Entre 1900 y 1914 es la época de la expansión colonial y rivalidad entre las potencias colonizadoras

que culminarán en la Primera Guerra Mundial (1914) y cuyos efectos dejarán su impronta en las
vanguardias artísticas coetáneas.

En el inicio del siglo XX las vanguardias pretenden crear un arte adecuado a la nueva sociedad.
Aparecen infinidad de tendencias artísticas. Todas ellas tienen en común su carácter innovador y el
estar en continuo proceso de renovación.

Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que rompen con la tradición
y convulsionan el mundo del arte causando estupor cuando no rechazo. El autor toma conciencia de
su libertad creativa y expresiva, perdiendose la representación realista de la realidad. El artista en
definitiva se libera de todas las ataduras y modas artísticas del momento y comienza a experimentar.

Los primeros 30 años, época de convulsioón política, scial y económica. Revolución soviética,
tratado de Versalles, Sociedad de Naciones, 2GM, teoría de la relatividad, la interpretación de los
sueños de Freud, en cine Viaje a La Luna, Marconi inventta el teléfono, el primer vuelo
transatlántico, el modelo T de Ford.

Las artes figurativas sufrieron una profunda transformación desde finales del s XIX debido a los
cambios filosóficos, científicos y políticos que el mundo estaba experimentando.

-Los físicos discutían sobre la naturaleza de la luz

-El auge de la fotografía, como documento fidedigno de la realidad, obligó a los artistas a buscar
nuevas formas de expresión, inventos como el microscopio descubrieron dimensiones desconocidas
que se escondían al ajo humano,

-Los nuevos conceptos matemáticos revolucionan una ciencia considerada hasta entonces como
inmutable (teoría de la relatividad)

- Freud con su psicoanálisis abre un mundo onírico lleno de posibilidades para los artistas.
Ahora el pintor bucea en la psique.

-También los acontecimientos históricos influirán de manera trascendental en la sociedad y de

manera especial en los artistas. Procesos deshumanizadores como la formación de los bloques
armados y las tensiones previas a la Primera Guerra Mundial, así como la propia guerra,
marcarán su forma de expresarse. Muchos de estos artistas morirán o serán hechos prisioneros
durante la contienda. Queda de manifiesto la gran potencia destructiva de las nuevas armas que
ocasionan masacres antes impensables incluso sobre la población civil.

Se hace patente la sensación de generación sacrificada por la guerra. Las alteraciones psicológicas
entre los excombatientes que no pueden adaptarse a la vida normal aparecen reflejadas en la
literatura y en el arte. Critica a la razón tradicional que había llevado a la locura de la guerra.

-Los campos de cultivo estarán arrasados, las lineas de comunicación, destruidas, las industrias
y las minas inutilizadas. Toda esta destrucción es el reflejo de la era de odio que se acaba de vivir.

Dentro de este contexto hay que situar la aparición del movimiento de Vanguardia. Se trata de
artistas que quieren cambiar el arte y la sociedad en que viven. Publican un Manifiesto de
Vanguardia en el que afirman su fé en el progreso y en la innovación.
Los movimientos son numerosos y cortos y diferentes entre sí. Muchos de estos movimientos se
solapan en el tiempo, y los artistas participan en varios movimientos a lo largo de sus carreras.
Todas se pueden encuadrar en dos posiciones básicas: una basada en la razón (Racionalismo,
Neoplasticismo y en parte el Cubismo) y otra en las emociones (Expresionismo, Dadaísmo y
Surrealismo).

El epicentro fue París (Fauvismo, cubismo), Alemania (expresionismo), Italia (futurismo), Suiza
(Dadá), Holanda(neoplasticismo) Rusia, (constructivismo y suprematismo)

Hay una ruptura definitiva con el concepto tradicional de arte, nuevos lenguajes plásticos.

En pintura se destruye la perspectiva, la forma realista y los volúmenes, se usan colores arbitrarios,
nuevos materiales como trozos de papel, madera y fotos y se llega a la abstracción.
En escultura explora el volumen en negativo, con huecos y juegos de luz, se aplica el movimiento
mecánico, se usan nuevos materiales como acero, hierro, aluminio, cartón, cristal y plástico.

2.PINTURA

2.1.Fauvismo. El motivo coloreado (1905-1914)

Se considera el primer estilo revolucionario del siglo XX. Su aparición se fija en 1905, cuando un
grupo de pintores exponen sus novedosas obras en el Salón de Otoño parisino. Los críticos les
llamaron “fauves”, es decir, fieras, por sus colores violentos, El movimiento es muy corto al seguir
cada autor caminos diferentes.

Las características de este movimiento son:

-Reacción contra el impresionismo. Critican a los impresionistas porque habían abandonado la
forma obsesionados por la luz y habían despreciado el mundo interior. Los fauvistas le dan
importancia, en cambio, al objeto y al color. Plasman solo a las sensaciones que vive el artista.
-Mientras que el fauvismo plasma la alegría de vivir, carente de planteamientos sociales, el
expresionismo representa la visión más negativa de la vida.
-El color se independiza del objeto y es simbólico, un caballo puede ser verde.
-El color es puro, vibrante y plano: Colores arbitrarios, simbólicos del mundo interior del artista.
-No hay profundidad.
-El dibujo vuelve a ser fundamental. Los contornos negros y gruesos subrayan los objetos,
-Los temas, como en el impresionismo suelen ser paisajes y naturalezas muertas pero resaltando sus
formas geométricas, como lo hacía Cézanne.

Matisse. Para él, el impresionismo, y sobre todo, el puntillismo, habían destrozado los objetos por
eso era necesario descubrir de nuevo la estructura. Como Cézanne, pretendía conseguir la plenitud
de la forma, la solidez.

Rouault, pintor de formas patéticas y colores oscuros. Acaba abandonando el fauvismo y se

convierte en un pintor expresionista. Sus obras recuerdan las vidrieras románicas con gruesas líneas
oscuras a modo del plomo que separaba los vidrios de colores.

2.2 Expresionismo. El motivo distorsionado (1905-1918)

Crítica a una sociedad superficial y despreocupada y representan la desesperación, el sufrimiento, la

opresión y el terror.
Fueron los llamados “arte degenerado” en una exposición que organizó el partido nazi.

Nace aproximadamente al mismo tiempo que el fauvismo, pero dura más, hasta finales de la 1 GM.
El expresionismo triunfó en Alemania donde ell ambiente prebélico y el dolor y la desolación de la
1GM marcaron la obra de muchos artistas.

Es una corriente artística, literaria y musical y una actitud ante la vida pesimista y nihilista.
Una tendencia casi innata de los artistas del norte de Europa frente al clasicismo del arte natural de
los países mediterráneos.

Las características de este estilo son:

- Plantea los conflictos íntimos del ser humano: su mundo interior, la angustia y la desesperación.
- Las expresiones humanas son alucinadas y corresponden a almas atormentadas.
- Es un arte subjetivo, se deforma la realidad visible para expresar los sentimientos del artista.
-Los colores son arbitrarios, agresivos y pesimistas.
-La linea rodea la forma y presenta gran violencia y agudeza. Trazos angulosos.

Hay varios grupos:

a)El Puente de Dresde (Die Brucke): Emil Nolde y Kirchner. Interés en los problemas sociales.
Expresión angustiosa, colores contrastados.
b)El Jinete Azul: Kandinsky, Frank Marc, Paul Klee, Kokoschka. Intereés por el arte medieval y
primitivo. Una exploración más espiritual, menos dramática y más lírica, que les llevará a la
abstracción. Curvas y colores más suaves.
c)Los independientes: Eduard Munch, Rouault, Modigliani.
d)El grupo de Viena: Kokoschka y Egon Schielle (desequilibrio emocional)

2.3 Arte abstracto. El motivo anulado. (1908-)

Un cuadro es una superficie plana cubierta de colores ensamblados en cierto orden.

La tendencia a la abstracción es la consecuencia de una profunda angustia

a)Abstracción cromática. La armonía se consigue casi por intuición entre formas y colores.
Kandinsky y Klee. Colores primarios y secundarios.
b) Abstracción geométrica. Existe una relación matemática entre las formas coloreadas. Colores
primarios. Geometrismo racional.
Neoplasticismo. Mondrian, Van des Burg, Rietveld, influencia japonea, revista de Stijl.
Cosntructivismo. Ideales revolucionarios de la clase obrera. Propaganda política
Suprematismo. Formas puras y simplificación. Malevich.

2.4 Cubismo. El motivo geometrizado. (-1914)

Los antecedentes de este estilo hay que buscarlos en la obra de Cézanne. Se considera que el
cubismo comienza con la obra las señoritas de Avignon. Picasso, Juan Gris y Braque.

Las principales características de este estilo serán las siguientes:

- Es un arte intelectual en el que las cosas realmente no son como se ven, hay un uso intelectual del
color.
- Es antirealista,
- El volumen es plano, puro y geométrico.
- Abandona la perspectiva tradicional, porque según el cubismo, no es la única.
- No hay un punto de vista único. Los ángulos desde los que se observa el objeto se multiplican a
través de la cuarta dimensión, el tiempo, para obtener la suma de todas las perspectivas. Resulta de
ello una visión múltiple, con yuxtaposición de planos fragmentarios. También se utilizan
transparencias porque otra forma de ver los objetos es desde el interior.
- El tema carece de importancia, suelen ser objetos de taller, bodegones. No son pinturas al aire
libre.
- La luz desaparece de estos cuadros.
- Tampoco les interesa el color, utilizan una gama cromática neutra, grises, blancos, verdes claros,
incluso tenderán a realizar obras monocromas.
- Descubrimiento del arte primitivo y africano que no trataba de imitar la realidad sino de expresar
una idea y sin convencionalismos.

Suelen diferenciarse varias fases dentro del cubismo:

-Cubismo analítico (1908-1911)
Un análisis del objeto que se descompone en tatos planos como puntos de vista. Collages pintados.
-Cubismo hermético (1911-1912) Presenta mayor abstracción, debido a la gran cantidad de puntos
se vista representados, el objeto es como una maraña de líneas.Monocromatismo.
Cubismo sintético (1912-1914) Los objetos se hacen más legibles, su planos encajan como
rompecabezas, aumenta el colorido, y se añaden materiales que representan a los objetos, a veces
con su forma, hay letras, collages.

Picasso:
-Epoca azul. Influencia del tono de la fotografía de la época, la tristeza por un amigo fallecido, y la
capacidad simbólica del color azul de calma.
La contemplación pesimista de la vida lleva a denunciar las miserias; mendigos, mujeres vencidas
por la vida, personajes angulosos.
-Epoca cubista. Distorsión de las figuras, Esto se debió a la influencia que ejerció sobre él una
exposición de escultura africana y a sus estudios del arte íbero y egipcio.
-Epoca clásica: Payaso. Viaje a Italia y contacto con los ballets rusos de Diaguilev. Realismo.
-Epoca expresionista: Coincidiendo con las guerras. El Guernica
-Epoca de Antibes: Balcones abidrtos al mar, palomas

2.5 Futurismo. El motivo en movimiento. (1909-)

El cambio, la modernidad, la energía, el dinamismo, la anarquía y el cambio fueron el soporte

ideológico. Simultaneismo (fases de movimiento como secuencia fotográfica)
La belleza radicaba en la velocidad como expresión de la vorágine de la vida moderna.
El cine acabó por desplazarlo por lo que duró poco.

2.6 Dadá. (1916-)

Este movimiento nace en Suiza, país neutral donde se concentran artistas que huyen de la guerra.
El estallido de la Primera Guerra Mundial había demostrado que las sociedades industrializadas
eran capaces de provocar una masacre. El arte forma parte de esa sociedad y por lo tanto debe ser
aniquilado. Pretende destruir el arte pasado y presente.
El Dadaísmo denuncia el mercado del arte que vende en función del nombre del autor y no por el
valor de la obra en sí misma. Hacen cuadros con basuras, orinales etc.
Dadá fue un soplo de aire fresco y supuso una seria reflexión sobre la naturaleza y el valor del
objeto de arte. El dadaísmo no se considera a sí mismo como vanguardia e incluso renuncia a
considerar obras de arte a sus creaciones, a las que denomina simplemente objetos, de modo que no
da alternativas.
La destrucción también es creación, y tratan de escandalizar a la burguesía mofándose del arte
tradicional y elevando a arte objetos vulgares y cotidianos. Ponen en tela de juicio los valores
tradicionales de forma irreverente y agresiva.
Pasada la histeria de la guerra, los maestros más auténticos derivan hacia otras posiciones y el
Dadaísmo se extingue.
Los ready made de Duchamp, sacando los objetos de su contexto y función habitual.
Man Ray en fotografia.
2.7 Surrealismo. El motivo soñado (1924-)

El primer Manifiesto del surrealismo quiere unir dos estados que en apariencia son contradictorios,
el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad.
La poesía, el teatro, el cine, la pintura, la fotografía, se afanan en representar ese mundo
aparentemente absurdo ya que los fenómenos del subconsciente escapan a la razón.
Explorando lo irracional como un camino de búsqueda hacia el interior.
Otorga a la realidad percibida en estado subconsciente e irracional más valor y verdad que a la
percibida en estado de vigilia. Representan una realidad liberada de la lógica.
Su punto de partida serán los sueños (gracias a las doctrinas de Freud y el psicoanálisis) y los
estados hipnóticos o bajo las drogas.
Antecedentes: Rousseau, De Chirico, Chagal, El Bosco, Brueghel y Goya.

Las características son:

-Técnicas de pintores del pasado a los que admiran: perspectivas, luces y sombras, collages
-Los motivos son máquinas fantásticas, objetos inanimados que cobran vida, seres fantásticos,
temas eróticos.
-Provoca con excentricidades

El Surrealismo Figurativo: Giorgio de Chirico, sus ambientes desiertos y sus maniquís solitarios.
René Magritte.
Dalí. Es uno de los pintores más universales y debatidos del siglo XX. Sus características se pueden
resumir en des líneas maestras: surrealismo y provocación.

Sus características principales son:

- su lenguaje oral-poético
- su extraordinario dibujo influido por el Renacimiento y el Barroco.
- su luz transparente y limpia, la del Alto Ampurdán.
- su imaginación desbordada
- la presencia del tema erótico

El surrealismo abstracto: presenta elementos figurativos reconocibles junto a motivos enigmáticos

casi irreconocibles. Joan Miró.

2.8 La tercera escuela de Madrid.

En el periodo de entreguerras Madrid recupera el protagonismo artístico que Barcelona le había

quitado. Entre ellos cabe mencionar a Daniel Vazquez Diaz y Gutierrez Solana.
Características de todos ellos es su gran realismo, su profundo expresionismo y la gran sobriedad
cromática.

2.9 Arte después de 1945.

La segunda mitad del siglo XX se caracteriza por ser una sociedad mediática y consumista.
El arte se convierte en objeto de consumo y de moda. Los artistas reciben una constante presión en
busca de la sorpresa y la originalidad. El resultado en una gran variedad de grupos, tendencias,
movimientos y figuras individuales.
Los museos, las galerías de arte y las exposiciones provisionales forman parte del paisaje urbano.

El informalismo y la pintura matérica

Arte contrario a la forma. Dubuffet.
En Barcelona se funda en 1945 el grupo Dau al Set, con Cuixart y Tapies.
Tapies será quien mejor represente el amor por la expresividad de la materia por ello utilizará
mezclas de cola, yeso y arena, también óleos con polvo de mármol que parecen relieves, colores
terrosos o grises, e incluso únicamente el blanco sucio, Puede introducir en sus obras diferentes
texturas como tejidos, cuerdas, cartón... que ofrecen inquietantes contrastes con superficies pulidas.
En su producción reciente Tapies recurre al “Arte Pobre” para sobrevalorar materiales míseros y
efímeros.

En Madrid se crea el grupo El Paso, con Canogar, Feito, Millares y Saura

Su intención es crear un arte fuertemente abstracto y expresionista que no imite nada de lo
anterior. Iconoclastas. Los pintores matéricos también utilizarán mezclas de arena, yeso o arpillera,
logrando dar una rugosidad tridimensional al lienzo.

El mercado del arte intenta integrar cualquier propuesta provocadora y rupturista. Mercantilización
del arte.

Expresionismo abstracto. Artistas emigran a EEUU con el auge del nazismo.

En EEUU destaca Jackson Pollock. Action Painting. El arte para desencadenar las fuerzas más
ocultas del incosnciente. Dripping. Trata de controlar la expresión artística y el proceso de manera
alucinatoria y automática. Es un despliegue de energía, el ojo no se puede detener en ningún sitio
La abstracción pura llega a tal extremo que se niega cualquier forma y se usa solo el color sin
ningún pretexto. Ives Klein y su azul.
Rothko. Capilla ecuménica de Houston. Espacio contemplativo y meditativo para el individuo.
Influido por el pensamiento oriental.
Willem De Kooning. Figuración abstraizante

La neofiguración
Entre los artistas que abandonan la abstracción por la figuración podemos mencionar a Dubuffet,
con un vocabulario infantil, casi primitivo; a Francis Bacon, que crea espacios surrealistas sin
atmósfera con atormentadas figuras contorsionadas y de gran patetismo:

Pop Art
Representa en los años 60 el valor iconográfico de la sociedad de consumo.
Aunque es un arte que no va dirigido al pueblo, toma de él sus intereses y su temática, objetos
industriales, carteles, embalajes, imágenes conocidas de las grandes urbes, no de la naturaleza...
Pretende criticar la sociedad de consumo y utiliza imágenes muy conocidas pero con un sentido
diferente. Su máximo representante es Andy Warhol. Robert Rauschenberg. Roy Lichtenstein.

Hiperrealismo
Pretende ser una reproducción manual de las fotografías, Utiliza objetos aburridos y sin alma,
también objetos de consumo para reflejarios como si de una cámara fotográfica se tratase,objetos de
apariencia intrascendente pero tratados con un lirismo casi surrealista, esa poesía de las cosas
sencillas, aparentemente descuidadas, que capta el ojo y el corazón del artista. Antonio López.
La magia de su obra no radica en las destrezas manuales, sino en la trascendencia que emanan sus
imágenes.

Arte conceptual (1960-)

La idea de la obra es más importante que la forma o el objeto.
Creaban nuevos ambientes luminicos, variaciones. de la naturaleza. Es antiburgués y anticonsumista
Para evitar que la obra de arte tenga poseedor, la convierte en efimera o de ubicación imposible, de
tal manera que solo se pueda fotografiar, y que cualquiera las puede poseer.
Uno de los grandes representantes del arte conceptual es Christo, que empaqueta grandes
monumentos por un corto periodo de tiempo.
Land Art
Intervención en un espacio natural.
Sus obras no tienen ninguna función utilitaria, son efímeras y gigantescas, realizadas gracias a la
ayuda de grandes máquinas industriales.

Op Art
Es un tipo de pintura que actúa sobre las ilusiones perceptivas tales como interferencias de líneas,
moarés, centelleos, imágenes intercambiables, perspectivas reversibles que retroceden y avanzan
sucesivamente sin que el ojo pueda fijarlas en el espacio. No conllevan un movimiente real, ni de la
obra ni del espectador, como sucede con el Arte cinético.
Bridget Riley, Stella.
El éxito del Op Art ha sido inmediato entre el público, por este motivo, se ha extendido a los más
diversos ámbitos y a una velocidad que ha desconcertado a artistas y críticos: el grafismo comercial,
la publicidad, la moda... La mayor parte de los artistas deploran la vulgarización de sus creaciones.

El arte cinético. Su principio básico es el movimiento. Este dinamismo, virtual, real, mecánico,
óptico o ambiental puede ser previsto por el artista o bien provocado de manera incontrolada
Hay arte cinético espacial, cinetismo, y lumínico, luminismo. Sempere, Calder.

Arte minimal. hace el boceto el artista y lo construye la indstria. Impersonal, modular y mínimo.
Espiritual de cierta manera. Geométrico.
Arte Povera.En Italia, suele usar materiales pobres.
Happenings. Joseph Beuys.
Body Art. Happenings centrados en el cuerpo del artista.
Graffiti. Keith Haring y Basquiat. De la calle. Estilo fresco, sencillo, icónico.

Ultimas tendencias
Posmodemismo, es decir, lo posterior a lo moderno, que nace a finales de los años 70 y principios
de los 80. La intención era salir de la situación artística que se había estancado después de la
abstracción. Se vivía una sensación de agotamiento ante la que el postmodernismo ofrecía motivos
muy imaginativos e iconográficos. Es un grito alucinado, esquizofrénico, de rabiosa juventud y
tremenda vitalidad.
Los pintores más significativos son Guillermo Perez Villalta y Barceló.
El primero, próximo a la “nueva figuración” , utiliza las perspectivas al modo clásico y un mundo
de personajes extraídos de la antigua cultura romana. El segundo, emplea una figuración deformada
y desenfadada claramente expresionista que refuerza con una gran dosis de calidad matérica, dando
así a la textura una dimensión trascendente.

Los Young British Artists, de los años 90. Saatchi gallery. Damien Hirst, Marc Quinn (sangre)
Video Arte: Bruce Nauman y Bill Viola. John Cage
Arte electrónico y digital: Computer art (espacio Solo). El arte nace y muere en el ordenador.
Net Art, software art, artivismo (se funden arte, política y tecnología digital.
Arte RV (realidad virtual)

2.10. Escultura

Dentro de la escultura podemos diferenciar dos grandes escuelas, la cubista y la orgánica.

El Cubismo escultórico
Su máximo representante es el barcelonés Julio González. Busca la simultaneidad de perspectivas.
Su método consistía en hacer oquedades para crear volumen y hay una gran presencia del vacío. Se
apoya en la afirmación de Cézanne de que hay que descomponer los cuerpos en formas
geométricas.
Julio González procedía de una familia de orfebres y conocía la técnica del forjado de metales que
aplicará a sus esculturas. La mayoria de sus obras se inspiran en la figura humana, casi siempre
femenina, aunque también posee muchas otras claramente abstractas.

La escultura orgánica
Ahora, las formas curvas sustituyen a la rigidez de los planos cubistas, dentro de la abstracción,
aunque siempre relacionados con el mundo visible.
Brancusi. Se caracteriza por sus cuerpos ovales de superficies de metal extremadamente
pulidas, para evitar el claro-oscuro. Prácticamente convierte el objeto en un espejo creando una
nueva dimensión.
Giacometti. Escultor de la soledad y la incomunicación.
Henry Moore. Sus formas son planas, convexas y cóncavas alternativamente,
creando un ritmo muy dinámico. En su obra se puede apreciar un primitivismo americano y evoca
bloques desgastados por la erosión del agua. Recuerda a las fuerzas de la naturaleza.
Hans Arp. Del movimiento Dada. También investigó en el surrealismo y en sus obras se aprecia
claramente la reacción contra las artes de la razón.
Sus esculturas recuerdan también los cantos rodados y las conchas y piedras gastadas por la erosión
y por el paso del tiempo.
Chillida. Enormes bloques de hierro en los que parece haber señalado el punto de encuentro entre
arquitectura y escultura.

La escultura móvil o cinética

Calder.
Se trata de una escultura con elementos que se pueden mover, gracias a la ingeniería, con obras que
se sostienen de manera inestable sobre un precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se
mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos. Utiliza el alambre para sus
obras estáticas y su ligero peso hace que el viento sea el motor de sus esculturas.