Universidad Santo Toribio de Mogrovejo

UNIVERSIDAD CATÓLICA SANTO TORIBIO DE MOGROVEJO

Facultad de Derecho

Escuela Profesional de Derecho

MÚSICA EN LA ÉPOCA DEL BARROCO

Curso:

Canto Coral

Nombres y apellidos

Cervera Villalobos, Mayerly.

Diana, Fernández Barboza

Docente:

Castro Sotil, Godofredo Humberto

Ciclo:

-
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ÍNDICE

1. Origen de la Música Barroca

2. Definición de la Música Barroca
3. Formas instrumentarías barrocas
3.1. La Fuga
3.2. La suite
3.3. La Sonata
3.4. El concierto
4. Características de la Música Barroca
5. Estilos y compositores
5.1. Italia
5.2. Francia
5.3. Alemania
5.4. España
6. La música vocal profana
6.1. Nacimiento de la opera
6.2. Partes de la opera
7. La música vocal religiosa
7.1. El oratorio
7.2. La cantata
7.3. La pasión

8.
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INTRODUCCIÓN

A lo largo de la historia, la música ha ido evolucionando sustancialmente en diversas

partes del mundo y en distintos tiempos dando como consecuencia el nacimiento de
diversos géneros, instrumentos y formas musicales. De esa manera, su estudio, nos brinda
la posibilidad de identificar, analizar sus cambios y evoluciones que presentan ciertas
peculiaridades características de cada una de sus épocas en las que se registraron y,
además, permite el estudio comparativo de estas a fin de precisar los elementos comunes
que les son existentes. Así mismo, su indagación permite conocer y entender mejor aún la
música.

Del mismo modo, debemos tener en cuenta que en toda sociedad la música va a estar
encontrar en el sentido completo de su palabra, pues esta es perteneciente al ser humano,
el cual la ha mantenido relevante a través de diferentes culturas, tiempos y costumbres. Es
por ello, que en la época del barroco se evidencian claramente todos estos puntos, y por
tal razón, se constituyeron grandes modificaciones en la música. De ahí, radica la
importancia de este proyecto de investigación. En consecuencia, debemos conocer la
música en la época del barroco, así como analizar sus modificaciones, características y
formas; a fin de analizar y comprender la trascendencia a base de su historia.
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CANTO EN LA ÉPOCA BARROCA

1. Origen de la Música Barroca

En la música se han realizado cambio severos a través de la historia, ya que como se sabe en
cada época se presencian costumbres y una cultura diferente. De esa manera, en esta
redacción se abarca el origen de la música barroco para poder conocer sus detonantes más
relevantes. Así mismo, es preciso citar a Valle, quien menciona que: “Lo importante es que el
período musical barroco tuvo sus inicios, ha oídos de las personas de aquellos años, cuando
se hicieron conocer la Sonata, Suite y Concierto, las cuales, fueron de los géneros más
notables para la música instrumental” (2021). En otras palabras, el origen de la música en se
dio en su primer momento por la sonata, suite y Concierto y siguiendo al autor citados,
podemos decir que:

 Una Suite es una composición larga de 5 partes, la cual está inspirada en antiguas
danzas y por lo general en la misma tonalidad y en ocasiones relacionadas
temáticamente.
 La Sonata, era especialmente para piano, pero con el transcurso de los años, la misma
fue adaptada por compositores para ser utilizada en instrumentos de cuerda como el
violín y cello.
 El Concierto está realizado para las orquestas, pero lo que lo hace diferente o en
casos, más excepcional; es que viene acompañada de otros instrumentos, pero solo
hay uno que sobresale de todos y tiene una parte como solista.

Igualmente, La municipal de Santiago nos manifiesta que: “distintos teóricos y compositores

comenzaron a profundizar sobre cómo hacer una música verdaderamente humanista” (2017,
pg. 6). Entonces, es desde ese momento que los grandes compositores empezaron con su
investigación para lograr crear una nueva música, propia de la época, pero también guiándose
de la anterior, la cual sirvió de inspiración para muchos en el proceso. Para ejemplificar, en
Florencia: “un grupo de intelectuales llamados la Camerata Fiorentina, inspirados en los
ideales de la antigüedad clásica, proponen buscar maneras en que la música logre representar
de mejor manera el texto cantado” (La municipalidad de Santiago, 2017, pg. 7).

2. Definición de la Música Barroca

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Al definir la música barroca, es preciso realizar una síntesis corta de lo redactado

anteriormente. Para empezar, podemos conceptualizar a la música de acuerdo con Rameau,
quien manifiesta que: “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien
establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede
revelarse sin ayuda de las matemáticas…” (1764, pg. 10). Y al término barroco se le puede
brindar el concepto según García, el cual declara que: “es un período en el cual se busca una
codificación de todos los parámetros musicales como forma de ordenar y racionalizar la
música” (2019). De esa manera, estos términos son relevantes para definir de manera precisa
y relevante a la música barroca.

Entonces, la música barroca es un estilo de música de arte occidental compuesto

aproximadamente desde 1600 hasta 1750 (La municipalidad de Santiago, 2017). Esta era
siguió a la época de la música del Renacimiento, y fue seguida a su vez por la época clásica.
Además, forma una parte importante del canon de la «música clásica», y ahora es
ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. En este sentido, dio lugar a la aparición y
clasificación de nuevos recursos expresivos, géneros y composiciones, entre los que
encontramos el concierto, el oratorio, la cantata y la sonata (García, 2019). Y, por su parte, la
consolidación de la ópera como principal espectáculo musical del Barroco no solo supondrá
el relevo de la música sacra como motor de la música europea, sino que refleja además la
emergencia de un incipiente mercado de ocio urbano que estará regido por las modas y el
gusto popular y del que resultará un mayor dinamismo en la evolución de los estilos
musicales. (García, 2019)

3. Formas instrumentarías barrocas

En la época del barroco, la música fue predominante, además en ella se realizaron diferentes
cambios notorios. Donde las formas instrumentarías también pertenecieron, las cuales son:

3.1. La Fuga

En cuanto a la fuga, según Lacárcel, manifiesta que: “se caracteriza por ser una forma
continua donde todo fluye, basada en la imitación sistemática de un sujeto entre varias voces
y se le concedió gran importancia en la enseñanza de la composición” (2008, pg. 3). En otras
palabras, es una composición en un solo movimiento de estilo horizontal. Además, esta
estructurada en un plan formal rígido, los cuales también suelen denominarse elementos y de
acuerdo con Atkinson (s.f.), son:
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 Exposición: Es la sección más característica de la fuga. Además, comprende cuatro

entradas sucesivas que comienza con el enunciado a sólo de un tema (sujeto). A
continuación van entrando las diferentes voces en forma sucesiva en las que alternan
la respuesta (transposición del sujeto a la tonalidad de la dominante) con el propio
sujeto. La fuga consta de un segundo material temático (contrasujeto) que suena a la
vez que la respuesta al sujeto.
 Episodios: Esta sección utiliza el material temático de la sección precedente y
contrasta con la anterior por su menor densidad contrapuntística. Y, produce el efecto
de transición hacia la siguiente sección similar a la exposición.

3.2. La suite

Con respecto a la suite, se conceptualiza de acuerdo con Atkinson, quien manifiesta que: “es
una serie de danzas. Ya desde la edad media existía la costumbre de unir sucesivamente
varias danzas. Tal costumbre continúa en el renacimiento, época en la que se agrupan por
parejas contrastantes (pavana (lenta y binaria)-gallarda (rápida y ternaria) ”(s.f. pg. 1). En
otras palabras, se compone de cuatro movimientos que son sucesivos. Y según IES “Juan D
´Opazo”, los movimientos son los siguientes:

 Allemande: Movimiento moderado. Compás de dos o cuatro tiempos.

 Courante: Movimiento vivo. Compás en tres tiempos.
 Sarabanda: Movimiento lento. Compás en tres tiempos. De origen español.
 Giga: Movimiento vivo y compás a 3, 6, 9 o 12 partes (subdivisión ternaria).

3.3. La Sonata

En relación con la sonata, Claro, menciona que:

Es uno de los términos musicales que ha tenido más larga duración en la historia de la
música. Aparece a fines del siglo XVI y aun en la actualidad designa una composición
definida e importante. Sin embargo, no será hasta mediados del siglo XVIII cuando el
término sonata comenzará a referirse a una forma específica, siendo este concepto el
que ha permanecido hasta hoy (pg. 21).

En otra palabras, este término también puede denominarse música para ser sonada. Y según
IES “Juan D´Opazo” (pg. 6),es una composición para un pequeño grupo de instrumentos (2 a
4), con un bajo continuo, que puede ser:
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 Grave
 Allegro en estilo fugado
 Moderado
 Vivo, en estilo fugado u homofónico

Además, siguiendo al mismo autor menciona que a partir de la obra de Claudio Marulo se
distinguen dos prototipos:

 La sonata da Chiesa: que nunca llevará en sus movimientos nombre de danza: Lento-
Rápido. Se interpreta en la iglesia y el bajo continuo lo hace el órgano.
 La sonata da cámara: que si lleva en sus movimientos nombre de danza, y cuyo
continuo lo hace un clave. Se destina al concierto.
 Sonata a trío o trío-sonata: Es la conformada por dos instrumentos, agudos (dos
violines) y un violonchelo, más el clave que realiza el bajo continuo.
 Sonata a dúo: Dos instrumentos más el continuo.
 Sonata solística: Un instrumento solo más el continuo.

3.4. El concierto

Para finalizar, se tiene al concierto, esta forma instrumentaría barroca según Atkinson, se
conceptualiza como:

Designa durante casi todo el siglo XVII a toda obra que une voces instrumentales de
diferente timbre. Es casi una sonata que ha ampliado el número de instrumentos. Lo
que verdaderamente caracteriza el concierto a partir de ese momento es la oposición
de timbres y de intensidad en la confrontación entre un grueso grupo orquestal
llamado Tutti y un instrumento solista (concierto solsticio) o un pequeño grupo de
solistas, generalmente violines (en el concierto grosso). (s.f. pg. 2)

En otras palabras, es una forma escrita para 3 o 4 voces a ser interpretadas por un conjunto de
intérpretes.

4. Características de la Música Barroca

En cada etapa de la evolución del ser humano se puede apreciar descubrimientos únicos, que
hacen diferenciarse entre ellas, del mismo modo acontece en la música. En ese contexto, la
música durante el período Barroco se dan una serie de novedades que lo determina. Según
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Rivera, (2020) fundamenta que “musicalmente el barroco fue una época que determinó
y desarrolló del lenguaje instrumental de la orquesta, gracias a la popularidad de la ópera”, en
base a ello sus principales características son:

 La aparición del concepto de tonalidad

Se da gracias a las obras ya que tanto su dirección armónica y estructura no varían
repentinamente, es decir, debe tener constancia y reglas armónicas lo cual les
proporciona la tonalidad.
 Bajo continuo
El bajo es fundamental en la estructura a lo largo de las obras ya que proporciona un
sonido claro, sólido y transparente, ese es el motivo por su incesante utilización.
 Tipos de compás claros y sencillos
Los tipos de compás o la métrica se utilizaban de principio a fin y no realizaban
muchas variaciones.
 Utilización de voces extremas simultáneas o textura bipolar
Aquello hace referencia cuando dos voces suenen simultáneamente, pero una de ellas
es aguda y la otra grave.
 Acordes de progresiones funcionales
Los acordes y ritmos tenían una dirección musical clara para no desubicar
armónicamente al espectador.
 Espacios amplios para la improvisación el virtuosismo
Se apreciaba la habilidad instrumental, es por ello que en la obra se dejaba un espacio
para un solista improvise.
 Fuertes contrastes sonoros
Brinda claridad y transparencia en el sonido y además se relaciona mucho con la
textura bipolar
 Instrumentación
Los instrumentos fueron cruciales e importantes para música barroca, tenemos las
siguientes: instrumentos de cuerda frotada, instrumentos de viento e instrumentos con
capacidad de acordes.

De igual manera respaldando lo anterior mencionado, la música barroca inicia con la ópera
siendo así el punto de partida para el desarrollo de diversos aspectos que lo caracterizan. En
tal sentido, una de las bases de la música barroca es la doctrina de las emociones, es
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importante porque instituyeron correspondencia entre el estado de ánimo y determinados

sonidos, es decir, para expresar alegría se usaba el modo mayor, la armonía y el movimiento
rápido, en cambio para expresar tristeza se empleaba el modo menor, la disonancia y el
movimiento lento. Además, se implementó nuevas formas de música instrumental en cuestión
para la ópera y danza; en la primera se desarrolló la sinfonía gracias a las oberturas y en la
segunda la suite. Asimismo, Bach logró componer en todas las tonalidades, la cual se llamó
afinación temperada, pero a pesar de la afinación de tonalidades estas seguían
distinguiéndose entre sí, por ejemplo: A mayor cantidad de teclas blancas el sonido era más
puro mientras a mayor cantidad de teclas negras el sonido es menos puro. Y, por último, se
estableció leyes armonía, estas leyes ordenaban la gramática de la música obteniendo así el
entendimiento tanto entre el artista y el público (Schwanitz, 2019).

5. Estilos y compositores

A pesar de que el estilo barroco este influenciado por diversas culturas y lugares, la más
relevantes y sobresalientes es la influencia francesa e italiana que dio lugar a dos estilos más
importantes. Sin embargo, se debe recalcar que tanto el estilo alemán como de otros países
fueron significativos, pero estos siempre han imitado los estilos de Francia o Italia y en otros
casos los han combinados a ambos (NEOMúsica, 2021).

Además, es conveniente mencionar y resaltar que las características nombradas anteriormente

y el tipo de escuela que pertenezca cada autor son fundamentales para la práctica de los
estilos musicales desarrollados en la época Barroca. Para una mejor descripción
mencionaremos el estilo y los autores de cada nación, entre ellos tenemos:

5.1. Italia

Es una de las naciones más importantes de la música barroca, como indica Atkinson “como el
opera, el estilo italiano será el primero en definir las reglas del juego. Lo hará sobre todo a
través de la práctica instrumental de conciertos y sonatas” (s.f.). Según NEOMúsica, (2021)
el estilo italiano fue el más imitado en Europa e incluso por Francia durante el siglo XVIII,
este estilo se predominaba por: el rápido ritmo armónico, tener formas abiertas y asimétricas
y por realizar la improvisación.

Los autores que más contribuyeron a ese estilo según Atkinson, (s.f.) son:
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o Arcangelo Corelli: Sus principales obras son: cuatro colecciones de 24

triosonatas, doce sonatas para violín y continuo y 12 concierti Grossi.
o Antonio Vivaldi: compuso 500 conciertos, 45 operas, entre otras.

Además, Módica, (2015) señala otros autores que son sustanciales, como:

o Claudio Monteverdi: Maestro de la ópera, compuso operas, salmos, motetes y

madrigales, pero su ópera y obra más resaltante es L’Orfeo de 1607.
o Tomaso Albinoni: Compuso obras instrumentales y distintas operas.
o Francesco Gemiani: Compuso de sonatas para violín y clavecínde concerti
Grossi.
o Alessandro Stradella: Contribuyo al avance del aria, el oratorio y la cantata.
5.2. Francia

El estilo francés se caracteriza por: ser conservado, su brevedad en sus composiciones, tener
estructuras cerradas y simétricas, exhaburante decoración y por restringir las armonías
(NEOMúsica, 2021). Para Atkinson, (s.f.) la música francesa se destaca por: a) expresar
emociones o estados de ánimos, la cual se indica a través de una palabra al inicio de la pieza;
b) así también cuando tocaban o cantaban no era exactamente lo que escribían; y c) les
gustaba ofrecer piezas cortas y graciosas, melodías excesivamente muy adornadas y era
creadas para conciertos pequeños. Asimismo, entre los compositores más destacados son:

 Francois Couperin: Ha escrito 4 libros con aproximadamente 250 piezas para clavecín
donde establece una serie de principios con el fin de lograr una interpretación elegante
y correcta.
 Jean Philipp Rameau: Es conocido por renovar la ópera francesa clásica. Su libro más
famoso es el tratado de armonía en 1722, en el indica leyes de acústica para la
armonía moderna y además es compositor de óperas.
5.3. Alemania

Según Atkinson, (s.f.) Alemania fue una alternativa a los estilos antes mencionados porque
triunfo en los últimos años del siglo. Por su parte, Modica, (2015) indica que esta nación es
importante porque es la cuna de los más grandes músicos barrocos, entre ellos tenemos:

 Georg Philipp Telemann: Es el compositor que comprende todos los géneros: óperas,
oratorios, cantatas, misas, instrumentales, entre otras.
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 Johann Sebastian Bach: Es organista y compositor, representante de la música

alemana y uno de los más sobresalientes de Europa.
 Georg Friedrich Haendel: Entre sus compasiones que más resalta son las óperas de
Agripina de 1709 y El Pastor Fiel de 1714, también sobresalen sus temas religiosos
como: El Mesías de 1742 y Judas Macabeo de 1745.
 Sylvius Leopold Weiss: Este su el primer musico para laúd de escuela del Barroco
Tardío.
 Johann Pachelbel: Su obra importante fue Divertimiento Musical de 1691 y en su
libro titulado ecléctica y exenta de artificios está compuesta por cantatas, motetes,
fugas, suites y corales.
5.4. España

La música para vihuela se encuentra decayendo durante el siglo XVII, pero la música escrita
para guitarra se encontraba en aumento. Además, el punteado tañer es sustituido por el
rasgueado en acordes y arpegios del guitarrista. En la mitad del siglo XVIII la música en
España es muy poquísima la que se ha conservado (Modica, 2015). Entre los compositores de
esta nación tenemos:

 Domenico Scarlatti: es importante para la música clavecinismo europeo. Su obra más

relevante fue la llamada ejercicios, en ella contiene sonatas breves.
 P. Soler: Su libro relevante es titulado llave de la modulación donde contiene 80
sontas para claverín.
6. La música vocal profana

Heller, W. (2019). En su libro titulado La Música del Barroco nos dice que, a finales del siglo
XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales conocidos como la "Camerata
Fiorentina". Quienes están en contra del desarrollo por su complejidad, perdían la esencia
principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer
brotar en él todo tipo de sentimientos. Los artistas de la Camerata tenían un único objetivo y
era buscar un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles denominando a la
ópera como "la obra de arte total. La música profana no religiosa, destacó dentro de la forma
vocal la ópera, y de la instrumental varias como la Suite, música de cámara como la sonata y
los conciertos grosso y solista. Sus formas musicales son:
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El preludio y la tocata eran obras interpretadas antes de la fuga, como un calentamiento. Eran
combinadas con: tocata y fuga, o preludio y fuga, algunos ejemplos son: tocata y fuga en rem
de Johann Sebastian Bach, o el grupo de preludios y fugas que se agrupan con el título del
"Clave bien temperado". La Sonata era una música entre 1, 2 o 3 instrumentos, había de dos
tipos la sonata de camera y la sonata da Chiesa especialmente para Iglesia. Constaban de tres
fragmentos que se tocaban: rápido - lento - rápido. La fuga, obra de Bach, es la repetición de
una melodía de forma continuada. Nos dice que en el principio de esta obra se le llama
exposición, después va una parte de desarrollo y al final puede utilizarse una nota pedal,
haciendo uso del estilo del contrapunto. Y para finalizar la suite fue un conjunto de obras que
inicialmente se interpretaban para bailarse en bailes.

6.1. Nacimiento de la opera

La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzo de siglo XVII. Es
una síntesis de poesía, música y danza. La primera ópera de la que tenemos noticia es Dafne,
de Jacobo Peri, estrenada en 1597, pero esta obra no se conserva en sus totalidad, ya que
algunos fragmentos se han perdido. Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree Orfeo, que
se confirmará como la primera gran opera debido a que va a cumplir con todos os requisitos
tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollara años después. Esta obra, es
tomada como referencia por todos los compositores que le suceden. Además, el propio
Monteverdi, crea mayores operas que alcanzan gran fama como La coronación de Popea y El
retorno de Ulises.

6.2. Partes de la opera

De acuerdo con Morales, F. (2008). Tenemos a la Oberturs, la cual es la parte inicial de una
ópera. Es caracterizada por ser instrumental. Generalmente es breve y sirve como entrada al
espectáculo. La música se inaugura con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la
obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.

Continuando con los Recitativos, estos son partes cantadas por solistas en las que se
desarrolla la acción. Para que sea posible se debe realizar con un texto declamado y sin
adorno. Existen dos tipos de recitativo: Secco, acompañamiento solo de abajo continuo o
Acompagnato, con acompañamiento de orquesta. Así mismo tenemos a las Arias,
consideradas las partes más importantes y vistosas de la ópera. Reazadas por solistas, ahora la
acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz.
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Siendo el máximo exponente de la monodia acompañada. Como una parte de la ópera

también encontramos a los Coros, fragmentos en los que canta un numeroso grupo de
personajes. Y ya por último se encuentran los Interludios, partes instrumentales que se
intercalan entre todos los fragmentos anteriores, denominados también ritornellos. Sin
embargo además de estos apartados, en la ópera se encontrarán dúos, tríos, etc.

7. La música vocal religiosa

Pérsico (2011) nos dice que, la música barroca predominante era la polifónica y a capella,
mejor dicho, sin un cotejo instrumental y eso se dio hasta el siglo XVII. Pero ocurre que hubo
una contraposición entre el estilo de Palestina, el cual era antigua con una forma de melodía
acompañada, el bajo continuo y el medio concertado. En otras palabras, se formaron nuevas
formas religiosas gracias a la ópera y a la integración de instrumentos. Por tanto, el mismo
que componía podía hacer uso de esos estilos en una sola obra todo para crear un
contrapunto. Así mismo, durante este siglo empieza a ver una decadencia en la música
religiosa por el hecho de que se impulsaba la entrada de la ópera, hasta tal punto de que llegó
a pasar a un segundo plano donde se le tomaba esa importancia necesaria para seguir
desarrollándose, quedando bajo el dominio y la preferencia de las modas operísticas.

Además, según Heller (2019), tanto la iglesia católica como la protestante aprovecharon de
una buena manera la música religiosa para crear nuevas formas a partes de las que siguieron
manteniendo. Por ejemplo, para la iglesia cristiana siguió firme con su forma musical
cultivando motetes y misas. Por el contrario, para los protestantes su iglesia conservaba el
coral como la más significativa, pero eso no fue impedimento para la creación de otras. De la
misma manera, se debe recalcar que la música religiosa y la música profana no son lo mismo,
pues se diferencian en puntos clave como su espíritu y estructura. Es por ello, que durante
todo este periodo que abarca el Barroco, se crearon y formaron tres nuevas formas musicales
como son: el oratorio, la cantata y la pasión.

7.1. El oratorio

Originalmente, junto a una iglesia o cerca de ella, siempre había un oratorio que era aquel
lugar usado para hacer conversaciones religiosas o en otras ocasiones para realizar
ceremonias que habitualmente se celebraban ahí durante ciertas fechas. Igualmente, según
Bueno (2012) la Congregación del Oratorio de San Felipe Neri que se fundó en el siglo XVI,
fue la causante de la propagación de lo que sería esta forma musical. Una vez, ya convertida
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en una manifestación melódica, se iba a diferenciar ampliamente de la ópera. Debido a que, el

oratorio se caracterizaba por su tema no letárgico llamado sacro, el uso de coro con un fin
dramático, narrativos o meditativos y que no se había planificado para la escenificación.

Así mismo, esta forma presenta una amplia gama contrapuntística de la polifonía religiosa y
un enriquecimiento con la orquesta y raramente con el órgano en fragmentos corales de gran
tamaño que eran alternados con los recitativos. Sin embargo, estas dos formas musicales si
tenían algo en común por más pequeño que fuera y era la utilización de recitativos, arias,
dúos, coros y preludios instrumentales.

Así pues, Ohlsen (1993) gratifica que, el oratorio presentaba ciertas características propias
durante el Barroco, por ejemplo: los textos eran religiosos y comúnmente eran extraídos de la
biblia católica, esta forma no se escenificaba, sino lo que se hacía era exponerlo en cierto
lugares donde se realizaba culto, y había la existencia de una narrador que mientras se iba
cumplimiento la acción él, la iba recitando. De igual forma, este era tomado como un
sustituto cuando los teatros estaban clausurados o en caso contrario la ópera no se encontraba,
es ahí donde resaltaba y ampliaba su importancia. Pues, no sé ejecutiva en cualquier parte
sino en academias, institutos hasta inclusive en un lugar real como era el palacio.

Además, se debe mostrar que los oratorios tuvieron mucha influencia en la ópera
especialmente en lugares como Italia durante el Barroco porque autores como Georg
Friedrich Händel escribieron diversos oratorios, y este personaje resalta mucho más por el
hecho que los escribió en inglés y para la clase media fue muy satisfactorio, porque a la
misma vez el estilo que él empleaba a diferencia de Bach era menos contrapuntístico debido a
que estaba más vinculado con las modas que se insertaba en su época, nunca dejándolas de
lado. Igualmente, debido a esto, cuando él compone “El Mesías” fue su creación más grande
y muy utilizado, esta se divide en 3 grandes dimensiones como son el nacimiento de Cristo
salvador, el proceso de su pasión, su crucifixión o muerte y su resurrección final, en el mismo
orden de lo mencionado. Y el emblema más manido e interpretado es el número 39, que
corresponde al extremo de la segunda parte, el coro del “Aleluya”.

De igual importancia, Carreras y Marín (2004) recalcan que el primer oratorio representado y
que se ha conservado es la “representación del alma y del cuerpo” en el año 1600 de Emilio
Cavalieri y toma un dato muy interesante, el cual es que coincide con la misma fecha de la
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primera ópera que igual fue conservada, “Eurídice” de los autores Peri y Caccini, y utilizan
un técnica musical muy parecida.

Por ello, dentro de esta forma musical, se distinguen 2 tipos de oratorios: el vulgar que eran
textos completamente libres, escritos en lengua italiana, educativa y moral y tiene una
semejanza al ambiente netamente popular de la época en la que se desarrollaba; y el latino
que eran textos únicamente bíblicos de la iglesia católica y, por lo tanto, permanecerán en ella
para su utilización y conservación, además, la lengua en las que están escritas estas
composiciones es en latín.

7.2. La cantata

Según Heller (2019), es necesario primero saber que etimológicamente este término cantata
significa “música para cantar” y nace o se forma con la intención de contraponerse y
enfrentar con la ya existente sonata que era la música para soñar. Johann Sebastián Bach era
uno de los compositores que más resaltan dentro de esta música y la justificación de esto no
es por el gran número de cantatas que compuso que fueron alrededor de una 200, sino por el
contrario lo que verdaderamente influyó fue su síntesis perfecta que hizo de toda la música
barroca, al igual que por el magnífico poder expresivo de la música que había elaborado, se
volvió famoso con su cantata 147 “Jesús la alegría de los hombres”. De igual manera, esta
nace desde 1620 en Italia y presentaba un similitud con el oratorio, lo cual era la
representación escénica que no presentaban. Por el contrario, en Alemania surgió en 1700 y
esto es gracias a la reforma luterana que dio paso a una vinculación entre la música y la
iglesia que crearon un estilo propio que era la cantata religiosa.

Así mismo, según Ohlsen (1993) los compositores debían cumplir ciertas reglas o mandatos
que se les imponían, por ejemplo, la composición de cantatas todos los domingos y también,
los días festivos del año. Por lo cual, indudablemente iba a ver un cantidad muy extensas de
músicas, así como textos para las imprentas musicales que se encargan de imprimir los
escritos de estas sin música. Por esta razón, varias cantatas que se compusieron en esa época
no llegaron hasta el día de hoy. En otras palabras, estos textos no pervivieron por su creación
de manera excesiva y debido a la imprenta musical.

7.3. La pasión

Según Bueno (2012), dice que su origen para que se vuelva un oratorio es de la costumbre de
la iglesia de leer y recitar el viernes santo como evangelio de la misa, la pasión de Cristo. Por
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ello se dice que este, es un oratorio pero que trata únicamente de la pasión y muerte del señor
Jesucristo, y se basan como fuente de inspiración en los evangelios, que sirven como
modelos. Dentro de este oratorio, los solistas interpretan los personajes más importantes del
evangelio y el coro a personajes secundarios de este.

Por consiguiente, López (2000) manifiesta que, en Alemania no se recalca tanto el oratorio en
sí sino un estilo que se le asemejaba concretándose a finales del siglo XVII llamado pasión de
Cristo. La razón era porque para los alemanes lo más importante era la narración bíblica
sobre la pasión y querían composición netamente religiosas sobre esa parte y no como en
Italia donde se componía de varios fragmentos.

Para finalizar, por ejemplo; la Pasión Según San Juan y La Pasión Según San Mateo de Bach
son de este tipo de estilo que surge en Alemania. Una parte de dicha composición de Bach era
“Ten Piedad de mí, Dios mío” que se describe como una exclamación que la persona decía
muy perseverantemente, en otras palabras, el solista que se encargaba de ello estaba integrado
por el violín con el sustento del continuo y la orquesta, por ello este autor fue muy conocido
en Alemania.
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CONCLUSIÓN
Como postura final, ratificamos y sostenemos la posición del grupo, que el estudio de la
música barroca es de vital importancia porque nos permite el acceso hacia una notable
diversificación de interpretación de la música establecidos en las culturas existentes,
expandiendo el conocimiento académico y musical. De la misma manera, el estudio
realizado acerca de su origen, evolución e importancia recalca lo persistente que es.

En conclusión, respecto a su contexto cultural e histórico, origen, definición y formas

instrumentales. Se puede sintetizar que la música del barroco es muy importante en
cuanto al desarrollo y evolución de la música, ya que en esa época es donde a través del
análisis de la historia se afirmó que se presentaron grandes personajes en torno a su
contexto. Y, dio lugar a la aparición y clasificación de nuevos recursos expresivos y
géneros.

En síntesis, como en cada época musical tienen sus propias características que lo hace
relevante y distinguido de los demás períodos, en ese sentido durante el barroco lo que
más resalto son la tonalidad, la utilización de compas claros y sencillos, el uso la textura
bipolar y el empleo de los espacios de improvisación. Correspondiente a los estilos
musicales en el Barroco es importante precisarlos porque en cada nación se diferencia.
Sin embargo, los más fundamentales o base para creación de los otros estilos es estilo
italiano en correlación al estilo franceses. Estos son que dan pie o encabezan para
formación de los diversos estilos musicales del Barroco.

En relación con los instrumentos, en la etapa del barroco, no se generan nuevos sino que
se perfeccionan los ya existentes. Se dieron a relucir el Clavecín, órgano y violín como
instrumentos con mayor importancia. Los artistas de la Camerata tenían un exclusivo
objetivo y era buscar un género capaz de comprender cada una de las maneras artísticas
probables denominando a la ópera como género musical profano que va a surgir en Italia
a inicio de siglo XVII. Caracterizada por ser una síntesis de poesía, melodía y danza. Así,
la música deberá ser capaz de recrear cada una de las pasiones del alma: el amor, la ira, la
piedad, etc.

Con respecto a la música vocal religiosa en la época barroca, aunque fue pasada a un
segundo plano por la ópera, siguió forjando frutos para las iglesias, como la invenciones
de tres nuevas formas musicales como; el oratorio que se caracterizaba por sus textos
religiosos y su forma no se escenificada, la cantata que significa “música para cantar” y la
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pasión, el cual es un tipo oratorio pero que trata únicamente de la pasión y muerte del
señor.
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