La luz y la sombra en el dibujo.

La luz pinta los cuerpos; la sombra promueve el volumen: la luz y la sombra explican la
forma de los cuerpos.

En nuestras clases de dibujo en Madrid, siempre explicamos a nuestros alumnos que

para representar el volumen debemos dibujar o pintar tonos o colores de diferentes
intensidades o valores; es decir, comparamos, valoramos unos tonos o matices respecto
a otros, les damos un valor (este matiz es más claro que aquél; este es más oscuro que
aquel otro). La valoración es, por tanto, un aspecto que consideramos básico tanto del
arte de dibujar como de pintar. Corot le decía a Pissarro: «Usted es un artista y, por
tanto, no necesita consejos: salvo este: hay que estudiar, ante todo, los valores: no se
puede hacer buena pintura sin ellos».

Para captar los valores de un modelo, hay que saber ver, por un proceso de observación
y comparación, las diferentes tonalidades que modelan los cuerpos. No es cuestión de
ciertos matices; en realidad con solo unos cuantos grises diferentes, además del blanco y
el negro, es posible prácticamente representar toda la gama de tonos que ofrece el
modelo.
Para comprender mejor estos problemas de la luz y la sombra, podemos dibujar
cualquier modelo con una única fuente de luz, con un lápiz blando 2B. Es ahora cuando
debemos estudiar los factores que determinan el volumen de los cuerpos:
 LUZ: Partes iluminadas donde el color es el propio del modelo.
 BRILLO: Se consigue por contraste. Un blanco es más blanco cuanto más oscuro
es el tono que le rodea.
 JOROBA: Parte más oscura de la sombra proyectada entre la penumbra y la luz
reflejada.
 LUZ REFLEJADA: Aparece en el límite, al final de la parte sombreada. Se
acentúa cuando junto al modelo se halla un cuerpo de color claro.
 PENUMBRA: Zona intermedia entre parte iluminada y zona en sombra. Puede
definirse también como luz en la sombra.
 SOMBRA PROPIA: Toda la zona de sombra, opuesta a la parte iluminada.
 SOMBRA PROYECTADA: Es la sombra que aparece sobre la superficie en que
se halla el cuerpo. Por lo general es más oscura en la zona próxima al cuerpo.
 PRINCIPALES TÉCNICAS DEL DIBUJO ARTÍSTICO
No todas las habilidades artísticas de las personas son iguales. Hay quienes sienten
pasión por el baile, la música, el arte y quienes tienen habilidad para el dibujo. Esta
última, es una pasión que bien desarrollada podría convertirse en una importante fuente
laboral o sencillamente ayudar a realizarnos en este ámbito.
Pero para crear buenos dibujos artísticos, se necesita una gran cantidad de técnicas,
algunas de ellas son tradicionales y otras un poco más modernas. Seguí leyendo esta
nota y conocé cuáles son las más importantes.
Principales técnicas tradicionales del dibujo artístico
Desde hace muchos años han existido estas técnicas básicas que tenés que manejar para
conseguir buenos resultados:
 Dibujo a lápiz
Se trata de la técnica más usada y difundida del mundo. Un buen lápiz de dibujo está
determinado por la dureza de su grafo, ya que mientras más blando sea, más oscuro e
intensa será la obra.
Esta técnica se realiza con lápices de grafito o colores, inclinando el utensilio de forma
suave sobre la hoja, y aplicando intensidad dependiendo del resultado que se desee.

 Dibujo sepia
Se trata de una sustancia marrón colorante que podés obtener de un cefalópodo que
comparte el mismo nombre. La técnica es empleada con lápices o barras de este
material para dibujar, y es la misma del lápiz y el carboncillo.
  Dibujo a sanguina
Este es otro material, pero esta vez rojizo y obtenido de hematites. Podés usarla diluida
en agua o en barra y se emplea en retratos de estudio o desnudos artísticos.

 Dibujo a tinta
Por lo general se emplea tinta china, que es un material líquido usado en pinceles o
plumillas. Con esta técnica podés realizar dibujos lineales con tonalidades y se aplica en
papeles de alto gramaje o en cartón.

Principales técnicas modernas del dibujo artístico

Con la evolución del mundo, el dibujo artístico también lo hizo y mucha de las técnicas
básicas que conocíamos se fueron transformando. También se han incorporado nuevas
herramientas para la creación y de ellas han surgido nuevas técnicas como:

 Dibujo a lápiz de tinta

También conocidos como Rapidograph, es una línea de lápices que pertenecen a la
marca Rotring y que son ideales para realizar dibujos sencillos y precisos, con diversas
puntas y tintas recargables.
  Dibujo a rotulador o marcado
Una técnica bastante parecida a la anterior, empleada con diversos tipos y tamaños de
marcadores o rotuladores recargables.

 Dibujo en aerógrafo
Se trata de un rociador de aire comprimido con el cual podés realizar pinturas o dibujos
de gran detalle. Es especialmente usada en el body paint, donde la pintura corporal es
rociada sobre el lienzo humano y por la suavidad de los acabados, suele ser una de las
técnicas modernas preferidas.

 Dibujo en tablas digitalizadoras

Por último, la tecnología no la podés dejar por fuera. Se trata de un dispositivo con lápiz
electrónico que se conecta a ordenadores y es ideal para ilustradores del mundo de los
comics, videojuegos y cine.
Vos podés aprender a manejar todas estas técnicas básicas y modernas del mundo del
dibujo artístico, haciendo uno de los cursos que FUDE tiene disponibles para vos.
Comenzá a desarrollar tu pasión y convertite en todo un experto.
HISTORIA DEL DIBUJO DE FIGURA HUMANA (HASTA EL RENACIMIENTO

Cuando se trata de desarrollar el dibujo de figura humana con éxito, conocer la

anatomía humana es clave. Esto te permitirá dibujar figuras realmente más realistas.

Una de las claves para obtener un buen dibujo de figura humana son las proporciones.
Esto puede lograrse iniciando nuestro dibujo con figuras geométricas o figuras de palo,
ya que nos proporcionarán una base en el dibujo. Así, el punto final a dibujar son los
detalles, comenzando desde los rasgos faciales hasta la forma total del cuerpo. 

Descubrir la forma correcta de representar la figura humana tomó a cientos de artistas

varios siglos. Estos desarrollaron poco a poco metodologías a partir de la cuales lograrlo
con éxito.

En este artículo analizaremos brevemente la evolución de la figura humana en las

siguientes etapas: Prehistoria,  antiguas civilizaciones, y profundizaremos más en la
misma durante el periodo renacentista. 

El Arte Prehistórico: La Pintura Rupestre

El término rupestre es sinónimo de primitivo. Por lo tanto, en un sentido estricto,

rupestre haría referencia a toda actividad humana sobre las paredes de cavernas,
covachas, abrigos rocosos e incluso farallones o barrancos, etc.

Dentro del arte prehistórico se encuentran incluidos también otros tipos de

manifestaciones pictóricas como esculturas y petroglifos grabados sobre piedra
mediante percusión o erosión. 

Tanto el grabado, la escultura y la pintura rupestres se encuentran entre las

manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos,
existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la
última glaciación.

Los materiales que más se usaban para realizar estas obras eran el carbón vegetal y
diferentes tierras de colores aglutinadas con agua o grasa de animales, como medula o
huevo. Esto quiere decir que una forma del posterior temple de huevo ya existía durante
esta época.

Las primeras formas de dibujo de figura humana conocidos se encuentran en Francia y

Australia. En Francia se encontró un dibujo de un hombre, una figura representada por
un palo, que se puede observar en el Eje del Hombre Muerto (15.000 a.C.) en la cueva
de Lascaux, en Dordoña.
Hombres de palo. Cueva de Lascaux. Dordoña. Francia.

Por otra parte, en Australia Occidental, en la región de Kimberley, conocida como Los
Bradshaws, se encontraron unas figuras de palo (de hasta 6 pies de altura) dibujadas en
finos detalles con proporciones anatómicas precisas.

A pesar de que los animales se dibujan de una manera bastante realista,  las imágenes de
seres humanos siguieron siendo no naturalistas, hasta la era mesolítica (6.000 a.C.).

El hecho que los dibujos de figuras de palo hayan sobrevivido es un milagro, y ello se
debe en buena parte al hecho de que fueron dibujados en rocas.

 Las Antiguas Civilizaciones y el dibujo de figura humana

En las primeras civilizaciones de la antigüedad, (Mesopotamia, Antiguo Egipto, Grecia,

Persia, Roma) el arte pictórico también presentaba dibujos de figuras humanas. Estos
dibujos muchas veces se realizaron en medios menos resistentes a la intemperie, como
papiros o paneles de madera, por lo tanto, pocos han sobrevivido.

La escultura estatutaria y en relieve, son las únicas formas arte figurativo que
sobrevivieron desde la antigüedad hasta nuestros días en grandes cantidades.
 Títul
o: Retrato con un panel insertado retrato de un joven. Año: Período Romano AD 80-100
Técnica: Encáustica sobre madera de tilo, lino, restos humanos. Dimensiones: Panel
expuestos 38, 1 cm x 18 cm. Colección: Museo de arte Metropolitano. NY. USA.

Sin embargo, aún nos quedan algunas muestras de pintura figurativa procedente de
Roma y Egipto. Muestra de ello es la anterior imagen de un sarcofago del Fayum con un
retrato mortuorio.

Gracias a estas pinturas del Fayum y otras pocas pinturas romanas realizadas en frescos
y algunos textos de escritores como Platón, sabemos que la pintura figurativa avanzó
increiblemente antes de nuestra era. Sin embargo, durante la edad media mucho del
conocimiento que los artistas habían desarrollado y acumulado por siglos se perdió casi
por completo.

Pasaron varios siglos antes que el conomiento del color, las técnicas de pintura, el
dibujo y la anatomía fueran redescubiertos y reinventados por los pintores europeos.

Los grandes maestros del Renacimiento italiano como Leonardo, Miguel Ángel y
Rafael, surgieron al final de este periodo de invención y redescubrimiento en el que los
artistas recuperaron su capacidad de ejecución perdida durante el medioevo.

El Renacimiento Clásico y el dibujo de figura humana

La era del Renacimiento (1400-1600) representó el apogeo del dibujo como una forma
de arte y del redescubrimiento del dibujo de figura humana.

Los aprendices de taller que trabajaban para pintores, orfebres y escultores, aprendieron
los fundamentos del dibujo al trabajar con punta seca y punta metálica en tabletas de
cera, para luego pasar a utilizar medios más caros como tiza o carbón.

En el cinquecento (siglo XV) ocurrió la etapa culminante de la pintura renacentista,

denominada a veces como <Clasicismo>. En esta etapa, los pintores asimilaron el
aprendizaje y la experimentación del periodo cuatrocentista y los llevaron a niveles
superiores de creatividad.

Justo en este momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a
muchos artistas durante siglos.

Algunos de estos maestros son: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Estos tres artistas
hicieron dibujo a un nivel superior y respetable, ya que hasta ese momento se
consideraba un trabajo de diseño meramente preparatorio o se usó simplemente para
grabar y copiar obras de arte terminadas, incluidas pinturas y estatuas.

Principales Exponentes Renacentistas del Dibujo de Figura Humana. 

Leonardo da Vinci. (1452-1519).

Leonardo da Vinci fue uno de los grandes genios de todos los tiempos. Fue un artista
multidisciplinario, intelectual y obsesionado con la perfección.

Realizó una gran cantidad de dibujos detallando músculos, tendones y otras

características anatómicas. Se esforzó por representar la naturaleza universal del
hombre.

Entre sus dibujos destacó el interés por la fisonomía, la capacidad para reflejar la forma
de las distintas emociones y las expresiones gestuales del ser humano por ejemplo: la
risa, el miedo, la ferocidad, el llanto, etc.

Título: Benois Madonna. Autor:

Leonardo da Vinci. Año: 1480. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 49,5 cm x 33
cm. Colección: Hermitage Museum. San Petersburgo. Rusia.

Leonardo no se conformó con dibujar el exterior de la figura humana, quería saber

cómo funcionaba por dentro. En el siglo XVI, la peste Negra plagó Europa, y el artista
aprovechó al máximo diseccionando tantos cadáveres como pudo. Por ejemplo, dibujó
con precisión un embrión humano:

Artista: Leonardo Da Vinci. Titulo: Estudios de embriones de Leonardo da Vinci.

Lápiz sobre tiza roja. Fecha: entre 1510 y 1513
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Aunque Miguel Ángel fue principalmente escultor, también fue un prolífico dibujante y
exponente del arte figurativo. Pintaba esporádicamente, a petición de algunos
admiradores de sus obras.

En su obra cobra mucha importancia el desnudo masculino. Realizó numerosos estudios

preliminares para sus dos esculturas de obras maestras, Piedad (1498–1499)
y David (1501–1504), así como copias de bocetos de su fresco histórico
de Génesis (1508-12) y el fresco del Juicio Final (1536-41), pintada en el techo y en la
pared del altar de la Capilla Sixtina.

Los otros dibujos de Miguel Ángel con obras en pluma y tinta, pluma y lavado, carbón
y tizas rojas y negras. 
Su dibujo Tityus (1533) fue un regalo y uno de los primeros dibujos en considerarse una
obra de arte por derecho propio.

Título: El Castigo de Tityus. Autor: Miguel Ángel Buonarroti. Año: 1533. Técnica: Tiza

Negra. Dimensiones: 190 mm x  330 mm. Colección: Biblioteca Royal. Reino Unido.
Rafael (Raffaello Sanzio) (1483-1520).

Rafael Sanzio completa la tríada de genios del clasicismo. La pintura de Rafael buscaba
ante todo la gracia o belleza equilibrada y serena. 

Sus Madonnas  recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y

claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura
manierista en sus últimas obras.
Rafael, otro maestro de la anatomía humana, comenzaba a dibujar su figura con un
dibujo inferior con una pluma. La punta afilada de este instrumento dejaba impresiones
débiles en la superficie del papel. Luego dibujaba con tiza roja sobre las impresiones
cuando estaba satisfecho con el contorno.

Un ejemplo de su mencionada técnica de dibujo es su estudio sobre la Madonna del

Alba:

Artista: Raffaello Sanzio. Título: Estudio para la Virgen de la Casa de Alba (Madonna
d'Alba). Fecha: principios del siglo XVI. Medio: tiza roja y pluma. Dimensiones:
Altura: 422 cm (13.8 pies); Ancho: 272 cm (107 ″). Colección: Palacio de Bellas Artes
de Lille

Muchos de los dibujos de Rafael están terminados en alto grado con reflejos blancos y
sombreados.