MONTAJE CINEMATOGRÁFICO

En esta página encontrarás información vital tanto para editores o

montajistas como para directores futuros, ya sea de cine o de
televisión. Aquí podrás encontrar una pequeña, pero gran ayuda, de
cómo hay que hacer para poder montar correctamente una película, sin
cometer errores de cualquier tipo y que de esta forma, el material
fílmico se pueda ver con mayor fluidez y que las imágenes de este tipo
de trabajo sea más placentero para los sentidos. Así se podrá ganar en
calidad tanto ocular como auditiva, y es en esto en lo que se basan
las grandes creaciones.

Por otro lado se encuentra la calidad del guión cinematográfico (cosa

que plantearemos en un futuro próximo) ya que la conjunción de un
excelente guión y una magnífica dirección del trabajo hacen al éxito
de una película.

En cualquier film que recordemos como excelente podremos observar

estas dos características, las cuales se unen para hacer una perfecta
composición, reflejada en el material fílmico.

El montaje se encarga de que la parte de la dirección llegue a un buen

término y poder ver reflejadas las expectativas del director (y por
supuesto del productor), y así poder cerrar un circuito que lleva a la
calidez de los sentidos.

No es más que esto lo que disfrutamos cuando vemos una buena película.

Esta página de montaje no la podría haber hecho sin la gran ayuda de

Marco Grossi, mi profesor y maestro del montaje, ya que todo lo que
aquí aparece son apuntes de sus clases en la Universidad Nacional de
Lanús. A él le doy las gracias, ya que esta página le pertenece
completamente y por hacernos abrir los jos y los oídos a sus alumnos.
Gracias. Un ultimo saludo a la Universidad Nacional de Lanús por hacer
posible que podamos estudiar este arte en un país donde el arte y la
educación son escasos y difíciles de encontrar.

Breve historia. Los comienzos del cine, y primeros tipos de montaje en

la historia. Un breve repaso.

Tipos de montaje. Dentro de la historia se encuentran los creadores de

los primeros tipos de montaje los cuales, la mayoría se usan en la
actualidad. Aquí podremos encontrar desde Griffith y varios directores
soviéticos que revolucionaron las técnicas de montaje.

Diseño del cuadro. Aquí se podrá observar como esta compuesto el

cuadro cinematográfico, sus características y el por qué de éstas
históricamente.

División del discurso fílmico: Aprenderás la estructura básica

(escena, secuencia, toma, etc.), el espacio fílmico, los tipos de
lentes, y los planos (tipos y tamaño) de una película

Islas de edición: lineal y no lineal: Ve los tipos de islas que

existen y como hay que usarlas. Todo lo lineal y lo offline. Programas
y conexiones.
Programas de edición digital: Aquí se mostrará dos tipos de programas,
simples y que pueden ser usados por cualquiera, como lo son el "Adobe
Premiere" y el "Media 100".

En breve se actualizará la página con nuevos títulos como:

Etapas del montaje: guión técnico, story board, plantas

dirección del movimiento
posiciones de cámaras
dirección de mapa
no traslados
grupos de 3
paso por puertas
movimientos curvilíneos
cambio de dirección
movimientos básicos de cámara
etc., etc., etc...
Si quieres obtener más información sobre estos temas o alguna pregunta
que tengas, mándame un e-mail a iberaz@yahoo.com

Breve historia

Breve historia: hnos Lumiere, Edison, origen oficial y origen real;

cuevas de Altamira y Lascaux, pintores, escultores y aparatos que
intentaron atrapar las imágenes, Méliès, Segundo de Chomon; montaje,
definición y origen, Porter, George Smith...

Tipos de montaje: Griffith, cross-cutting, flashback, los

sovieticos...

Los sovieticos : Eisenstein, Kuleshov, Pudoukin...

Cine sonoro "The jazz singer"...

Comienzos del cine

Origen Oficial
 28/12/1895

París Grand Caffé 14 de Boulevard de los

capuchinos

Lanzamiento en público por los Hnos. Lumiere

Origen Real

1893 Dos años antes Edison

inventa el cinematógrafo pero no le dió importancia y lo guardó en un

cajón

Anteriores formas de atrapar el movimiento

Altamira (España)/ Lascaux (Francia)

En 1815 se descubrieron estas cuevas que datan de 20.000 años A.C. en

los cuales había animales en movimiento que los habían hecho con mas
patas para así describir o capturar mejor el movimiento.

Paolo Ucelo Pintó un tríptico (Tres cuadros) llamado " La (1397-1495)

batalla de San Romano". También pintó unos hombres corriendo con más
patas de las que tenían.

Fra Angelico Pintó un cuadro donde unos ángeles eran (1387-1455)

tirados al océano, en el fondo del cuadro, y en el primer plano del
cuadro eran levantados por un santo.

Miguel Angel Un perfeccionista. (1475-1564)

Aparece la fotografía (1816)

Joseph Turner Pintaba cuadros de movimientos de trenes y (1755-1851)

uno en particular que se llamaba "Viento, vapor y velocidad".

Escultores:

Edgar Degas Hizo una escultura de un caballo, con su jinete, que tenía
3 patas en el aire y una sola en el suelo.

August Rodin Hizo una escultura llamada "El hombre que marcha".
Aparatos que intentaron atrapar las imágenes

Zootropo Una rueda que tenía una ranura y por ésta salía la luz que
proyectaba las imágenes dibujados

Praxinoscopio Proyectaba las imágenes pero como un espejo, lo que daba

una mejor sensación.

Las primeras experiencias en montaje

GEORGE MELIES: Descubre la posibilidad de la sobreimpresión de

imágenes casi por error, cuando se le traba su cámara. Cuando volvió a
andar se dió cuenta que en el último cuadro habían quedado
sobreimpresas dos imágenes.

Luego empezó a investigar esto y con estos trucos es por lo que se

hace famoso como "El Mago "

SEGUNDO DE CHOMON: También como Méliès usa trucos de cuadros por

cuadro pero utilizó una velocidad más baja para que así se vean las
imágenes más lentas y se puedan codificar mejor.

MONTAJE: Escuela Brigthon (1901). Dicho o enseñado por primera

Oficialmente Brigthon vez por George Smith. Esto es oficialmente
porque ya Méliès y de Chomon habían montado con diferencias técnicas.

MONTAJE: Selección y armado u ordenamiento de un material filmado con

el objetivo de construir la versión definitiva de un film.

EL REGADOR REGADO Es una película de los hnos. Lumière en la que se

empieza a contar una historia.

EDWIN PORTER Asistente directo de Edison. Porter hizo el

1er.Western.Usa nuevas técnicas de montaje como filmar angulado y no
siempre de frente.

Tipos de montaje

David Wark Griffith (1875-1948)Filmó más de 100 películas

como "El nacimiento de una nación" en 1915 o
"Intolerancia" en 1916. David Griffith es el inventor del
1er. plano ya que empieza a dejar de lado o a restarle
importancia al plano general para empezar a acercarse a
los objetos y a las personas. Un distintivo en Griffith es
el "Montaje Paralelo".

Montaje paralelo (cross-cutting): Se cuenta en

forma simultanea dos o más historias a la misma
vez.
Para los soviéticos Griffith es el creador del "montaje narrativo" ya
que hace una película como lo describe un libro. Esto lo hizo ya que
pidió que le financiaran una película y al explicarles a los que le
iban a dar la plata, éstos no entendieron como iba a ser eso de contar
dos historias a la vez, por lo que dijeron que no se iba a entender.
Griffith dijo que " a caso los escritores no lo hacen ?" por lo que
Griffith lo hizo muy parecido a un libro.

FLASHBACK: Con el principio del Cross-cutting. Es prácticamente lo

mismo pero en vez de dos o mas imágenes del mismo momento, el
flashback son dos imágenes pero una lleva a la otra al pasado del
personaje casi siempre. Este cambio de la actualidad al pasado, a
veces se hace por una secuencia de imágenes o por un sonido,
generalmente es un sonido con reverb, que es incrustado en la imagen
(de ahora), para que ese sonido lleve a la imagen al pasado.

Algunas direcciones útiles:

www.chem.mtu.edu/pcharles/gish/dwg.html

www.digitalcentury.com/encyclo/update/griffith.html

LOS SOVIÉTICOS

SERGEI EISENSTEIN: Venía del teatro, donde fundó

una "troupe" de teatro para chicos donde a veces actuaba y también

hacía los telones del decorado. Como era muy buen dibujante, empiezó a
hacer caricaturas políticas con el seudónimo "Sir Gay". En 1923
escribe un artículo en el Nº 3 de la revista LEF, el cual llamo "El
montaje de las atracciones"

En este artículo decía que el cine era todo momento agresivo en el

teatro. Tratando de provocar un shock emocional a todo el auditorio.
Un año después ya ingresado en el cine, cree que lo que provoca una
imagen junto a otra es más importante que la idea general.

1923 Corto (Cómico)

1924 La huelga (Strike)

1925 Potemkin

1928 Octubre

1936 Alejandro Neusky

En 1929 escribe una serie de tratados:

1)MÉTRICO: La idea es que el patrón sea la duración de los metros de

la cinta. O sea manejar la tensión del fragmento que estamos tratando,
mediante la duración de la imagen. Para darle mayor tensión a un
fragmento se le pasa mas rápido y lo mismo si se quiere lo contrario.
2)RÍTMICO: La información está en el cuadro o sea que dejamos un poco
de lado la métrica para darle mas importancia a algunas imágenes.

3)TONAL El criterio del corte tiene que ver con el fragmento.

4)SOBRETONAL ARMÓNICO: Tiene que ver con el tonal pero con fragmentos
más largos.

5)INTELECTUAL: Con esto dice que hay que pasar mensajes políticos,
como el mensaje de la URSS de "ROJO". Éste es el mayor sinónimo de
Eisenstein.

Algunas direcciones interesantes sobre este director son las

siguientes:

http://www.carleton.edu.81/curricular/MEDA/classes/media110/Serverson/
pics.htm

Este tipo de montaje es visto en inglaterra y Raimond Spottis Woode

también escribe una serie de tratados muy parecidos a los de
Eisenstein.

(1935) 1. Primario 2. Secundario 3. Rítmico 4. Implicacional

5. Simultaneo 6. Ideológico

LEV KULESHOV (1899- 1970): Era pintor. Primero se transforma en

escenógrafo. Luego trabaja de actor en dos películas. Da clases en la
escuela de cinematografía Rusa y trabaja para el ejército rojo. En
1920 funda el "grupo Kuleshov" y empiezan a hacer experiencias con el
montaje para dar vueltas las cosas. Filmó películas como "Según la
ley","El rayo de la muerte" y "El gran consolador". Del grupo de
Kuleshov surge Vsevolos Podoukin (1893-1953). Él, con Kuleshov, crean
lo que se llama Montaje constructivo El realizado no opera sobre echos
sucedidos en espacio y tiempo real sino sobre fragmentos de películas
que contienen a esos echos. Es decir que actuamos sobre echos
ficticios. Por ejemplo: si tenemos que filmar que un tipo se tira de
un 10º piso no lo vamos a filmar en serio, sino que lo filmamos desde
abajo. Luego cortamos y lo filmamos desde arriba, cortamos, se filma
desde abajo, pero el actor se tira desde el 1º piso. O sea que no lo
hacemos en el mismo tiempo ni en el mismo espacio.

Otros tipos de pruebas que realizaban son las siguientes:

Muestran una imagen y luego se le

muestra la 1º imagen a unas
personas, la 2º a otras y la 3º a
otras y se evaluan las respuestas
de las personas con cada imagen.
 Otra prueba era:

Si las imágenes las pasaban como

están para la derecha se trataba de
un cobarde. Si se pasaban al revés
era un heroe.

Pudoukin también diseñó sus propios métodos de montaje como lo que se

llama contraste. Este método pretende mostrar cuestiones que están muy
contrapuestas como por Ej. mostrar en una imagen una persona rica y en
la siguiente una pobre. Otro nombre es el paralelismo. Es parecido al
contraste pero mas violento y mas sorpresivo, con flashes.

Similitud (Analogía) Muestra imágenes de algo que tiene que ver con lo
que está pasando en la película . Por Ej: Cuando unas personas hacían
un motín, mostraban fotos de vacas que iban al matadero.

Sincronismo Es como el montaje paralelo con relación de espontaneidad,

o sea lo que está pasando al mismo tiempo en otro lado.

Leit Motiv o repetición (Tema recurrente): Esto es que se repite una

imagen cada tanto tiempo (Escena del motivo que aparece al principio y
al final).

CINE SONORO

1927: 1era. película sonora Fin de los cartones

"El actor de jazz" es la 1era. película con algo de sonido. Al

principio no es muy aceptado el sonido, ya que decían que las imágenes
perdían fuerza. Por lo tanto dicen que aceptaban el sonido pero si
éste no remitía a la imagen que se estaba viendo. O sea el sonido no
tenía que ser el mismo de lo que estaba pasando. La no sincronización,
como dice Alexandrov.

Al principio tuvieron mucho éxito comercial las películas con sonido

con lo que se llamaban 100% Talkies (100% habladas)

pero como era sonido en vivo el que se grababa, los actores tenían que
estar casi estáticos y sin cortes ya que la toma de sonido era
bastante mala. Por lo tanto hubo un retroceso momentáneo en el montaje
(por lo estático de las imágenes), pero con la tecnología esto se fue
superando.

Diseño del cuadro

UNIDAD 2 Factores: 1. Punto de máximo interés

2. Limite interno o interior del cuadro

Punto de máximo interés: Siempre va a haber en

una imagen un punto que es el central, a través
del cual va a transcurrir la imagen.

Límite interno del cuadro: En un cuadro el

límite no es el marco sino que generalmente
siempre tiene un límite que está adentro del
mismo lienzo.

250 a.C. EUCLIDES Dijo que la casita se dibujaba al costado porque

dijo que era dividir la media y extrema razón.

1509 LUCA PACIOLLI Divina proporción

Leonardo Da Vinci

RECTANGULO DE SECCION DE ORO

Cuadrado giratorio

Cuadro cinematográfico aquel que guarde una

proporción de 4 x 3 (no importa de que).
Si a esto le ponemos le ponemos el punto "T" de Luca Paciolli, nos da
los puntos de máximo interés

Entonces:

Punto de máximo interés: Objeto o persona que lleva la máxima

importancia del plano.

Límite interno: Líneas en el interior del cuadro que lo que está más
afuera pierde el interés

El nombre de rectángulo cinematográfico 4 x 3 es cuadro académico pero

también existen otras proporciones u otros formatos que hay que tener
en cuenta para cuando haya que encuadrar.

Cuando apareció el cinemascope o sea la pantalla mucho mas ancha pasó

algo parecido al sonido, no eran muy aceptadas ya que muchos
laboratorios ofrecían un servicio de anaformización de imágenes para
las películas que no eran filmadas en cinemascope. Lo que hacían era
estirar la imagen y entonces se veía como una pelota de rugby. Además
los directores que llevaban sus películas para que sean anaformizadas,
ponían todo en el centro para que no les corten las imágenes.

Lo que sí se veía bien eran las películas filmadas en Cinemascope. No

las filmadas en 35 mm pero anaformizadas, o sea estirados. Las filman
en Cinemascope y luego se pasaban en TV, o se perdía imagen.

DIVISIÓN DEL DISCURSO FÍLMICO

estructura estructuraEstructura básica de una película.

espacio espacioEspacio fílmico.

lentes lentesTipos de lentes.

planos planosPlanos según su tamaño.

tipos tiposDistintos tipos de plano.

En las películas se ve una estructura básica que está durante toda la
película. Esta estructura se divide en 3 grandes partes.
Estos grandes bloques tienen el nombre de secuencias. Esto se
traduciría en un libro a los capítulos.
SECUENCIA: Unidad dramática y temática con sentido completo. Cada
secuencia va a estar dividida en varias escenas, lo que más le
interesa al montajista es la escena y no tanto la secuencia. Una
escena en un libro sería un párrafo
ESCENA: Acción continuada que se desarrolla dentro de un mismo
ambiente o escenario. Es de escenario de donde viene la palabra
escena, porque en teatro cuando se cambia de escenario es cuando se
cambia de escena. En el cine, hay que privilegiar a la continuación de
la acción dramática.
Esto es: en una escena donde hay una charla telefónica entre dos
personas y se muestran a las dos en diferentes tomas, con la
definición teatral de acción continuada que se desarrolla dentro de un
escenario, habría como 40 escenas ya que cada pocos segundos se
cambiaría de escenario (la persona al otro lado del teléfono), pero en
el cine hay que tener más en cuenta la acción dramática continuada. Es
por esto que una conversación por teléfono, se situaría dentro de la
misma escena mientras que cumpla con la misma acción dramática
continuada. Luego, sí hay que tener en cuenta el escenario. También
hay que acordarse que siempre que en una secuencia haya un cambio
temporal, seguro que va a haber un cambio de escena. Generalmente las
escenas están divididas en varias tomas. Las tomas en un libro serían
una oración o sea desde que se abre la oración hasta el punto y
seguido o aparte.
TOMA: Acción ininterrumpida de la cámara, desde que se prende hasta
que se apaga. En el montaje no se va a incluir ni la plaqueta ni la
veladura final que hace la cámara cuando corta.
TOMA EN MONTAJE: Aquel fragmento comprendido entre dos cortes.
PLANO: Tiene dos significados: el primero tiene que ver con el tamaño
en que se está tomando la toma.
El segundo es lo mismo que decir toma, entonces plano va a ser
sinónimo de toma, por lo tanto plano es igual a toma.
En el cine, la TV, la computación, etc, podemos tener imágenes que nos
den sensaciones en 3 dimensiones pero en realidad solo tenemos
imágenes en una pantalla, o sea solo en 2 dimensiones.
Esto se debe a algo parecido a lo que pasa con el ojo humano. En el
ojo se perciben los objetos que reflejan la luz y esos rayos de luz
son captados por la lente del ojo, que da vuelta la imagen y la
refleja al punto focal donde se cruzan todos los rayos de luz y son
reflejados a la retina. En el cine y la TV la retina sería la
pantalla, las lentes del ojo serían las lentes de la cámara y el punto
focal el foco de la cámara.
CAMPO: El campo es estrictamente la imagen o el cuadro que tenemos
enfrente o lo que aparece en la pantalla. Es lo que se ve.
FUERA DE CAMPO: Se refiere a lo que no vemos pero se sugiere o se
imagina que está. Ej.: Una cara de una persona que se encuentra en la
pantalla estará dentro del campo, pero si esa cara se mueve hacia la
derecha y sale del cuadro estará fuera del campo, pero nosotros
intuiremos que está a la derecha del cuadro.
ESPACIO FíLMICO: La suma del campo y el fuera de campo es igual al
espacio fílmico. O sea lo que se ve en el cuadro, o pantalla, y lo que
no se ve pero se sugiere o imagina.
TIPOS DE LENTES
1.- Angulares La distancia focal es más corta que la normal, por lo
tanto, eso hace que se pueda tener más campo visual.
2.- Normales Es el tipo de lente que nos permite filmar de la manera
más semejante a como vemos los humanos.
3.- Teleobjetivos La distancia focal es mucho más grande, lo que hace
que en distancias muy grandes entre un objeto y la cámara, podamos
verla desde muy cerca.
4.- "Zoom" Lente de distancia focal variable, o sea que podemos variar
la distancia focal.
Las lentes se diferencian por la distancia que hay entre el centro
óptico de la lente y el foco (distancia focal).
La diferencia entre una lente y el ojo humano es que en el ojo tenemos
o podemos ver hasta 180 grados y en una lente de una cámara solo 35 o
40 grados.
PROFUNDIDAD DE CAMPO: Es aquel sector en donde la imagen es nítida, el
sector donde la imagen está en foco.
Con la diferentes lentes cambian las profundidades de campo, ésto hace
que se nos vengan encima los objetos y que así parezca que las
distancias son menores o mayores. A menor distancia focal (lente
angular) mayor será la profundidad de campo. Si existe mayor distancia
focal (teleobjetivo) menor será la profundidad de campo.
Supongamos que estamos con un teleobjetivo a 1,5 metros entre una cara
y otra, entonces parece que están muy cerca una de la otra. Esto es
porque la distancia focal del teleobjetivo es muy grande, por lo tanto
los objetos parece que se acercan.
Lente normal. La cara de atrás parece que está más alejada, cuando en
realidad está a la misma distancia que en el ejemplo anterior. Esto es
porque la distancia focal es menor y por lo tanto da la sensación que
la cara de atrás está más alejada que con el teleobjetivo pero en
realidad es una distancia muy parecida a como lo vería el ojo.
Con un objetivo angular parece que la cara de atrás está mucho más
lejos que los dos ejemplos anteriores.
De esta forma si la cara de atrás empezara a caminar y se acercara
hacia delante, con el teleobjetivo parecería que tarda mucho para la
poca distancia que parece que hay. Esto se debe a que el teleobjetivo
acorta las distancias. Eso es lo que pasa en las carreras de autos,
cuando se enfoca a un auto de lejos y de frente, con un teleobjetivo,
que el auto parece que va muy lento ya que tarda mucho en recorrer lo
que parece que es poca distancia, pero que en realidad es mucha.
Los planos según su tamaño
PLANO: Un plano es la dimensión de un objeto o sujeto dentro del cuadro. Para entender
esto vamos a dividir el cuadro en tres grandes grupos: Plano general, plano medio y
primer plano. Estas mismas divisiones tienen dentro suyo otras subdivisiones: Plano
general corto es la subdivisión del plano general, la subdivisión de plano medio es el
plano medio corto y el primerísimo primer plano es la subdivisión del primer plano.
Existe también otro tipo de plano, pero tiene que ver con los objetos, y es por esto que
no los incluimos entre los tres grandes grupos.
PLANO ABREV. INGLÉS DESCRIPCIÓN

Plano general PG Long shot Abarca todo el

escenario
Subdivisión: PGC Short long
Plano gral. shot por ej. toda una
corto cancha
Aquellos planos que
abarquen a las
personas cuerpo
entero. Esto tiene
que ver con la
medida con la
persona.

Plano medio PM Medium Las personas de

cabeza a
(o americano) PMC Shot
rodillas.
Subdivisión: Short Med.
P. Medio Las cabezas de
 corto Shot cabeza a
cintura.

Primer Plano PP Close up Las personas de

Subdivisión: PPP Extreme close pecho u hombro a la
cabeza.
Primerísimo up
Primer plano Las personas de
barbilla a frente.

Se diferencia de los anteriores tres grupos el plano detalle, ya que se refiere a medidas
de objetos y no de personas.
PLANO ABREV. INGLÉS DESCRIPCIÓN

Plano detalle PD Detail Shot Abarca a un

objeto
determinado o
parte especifica
de un sujeto
(ej.: un ojo, una
mano).

DISTINTOS TIPOS DE PLANO

Existen otros tipos de plano que tienen que ver con los anteriores mencionados.
PLANO ABREV. INGLÉS DESCRIPCIÓN

P.de P.de ref. Un obj. o

referencia sujeto en
función o
referencia a
otro.

P. Punto de P de V. Point of view La mirada del

Vista (PoV) personaje
desplazada de
la línea
visión. Se
puede
observar que
el personaje
no está
mirando a la
cámara
(nosotros),
pero casi.
Esto le da
más peso hace
que nos
compenetremos
más.

P. Subjetivo Subj Es la visión

(o Subjetiva) de un
personaje. O
sea cuando la
cámara toma
como si
fueran los
 ojos del
personaje.

P. de dos P2 Un plano de
dos
personajes
con un plano
medio o
menor.(PM,
PMC, PP, PPP)

P. de Tres Parecido al
P2, pero con
tres
personajes en
vez de dos.
También se
usa PM o
menor.

ISLAS DE EDICIÓN

lineal lineal Lineal

digital digital No lineales

programas programas Programas de edición no lineales

LINEALES
Se dice que es edición lineal, ya que para trabajar hay que empezar
desde el principio (títulos de presentación) hasta el final de la
película.
Maquinas:
En las islas lineales
existen dos tipos de
maquinas: las
reproductoras o PLAYER y
las grabadoras o REC o
RECORDER.
Podemos utilizar más de
una
Player, para así poder
mezclar varias imágenes.
Formatos de cinta:
VHS-C VHS S-VHS DVT U-
MATIC Betacam SP D1 D2 D3
Los modelos digitales son D1, D2, D3 y DVT. El Digital Video Tape
(DVT) es un formato que intenta ser un formato intermedio entre U-
MATIC y el S-VHS, ya que entre estos dos existe mucha diferencia.
Norma:
La norma usada acá es PAL -Utiliza 25 cuadros por segundo, casi igual
que lo que utiliza el cine que es de 24 c/s.
En USA se utiliza NTSC -Utiliza 30 cuadros por segundo, lo que hace
que se aleje más del formato de 24 c/s que utiliza el
cine y por lo tanto que le sea más
difícil pasar las imágenes de un sistema a otro.
Mixer:
Para que todas las
PLAYER (P1, P2, P3,
etc) estén conectadas
con la RECORDER van a
pasar por un MIXER.
Con este aparato vamos
a poder elegir cual de
las player queremos
que grabe la
grabadora. También se
pueden hacer efectos
con las imágenes y se
puede elegir la forma
de montaje.
Controladora de
edición:
En la isla analógica
para poder dar las
ordenes a los equipos, vamos a tener que tener una CONTROLADORA DE
EDICIÓN. Esta controladora nos va permitir manejar todos los aparatos
(por ej. todas las PLAYER) desde un solo lugar. Generalmente la
controladora está separada de los aparatos pero también existe PLAYER
que tienen controlada esa función para así, poder controlar desde una
sola PLAYER varias juntas.
Las controladoras constan en su mayoría de dos elementos:
* Una ruedita que tiene dos partes el SHUTTLE y el JOG
*Las funciones básicas de la controladora.
SHUTTLE/JOG
SHUTTLE: Esta es la parte exterior de la ruedita. Nos permite avanzar
o retroceder tanto rápidamente como más lento (cuanto más giremos la
rueda hacia cada uno de los lados irá más rápido). De esta manera si
queremos ir hacia "mañana" giraremos el Shuttle hacia la derecha, y
cuanto más la giremos más rápido irán las imágenes. Si queremos
avanzar a una velocidad muy lenta tendremos que girar muy poco. Si
soltamos el SHUTTLE, va a volver a la posición de 0 ó pausa.
En montaje para entender si una imagen está adelante o atrás (antes o
después), ya que puede prestar a confusiones, se dice que la imagen
está MAÑANA o AYER.
JOG: El JOG es la parte interior de la rueda. Con este vamos a poder
avanzar cuadro por cuadro en la medida que giremos la rueda con el
dedo. De esta manera cuantas posiciones giremos, tantos cuadros van a
avanzar. Así podremos buscar el cuadro que deseamos. El JOG, al
contrario que el SHUTTLE no vuelve a la posición 0 (cero) sino que se
queda donde está, ya en todo momento se encuentra en pausa, dado que
estamos avanzando cuadro por cuadro.
FUNCIONES BÁSICAS DE LA CONTROLADORA:
*INSERT (insert video): Esta función sirve para insertar una imagen
sobre algo anteriormente grabado, sin afectar el sonido. Tampoco
tendremos perturbaciones de la imagen antes y después del grabado
*AUDIO DUB (insert audio): Al contrario que en la función de INSERT se
agrega el sonido a un imagen sin modificar esa imagen.
*ASSEMBLY (audio/video insert): Aquí se puede insertar la imagen y el
sonido al mismo tiempo.
ISLAS NO LINEALES(off line)
Maquinas: En este tipo de edición solo se necesita una VTR y una
COMPUTADORA, que es donde se van a trabajar las imágenes.
Computadora: Necesitamos una CPU de carcaza mediana o di es posible
grande, ya que los elementos que llevan adentro van a tener que estar
bien ventilados, para que así no se recalienten.
En la computadora vamos a tener una MOTHER que es donde se insertan
las plaquetas o placas. Ahí vamos a necesitar una placa
DIGITALIZADORA, que es la que permite transformar la información de la
casetera a información digital que usa la computadora.
Las imágenes van a ir a un disco rígido, pero no uno convencional. El
disco rígido que necesitamos tiene que ser muy grande (con mucha
capacidad de ingreso de datos, ya que las imágenes ocupan mucho
espacio en el disco) y con una velocidad de transferencia de datos muy
alta. Es por esto que se necesitan discos rígidos de tipo SCSI
(escasi), los cuales tienen la velocidad de transferencia de datos muy
alta. Si no se usara este tipo de disco, las imágenes se verían entre
cortadas. Para poder controlar este disco rígido se necesita una placa
controladora.
Calidad de imagen: Con la computadora vamos a poder elegir que calidad
de imagen queremos. Cuanto más calidad queramos, más va ocupar en el
disco, ya que se necesita más información para almacenar. Las
calidades que podemos elegir son las siguientes:

1 Esta calidad es la mejor, ya que seria como la imagen que sale en directo al
: aire en un programa de TV, por lo tanto es casi imposible lograrlo, ya que
1 nosotros estamos trabajando con algo anteriormente grabado.

2
:
1
Calidad tipo BETACAM
3
:
1

4
:
1
Calidad tipo U-MATIC
5
:
1

6
: Tipo DVT (Digital Video Tape). Sistema intermedio entre U-MATIC y S-VHS.
1

7 Como S-VHS
:
1

8
: Calidad tipo VHS.
1

PROGRAMAS DE EDICIÓN DIGITAL

MEDIA 100 Y PREMIERE 4.2
Se usan monitores más grandes que los comunes (17" aprox.) ya que de
esta forma se puede ganar más espacio. Esto es porque se achican las
ventanas y entonces tenemos espacio libre. Para que las ventanas se
achiquen hay que aumentar la resolución.
Timeline: Línea de tiempos. Allí hay una línea que está dividida en
segundos. Esta línea graduada se puede ir aumentando hasta poder ver
los cuadros.
Hay también dos barras horizontales y paralelas al timeline ("A" y
"B") que vendrían a ser lo mismo que la player 1 y 2 en una isla
lineal. Entre medio de estas, se encuentra otra barra llamada FX (en
el Media 100) o T (en el Premiere) de "transition".
Debajo de estas tres barras hay dos más de audio,llamadas Aa (Audio
"a") y Ab (Audio "b").
Bin o Proyect: Esta es otra ventana que se abre debajo del TIMELINE,
donde aparecen todas las imágenes que tenemos guardadas o que hemos
elegido.
Para hacer una edición: Se arrastra la imagen que elegimos del BIN, al
A o B del timeline.
Para hacer un efecto en la transición de imágenes hay que poner en la
barra de FX o T el efecto que elegimos.

http://members.tripod.com/iberaz http://members.tripod.com/iberaz