Temas: Antecedentes históricos del dibujo

Asignatura: Taller de Expresión Plástica y Clasificación de los tipos de dibujos y materiales

Docente: Arq. Miriam Román Rivera

Alumno: Moises Gamez Montes

Grupo: 1-H
 Índice
Introducción…………………………………………………………………………………………

Desarrollo……………………………………………………………………………………..........

Conclusión…………………………………………………………………………………….........

Fuentes………………………………………………………………………………………………..

Parafrasear la información……………………………………………………………………
 INTRODUCCION
Desde los inicios de la humanidad, el ser humano ha tenido la necesidad de plasmar todo lo que le
rodeaba, su naturaleza, su manera de vivir, entre otros. Ellos encontraron en el dibujo esa especie
de lenguaje universal que les sirvió para inmortalizar sus testimonios en relatos gráficos que, hasta la
fecha, nos han dado conocimiento de cómo eran estas personas y cuáles fueron las creencias más
importantes en sus vidas.
Los primeros dibujos se remonta en el Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años,
cuando el Homo Sapiens plasmaba sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la
piel de animales que cazaban. En el mundo han encontrado estas pinturas rupestres, que hoy es
símbolo del arte desde los inicios de la humanidad.
Se puede considerar que el dibujo es el origen de todas las artes. A través de los años, pasó de ser
un importante recurso de comunicación, a ser considerado y valorado también como un arte en el
que se han producido gran cantidad de obras a lo largo del mundo, cada una de ellas con
características particulares y con un estilo único que fue mejorando conforme el hombre
evolucionaba.
Reconocemos la importancia del dibujo en la historia del ser humano, por eso te contaremos cuál es
el origen del dibujo, dónde surgió, cómo se ha ido manifestando este arte a través de cada etapa y
cultura y también cómo se ve reflejado hoy en día, sumado a los particulares cambios que se fueron
introduciendo gracias a sus técnicas.
Para hablar de dibujo técnico primero hay que definir que un dibujo es una figura, imagen o
delineación que se suele hacer manualmente con ayuda de alguna herramienta (un lápiz, un pincel)
sobre distintos materiales. El concepto de técnico, por otra parte, hace referencia a un procedimiento
vinculado a la ciencia cuyo objetivo es la obtención de un cierto resultado.
Por lo anterior se conoce como dibujo técnico al sistema de representación gráfico de distintos tipos
de objetos. Su fin es brindar la información necesaria para analizar el objeto, ayudar a su diseño y
posibilitar su construcción o mantenimiento.
El dibujo técnico también se ha definido como el sistema de representación gráfica de objetos ya
existentes o bien de prototipos, atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por
instituciones reguladoras. Eso permite describir de forma precisa y con claridad las dimensiones,
formas y características de esos objetos materiales.
Actualmente el dibujo técnico puede desarrollarse con ayuda de la informática. Existen ciertos
softwares que permiten realizar proyecciones y cálculos que facilitan el dibujo, esta herramienta se
conoce como CAD (Diseño Asistido por Computadora). En cuanto a los instrumentos manuales, los
más usuales son las reglas, las escuadras y los compases.
 -El dibujo técnico posee 3 características que deben ser respetadas a la hora de realizar un
trabajo: • Grafico • Universal • Preciso
Es fundamental que todas las personas, diseñadores o técnicos, sigan unas normas claras en la
representación de las piezas. A nivel internacional, las normas ISO son las encargadas de marcar las
directrices precisas. En dibujo técnico, las normas de aplicación se refieren a los sistemas de
representación (líneas, formatos, rotulación, etc.), representación de los elementos de las piezas.
 1. El origen del Dibujo:
El origen artístico del hombre es casi tan antiguo como la humanidad, pues siempre el hombre buscó
expresarse. En un papel instrumental y subordinado, se desarrolló junto con las otras artes en la
antigüedad y la Edad Media. Ya fueran bocetos preliminares para mosaicos y murales, o dibujos y
diseños arquitectónicos para estatuas y relieves, dentro de la variada producción artística de los
edificios góticos medievales y los talleres artístico de la época, el dibujo como habilidad auxiliar no
autónoma estaba subordinado a las otras artes. Limitadamente se puede hablar de centros de dibujo
en la Alta Edad Media; es decir, los scriptorium de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así
como los de Canterbury y Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de
Alemania, donde se cultivaron varios estilos de iluminación de libros fuertemente delineatorios
(ilustrados gráficamente).
En Occidente, la historia del dibujo como documento artístico independiente se inició a finales del
siglo XIV. Sin embargo, si su desarrollo fue independiente, no fue insular, es decir los dibujantes no
solo se dedicaban a ello. Los más grandes dibujantes han sido en su mayor parte también pintores,
ilustradores, escultores o arquitectos distinguidos, así los centros y los momentos culminantes del
dibujo han coincidido generalmente con las localidades principales y las épocas principales de las
otras artes. Es importante conocer que en el dibujo se han expresado los mismos fenómenos
estilísticos que en otras formas de arte. De hecho, el dibujo comparte con otras formas de arte las
características del estilo individual, el estilo de época y las características regionales. Lo que
diferencia al dibujo de otras expresiones es su individualidad y forma de representar utilizando sus
propios medios únicos.
2. Los primeros dibujos
Por muchos años se atribuyó el origen de los primeros dibujos al Paleolítico Superior,
aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sus registros sobre las
piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de los animales que cazaban. Pero
recientemente, un grupo de arqueólogos hizo un hallazgo importante. En una cueva de Blombos en
Sudáfrica, se encontró lo que se considera el primer dibujo de la humanidad. Esta pieza de roca
silícea tiene una extraña inscripción de líneas cruzadas hechas con ocre. Su antigüedad data de
hace 73.000 años, lo que significa que es 38.000 años más antigua que los otros ejemplares de
dibujo que se habían encontrado hasta la fecha.
Entre los otros primeros registros de dibujos en la antigüedad, uno de los más conocidos y
estudiados es el que se encontró en la Cueva de Altamira en España, descubierta en el año 1875 y
cuya existencia data de hace unos 35.600 años aproximadamente. Este lugar es un enorme vestigio
de pinturas rupestres, en colores rojo y negro, plasmadas en el techo y paredes. La mayoría de los
dibujos representan escenas cotidianas de hombres junto a animales como ciervos, bisontes y
caballos. También se aprecian dibujos de manos y algunos símbolos abstractos.
3. El Arte y el Dibujo: El dibujo es el padre de todas las bellas artes
Hasta entonces, el dibujo era considerado una herramienta narrativa muy funcional, pero durante el
renacimiento, el dibujo empieza a ser tratado como un arte en sí mismo. Como dijo Giorgio Vasari,
famoso pintor italiano e historiador de arte, desde el renacimiento se sostiene que “el dibujo es el
padre de todas las bellas artes”, afirmación que tiene fuerza considerando que toda expresión
artística, ya sea la pintura, escultura, música, danza, literatura y cine, empiezan con un dibujo,
boceto, esquema o como desee describirlo para luego transformase en el arte en sí.
 3.1. Pintura
La pintura es una expresión de ideas y emociones, creadas a partir de un dibujo, con determinadas
cualidades estéticas, con un lenguaje visual bidimensional. Los elementos de este lenguaje —sus
formas, líneas, colores, tonos y texturas— se utilizan de diversas formas para producir sensaciones
de volumen, espacio, movimiento y luz en una superficie plana. Estos elementos se combinan en
patrones expresivos para representar fenómenos reales o sobrenaturales, interpretar un tema
narrativo o crear relaciones visuales totalmente abstractas.
El artista puede utilizar un medio en particular, como témpera, fresco, óleo, acrílico, acuarela u otras
pinturas a base de agua, tinta, gouache, encáustica o caseína, así como la elección de una forma
particular, como mural, caballete, panel, miniatura, iluminación manuscrita, pergamino, pantalla o
abanico, panorama o cualquiera de una variedad de formas o plataforma modernas, tales como un
sitio web, redes sociales, aplicaciones, entre otros.

3.2. Escultura
La escultura es una forma artística en la que materiales duros o plásticos se transforman en objetos
de arte tridimensionales. Los diseños pueden plasmarse, partiendo desde un boceto o dibujo en
objetos independientes, en relieves en superficies o en entornos que van desde cuadros hasta
contextos que envuelven al espectador. Se puede utilizar una enorme variedad de medios, que
incluyen arcilla, cera, piedra, metal, tela, vidrio, madera, yeso, caucho y objetos «encontrados» al
azar. Los materiales pueden ser tallados, modelados, moldeados, fundidos, forjados, soldados,
cosidos, ensamblados o moldeados y combinados de otra manera
4. La era Egipcia y los dibujos en los jeroglíficos
La cultura egipcia también supo reconocer el dibujo como una expresión de arte. Habían pasado
miles de años para que el dibujo revolucione en esta parte del mundo. Pasaron una composición de
un elemento, a dibujos más complejos, que tenían muchos detalles y donde el color resaltaba cada
representación teológica de templos y santuarios. Además, detallaban la figura de los dioses como
una manera de agradecer el esplendor del imperio egipcio.
La técnica de dibujo en Egipto consistía en el uso de pigmentos naturales que extraían de tierras de
diferentes colores. Con ellas elaboraban una pasta de color que les servía para aplicar en las
superficies deseadas. Eran principalmente usados para la decoración de sus edificaciones y también
para realizar ilustraciones en papiro y utensilios.
Debido a la majestuosidad y elegancia de sus obras, se podría considerar que el trabajo de dibujo
ejecutado por los egipcios, es el punto de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como
la pintura, la escultura, las artes decorativas y la arquitectura.
5. La cultura griega y el dibujo
Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se preocupaban por tener la máxima
expresión perfecta del ser humano, que la despoje de toda connotación sobrenatural, para centrarse
y obtener armonía en sus obras. La mayoría de sus dibujos quedaron plasmados en murales, en
cerámica, lienzos y tablas.
 De estos se destaca el dibujo realizado en cerámicas. El dibujante griego se encargaba de elaborar
los mas finos gráficos. Sus diseños partieron de formas geométricas elementales hasta desarrollar
una mayor precisión en el dibujo de figuras humanas y animales. Tal fue la belleza de estos trabajos,
que fueron destinados a la comercialización, convirtiéndose en un negocio muy productivo en aquella
época.
Su estilo se centraba en los detalles y en la expresión de los rasgos humanos. En los primeros
períodos dibujaban a dioses y héroes, y también se ilustraban grandes escenas de guerra y
representaciones de la vida cotidiana. Los colores predominantes eran el rojo, amarillo, negro,
blanco, verde, azul, púrpura y marrón. La técnica griega enfatiza las líneas y curvas, hasta que más
adelante van perfeccionando sus trazos para lograr dibujos con mayor realismo y énfasis en las
formas.
6. Edad Media y los dibujos religiosos (S.VIII- S.XV)
Durante esta etapa, entre el s.VIII y s.XV, predominan las representaciones vivaces, donde los
dibujos son trazos que resaltan el detalle. En los primeros años, su función principal fue difundir la
religión y exaltar a Dios, por ello el dibujo fue muy usado para la ilustración de libros religiosos
producidos por monjes, quienes tenían exclusividad en el uso de los insumos para dibujar.
Los primeros materiales usados para los dibujos eran los pergaminos de piel de animal o las tablas.
Posteriormente, con la invasión árabe se introdujo una revolución en el dibujo y la pintura, pues se
crea el papel. Con esta invención china, se facilita que la ilustración deje de ser una actividad
exclusiva para los monjes, y se vuelve más accesible para todos. Desde ese momento, ya se
manifiesta el dibujo a color.
Es posible diferenciar dos estilos de dibujo en la edad media: un grupo de dibujos que consistían en
la elaboración de pinturas en miniatura adornadas con oro, destinados a la realeza. Por otro lado, un
grupo de obras más sencillas, que estaban decoradas con dibujos realizados con pluma y tinta,
destinadas a las personas menos ricas.
El dibujo se transforma en arte independiente en el norte de Italia, claro que al principio dentro del
marco de la actividad ordinaria de un estudio, siendo una prioridad el estudio de la naturaleza como
tal, como quedó registrado en copias de antigüedades y borradores en los distintos cuadernos de
dibujo (los de Giovannino de’Grassi, Antonio Pisanello y Jacopo Bellini, por ejemplo). Quizás lo
más representativo de este momento se encuentra en el taller de Bauhütten, donde se cambió al
trabajo individual: conocido como el lugar de «exempla», pues los modelos, reproducidos de manera
formalizada, ahora estaban siendo tomados por dibujos subjetivos y parcialmente creativos. A
principios del siglo XV, el estilo de la época todavía predominaba en gran medida sobre la
«caligrafía» individual del dibujante. A mediados de siglo, sin embargo, se establece la
diferenciación del estilo de dibujo según la región y la personalidad del artista. Los criterios
esenciales, destinados a seguir siendo característicos durante generaciones, comienzan a llamar la
atención.
En los dibujos realizados al norte de los Alpes, los rasgos característicos residen en la tendencia a la
compacidad pictórica y la ejecución precisa de los detalles. Muchos pintores produjeron dibujos
individuales, pero los dibujantes más notables son el maestro alemán del Housebook del siglo XV, no
identificado, y su contemporáneo Martin Schongauer. Ambos artistas fueron también importantes
grabadores de placas de cobre, por lo que no siempre es fácil determinar si la obra es un boceto
preliminar o un dibujo independiente.
 7. El Renacimiento y el dibujo
En los dibujos del Renacimiento italiano, de los que abundan, las características estilísticas
divergentes de las diversas regiones artísticas fueron particularmente evidentes. Lo que tenían en
común era la importancia abrumadora del boceto y el estudio, en contraste con los dibujos
terminados mucho más raros. La conexión formal y temática con la pintura es muy estrecha incluso
cuando no se trata de dibujos preliminares. Los dibujantes de Venecia y del norte de Italia prefirieron
una forma abierta con delineación suelta e interrumpida para lograr incluso en el dibujo el efecto
pictórico que correspondía a la imaginación de sus pintores.
En el centro de Italia, en cambio, y sobre todo en Florencia, predominaba el contorno claro, la forma
cerrada y firmemente circunscrita, el carácter estático y plástico. En correspondencia con el propósito
funcional del dibujo, los estudios de los artistas individuales (que, como fue el caso de la Academia
de San Marcos de los Médicis, también tuvieron que dedicarse a investigaciones educativas y
humanísticas generales) formaron los centros más importantes del dibujo artístico.
8. La era moderna y el dibujo
Desde los inicios de la humanidad hasta la edad media, el dibujo ha ido evolucionando, pero ya en
inicios del Renacimiento, y con las nuevas técnicas de Leonardo Da Vinci, el dibujo otra perspectiva,
y ya es más especializada. Ahora, existen dos tipos de dibujo, el artístico y el técnico. El primero
clasificaba los dibujos para expresar ideas estéticas, filósofas y abstractas. El segundo es para
representar la tipografía, la arquitectura, edificios, entre otros. Además, las técnicas hacían uso de
medios tradicionales como la tinta, el grafito, el carbón, el lápiz de color, acuarela, etc.
Ahora, el dibujo ya no sólo se dibuja en hojas de papel, o lienzos, sino que se convierte en dibujos
digitales, es decir, puede ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras. El primer
pintor neoimpresionista fue Seurat, quien creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos
como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.
En la década de los 90’s, estos dibujos podían editarse en dispositivos o aparatos digitales, e incluso
se podía imprimir miles de copias. Desde la fecha, ya se puede conocer la ilustración y el dibujo
digital. Además, conocemos las animaciones 3D, que pueden ser editados en diferentes programas
de diseño. Las técnicas de las que hacen uso en esta etapa moderna, dependen mucho de la
particularidad del artista y la corriente a la que pertenece. A inicios del siglo XX surgen los
movimientos de las vanguardias y cada una de ellas impone una ruptura con el movimiento anterior,
renovando el estilo del arte mediante nuevas formas de expresión y puntos de vista:
Los movimientos más importantes son:
8.1. El Futurismo:
Es el movimiento italiano que surge el 20 de febrero de 1909, en la publicación del Manifiesto
futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Nace como un movimiento literario, pero
luego se expande a las diversas artes, entre ellas el dibujo. Como su nombre lo dice, el futurismo
es el ‘movimiento orientado hacia el futuro’. Hay un intento por expresar los valores y
experiencias de la era de la máquina como son la velocidad, energía y fuerza. Por ello sus dibujos
rompen con la tradición estética al enfocarse en la mecánica y el funcionamiento técnico de los
objetos. El elemento protagónico fue el tiempo y la exaltación de la velocidad como Belleza.
Algunos artistas de este movimiento son: Giacomo Balla, pintor y escultor italiano; Umberto
Boccioni, pintor y escultor italiano; Carlo Carrà, pintor, Gino Severini, pintor francés, Luigi
 Russolo pintor y compositor italiano y Antonio Sant’Elia, arquitecto italiano, Escritor del Manifiesto
de la arquitectura futurista.
8.2. El Cubismo:
Fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Se le considera precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. Este movimiento establece,
por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que se basaba en la
imitación de la naturaleza y en la idea de belleza. Mientras que el cubismo consiste en la
representación de la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados
del análisis y la síntesis. Los objetos se representan como han sido concebidos por la mente, que los
deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la
observación y el análisis.
Algunos artistas de este movimiento son: Pablo Picasso, famoso pintor italiano; Juan Gris, pintor e
ilustrador español; André Derain, Pintor, ilustrador y escenógrafo francés; Albert Gleizes; Fernand
Léger y Georges Braque, todos ellos importantes pintores franceses del siglo XX.
8.3. El Expresionismo:
Fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario. Inició como estilo pictórico en
Alemania a inicios del siglo XX, luego se expandió a otras disciplinas hasta alcanzar su auge entre
1905 y 1933. A diferencia de las “vanguardias históricas”, el expresionismo no tuvo un estilo
unificado, sino un espíritu crítico frente al nuevo orden occidental. El desengaño y la crítica de la
época provocaron que el expresionismo pusiera énfasis en la percepción pesimista de la vida
y el individuo contemporáneo, el rechazo a la composición premeditada y el cuestionamiento de la
belleza escultural. Por ello producen piezas que ensalzan los rasgos y emociones humanas para
impresionar al público.
Algunos artistas de este movimiento son: Edvard Munch, pintor noruego; James Ensor pintor
nacido en Bélgica; Emil Nolde, pintor alemán; Ernst Barlach, escultor alemán; Fritz Lang, cineasta
nacido en Austria; Ernst Krenek músico austriaco; Ígor Stravinski músico ruso y Georg Heym,
escritor alemán.
8.4. El Surrealismo:
Surge en París, en el año 1924, cuando André Breton escritor y poeta francés, escribió un
manifiesto después de enemistarse con Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta. El Surrealismo
es considerado la última de las grandes vanguardias. Este movimiento pretendía superar la limitación
del inconsciente, permitiendo que el subconsciente se exprese a través del arte, por lo cual, algunos
artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis, su objetivo era representar nuevos
mundos posibles de manera original y disruptiva. Usaron la técnica del frottage, que consistía en
pasar un lápiz sobre una superficie rugosa, dando formas y texturas en el soporte para crear una
obra nueva.
Algunos artistas de este movimiento son: Max Ernst pintor y poeta nacido en Alemania; René
Magritte pintor nacido en Bélgica; Salvador Dalí, famoso pintor, escultor, grabador, escenógrafo y
escritor español y Joan Miró, uno de los influyentes artistas españoles, fue pintor, escultor,
diseñador, ceramista. 
9. El arte digital
En la era contemporánea, el dibujo ya no sólo se plasma en hojas de papel, o lienzos, ni se realiza
sólo con lápices y grafitos sino que se convierte en dibujos digitales, es decir, puede ser plasmados
en los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoimpresionista fue Seurat,
quien en el siglo XIX creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo
que el color sea más definido en la era digital.
Desde la década de los 90 ‘s, estos dibujos pueden ser editados en dispositivos o aparatos digitales,
e incluso se pueden imprimir miles de copias. Las técnicas que sobresalen son la ilustración y el
dibujo digital, además de las animaciones 3D. Todos estos proyectos pueden ser editados en
diferentes programas de diseño como Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Indesing, Corel Draw,
entre otros. Solo basta ver un tutorial o haber tomado un curso de diseño digital.
 CONCLUSION
Como dijimos, sabemos que el ser humano tiene la capacidad de pensar y sentir. Pero es necesario
construir un modo común y entendible de expresión que nos permita darnos a entender y entender a
otros. En ese intento de crear un lenguaje común, el dibujo se convierte en una de las primeras
formas de expresión palpable del pensamiento y la imaginación. La representación gráfica y
codificación del arte en trazos, se convierte en una realidad, en un objeto transmisible que permite la
permanencia, dejar un legado histórico casi inmortal que perdura en el tiempo y es entendible y
resignificable por cada generación.
El dibujo puede ser considerado el punto de partida de toda expresión artística y sobre todo del lado
artístico del ser humano. Con el paso del tiempo, ha sido posible desarrollar una gran sensibilidad
artística para poder interpretar o reinterpretar antiguas obras de la historia humana. Desde los
primeros registros pictóricos, hasta los más modernos proyectos digitales, el dibujo ha capturado y
es el fiel reflejo de una parte esencial de nuestras emociones y anhelos. Es por ello por lo que es
posible conmoverse profundamente al ver alguna obra o distinguir entre aquellas que tienen un
impacto y significado más profundo en nuestras vidas. 
El dibujo es una de esas bellas artes que inspira profundamente a las personas. Gracias a este arte,
el ser humano ha podido imaginar algo increíble y dejar un registro de aquello que podía parecer
imposible. Muchas de estas obras que comenzaron en la mente de algún artista, luego han inspirado
a su materialización en las obras más increíbles e importantes de la historia. El ser humano es capaz
de imaginar cosas inimaginables, por eso el dibujo es una fuente de inspiración inagotable, que se
renueva constantemente y nos sorprende. Se podría decir que el mundo que tenemos ahora fue
producto del dibujo de artista que imagino que esto era posible.
Por ejemplo, algunos artistas han plasmado en sus lienzos lo que ellos viven. Una de ellas es Frida
Kahlo, quien plasmaba sus dolores físicos y emociones en sus pinturas. Así como ella, hay varios
ilustradores que plasman su vida, sus emociones, y su manera de ver el mundo.
 FUENTES DE INFORMACION
 https://mott.pe/noticias/conoce-la-historia-del-dibujo-en-sus-distintas-etapas /
 https://www.arquitecturapura.com/historia-del-dibujo/
 https://antecedentesdibujo.blogspot.com/2019/08/historia-del-dibujo-tecnico.html
 https://www.arqhys.com/contenidos/historia-del-dibujo.html
 https://www.youtube.com/watch?v=x2BHrV9r5WM
