las líneas y los colores debería
experimentar sensaciones diferentes. Va a tener seguidores como el arquitecto Frank Lloyd
Wrigth, Cesar Domela, Marlow Moss y Katarzyna Kobro que realiza junto a Wladislaw la
sala neoplástica.
Piet Mondrian (1872-1944)

Se le considera el miembro más importante del grupo, también es teórico. Nació en una
familia religiosa, calvinista, bastante rigurosa, y se dice que sustituye ese tipo de religión
por otra variante más mística. Inicia su carrera pictórica en la academia de Amsterdam que
realiza una pintura de corte naturalista. Realiza obras que podemos relacionar con el
fauvismo como “Molino al Sol”, con el simbolismo, también tiene un acercamiento a
Munch con obras como “Bosque cerca de Oele” de 1908 para después introducirse en el
cubismo analítico. La influencia del cubismo se inicia cuando asiste a una exposición en
Amsterdam de autores como Cezanne, Braque o Picasso. Se traslada a París y vuelve
después de la guerra mundial. Sus obras se relacionan con ese cubismo analítico de colores
apagados como “Paisaje con árboles”.

Investigando un elemento natural como un árbol vemos la evolución de una obra cercana al
fauvismo “el árbol rojo” de 1908 hasta la abstracción geométrica de “Composición (árbol)”
de 1913, pasando por “El árbol gris” y “Manzano en flor” de 1912.

Dice que el laberinto de las casa de París era muy apropiado para escribir experiencias
cotidianas en las redes cubistas. Vemos cómo reduce elementos también en la
representación de la fachada de la Iglesia de Domburg. En la posterior sería, dedicada al
mar, retoma la pintura paisajística y se da cuenta de que hay paisajes en su tierra, en
Holanda, que se adecuan de mejor manera a su ideal de pintura porque la naturaleza puede
ser uniforme, podía repetirse. Sus cuadros ya son de muy pocos elementos, como en el caso
de “Composición n 10 (Muelle y océano)”. Suelen ser sobre fondo blanco o crema y en
ocasiones puede introducir algo de color.

Como filósofo que era pensaba que la belleza era reposo, paz espiritual y que está serenidad,
está tranquilidad se conseguía a través del equilibrio entre fuerzas opuestas. Crea un
lenguaje pictórico formado por parejas de opuestos: la línea vertical (la más clásica), la
horizontal (femenina), signos de más y menos, colores básicos. El negro lo suele utilizar
como sujeción de los cuadrados de colores. Podemos decir que una pintura reticulada es
igual a la neoplástica. Hay ejemplos de pinturas con disposición romboidal. Utiliza cintas
adhesivas de colores para las composiciones.

Abandona el grupo porque no acepta la introducción de la línea diagonal en la estética

neoplástica ya que para él aludía a lo trágico y aportaba inestabilidad.

Composición I:

Lo hizo en 1931. No suelen tener títulos complicados, ya que no expresan lo que quieren
decir. Es un ejemplo de la nueva estética y de búsqueda de un arte depurado con elementos
ordenados, que se oponen a las líneas curvas que representan a la naturaleza. Es una obra
que busca un equilibrio entre líneas verticales y horizontales. Tiene una escueta paleta
cromática compuesta por el rojo, azul (colores primarios), blanco y negro (no colores).
Abstracción total que renuncia a cualquier referencia a la realidad. Se sabe que la realizó en
París y pertenece a su etapa más clásica de este pintor. Sintetiza al máximo los elementos,
busca el orden y la pureza que era para él el arte absoluto. Es una composición asimétrica,
la línea horizontal no está en el centro, sino un poco a la izquierda. Sus divisiones se abren
hacia el marco y además se ve un contrapeso entre los diferentes planos y colores. Se ven
zonas de color en la parte inferior y zonas blancas arriba. Si los colores estuvieran arriba la
composición se vería más pesada.

Broadway Boogie- Woogie

Sigue manteniendo una estructura lineal, que son horizontales y verticales. Además, sigue
utilizando colores primarios, la pintura pierde rigidez y parece tener mayor ritmo y libertad.
Prescinde de la línea negra que utilizaba en la obra anterior, esto hace que la obra parezca
más ligera. Además, elimina el antagonismo y la lucha entre el color y no el color. Sustituye
las líneas negras por una secuencia rítmica o teselas (mosaicos) de color que consigue dar a
la composición sensación de movimiento. La obra se ha interpretado como un plano aéreo o
una vista aérea de las calles americanas que son muy cuadriculadas y bien ordenadas, como
la de Manhattan donde se encontraba la zona de los teatros. Una visión que nos retrotrae a
los edificios altos de las ciudades y las colores serían las luces y el dinamismo de la propia
ciudad.

Victoria Boogie Woogie.

Obra inacabada que nos recuerda a la obra anterior, tiene forma romboidal. Su título podría
hacer referencia a la victoria de lso aliados frente el nazismo, también se ve como los
colores son cintas adhesivas y la obra está inacabada. Al llegar a USA descubra la cinta
adhesiva y hace otras obras con este material como New York City I o III. Utiliza cintas de 3
colores para realizar la obra. Solo pinta cuando ve que ha puesto bien la cinta y la obra
queda compensada.

Theo Van Doesburg

Fue dadaísta. Igual que Mondrian realiza una serie, en este caso de una vaca, donde vemos
esa evolución.

Vanguardia Rusa:

En estas vanguardias veremos el constructivismo y el suprematismo. En Rusia había varios

mecenas que apoyaban el arte como son: Morozov, Shchukin o Tretiakov. Rusia a principios
del siglo XX era un país atrasado en lo social , pero que estaba muy al día en cuanto a las
experiencias vanguardistas de la Europa occidental. Un primer factor fueron los mecenas
anteriormente citados que estaban muy interesados por el arte vanguardista e innovador del
momento. Son empresarios textiles y por sus viajes a París o por tener trato con galeristas
como Vollard o Kahnweiler se hacen con una gran cantidad de obras que decoran sus
palacios. Estas casas se abrían al público y a artistas rusos que pudieron apreciar de primera
mano muchas obras de distintos artistas de vanguardia. Hay artistas como Mijail Larionov,
Natalia Goncharova o Vladimir Tatlin que por su cuenta viajaron a París y a distintos
lugares de Europa por lo que traen las nuevas tendencias. También hay diversas revistas de
arte y empiezan a surgir grupos de personas que han viajado como la Sota de diamantes que
está viva entre 1910 y 1917 o el grupo cola de asno. Otro factor son las grandes ciudades
como Moscú o San Petersburgo que tienen una intensa actividad cultural que genera
intercambios de artistas, obras y exposiciones. Así acuden a estas ciudades nombres como
Marinetti o Boccioni que dan charlas en esta ciudad. En este ambiente surgen el
cubofuturismo (Alexander Shevchenko), el rayismo (Larionov), pero lo que surgen a partir
de 1915 son dos corrientes importantes. Estas parten del cubismo y del futurismo.
Suprematismo liderado por Malevich un movimiento centrado en la práctica pictórica,
aunque su lider y otros miembros hacen proyectos de edificios, ciudades, decoraciones para
vajillas, telas, motivos suprematistas… La otra corriente es el constructivismo cuyo líder es
Vladimir Tatlin. El suprematismo tiene un ideario supremacista u oníricas y los
constructivistas ven el arte para el pueblo.

Kasimir Malevich (1878-1935)

Opina que hay que superar toda relación con la naturaleza y llegar al arte puro que sería la
abstracción. Entra dentro de la abstracción geométrica y podemos llegar a hablar de
abstracción casi pura. Malevich pone a Rusia en puestos de liderazgo de la vanguardia en
cuanto al arte. Como otros maestros que hemos visto en la asignatura experimenta una
evolución que finalmente le conduce al suprematismo, pero después experimenta con la
llegada de Stalin pasa a una pintura más figurativa donde se exalta la figura del
proletariado. Este empieza a trabajar en Kiev y en 1904 se asienta en Moscú, donde conoce
a distintos artistas. Sus primeras obras se ven influenciadas por la series de Monet,
tendríamos un periodo breve donde sería impresionista entre 1904-5. Después tiene una
etapa simbolista como es el cuadro de la Oración de 1907. Luego tiene una etapa fauvista
como se ve en sus obras el Bañista y el Jardinero.

Desde 1911 comienza una etapa primitivista o neoprimitivista. Los rusos se inspiran en sus
elementos tradicionales como los iconos religiosos o los llamados Lubki, que son grabados
hechos en madera y después coloreados que decoran las casas rusas. Estas nos muestran
escenas populares. A estos Lubok les añade el color fauvista y en esta etapa pinta escenas
campesinas del dia a dia, como la recolección o campesina con cubos y niño, esta fase
termina en 1912. Se ven campesinos representados mediante cilindros (Cezanne), escenas y
las figuras suelen tener brillos metálicos.

Después de esta etapa le llega una etapa breve cubista juntada con futurista. Descompone
los volúmenes y a ello le une el movimiento y el dinamismo. Escoge temas en las que hay
movimiento como el afilador. Esta fase es muy clave para su posterior estilo ya que marca
un camino hacia la autonomía de las formas.

Mención aparte merece su serie de pinturas alógicas que son una traslación a la pintura d
eun tipo de poesía del mismo nombre que es una poesía disparatada no racional que tenía
cierto poso entre los poetas rusos. En estas mezcla elementos realistas que se superponen
con figuras de índole cubista sin que tengan muchas veces ningún tipo de relación entre
ellas. Añade a estas imágenes realistas elementos de collage.

Malevich aprende que es mejor utilizar pocas formas geométricas, pero utilizarlas bien. Así
lo deja saber en un tratado de la Bauhaus de 1927. No expone obras publicamente hasta
1915 en la exposición Zero-Ten en San Petersburgo. En este año escribe el libro Del
cubismo al Suprematismo, es considerado el manifiesto del suprematismo. Aquí aparece
explicada su nueva teoría artística lo hace en colaboración con Maiakovski. Para él el
supremacismo es la abstracción pura. Donde se entiende la supremacía de la sensibilidad
pura en las artes. Para Malevich el reconocimiento de lo representado es una distracción
para los sentidos, un alejamiento de lo que en realidad es el objetivo original del arte.
Manifestar la pura sensibilidad, aquello que va más allá de lo real. Pretende un arte no
objetivo en el que sin intrusismos técnicos, sin figuración, sin simbolismos… se puede
encarnar la esencia misma del arte. En el simbolismo su teoría falla, a los colores les
atribuye un cierto significado por lo que si hay simbolismo. El blanco transmite la idea de
realidad, el negro los efectos que esta ejercen sobre el artista y el rojo sería el color en
general. Para conseguir esta sensibilidad pura, elige optar por un reducido número de
formas geométricas, cuadrados, círculos rectángulos… Igualmente con una escasa paleta
cromática, como los neoplásticos. En general fondos blancos sobre los que parece moverse
figuras de colores negros, rojo en principio a los que luego va añadiendo otros colores como
el verde o el azul. Tampoco usa marcos, ya que son limitadores y cierran la pintura. En su
obra destacan: Cuadro negro sobre fondo blanco. 1915. donde se ve la abstracción
geométrica, que la nombra como el icono de nuestro tiempo. En la exposición 0.10 y en las
siguientes lo coloca en la esquina, donde en los hogares rusos se coloca el icono religioso.
Otra obra donde nos muestra la síntesis es el cuadrado sobre fondo blanco de 1917-18.
Indica el final del movimiento, aunque él siguió siendo un referente en el arte sovietico a
través de sus discípulos, los cargos que desempeñó… Al final de su vida retorna a la
figuración, aunque se piensa que sigue haciendo no figurativa y les pone fechas posteriores
para que las autoridades no se enfaden con él.

Cuadro negro sobre fondo blanco. 1915.

Es el ejemplo máximo de la abstracción geométrica. La tituló también como el icono de

nuestro tiempo y se colocaba donde en las casas rusas se colocaban el icono, se le solía
llamar el rincón rojo o bello. En otros lugares no tiene ni nombre. En la exposición original
los cuadros que le acompañaban se ponían en torno a este. Aunque parece una superficie
liso, no lo es. Ya antes de hacerlo se pueden observar distintos elementos en su obra que nos
dan indicios de la creación de esta obra. Hizo una ópera futurista (Victoria sobre el sol de
1913) y en el diseño para el telón nos muestra un cuadrado partido en dos que nos muestra le
día (blanco) y la noche ( negro). También aparecería en obras como el sepulturero. Le podía
influir la Ventana en Collioure de Matisse. También la obra de Robert Fludd de 1617 que ns
habla de la metafísica tiene un cuadrado negro en la que abajo se escriba así hasta el infinito.
Otro ejemplo es el emblema del pintor o la obra de Laurence Sterne donde aparece una hoja
en negro. Al restaurarlo se hicieron una radiografías y se encontró un mensaje que se
relaciona con el álbum de humor de Alphonse Allais. Que son una serie de grabados de
colores planos con mensajes.

No solo se le llama icono por la colocación, sino por el punto d epartida que podía suponer
el cuadro para reflexionar sobre la pintura. Serviría para decir que todos los logros de la
pintura desde el renacimiento como la perspectiva, eran cosas del pasado que ya no tenían
nada que ver con el arte del futuro. Para él el arte futuro consistía en restar o quitar todo lo
superficial, banal… de las representaciones artísticas. Las representaciones deben de tener
un significado más allá de lo que vemos. Visualmente no es complicado, es lo que se ve.
Pero a su vez su simplicidad hace complicado la explicación de esta. Para él el cuadrado es
el origen de todas las formas, tanto que si los mueves rápido creas el círculo, si lo partes
aparecen rectángulos, si juntas estos una cruz… es la semilla de todas las formas. Es un
símbolo abierto, el que se siente y lo vea debe asumir eso, que es un cuadro simple, es un
elemento para inspirar nuestra memoria visual y sensorial. Se podría ver como una cosa
simple que nos llevaría a un icono, mosaico o algo simple. Si vamos a lo espiritual piensa
que aquí se podría ver lo que tu quieras ver. El arte tiene que ver con la sensibilidad, no
tiene soporte y tiene que ver con mentes capaces de procesar el mensaje que nos manda el
autor a través de la pintura. Otros autores como Ad Reinhardt siguieron el camino de
Malevich como la Pintura Abstracta º5 o Mark Rothko en su capilla Rothko.

Cuadrado blanco sobre fondo blanco. 1917-8.

Es al obra más significativa de Malevich, la obra más suprema del suprematismo. Es la
culminación de los experimentos de Malevich con una sola figura. Ha experimentado mucho
y durante un tiempo hasta los años 30 deja de pintar y se dedica a la enseñanza.Luego vuelve
a retomar su pintura. Es una obra muy simple y se ha tomado como el asesinato a la pintura
por su carácter minimalista, pintura reducida a lo mínimo a lo que queria Malevich. Nos
encontramos ante una obra que es una síntesis de color y forma iniciada por el cubismo y que
Malevich lleva al extremo. Se ve una gran economía de colores, blanco sobre blanco y de
formas un cuadrado sobre un cuadrado. Se nota la intervención del artista ya que no es una
línea recta entre los cuadrados. El color aunque es un blanco el cuadrado que parece flotar
tiene un tono más cálido. Se reafirma en su propia materialidad, el propio cuadro tiene su
valor. Es la esencia misma del arte puro y la supremacia de la sensibilidad, sin concepto, sin
objeto y sin marco. Es una obra casi mística que transmite un mensaje de difícil explicación
sería algo que va más allá de la lógica nos habla del infinito y la nada. No hay ni arriba ni
abajo, no hay espacio tiempo. El cuadro que flota nos hablaría de sensibilidad, el fondo
blanco la nada y que esté inclinado nos hablaría del movimiento. Se ve un interés por lo que
se ve desde arriba y abajo. En este sentido se habla de que Malevich está interesado en la
fotografía aérea es por eso que puede tener esa sensación de flotabilidad, que haría alusión a
esa visión aérea. Con esta obra para superar el revestimiento azul del cielo, nada en el abismo
libre el infinito está ante tí.

Su forma monocroma ha sido muy imitada y también ha sido criticada. Lleva al límite la
abstracción. Reconceptualiza la idea de arte. Es el primero que a través de las investigaciones
llega a esta idea y por eso recibe una gran cantidad de críticas. Son obras que detrás de sí
tienen una gran teoría y abre el camino para futuros artistas como Rothko.
Constructivismo.
Nace en 1914 y duraría hasta 1930 hasta que Stalin impone una nueva visión del arte ruso en
el que imperan atletas, campesinos, maquinaría, logros del Estado… Se desarrolla sobretodo
en la decada de los 20 en un ambiente de ideología izquierdista, ya que acaba de haber una
revolución que ha acabado con los burgueses por lo que es un arte antiburgués y también
promueve una nueva sociedad yendo más allá del arte basada en la tecnología, industria…Se
le puede denominar como el arte total , ya que los constructivistas defienden un arte total por
lo que se convertirán durante un tiempo en el arte oficial Ruso (URSS). Estilísticamente los
orígenes se deben buscar en el cubismo, en esa descomposición de los objetos en planos ,
pero también en el futurismo por la suposición de formas y planos también el dadaísmo por el
uso de todo tipo de materiales y la estética maquinista de ambos movimientos. A diferencia
del futurismo el constructivismo acepta a las mujeres, eran artistas pero de forma un tanto
inferior.

Intelectualmente el poeta Vladimir Maiakovski es la persona que les influye y también el

teórico Aleksei Gan que escribe el libro Constructivismo. Otra característica es que quiere dar
forma visible al espacio. En ocasiones también se le llama arte espacial porque sus obras
surgen de elementos geométricos, planos , líneas… que pretenden estar en comunicación con
el espacio e intentan evitar solo un punto de vista. La idea de servir a una nueva sociedad se
ve en la mayoría de sus proyectos que son de arquitectura, diseño industrial, diseño de
mobiliario, escenografías (celebraciones de la revolución), la publicidad…. Sus obras tienen
un carácter utilitario, son obras de arte no para estar en un museo. Se ve experimentación con
nuevos materiales, la industrialización… es un arte social, total y al servicio de la sociedad.

Estos artistas conseguirán exponer por Europa como por ejemplo en Berlín. Estos juegan con
tipografías diferentes en sus carteles. Vladimir Tatlin es una de las figuras principales del
movimiento. Su ideal es que la obra debe participar en la vida y la construcción del mundo.
Otros nombres son Rodchenko (anticipa a los móviles de Calder), Varvara tepanova ( diseña
ropa), Lyubov Popova o El Lissitzky.

Desde otra óptica a favor del arte experimental y puro tenemos a los hermanos Pevsner.
Naum Gabo y Antoine Pevsner. Son escultores y escribieron el manifiesto del Realismo en
1920.
Vladimir Tatlin (1885-1935)
La relación con el movimiento es tan clara que según muchos autores la palabra
constructivismo aparece en torno a 1913-4 en relación a unos relieves llamados relieves de
esquina o de rincón hechos por este autor ruso. Sone sculturas de pared realizadas con
materiales de deshecho, hierro, acero, alambres, madera, cristal… En un principio no
pretenden representar algo en concreto. Es un estudio de diferentes formas con el espacio.
Tatlin comienza la relación con estas obras en un viaje que hace a París donde visita el taller
de Picasso. Picasso trabajaba en una serie de escultura con materiales de deshechos (madera,
alambre, cartón) en las que como Tatlin estudia la relación espacial de los materiales.
(Construcción con Guitarrista y violín, 1913). También se inspiraría en Boccioni o Braque
que serían las bases para sus esculturas.

Para él la escultura y la pintura tienen el mismo valor, ambas son construcciones. Llega a
utilizar los mismos materiales y también utiliza las mismas ideas en la arquitectura como en
el monumento a la III Internacional. Esta edificación se movería.

Tatlin a diferencia de Malevich piensa que el arte debe servir a la sociedad, para Malevich se
debía anteponer a la sociedad. Para Tatlin el arte y la industria se debían unir para favorecer
al pueblo. Creó un horno industrial que generaba energía, diseña ropa especial para el trabajo,
ropa de uso normal… No estaba interesado en la apariencia estética del diseño, sino que fuera
una ropa duradera, fácil de lavar y cómoda. Al final de su vida acabo investigando a Da
Vinci y sus experimentos de vuelo, por lo que creó su Letatlin que era una especie de
bicicleta aérea a modo de planeador.

Relieve de esquina. 1914

Está hecha con distintos materiales a modo de collage que se inspira en las ideas de Boccioni
de su manifiesto futurista de 1912 y que recuerda a los ensamblajes de madera y relieves de
Braque y Picasso. Tatlin es uno de los primeros responsables de utilizar nuevos materiales en
la escultura pensaba que hacer la escultura es crear formas a través del material. Se llaman
relieves de esquina o de pared y contrarrelieves. Marcan el inicio del constructivismo.

Juega con la esquina y ese espacio que queda en la esquina. Gracias a diversas fotos se han
podido reconstruir. Es un relieve que juega con el espacio real y el ilusionista. Juega con la
sujeción del espacio, no pretende representar nada concreto simplemente juega con las
formas. Pretende jugar con la tensión de los cables,es una obra abstracta no representa nada
concreto y la obra de arte no pasa a ser considerada por su belleza o lo que representa, sino
por su disposición, materiales…
Monumento a la III Internacional. 1919.
Fue un encargo del comisariado de cultura. No se llevó a cabo el proyecto, fue solo una
maqueta. Iba a tener una altura de 300 o 400 m iba a tener color rojo, realizado en acero y
cristal. Se situaría en San Petersburgo al lado del río Neva. Debía ser más alto que la torre
Eiffel. Lo importante del edificio es que es pionero en la concepción del edificio como un
espacio plural y dotado de movimiento. Tiene una estructura exterior en espiral y dentro de él
, consta de la superposición de 3 cuerpos geométricos que son un gran cilindro, una pirámide
y otro pequeño cilindro que sería el más pequeño. Sería un edificio acristalado y tendría
distintas salas de conferencia. Sería un edificio de muchos usos. En la pirámide se
encontrarían los espacios para el órgano ejecutivo del Komitern. La parte más pequeña sería
el centro de comunicaciones donde estaría el telégrafo, la radio, los altavoces para lanzar
mensajes y un mecanismo que lanzará imágenes al cielo. Estos cuerpos se moverían con una
cadencia diferente. El cilindro girará una vez al año, la pirámide una vez cada mes y el
cilindro pequeño al día. Representaría un faro que alumbraría a un mundo nuevo, es también
un edificio utilitario y de gran belleza, también se podría entender como una síntesis de la
antigüedad (si lo entendemos como una especie de Zigurat) y la modernidad (Torre Eiffel).

Lazar Markovich Lissitzky (1890-1941)

Es arquitecto , pintor, diseñador gráfico, tipógrafo y también aporta en el mundo de la
fotografía. De origen judío, como se ve en las primeras ilustraciones que hace para cuentos
como la historia de la cabra. Estudia arquitectura en Alemania y él pensaba que el arte noe ra
más que una estación de paso hacia la arquitectura. Viaja por Europa, participa en las
vanguardias y vuelve a Rusia, donde forma parte de la cultura revolucionaria. Entra en la
escuela que funda Chagall en su localidad natal, Vitebsk. Da clase de arquitectura y obra
gráfica. La escuela se llama instituto de arte popular de Vitebsk. Siente la influencia
suprematista de Malevich y entra a formar parte del grupo de los Unovis (promotores o
mensajeros). Con este acercamiento a Malevich, también se implica en la revolución, la
propaganda al ejercito revolucionario y esto se ve en la Obra golpead a los blancos con la
cuña roja de 1919-20.

Influido por Malevich inicia una transición hacia un arte no figurativo. Sus obras más
conocidas son los llamados PROUN, que nos trae una renovación del arte, serán el centro de
sus obras. Tanto en pintura, grabados, dibujos… Él habla que son un estadio intermedio entre
pintura y arquitectura. Es su principal aportación al mundo del arte no objetivo. Esos dibujos
relacionados con la arquitectura dan lugar a una obra de arte total en los espacios PROUN
que hoy en día están desaparecidos, pero de los que se han hecho distintas reconstrucciones.
Son espacios arquitectónicos transitables en el que se proyectan esas pinturas PROUN.

Fue también diseñador gráfico de carteles, libros, revistas, publicidad…Ligado con los
espacios Proun es la idea de los museos vivos, que es denominada como gabinete abstracto.
Fue destruido por los nazis en 1937, se expuso en la exposición de arte degenerado y después
destruido. Influye en el cine abstracto, fotografía…

Su obra tuvo cierta influencia en grupos como De Stijl, influyó en la Bauhaus… En relación
con su gusto por la arquitectura publico la arquitectura para la revolución mundial y
proyectos como la Tribuna Lenín que no se pudo llevar a cabo. También importante es la
realización de rascacielos en horizontal, diferentes a los americanos que van en vertical.No se
llevó a cabo este proyecto, pero si se ha llevado a cabo diferentes edificios que recuerdan a
sus proyectos.

Proun 1E (Ciudad Modelo).1920

Es una combinación de forma armoniosa las superficies blancas que caracterizan la obra de
Malevich con las leyes de la arquitectura constructivista. Es un intento o formula de conciliar
los postulados utilitarios de Tatlin con esa estética más utópica e idealista de Malevich. Sería
un intento de desarrollar el suprematismo en el espacio. Se ve una composición de tipo
geométrico muy sobrias, trabajadas con compás y regla, acusados efectos espaciales, se ha
desecho de la perspectiva tradicional intentando buscar en una superficie plana perspectivas
múltiples ejes… Sus investigaciones duran una década y evolucionan a los gabinetes o
espacios PROUN.
Tribuna Lenín (PROUN 85).
Es un fotomontaje donde aparece la figura de Lenin arengando a las masas desde un púlpito a
modo de grúa de una atrevida estructura diagonal en el espacio. Lenin ya había muerto
cuando termina el proyecto y por lo tanto ya no tenía razón de ser. En el texto se le
proletariado. En la base han pensado que la figura cuadrada podría ser la versión cúbica del
cuadrado negro de Malevich.

Rascacielos Wolkenbügel (Hierros en la nube). 1925

Propuso la idea de desarrollar rascacielos de forma horizontal, unos 8, que iban a situarse en
las principales intersecciones de los bulevares que rodean el centro de Moscú. Emplea
materiales como el acero o el cristal. Se contraponía con la forma de construir americana.
Cada rascacielos contaba con una base y en horizontal 3 pisos de 180 metros de ancho y
elevados unos 50 m. Se apoyaban en 3 pilares, 1 de ellos se extendería por debajo de la tierra
para hacer de escalera al metro y los otros 2 servirían de estación para los tranvías. Influye en
el Edificio Minavtodor de Georgia o el Centro de la Empresa Vanke en China. Kranhauser en
Colonia.
Golpead a los blancos con la cuña roja. 1919-20.
Era un diseño pensado para un cartel o una ilustración de una victoria decisiva durante la
guerra civil que se dió en Rusia durante la revolución . Los bandos tomaron colores propios
rojos y blancos. La estética es supremacista por los colores, figuras geométricas... Lissitzky
parece romper con una norma del supremacismo referenciando a la realidad. Le da a esta
abstracción un simbolismo político. Introduce algunos nombres en cirílico y programas
políticas. Tenemos un triángulo rojo que a modo de cual y representando al ejército rojo,
penetra y ataca el círculo del ejército blanco, los rusos contrarrevolucionarios. Las formas
rojas se juntan contra la lucha del enemigo común. Tiene que ver con el lenguaje
suprematista de Malevich ya que es un arte total, utilizando letras, propaganda… con la
intención de que incluso los menos educados pudieran entender el mensaje. Viajó por Europa
y hay diversos diseños del futurismo italiano que harían referencia a la lucha entre el
futurismo y passatismo, donde se hace alusión a los contendientes de la IWW. Influye a Franz
Ferdinand que utiliza estas formas.
Dadaismo:
Se desarrolla entre 1916 y 1922. Se le ha considerado como un preámbulo al surrealismo,
menospreciándolo un poco. El dadaísmo en París desemboca en el surrealismo. Pero es un
estilo son sus propias características y esencias que le hace único. El origen del dadaísmo
tiene varios focos, pero el primero sería Zurich (Suiza). Estamos en plena Guerra Mundial y
Suiza es un país neutral que sirvió de refugio para mucho artistas que huían de la guerra y
rechazaban la guerra, mostrando un espíritu rebelde e inconformista. El catalizador de estos
jóvenes es el poeta Hugo Ball que había abierto un local en el Cabaret Voltaire. Un sitio en el
que se reunían estos jóvenes y hacían recitales de poesía, exposiciones, representaciones
teatrales… Provocaban al público, algo que hacía reaccionar de forma violenta a muchos
espectadores. Este sitio existe todavía y hoy en día sigue siendo un lugar de encuentro para
los artistas. El grupo de Hugo Ball está formado por diversos artistas como : Richard
Hülsenbecke, Tristán Tzara, Marcell Janco, Hans richter o Jean Arp. Editan su propia revista
Cabaret Voltaire en 1916, donde aparece el término Dada. Podría hacer a lusión a distintos
significados. Luego se hace una revista llamada dadá.Tzara llegó a hacer 7 manifiestos del
dadaísmo.

Hay muchas definiciones de Dadá. Se dice que podría ser una palabra al hacer del
diccionario. Podría ser un doble si en rumano y ruso… Fue Tzara quien le dió el nombre al
movimiento.

Al tiempo que dada estaba en Zurich en NY hay dos figuras importantes, Duchamp y Francis
Picabia. Huyen a NY por la IWW. Alguna de las obras de Duchamp y Picabia se expusieron
en la exhibición de arte moderno en el Armory Show. Aquí hubo obras de Picaso, Kandinsky,
Matisse… A este grupo también perteneció Arthur Cravan, Marius Zayas y Man Ray. otros
artistas son Alfred Stieglitz y su mujer Georgia O ́ Keeffe.

Desde Suiza se propaga a todo Europa el espíritu Dadá y se irá a Alemania. Concretamente
en Berlín, Hannover y Colonia. En estas ciudades habrá un grupo dadá y en todos ellos se ve
un carácter político de caracter izquierdista, son menos lúdicos que los otros grupos y su
actuación colectiva más importante es la celebración de la primera internacional Dadá en
1920.

Al grupo berlinés que duró 2 años van a pertenecer los autores de la principal aportación del
movimiento alemán, el fotomontaje. Entre elos destacan Raoul Hausmann, John Heartfield y
Hannah Höch. En ellos influyen Georg Grosz y Otto Dix. Destacan en Colonia Max Ernst y
Johannes Theodor Baargeld. También influyen Kurt Schiwitters creador de la revista Merz y
que es uno de los miembros más importantes de Hannover.

Tras la IWW vana quedar 2 focos del dadaísmo, Alemania y París que volverá a ser el lugar
de reencuentro de alguno dadaístas. Sonia Delaunay para una obra de teatro de Tzara crea
ropa con la estética dadaista e incluso Bowie utiliza la misma ropa.
Es un movimiento iconoclasta y destructivo, muestran la manifestación de rebeldía de una
serie de escritores y artistas en una Europa arrasada por la guerra. Como otros movimeinto
anteriores rechaza a la burguesía y sus valores. Ponen en entredicho la función del arte e
incluso el papel del artista en la sociedad. Dicen que hay que destruir lo antiguo y el arte. En
este proceso de destrucción de lo antiguo, ellos crean una serie de objetos de difícil
clasificación como Rayogramas y los Ready Mades. Estos obhjetos pasan a ser una obra de
arte, aunque intenten romper con lo anterior.

Foto de desnudo tumbado: