Reapaso Examen#2

El dibujo y Grabado
El Dibujo y el Grabado son dos técnicas artísticas que comparten pocas similitudes y muchas
diferencias. Por sus similitudes las estudiaremos en el mismo módulo y por sus diferencias
examinaremos los procesos técnicos que los hacen posibles. 

Tanto el dibujo como el grabado son similares en la utilización de la línea. Para crear un dibujo
su fundamento básico es el trazo de líneas que forman figuras. En la mayoría de las técnicas de
grabado ocurre los mismo, las líneas que se trazan sobre una superficie definen, y dan forma y
volumen a las escenas representadas. 

Sin embargo, es el proceso técnico lo que las hace abismalmente diferentes. Para el dibujo basta
con algunos trazos bien pensados o espontáneos y mucha habilidad para crear un dibujo artístico
grandioso. Para el grabado el proceso de dibujar es solo la primera parte de lo que será el arte
final. Requiere de una gran planificación y de varias etapas y ensayos, antes de ver el resultado
de lo que será obra.  

"El Dibujo es el origen de todas las artes plásticas". Esta afirmación puede parecer exagerada,
pero es cierta. Con el dibujo comienza a trazarse el camino a seguir en la creación de la obra. 

El Dibujo se encuentra en los inicios del proceso de creación de las demás artes visuales.  Es con
el dibujo que los artistas expresan las imágenes que surgen de su imaginación, las visualizan, les
dan forma y las definen sobre una superficie. Con el dibujo se consigue ilustrar las formas
reconocibles, o figurativas; y también las no reconocibles, o sea las abstractas.   

Antiguamente el dibujo era una manera de ilustrar, a través de una representación gráfica, el
mundo que nos rodea y los eventos, rituales y costumbres que eran importantes para un grupo de
personas.
Posteriormente su función fue evolucionando y se convirtió también en una forma de esbozar las
ideas que luego serían creadas en otros medios, como la pintura, la escultura y la arquitectura.

Esbozar, significa dibujar una idea sin preocuparse de los detalles para representar algo, un
lugar, una persona, un objeto, o cualquier cosa en general, y que se desarrollará en otro medio en
el futuro. También se le conoce como Boceto. El boceto se utiliza para ilustrar una explicación
rápida de un concepto o situación.

Durante el periodo Renacentista (siglos XV al XVII), importantes artistas como Leonardo Da

Vinci (1452- 1519) hicieron del dibujo un medio de expresión primario. Un ejemplo son los
dibujos anatómicos y de inventos, como aparatos voladores o máquinas para batallas que dibujo
Leonardo. Gracias a la gran calidad de detalles y terminaciones en sus dibujos estos se
consideran hoy en día verdaderas obras de arte. 
Hoy en día el dibujo es mucho más que una forma de ilustrar nuestras ideas. El dibujo en si es un
arte y puede ser tan expresivo como cualquier otro medio, por ejemplo como la pintura.

Algunas artistas también combinan el dibujo con otros medios, como la pintura, para hacerlos
más contrastantes, o para conseguir mayor expresividad y movimiento. Observa los ejemplos a
continuación. En ambos se integrá la pintura en los dibujos como un recurso expresivo.

Aunque podríamos decir que se puede hacer un dibujo con casi cualquier cosa que nos permita
crear un trazo sobre una superficie, tradicionalmente existen diversos medios que se utilizan para
el dibujo artístico. Conozcamos algunas de las técnicas más populares para dibujar:

1. Dibujo a lápiz o grafito

2. Dibujo al carboncillo 
3. Dibujo con sanguina
4. Dibujo con tinta 
5. Dibujo con lápices de colores

Dibujo a lápiz o grafito

El lápiz que tradicionalmente utilizamos para escribir no es un lápiz de dibujo, ya que este no
nos permite las degradaciones y variedad en el trazo que se pueden lograr con los lápices de
dibujo, mejor conocidos como grafitos. El grafito en si es un mineral, color gris oscuro y de
textura satinada. 

El dibujo con lápiz de grafito es la técnica más utilizada en el mundo. Los lápices de

grafito tienen diferentes niveles de dureza. Estos niveles determinan cuan oscuro o cuan claro es
el trazo. Mientras más blando sea un grafito (o grafo), más oscuro será el trazo, o sea la línea
que se crea. El grafito se aplica sobre una superficie de papel; según la dirección de las líneas, el
ángulo del trazo y la presión sobre el papel se lograrán diferentes resultados, inclusive la
sensación de volumen, luces y sombras.

Dibujo al carboncillo
El carboncillo es el medio con el cual aprenden a dibujar la mayoría de los artistas gracias a las
cualidades que posee. Se compone de pequeñas ramas de árbol carbonizadas. Es una materia que
se fija (pega) poco en el papel, es fácil de rectificar (corregir) el trazo, por lo cual es idóneo para
hacer bocetos. Con el carboncillo se pueden lograr tonos muy oscuros, que en contraste con el
blanco del papel, permiten estudiar y aplicar mejor los efectos de luz y sombra. Además, tiene
una gran capacidad expresiva, y su trazo es suelto e irregular. También se utiliza en polvo
aplicándose con un pincel.

Dibujo con Sanguina

A la sanguina también se le conoce como "tiza roja" (o red chalk). Es una técnica de dibujo que
utiliza una barra creada de un mineral llamado hematita. Puede tener distintas tonalidades
rojizas, desde el rojo anaranjado hasta el rojo violáceo. También se utiliza en polvo aplicándose
con un pincel. La sanguina es un medio que se utilizó mucho durante el Renacimiento por
importantes artistas como Leonardo Da Vinci y Miguel Angél Buonarroti.  

Dibujo con tinta

Para el dibujo con tinta se emplea la tinta china, que es un medio líquido que se aplica con un
pincel o plumilla de tinta. Se compone del polvo u hollín que resulta de la combustión de resinas,
y que luego se disuelve en agua o laca. Con esta técnica se pueden realizar dibujos lineales o con
manchas, y de diversas transparencias. Fue una técnica muy utilizada por las antiguas dinastías
de China y Japón. Se distingue de las demás técnicas del dibujo por ser un medio líquido. Se
considera un medio del dibujo pues su principal aplicación es de líneas entrecruzadas; y además
se utiliza para la caligrafía.

Dibujo con lápices de colores

Los materiales de colores mas populares para el dibujo artístico son los pasteles de colores.
Los pasteles de colores son barras de aceite y cera pigmentados. Su primer atributo es, claro
esta, el color; y el segundo su capacidad de mezclarse entre si y su acabado satinado. Los artistas
los utilizan para crear imágenes brillantes, exaltar los detalles en las imágenes y atribuirles
dimensión. Otras variaciones de los pasteles son los lápices de colores, cuyo trazo es más
parecido al de un grafito. 

Con las técnicas de dibujo se pueden realizar obras bidimensionales o de apariencia

tridimensional tan simplificadas o elaboradas como quiera el artista. Es un medio tan versátil,
que permite a los artista dotados del talento, la práctica y el conocimiento necesario, lograr en
poco tiempo resultados extraordinarios. 

El hombre de Vitruvio
La imagen debajo de estas líneas presenta una de obras más emblemáticas del Renacimiento
italiano. Se titula El Hombre de Vitruvio. Fue creado a finales del siglo XV por el genio
renacentista, el italiano Leonardo da Vinci (1452 -1519). Quien además de artista, también fue
inventor y científico.

El Hombre de Vitruvio es un dibujo, podríamos decir que de tipo científico, que pertenece a
una colección de bocetos realizados por Leonardo a finales el siglo XV y que tenían como fin
retratar las proporciones del cuerpo humano.

Da Vinci, siendo también un estudioso de la arquitectura romana y la anatomía humana, conoció

el trabajo de un famoso arquitecto romano del siglo 1 a. C. que se llamaba Marco Vitruvio.
El arquitecto Vitruvio comparaba las medidas de los espacios arquitectónicos con las medidas
en la naturaleza, con el fin de lograr un mejor equilibrio. Entre las proporciones que utilizó
también estaban las del hombre. De ahí que también es conocida esta ilustración como  “Las
proporciones del cuerpo humano según Vitruvio”.

Leonardo, se dio a la tarea de hacer una serie de diagramas o dibujos con tinta para comprobar
estos principios.  O sea, el Hombre de Vitruvio es la ilustración de los principios de proporción
descritos por Vitruvio en alguno de sus libros.

En el dibujo se puede observar a un hombre desnudo dentro de los límites de una circunferencia
y un cuadrado, y sus extremidades se duplican para mostrar dos posiciones diferentes.

Según lo que escribió Leonardo alrededor de la ilustración, Vitruvio estableció ciertas

equivalencias de lo que deberían de ser las proporciones perfectas del ser humano. Entre ellas
que:

 Cuatro dedos equivalen a una palma

 Cuatro palmas equivalen a un pie
 Seis palmas hacen un codo (codo se refiere al antebrazo)
 Cuatro codos equivalen a la altura de un hombre
 24 palmas equivalen a un hombre
 y otros

Además de estas comparaciones entre algunas partes del cuerpo que se repiten, como las palmas
de la mano, Vitruvio también habla en términos un poco más específicos sobre las proporciones.
Por ejemplo:

 La altura de una persona es igual a la longitud de los brazos extendidos.

 Si se abren las piernas y levantan un poco los brazos hasta que lleguen a la
altura de la cabeza, el centro del cuerpo estará en el ombligo y el espacio
entre las piernas será un triángulo equilátero.
 Pero cuando se encuentra con los pies sobre el suelo, son los genitales la
parte media del hombre

Algunos historiadores piensan que esta imagen es el retrato del mismo Leonardo. Sin embargo,
la mayoría de los que han estudiado la obra coinciden en que se trata de un hombre común. Vea
los siguientes videos para conocer mejor esta enigmática obra. 

El dibujo en la actualidad
El dibujo, ha sido y será siempre el origen mismo de la actividad artística, ya que se encuentra
integrado en la raíz de casi todas las demás artes visuales. Sin embargo, en la actualidad se
destaca más bien por romper con los cánones clásicos heredados a lo largo de la historia del arte
y por haberse convertido en un medio para crear nuevas formas de expresión.

Luego del Renacimiento, por siglos el dibujo se siguió utilizando principalmente como boceto
preparatorio para la pintura. Sin embargo, en el siglo XX se considera a las técnicas de dibujo un
modo de expresión propio, separado de la pintura, y que puede crear de manera singular y
espontanea figuras y formas, no solo figurativas, sino abstractas. En otras palabras expresiones
más libres y emocionales. 

En la actualidad vamos a encontrar trazos distorsionados, una mayor libertad en la utilización de

colores, un evidente interés en la representación de la velocidad y el movimiento, y también
cierta ironía. 

En la obra de la artista británica Jenny Saville (1970 - presente) se presenta el caos de la

maternidad. En su dibujo Estudio de Isis y Horus, Saville se retrata a si mima junto a sus hijos.
Para ello combina el carboncillo y el pastel de colores, utilizando los pasteles de la misma
manera en que usaría la pintura. Crea líneas amplias y áreas sin terminar que contrastan con las
zonas que lucen más acabadas. 

La artista primero dibujó con el carboncillo, a manera de boceto. Luego, aplicó las capas de
pastel y retocó nuevamente la imagen con carboncillo; con líneas más gruesas que enfatizan la
sensación de movimiento. Con esto logra una imagen dinámica y expresiva. Con colores tierra en
diferentes valores crea zonas de énfasis que contrastan con los trazos expontaneos del
carboncillo y de las manchas transparentes de color. La aplicación de los tonos de color es
increíble; y el juego entre líneas, que por una parte dibujan las formas y por otra las
descomponen, es extraordinario. 

El recuadro que aparece en el fondo le da una sensación de unidad y estabilidad, aún en el caos.
Las líneas que forman un cemicírculo en la parte superior de la escena y que parecen abrazar a la
madre, también contribuyen a definir el espacio y el sentido de unidad. El tamaño de este dibujo
supera el tamaño natural de la artista. Es una imagen atrevida y cruda, pero también nos hace
pensar en la realidad de la maternidad.

En la escena la madre lucha por mantener a los niños en su falda, mientras que los niños se
contorsionan para escapar. Es una composición centralizada, inspirada en la iconografía de la
Virgen y el niño, específicamente en la pintura de La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana, de
Leonardo da Vinci.

El grabado es un proceso artístico que tiene como objetivo reproducir varias veces una misma
imagen, transfiriéndola de una matriz a una superficie plana, casi siempre de papel o de tela. Las
técnicas tradicionales de grabado incluyen la xilografía, el aguafuerte, el intaglio (punta seca) y
la litografía. A estas se les suma la serigrafía, técnica considerada moderna y una de las más
utilizadas hoy en día. 

La matriz es el componente distintivo del grabado. Una matriz es esencialmente una plantilla o

placa de madera, metal, piedra o acrílico, en la cual se talla o graba la imagen que luego será
reproducida. El diseño se crea en la matriz utilizando herramientas punsantes o productos
químicos. Luego se entinta la matriz para transferir (imprimir) la imagen a la superficie
deseada. Para imprimir desde una matriz se requiere la aplicación de una presión controlada, la
mayoría de las veces se logra mediante el uso de una prensa de impresión, que crea una copia
uniforme sobre el papel o la tela. 

La Xilografía o grabado con madera (woodcut) es una técnica de impresión que se originó en
China alrededor del año 220 d.C. Utiliza una plancha de madera como matriz, y gubias y
cuchillas para tallar la imagen sobre esa matriz. Selecciona el siguiente enlace para estudiar la
técnica:

Xilografía (woodcut)

Paul Gauguin. Xilografía con Cabeza con Cuernos (Woodcut with a Horned Head), 1898–99

El Intaglio es una técnica de impresión con la cual una imagen (diseño) se graba haciendo
incisiones sobre una placa (matriz) de metal o acetato. Los huecos que resultan de las incisiones
se entintas, se limpia la superficie de la placa que no ha sido trabajada, y luego se transfiere la
imagen de los espacios entintados a un papel.  También se le conoce como grabado al hueco.
La punta seca es una técnica de Intaglio. Se utiliza una herramienta punzante para raspar la
placa y crear las incisiones (los huecos). Selecciona el siguiente enlace para estudiar la técnica:

 Intaglio o punta seca (engraving)

Martin Schongauer. Cristo cargando la cruz, 1475-80.

El Aguafuerte (Etching) es una técnica del grabado en la cual se logran líneas o incisiones sobre
una placa de metal utilizando ácidos (mordientes). Al proceso en el cual la placa entra en
contacto con el ácido se le llama morder. Los materiales utilizados para el aguafuerte eran
originalmente tóxicos por lo cual con el tiempo ha ido evolucionando la técnica, y  tanto los
barnices como los ácidos (nítrico, mordiente holandés, cloruro férrico…) o los metales se han ido
sustituyendo por otros no tóxicos. Se cree que la técnica data del siglo XV. Selecciona el
siguiente enlace para estudiar la técnica:

Agua fuerte (etching) 

Rembrandt (Rembrandt van Rijn). Paisaje con una cabaña y granero, 1641

La Litografía fue inventada a finales siglo 18 por el alemán Johann Aloys Senefelder. Utiliza el

fenómeno de separación del agua y el aceite para transferir una imagen desde la superficie de una
piedra plana a una hoja de papel. Se considera uno de los medios más auténticos de reproducción
artística, ya que imprime de forma directa el trazo de la mano del artista. Selecciona el siguiente
enlace para estudiar la técnica de litografía:

Litografía (Lithograph) 
Godefroy Engelmann. Litografía de los viajes pintorescos de Barón Taylor, 1820 - 78.

Aunque sus raíces surgen en China hace varios siglos, la serigrafíamoderna surge en el siglo
XX, y tiene un gran auge como arte hacia la década del 1930. En el caso de la serigrafía el estilo
de imagen, el proceso de impresión y el resultado final cambian considerablemente en
comparación con las otras técnicas del grabado. Ya que no se imprime,sino que se transfiere.
Sigue teniendo en común con las anteriores su capacidad de reproducción en masa. Una de las
ventajas de la serigrafía es su versatilidad, por lo que es una técnica muy utilizada
comercialmente. Una de sus características es la capacidad que ofrece de crear imágenes con
infinidad de colores saturados y bien definidos. Conoce la técnica de la Serigrafía seleccionando
el siguiente enlace:
Serigrafía (Screenprint)
ndy Warhol – Marilyn Diptych, 1962
 acrylic, silkscreen ink, and graphite on linen, two panels, 205.4 x 289.6 cm (80 7/8 x 114 in.),
Tate, London

La escultura y la cerámica son disciplinas o expresiones artísticas que se han practicado por
milenios a través de la historia. También han sido técnicas que han evolucionado y cambiado
significativamente a través del tiempo, tanto en sus temas y conceptos, como en sus formas
físicas y en los materiales que se han utilizado y que se utilizan hoy en día para crearlas. En
esencia, con las técnicas escultóricas y de cerámicas, el artista trabaja con una materia prima,
casi siempre de procedencia natural (por ejemplo, la arcilla, la madera, el metal, entre otros) para
crea formas tridimensionales con volumen y masa. 

(Una de las disciplinas artísticas más utilizadas - Es tridimensional - Su materia prima
puede ser: piedra, madera, metal u otros)

Una diferencia fundamental entre estas dos disciplinas, es que la escultura es un Arte Mayor,
realizado para la contemplación y apreciación artística; mientras que la cerámica es un Arte
Menor, especialmente creado para una funcionalidad, aunque sus cualidades estéticas y técnicas
son dignas de admiración y de reconocimiento.

Comencemos hablando un poco sobre la escultura. En términos históricos, se ha comprobado, a

través de hallazgos y estudios arqueológicos, que la escultura tuvo sus inicios hace ya más de
30,000 años. Alrededor de ese entonces se crearon piezas, podríamos decir que miniaturas, que
fueron esculpidas principalmente en piedra, huesos o marfil; miniaturas, pues eran piezas bien
pequeñas, que solo median unos pocos centímetros.

Venus de Hohle Fels

Esta escultura es una miniatura descubierta apenas en el año 2008, durante una excavación en
una cueva en Alemania. Se le ha dado el nombre de Venus de Hohle Fels, en reconocimiento a
la zona en la cual fue encontrada.  

Lo que estamos observando es una talla en marfil. El marfil proviene de los colmillos de algunos
mamíferos, por ejemplo, los elefantes o el mamut. En la escultura se aprecia una figura alusiva al
cuerpo de una mujer, en la cual se exageran las partes que se han relacionado a la sexualidad,
como son los pechos y la entrepierna. Ya que los antepasados de ese momento creían que estos
atributos representaban y propiciaban la fertilidad y la procreación, según sus creencias mágico-
religiosas. Es por esto que también presenta unas caderas anchas y un vientre prominente,
características que se van a repetir en otros hallazgos a través del mundo.

Esta pieza se estima que tiene unos 35,000 mil años de antigüedad y mide apenas unos seis (6)
cm de alto por 3.5 cm de ancho.

Visiblemente tiene un brillo característico del marfil y es una pieza con una apariencia
rudimentaria en sus terminaciones, ciertamente con algunas deformaciones que hacen que sea
una figura desproporcionada. También son visibles las piernas, los brazos, las manos y una
especie de anilla en la parte superior que posiblemente se utilizó para ponerle alguna cuerda y
llevarla de amuleto.

La escultura se puede dividir en tres tipos:  de bulto redondo, frontal

y al relieve
Escultura de bulto redondo o exenta: 
La escultura de bulto redondo en la más conocida y realizada en el mundo. Se caracteriza por ser
visible desde todos los ángulos; o sea que esta creada para que el espectador la pueda ver no solo
de frente, sino para que también puedan verse sus lados y la parte posterior. Es lo que
coloquialmente llamamos una estatua.

A la escultura de bulto redondo también se le llama exenta.

Escultura frontal o adosada: 

La escultura frontal o adosada, es la que está realizada para verse de frente. Casi siempre está
creada para colocarse frente a una pared, un nicho u otra estructura que naturalmente impide que
la pieza sea vista desde la parte posterior.

Ejemplos:
Un ejemplo de escultura exenta o de bulto redondo lo vemos en elDoríforo, del escultor
griego Policleto. Como se ve, es una escultura que puede mirarse desde todos los ángulos y que
se podría colocar en el medio de una sala de museo pues todas las partes cuentan con el mismo
lujo de detalle que la parte frontal.

Por otro lado, vemos un ejemplo de escultura frontal adosada en la pieza titulada Triada de
Micerinos. Está es una pieza esculpida en piedra de diorita y es una de muchas piezas en las
cuales se encuentra al faraón Menkaura representado junto a diversas deidades egipcias y sus
respectivos símbolos. 

Como vemos, es una escultura que se puede apreciar de frente y tal vez un poco los lados, por
eso es frontal. Además, esta adosa, los cuerpos están pegados en la parte de atrás a una
superficie. Por lo cual no vamos a encontrar definitivamente detalles el parte posterior de los
cuerpos. Así que estas son piezas que fueron intencionalmente creadas para ocupar un espacio en
el cual se iban a apreciar únicamente de frente.

Relieve

Para que la escultura sea frontal no necesariamente tiene que ser adosada. Una escultura frontal
podría estar despegada de una superficie y seguir siendo frontal cuando solo esta trabajada en
detalle en la parte de al frente. Sin embargo, cuando una escultura está unida a su superficie que
es del mismo material, pero no es frontal, y además se proyecta poco, o sea que su volumen o
tridimensionalidad está limitada, entonces podríamos hablar de un relieve.

El relieve es otro tipo de escultura. Se divide en:

o Bajo relieve
o Alto relieve 
o y Medio relieve. 

Las más populares son el bajo relieve y el alto relieve. 

El bajo relieve tiene poca proyección, o sea poca dimensión. Observa el ejemplo a la derecha, se
titula "León Herido" y es un bajo relieve de la cultura Micénica.

El alto relieve se proyecta más dramáticamente desde el fondo. Los cuerpos sobresalen más de
la piedra. Observa la imagen a la derecha inferior. Se trata de un alto relieve en elTemplo de
Pérgamo, en la ciudad de Pérgamo en Grecia. 

En el caso del medio relieve sus formas sobresalen alrededor de la mitad del bulto, ni mucho, ni
poco.

Métodos Tradicionales
En cuanto a las técnicas, hoy en día vamos a encontrar muchas manifestaciones escultóricas que
se generan con el surgimiento del arte moderno y el arte conceptual, o sea el arte de las ideas. Y
esas manifestaciones van a traer consigo nuevas formas de crear esculturas y nuevos estilos. 

Sin embargo, existen cinco métodos que podemos considerar tradicionales para hacer una
escultura. 

Estos métodos son: 

o Modelado
o Fundición
 Vaciado
o Esculpir
o y el Ensamblaje
Dentro de la técnica de esculpir también vamos a distinguir dos (2) variaciones, la talla y
el cincelado.

El modelado es la técnica más común y sencilla de crear una escultura.  Es también la más
accesible porque el material que se utiliza es arcilla o barro. Estos materiales, antes se secarse y
endurecerse funcionan con una especie de plastilina, pero más pesada y menos blanda. 

Por sus características son fáciles de manejar, ya que mientras se mantienen blandos son
flexibles y pueden manipularse para lograr prácticamente cualquier cosa.

Cuando la arcilla o el barro se secan al aire, luego de haber sido moldeado se vuelve duro y pasa
a convertirse en una escultura. Esa escultura de arcilla, aunque es bastantes resistentes al tiempo,
es un poco más frágil que la arcilla cocida. O sea, una arcilla que ha sido sometida a altas
temperaturas en un horno.

A esa arcilla cocida también se le llama terracota y es mucho más duradera. 

Un ejemplo de escultura modelada la vemos en la escultura de Taxila, realizada en terracota,

posiblemente en Pakistán. Es una pequeña escultura de bulto redondo, modelada a mano con
arcilla. Su apariencia porosa y mate es característico de ese material.

Totem Telúrico
Una variación del barro cocido es la cerámica. El barro se puede convertir en cerámica cuando
su cocción es mayor de 700 grados centígrados. Como resultado se obtiene un acabado más
duradero y una apariencia más lisa.

Un ejemplo relevante a nuestra cultura es el Totem Telúrico. Es una escultura realizada en el año

1992 por el artista puertorriqueño Jaime Suárez (1946 – presente). Este monumeto se encuentra
en la Plaza del Quinto Centenario, en Viejo San Juan. Fue realizado en honor a los 500 años
del decubrimiento de PR por Cristobal Colón. Se trata de una columna de cemento armado de 12
metros de altura recubierta con  granito  negro en  su  base,  hasta  los  2,5  metros  de  altura. El
resto está recubierto con relieves en cerámica. Tiene 1,2 metros de diámetro y pesa
aproximadamente 30 toneladas. El barro que se utilizó proviene de difentes lugares de
latinoamerica.

Un totem es un monumento de procedencia natural que sirve como símbolo de una cultura. El
nombre Totem Telúrico significa el monumento que surge del interior de la tierra.

Como se observa en las imágenes, las piezas de cerámica le dan la vuelta al centro de esta
escultura cilíndrica, que representa el origen de las personas en America, incluyendo a los tainos.

“El tótem es uno de los  primeros monumentos en  Puerto Rico que no son figurativos sino
abstractos,  y por eso es difícil para el público entender su importancia... es un monumento a la
tierra de América que guarda en sus entrañas, en fragmentos arqueológicos, la historia de lo
que somos. ¿Por qué a la tierra?  Porque todo  lo que sabemos  de la cultura  indígena y de
nuestros ancestros lo hemos llegado  a  conocer  gracias  a  la  arqueología”  (Cit.:  Morales 
Blanes,  2002) 3

Hoy en día esta escultura se ha convetido en un símbolo de unidad.

(Fundir)
La fundición es otro de los métodos para crear esculturas. Es un procedimiento complicado y
laborioso que involucra varias fases y que permite realizar escultura en metal. La técnica de
la Cera Perdida es una de las más conocidas.

Técnica a la Cera Perdida

La técnica de la Cera Perdida fue desarrollada en la antigüedad por varias civilizaciones en el
mundo. En resumen, se trata de realizar una escultura en arcilla que se recubre de cera y que
luego servirá para crear un molde. El molde que se crea tiene dos capas, una exterior y otra
interior. 

La cera, que se encuentra entre las dos capas se derrite y se deja salir por orificios. Esto deja un
espacio vacío entre las dos capas de arcilla que luego se rellena con el bronce fundido. 

Cuando se enfría el metal se retira del molde y se revela la escultura en bronce, todavía un poco
rudimentaria. Luego debe pulirse y afinarse los detalles.

El proceso se puede apreciar brevemente en la ilustración.

La pequeña bailarina de catorce años

La escultura "Pequeña bailarina de catorce años" o es un ejemplo de escultura en bronce, y

una de las piezas más conocidas del artista impresionista Edgar Degas. 

(esculpido)
Otra técnica para hacer una escultura es esculpir o esculpido. O sea, en el proceso de esculpir
una escultura se toma un bloque de un material seleccionado, por ejemplo, una piedra estable
como el mármol o un tronco de madera dura como la caoba, y se interviene sobre ellas con
herramientas que sirven para raspas, rasgar y retirar pedazos a fuerza de golpes controlados y
cuidadosamente aplicados sobre el material. Como resultado se va consiguiendo que esa materia
que no es blanda ni moldeable, vaya adquiriendo la forma deseada creándose la escultura. 

Las herramientas más utilizadas para esculpir son el cincel y las gubias. Observas en las
imágenes a la derecha.
La técnica de Esculpir fue ampliamente utilizada en las antiguas Grecia y Roma, y
posteriormente en el Renacimiento.

Un ejemplo del proceso de esculpido con cincel sobre piedra son las esculturas inconclusas de
esclavos encontradas en el taller de Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564, Italia). Observa la
imagen de la escultura de “Atlas”. Esta escultura fue parte de un proyecto cancelado sobre los
“esclavos del mundo” o de la humanidad. Entre ellos se encuentra Atlas, personaje mitológico
que había sido condenado a cargar el mundo en su espalda. 

En esta escultura sin terminar se puede apreciar la roca cruda de marmol blanco en contraste con
las zonas trabajadas y pulidas.

Las esculturas esculpidas son obras que, románticamente hablando, tratan de tomar forma de la
piedra misma. Pues su tamaño y formas están condicionadas al tamaño y formas del bloque de
piedra.

Para Miguel Ángel, la escultura era “la liberación de las formas que están en la piedra”.  Para
el los hombres se encontraban dentro de la piedra, solo había que liberarlos.

Dos de sus esculturas más famosas fueron esculpidas en marmol. Son La Pieta y El
David. Veamos de que se tratan en la siguiente poágina.

La Pietà
"La Pietà fue un tema popular entre los artistas del norte de Europa. Significa piedad o
compasión, y representa a María contemplando tristemente el cadáver de su hijo que ella sostiene
en su regazo. Esta escultura fue encargada por un cardenal francés que vive en Roma. Mire de
cerca y vea cómo Miguel Ángel hizo que el mármol pareciera carne, y observe esos complicados
pliegues de cortinas. Aquí es importante recordar cómo se hace la escultura. Fue un proceso
desordenado y bastante ruidoso (¡esa es una de las razones por las que Leonardo afirmó que la
pintura era superior a la escultura!). Al igual que los pintores a menudo mezclaban su propia
pintura, Miguel Ángel forjó muchas de sus propias herramientas y a menudo participó en la
extracción de su mármol, un trabajo peligroso. Cuando miramos la representación extraordinaria
del cuerpo humano aquí, recordamos que Miguel Ángel, como Leonardo antes que él, había
diseccionado cadáveres para comprender cómo funcionaba el cuerpo." Beth Harris y Steven
Zucker 

El David
Otra obra maravillosa de Miguel Ángel es el Davíd. Realizada en marmol entre los años 1501–
04. Mide diecisiete (17) pies de altura y se encuentra en la Galleria dell'Accademia, Florence. El
Dr. Steven Zucker y la Dra. Beth Harris comentan sobre está fascinante pieza en el video titulado
"Michelangelo's David and the Florentine Republic"

Taller
La Talla o tallado es una variedad del esculpido. Tallar sígnica retirar pedazos de un material con
una herramienta punzante o de cortes rectos. Diferente al esculpido, el término tallar se utiliza
especialmente cuando se trabaja con materiales que no son tan duros como la piedra de mármol,
pero que siguen siendo firmes. Por ejemplo, la talla sobre marfil, piedra caliza o una gran
variedad de maderas. En Puerto Rico se habla popularmente de la talla de Santos, que
tradicionalmente se trata de las figuras de santos talladas en madera. 

La talla es una técnica milenaria. Un ejemplo perfecto es la venus de Hohle Fels que vinos hace
algunas páginas atrás.

Venus de Willendorf
Otro ejemplo muy conocido es la Venus de Willendorf, tallada en piedra caliza hace cerca de
28,000-25,000 A.C. Tiene apenas unas 4 3/8 pulgadas de alto. Por muchos años la Venus de
Willendorf ha sido un símbolo de la fertilidad y una de las esculturas prehistorias más antiguas y
mejor conservadas encontradas.

Ensamblaje
De las técnicas presentadas en el módulo, el ensamblaje es la más moderna. El ensamblaje es el
arte tridimensional que se hace mediante la unión o ensamble de diversos elementos o piezas, a
menudo objetos cotidianos, que el artista recolecta para formar una escultura. 

Algunos artistas hacen una distinción entre ensamblaje y construcción escultórica. Diciendo

que, en el caso de ensamblaje, las partes de la escultura se colocan o se juntan unas con otra, pero
siguen siendo visiblemente individuales.  Mientras que en la construcción las partes se unen
mediante soldadura o un procedimiento similar, y pasan a ser parte del todo de esa escultura. O
sea que se convierten en una sola cosa.

La primera mitad del siglo XX

Por siglos la escultura se reservó especialmente para representar a la figura humana, o al mundo
y asuntos sobre creencias de los humanos. Sin embargo, llegado el siglo 20 (XX) los temas
escultóricos comenzaron a ser muy variados. Ya no es tan palpable la intensión de representar la
figura y la condición humana, sino que se plantean nuevos temas con aproximaciones abstractas
distorsionadas o la representación de objetos, cosas, que antes no tenían cabida en el arte por
considerarse poco importantes.

De esta nueva aproximación surgen artistas con un espíritu de ruptura hacia los estilos artísticos
conocidos hasta ese entonces. Revolucionaron el mundo del arte durante las primeras décadas
del siglo XX reavivando un interés por la escultura, que había permanecido en segundo plano en
épocas anteriores por lo complejo de su elaboración. 
La escultura cobra valor en sí misma, ya no se crea para un lugar o persona que la ha
comisionado, sino que se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende,
igual que la pintura, a la abstracción y al uso de nuevos materiales.

Pablo Picasso
Durante la primera mitad del siglo XX artistas como Pablo Picasso (1881 – 1973, España),
introducen la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura desembocando
eventualmente en la abstracción. Se introduce la utilización del “espacio negativo”, o sea el
vacío, como elemento escultórico y se comienzan a utilizar también nuevos materiales para la
manipulación de las formas escultóricas.

La siguiente obra de Pablo Picasso se titula Metamorfosis 1, fue realizada en bronce fundido en

el año 1928. Es un ejemplo de escultura moderna, abstracta, de estilo surrealista, de formas
orgánicas y en donde el espacio negativo, lo huecos, son parte de la composición de la obra.

A continuación, se presentan otros ejemplos de esculturas realizadas por artistas destacados

durante la primera mitad del siglo XX y que representan importantes novedades para la época
por las técnicas, los materiales, temas y estilos utilizados. 

Constantin Brancusi (1876 - 1957, Rumania)

Constantin Brancusi es considerado uno de los grandes escultores del siglo XX. Se inspiró en el
arte primitivo africano y en el arte prehistórico mediterráneo. En sus obras fue simplificando
las formas hasta volverlas cada vez más geométricas. Conoce el estilo peculiar de Brancusi y
una de sus obras mas famosas encontrada en el museo MOMA, a través del video titulado: 1913 |
"Mlle Pogany" by Constantin Brancusi.

Alberto Giacometti (1901 - 1966, Suiza)

Otro importante artista fue Alberto Giacometti. Sus esculturas representan la desolación del ser
humano en el siglo XX. Son figuras humanas delgadas y alargadas, modeladas rústicamente con
las manos. Las podemos considerar como un retorno al arte figurativo, pero con la visión del
mundo moderno. En el video a continuación se presentan algunos de sus trabajos y su estilo
característico en el museo Tate. 

La segunda mitad del siglo XX

Los escultores después de la década de 1950 comienzan a experimentar con otros materiales y
crean proyectos a gran escala que se apoderaron de los paisajes y espacios públicos. A partir de
este momento vamos a observar un nuevo lenguaje con visiones surrealistas, formas
antropomórficas e impresionantes combinaciones de materiales. Se utilizó en exceso el acero y
otros materiales y técnicas industriales y de construcción. Algunos artistas como Henry Moore,
David Smith, Alexander Calder, Isamu Noguchi y Louise Bourgeois se encargaron de hacerse
notal en el mundo de arte con importantes novedades y propuestas escultóricas.
A continuación, ingrese a las páginas de los siguientes artistas para conocer de manera general
sus trabajos. Observe las novedades de las esculturas de cada artista y su peculiares estilos.

 Henry Moore (1898 - 1996, Reino Unido): Fue un artista que se destacó por sus figuras
orgánicas, de volúmenes redondos inspirados en la figura femenina. Observa parte de su
colección en el parque escultórico de Perry Green, en Inglaterra. Selecciona el siguiente
título: Outdoor works at Perry Green 2.
 Isamu Noguchi (1904 - 1988, Estados Unidos/Japón): Se le coloce especialmente por sus
esculturas paisajistas que se convierten en in elemento mas de la naturaleza. Selecciona el
siguiente título: Noguchi Public Work

 Escultura Cinética

La escultura cinética es una variación del ensamblaje. Se trata de esculturas que se mueven por

sus propio peso y condiciones ambientales. La palabra cinética significa relativa al movimiento.
O sea que son esculturas móviles. Desde principios del siglo XX, los artistas han ido
incorporando el movimiento al arte. Con ellos se "exploran las posibilidades del movimiento, se
introduce el elemento del tiempo, se refleja la importancia de la máquina y la tecnología en el
mundo moderno y se explora la naturaleza de la visión."1

Alexander Calder (1898 – 1976, Estados Unidos)

Alexander Calder fue un importante representante de la técnica de ensamble y del arte
cinético. Se caracterizó principalmente por sus esculturas móviles. Calder creó una serie de
artefactos flotantes compuestos de diversas piezas de metal ensambladas y suspendidas en el
techo o elevadas sobre una base. El sistema de ensamblaje no es fijo, así que permite que las
esculturas se muevan en el área, y por tanto son cambiantes. Como resultado logra esculturas
abstractas, podriamos decir que de bulto redondo, y que no están condicionadas a una posición
específica, ya que las piezas van girando en su propio eje y van cambiando según va cambiando
tambíen su ambiente.

Theo Jansen (1948 - presente, Paises Bajos)

Hoy en día algunos artistas han llevado la escultura cinética a otros extremos. Un ejemplo de
nuestros tiempos es el artista Theo Jansen. Sus esculturas no solo se mueven, sino que transitan
con vida propia. A través del siguiente video observa varias de sus impresionantes obras
realizadas desde el 1990. 

Louise Bourgeois
Un caso peculiar es el de la artista francesa Louise Bourgeois (1911- 2010, Francia). Durante su
trayectoria artística sus obras fueron variadas y complejas, siempre fuera de la norma estética.
Sin embargo, también son obras que marcan la fibra mas sensible del ser
humano. Bourgeos utilizó sus propios traumas de la infancia, sus miedos y sus iras como
elemento de trabajo. “Pocos artistas han sido tan honestos como ella en cuanto a mostrarse a sí
mismos. Su trabajo es tan autobiográfico e impudoroso que asusta…Para la artista hacer arte
tenía un efecto curativo, y entendía el arte como terapia”.1 

“Como escultora vio que podía trasladar mágicamente lo inmaterial en materia y siguiendo esa
alquimia mezcló su cóctel de relaciones humanas, maternidad, sexo, represión y dolor. Explotó
la memoria, el sexo, la inseguridad y el cuerpo femenino como herramientas y materiales para su
obra que iría evolucionando a lo largo del siglo XX” 2

Sus esculturas más conocidas son una serie de figuras arácnidas que se encuentran en varios
lugares del mundo.

La Historiadora del arte Emilia Bolaño describe la obra con las siguiente palabras:4

"A la salida del Guggenheim de Bilbao podemos pasearnos entre las estrechas patas de Mamá, la
monumental araña de Louise Bourgeois. La escultura de gran altura representa a su madre,
muerta cuando la escultora tenía 21 años, y a raíz de ese fallecimiento, Bourgeois decidió dejar
las matemáticas y dedicarse en exclusiva al arte, lo que nos regaló grandes obras.

Para Bourgeois, esta gigantesca araña era la perfecta representación de su madre. Pese a su
aspecto terrorífico, una araña es reflexiva, inteligente, paciente, delicada, sutil y útil. Igual que
ella veía a su madre. La araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga.

Y si lo pensamos bien, no hay mejor madre que una araña. Cuida y protege a sus crías (ahí
vemos los huevos en su vientre), las nutre. Una araña es fuerte y frágil al mismo tiempo, a la vez
tierna madre y temible depredadora.

Una araña es además una artista: teje. No solo eso"… Si desgarras la tela de una araña, ella la
vuelve a tejer, la restaura sin alterarse.

La escultura hacía el siglo XXI

Hacia finales del siglo XX la escultura había llegado a lo impensable. Algunos gestores del arte
como la crítica de arte Rosalind Krauss (1941-presente, Estados Unidos) también influenciaron
en la manera de ver en la escultura. En su texto “La escultura en el Campo
Expandido”2 publicado en el año 1979 Rosalind cuestiona los límites de lo que podemos
considerar una escultura.  Parte del hecho de que algunos artistas, como los
minimalistas, justifican sus obras como una evolución de los estilos anteriores, o sea que siguen
utilizando el historicismo como una referencia. 

Para ella, y eventualmente para muchos artistas, la escultura había dejado de plantearse como un
monumento, como algo para conmemorar un hecho, o un personaje y que está en un lugar
específico. Según evoluciona la escultura la historia de los eventos detrás de ellas dejan de tener
sentido, dejan de ser válidos frente al mundo moderno. Rosalindmenciona que la escultura entra
en una condición negativa, que pierde su lugar, tiene una ausencia de hábitat y es una señal de
que no tiene que tener un significado específico. Textualmente dice: 3 
“la escultura es lo que está delante de un edificio y no es edificio y es lo que está en el paisaje
y no es el paisaje”

Apartir de ese momento la escultura pasa a ocupar un espacio propio, no para “adornar” un lugar
o ser un monumento histórico, sino para existir y habitar en este mundo. Este tipo de
pensamiento que se forjó a partir los setentas (70’s) ha tenido su momento de mayor esplendor
en las primeras décadas de nuestro siglo, el siglo XXI.

Escultura Contemporanea
A continuación se presentan las obras de varios artistas que se desarrollaron en el contexto del
arte contemporaneo y que fueron claves en la evolución de la escultura que heredamos en el siglo
XXI. De forma general se distinguen por lo novedoso de sus propuestas artísticas y por su
incomparable manera del ver el arte.

Richard Serra (1938-presente, Estados Unidos)

Richard Serra realizó esculturas con materiales no tradicionales como fibra de vidrio y goma.
Pero sus trabajos más destacados son los realizados con acero, plomo y otros metales. 

Entre los años 1967 y 1968 realizó una serie de esculturas abstractas con plomo fundido basadas
en el proceso y no en el resultado. Utilizó una lista de verbos como “arrojar” para crear sus
piezas.  “Arrojar” sugería lanzar plomo fundido en los bordes entre una pared y un piso para
crear grandes salpicaduras en un espacio de exposición que luego se convertían en la escultura;
"Rodar" resultó en el enrollado del material metálico formando una especie de troncos metálicos.

Aunque las salpicaduras de Serra ciertamente crearon un gran impacto, su trabajo más notable y
evolucionado ha sido el creado luego de los años 70’s. Son esculturas realizadas con grandes
planchas de acero que se ubican permanentemente en museos y espacios públicos. Son
estructuras simples, que tienden hacia las formas cilíndricas y que forman pasadizos por donde
las personas transitan. 

Otros artistas escultures que han tracendido la brecha entre en siglo 20 y el 21 son: Ron
Muek, Jaume Plensa, Eduardo Chillida, Magdalena Abakanowicz, Anish Kapoor, y Elena
Asins. 

Arquitectura
Tradicionalmente la Arquitectura ha sido entendida como una de las Bellas Artes. Para ello se
han considerado aspectos creativos, estéticos y constructivos de edificaciones en todas la épocas
y momentos de la historia. Sin embargo, a diferencia de otras artes, como la pintura o la
escultura, la arquitectura no solo se contempla, sino que se habita en ella; y el ser humano
realiza diferentes actividades según la función para la cual fueron creadas. Por lo que la
arquitectura no se puede desligar de un fin o propósito de permanencia, refugio o vida en
comunidad.
Como definición podríamos decir que la arquitectura es el arte de imaginar, diseñar y
construir  edificaciones, grandes o pequeñas, que sean funcionales para la vida de los seres
humanos, resistentes al tiempo y estéticamente agradables o inspiradoras. 

A través de los siglos, los diversos estilos arquitectónicos sirven como testimonio de

la magnificencia y evolución de algunas civilizaciones en el mundo. También, de sus creencias
religiosas, de sus estilos de vida, de la manera en que se organizaban y de la evolución de las
tecnologías. La Arquitectura a lo largo de la historia representa el tránsito de las personas por el
mundo, su cultura, sus valores, su sociedad, lo que era importante para ellos y lo que era
considerado "bello" en cada época.  

Considerando que el tema de la arquitectura es tan amplio, intentar recorrer toda su evolución en
un solo módulo temático puede ser abrumador y sentirse imposible. Así que nos enfocaremos en
estudiar algunas obras arquitectónicas que han servido para ilustrar la evolución de esta
disciplina en función de su época, y que sirven de precedente para nuestros tiempos.

Primeras Arquitecturas
Las primeras viviendas "permanentes" sirvieron de refugio, pero no duraron mucho. Se cree que
fueron realizadas en arcilla y con el tiempo y sus inclemencias desaparecieron. Sin embargo,
otras construcciones han sobrevivido al paso de los siglos y son las que hoy se consideran
las primeras arquitecturas. Estas son los Megalitos.

Según la Real Academia Española, la Arquitectura es el: Arte de proyectar y construir

edificios.

La Arquitectura Megalítica es la primera que se conoce a "ciencia cierta" y fue realizada en la

prehistoria, durante el periodo Neolítico hace ya más de 7,500 años (3,500-2,500 a.C.). Los
seres humanos de ese momento conceptualizaron espacios y crearon estructuras que durante
siglos sirvieron para diferentes funciones, como el culto, sacrificios, celebraciones y ritos. Se le
llama Megalítica pues estaba creada con piedras de extraordinarias proporciones, o sea mega-
piedras! 

En la imagen superior se presenta un ejemplo de dolmen. Dolmen quiere decir "mesa de piedra

grande". Se trata de una estructura formada por dos o más bloques de piedra colocados en
posición vertical, parecido a paredes, y con un gran bloque o loza de piedra colocada en
horizontal encima de las otras. Se cree que tenía un propósito funerario, o sea de servir de tumba
colectiva y espacio de culto mortuorio.

Es el Dolmen del prado de Lácara. El dolmen se cubría con tierra para formar una especie de
túmulo con una sola entrada. Así que a la distancia podía perecer un simple montículo en el valle
y pasar desapercibido para visitantes no deseados. El Dolmen de Lácara es uno de los más
conocidos. A diferencia de otros, se extiende varios metros hacia el interior, formando una
especie de pasillo. 
Si la arquitectura se trata del arte de proyectar estructuras y crearlas, o sea imaginar e ingeniar
la manera de construirlas y hacerlas realidad, entonces no es difícil entender que estas piedras
levantadas en vertical y coronadas con otras piedras en horizontal se consideren las primeras
arquitecturas. Finalmente estamos hablando del esfuerzo intelectual y físico que se requirió
para crear estas "simples" estructuras en una época en donde no existía la tecnología y la
maquinaría para ello. Al menos, no una que nosotros conozcamos para aquellos tiempos. En la
próxima imagen se ilustra la teoría sobre cómo se movían y se colocaban las enormes piedras
para crear un dolmen.

Un tipo importante de arquitectura prehistórica megalítica es el Crómlech. Un Crómlech es un

monumento megalítico formado con piedras colocadas de manera circular y que sirve para
diversas funciones.

El crómlech más conocido e importante en el mundo es el de Stonehenge, en Reino

Unido. Es uno de los más impresionantes por su extensión de cientos de hectáreas y por lo
complejo de su construcción. La función de este monumento de piedras está relacionada con el
movimiento del sol durante los solsticios. Se cree que también tuvo una función funeraria, ya que
se han descubierto numerosas tumbas en sus alrededores. Probablemente sirvió de lugar para
celebraciones, ritos y cultos. 

Se cree que la utilidad del Stonehenge fue cambiando según nuevos grupos de personas fueron
llegando y "descubriendo" esta impresionante estructura.

Arquitectura Egipcia (La Pirámide )

Luego de la prehistoria, con la invención de la escritura comienza la historia. Con la historia
escrita no solo hemos podido conocer aspectos de la vida de las personas en diferentes
culturas y épocas, sino que se va heredando a los sucesores de las primeras civilizaciones la
manera, el propósito e importancia de todo lo que se hacia y también lo que se construía.
Con ello la arquitectura evolucionó rápidamente, así como las matemáticas y las ciencias. Se
comienzan a ver estructuras complejas, más refinadas en sus terminaciones y
matemáticamente diseñadas. 

Aunque se han encontrado rastros de construcciones complejas con más años de antigüedad en
otras partes mundo, es de la civilización Egipcia que se han conservado los ejemplos mas
antiguos y mejor preservados. O sea, los inicios de una arquitectura más propiamente dicha
con características estéticas, funcionalidad definida, matemáticamente alineada y con elementos
propios de la arquitectura, como columnas, recámaras (o sea cuartos), portales (o puertas),
escaleras, pasillos, y muchos otros, la encontramos en el antiguo Egipcio.

La Arquitectura Egipcia tuvo un carácter funerario-religioso y sus obras más destacadas

fueron las Pirámides. Las pirámides de Egipto fueron los monumentos funerarios de los
faraones y también sus tumbas secretas. Los faraones eran los líderes (dirigentes) de
las civilizaciones egipcias y se les trataba como a dioses.  Las pirámides servían como tumbas
en las que se enterraba a los faraones para facilitar su viaje al mundo del "más allá". Las más
conocidas son las pirámides de los faraones Kefrén, Keops y Micerinos en la ciudad de Giza (o
Guiza). 

La más famosa y la más grande de las pirámides es la del faraón Keops, también conocida

como La Gran Pirámide. Fue construida hacía el siglo 26 antes de Cristo. Se compone de varios
pasadizos y cuartos. Solo algunas personas de alto rango conocían los pazadisos hacía el interior
de las pirámides y los cuartos en los cuales se depositaba las reliquias del faraón, la tumba y
otras pertenencias que debían ser útiles en la vida después de la muerte. Los pasadisos eran
empinados y de difícil acceso para evitar que los cuartos fueran saqueados por los "casa tesoros".

La Gran Pirámide se construyó bajo la supervisión del arquitecto del rey. Se estima que
alrededor de 100,000 hombres trabajaron voluntariamente en la construcción de la pirámide, y
que tardó 27 años en completarse, posiblemente entre el año 2550-2570 a.C. Su altura original
era de 147 metros, pero por el deterioro natural actualmente mide 137 metros. Cada uno de sus
lados está orientado hacía uno de los cuatro puntos cardinales (norte, sur, oeste y este). Su ancho
era originalmente 230 metros, actualmente mide 227 metros. Se utilizaron más de 2,300,000
piedras para construir la pirámide. Cada bloque de piedra pesa aproximadamente 2 toneladas y
media, aunque algunos pesan hasta 60 toneladas. La pirámide originalmente estaba recubierta
por piedra caliza blanca y pulida, que le daba una apariencia más refinada y elegante.  Pero en el
siglo XIV ocurrió un gran terremoto que desprendió parte del revestimiento. Los fragmentos del
revestimiento fueron utilizados por culturas posteriores para la construcción de sus propios
edificios en El Cairo. La entrada actual de la pirámide se sitúa hacía el norte, a una altura de 16.5
metros, aunque la entrada original se encontraba más alta y fue obstruida y disimulada para
evitar el acceso de personas después del faraón. 

Leyenda: 5
1. Acceso original, en la cara norte, actualmente obstruido 
2. Acceso actual perforado a 16m del suelo con palancas, ordenado abrir debido a los rumores
populares de tesoros ocultos en su interior.  
3. Bloques de granito, que sellaban el acceso al pasaje superior 
4. Pasaje que comunica con la cámara subterránea 
5. Cámara subterránea 
6. Pasaje de acceso a la Gran Galería 
7. Cámara de la reina 
8. Pasaje que comunica con la cámara de la reina 
9. Gran Galería
10. Cámara del rey y cámaras de descarga
11. Antecámara
12. Pasaje perforado que comunica con la Gran Galería y la cámara subterránea 
(7-10 Canales de ventilación de las cámaras del rey y de la reina
Arquitectura Griega (El Partenón)

Aunque el surgimiento de las construcciones o edificaciones de caracter arquitectónico se

remontan al periodo Neolítico; y más evolucionadamente al antiguo Egipto, es en la Antigua
Grecia que concretamente nace la Arquitectura como disciplina, alrededor del siglo quinto
antes de Cristo (s.V a.C.). En ese momento el ser humano alcanzó una importante prosperidad en
diversas ramas de las humanidades y de las artes que se verá reflejado también en la
arquitectura. 

Antes, en Grecia las edificaciones eran de madera y barro, y por tanto menos duraderas. Pero a
partir del siglo quinto (s. V) comienzan a utilizarse materiales más permanentes como la piedra
de marmol. Las piedras se cortaban, se tallabán los pedazos, se pulían y se refinaban en sus
terminaciones para ajustarlas a los diseños arquitectónicos ideados. En ese momento
la Arquitectura se profesionalizó y aparecen grandes templos y edificaciones públicas. 

Los griegos establecieron tres estilos arquitectónicos que estandarizaron los detalles estéticos de

los edificios y que pautaron normas de composición. A estos estilos se les denominó órdenes y
eran visibles pincipalmente en las columnas y otras áreas de las fachadas.

Estos órdebes fueron:

 Dórico
 Jónico
 y Coríntio

Los órdenes se pueden distinguir principalmente por los capiteles de las columnas; o sea la

sección en forma de copa que se encuentra en la parte más alta de la columna. 

 El orden Dórico es el más simplificado. No tiene ornamentos en el capitel ni en

el arquitrabe. En el friso lleva un relieve de columnas planas entre las escenas que
se representan talladas sobre la piedra. 
 En el orden Jónico en capitel es mucho más decorativo. Contiene volutas (formas
enrolladas) a ambos lados y las escenas en los frisos son más elaboradas y se
encuentra sobre un arquitrabe escalonado. En la base de la columna tiene unos aros
sobrepuestos formando lo que se conoce como basa.
 El orden Corintio es el más cargado de detalles y ornamentos. En el capitel
lleva hojas de acanto, elfriso es más delgado y también tiene un arquitrabe
escalonado y basa.

Los antiguos griegos creían en muchos dioses, o sea que eran politeístas. Sus dioses tenían una

apariencia, cualidades y defectos humanos. Los héroes eran seres nacidos de la unión entre
dioses y mortales. Los dioses y semidioses vivían supuestamente en el monte Olimpo, que es la
montaña más alta en Grecia. Para ellos se edificaban templos en los cuales recibían ofrendas de
los fieles y se les rendía culto. 
En Atenas, capital de Grecia, se encuentra la Acrópolis de Atenas, una pequeña ciudad
levantada en la cima de una montaña, dedicada a Atenea Partenos, la diosa de la guerra y de la
justicia. Allí se encuentra el Parténon. El Partenón es el templo griego más conocido de la
antigua civilización griega.

El Partenón
El Partenón es uno de los ejemplos más conocidos de arquitectura griega y de estilo dórico.
Conozca brevemente esta magnifica edificación seleccionando el siguiente video que se titula
"El Partenón".

Arquitectura Romana (El Panteón )

El desarrollo de la Roma Antigua se da entre los siglos VIII a. C hasta la caída de su imperio en
el siglo V d. C. En el siglo III a. C. los Romanos se encontraban en una misión de expansión
territorial por toda europa y habían invadido los territorios griegos. Maravillados con la
arquitectura y el desarrollo de las diferentes artes por parte de otras culturas, adoptaron algunos
estilos y muchos de los aspectos técnicos y también temáticos de estas culturas, especialmente
la griega y la etrusca. 

Durante las conquistas los romanos se vieron maravillados y fuertemente influenciado por el

arte griego y no tuvieron problema en aprender lo que ya los griegos habían dominado luego de
años de evolución intelectual y técnica. Esto les permitió a los romanos desarrollarse
rápidamente en el arte, heredando técnicas y estilos propios de la civilización griega. 

Aunque los griegos fueron sus principales maestros en el arte, los romanos llevaron sus
construcciones a otro nivel, superando grandes retos arquitectónicos, como la altura y el tamaño
de los edificios. Los romanos más que arquitectos fueron ingenieros. Desarrollaron sistemas de
construcción e incorporaron por primera vez el hormigón; elemento que hoy en día se siguen
utilizando. Para lograr balancear lo importante en sus edificaciones utilizaron tres principios de
construcción que se siguen emulando hasta nuestros tiempos.

Los Principios Romanos de construcción son:

1. Utilitas - que significa que cada construcción debe ser funcional y tener utilidades prácticas.
Cada espacio y elemento constructivo está bien pensado.

2. Firmitas – significa que las construcciones debían perdurar y resistir el paso del tiempo, gran
cantidad de personas y su funcionalidad.

3. Venustas – significa que las construcciones debían tener una apariencia agradable, aunque no
muy recargada. Esto lo podemos notar en la simpleza de los frontones en comparación a lo
elaborado de los frontones griegos.
Estos principios trajeron consigo otras contribuciones a la arquitectura. Los Romanos crearon
el arco, la bóveda y la cúpula. 

Panteón de Agripa
Los romanos creían en varios dioses y rendían culto a esos dioses en templos, y oráculos en los
cuales consultaban decisiones para sus vidas, y también hicieron altares en sus casas.  

El templo mejor conservado del imperio romano es el Panteón de Agripa en la actual Roma,
contruido entre los siglos 1 a.C. y 1 d.C. Es un templo de planta circular pero fachada plana. La
sala central está cubierta por una gran cúpula semiesférica decorada con casetones y realizada
con materiales ligeros para evitar el peso. Esta cúpula es una demostración del dominio de pesos
y contrapesos que lograron los romanos. Tiene un pórtico con grandes columnas corintias de
granito y mide 43,44 m de alto. Se le llama Panteón de Agripa pues está ubicado en el mismo
lugar donde antes existió otro templo mandado a construir por Marco Agripa. El Panteón de
Agripa era un templo dedicado a los dioses romanos. 

La Arquitectura d. C.
Por siglos, prácticamente desde sus inicios hasta el s.19, la arquitectura se enfocó
principalmente en tres tipos de proyectos: los templos, las tumbas y los palacios. En estas tres
categorías, se presentó lo "artístico" de la arquitectura, de acuerdo a las diferentes épocas. 

Sin embargo, hace ya más de 2,020 años, surgió un evento sin precedentes para la historia
religiosa del mundo que conocemos. ¿Qué paso? Llegó a este mundo Jesús. Con su
nacimiento, vida, muerte y resurrección, trajo toda una nueva idea sobre la figura del Dios único
y nos reveló a los seres humanos una doctrina diferente y renovada sobre lo que a Dios y a la
religión se refiere. Llegó la nueva era, la era después de Cristo (d.C.).

A partir de ese momento el mundo cambió en occidente y el arte que se creó se convirtió en el
reflejo de ello. Llegó la Edad Media. 

La arquitectura de estilo bizantino mantuvó influencias de oriente y otras culturas y predominó

durante los primeros 10 siglos de la nueva era. Pero posteriormente, hacía el siglo XI d. C. la
nueva visión del mundo se verá reflejado especialmente en dos estilos arquitectónicos: El Estilo
Románico y el Gótico.

El arte Románico y el arte Gótico son estilos artísticos inspirados en la religión cristiana, así
que son estilos puramente cristianos. Con la diferencia fundamental de que el románico se
concentró en los espacios rurales y fue dedicada especialmente a la vida consagrada a Dios, y el
gótico se exparció principalmente por las ciudades, lo vemos el catedrales, pero tambíen en
edificios cíviles.  

A continuación se presenta un diagrama general de las arquitecturas de estilo románico y de

estilo gótico comparadas. 
La arquitectura Románica se desarrolló entre el siglo 11 y el s. 12. d.C. Fue el primer estilo
importante claramente cristiano que consolidó los estilos de la primera parte de la Edad Media; o
sea, los estilos romano, bizantino, árabe, entre otros. Se extendió de manera paulatina en Europa,
especialmente en España, Francia, Italia y Alemania. La arquitectura fue su principal
representante y se distinguió por la sobriedad y una atmósfera de aislamiento y sobrecogimiento.
Fue esencialmente sacra, concentrándose en torno a los monasterios y resaltando el carácter
religioso desde el punto de vista de una espiritualidad contemplativa. 

Se caracterizó por paredes gruesas, arcos de medio punto y ventanas pequeñas. Los espacios

interiores se percibían toscos y oscuros, y la decoración en las paredes era mínima. La planta era
de Cruz Latina, en representación del simbolismo de la cruz de Jesús. Observa algunas partes
de la arquitectura románica en la siguiente ilustración.

El románico buscaba un estilo sobrio y que invitará a la meditación y encuentro espiritual con

Dios, sin otro tipo de distracciones. Por lo que evitó las edificaciones muy ornamentadas que se
veían en la arquitectura Grecoromana (o sea griega y romana) y procuró lograr espacios que se
sentían como nichos, que invitarán al recogimiento espiritual de la persona. Además de los
monasterios e iglesias, también se hicieron otro tipo de edificación de
estilo Románico como castillos, que servían de centro de la vida señorial, del poder temporal y
de la fuerza militar.

Arquitectura Gótica
El Gótico se extendió por toda Europa, desde el esiglo 13 hasta el siglo16. En la arquitectura
buscaba la monumentalidad, la altura y la luz como símbolos de la grandeza de Dios. Mientras
que en el Románico se propiciaba un ambiente de recogimiento espiritual, en el Gótico se
aspiraba a una experiencia espiritual por medio de la contemplación de la grandeza de Dios
reflejada en el lugar. 

Durante muchos años existió una fascinación por el contraste entre el bien y el mal, por la
muerte, y por la lucha entre la pureza y la decadencia. A la par, en el arte y la literatura se
desarrolló una tendencia hacia estos temas. Sin duda este factor influyó en la forma de
apreciación que los románicos y de los góticos al desarrollarse en este periodo de la historia. Sin
embargo, hacia finales del siglo 12 d.C. la visión de un sector de la sociedad cambió. La
burguesía buscaba espacios más ricos, elegantes, y menos pesados. Esto trajo consigo uno de los
estilos más elevados de todos los tiempos, el Gótico. En el arte gótico el ser humano además de
mirar a Dios, también mira la naturaleza, y Dios ya no se contempla como un Dios punitivo, sino
como un Dios misericordioso.

Los edificios se caracterizan por ser muy altos y esbeltos. Sus paredes eran finas, reforzadas
con arbotantesy contrafuertes, y con pináculos que dan la impresión de ser tan alto que "tocan
en cielo".

Las catedrales fueron la mejor expresión del arte gótico ya que en ellas se aprecian todas las
características generales y las condiciones histórico - sociales y religiosas para su construcción.

Los edificios buscan la luminosidad, la altura y se reduce el grosor de los muros, en

consonancia con la nueva concepción de la religiosidad que entiende el edificio como un
símbolo de la divinidad: grandioso y elevado hacia el cielo como hasta entonces nunca se
había visto. 

En el estilo Gótico la luz fue un elemento importante. Contrario a los pequeños y

reducidos ventanales románicos, en el Gótico se utilizaron gran cantidad de ventanales de gran
tamaño y altura, con vidrios de colores, creando fromas decorativas y escenas. En el centro de las
iglesias, en la entreda, un gran ventanal circular que se conoce como rosetón servía de punto
focal. Hoy en día en Rosetón es el símbolo inconfundible del estilo gótico.

A diferencia de la planta de cruz latina que predominó en el Románico, en el Gótico se

utilizó mayormente la planta Basilical, y se incorporan otros estilos de arcos, bóvedas y
columnas.

Arquitectura Renacentista
Entre los siglos 15 al 16 se desarrolló en Italia, Francia y España el estilo Renacentista. Además
del aspecto religioso, en el Renacimiento se va adoptar un
pensamiento Humanista y Clasicista, en donde se aceptan otros aspectos relacionados a la
capacidad intelectual de las personas para las ciencias, las filosofías y las matemáticas. De ahí el
termino Renacimiento; el renacer del hombre íntegro, que es el conjunto de muchas cosas y que
logra dominar muchos aspectos de la vida.

Los artistas del Renacimiento se interesan en la antigüedad greco-romano, y buscan un ideal

clásico. Para ellos el mundo greco-romano era un modelo para su sociedad. Así que en la
arquitectura se intentó aplicar los conceptos clásicos de belleza y otros fundamentos propios de
la arquitectura clásica griega y romana. Por ejemplo las dimensiones. 

En el Gótico las dimensiones están hechas para Dios pero en el Renacimiento están hechas para
la persona, que es quien ocupa y domina el edificio. Así que veremos que los edificios dejan de
ser principalmente verticales, como en el gótico, y son ahora más horizontales, en relación a un
centro, el hombre. 

Una novedad de la arquitectura Renacentista fue la Planta Central o Centralizada. En

el Templo de Nuestra Señora de la Consolación en Italia, vemos un ejemplo

Durante el Renacimiento hubo un gran patrocinio artístico por parte de la Iglesia Católica. Así
que muchos artistas se dieron a conocer especialmente por su arte de carácter religioso
patrocinado por la iglesia. La presencia de la Iglesia católica fue decisiva para el arte.

Uno de los arquitectos más destacados fue el italiano Filippo Brunelleschi (1377-1446). Su

contribución mas importante a la arquitectura fue la cúpula (o Duomo) de la Catedral de Santa
María del Fiore. Construida entre los años 1420 y 1436, en Florencia, Italia. Conozca la cúpula
cónica de Brunelleschi "con un poco de humor" en el siguiente video. Se titula "How an
Amateur Built the World's Biggest Dome" (Cómo un aficionado construyó la cúpula más
grande del mundo). 

En el arte, los nuevos ideales del Humanismo se desarrollaron en un contexto cristiano católico,

aunque eran más seculares en muchos aspectos. A la vez, el Renacimiento tuvo un profundo
efecto en la teología contemporánea, especialmente en la forma en que hoy en día se percibe la
relación entre los humanos y Dios.

Arquitectura Barroca
En respuesta a la rigidez y verticalidad del Gótico y al clasicismo del estilo Renacentista surge
el Barroco. La arquitectura Barroca se desarrolló entre finales del siglo 16 y la primera mitad
del siglo 18 aproximadamente. Surgió en Italia y desde allí se extendió a toda Europa. Además,
fue uno de los estilos europeos más proliferados en America Latina como consecuencia de las
colonizaciones; En Puerto Rico lo vemos especialmente en iglesias.

El término Barroco significa perla irregular

El estilo barroco se caracterizó por el sobrecargo de adornos y también por la exageración. Es

un estilo que enfatiza el movimiento. Prefiere el uso de las líneas curvas y las superficies
ondulantes. En el caso de la arquitectura lo veremos reflejado en las fachadas en y la
acumulación de ornamentos en el interior. La fachadas y plantas irregulares fueron
características del Barroco. 

El periodo barroco fue uno lleno de esplendor. En la arquitectura lo veremos en la gran

ornamentación, la monumentalidad, y la teatralidad con que se manifiesta este estilo en los
edificios. El barroco fue una tendencia que se interpretó de manera particular en cada país y
región. Además de las iglesias, también se utlizó en edificios públicos, en palacios, residencias
particulares, en monumentos y parques. Fue un estilo lleno de glamour y ostentosidad. 

El Palació de Versalles, en Francia, es un ejemplo del Barroco francés. Es en los espacios

interiores y los jardines es donde mejor podemos apreciar su magnificencia.

Arquitectura Neoclásica
Hacia el siglo 18 el mundo vivía revoluciones industriales, revoluciones sociales, y las ciencias
habían alcanzado límites impensables.  En el mundo estaban ocurriendo eventos políticos y
luchas de poder. Estas luchas de poder las vamos a ver reflejadas especialmente en varios estilos
artísticos que se van a desarrollar desde mediados del mismo siglo. Entre ellos el
estilo Neoclásico.

El Neoclásico es una respuesta a los excesos del Barroco. Los neoclasicistas consideraban de

mal gusto lo decorativo y expresivo de la época barroca y comienzan a promover la simplicidad
y la grandeza que representaban los periodos de las antiguas Roma Imperial y Grecia Clásica.
Así que decidieron crear un estilo apoyado en los valores éticos y morales que se promovían en
las culturas greco-romanas.

Junto con la revolución industrial surge la clase media. Esta nueva clase social se involucra en la
creación artística. Ya no serán solo los nobles los únicos que pagarán por las obras de arte. La
nueva clase social dominará en la época y serán ellos los nuevos mecenas del arte.

El estilo de arte Neoclásico se va a desarrollar principalmente en Francia e Inglaterra durante la

segunda mitad del siglo 18, en un momento en donde el pensamiento filosófico de
la ilustración cobra fuerza. Se extendió hacía el resto de Europa y fue adoptado por Estados
Unidos.   

El movimiento y pensamiento filosófico llamado Ilustración, promovía la educación de las

masas, o sea el conocimiento y la razón como medida para acabar con la ignorancia. Los
hombres ilustrados creían en un poder político justo, no monárquico (no heredado de generación
en generación). Para ellos una manera de revocar el sistema de monarquía absolutista que
controlaba todos los aspectos de las vidas de las personas en Francia, era a través de brindar a las
personas comunes y corrientes el poder del conocimiento.

Dos de los edificios con los cuales estamos familiarizados por nuestra nacionalidad y que son
de estilo Neoclásico son el Capitolio de los Estados Unidos en Washigton, inaugurado en el
1800 (ver imágenes superiores); y en San Juan se encuentra el Capitolio de Puerto
Rico, inaugurado en el 1929 (ver imagen inferior). 

En ambos edificios se destacan las líneas simples del estilo clásico, como una reinterpretación de
la arquitectura griega y romana. Vuelven las columnas, los capiteles, las cúpulas, el mármol y
otras características de la arquitectura clásica.
Conoce la historia y detalles del capitolio de Puerto Rico a través del siguiente enlace: Capitolio
de Puerto Rico.4

Siendo el neoclásico un estilo adoptado por la revolucaión, es comprensible que en el futuro

haya sido utilizado en construcciones de edificios con función política, lugares donde
mayormente vamos a ver a la arquitectura neoclásica.

La Arquitectura hacía del siglo XX

El siglo 20 se inició como un siglo de ruptura con todo lo que hasta ese momento se conocía en
el arte. Con la llegada del modernismo surgieron multiples versiones de lo que debía ser el arte y
en el caso de la arquitectura esto derivó en varias escuelas como
la Bauhaus, el funcionalismo, y el constructivismo.  A la arquitectura que surge de estos
grupos se le llamó arquitectura posmoderna.

Antes, en el siglo XIX (19), con la llegada de la revolución industrial se dio un cambio dramático
en la arquitectura al incorporar a la construcción nuevos materiales como el acero y el concreto.
hacía finales del siglo 19 comenzamos a ver otro tipo de edificios de gran altura como
los rascacielos.  En este momento, observamos que ya no se reservan las contrucciones a gran
escala solo para templos u otros espacios de convivencia de los grupos, sino como espacios para
vivir o desarrollar la vida laboral. 

En el siglo 20, y hacía el siglo 21, vamos a encontrar que muchos retos constructivos han sido
superados. Nuevos genios de la arquitectura no solo han logrado construcciones colosales y
funcionales para la vida civil, religiosa y social de los seres humanos, sino también con una
capacidad extraordinaria de maravillarnos y conmovernos. Es aquí donde encontraremos otro
tipo de construcciones inovadoras con fines recreativos y que son verdaderas obras de
arte, como lo es, por ejemplo, la Torre Eiffel.

Ingrese al siguiente enlace para conocer La Torre Eiffel 3. Allí seleccione los

titulos Descubir, El Monumento y El Nacimiento, y lea su contenido.

Basílica de la Sagrada Família

Aun cuando hay mucho más que ver en el arte arquitectónico, concluiremos este módulo
conociendo un proyecto que lleva más de 100 años construyéndose. Hablamos de la Basílica de
la Sagrada Familia, en Barcelona, España; diseñada por el arquitecto Antonio Gaudi (1852-
1926), quien rompió como todos los paremetros de la arquitectura que se conocía hasta ese
entonces. Hoy en día seguimos esperando que esta increíble edificación sea concluida y
presentada al mundo con su máximo esplendor. Seleccione el siguiente video. Se titula "Basílica
de la Sagrada Familia. Bienvenidos al templo"

La fotografía
La Fotografía es uno de los medios de expresión artística más recientes. Aunque por muchos
años fue cuestionada como arte, hoy en día se le considera una de las artes más versátiles.
Además, es una de las técnicas más utilizadas en combinación con otros medios modernos,
especialmente digitales. 

Como técnica surge a principios del siglo 19 (s. XIX), y hoy en día se ha convertido en uno de
los recursos técnicos más populares y accesibles. Pero no siempre fue así. 

En el año 1826, el francés Joseph Nicéphore Niépce tomó, desde el balcón de su estudio en

Francia, la primera fotografía registrada en la historia con una cámara oscura. A esta imagen la
llamó heliografía y se considera la primera fotografía. 

Sobre estas líneas se presenta la primera fotografía, titula Vista desde la ventana en Le Gras; es

borrosa, desenfocada y para lograrla se necesitó 8 horas de exposición. Podríamos decir que esta
primera foto no tiene valor artístico o creativo. Surge de la experimentación con una nueva forma
de capturar imágenes, sin la necesidad del dibujo o de la pintura. Sin embargo, si tiene un
gran valor histórico y tecnológico, y representa el inicio de una nueva forma expresiva, y
posteriormente una nueva forma de arte. 

La Camara Oscura
La cámara oscura, era un simple instrumento óptico que funcionaba igual que el ojo humano.
O sea, nuestros ojos para ver necesitan recibir luz; la luz pasa por nuestras pupilas y llega a las
células fotosensibles de la retina que envían señales a nuestro cerebro; nuestro cerebro las
traduce en imágenes. La cámara fotográficatambién depende de la luz para capturar una
imagen. La luz traspasa el diafragma y los cristales que forman el lente de la cámara hasta llegar
a un dispositivo que registra la imagen y la prepara para ser revelada; o sea hacerla visible.
El revelado es cuando la Foto surge del proceso químico con el cual, por intervención de la luz,
una imagen se plasma en una superficie foto-sensible, o sea sensible a la luz. 

En resumen la cámara fotográfica requiere de 3 partes fundamentales:

1. Una caja cerrada con un orificio que permite el paso de la luz

2. Un lente para controlar el paso de la luz
3. Una superficie fotosensible en la cual queda grabada la imagen.

El diccionario de Oxford define el término fotografía como: Técnica de obtención de imágenes

por la acción química de la luz sobre una superficie con unas características
determinadas...la fotografía comienza con la toma de vistas, continúa con el revelado y
concluye con las copias positivas. 

A la primera cámara fotográfica portatil se le llamó Daguerrotipo. El Daguerrotipo fue

diseñado en el año 1839 por el francés Louis Daguerre (1787-1851). Con el daguerrotipo se
utilizaba una placa con capa de nitrato de plata sobre una base de cobre para capturar la imagen.
La placa se sumergía en una solución de cloruro sódico para fijar y revelar la imagen.  
La siguiente fotografía fue tomada en el año 1838 y es parte de una serie de ensayos que
realizó Daguerre con el daguerrotipo. La foto se titula Boulevard du Temple, y se distingue de
otras por ser la primera en la cual aparecen personas.

En el año 1888 George Eastman produjo la primera cámara de carrete (de rollo), lo cual

permitió bajar los costos de la fotografía y hacerla más accesible. En el año 1900 ya había
fundado la compañía Eastman Kodaky sacó al mercado la Cámara Brownie, convirtiéndose en
la primera cámara comercial para aficionados. Esto hizo posible la proliferación de la fotografía
y pronto jóvenes artistas que practicaban otro tipo de arte también hicieron uso de esta
polifacética herramienta.

El Pictorialismo
Por su capacidad de capturar imágenes en unos segundos, la fotografía tiene un carácter propio,
autóctono y ubicado siempre en su momento. Es un testigo de los eventos y de la realidad, y por
más de un siglo ha registrado el mundo y la vida que nos rodea. 

Sin embargo, como arte ha tenido que demostrar su valor. El principal cuestionamiento se

encuentra en que el arte es creación del ser humano; con el dibujo o la pintura el artista crea un
mundo, mientras que con la fotografía lo documenta, tal y como lo ve a través de su lente. Sin
embargo, gracias a la capacidad expresiva y creativa de muchos fotógrafos, a lo largo de la
historia ha podido conseguir su espacio y su momento. Ya que se apoya en la idea de que el arte
no es producto únicamente de la habilidad técnica, sino de la mente y creatividad del artista.

El primer estilo artístico en la fotografía fue el Pictorialismo, surgido hacía finales del siglo XIX
en Europa, y heredado a Japón y Estados Unidos. Los artistas del Pictorialismo fueron los
primeros en promover a la fotografía como un medio artístico en si mismo para crear obras más
allá de la reproducción de la realidad. 

Los Pictorialistas imitaban las composiciones características de la pintura, ya que la pintura era

el medio que más se parecía a la fotografía. Con ello le otorgaban a la fotografía una apariencia
más expresiva y teatral, o sea con un toque artístico. Para conseguirlo creaban composiciones
propias, escenificadas y montadas según ideada por el artista. 

En la siguiente fotografía el británico Henry Peach Robinson (1830 - 1901) 'organizó

cuidadosamente a sus modelos para ilustrar el regreso seguro a casa de una Caperucita Roja
y para enfatizar la moral de inocencia y obediencia de la historia'

Diferente a lo que deseaba un fotógrafo común, los Pictorialistas tambíen buscaban efectos

desenfocados, escenas compuestas y dramatizadas. Inclusive llegaron a manipular las imágenes
con otros medios como el carboncillo y las tintas, como se observa en la próxima imágen.
Además, solo reproducían una copia del revelado y luego desechaban el negativo. De esta
manera fueron elevando poco a poco la fotografía a la categoría de arte. 

El Picotialismo fue solo uno de varios grupos que se crearon con el objetivo de otorgar a la
fotografía un carácter artístico. Por ejemplo; hacia principios del siglo XX (1902) surge
el Photo-Secession,  fundado en Nueva York por el fotógrafo estadounidense Alfred
Stieglitz junto a Edward Steichen y Alvin Langdon.

La Fotografía Como Arte

A diferencia de otros medios para hacer arte, a la fotografía no se le relaciona directamente con
los estilos artísticos de las diferentes épocas. O sea, no se habla de la fotografía Surrealista o
fotografía Pop como genero fotográfico. Aunque si se puede hacer referencia a estos estilos para
describir la apariencia de algunas fotos o ubicarlas en algún contexto.

Hacía el año 1932, la fotografía aún buscaba su lugar en el  arte. Ya muchos artistas habían
utilizado a la fotografía como medio de representación de escenas producidas por su
imaginación, pero la fotografía seguía teniendo una apariencia retratista; o sea posada y de
estudio. También hubo otros artistas, como el pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Man
Ray (1890 - 1976), que decidieron darle un lugar diferente a la fotografía creando imágenes que
se alejaban de la apariencia escenificada característica de la época. 

Su fotografía más famosa fue Lágrimas, en la cual aparecen un par de ojos femeninos con
lágrimas de cristal estáticas en su rostro. 

Lágrimas se trata de un fotomontaje, en el cual se observa parcialmente el rostro  de medio lado

de una mujer que mira a un lugar indefinido. Tiene lágrimas falsas, que son en realidad esferas
de cristal, exageradamente redondas e inmóviles. La imagen tiene cierto aire surrealista, grupo
al que perteneció Man Ray. Además, se puede apreciar "la ausencia de referencia espacial o
temporal en la fotografía, por lo que la interpretación de su significado queda libre y su
fuerza expresiva la convierte en un icono moderno del arte." 3

En paralelo otros artistas como el también estadounidense Edward Weston (1886 - 1958)

desarrollaron un lenguaje fotográfico propio, contribuyendo también a la fotografía como
arte.  Weston eligió objetos cotidianos en vez de personas, y buscó la belleza de las formas
orgánicas en la naturaleza, especialmente las texturas en los alimentos. 

Una de sus fotos más famosas se titula El Pimiento (No.30), realizada en el año 1930. En esencia
se trata de eso mismo, un pimiento que ha sido fotografiado para resaltar los brillos de la piel y
las formas redondeadas diversas en un espacio indefinido. Vea la imagen y escuche el audio
sobre esta pieza en el siguiente enlace: Edward Weston. Pepper No. 30. 1930, at MOMA

El Fotomontaje
Con el arte fotográfico también llega el fotomontaje como un recurso para crear fotografías
mas creativas y ajustadas a la intención del artista. En esencia, se trata de la sobreposición de
varias imágenes para crear una nueva. Con el fotomontaje el autor utiliza creativamente el
proceso de revelado, para salirse de los límites de una toma fotográfica. O sea, el resultado final
en la fotografía no depende de conseguir la toma perfecta, sino de la construcción de la misma
utilizando varias fotos que son unidas y reveladas en un solo papel fotográfico.
Fotomontaje: "Composición fotográfica que resulta de la combinación de fragmentos de
diversas fotografías, a veces acompañadas de dibujos, y que se hace generalmente con
intención artística, publicitaria, etc" 1

El primer fotomontaje que se conoce se realizó en el año 1858, cuando aún no existían las

computadoras y mucho menos los programas de edición digital.  El fotógrafo ingles Henry
Peach Robinson (1830-1901) realizó el primer fotomontaje completamente análogo. Para ello
unió cinco negativos para hacer un solo revelado fotográfico, resultando en el primer
fotomontaje de la historia. 

Fade Away, en la imagen superior, es el título del primer fotomontaje. La fotografía está
compuesta por diferentes tomas; cada una proviene de un negativo distinto. En la escena una
mujer se encuentra en su lecho de muerte, siendo el principal sujeto de la composición. La
acompañan tres personas que esperan el momento de su muerte. El ambiente se desarrolla en un
espacio interior, con un aire romántico, casi como el escenario de una obra de teatro.  A Peach le
interesaba transmitir emociones a través de las imágenes que fotografiaba, por lo cual, diferente a
la fotografía documental, la imagen presenta cierto drama contenido. 

El proceso de fotomontaje era totalmente artesanal. Comenzaba con una idea y se realizaban

bocetos de lo que se quería presentar. Luego se tomaban las fotos de los elementos individuales
en distintos negativos, y se juntaban en el revelado final para componer la escena.  

Henry Peach Robinson promovió y defendió la fotografía como una forma de arte a lo largo de
su trayectoria profesional. Su libro Pictorial Effect in Photography (1869) influenció a
importantes fotógrafos de la época incluyendo a los artistas del Pictorialismo fotográfico.

Fotomontaje y Diseño Gráfico

El fotomontaje trajo consigo otras posibilidades, y a principios del siglo XX ya se utilizaba, no
solo para crear imágenes compuestas de varias fotografías, sino para crear imágenes construidas
con diferentes estilos de representación, inspiradas en el diseño gráfico y/o publicitario. 

Alexander Rodchenko fue unos de los artistas que combinó la fotografía con el cartel. Con esto
lograba un arte de propaganda con un fuerte impacto en los espectadores. Los mensajes que se
querían transmitir llegaban con mayor fuerza, no solo por el impacto social, sino por la fuerza
expresiva de las imágenes.

El Retrato
Un retrato no es lo mismo que una fotografía. Un Retrato es una representación de una
persona. Busca destacar la apariencia física, la personalidad e incluso el estado de ánimo de
la persona.

Antes de la fotografía la manera de retratar a una persona era a través de la pintura, o inclusive la
escultura. Medios que solo pocas personas podían pagar. Con la fotografía, siendo un medio
mucho más asequible, algunos fotógrafos hicieron del retrato su tema preferido y popularizaron
la idea de inmortalizar la apariencia e inclusive estatus social de las personas. 

Mathew Bradly
El fotógrafo estadounidense Mathew Bradly (1822-1895)  fue uno de estos fotógrafos. Bradly,
abrió uno de los primeros estudios fotográficos de retrato en Nueva York. Su foto más popular
fue la de Abraham Lincoln, realizada en el año 1864. Esta, es el retrato replicado en le billete
de $5.00 estadounidense que se produce hasta nuestros días. 

Una artista fotográfica que influenció en el movimiento Pictorealista, fue la inglesa Julia

Margaret Cameron (1815-1879). Julia Margaret era retratista, pero buscó en sus retratos un
giro artístico utilizando altos contrastes de luces y sombras, recreando escenas con elementos
simbólicos y otorgando títulos a sus fotografías que nos hablaban de un tema. 

"Mi aspiración es la de ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de arte combinando

la realidad con la poesía y la belleza ideal” Julia Margaret Cameron  3
En sus retratos Cameron evoca un aire romántico, reflexivo y emotivo, similar a lo que se
buscaba en la pintura. Un ejemplo lo encontramos en el retrato titulado "Así que ahora creo que
mi tiempo está cerca, confío en que lo sea, lo sé", en el cual la artista nos presenta a una joven
mujer en posición orante y coronada con una aureola de santa. La mirada perdida en el cielo, sus
manos cruzadas en el pecho y la aureola sobre su cabeza son símbolos típicos de las figuras
santificadas pintadas por siglos. El alto contraste entre las luces y las sombras enfatiza la figura
blanquecina de la joven en primer plano; mientras que el cabello levemente alborotado insinúan
un ambiente en movimiento. 

Un retrato popular
Un retrato que ha sido reproducido a través de la historia una infinidad de veces es el retrato de
Ernesto "Che" Guevara, realizado en el año 1960 por el cubano Alberto Korda (1928 - 2001). La
razón de que está imagen se haya reproducido tantas veces es que se ha convertido en símbolo de
la revolución, no solamente del momento histórico al que pertenece, sino de la revolución de los
pueblos y del pensamiento patriótico en general. Observa la foto original en la siguiente imágen.
Luego observa una de sus interpretaciones más conocidas y comercializadas, de estilo cartel.

El Primer Selfie
En la actualidad, con la revolución de la tecnología y de las redes sociales, el retrato ha
evolucionado hacia otras esferas. Aunque la fotografía retratista se sigue practicando de manera
profesional, ya no dependemos de un estudio fotográfico para inmortalizarnos con una imagen. 
En nuestro diario vivir podemos reproducir una cantidad ilimitada de fotos, inclusive retratos,
con aparatos multifuncionales como los celulares. Esto ha desembocado en que hayamos
adoptado términos populares y anclados en nuestro tiempo, como el  "selfie".
Pero si pensabas que el selfie es algo enteramente de nuestro tiempo, te invito a conocer un
"selfie" del 1920 a continuación.

Conozca el "primer selfie" de la historia en el siguiente enlace:

Diciembre de 1920: El primer selfie

La Fotografía a Color
Con el surgimiento de la fotografía en blanco y negro, algunos experimentadores pronto se
interesaron en resolver las limitaciones que la nueva invención de la cámara fotográfica traía
consigo, como fue la manera de capturar la luz, lo cual permitía en ese momento revelados en
blanco y negro únicamente. Aunque esto nunca representó un problema para lograr fotografías
fantásticas, si estimuló el ingenió de otros fotógrafos que soñaban con ver sus obras a colores,
según como vemos el mundo. 

La solución estaba en el ojo humano. O sea, en la manera en que el ojo humano procesa y ve los
colores. Para ello analizaron el espectro visible por el ojo humano y crearon tres canales para
recoger de manera separada la información que provenía de la luz, uno dominado por rojo, otro
por verde y el tercero por azul, en imitación de la forma en que el ojo humano normal detecta el
color. Al unirse los tres canales en el proceso de captación de la imagen se mezclan los colores
creando nuevos colores; posteriormente con el revelado se consigue una imagen a color.

Tricomía
"Tartan Ribbon" o la Cinta de Tartán, fue la primera fotografía a color registrada de la historia.
Fue tomada por el fotógrafo ingles Thomas Sutton en año 1861, junto con el físico
británico James Clerk Maxwell. Para lograrlo utilizaron un sistema aditivo al que se le
llamó tricromía.

"La tricomía es el procedimiento fotográfico y fotomecánico de reproducción de todos los

colores mediante la estampación sucesiva del amarillo, rojo y azul, los tres colores
fundamentales".  2

Fotografía Iluminada
Las primeras fotografías a color no fueron permanentes. Además de que el proceso para
hacer una foto a color era largo y costoso, se debía tener especial precisión para lograr capturar
los colores adecuados en la cámara y la foto revelada perdía fácilmente sus colores.

Los retratistas y paisajistas estaban interesados en el color. Para los retratistas británicos era una
forma de representar con mayor fidelidad al retratado y para los paisajistas japoneses una manera
atractiva de presentar paisajes llamativos para los turistas. Por lo cual hacía el 1880, mientras los
retos técnicos se superaban, algunos fotógrafos británicos comenzaron a "colorear" las
fotografías impresas con una técnica de coloreado a mano con acuarela o pasteles finamente
aplicados con los dedos o con algodones y que fue perfeccionada y popularizada por los
japoneses. A esté tipo de fotografía se le llamo Fotografía iluminada.

Autocrómo y Kodachrome
El Autocrómo fue la primera técnica de fotografía a color efectiva, ya que lo colores se
conservaban en el revelado. Fue inventada en el 1903 por los hermanos Augusto y Louise
Lumière, y aunque no era costo efectiva y el tiempo de exposición para lograr la foto era más
largo que la fotografía en blanco y negro, fue la única técnica disponible hasta el 1939, cuando la
compañía Kodak creó una película de revelado fotográfico comercial, asequible, fácil de utilizar
y que revelaba colores brillantes en todo momento. La llamó Kodachrome. 

A  partir de ese momento el mundo de la fotografía cambió para siempre, expandiéndose hacía
múltiples sectores de la sociedad y profesionales. Las personas en general comenzaron a utilizar
la fotografía a color para todo tipo de actividades del diario vivir. Por otra parte, tuvo su valor
añadido al ser acogida por el periodismo y los medios publicitarios. Y los artistas presentaron
una cara diferente del planeta, de la gente y de la cultura. Podríamos decir que de aquí surge lo
que hoy conocemos como el arte urbano. Se democratisó la fotografia.

Ernst Hass
Ernst Hass (1921 - 1986) fue un artista vienes pionero de la fotografía a color y uno de los que
estableció un nuevo lenguaje visual fotográfico. A Hass le debemos el haber cerrado 'la brecha
entre la fotografía periodística pura y la fotografía usando fotografía a color como un medio
creativo y expresivo'  4. Sus fotografías a color presentaron la vida cotidiana en las calles,
cargadas del colorido característicos de los espacios públicos. Era un colorido inusual,
combinado con el movimiento del paisaje urbano en constante cambio y en contraste con las
luces y sombras propias de la atmósfera del lugar. 

El Instante Decisivo
El Instante Decisivo, es un termino creado por el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-
Bresson (1908- 2004), con el cual propone cierta "anticipación que debe tener el fotógrafo a la
hora de percibir la realidad y prepararse para capturar una imagen única e irrepetible".1

En busca de ese momento único, Henri Cartier viajó el mundo y fue testigo de importantes

acontecimientos, como la guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, entre otros.
Eventos que documentó magistralmente con su cámara. Para él, el objetivo de sus fotografías
estaba en todas partes, por ello debía estar atento en todo momento al instante en que todo
concordará en el espacio, o sea el objeto, los colores y la composición. En otras palabras el
"Instante Decisivo",  es lo que hace que una imagen sea única e irrepetible, que cuente una
historia y que impacte al espectador.

La fotografía es “el único medio de expresión que fija siempre el instante preciso y
fugitivo”. 2
Una de sus fotos más conocidas se titula Tras la estación de San Lázaro, realizada en París en
1932. Esta fotografía en blanco y negro ejemplifica el concepto de Instante Decisivo de Cartier
-Bresson

¿Qué tiene de especial esta fotografía? Veámos:

[En los alrededores de una estación de tren surge una escena de la vida cotidiana. La silueta
de un hombre que corre por un camino lleno de basura. ¿Habrá perdido su tren?...La
composición, en blanco y negro, es casi poética. Las líneas verticales y horizontales aportan
dinamismo y la sombra reflejada en el agua creando un “efecto espejo” pictórico...Pero, lo
verdaderamente original de esta fotografía es la transformación de un lugar corriente, como
puede ser las inmediaciones de una estación, en un momento único y eterno.]  4

Por su manera de ver el mundo a través de la fotografía, a Cartier-Bresson también se le conoce

como el padre del fotoperiodismo. El logró ver el “…momento importante en el flujo constante
de la vida y lo capta en una fracción de segundo”. 

En su fotografía titulada Sevilla, España, inmortaliza el momento en que unos niños juegan entre

las ruinas provocabas por un bombardeo reciente. La composición es maravillosa. La escena
queda magistralmente enmarcada dentro del agujero en la pared. Lo niños, en su inocencia,
disfrutan del divertido momento, sin importar al ambiente. Otros transeúntes, como la mujer con
una canasta, se desplazan por el lugar. Lo que nos indica que se trata de un lugar concurrido, de
tráfico diario. Pocos años después estalló la Guerra Civil Española (1936-1939). 

Pero las fotografías de Henri Cartier, como las de cualquier buen fotógrafo, no se resumen
únicamente en estar en el lugar indicado en el momento perfecto. Para lograr una buena foto se
debe tener un buen dominio de los aspectos formales de composición. Cartier-Bresson lo
describió de la siguiente manera: 7

“La fotografía es para mí el reconocimiento en la realidad de un ritmo de superficies líneas o

valores…  …En fotografía hay una plástica nueva, función de líneas instantáneas; trabajamos en
el movimiento, una especie de presentimiento de la vida, y la fotografía tiene que atrapar en el
movimiento el equilibrio expresivo. Nuestro ojo debe medir constantemente, evaluar.
Modificamos las perspectivas mediante una ligera flexión de las rodillas, provocamos
coincidencias de líneas mediante un sencillo desplazamiento de la cabeza de una fracción de
milímetro…”

Con estas palabras, el fotógrafo nos deja saber que la fotografía conlleva una organización visual
de elementos que se ven a través del lente fotográfico, y que debe ser capas de capturar la
sensibilidad del momento. Para lograrlo se adaptará y procurará que su cuerpo sea una extensión
de la cámara y se acomode o ajuste en función de la composición que se quiere lograr, aunque
eso signifique echarse en el suelo. De esta manera el Instante Decisivo, deja de ser el único
objetivo para el fotógrafo, sino que se convierte en una extensión de la composición
fotográfica.  
La Fotografía Documental
Como mencionado anteriormente, la fotografía es un testigo de los eventos y de la realidad. Por
este motivo una de su funciones más importantes ha sido siempre la documentación.

Si bien, hoy en día las técnicas modernas de fotografía permiten al artista crear imágenes
extraordinarias, manipular los resultados y añadir elementos diversos para la apreciación estética
y conceptualización de una imagen, la fotografía artística tiene su contraparte en la fotografía
documental.

La fotografía documental, por décadas, ha registrado y documentado parte de la historia de la

humanidad de manera honesta, objetiva y sin prejuicios. Aunque se le relaciona con el
fotoperiodismo, con eventos sociales y políticos, o con historias u momentos que afectan a los
grupos, la fotografía documental también puede cargar con un gran valor estético, y las
imágenes resultantes contener una gran expresividad artística. Gracias a la vista sigilosa de un
fotógrafo y a su capacidad de ver y de capturar con la cámara la belleza en el mundo que solo sus
ojos ven y que pasa desapercibida a las mayoría de las personas, una foto documentaltambién
puede ser una obra de arte.

La siguiente fotografía es una de las más icónicas de la historia. Se titula El beso de Times
Square. El 14 de agosto de 1945, un marinero se unió a un desfile de celebración y beso
espontáneamente a una joven, asistente dental, en el medio de la calle. El fotógrafo
prusiano Alfred Eisenstaedt capturó el momento del apasionado beso. La gran euforia ese día se
debía a que se había anunciando el fin de la Segunda Guerra Mundial tras haberse rendido Japón.
Miles de personas salieron a las calles a festejar. Días más tarde la fotografiá fue publicada en la
revista Life. Hoy en día esta fotografía sigue teniendo un gran valor periodístico e histórico, no
solo por el evento de celebración documentado, sino porque se convirtió en un símbolo de
victoria.

Sobre esta imagen Eisenstaedt comentó:  "En Times Square durante el día de la victoria, vi a un
marinero a lo largo de la calle... Me di la vuelta y capturé el momento justo en que el marinero
besó a una enfermera. Si ella hubiera llevado un vestido oscuro jamás me habría dado cuenta.
Nunca habría disparado la toma, o si el marinero hubiera llevado uniforme blanco, lo
mismo...”  2

La fotografía documental lleva un registro de la historia tal y como se ve a través del lente

fotográfico. Busca representar la realidad de las cosas sin la manipulación de las escenas.  

La fotografía "Madre Migrante", realizada el el 1936 por la estadounidense Dorothea

Lange (1895-1965), es una de las fotos más conocidas en el mundo. Con ella se narra la realidad
de la Grande Depresión Económica que vivió Estados Unidos en los años 30's. 

En el año 1936 el reconocido fotógrafo húngaro Robert Capa (1913 - 1954) foto la fotografía

titulada Muerte de un miliciano:
"La muerte de un miliciano, es una de las fotografías más conocidas de Robert Capa. En ella se
ve a un combatiente republicano, a quien se identificó como Federico Borell García, en el
momento en que cae abatido de un disparo, durante un enfrentamiento con las fuerzas nacionales
en el Cerro Muriano, Córdoba, la tarde del 5 de septiembre de 1936, cuando la guerra civil en
España llevaba apenas unos meses.
Se publicó por primera vez en el número 447 de la revista francesa Vu, el 23 de septiembre,
donde ganó la atención por su impactante fuerza narrativa. Pero buena parte del mundo la
conoció cuando también fue publicada en la revista estadounidense, Life, el 12 de julio de 1937.
Allí comenzó el mito". 

Magnum - Diario de una Pandemia

Hoy en día, más que nunca a lo largo de la historia, la fotografía es el testimonio de la vida

social, política y cultural de las personas. En la página profesional de fotografía Magnum
Photos 1 se presenta una serie de imágenes bajo el titulo Diario de una Pandemia (Diary of a
Pandemic).  Se trata de una colección de fotos sobre la vida durante el Covid-19, organizadas
según los días en que fueron tomadas.   Las fotografías que podemos encontrar allí, no solo
documentan el diario vivir durante tiempos de pandemia, sino que a través de las imágenes se
ilustra la experiencia y desolación de las personas, inclusive los propios artistas/fotógrafos. Son
fotos cargadas de emotividad en las cuales se aprecia un alto contraste y composiciones llenas de
implícito drama. 

Fotografías en el mundo
A continuación se presentan algunas fotos que sirven para visualizar brevemente la evolución
técnica y artística de la fotografía durante sus primeros 150 años de historia, desde sus
comienzos en el año 1826. Mientras recorres la página, observa las fotos y contéstate cuales de
las características o conceptos mencionados en las páginas anteriores son aplicables a estas
fotos: 

La Gran Ola, de Gustave Le Gray, 1857 (fotomontaje analago antiguao)

The Struggle, de Robert Demachy - Camera Work n°5, January 1904 ( fotografia artistica)
a Niña Afgana es un retrato realizado en el 1984 por el fotógrafo estadounidense Steve
MacCurry (1950 - presente), y publicada el 1985 por la revista National Geographic (fotografia
documental)

We don’t need another hero, de Barbara Kruger, 1987

We don't need another hero (o No necesitamos otro héroe) es una de muchas fotos que realizó
la artista estadounidense Barba Kruger (1946 - presente) de tema feminista. En la foto Kruger
señala lo absurdo de los esteriotipos impuestos a los generos desde temprana edad, aún en la
época moderna. La imagen tiene un estilo  comercial, parecido al de portadas de revista
característico de la época.  (fotomontaje comercial)
Fotografia en la Actualidad

La segunda mitad del siglo XX fue importante para el arte en general, incluyendo la fotografía.
Algunos artistas adoptaron las técnicas fotográficas como vehículo para hablar sobre los
problemas o preocupaciones del Mundo Contemporáneo, especialmente en Estados Unidos.

La Jefa de curaduría del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Victoria

Giraudo comenta "Si bien, en términos de cultura, la modernidad latinoamericana miraba a
Europa –principalmente a París–, desde la segunda mitad del siglo, con la posguerra, pero
sobre todo a partir del influjo de los medios masivos de comunicación, como la radio, el cine y
la televisión, hubo un giro de interés hacia la cultura estadounidense que se tornó
universal..."  1

Cindy Sherman

Una de las artistas influyentes de la segunda mitad del siglo XX, por su forma novedosa de
utilizar la fotografía, fue la estadounidense Cindy Sherman (1954 - ). Sherman fue una de
varios artistas que se propusieron realizar un arte que analizara la relación entre la cultura
popular y los medios de comunicación. Ella se utilizá a si misma como "soporte" y a la fotografía
como medio de documentación de la imagen. Se fotografió a si misma vestida como diferentes
heroínas de películas de serie, resaltando el supuesto papel de la mujer en la sociedad o
escenificando pinturas reconocidas en el mundo, como El Baco Enfermo de Caravagio. 

La obra de Sherman "constituye un faro en la fotografía posmoderna desde un irrefutable

cuestionamiento de lo que se denomina "lo femenino". Ella se mete en la piel de una multitud
de personajes ficticios, metamorfosea su cuerpo con disfraces y photoshop, y crea fotografías
que exploran temas como la construcción de la identidad y la naturaleza de la representación.
Sus obras hablan de un mundo cada vez más saturado de imágenes, gracias al ilimitado
suministro de material visual ofrecido por los medios masivos, la cultura pop y la historia del
arte y ahora las redes sociales."

Yasumasa Morimura

Un artista contemporaneo que ha seguido los pasos de Cindy Sherman es el japonés Yasumasa

Morimura (1951 - ). Morimura es un artista de apropiación cuyo trabajo consiste en insertarse
a si mismo en obras icónicas en la historia. Al igual que Cindy Sherman, Morimura utiliza una
gran cantidad de accesorios y manipulación digital para crear sus imágenes, lo que resulta en
recreaciones impresionantes.

Una de sus obras mas conocidas se titula Retrato (Futago), de 1988, en la cual recrea la
pintura Olimpia (Véala aquí) 6, pintada en el 1863 por el famoso pintor frances Manet.

Andreas Gursky
En la actualidad, podemos encontrar otros artistas con diversos "discursos fotográficos" que se
relacionan a su momento en la historia y a sus propias  preocupaciones, o sea, a su contexto.  

En el siguiente video conozca la obra del fotógrafo contemporáneo alemán Andreas

Gursky (1955 - al presente). El video se titula "Andreas Gursky: ‘I Pursue One Goal – The
Encyclopaedia of Life" (Andreas Gursky: "Persigo un objetivo: la enciclopedia de la vida")

Harry Gruyaert

Otro fotógrafo contemporáneo influyente en la actualidad es famoso belga Harry

Gruyaert (1941 - presente ).En el siguiente video podrás conocer su estilo fotográfico . A través
del mismo autor se presenta el mundo que lo motiva. El video se titula Harry Gruyaert - Learn
Photography with the best on YouPic (Harry Gruyaert: aprende fotografía con lo mejor en
YouPic)

Diseño graficio
El diseño gráfico es escencialmente comercial. Podemos ubicar su surguimiento en el siglo
XIX, impulsado por la revolución industrial. 

Con el surgimiento de la industria mecanizada se desarrollan la economía y los

mercados...aparecen las zonas comerciales y la competencia para vender... los nuevos
productos elaborados,...se desarrolla la técnica publicitaria que se ocupa de enviar a los
posibles consumidores información acerca de las nuevas mercancías. Esto provoco la necesidad
comercial de un profesional con los conocimientos necesarios para manejar de manera correcta
diversos elementos visuales: formas, textos, tipografías, tonos, ilustraciones fotografías, debían
ser orquestadas coherentemente para comunicar masivamente ideas puntuales a los posibles
consumidores, es entonces que aparecen los primeros diseñadores gráficos y la comunicación
publicitaria cobra gran fuerza.  1

Durante las primeras décadas del siglo XX las Artes Gráficas fueron clave para la publicidad,
no solo de productos comercializables en masa, sino para anunciar eventos, lugares de
entretenimiento y todo tipo de servicios para el consumidor. Además, fueron un arma importante
en el ámbito político y militar. 

Su principal soporte o medio fue el cartel. Surge entonces el arte gráfico como profesión,
acompañado de la atracción visual que solo los artistas sabían conferir a las imágenes a través del
color, la forma, las texturas, entre otros.  

"Cuando las puertas del salón de baile y bar del Moulin Rouge se abrieron en el bulevard de
Clichy en 1889, una de las pinturas de Lautrec se exhibió cerca de la entrada. El mismo se
convirtió en un elemento sobresaliente del lugar y el artista recibió el encargo de crear un
anuncio de seis pies de altura que lanzó su carrera de cartelista y lo hizo famoso de la noche a la
mañana..." 3
Hoy en día algunos carteles publicitarios, como los creados por el artista francés Henri de
Toulouse-Lautrec (1864 - 1901), son considerados obras de arte por su valor histórico,
cualidades estéticas y novedades para su época.  

En las siguientes páginas conoceremos más sobre las características del diseño gráfico, su
función y las corrientes artísticas que lo impulsaron. Además, veremos la diferencia entre diseño
gráfico y diseño digital y su relación con el arte.

El Arte Gráfico como comunicador

Diferente a otras ramas de las artes plásticas, el arte gráfico tiene una función claramente
definida: informar, ser útil para el público, o sea comunicar. Es precisamente esta característica
la que traza una fina línea entre una obra de arte y el resultado de un diseño gráfico. 

Aunque la obra de arte puede comunicar, la información que transmite llega al espectador de

forma más expresiva y simbólica; y se entiende según las propias experiencias y emociones al
disfrutar de la obra. Mientras que el arte gráfico debe ser capaz de transmitir una información
clara y precisa a todas las personas que ven el producto final. Por tal motivo uno de los
elementos característicos del arte gráfico son las palabras; las letras.

La Tipografía
Las letras en el diseño gráfico son diseñadas para crear una impresión visual. Al ejercicio de
diseñar letras y aplicarlas según un resultado deseado se le llama Tipografía.

Tipografía: "es la técnica de escribir, utilizando diferentes diseños de letras y caligrafía,

con la finalidad de resaltar lo que se desea comunicar... Se encarga de todo lo relativo a los
símbolos, los números y las letras que se pueden imprimir en soporte físico o digital." 

Las palabras pueden comunicar claramente una información y hacer que una imagen sea más
comprensible. Combinadas con ilustraciones, colores y otros elementos estéticos, también
pueden provocar que el espectador se sienta atraído y persuadido por la información que se
presenta en una imagen. Es por esto que el diseño gráfico es también un medio publicitario. Se
utiliza para el diseño de propaganda de eventos, productos y también para hacer comentarios
sociales.

El diseñador gráfico
Un diseñador gráfico conoce la cultura visual de su época. O sea, los estilos y medios que
son propios de su tiempo; y el contexto cultural y social que influyen en la producción de
una imagen.

El diseñador gráfico resuelve problemas de comunicación. Para ello analiza los elementos,

colores, formas y apariencia general de la imagen que diseñará. Por lo cual es importante
comprender la manera en que los elementos y principios, así como la tipografía se asocian para
comunicar una idea.

Art Noveau
El Art Noveau fue una corriente artística que se popularizó en Francia, Inglaterra y Estados
Unidos hacia finales del siglo XIX y se extendió hasta principios del siglo XX (1890 - 1910). Su
mayor representación se encuentra en el diseño de interiores, de espacios arquitectónicos y en
objetos utilitarios y de moda, como mobiliarios, artículos del hogar y vestuarios. Además,
encontramos una importante influencia en el Arte Gráfico de la época. 

En la imagen podemos observar colores cálidos en primer plano, que contrastan con la atmósfera
de colores fríos (azules) en el tercer plano. Las figuras forman una composición en diagonal que
va desde la parte inferior a la izquierda hasta la parte superior a la derecha, enfatizando la
sensación de movimiento de las figuras. La apariencia general de la imagen nos ilustra un
carácter festivo y de celebración. Por otra parte, las palabras informan los detalles de esta
promoción con una tipografía que resalta claramente pero que va en concordancia con el estilo
divertido de la ilustración.

 (Puedes ver otras obras del artista en el: MOMA) 2

En el Art Noveau, también conocido como Arte Nuevo, predominan las formas orgánicas y las
figuras femeninas. Artistas, como el checo Alphonse Mucha (1860-1939), crearon imágenes con
elementos exóticos y enfatizando a la figura femenina como motivos atrayentes para la época. La
figura de la mujer es el centro de atención. Se encuentra ataviada con un vestuario y adornos
floridos que representan la flora y fauna del lugar.

El constructivismo fue un movimiento artístico surgido en Rusia durante la segunda decada del

siglo XX, y que estableció algunos parámetros para el diseño gráfico publicitario. 

El diseño gráfico constructivista: 2 "Se enfocó no solo en ser persuasivo, sino en pensar en

conceptos que dentro de sus nociones también tuvieran fuerza y le hablaran a un sector de la
población en específico. Se idealizó al sujeto de la publicidad, se acopló a las necesidades
sociales de su época, entendió cabalmente los deseos y aspiraciones de una población que
estaba agitada después de la revolución. La geometría y sus colores, en cierta forma,
recordaban esa época convulsa y su fortaleza, pero se transformaban en un mensaje puramente
poético."
Los diseñadores constructivistas se apoyaron en un estilo geométrico, de colores planos y con
un mensaje preciso y contundente, a través de una tipografía integrada al diseño de la imagen.

Los diseñadores constructivistas utilizaron especialmente los colores primarios y el negro para
lograr un efecto impactante del color. Abundaron las líneas diagonales y las formas
geométricas. También, la incorporación de la tipografía como un elemento más en la
composición pictórica. 

En y fuera de Rusia el diseño gráfico se utilizó como propaganda política, pero "pronto

permeó en otros elementos de la cultura popular. De la publicidad pasó al diseño editorial y del
diseño editorial pasó a plasmarse para siempre en la Historia del Arte como un periodo
prolífico, con una esencia particular, reconocible y única por sus cualidades específicas." 

La Bauhaus
Durante el siglo XX el diseño gráfico se ajustó a los diversos estilos dominantes en el arte. Sin
embargo, también tuvo sus momentos de evolución más importante cuando se convirtió en una
rama independiente de las artes plásticas y decorativas.

En el año 1919, a la vez que se gestaba el Constructivismo en Rusia, se fundaba en Alemania

la primera escuela de diseño gráfico conocida como La Bauhaus (bau = construcción + haus =
casa). En la Bauhaus también se enseñaba arquitectura y artes, pero se trataba a las artes
gráficas como una rama separada de otras artes; aunque se le relacionaba con los aspectos
formales y de estilo de la época. Allí surgió el estilo de la Bauhaus.

Similar al Constructivismo Ruso, la Bauhaus promovía un diseño simplificado, con lo mínimo

de elementos para la representación visual de un mensaje. Aunque los diseños fueron más
sofisticados y complejos que los del constructivismo. Utilizaron también colores planos y una
tipografía integrada al diseño de manera estratégica. Era muy importante la claridad y legibilidad
de la tipografía, pero también su diseño único y sistemático. 

Por lo que, además de su gran influencia en el diseño moderno, uno de los logros trascendentales
de la Bauhaus fue haber propiciado el diseño de varios estilos de "tipos", o sea de letras, de uso
universal. Por ejemplo, la tipografía Universal diseñada por Herbert Baye

Art Deco
El Art Deco es otra corriente del diseño que surge hacía el 1925 en Francia, influenciado por las
artes decorativas francesas.  En Francia el estilo Art Deco se interpretó como una reacción
contra las tendencias curvilíneas del Art Nouveau. En vez de las curvas y ondulaciones orgánicas
del Art Noveau, el Art Deco prefirió la formalidad de las figuras rectilíneas y la geometría en
todos los géneros del diseño. 
Después de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Francia experimentó una especie de
"retorno al orden". El Art Deco apoyó esta causa convirtiéndose en un estilo políticamente
conservador, que insistió en la continuidad de las tradiciones decorativas de Francia, pero con un
estilo nuevo y moderno. Para ello, también utilizaron materiales y formas exóticas de otras
culturas con otro tipo de iconografías, por ejemplo de egipcias o aztecas. Pero sobre todo
redefinieron la elegancia y refinamiento de las formas y de la imagen gráfica. También se
influenciaron por los movimientos artísticos importantes en esa época como el cubismo y
el futurismo.

A finales de 1920, los catálogos de exhibición y las portadas de revista eran parte de una elegante
tradición tipográfica francesa. En las portadas se utilizaban grandes titulares y motivos egipcios
usados como decoración en los bordes. Inspirados en el estilo Art Deco se crearon algunos tipos
como la Noir Bifur (1929) y la Acier (1936), ambas diseñadas por Adolphe Cassandre.
Cassandre (1901 – 1968) fue un diseñador gráfico francés, tipógrafo, pintor y maestro del
cartelismo. Es uno de los artistas del cartel más influyentes del siglo 20. Sus diseños tipográficos
y de póster fueron centrales para gráficos en el Art Decó. 

El Arte Gráfico como propaganda política

Hacia finales del siglo XIX y especialmente en la primera mitad del siglo XX, todas las Naciones
se beneficiaron del poder comunicativo de los carteles publicitarios. Naciones como Estados
Unidos, Reino Unido, Alemanía y Rusía hicieron uso de los carteles por su capacidad de
persuasión y de ser reproducidos en masa. 
En Rusia, el cartel tuvo su momento de gloria durante la revolución Rusa (1917 - 1923).

Recordemos que en ese entonces no existían muchos otros medios de comunicación visual
masiva. La televisión todavía no era una realidad palpable y mucho menos las computadoras o
el internet en las casas. Así que gracias a las habilidades de los artistas gráficos para crear una
propaganda política persuasiva y atractiva, y según los respectivos intereses de los dirigentes de
cada país y en cada época, las artes gráficas se convirteiron en su principal recurso, para bien o
para mal. 

En las siguientes imágenes puedes apreciar varios ejemplos de carteles creados para el
reclutamiento militar. Curiosamente los 3 ejemplos llevar un mensaje similar. 

Un cartel muy famoso

A continuación se presenta el icónico cartel "We Can Do It", también conocido como Rosie the
Riveter, realizado por el diseñador gráfico estadounidense J. Howard Miller (1918 – 2004) en la
década los los 40’s (S. XX). “Rosie the Riveter” es un personaje y un ícono cultural de Estados

El National Museum of American History, Behring Center (Smithsoniam) describe la obra con

las siguientes palabras: 2 
"El artista J. Howard Miller produjo este póster de incentivo laboral para Westinghouse Electric
& Manufacturing Company... Al año siguiente se convirtió en uno de los íconos más famosos de
la Segunda Guerra Mundial.

En la medida en que se alentaba a las mujeres a aceptar trabajos de guerra en las industrias de
defensa, se convertían en un símbolo célebre del patriotismo femenino. Pero cuando terminó la
guerra, muchas industrias obligaron a las mujeres a ceder sus trabajos calificados a los veteranos
que regresaban."

Similar a otros medios artísticos, en las artes gráficas algunas imágenes se han perpetuado en la
historia y se han reutilizado más allá de su momento. La clara iconografía, el atractivo estilo y la
fuerza expresiva de la figura y de los colores primarios en esta imagen la han convertido en un
modelo para el discurso feminista en diferentes esferas y épocas. 

El Diseño Gráfico a mediados el siglo XX

En el Diseño Gráfico aparecer estilos que no seguían rígidamente las modas de la época y se
crea una gran variedad de carteles de estilo psicodélico; con fotomontajes, abstractos, con
tipografías poco legibles y una apariencia centrada más en la estética de la imagen y menos en la
información de propaganda. 

De este momento surgen nuevas propuestas visuales, como las del artista gráfico suizo Josef
Müller-Brockmann (1914–1996). Su estilo simpificado y de formas abstractas se convirtió en el
"Estilo Internacional" o "Estilo Moderno" (The International Style), con gran aceptación en el
mundo y emulado por muchos aprendices del diseño gráfico durante décadas. Vea varios del sus
trabajos en el Museo MOMA, a través del siguiente enlace:

Josef Müller-Brockmann 

De este momento también nacerá el diseño gráfico como arte, siendo uno de sus mayores
precursores el Arte Pop; y eventualmente, con la era digital, el Arte Digital. 

Arte Pop
El Arte Pop (Pop Art) fue un movimiento nacido en Estados Unidos e Inglaterra en la década
del 60's (s. XX) y que superó las fronteras entre arte y la cultura popular. Se caracterizó por
oponerse a la cultura artística del momento de venden obras únicas a precios exorbitantes e hizo
uso de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación. Incluyendo
anuncios publicitarios, "comic books", la música y el cine, entre otros. 

"El Pop Art es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, el
capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados
como productos en serie."

Dos de los principales artistas del movimiento Pop Art fueron los estadounidenses Andy

Warhol (1928-1987) y, Roy Lichtenstein (1923 - 1997). Ambos se encargaron de reinventar la
idea que se tenía sobre la imagen artística confiriéndole formas y acabados característicos de las
artes gráficas. Redefiniendo por un tiempo el estilo del diseño gráfico, especialmente en el
mundo del diseño y la moda.

Aunque el arte de estilo pop fue creado más como obra de arte, y menos como propaganda, tuvo
un impacto importante en el diseño gráfico de la época y en varias de sus ramificaciones,
especialmente en sus medios pictóricos. Por ejemplo, en los Comics, en donde el estilo Pop
sigué influenciando a muchos artistas hasta nuestros días.

El estilo gráfico en Nueva Yor

Los 50's
A principios de siglo XX París era el centro cultural del mundo, pero a mediados de siglo lo fue
Nueva York, y el diseño gráfico jugó un papel muy importante en esto. En los 50's el diseño
gráfico estadounidense había ganado reconocimiento internacional por sus originales puntos de
vista y estética visual. Al conjunto de los artistas gráficos de este momento se les llamó: La
Escuela de Nueva York.

"Mientras el diseño europeo era teórico y estructurado, el diseño estadounidense era intuitivo y

más informal en su enfoque para organizar el espacio y por eso dictaron su propia forma de
diseño moderno. Se puso énfasis en la expresión de ideas y en la presentación abierta de la
información. Se valoraba mucho la novedad en la técnica y la originalidad del concepto
y buscaban resolver los problemas de comunicación a la vez que satisfacer una necesidad
de expresión personal. Lubalin la llamó la Escuela Estadounidense del Expresionismo gráfico." 1

Dos de los artistas que destacaron fueron Paul Rand (1914 - 1996) y Saul Bass (1920 - 1996).

Vea de manera general algunos ejemplos de diseños realizados por Paul Rand en su página:
"Paul Rand design" 2 . Luego observe más detenidamente algunas de las características del
estilo de la escuela de Nueva York en los siguientes ejemplos de diseños realizados por Saul
Bass durante los años 50's para promociones de películas:

Los 60's y 70's

Durante los 60's es el momento de los hippies. Los jóvenes buscan la paz, el amor, y ante todo
crean sus propios valores, su música y una forma de vida bohemia. Con esto surge una nueva
estética, caracterizada por las caligrafías psicodélicas y distorsionadas, las formas simplificadas y
el uso del color.

"Es una época de grandes avances tecnológicos, la televisión es el medio de comunicación por

excelencia y comienza la edad de oro de la publicidad, consolidándose muchas de las
grandes empresas del sector." 4
Un diseñador gráfico que se destacó en ese momento y que ha sido relevante hasta nuestros días
fue el estadounidense Milton Glaser (1929 - 2020).

La Era Digital
A finales el siglo XX comienza la era digital. ¡Si! por fin llegan las computadoras.  A partir de
los años 80's, las computadoras y los programas especiales de edición gráfica permitieron que los
diseños gráficos pudieran hacer trabajos que podían ser manipulados, "desmantelados" y
recontruidos de manera digital, redefiniendo toda la profesión. Esto trajo consigo cambios en la
manera de percibir la composición visual y promovió un nuevo lenguaje gráfico para la
tipografía y las imágenes. 

Los diseñadores tuvieron que adaptarse a la aceleración de las nuevas tecnologías y a los medios
y los formatos computarizados, que provocaron el crecimiento exponencial por la demanda de
diseño gráfico.

"Internet es el último de los desafíos hasta el día de hoy, la interacción de animaciones,

contenidos multimedia con textos y aplicaciones online, abre nuevos caminos y propone nuevos
desafíos, hoy en día son comunes los híbridos diseñadores gráfico/multimedial que tienen la
capacidad de manejar video y contenido interactivos. Ya veremos que nos espera, mas
adelante." 2

La diseñadora estadounidense April Greiman (1948 - presente) fue una de las primeras en

incorporar la computadora como herramienta de trabajo. Mediante la integración de la tipografía,
el video y los medios digitales, April creó una gráfica única y de vanguardia en los ochenta
(80's). Su estilo estaba influenciado el Punk y el lenguaje posmoderno. 

El Diseño Gráfico Digital

Ya a finales de siglo XX las nuevas formas de comunicación de la era digital eran infinitas y nos
fueron heredadas en siglo 21 (s. XXI). Junto con el "maravilloso mundo de internet" las artes
digitales en el s. XXI han contribuido a una rápida evolución del diseño gráfico en múltiples
esferas. De este proceso han surgido otras modalidades como el diseño de páginas web, la
ilustración digital, las animaciones y muchos otros. 

Hoy en día en el diseño gráfico digital podríamos mencionar a cientos de artistas destacado, por
lo diversificada de esta profesión. Sin embargo, para terminar el capítulo nos limitaremos a
mencionar algunos más relevantes y reconocidos en el mundo. 

Neville Brody

Neville Brody (1957- presente) es un diseñador y tipógrafo inglés. Su trabajo se distingue por el

uso recurrente del espacio en blanco como parte importante de la obra; imágenes 

David Carson
David Carson ( 1955 - presente) es un diseñador estadounidense que se ha distinguido por sus
novedosos diseños de portadas de revista y la experimentación con la tipografía. "Para él, un
buen diseño es aquel que provoca una reacción en el receptor, por lo que su trabajo se basa
más en la intuición que en el pensamiento. Creaba páginas de escasa legibilidad, pero con
composición gráfica exquisita...". 

Shepard Fairey

Shepard Fairey (1970 - presente) es un diseñador gráfico estadounidense. En los últimos años

ha tenido una gran influencia en el diseño de propagandas. También, es un reconocido artista
urbano. En sus obras se ve la constante relación entre la gráfica y el arte. En el siguiente video el
mismo artista comenta brevemente sobre su trayectoria y sobre su experiencia en el montaje de
una exposición por Realidad Virtual.