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: 3,90€ - Nº 2110

DALE LA
VUELTA A LA
REVISTA

SIN TIEMPO
PARA MORIR
ESTRENOS DEL MES
VENOM:
HABRÁ MATANZA
EL ÚLTIMO DUELO
HALLOWEEN KILLS
CRY MACHO
MADRES PARALELAS
COLECCIONABLE 007
EL MUNDO NUNCA
ES SUFICIENTE
DIRECTOR DEL MES
CLINT EASTWOOD
COLECCIONABLE
PETER CUSHING
CARTELMANÍA
CINE BÉLICO
ALMODÓVAR EN LOS 80
SERIES TV
LA FORTUNA

4 PÓSTERES
PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES
 ¿Qué ha pasado mientras no
estábamos currando? Pues, por
ejemplo, M. Night Shyamalan ha
rajado de la reunión que tuvo con
Spielberg para escribir el guion de
Indiana Jones y la calavera de cris-
tal en ese momento dulce de su
carrera que le supuso encontrarse
con el éxito tras estrenar El sexto
sentido en 1999, y afirma que su
guion era más oscuro que lo que
realmente propuso la película. La
rajada fue el problema de otra
figura de Hollywood que ahora ha
tenido que retractarse y salir con el Stephen Dorff en Blade
rabo entre las piernas, como suele
decirse popularmente. Stephen Dorff, que se puso en modo berser-
ker diciendo que la película de La viuda negra era una basura.
Ahora hace lo que suelen hacer algunas figuras públicas cuando
los han pillao con el carrito del helao porque se les ha calentado la
boca: echarle la culpa a otro y esgrimir la fórmula “se sacó fuera de
contexto” para salir del paso. Teniendo en cuenta que él se puso
los dientes de vampiro para ejercer como antagonista en Blade,
debería tener más respeto por sus compañeros de trabajo.
Es lo que tiene venirse arriba y decir lo que uno piensa, que
luego hay que respaldarlo con los hechos o lo que te salió de la
boca puede pasarte factura. Ejemplo: la directora de las dos pelícu-
las de Wonder Woman, Patty Jenkins, ha declarado que los filmes
estrenados en streaming le parecen falsos, no le interesan nada y
además no funcionan para crear la grandeza del cine. Apuntamos
para ver qué hace cuando le ofrezcan dirigir alguna.
Lucas Films ha contratado a un youtuber que mejoró en un
vídeo propio el aspecto juvenil de Mark Hamill en The Mandalorian,
así que el protagonista de esta historia puede dar gracias de que la
productora no le haya mandado a su ejército de abogados respal-
dado por un batallón de tropas de asalto de
la Primera Orden.
Donde sí han desenfundado el arma
de las demandas es en Paramount, que ha
interpuesto una contra la compañía de
seguros que cubre Misión: Imposible 7 por
no cubrir los costes derivados de los suce-
sivos parones en el rodaje consecuencia de
la pandemia de COVID-19 tras 19 meses de
rodaje del largometraje en el Reino Unido,
Polonia, Suiza, Noruega, Oriente Medio, y
regreso al Reino Unido, donde están rema-
tando la faena. El asunto va a levantar
ampollas y puede influir seriamente no
solo en el recorrido comercial de Misión:
Imposible 7, sino también en los planes de la reina Borg aparecerá en la segunda
las compañías de seguro a la hora de acep- temporada de la serie Picard
4
tar o no aceptar cubrir el rodaje de
nuevos blockbuster, lo que podría
convertirse en un talón de Aquiles
para los proyectos de superproduc-
ción de presupuestos millonarios
en tiempos de crisis.
Tom Cruise debe de estar que
echa las muelas después de que
hayan vuelto a retrasarse no solo el
estreno de Misión: Imposible 7, sino
también el de Top Gun Maverick,
que se mueve del 19 de noviembre
de 2021 a mayo de 2022.
En lo referido a rumores,
James Gunn ha negado los que
afirman que está en desarrollo un
proyecto con el personaje de Idris Elba en su película de El escua-
drón suicida como protagonista en solitario. Lo que sí dice que le
gustaría es dirigir otra película de El escuadrón suicida...
Otras fuentes afirman que Dwayne Johnson y Jason Momoa
andan como locos buscando un proyecto que pueda unirlos a los
dos en matrimonio comercial con vistas a intercambiarse los anillos
ante el altar de la taquilla. Momoa ya se ha hecho eco de los
deseos de un seguidor difundidos en las redes sociales para que
formara dúo con Dave Bautista en una buddy movie de policías tipo
Arma letal, y parece que los Duncan Idaho y Rabban Harkonnen de
Dune están atando cabos para que se haga realidad.
Más jugoso aún es el rumor que señala a Disney como el epi-
centro de un nuevo largometraje de fantasía en la línea de El señor
de los anillos, con clave épica, del que no se sabe mucho más, ni
siquiera si será original o una adaptación de alguna fuente de otro
medio, pero visto cómo está el tema de las franquicias, todo apunta
a que será así.
En el apartado de promesas, los responsables de la última adap-
tación al cine de Mortal Kombat prometen que la siguiente película
será más fiel al videojuego original; Ryan
Reynolds dice que quiere hacer otra película
de acción junto a Gal Gadot; Netflix quiere
que Henry Cavill protagonice más franquicias;
afirman que la reina Borg aparecerá en la
segunda temporada de la serie Picard (mien-
tras no sea para darnos la turra paseándose
por los viñedos del protagonista en Francia-
landia, como en los ligeramente cansinos pri-
meros capítulos de la primera temporada que
casi consiguieron que me apeara de la serie).
Dave Bautista afirma que Guardianes de la
Galaxia 3 servirá para cerrar la historia. Fran-
camente, Bautista, me interesa mucho más
que Denis Villeneuve ruede cuanto antes el
cierre de Dune.
Miguel Juan Payán
NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

Will Smith vuelve a la Reencuentro de Scarlett

acción Johansson y Chris Evans
Netflix ha adquirido los Ghosted es el título del lar-
derechos de Fast and Loose, el gometraje que volverá a reunir
próximo largometraje protago- a la Viuda Negra y el Capitán
nizado por Will Smith, que se América de la Marvel en un
ha buscado un buen socio en territorio argumental distinto al
la dirección para intentar recu- de los superhéroes que han
perar fuelle comercial en el compartido Scarlett Johansson
cine de acción, David Leitch y Chris Evans en los últimos.
(Atómica, Deadpool 2, Fast and Furious: Hobbs y Será en este largometraje para Apple del que no se
Shaw). El argumento sigue la pista a un hombre que conoce argumento, pero que ha sido descrito como una
despierta en Tijuana con la memoria borrada y se historia romántica de aventuras que, como ya ha hecho
dedica a seguir la pista de sus últimos movimientos Jungle Cruise de Disney, intenta replicar la fórmula que
para aclararse la vida, descubriendo que ha tenido dos protagonizaron Michael Douglas y Kathleen Turner en
vidas paralelas como un jefe criminal rodeado de lujos Tras el Corazón Verde y La joya del Nilo. El director de la
FECHAS ESTRENOS y un agente encubierto de la CIA sin un duro con vida
asquerosa. La cosa se complica cuando no es capaz
película será Dexter Fletcher, director de Wild Bill,
Eddie el Águila y Rocketman, también encargado de
de adivinar quién es realmente y con cuál de las dos rodar la tercera película de la saga de Sherlock Holmes
24 de septiembre vidas prefiere quedarse. protagonizada por Robert Downey Jr y Jude Law. El
guion corre por cuenta de Rhett Reese y Paul Wer-
Cry Macho
Russell Crowe dirige otra vez nick, responsables de Deadpool y Zombieland.
Maixabel
Respect
El protagonista de Gladia-
tor tiene previsto dirigir su Vuelve Jungle Cruise
1 de octubre segundo largometraje, titulado El crucero de la jungla de
Poker Face, donde también Dwayne Johnson y Emily Blunt
Mediterráneo estará en uno de los papeles volverá a surcar las aguas de
My beautiful Baghdad coprotagonistas junto a Liam algún río en algún momento del
Sin tiempo para morir
Hemsworth y la cuñada de futuro después de que el estu-
este, Elsa Pataky. El argu- dio Disney haya dado luz verde
Un segundo
mento gira en torno a un millo- al rodaje de una segunda
Venom: Habrá matanza nario que ha hecho su fortuna con la alta tecnología, entrega tras hacer cuentas de
interpretado por Russell Crowe, y se deja atrapar en la taquilla obtenida por la pri-
8 de octubre un arriesgado juego de azar en el que la croupier que mera, que sobrepasó hace semanas la barrera de los
reparte cartas será interpretada por Pataky. La pelí- cien millones de recaudación, situándose entre las más
Las leyes de la frontera
cula se rueda en los estudios de Fox en Sídney, Aus- taquilleras de estos tiempos de pandemia. No está mal
Madres paralelas
tralia. para una película que pasó quince años dando vueltas
Titane por las mesas de los ejecutivos antes de materializarse
El próximo proyecto de finalmente en la cartelera. Los rumores afirman que la
15 de octubre Christopher Nolan secuela repetirá director, Jaume Collet-Serra, y guio-
Las decisiones tomadas nista, Michael Green.
El buen patrón
sobre los estrenos durante la
El último duelo pandemia en su forma simul- Reparto de lujo y homenaje
Halloween Kills tánea en plataformas y cines, y al cine negro
La familia Bloom otras cuestiones, han llevado a Al Pacino, Morgan Free-
Pleasure Christopher Nolan a poner un man, Helen Mirren y Danny
Tokyo Shaking punto y a parte en su tradicio- DeVito forman el reparto de
nal asociación con el estudio una intriga en clave de cine
22 de octubre Warner para sacar su próximo proyecto a la luz por su negro dirigida por Taylor
cuenta esperando que otros estudios estén dispuestos Hackford, al que se deben
El espía inglés a ficharle. Algunos rumores han situado al director en p e l í c u l a s c o m o Oficial y
La abuela la esfera de Netflix, pero a falta de confirmación de caballero, Contra todo riesgo,
La familia Addams 2. La gran esca- ese extremo en el momento de redactar esta noticia, Noches de sol, Pactar con el diablo, Prueba de vida
pada solo se puede adelantar que el argumento del próximo o Ray, por la que fue nominado al Oscar. La película
Ron da error
proyecto del director de El caballero oscuro es una se titula Sniff, y el guion, de Tom Grey, gira en
película de corte biográfico basada en J. Robert torno a un detective privado (Freeman) y su compa-
Tres
Oppenheimer durante la etapa de desarrollo de la ñero (DeVito) que investigan una lujosa comunidad
bomba atómica. De momento, el guion ha pasado por de retiro para residentes adinerados, dos de los cua-
29 de octubre
las mesas de estudios como Universal y Sony, que les han sido asesinados. Eso les llevará a descubrir
El sustituto están en negociaciones con los representantes del un mundo oculto de sexo, drogas y asesinatos con-
Érase una vez en Euskadi
director para decidir qué sello respaldará este retorno trolado por el personaje al que da vida Al Pacino, y
a la Segunda Guerra Mundial del director de Dunker- su socia Spider, una tipa dura, interpretada por
La crónica Francesa
que que según algunos rumores podría contar en uno Helen Mirren. El objetivo, según el director, es rodar
Querido Evan Hansen de sus papeles protagonistas con un actor fetiche del un homenaje al cine negro que podremos ver en la
director, Cillian Murphy. cartelera a finales de 2022.

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

FECHAS Anticipo del reparto de Secuela para El contable

ESTRENOS Mercenarios 4 Ben Affleck prepara la
Aunque no sea ninguna secuela de El contable, película
5/11/21 The Eternals sorpresa, se ha confirmado ofi- que protagonizó en 2016 bajo
26/11/21 La casa Gucci cialmente que Sylvester Sta- la dirección de Gavin O’Con-
3/12/21 Cazafantasmas: Más allá
llone y Jason Statham enca- nor, interpretando a Christian
bezan el reparto de la cuarta Wolff, un genio de las matemá-
10/12/21 West Side Story
película de Mercenarios, ticas convertido en contable de
17/12/21 Spider-Man Homecoming 3 acompañados por Megan Fox grupos terroristas internaciona-
22/12/21 The Matrix 4 y 50 Cent como cabezas de les y justiciero fugitivo. La pri-
22/12/21 The Kinsgman: La primera misión playa en el desembarco de nuevos nombres para el mera entrega recaudó en todo el mundo 155 millones
equipo liderado por el protagonista de Rocky y Rambo, de dólares y rápidamente se habló de secuela y de con-
14/1/22 Deep Water
que volverá a contar con Dolph Lundgren y Randy tinuidad en serie de televisión, pero han tenido que
21/1/22 Morbius Couture como compañeros de fatiga, y que además pasar varios años para que el propio director de la pri-
21/1/22 King Richard ha fichado a Tony Jaa y a Andy García. Pero ya sabe- mera confirme la segunda película que según O’Connor
28/1/22 Babylon mos que esto es un anticipo, y ahora es cuando se centrará en la búsqueda del personaje interpretado
4/2/22 Jackass
comienza el proceso de revelación de nuevos fichajes por Jon Bernthal en la primera entrega.
para la película, que comenzará a rodarse en otoño. El
11/2/22 Muerte en el Nilo
guion será de Spencer Cohen (Extinción y Moonfall, la Los seis secretos
18/2/22 Uncharted próxima de Roland Emmerich con Halle Berry y El retorno de Will Smith al
4/3/22 The Batman Patrick Wilson), con revisiones de Max Adams y personaje de Deadshot que
25/3/22 Doctor Strange in the John Joseph Connelly. El director será Scott Waugh interpretó en la primera pelí-
(Acto de valor, Need for Speed, Bajo cero: milagro en cula de Escuadrón suicida
Multiverse of Madness
la montaña), que en 2022 tiene previsto el estreno de podría producirse en el pro-
6/5/22 Thor: Love and Thunder Project X-Extraction, coprotagonizada por John Cena yecto que prepara Warner
27/5/22 John Wick: Chapter 4 y Jackie Chan sobre dos antiguos soldados de las Bros. para llevar al cine a Los
27/5/22 Top Gun: Maverick fuerzas especiales que escoltan un convoy de refugia- seis secretos. Algunos rumores
10/6/22 Jurassic World Dominion
dos a través de la denominada Autopista de la Muerte afirman que la serie Peacema-
de Bagdad. ker, protagonizada por John Cena en HBO interpre-
24/6/22 Transformers
tando al personaje al que encarna en El escuadrón sui-
8/7/22 Black Panther 2 Replicantes intrigantes cida de James Gunn, incorporará en su último
14/7/22 Animales fantásticos 3 Mickey Rourke, Alexan- capítulo un enlace con el largometraje de los Seis
29/7/22 Indiana Jones 5 dra Grey, Nicholas Turturro y Secretos, que son un grupo de supervillanos por el
Jeremy Luke son los protago- que han pasado personajes como Deadshot, Catwo-
29/7/22 Black Adam
nistas de Réplica, un drama man, Rey Tiburón, Bane y, cómo no, Harley Quinn.
30/9/22 Misión: Imposible 7 criminal escrito y dirigido por
7/10/22 Spider-Man un nuevo Paul Tully, que debuta en el Pokemon: película en
universo II largometraje tras varios cortos imagen real
4/11/22 The Flash
con esta trama que sigue a Netflix, que estrena en
una joven afroamericana trans octubre Pokemon, the Movie:
11/11/22 The Marvels
que viaja de Misisipi a California buscando una carrera Secrets of the Jungle, el filme
16/12/22 Aquaman 2 como actriz, pero acaba encontrando un futuro menos de animación número 23 de la
16/12/22 Avatar 2 grato en un suburbio de la ciudad de las estrellas en franquicia, está trabajando en
16/12/22 Star Wars sin título compañía de un neonazi traficante de metanfetamina una película en imagen real de
y luchando en una carrera contra el tiempo para Pokemon que no tiene relación
17/2/23 Ant-Man and the Wasp:
sobrevivir a otros traficantes. con el largometraje Detective
Quantumanía Pikachu. El objetivo es vincular el largometraje a la
3/3/23 Dungeons & Dragons Remake de Salem’s Lot serie de imagen real de Pokemon que preparan y será
23/3/23 Un lugar tranquilo Spin-Off La novela de Stephen la primera en la historia de la célebre franquicia.
5/5/23 Guardianes de la galaxia 3
King, Salem’s Lot, que fue
adaptada a televisión en forma Enterrador: película interactiva
2/6/23 Shazam 2
de miniserie en 1979 y 2004, Los aficionados a la lucha libre televisiva de la
9/6/23 Star Trek encuentra nueva vida y se WWE apreciarán esta noticia: el célebre Enterrador es
7/7/23 Misión: Imposible 8 actualiza en la versión cinema- el protagonista de la película La fuga del Enterrador,
22/12/23 Star Wars: Rogue Squadron tográfica que protagonizan largometraje de terror producido por Netflix y World
Ben Mears en el papel de Wrestling Entertainment que llegará a la plataforma
20/12/24 Avatar 3
Lewis Pullman, Alfre Woodard coincidiendo con los fastos de la noche de Halloween,
18/12/26 Avatar 4 como la doctora Cody, Makenzie Leigh como Susan con un reparto con Kolly Kingston y Xavier Woods, y
22/12/28 Avatar 5 Norton, Bill Camp como Matthew Burke y Spencer un argumento que se desarrolla en la mansión de
sin fecha Minecraft Treat Clark como el enterrador. El director y guionista Enterrador, repleta de trampas mortales y desafíos
es Gary Dauberman, director de Annabelle vuelve a sobrenaturales que propician el juego interactivo de
Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de pe- casa y guionista de Annabelle, En el interior, Lobos en elección del propio espectador sobre el destino que
lículas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a
rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de progra- la noche, It, La monja, It, capítulo 2 y la serie Swamp espera a los protagonistas según las decisiones del
mación.
Thing. respetable público.

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MUNDO FANTÁSTICO por Santiago de Bernardo
No deberías perdértela:
Space Truckers: transporte espacial
El espacio, finales del siglo XXI. Una
base establecida en el satélite Tritón del
planeta Neptuno está siendo atacada por
una criatura artificial, que diezma a
todos aquellos a los que encuentra, con
la excepción del máximo directivo de la
compañía, E. J. Saggs (Shane Rimmer), y
del doctor Nabel (Charles Dance), el res-
ponsable de la creación de un ejército de
cinco mil de estos guerreros cibernéti-
cos, que se convertirá igualmente en víc-
tima de este ensayo sobre el terreno de
su peligrosa invención. No mucho des-
pués John Canyon (Dennis Hopper), un
camionero espacial independiente, lleva
en su transporte espacial un cargamento de cerdos genéticamente
modificados en Marte para la compañía Inter Pork. No obstante, un
retraso de un par de días en la entrega hará que entre en conflicto
con la empresa, localizada en una estación espacial cerca de Tri-
tón. Así que opta por no dejar el pedido, que sin embargo Inter
Pork le roba, lo que añadido a una trifulca en la cafetería espacial
le obligará a aceptar llevar una extraña carga para la Tierra, apa-
rentemente muñecas para uso sexual, cuyo secretismo no le traerá
nada bueno. Tampoco a la camarera Cindy (Debi Mazar), dispuesta
a casarse con él con tal
de regresar a la Tierra
para reencontrarse con
su madre que va a ser
operada a vida o muerte,
y a Mike (Stephen
Dorff), un transportista
novato. Película de 1996
de uno de los grandes
del fantástico de las
últimas décadas, Stuart
Gordon (Re-Animator),
que sigue a sus otros fil-
mes de ciencia ficción,
Robot Jox (1989) y For-
taleza infernal (1992).
Space Truckers: transporte espacial es una desenfadada aventura
espacial de culto con tributos a Alien, el octavo pasajero, 2001:
una odisea del espacio o Barbarella. Siendo la mayor producción de
Gordon (aunque manteniendo el espíritu de una serie B), tiene en el
reparto a Dennis Hopper (Terciopelo azul), Debi Mazar (El
dilema/The Insider), Stephen Dorff (Blade), Charles Dance (El
último gran héroe), Barbara Crampton (Re-Animator) o Wernon
Wells (El chip prodigioso).
Reivindicando el estudio Goldcrest
Space Truckers: transporte espacial es una producción del
estudio británico Goldcrest Films (recordado por presentar un
pájaro en su logo) con títulos memorables en su haber como Un
tipo genial (1983), Los gritos del silencio (1984), La misión
(1986) o Esperanza y gloria (1987) y las oscarizadas Carros de
fuego (1981) y Gandhi (1982), y cuya actividad se remonta a
finales de los setenta. Y si bien suele estar detrás de comedias,
dramas o largometrajes románticos, Goldcrest tampoco ha olvi-
dado el fantástico en
sus producciones:
1997: rescate en Nueva
York (John Carpenter,
1981), con Serpiente
Plissken en una arries-
gada misión de rescate
del presidente de Esta-
dos Unidos. En Más allá
del arco iris (Mike Hod-
ges, 1989), una
médium es capaz de
conectar con el otro
mundo y descubre
quién es el responsable Más allá del arco iris
de un crimen. Dream
one: sueños interminables (Arnaud Sélignac, 1984) es una
adaptación muy libre de las historietas de Winsor McCay Little
Nemo in Slumberland, en la que un niño vivirá una fantástica
tras dormirse. O la adaptación para la gran pantalla del disco
conceptual de Pink Floyd, Pink Floyd: El muro (Alan Parker,
1982). Y entre las más recientes está Slumber (Jonathan Hop-
kins, 2017), que narra cómo una doctora especializada en estu-
diar los sueños se enfrenta al complicado caso de una familia
que es aterrorizada mientras duerme por un
antiquísimo ser, así como un pro-
yecto que lleva años en preparación,
Labirintus, de Joe Dante, en torno a
un antiguo laberinto subterráneo de
la Unión Soviética. Sin olvidar que
dos extraordinarias películas anima-
das para adultos de Martin Rosen,
Orejas largas (1978), protagonizadas
por unos conejos en busca de un nuevo
lugar donde vivir, y Los perros de la
plaga (1982), con dos perros, víctimas
de investigaciones científicas, que huyen
para intentar salvar sus vidas, igual-
mente, tuvieron financiación de Gold-
crest.
Los perros de la plaga
 FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN

Sitges 2021, más fantástico que nunca Álex de la Iglesia, un canto contra los excesos del turismo en la
bella ciudad de los canales, Y todos arderán de David Hebrero, el
Sitges 2021, LIV Festival Internacional de relato de una mujer que desea suicidarse y cuya acción interrumpe
Cinema Fantàstic de Catalunya, vuelve del 7 al una niña, La abuela de Paco Plaza, sobre una modelo que regresa a
17 de octubre, como el año pasado, de manera España para ocuparse de su abuela enferma, o El páramo de David
presencial, pero asimismo con opción virtual. Casademunt, con una madre y su hijo enfrentados a una extraña
En esta edición sin duda habrá más invitados criatura que los acosa. Y en cuanto a la ficción internacional se
que en la anterior y además se incorpora una refiere, se proyectará Halloween Kills de David Gordon Green, nue-
zona segura para encuentro y esparcimiento vamente con Jamie Lee Curtis como Laurie Strode, y producción y
de los fans del fantástico, la Zona Rey Kong, banda sonora del maestro John Carpenter tras su excepcional ter-
donde habrá música, proyecciones o pre- cera entrega de la saga musical Lost Themes de este mismo año,
sentaciones. En lo referente a las proyec- Lost Themes 3: Alive After Death. También Demonic de Neill Blom-
ciones el documental volverá a ser uno de kamp (Distrito 9) y un experimento en el que participa la hija de
los géneros estrella del festival: A Glitch in una asesina en serie introduciéndose en la mente de esta, o la
the Matrix de Rodney Ascher plantea la inclasificable Mad God, del mago de los efectos especiales Phil Tip-
posibilidad de que lo que estamos viviendo sea pett, que tras una larga gestación ofrece esta genialidad en stop
algo simulado y la realidad sea otra muy diferente (todo es posi- motion.
ble si surge del responsable de Room 237). Django & Django/Ser-
gio Corbucci Unchained de Luca Rea reivindica al realizador ita- De festivales fantásticos
liano Sergio Corbucci por medio de Por las actuales circunstancias, el festival itinerante germano
imágenes inéditas y del testimonio de Fantasy Filmfest en su trigésima quinta edición, ha variado fechas,
los directores Quentin Tarantino y para celebrarse un poco más tarde, entre octubre y noviembre de
Ruggero Deodato o del actor Franco este año, incorporando en su programa títulos como Pig de Michael
Nero. Pennywise: The Story of It de Sarnoski, con Nicolas Cage (nuevamente) desatado en busca de su
Christopher Griffiths y John Campo- cerda buscadora de trufas que le ha sido robada, y tras haber
piano se centra en el payaso de It pasado por Sitges estarán The Feast de Lee Haven Jones, acerca de
creado por Stephen King y su presen- una cena que acaba pero que muy mal, Knocking de Frida Kempff,
cia en la miniserie de 1990, cuyo
intérprete, Tim Curry, participa en
este título. The Found Footage Pheno-
menon de Sarah Appleton y Phillip
Escott por su parte indaga en este
subgénero con títulos tan significati-
vos como Holocausto caníbal (Rug-
gero Deodato, 1980). The Taking de Alexandre
O. Philippe estudia la importancia en el sép-
timo arte de Monument Valley (en los wés-
terns de John Ford, por ejemplo). El sonido del
terror de Luis Esquinas Chanes analiza su
labor esencial en el género. Blood in the Stre-
ets: The Quinqui Film Phenomenon de Kier-La
Janisse y Don Adams es una producción
estadounidense para un subgénero muy
nuestro (y reivindicado en los últimos tiem- Nicolas Cage en Pig
pos), el cine quinqui. Además, habrá un
hueco para el cine nazisploitation en Fas-
cism on a Thread: The Strange Story of en la que una mujer verá alterada la tranquilidad de su aparta-
Nazisploitation Cinema de Naomi Holwill, mento, o The Sadness de Rob Jabbaz, con un virus que asola tierras
un homenaje al horror italiano en Per Horror taiwanesas creando hordas de violentos infectados. Mientras que
Intendo? de Paola Settimini, o a cineastas ita- en el XXXI Fancine –Festival de Cine Fantástico Universidad de
lianos en Inferno Rosso. Joe D’Amato sulla via Málaga (10 al 18 de noviembre), se proyectarán de la misma forma
dell’eccesso de Manlio Gomarasca y Massimi- varias películas presentes en Sitges 2021, es el caso de Tides de
liano Zanin, apoyado por Nicolas Winding Tim Fehlbaum, la historia de una astronauta que deberá decidir el
Refn (Drive) y Fulci Talks-Uncut Conversa- destino de los escasos supervivientes de la Tierra, Prisoners of the
tion with Lucio Fulci de Antonietta De Lillo. Ghostland de Sion Sono, con un Nicolas Cage (otra vez) al límite o
Y de regreso a nuestro país, dedicado a The Spine of Night de Philip Gelatt y Morgan Galen King, una cinta
nuestro mito del fantaterror, Paul Naschy, de animación (que emplea técnica de rotoscopia) de espada y bru-
están Las confesiones de un hombre lobo jería en la que unos héroes se las verán con una fuerza maléfica.
de Iván Cardoso, con una entrevista a
Naschy en el rodaje en Brasil de Um Lobi-
somem na Amazônia (2005), Neville:
abriendo camino de José Riveiro, consagrado al director de
La torre de los siete jorobados, MAC DelaAalaZ de Joan Vall Kar-
sunke, un tributo al gran ilustra-
dor de carteles MAC, mientras
Sanjulián, el poder de la ilustra-
ción de David García Sariñena
repasa la vida y obra de este
legendario dibujante. Dentro de la
producción nacional de ficción se
Tides
presentarán Veneciafrenia de

Lucio Fulci 11
ENTREVISTA

C
ontando de nuevo con Javier y él me las enseña, las incorpora a
Bardem al frente del reparto, su forma de moverse, a su aspecto
el director nos habló, en esta físico... Yo actúo ahí muchas veces
entrevista con ACCIÓN, de como un espejo, y hablamos de cada
los retos de la historia y de la crea- detalle, y si algo, como tú dices,
ción de un personaje, el protago- puede caer en la caricatura, lo elimi-
nista, realmente memorable. namos. Es un trabajo muy sutil,
Por qué El buen patrón? porque la percepción de eso es muy
¿Qué tenía esta historia que te subjetiva, pero, para que te hagas
hace volver a nuestro cine tras una idea, lleva hasta discusiones
dos proyectos internacionales? sobre qué tipo de reloj llevaría el
Pues yo creo que tenía sobre personaje (risas). Hay cierto reloj
todo a su personaje central, el buen que igual ya iba a ser una caricatura,
patrón del título. Lo primero que así que decidimos bajarlo tres esca-
apareció en esta historia yo creo que lones. Lo mismo con todo, con el
fue el personaje, que para mí traía coche que lleva..., con cualquier
consigo dos cosas. Una de ellas, cosa que caracterice al personaje. Es
cómo es, por cómo se maneja, por un trabajo que vamos haciendo

Fernando León de Aranoa

esa voluntad que tiene de sentir, de juntos. De la parte física, él me trae
manipular a la gente que trabaja con mucho y yo voy comentándole. Y eso
él para que las cosas vayan bien en llega hasta el rodaje. Hay una cosa
su empresa, preocupándose también muy graciosa de este rodaje que, por
genuinamente por su vida personal y las circunstancias de las citaciones,
por sus problemas, pero todo él se afeitaba cada día en los servi-
también con ese interés de que todo
vaya bien en Básculas Blanco. Me
parecía que era un personaje con un
Nos habla de El buen patrón cios de la fábrica y yo coincidía
también allí cuando llegaba, así que
nuestra primera charla sobre la
potencial muy cómico, que podía dar jornada de trabajo era en el cuarto
lugar a situaciones y a una película Fernando León de Aranoa vuelve, tras dos de baño, donde ya comentábamos
muy divertida, una comedia liderada las dificultades del día de rodaje
por ese personaje con unas situa-
proyectos más internacionales como Loving según se afeitaba. Con Javier tengo
ciones muy divertidas. Y a la vez, Pablo y Un día perfecto, a una película más esa cercanía, esa confianza que lo
precisamente por esos mismos nuestra, como es El buen patrón, en la que hace todo más fácil.
manejos y manipulaciones, que ¿Cómo encuentras el tono
fuese una película que hablase con
r e f l e j a l a v i d a d e n t r o d e u n a f á b r i c a d e visual adecuado? Es un micro-
sentido del humor del empleo, de las balanzas dirigida por Blanco, un patrón que cosmos muy particular pero
relaciones laborales y personales, quiere tenerlo todo en orden y preparado para también muy cerrado. ¿Cómo se
cómo se entrecruzan en ese ecosis-
tema pequeño, ese microcosmos
recibir un premio, pero al que los problemas encuentra el tono para que el
espectador no se agote visual-
que es una fábrica. Un espacio de empiezan a acumulársele. mente?
trabajo para doscientas personas, y Es cierto porque buena parte
todo lo que allí se cuece. Sus relaciones que muchas veces son de de la película, yo diría que la mitad o algo más de la mitad mirando el
competencia, de rivalidad. Y también de las relaciones de los trabaja- plan de rodaje, transcurre en la fábrica. A la vez teníamos la ventaja
dores con el patrón. de que la fábrica es un espacio muy rico, muy grande, con muchas
Y, para ese papel tan importante, vuelves a recurrir a uno áreas distintas, visualmente muy atractivo. Ahí el trabajo del equipo
de tus actores favoritos, como es Javier Bardem. Nosotros vemos de dirección de arte, César Macarrón, fue extraordinario, porque era
el resultado desde fuera, pero no sabemos cómo es esa colabora- una fábrica vacía que en un mes y medio él tuvo que convertir en una
ción desde dentro para que el espectador luego disfrute en el fábrica operativa. El espacio era muy rico, un espacio industrial
cine. grande y que enriquece la película, y que tiene además un contraste
Por un lado, es un proceso divertido, porque es un proceso que muy fuerte con otros espacios, como la casa del patrón o los clubes
hago con alguien a quien ya conozco mucho, con quien he trabajado donde van, los bares donde se encuentran. Junto a eso, el tono visual,
mucho y a quien considero ya uno de mis mejores amigos. Es un yo siempre tengo, en este tipo de historias, una pretensión, un
proceso muy cómplice porque nos lo contamos todo. Lo que intento, de que haya mucha veracidad. Una sensación de realismo en
funciona, lo que nos gusta, pero también lo que no. Creo que somos la historia. Y la manera en la que la cámara se mueve y encuadra a
muy exigentes los dos con el trabajo, muy exigentes con lo que el los personajes, lo que es el puro lenguaje visual de la película,
espectador va a recibir. Los dos buscamos lo mejor para la película y también. Es verdad que aquí hay una estrategia que tenía que ver con
eso hace que, bueno, que debatamos mucho, conversemos mucho la progresión de la trama, que tenía que ver con jugar al principio con
sobre el personaje, siempre desde el guion. Es un proceso cómplice y una manera de contar la historia un poquito más estable, más está-
divertido que ha tomado mucho tiempo. tica, porque tiene que ver con el estatus del patrón al comienzo de la
Un proceso en el que hay un cambio enorme en el actor, película, un estatus en el que todo está como a él le gusta, todo está
Fotografía: © Pablo Paniagua

cómo anda, cómo habla... ¿Cómo encontráis el tono adecuado bajo control, organizado, las cosas van bien, esperan un premio. Y a lo
para que no sea una caricatura? Es algo que también vimos en largo de esos cinco días en que transcurre la historia, van surgiendo
Los lunes al sol o Loving Pablo. problemas y la historia cuenta cómo el patrón va perdiendo el control
Sí, en Los lunes... sobre todo también había esa transformación. de las cosas. Visualmente intentamos que el lenguaje de la película
No era Javier, era Santa. Aquí pasa un poco lo mismo y se consigue fuera reflejando eso, según avanzan los días dejar ese estilo más
hablándolo mucho. Desde luego, hay una parte muy importante que estático y ser más nervioso, más rápido, más vertiginoso incluso.
parte del personaje que yo he escrito y una parte muy importante que Siempre tratando de reflejar el estado de ánimo del patrón.
trae él, porque él tiene sus preferencias también, cosas que ha visto... Jesús Usero

12
James Bond
Daniel Craig
La huella que ha dejado
Craig en la franquicia
puede quedar resumida por
las palabras de la produc-
tora Barbara Broccoli:
“Daniel ha llevado el perso-
naje y la saga hasta un
lugar realmente extraordi-
nario y tremendamente
satisfactorio desde el punto
de vista personal”.
El término extraordina-
rio procede, y no es exage-
rado si consideramos que
en la era Craig, 007 ha via-
jado a un paisaje totalmen-
te diferente a la manera de
entender el personaje en el
cine anteriormente. Dicho
sea de paso eso plantea por
otra parte un serio reto
para quienes tengan que
retomar la saga delante y
detrás de las cámaras tras
esta vigésima quinta entre-
ga, pero lo que está claro
es que el actor que, inicial-
mente –como por otra
parte suele ocurrir con
cada nuevo candidato a
interpretar a Bond–, tuvie-

SIN TIEMPO
ra que hacer frente a duras
críticas y comentarios de
algunos seguidores del per- 15
sonaje de Ian Fleming sobre
su incapacidad para ser un
buen Bond antes del estre-

PARA MORIR
no de Casino Royale, ha
dejado ahora una larga
sombra con la que tendrá
que lidiar el elegido (o
menos probablemente ele-
gida) para relevarle.
Esa sombra se refuerza
y cobra mayor poder, o así Tras una larga espera llega el último asalto de la carrera de Daniel Craig como 007 en
lo pretende el director de la una película que cierra una era en la saga del agente con licencia para matar.

película, en Sin tiempo para
morir, que define al Bond
que ha construido junto a
Craig para esta película
como un animal herido que
intenta retomar su papel
como agente 007 en un
mundo que ha cambiado
totalmente y donde las
reglas de alianzas ya no son
las mismas que él conocía
cuando estaba en activo. El
nuevo mundo del espionaje
se ha vuelto, si cabe, aún
más oscuro en una era
donde las reglas se libran
desde el nuevo campo de
batalla de la tecnología,
aunque Daniel Craig siem-
bra una nueva pista para la
intriga cuando apunta que
el verdadero tema de la
película son las relaciones
y la familia.
E
l nuevo –y para Daniel Craig último–
antagonista del agente 007 con licencia
para matar es el catalizador que define y
da personalidad propia a Sin tiempo para
morir en relación con el ciclo de películas que a
estas alturas podemos señalar ya como la fase
más inquietante y oscura de las traducciones al
cine del personaje creado por Ian Fleming.
La película se suma y culmina así el camino
con pinceladas inquietantes de revelación de las
vulnerabilidades del otrora impecable e imbatible
007 iniciado con Casino Royale (2006) y prosegui-
do con Quantum of Solace (2008), Skyfall (2012) y
Spectre (2015). La película busca poner broche de
oro a una etapa que en lo que se refiere al persona-
je central ha resultado ser, contando con Daniel
Craig como motor esencial del cambio del persona-
je, la versión más cercana al tipo de antihéroe con
un punto siniestro y retorcido que podemos encon-
trar en las novelas originales de Ian Fleming, sin
que esto pueda interpretarse como descrédito para
la mejor encarnación cinematográfica del persona-
je, que siempre será Sean Connery.
Cierre y resumen del 007 de Daniel Craig
El Bond de Connery era una traducción con-
venientemente más festiva para el cine de la
faceta de asesino emocionalmente frío, cínico y
carente de escrúpulos, solitario y un punto amar-
gado de las novelas al que se ha acercado Craig
de manera más contundente que sus predeceso-
res en el personaje.
Esto queda todavía más claro con el intere-
sante acompañamiento al estreno de Sin tiempo
para morir, el documental Being James Bond,
donde se repasa la trayectoria de Daniel Craig
como 007. Los seguidores del agente con licencia
para matar pueden ver el documental en strea-
ming de forma gratuita desde el 7 de septiembre
hasta el 7 de octubre a través de la app de Apple
TV. En sus 45 minutos de duración se incorporan
imágenes de archivo nunca vistas de las películas

15
Lyutsifer Safin
Rami Malek
Bajo la sombra del mis-
mísimo Lucifer, al que alude
el nombre de su personaje
en la ficción, Rami Malek se
enfrenta al reto de crear un
antagonista de la serie Bond
tras el excelente trabajo que
hizo Javier Bardem en Sky-
fall y la ligera decepción que
por contraste representó la
reinvención del clásico villa-
no de la saga, Blofeld, lleva-
da a cabo por Christoph
Waltz en Spectre. Waltz
regresa en esta entrega,
pero el peso del antagonismo
recae sobre las espaldas de
Malek, que interpreta a un
personaje cuyo objetivo es la
venganza y según ha explica-
do el propio actor, su inten-
ción era que Safin fuera
perturbador y se viera a sí protagonizadas por el actor, desde Casino Royale Rompiendo con las tradiciones
mismo como un personaje a Sin tiempo para morir, que arrojan una visión de
heroico, abundando en su conjunto de las cinco películas en la línea que El director Cary Joji Fukunaga, guionista de
distorsionada manera de aquí se propone. It, da pruebas de la intención de dibujar un paisa-
mirar y entender la realidad. Hacia dónde y cómo conducir el personaje a je novedoso para este cierre de la era Craig que
En parte eso es lo que le partir de ahora es cuestión para plantearse más es Sin tiempo para morir rompiendo con la tradi-
convierte en un adversario adelante, pero por el momento Sin tiempo para ción del personaje desde la secuencia prólogo de
particularmente inquietante morir demuestra desde su secuencia de apertura apertura, que no cuenta con James Bond y ade-
para James Bond, y obliga a
algo que respalda plenamente esa idea de que la más está diseñada con elementos más propios del
007 a adaptarse a la amena-
era Craig es la más sombría de 007 desde el género de horror que del cine de acción. Esa pin-
za que representa.
El director de la película, comienzo de la saga. celada de intriga psicológica deriva del personaje 17
Cary Joji Fukunaga, define lo
que le parece más peligroso
de este villano y de paso da
Atando cabos en el final de la era Craig
una pista de por qué esta Sin tiempo para morir cuenta en su guion con el propio director, Cary Joji Fukunaga, que en esa parcela a
entrega de la saga de 007 las teclas reúne en su filmografía títulos tan jugosos como las series True Detective y El alienista.
puede ser la más oscura de Además, la continuidad y coherencia respecto a las anteriores entregas de la saga de 007 protagonizadas
todo el ciclo de la franquicia por Daniel Craig está garantizada merced a la presencia en esa parcela de Neal Purvis, que se unió a la
protagonizado por Daniel familia creativa de las películas del agente secreto en las dos últimas entregas de la era Pierce Brosnan, El
Craig, con un motor de la mundo nunca es suficiente (1999) y Muere otro día (2002), la despedida del actor y que en muchos ele-
trama que se configura como mentos de su guion planteaba ya pinceladas de evolución del personaje hacia la propuesta que iba a domi-
una amenaza de carácter nar en la era de Daniel Craig. Purvis ha participado en los guiones de Casino Royale (2006), Quantum of
global. Solace (2008), Skyfall (2012) y Spectre (2015), además de escribir la miniserie SS-GB (2017).
Desde que comenzó a El trípode del guion de Sin tiempo para morir lo completa Robert Wade, colega de Purvis en todos los títu-
trabajar ante las cámaras en los citados y algunos otros ajenos a la serie Bond. El binomio Purvis-Wade ha construido la etapa más
2004, filmografía de Rami madura, sólida y coherente en lo que se refiere a continuidad de toda la saga del agente 007 en el cine. Su
Malek ha quedado definida objetivo era sentar las bases de la siguiente era en el desenlace de la era Brosnan y llevar al personaje a un
por dos personajes particu- territorio nuevo para ponerlo al día y convertirle en un competidor de élite dentro del territorio de las pelí-
larmente difíciles de clasifi- culas de espionaje, que había sido conquistado por distintas variantes, alternativas y títulos inicialmente
car y de interpretar: Eliot emuladores o inspirados por el personaje y universo creados por Ian Fleming.
Alderson en la serie Mr.
Robot (2015-2019), y Fred- Misión: Imposible, la saga de Jason Bourne y las distintas
die Mercury en Bohemian adaptaciones de las novelas de Tom Clancy, entre otras pro-
Rhapsody (2018). Sin puestas, habían puesto al género de espionaje en unas coor-
embargo, frente a estos dos denadas distintas y más actualizadas, obligando a la
retos, el actor afirma que franquicia de 007 a reinventarse para seguir siendo compe-
Safin ha sido para él psicoló- titiva frente a estas variantes que habían conquistado su
gicamente difícil de afrontar nicho genérico.
por su personalidad descon- Frente a esto, el equipo encargado de elaborar las tramas,
certante y porque exige al diálogos y guiones de toda la era de Daniel Craig se han
público que se replantee su enfocado en alimentar la mitología del personaje al mismo
manera de entender el bien y tiempo que propiciaban la autocrítica y renovación con el fin
el mal, y no propone res- de llevar a 007 a los territorios más sombríos de su historia,
puesta fácil para hacer esa donde no han faltado temas y pinceladas del psicoanálisis y
elección. el tema recurrente del regreso del pasado nos ha llevado
hasta esta entrega final donde se atan todos los cabos.
Paloma
Ana de Armas
La actriz cubana Ana de
Armas, que comenzó su
ascenso al estrellato desta-
cando en el reparto de la
serie española El internado
y alcanzó relevancia inter-
nacional con su trabajo en
el reparto de Blade Runner
2049 y en un primer
encuentro con Daniel Craig
en Puñales por la espalda,
ha tenido que tirar de
paciencia durante más o
menos un año para poder
ver estrenada su entrada en
calidad de coprotagonista
en el panteón de féminas
de la saga de 007 con Sin
tiempo para morir.
En la película la actriz
es presencia femenina
rodeada de enigma en el
que puede ser el reparto de
féminas más nutrido con
papeles destacados y más
alejado de los tópicos de la antagonista que pone su rúbrica en esta nueva servicio activo viviendo en Jamaica, jubilación que
“chica Bond” de toda la aventura de Bond desde el primer momento, va a interrumpir su colega de la CIA, Felix Leiter
saga: Léa Seydoux como revelándose como una de las amenazas más (Jeffrey Wright), enlace con las dos primeras pelí-
doctora Madeleine Swann, poderosas y destructivas con las que se ha culas de la era Craig, cuando le pide ayuda para
personaje que sirve al tema enfrentado 007, tanto que incluso puede concul- localizar y rescatar a un científico que ha sido
del peso del pasado y abre
car las tradiciones de la propia saga para impo- secuestrado por el terrorista y exasesino de Spec-
la puerta al antagonista;
ner su personalidad en al arranque de la película tre Lyutsifer Safin, que es descrito por el director
Lashana Lynch como agen-
te del MI6; Naomie Harris sobre el habitual puzle de las secuencias trepi- de la película como el adversario más peligroso e 19
como una Eve Moneypenny dantes de persecución y violencia a las que esta- inteligente con el que se ha enfrentado 007.
que ha crecido como perso- mos acostumbrados. Además, el Bond que veremos en esta pelí-
naje más allá de su papel Lo imprevisible está afirmado así en Sin cula es distinto en muchos aspectos al que hemos
de secretaria en las eras tiempo para morir desde la atípica secuencia de conocido hasta el momento. Esos cinco años de
anteriores a Craig. Junto a apertura donde la violencia y acción han sido sus- aislamiento de las misiones de espionaje le pasan
todas ellas, Ana de Armas tituidas por un asesino con una máscara japonesa factura en el momento en que tiene que reincor-
es un enigma que se pre- de teatro n que persigue a sus víctimas en una porarse a la acción en un paisaje de aliados y
senta como agente de la
secuencia de terror surgida de la memoria de una enemigos distintos al que conocía, de forma que
CIA y posible socia de Bond
en la parte de más acción antigua compañera sentimental de Bond, la doc- alguno de sus antagonistas, como Blofeld, podría
de la trama. La actriz defi- tora Madeleine Swan, interpretada por la parisina ser un aliado, y quizá alguno de sus antiguos cole-
ne su papel como una Léa Seydoux, actriz que ya tuvo anteriormente su gas se convierta en un obstáculo para cumplir la
apuesta por cambiar el dosis de espionaje cinematográfico interpretando misión más sombría de su carrera. Además, ten-
estereotipo de la “chica un papel en Misión Imposible: Protocolo Fantasma drá que tratar con la nueva agente 007, Nomi
Bond” con una alternativa (2011) y después de protagonizar la versión en (Lashana Lynch, Arjana en la serie de acción bri-
más realista y empoderada imagen real de La bella y la bestia (2014) debutó tánica Bulletproof y Maria Rambeau en Capitana
de la contribución de la en la saga de 007 en Spectre (2015), lo que la Marvel), que se incorporó al servicio después de
mujer a las secuencias de convierte, junto con Christoph Waltz en un signi- la retirada de Bond y heredó su número, y resol-
acción. Su capacidad letal
ficativo elemento de continuidad entre las dos ver con la psiquiatra interpretada por Léa Sey-
recuerda el modelo dado
por Anne Parillaud en Niki- últimas entregas de la era Craig. doux un trauma que le persigue desde la muerte
ta, dura de matar (Luc Bes- de Vesper Lynd (Eva Green) en Casino Royale,
son, 1990) y fue anticipado
Un nuevo paisaje para un bond más vulnerable cerrando así en Sin tiempo para morir todos los
dentro de la propia saga de La productora de la saga, Barbara Broccoli, aspectos y pinceladas de creciente protagonismo
007 por Michelle Yeoh ha definido al carismático y muy complejo antago- sobre sus orígenes que han ido defi-
interpretando a Wai Lin en nista encarnado por Rami Malek como un supervi- niendo al personaje desde que
El mañana nunca muere llano que es capaz de meterse bajo la piel de un comenzara a encarnarlo Daniel Craig.
(1997). Pero el misterio James Bond al que, al comenzar esta nueva
rodea al personaje de Palo- misión, cinco años después de haber capturado a Miguel Juan Payán
ma, sobre el que el director TRÁILER: http://youtu.be/wSzj_MHiNPw
Ernst Stavro Blofeld, encontramos retirado del
de la película señala que
puede sorprender las
expectativas del espectador
TÍTULO ORIGINAL: NO TIME TO DIE EE UU, 2021 DIRECTOR: CARY JOJI FUKUNAGA GUION: NEAL PURVIS, ROBERT WADE Y CARY JOJI FUKUNAGA FOTOGRAFIA: LINUS SANDGREN MUSICA: HANS ZIMMER
respecto a su verdadero
papel en la trama.
INTERPRETES: DANIEL CRAIG (JAMES BOND), RAMI MALEK (LYUTSIFER SAFIN), LEA SEYDOUX (MADELEINE SWANN), LASHANA LYNCH (NOMI), RALPH FIENNES (M), CHRISTOPH WALTZ (ERNST STAVRO BLOFELD),
BEN WHISHAW (Q), NAOMIE HARRIS (EVE MONEYPENNY) DURACION: 163 MIN. ESTRENO EN ESPANA: XXX DISTRIBUYE: UNIVERSAL SPAIN

19
PRÓXIMOS estrenos

Venom
Habrá matanza

La segunda entrega de las aventuras y desventuras de Veneno

en el cine llega a la cartelera con la promesa de mejorar la
primera película y un antagonista muy prometedor.

20
M
arcada por la llegada a la
dirección de Andy Serkis,
Veneno: habrá matanza es ya
desde su título una declara-
ción de principios que enlaza con la posi-
tiva acogida que tuvo la aparición de
Woody Harrelson en la escena comple-
mentaria que cerraba la primera película
con una promesa que este segundo lar-
gometraje parece dispuesto a cumplir.
Serkis ha revelado que aceptó diri-
gir la segunda aventura cinematográfica
de Veneno porque se lo pidió el propio
protagonista y principal impulsor y pro-
ductor de la primera entrega. Desde su
ejercicio como director ha definido la
película como una historia de amor, pero
no la historia de amor que el público
espera, aludiendo al enredo sentimental
por resolver que vivían los personajes
interpretados por Tom Hardy y Michelle
Williams, coprotagonistas en Veneno.
Esa subtrama sentimental aportaba un
toque de comedia romántica a la fusión
de géneros de una película que se definió
por su cruce de las pinceladas de terror
con la ciencia ficción, género siempre
presente, de un modo u otro, como sus-
trato sobre el que se asienta el cine de
superhéroes.
Pero en Veneno: habrá matanza, la
historia de amor a la que alude Andy
Serkis va por otro lado. Y es más bien
una historia de amor/odio. Eddie Brock
sigue intentando adaptarse a la convi-
vencia con el simbionte alienígena del
que es reticente anfitrión, pero su vida
junto a Veneno va a complicarse con la
aparición de un temible asesino en serie.
Cletus Kasady, con cuya interpretación
en su brevísima aparición, casi cameo,
en la primera película, Woody Harrelson
se metió en el bolsillo a muchos seguido-
res del personaje en las viñetas, está dis-
puesto a hacer realidad la amenaza de
desatar una carnicería en las calles de la
ciudad.
Además de estar acompañado por
su amante, Shriek, a la que da vida Nao-
mie Harris, en una pareja diseñada
siguiendo la pista a las claves de estos
personajes en los cómics de la editorial
Marvel sobre Veneno, Kasady cuenta con
un aliado alienígena que multiplica su
nivel de letalidad. Entra así en escena
Matanza.
Es conocida la trayectoria y prota-
gonismo alcanzado por Andy Serkis en el
desarrollo y aplicación de las técnicas de
animación por captura de movimiento
merced a sus trabajos como actor en las
sagas cinematográficas de El señor de
los anillos y El planeta de los simios,
dando vida respectivamente a Gollum y
el chimpancé parlanchín César. Esos
antecedentes hicieron pensar a algunos
amigos de la especulación que en esta
 Eddie Brock
Tom Hardy
Tras recaudar con Veneno 856 millones de
dólares en todo el mundo con una inversión de
100 millones, Tom Hardy vio cumplido su
objetivo de situar a Eddie Brock y su simbion-
te en el panteón de los superhéroes del cómic
(o en este caso más bien antihéroe) más
taquilleros trasladados al cine. En la segunda
entrega, y mientras arrecian rumores sobre su
encuentro con otros personajes del universo
de Spider-Man controlado por Sony, como
Morbius, el vampiro viviente interpretado por
Jared Leto, o el mismísimo Spider-Man, Hardy
promete algunas sorpresas con la aparición
de algún otro personaje de las viñetas y revela
que ya está pensando en la tercera entrega.

Cletus Kasady
Woody Harrelson
Woody Harrelson como Cletus en la primera
película recordaba al Joker, pero en la
segunda este psicópata asesino cambia de
aspecto. Los dos simbiontes son un reflejo
de los humanos con los que conviven, así
que Serkis ha buscado diferenciar a Matan-
za de Veneno a través no solo de su aspecto,
sino también de sus movimientos y estrate-
gias de combate. Según el director, Veneno
utiliza la fuerza bruta, algo que encaja con
el temperamento conflictivo de Eddie Brock,
mientras que Matanza se hace eco de la
maquiavélica personalidad psicopática de
Cletus y es un depredador inspirado por los
ataques de los pulpos que confunden con
niebla a sus víctimas.
 PRÓXIMOS estrenos

segunda película que la animación de Veneno seguiría el

mismo camino de dichas producciones: animación por cap- Eddie y Veneno: condenados a entenderse
tura de movimiento con el actor o actores habilitados con Kelly Marcel es la única guionista de Veneno que ha sobrevivido a la prime-
un traje especial repleto de pequeños puntos de informa- ra entrega para continuar el viaje en la segunda película del antihéroe de la Mar-
vel. Sus compañeros en el primer largometraje, Jeff Pinkner y Scott Rosenberg,
ción, pero Serkis, que conoce bien las exigencias para el
no han regresado a la escritura en Veneno: habrá matanza. Vieja amiga de Tom
actor que plantea ese proceso, lo ha descartado, optando Hardy, que la conoció cuando la fama todavía no había llamado a su puerta y la
por repetir en esta segunda película la misma forma de ani- reclutó para su proyecto de convertirse en Eddie Brock y llevar el personaje de
mar a Veneno que se aplicó en la primera. Veneno al cine, Marcel fue la creadora de la serie de ciencia ficción Terra Nova
Según explica el director, de este modo mantiene la (2011) y firmó el guion de los largometrajes Al encuentro de Mr. Banks (2013),
continuidad y la misma línea de interpretación desarrollada 50 sombras de Grey (2015) y Veneno (2018), además de proporcionar la historia
por Hardy en Veneno, dirigida por Ruben Fleischer, al tiem- para Cruella (2021). En esta segunda entrega de
Veneno en el cine, firma ella sola el guion sobre
po que potencia y desarrolla como epicentro de la historia una historia que ha proporcionado el propio Tom
la relación de afecto y enfrentamiento entre Brock y el sim- Hardy, que de ese modo tiene incluso más control
bionte que se insinuaba ya en el desenlace del largometra- sobre la película y lo que va a contar que en la
je precedente. Lo que sí ha utilizado Serkis de su primera entrega.
experiencia como Gollum y el chimpancé rebelde César es El objetivo del dúo Marcel-Hardy tenía el
su experiencia interpretando a personajes con una persona- objetivo de aportar más solidez y coherencia a la
trama y al guion de Veneno: habrá matanza de la
lidad dividida, con dos caras, descartando así la animación
que tuvo la ocasionalmente episódica y mejorable
por captura de movimiento porque en su opinión el trabajo Veneno. Para ello han profundizado en el vínculo
que hace Hardy con el personaje de Eddie Brock se centra que se establece entre Eddie y Veneno, que se
en imaginar la presencia de Veneno como un simbionte conocen tanto por dentro como por fuera, íntima-
alienígena, no como otra cara de sí mismo. Brock y Veneno mente, quizá demasiado, porque convivencia tan
se odian el uno al otro, lo que genera una situación de estrecha empieza a pasarles factura, dando paso al tema de esta segunda pelícu-
la, que es el futuro de esa relación y la decisión que afrontan los dos personajes
estrés constante en el periodista y el simbionte, pero al
de seguir juntos o quizá separarse definitivamente y seguir cada uno por su lado.
mismo tiempo ninguno de ellos puede vivir sin el otro, así Partiendo de esa base, Marcel y Hardy esperan darle una personalidad pro-
que han aprendido a tolerarse, convivir y mantener así la pia a esta película dentro del género de superhéroes basándose en la peculiari-
convivencia, aunque la aparición de la némesis de Veneno, dad del conflicto Jekyll y Hyde de lo que son no uno, Eddie Brock, sino dos
Matanza, va a poner a prueba los vínculos que los unen en protagonistas, en tanto que al periodista se le une en igualdad el simbionte alie-
esta secuela. nígena.
El argumento nos sitúa un año después de los acontecimientos narra-
dos en Veneno. Eddie Brock sigue sacándole partido al simbionte para ejercer
Miguel Juan Payán como justiciero, pero su intento de resucitar su carrera como periodista de
investigación haciendo una entrevista al peligroso asesino Cletus Kasady le lleva
TRÁILER: http://youtu.be/8orIY6HDn-0 a enfrentarse a una amenaza que quizá ni ayudado por Veneno pueda vencer
después de que el asesino escape de prisión después de que su proyectada eje-
cución falle y se revela como anfitrión de su propio simbionte alienígena.
TÍTULO ORIGINAL: VENOM: LET THERE BE CARNAGE EE UU, 2021 DIRECTOR: ANDY SERKIS GUION: KELLY MARCEL, KELLY MARCEL,
TOM HARDY FOTOGRAFIA: ROBERT RICHARDSON MUSICA: MARCO BELTRAMI INTERPRETES: TOM HARDY (EDDIE BROCK / VENOM),
MICHELLE WILLIAMS (ANNE WEYING), NAOMIE HARRIS (SHRIEK), WOODY HARRELSON (CLETUS KASADY / CARNAGE),
STEPHEN GRAHAM (DETECTIVE MULLIGAN) DURACION: 90 MIN. DISTRIBUYE: SONY PICTURES 23
EL ÚLTIMO
DUELO
Ridley Scott retoma el cine de época y
el cine de épica para adaptar un guion
escrito por Matt Damon y Ben Affleck.
R
idley Scott afirma que lo más difícil para él a la hora de
arrancar una nueva película es contar con un buen guion,
precisamente lo más importante para que él elija un
proyecto. En El último duelo, ese es uno de los puntos que
está levantando mayor interés entre los aficionados. Matt Damon,
coguionista y protagonista, define la película como una historia a
propósito de la perspectiva de dos caballeros y una dama.
La trama está basada en hechos reales ocurridos en Francia
el 29 de diciembre de 1386, en el que fue el último juicio por
combate autorizado por las autoridades en suelo galo. El duelo
enfrentó al caballero normando Jean de Carrouges (Matt Damon)
con el que hasta ese momento había sido su amigo, Jacques Le
Gris (Adam Driver), al que acusaba de haber violado a su esposa,
Marguerite de Carrouges (Jodie Comer). El normando acudió al
rey Carlos VI (Alex Lawther) para modificar el fallo del conde
Pierre d’Alençon (Ben Affleck), que beneficiaba al escudero. Una
vez que se autorizó el duelo, la esposa de Carrouges se arries-
gaba a morir quemada en la hoguera si su marido perdía el
combate, como castigo por haber mentido en su testimonio.
La adaptación al cine de esta intriga sangrienta que todavía
sigue siendo sujeto de debate entre historiadores y juristas,
cuenta con tres voces en el guion como punto de partida para la
construcción de la película. La visión de los dos caballeros la
aportan Damon, que además interpreta a uno de ellos, y Affleck,
mientras el punto de vista de Marguerite la aporta la guionista y
directora Nicole Holofcener, nominada al Oscar al mejor guion
adaptado por su trabajo en ¿Podrás perdonarme algún día?
(2018).
El guion y la película siguen la pista a Rashomon, clásico de
Akira Kurosawa estrenado en 1950, que además sirvió como
plataforma de difusión internacional para el cine japonés a
través de su salida en los festivales de cine tras ganar el León de
Oro y el premio de la crítica en el Festival de Venecia. En 1964,
Rashomon fue objeto de remake, con traslado al wéstern, con el
título de Cuatro confesiones, con dirección de Martin Ritt y Paul
Newman en el papel del bandido que en el original interpretaba
Toshiro Mifune.
Tal y como ocurre en la película de Kurosawa, El último
duelo, que también se ha proyectado en el Festival de Venecia,
aunque al contrario que Rashomon fuera de competición,
enfrenta al espectador con las distintas versiones del suceso que
aborda su argumento. Es el regreso de Ridley Scott a la recons-
 Actores y guionistas; guionistas y actores
n La primera y, curiosamente, última vez antes de Duelo final, que Matt Damon y Ben
Affleck se reunieron para escribir un guion y al mismo tiempo trabajar como actores en la
película resultante ganaron un Oscar y fueron lanzados a la fama. Ocurrió con El indo-
mable Will Hunting, dirigida por Gus Van Sant en el ya lejano año 1997.
n Tras ese primer trabajo, Damon formó equipo con el hermano de Ben, el también actor
Casey Affleck, para escribir y protagonizar Gerry Adams en 2002, nuevamente con direc-
ción de Gus Van Sant. Para su tercer guion, Tierra prometida, estrenada en 2012, Damon
volvió a formar tándem con otro actor, John Krasinski, con el que nuevamente se asoció
trucción histórica, materia habitual de su filmografía también en el reparto de la película.
desde su primer largometraje, Los duelistas (1977) (ver n Después de El indomable Will Hunting, Ben Affleck prosiguió su carrera como guionista
ficha en este mismo número), tras la que nos ha invi- en 2002 creando la serie Push, Nevada junto a Sean Baley, y luego escribió y dirigió la
tado a viajar al pasado en su reconstrucción del viaje de adaptación de la novela de Dennis Lehane Adiós pequeña, adiós, estrenada en 2007 y
Colón para 1492: la conquista del paraíso (1992), la protagonizada por su hermano Casey Affleck; coescribió, dirigió y protagonizó Ciudad de
ladrones; escribió, dirigió y protagonizó otra adaptación de una novela de Dennis Lehane,
Roma imperial en Gladiator (2000), las Cruzadas en El
Vivir de noche, en 2016; y ya está preparando su siguiente proyecto como guionista y
reino de los cielos (2005), la Inglaterra de Juan Sin director, Keeper of the Lost Cities, sobre una niña telépata de doce años.
Tierra en Robin Hood (2010), y el antiguo Egipto en
n El último duelo es el reencuentro de Damon y Affleck como guionistas y actores en el
Exodus: dioses y reyes (2014). En El último duelo se
mismo reparto, coescribiendo la adaptación de la novela de Eric Jager publicada en 2004.
enfrenta a la recreación de la brutal época de la guerra En 2011 le propusieron leer la novela como posible fuente para una película, pero el actor
de los Cien Años. declinó después de saber que los derechos los tenía Martin Scorsese, ante lo que sospe-
chaba que el director trabajaría con Leonardo DiCaprio, su actor fetiche, como protago-
Miguel Juan Payán nista. Pasaron siete años, Scorsese no rodó su versión del libro y finalmente este quedó
libre para que Damon pudiera sacar adelante su versión, fichando a Ben Affleck como
TRAILER: http://youtu.be/CAumuCU21Xk compañero de viaje en el guion y en el reparto.
n Damon reconoce que la primera vez que Affleck y él se juntaron para escribir El indo-
mable Will Hunting carecían de la experiencia necesaria para ser realmente eficaces en el
TÍTULO ORIGINAL: THE LAST DUEL
EE UU, 2021 DIRECTOR: RIDLEY SCOTT GUION: NICOLE HOLOFCENER, BEN AFFLECK, guion, y aunque eso no les impidió hacerse con el Oscar, tras un arduo proceso de escri-
MATT DAMON FOTOGRAFIA: DARIUSZ WOLSKI MUSICA: HARRY GREGSON-WILLIAMS tura de miles de páginas y propuestas que no utilizaron finalmente, está muy satisfecho
INTERPRETES: JODIE COMER (MARGUERITE DE CARROUGES), MATT DAMON (JEAN DE CARROUGES), BEN AFFLECK con su trabajo en esta nueva asociación en la escritura de El último duelo, en la que han
(COUNT PIERRE D'ALENCON), ADAM DRIVER (JACQUES LEGRIS) DURACION: 152 MIN. DISTRIBUYE: WALT DISNEY STUDIOS sacado el máximo provecho a la experiencia que han acumulado como guionistas.
HALLOWEEN
KILLS
Tras el impresionante éxito de Hallo-
ween (2018), los responsables vuelven
con una secuela que continúa la
historia de aquella película, de nuevo
con Jamie Lee Curtis de protagonista.
L
a noche de Halloween de John Carpenter, estrenada en 1978,
sigue siendo uno de los slashers más importantes de la
historia, además de uno de los pioneros en un género que vivió
grandes momentos en los años ochenta y un cierto resurgir en
los noventa, pero que parecía algo olvidado en salas
de cine. Hasta que de la mano del productor Jason
Blum y su Blumhouse, con David Gordon Green como
director y un guion realizado por el propio Green, el
también actor Danny McBride y Jeff Fradley, conven-
cieron al propio Carpenter de volver a su creación más
conocida y a una saga a la que creativamente no
regresaba desde la tercera entrega, que nada tenía
que ver con Michael Myers, el asesino de la noche de
Halloween. Carpenter produciría y volvería a la banda
sonora del filme, gracias a la idea de los responsables
de la película. Olvidar todas las secuelas, reboots y
similares, y hacer como si no existiesen. Jamie Lee
Curtis, quien había protagonizado muchas de las entregas de la saga,
volvería como Laurie Strode, la niñera que sobrevivió al ataque de
Myers en Haddonfield, Illinois, y que cuarenta años después se tenía
que enfrentar de nuevo a la bestia.
Todo el equipo de aquella película, o casi todo (el guionista
Jeff Fradley ha sido sustituido por Scott Teems) regresa para una
nueva entrega que intentará emular, por ejemplo, el éxito de
taquilla de la anterior, que recaudó más de 255millones de dólares
en todo el mundo. El slasher más taquillero de la
historia. La secuela ha sido rodada a la vez con la
tercera y última entrega de la trilogía, Halloween
Ends. La que ahora nos ocupa debía haberse estre-
nado en 2020, pero la pandemia, obviamente,
cambió los planes de todo el mundo. Ahora, por fin,
conoceremos cómo continúa la historia que arranca
instantes después del final de la película anterior,
con Strode siendo acompañada por su hija Karen
(Judy Greer) y su nieta Allyson (Andi Matichak) al
hospital para recuperarse de las heridas de la
batalla con Myers. Y si no han visto aquella película,
les recomiendo no seguir leyendo, porque los
hechos enlazan directamente y pueden llevarse alguna revelación
que no querían saber. Myers consigue escapar de su aparente final
entre llamas y la lucha continúa, mientras Laurie recupera las
fuerzas y se une a un grupo de supervivientes de la matanza de
Myers, entre ellos Tommy Doyle (Anthony Michael Hall) y
Lindsey Wallace (Kyle Richards, repitiendo su papel de
1978), en la piel de los niños a los que Laurie cuidaba.
Nancy Stephens también vuelve como Marion Chambers,
la asistente del doctor Loomis (el fallecido Donald Plea-
sence) y Charles Cypher como el retirado sheriff Leigh
Brackett. Entre todos unirán fuerzas para intentar acabar
con Myers, con Laurie liderando ese grupo de supervi-
vientes que quiere dar caza al asesino. Todo ello salpicado
por recuerdos del pasado con los que quizá descubramos
más cosas sobre el origen de todo esto. Si está a la altura
de la anterior, estaremos ante una gozada
de slasher.
Jesús Usero
TRAILER: http://youtu.be/MPzsv3BdxII
REINO UNIDO / EE UU, 2021 DIRECTOR: DAVID GORDON GREEN GUION: JOHN CARPENTER, DAVID GORDON GREEN,
DEBRA HILL FOTOGRAFIA: MICHAEL SIMMONDS MUSICA: CODY CARPENTER, JOHN CARPENTER Y DANIEL A. DAVIES
INTERPRETES: JUDY GREER (KAREN), ANTHONY MICHAEL HALL (TOMMY DOYLE), JAMIE LEE CURTIS (LAURIE STRODE),
WILL PATTON (DEPUTY FRANK HAWKINS) DURACION: 106 MIN. DISTRIBUYE: UNIVERSAL
Jamie Lee Curtis, la reina del grito
Aunque muchos espectadores la conocen por sus papeles de mayor calado en el imagi-
nario público, como Mentiras arriesgadas, Un pez llamado Wanda, Entre pillos anda el
juego, Criaturas feroces, la propia Halloween original o incluso Ponte en mi lugar, es cierto
que la carrera de la actriz estuvo en sus inicios llena de proyectos de cine de terror que
hicieron de ella una de las reinas del grito más importantes del género entre finales de los
años setenta e inicios de los ochenta, por no decir la reina del grito original. Curtis, hija de
Janet Leigh y Tony Curtis, interpretó a Laurie Strode ya con 30 años, tras pasar por alguna
serie de televisión y tener un papel de cierto peso en la serie Operation Petticoat. El éxito
de Halloween la convirtió en reclamo para la audiencia y los productores, y por supuesto
pronto llegó la secuela de aquella, Sanguinario, y otra colaboración con John Carpenter, La
niebla. Para finales de 1981 a todas ellas se sumaban Prom Night, El tren del terror y Carre-
tera mortal. En un plazo de apenas tres años la actriz parecía estar encorsetada en el
género como su nueva estrella, por lo que ella misma decidió parar y buscar otros muchos
proyectos, enormemente variados, que aprovechasen su talento enorme para drama, la
comedia o la acción. Aunque coqueteó de nuevo con el género en Acero azul, no regresó
plenamente hasta Halloween H20, el reboot de la franquicia, con la actriz plenamente
asentada como estrella. Tras la terrible Virus volvió a Halloween: resurrección, y se rio a
gusto del género en la serie Scream Queens, antes de ponerse al frente de esta nueva
trilogía que la sitúa, una vez más, como la más importante reina del grito del cine de terror
y como un icono, Laurie Strode, a la altura de su rival, Michael Myers.
CARTEL-MANÍA
Pedro Almodóvar en los 80
Pedro Almodóvar estrena nueva película y
nada mejor que comenzar por el principio, por
el cine de Almodóvar, hierofante destinado a
interpretar los misterios de la contracultural
movida madrileña.
Nacido el 25 de septiembre de 1949 en Calzada de Calatrava,
Ciudad Real, Pedro Almodóvar emigró en 1959 a Cáceres, Extre-
madura, acompañando a su familia. Su padre, Antonio, era arriero,
transportaba en sus animales el vino que producía su abuelo y fue
el último de los que se dedicaron a ese oficio. Fallecido víctima del
cáncer en 1980, Antonio ha dejado huellas en algunos motivos,
momentos y personajes de la filmografía de su hijo. Pero es su
madre, Francisca Caballero, la que ha marcado la galería de
figuras femeninas que protagonizan mayoritariamente el cine del
director y ha servido de un modo u otro como modelo para sus
pinceladas más personales, dejando una profunda huella en toda
las películas que repasamos en esta entrega.
Estudiante de bachillerato en un colegio con los padres sale-
sianos, el contacto con lo religioso dejará también rastro en el cine
de Pedro Almodóvar en momentos clave que se incorporó al equi-
paje de referencias utilizado por el director en sus creaciones.
A los 16 años, Almodóvar se trasladó a Madrid para estudiar
cine, pero al no lograr entrar en la Escuela Oficial de Cine, que
había sido clausurada por el régimen de Franco, tuvo que buscar
caminos alternativos para conseguir abrirse camino en el audiovi-
sual desde finales de los años setenta, al tiempo que realizaba
distintos trabajos hasta entrar a trabajar como auxiliar adminis-
trativo en las oficinas de Telefónica, donde trabajó doce años.
Compró su primera cámara de super-8 con el primer sueldo.
El torrente y las inquietudes creativas del futuro cineasta se
manifestaron en todo tipo de actividades, dando distintos resul-
28
tados, que iban desde la novela corta Fuego en las entrañas, la
fotonovela (porno) o los relatos en distintos periódicos, hasta los
guiones de cómic para revistas alternativas como El Víbora, Star y
Vibraciones, la creación de un grupo musical punk glam, Almo-
dóvar & McNamara, su trabajo en el grupo de teatro Los Goliardos,
y los cortometrajes de títulos abiertamente provocativos, con
vocación de revulsivo y plagados de imprevisibilidad en el trata-
miento de la sexualidad que, a falta de escuela, serán su manera
de aprender y experimentar con las posibilidades del lenguaje
cinematográfico de la manera más difícil y laboriosa, por el proce-
dimiento de la práctica, el ensayo y el error.
Inicialmente, se trata de cortos sin sonido a los que él mismo
pondrá la voz durante las proyecciones, recuperando así, quizá
accidentalmente, la figura de los explicadores de películas que en
el cine mudo japonés respondían por el nombre de benshis,
hombres habladores (Heigo, el hermano de Kurosawa, fue uno de
los más importantes), y en el propio cine español tuvieron también
un importante papel durante la etapa silente del cine. Ese
arranque de cine mudo a la fuerza necesariamente volcado en el
poder de lo visual y la necesidad de provocar, unido al surrealismo
de sus propuestas, constituye un territorio de interesante experi-
mentación para los posteriores largometrajes del director.
Es así como los cortos de Almodóvar Dos putas o una historia
de amor que termina en boda (1974), Film político (1974), La caída
de Sodoma (1975), El sueño de la estrella (1975), Sexo va, sexo
viene (1977), Salomé (1978), se convertirán en el sustrato sobre el
que edifica su primer largometraje, Folle… Folle… Fólleme Tim
(1978), rodado en super-8, construida sobre la fórmula del folletín
y donde articula ya el difícil equilibro entre melodrama y una
intención paródica de crítica social que no renuncia al esperpento.
Argumento y protagonistas: joven y abnegada trabajadora de unos
grandes almacenes tiene novio ciego que se hace famoso como
músico, mientras ella se queda ciega…
Miguel Juan Payán
 CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
LABERINTO DE PASIONES
1982; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Bernardo
Bonezzi; Fotografía: Ángel Luis Fernández; Intérpretes: Cecilia Roth, Helga Liné, Imanol Arias,
Antonio Banderas, Marta Fernández Muro, Fernando Vivanco, Ángel Alcázar, Luis Ciges; Duración:
100 minutos.
El consumo de drogas, las múltiples posibilidades sexuales, forman
parte nuevamente de la propuesta de fusión de melodrama con comedia en
este largometraje esencial en la etapa de carácter más exploratorio del medio
cinematográfico con la que arranca la filmografía de Pedro Almodóvar.
La movida madrileña vuelve a ser el entorno en el que se mueven los
personajes y se desarrolla su historia, protagonizada por una fauna de perso-
najes al límite de la credibilidad construidos desde la parodia de los estereo-
tipos del melodrama: una cantante ninfómana, Sexilia (interpretada por Cecilia
Roth, otra fémina esencial de la galería de actrices del director, junto con
Carmen Maura, Victoria Abril, Penélope Cruz, Marisa Paredes, Kiti Mánver y
Julieta Serrano), y el hijo del emperador de Tirán, Riza Niro (Imanol Arias), que
forman una curiosa pareja de socios entregados al despreocupado disfrute de
placeres que ofrece la vida en los laberintos urbanitas, inocentemente ajenos
al acecho de los poderes que intentan secuestrar al príncipe o seducirle para
someterle a sus intereses.
El propio Almodóvar ha señalado la influencia de las comedias de Billy
Wilder en esta película que a ratos se le antoja a quien esto escribe una
especie de reflejo llevado hasta el extremo del retrato idealizado, vitalista y
alocado de la vida en el Barrio Rojo de París de Irma la Dulce (Wilder, 1963).
Por otra parte, Laberinto de pasiones posee esa curiosa cualidad de
algunas películas para convertirse en retrato y al mismo tiempo en voz gene-
racional, lo cual explica por qué batió un récord proyectándose durante una
década a modo de icono de culto en las sesiones de medianoche del cine
Alphaville de Madrid. M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
¿QUE HE HECHO YO PARA MERECER ESTO?
1984; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Bernardo Bonezzi;
Fotografía: Ángel Luis Fernández; Intérpretes: Carmen Maura, Ángel de Andrés López, Verónica
Forqué, Chus Lampreave, Luis Hostalot, Cecilia Roth, Sonia Ohmann, Kiti Mánver, Amparo Soler Leal,
Emilio Gutiérrez Caba, Diego Caretti, José Manuel Bello, Gonzalo Suárez, Ryo Hiruma, Pedro Almo-
dóvar; Duración: 101 minutos.
Es la película con la que Pedro Almodóvar cobra toda la entidad como
director saliendo del territorio experimental para cruzar sus abordajes del
melodrama con características que ocasionalmente recuerdan algunas claves
del neorrealismo cruzado con elementos de costumbrismo patrio particular-
mente perturbadores que al mismo tiempo acercan la propuesta a un público
más general del que podía reunir en torno a sus dos películas anteriores.
Es su fase de consolidación como director, en la que lo experimental va
dejando paso a una mayor seguridad tras la cámara, y el director empieza a
forjar una nueva complicidad con el espectador basándose en un tratamiento
que bajo la habitual dominante del melodrama contiene pinceladas dramáticas
asociadas con una imagen de lo contemporáneo en la que la movida deja de
ser el paisaje dominante para propiciar una intimidad con la protagonista deri-
vada del paseo que nos ofrece la película por una cotidianeidad gris que
comparten muchas mujeres en España, y a pesar del paso del tiempo,
muestra de la calidad de la propuesta, para muchas sigue siendo perfecta-
mente actual.
Junto con los cameos del propio director y su socio musical McNamara,
encontramos a otros directores que aparecen en pequeños papeles, como
Jaime Chávarri, Gonzalo Suárez o Luciano Berriatúa, y empieza a cobrar casi
identidad propia dentro de la filmografía del director el aporte de la gran Chus
Lampreave.
El argumento: Gloria es una ama de casa que comparte la frustración de
muchas mujeres de su misma condición humilde, sometida a un marido domi-
nante que trabaja como taxista y lidiando con hijos y suegra y con su trabajo
en un mundo que es bastante distinto al suyo. M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTON
1980; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Alaska y los
Pegamoides; Fotografía: Paco Femenia; Intérpretes: Carmen Maura, Félix Rotaeta, Alaska, Eva Siva,
Conca Grégori, Kiti Mánver, Cecilia Roth, Julieta Serrano, Cristina Sánchez Pascual, José Luis Aguirre,
Pedro Almodóvar; Duración: 82 minutos.
El primer paso en la temática de empoderamiento femenino en la filmo-
grafía de Pedro Almodóvar, incluso antes de que ese concepto o el de soro-
ridad, también muy presente en este largometraje, estuvieran tan presentes
en la sociedad como lo están ahora.
Las protagonistas de la película son mujeres ya maduras que descubren
su propia identidad dejándose llevar por los jóvenes al huracán de la movida
madrileña, lo que las llevará a reconocerse como víctimas de una sociedad
que las ha reprimido desde la infancia. Hoy todo ello puede parecer más
normalizado, pero en el momento en que Amodóvar estrenó esta película, que
por otra parte no dudaba en zambullirse en la piscina de lo artificioso para
presentar su tesis, reteniendo rasgos de amateurismo visual, era una
propuesta de ruptura con el cine español dominante en ese momento.
Además de servir como cohete que propulsó la popularidad de la
cantante Alaska, que cantaba el memorable tema “Murciana marrana” en su
papel de Bom, la muchacha punk que sirve como detonante de las inquietudes
de sus compañeras Pepi (Carmen Maura, actriz fetiche del director en buena
parte de su filmografía) y Luci (Eva Siva). La película se convirtió en título
emblemático de la movida que incorporaba como parte de su argumento,
inspirado por la fotonovela Erecciones generales, escrita por el propio director
para la revista El Víbora.
El estilo de rodaje en exteriores quedó forzado por la necesidad de
adaptarse a las limitaciones de presupuesto y la carencia de permisos del
Ayuntamiento en una película que trabajó con imaginación desde lo imprescin-
dible alargando la filmación durante casi dos años con fondos aportados por
amigos del director y el equipo técnico. M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
ENTRE TINIEBLAS
1983; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Fotografía: Ángel Luis
Fernández; Intérpretes: Cecilia Roth, Cristina Sánchez Pascual, Laura Cepeda, Will More, Julieta
Serrano, Marisa Paredes, Mary Carrillo, Carmen Maura, Lina Canalejas, Berta Riaza; Duración: 114
minutos.
Llega con esta película el primer reconocimiento internacional de Pedro
Almodóvar, que inauguró así su carrera como director reconocido fuera de
España, incluso entrando en la categoría de director de culto e influyente
figura en muchos cineastas de otros países. Ocurrió con la proyección de la
película en el Festival de Venecia, precisamente el mismo en el que ha
presentado su último trabajo, Madres paralelas, cuyo estreno motiva este
recopilatorio de sus primeras películas en nuestra sección de “Cartelmanía”.
Entre tinieblas es además el trabajo con el que, sin perder su identidad,
manteniendo los vínculos con sus principios underground, el director
encuentra el puente perfecto para ir dejando atrás su etapa más experimental
y ofrecer mayor madurez tras las cámaras.
Sin apartarse de los territorios y personajes extremos que le interesan,
quedan estos incorporados a una especie de homenaje al cine de Josef Von
Sternberg y los personajes interpretados en él por Marlene Dietrich, como han
señalado distintos analistas, aunque argumentalmente la película me lleve a
pensar otra vez en pinceladas que recuerdan a Billy Wilder, guionista junto a
Charles Brackett de un clásico de la comedia screwball de Hollywood dirigido
por Howard Hawks. Me refiero a Bola de fuego (1941), con Gary Cooper y
Barbara Stanwyck como protagonistas. Almodóvar cambia esa variante de la
fórmula de Blancanieves y los siete enanitos que fue la película de Hawks,
haciendo mutar a los sabios que enclaustrados que preparan una enciclopedia
en un grupo de peculiares monjas, presas de pasiones y adicciones varias,
que responden por los nombres de sor Estiércol, sor Perdida, sor Víbora, sor
Rata de Callejón… y acogen a una cantante que busca refugio en el curioso
convento de la orden de las Redentoras Humilladas después de que su novio
sea víctima de una sobredosis. M.J P.
 CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
LA LEY DEL DESEO
1987; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Bernardo Bonezzi;
Fotografía: Ángel Luis Fernández; Intérpretes: Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas,
Miguel Molina, Fernando Guillén, Manuela Velasco, Nacho Martínez, Bibiana Fernández, Helga Liné,
Germán Cobos, Alfonso Vallejo; Duración: 102 minutos.
Comedia, drama e intriga vuelven a darse cita en esta película cuyo
argumento gira en torno a dos hermanos, Pablo, director de cine y teatro gay
(Poncela) que ha estrenado su última obra, El paradigma del mejillón, y su
hermana transexual, Tina (Carmen Maura), actriz que está pasando malos
tiempos tras ser abandonada por su amante lesbiana, modelo que además la
ha dejado a cargo de su hija, niña precoz. El encuentro de Pablo con un admi-
rador que no tardará en mostrarse problemático, Antonio (Antonio Banderas),
detona la serie de complicaciones que van a hacer aún más laberíntica la vida
de los personajes.
Algunos analistas han trazado en esta película vínculos con un filme
posterior del director, La mala educación, de 2004, a través de la visita de
Tina al cura y sus semejanzas con el personaje de Zahara, así como del perso-
naje de Pablo con el también director Enrique en ese otro largometraje.
Aplaudida por la crítica en sus personajes, con uno de los mejores
tridentes de ataque en las alineaciones del director formado por Poncela,
Maura y Banderas en un trabajo que el propio Almodóvar señaló como la más
potente del actor hasta esa fecha, fue criticada por su guion, especialmente
por la incorporación a la historia de la parte de intriga.
La película le proporcionó a Maura la posibilidad de convertirse en icono
visual del cine español del momento, protagonizando una de las imágenes
más recordadas de la década con esa ducha en la calle bajo la manguera del
barrendero, ¿guiño cinéfilo de Almodóvar al momento de Marilyn Monroe con
las faldas volando sobre la rejilla del metro en La tentación vive arriba (1955)
de Billy Wilder? M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
¡ÁTAME!
1989; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Ennio Morricone;
Fotografía: José Luis Alcaine; Intérpretes: Victoria Abril, Antonio Banderas, Loles León, María
Barranco, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Francisco Rabal, Lola Cardona, Emiliano Redondo, José
María Tasso; Duración: 101 minutos.
El director cierra la década de los ochenta, su década de lanzamiento y
evolución hacia la madurez como director, con este largometraje mostró la
tendencia de Pedro Almodóvar a seguir progresando en su carrera camino del
drama dejando en un segundo plano el humor.
Rodada en su mayor parte en el carismático barrio madrileño de
Chueca, la película saca el máximo partido a esa localización siguiendo la
pista a Marina de Osorio (Victoria Abril), actriz estrella del cine porno, heroinó-
mana, que ahora rueda una película de terror. Tal como ocurría con el perso-
naje del director Pablo de La ley del deseo, va a tener que lidiar con el acoso
de un admirador, Ricky (nuevamente interpretado por Antonio Banderas justo
antes de dar su salto a Hollywood), un enfermo mental que ha malinterpretado
lo que puede conseguir de Marina si, tras salir del centro psiquiátrico en el que
estaba internado, la secuestra y consigue que se enamore de él.
Ostenta un poco deseable récord en la historia de los premios Goya,
siendo una de las películas con más nominaciones de los galardones del cine
español, y, sin embargo, no consiguió ni uno solo de los cabezones. Fue nomi-
nada en las categorías de director, actriz, actor, actriz de reparto para Loles
León, actor de reparto para Francisco Rabal, guion original, fotografía, sonido,
música original del maestro Morricone, diseño de producción, montaje, maqui-
llaje y peluquería, dirección de producción y diseño de vestuario.
Estuvo marcada por el éxito arrollador de su película anterior, Mujeres al
borde de un ataque de nervios, pero Almodóvar no dudó en arriesgarse a
cambiar de registro tomando como punto de partida el síndrome de Estocolmo
en un largometraje que inicialmente iba a titular Toxy-Lady. M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
MATADOR
1986; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar, Jesús Ferrero; Música:
Bernardo Bonezzi; Fotografía: Ángel Luis Fernández; Intérpretes: Assumpta Serna, Antonio
Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo, Julieta Serrano, Chus Lampreave, Carmen Maura, Eusebio
Poncela, Bibiana Fernández, Luis Ciges, Eva Siva, Verónica Forqué; Duración: 110 minutos.
Tras sufrir una cogida que lo aparta de las plazas, un torero experimenta
una nueva ansia de matar mujeres, convirtiéndose en uno de los personajes
más inquietantes de la galería de figuras truculentas invocadas por Pedro
Almodóvar. Pero el diestro siniestro no está solo en esa manera de disfrutar
del sexo asociado con la muerte.
Almodóvar introduce, cuando los dos protagonistas están en el cine, una
referencia que define bien el tono de su propuesta: los protagonistas ven en el
cine Duelo al sol, clásico de King Vidor, con el wéstern más secuestrado que
fusionado con el melodrama, en el cual los amantes interpretados por Gregory
Peck y Jennifer Jones llegan a un encuentro final sangriento en las montañas
dando lugar a un momento mítico del cine de Hollywood. Es una cita que
define muy bien el giro de Almodóvar desde las pinceladas neorrealistas y
costumbristas de ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, hacia los laberintos
sentimentales en los que el director germano Rainer Werner Fassbinder había
reinventado el melodrama para sentar cátedra en la renovación del género en
Europa al mismo tiempo que recorría las distintas etapas de la trágica historia
de Alemania desde la Segunda Guerra Mundial hasta los tiempos del Muro de
Berlín.
Es significativo que el director llegue a este largometraje tras haber diri-
gido un cortometraje para Televisión Española, Tráiler para amantes de lo
prohibido, que usa de la autocita con referencias a ¿Qué he hecho yo para
merecer esto?, y sirve al mismo tiempo a modo de resumen y cierre de etapa
para pasar página respecto a su cine precedente, antes de zambullirse en la
nueva fase que inaugura Matador. M.J P.
CARTEL-MANÍA PEDRO ALMODÓVAR
MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
1988; España; Color; Director: Pedro Almodóvar; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Bernardo Bonezzi;
Fotografía: José Luis Alcaine; Intérpretes: Carmen Maura, Fernando Guillén, Antonio Banderas,
Julieta Serrano, María Barranco, Rossy de Palma, Kiti Mánver; Duración: 88 minutos.
Las citas y el metacine vuelven a ser pistas esenciales para guiarnos
por el paisaje de referencias que maneja la filmografía de Pedro Almodóvar. En
esta ocasión el clásico de Hollywood citado es otro wéstern secuestrado más
que fusionado con el melodrama, aunque en menor medida que Duelo al sol
(ver ficha de Matador). El arranque de la película sitúa al personaje de Carmen
Maura y Fernando Guillén ejerciendo su trabajo como dobladores sobre
Johnny Guitar (1954), wéstern dirigido por Nicholas Ray y derivado hacia el
melodrama para acomodarse a la personalidad de su protagonista femenina
con pinceladas transgénero, interpretada por Joan Crawford.
La otra referencia dominante es la obra La voz humana, de Jean
Cocteau, monólogo entre cuyas adaptaciones al audiovisual destaca la que
dirigiera Roberto Rossellini para su película de dos fragmentos El amor (1948),
protagonizada por Ana Magnani.
Pero junto a ambas pistas me resulta difícil no pensar nuevamente en
las comedias de Billy Wilder al disfrutar del desarrollo de enredos que aporta a
la película el puzle de personajes que se reúnen en torno a la protagonista
abandonada por su amante y la esposa de este, trastornada por los celos, con
momentos míticos como el viaje con el taxista interpretado por Guillermo
Montesinos, la portera Lampreave o el poderío humorístico desplegado por
María Barranco en un papel que le fue ofrecido a Victoria Abril, y su química
con Antonio Banderas.
La película fue nominada al Oscar a la mejor producción extranjera, y en
Estados Unidos se plantearon un remake protagonizado por Jane Fonda y diri-
gido por Richard Benjamin que no llegó a realizarse. Tras esta película, Maura
y Almodóvar llegaron a un punto de ruptura dando lugar a casi dos décadas
sin trabajar juntos. M.J P.
 CENICIENTA
(Cinderella)
Reino Unido y EE UU, 2021; Dirección: Kay Cannon; Fotografía: Henry Braham; Guion: Kay Cannon;
Música: Mychael Danna y Jessica Weiss; Intérpretes: Camila Cabello (Cinderella), Nicholas Galitzine
(Prince Robert), Idina Menzel (Vivian), Pierce Brosnan (King Rowan); Duración: 113 min.; Estreno en
Reino Unido: 3-9-2021; Estreno en España: 3-9-2021; Distribuye: Amazon.
SINOPSIS La joven Ella vive con su madrastra y sus dos hermanastras,
intentando labrarse un futuro diseñando y cosiendo vestidos, pero no puede en
el mundo en el que vive, donde todos quieren convertirla en quien no es. En
ese momento aparecerá el príncipe en su vida.
PARA RECORDAR Los números musicales y las adaptaciones que prepa-
ra la directora y guionista Kay Cannon son muy buenos la mayor parte de las
veces y consiguen sacarnos una sonrisa en muchos casos. Pasa lo mismo con
el humor que tiene la película, cuando no se toma en serio a sí misma e inten-
ta ser una sátira de los cuentos. Los actores secundarios están muy bien y ro-
ban protagonismo a quienes deben liderar la historia, especialmente Idina
Menzel, Pierce Brosnan y Minnie Driver.
PARA OLVIDAR Pese a ser de lo mejor de la película, los secundarios es-
tán desaprovechados y el metraje se hace excesivamente largo. Camila Cabe-
llo canta de maravilla y tiene tomada la medida a la comedia que requiere la
película, pero en cuanto la historia se pone seria, se nota que no tiene tablas
todavía. También se nota que el presupuesto fue limitado y la película a veces
se acerca demasiado a una serie de televisión en su estética. Pero su mayor
pecado es un guion que no se define, que no sabe lo que quiere y que bordea
el ridículo demasiadas veces, haciendo la película fallida y aburrida por mo-
mentos, cuando no ridícula.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Intenta alejarse de la Cenicienta de Disney,
lo que la acerca más a Por siempre jamás, pero hace que echemos de menos
la película de Drew Barrymore.
EN CONCLUSIÓN Podía haber sido un desastre, y en realidad se convierte
en una película discreta, mediocre, pero con buena música. J.U.






THE ICE ROAD
(The Ice Road)
EE UU y Canadá, 2021; Dirección: Jonathan Hensleigh; Fotografía: Tom Stern; Guion: Jonathan
Hensleigh; Música: Max Aruj; Intérpretes: Liam Neeson (Mike McCann), Laurence Fishburne (Jim
Goldenrod), Amber Midthunder (Tantoo), Holt McCallany (Lampard); Duración: 109 min.; Estreno en EE
UU: 25-6-2021; Estreno en España: 27-8-2021; Distribuye: eOne.
SINOPSIS Un accidente en una mina obliga a desplegar una arriesgada
misión de rescate a contra reloj con tres camiones atravesando un lago hela-
do. Pero la naturaleza no es el único enemigo.
PARA RECORDAR Liam Neeson sigue vendiendo todo lo que le pongan
por delante como estrella del cine de aventuras, acción, intriga, o lo que le to-
que. Y además es un elemento de inmediata mejora para todo lo que le rodea,
incluso si el guion no le propone más que una colección de lugares comunes.
Neeson cuenta con el respaldo de arranque de Larry Fishburne, otro infalible
que facilita el despegue del asunto.
El argumento tiene la buena idea de mezclar cine de catástrofe e intriga
con la aventura de acción, que entra en el relato aproximadamente a la hora
de proyección, renovando la propuesta en el momento en que esta más lo ne-
cesita.
PARA OLVIDAR No saca todo el partido a la estructura de acción en para-
lelo de rescatadores y rescatados, camioneros y mineros. No saca todo el par-
tido que debería a la situación de los mineros, y en la resolución de las se-
cuencias de acción se queda corta.
Es un guion tirando a vago a la hora de explotar el verdadero potencial
de su fusión de géneros y personajes. Los antagonistas son esbozos, y los
personajes y situaciones no pasan del desarrollo mínimo, esquemático.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Dispara a matar (Roger Spottiswoode,
1988), Máximo riesgo (Renny Harlin, 1993), Hard Rain (Mikael Salomon,
1998).
EN CONCLUSIÓN Mantiene el suspense hasta el final. Neeson ya se ocu-
pa de que nos enganchemos a ver cómo sale de los líos en los que le mete el
guion. M.J P.






SNAKE EYES: EL ORIGEN
(Snake Eyes)
Canadá y EE UU, 2021; Dirección: Robert Schwentke; Fotografía: Bojan Bazelli; Guion: Evan
Spiliotopoulos, Joe Shrapnel y Anna Waterhouse; Música: Martin Todsharow; Intérpretes: Henry
Golding (Snake Eyes), Andrew Koji (Tommy / Storm Shadow), Úrsula Corberó (Baroness), Samara
Weaving (Scarlett); Duración: 121 min.; Estreno en Canadá: 23-7-2021; Estreno en España: 20-8-
2021; Distribuye: Paramount; Reportaje en Nº 2108
SINOPSIS Un joven luchador que desconoce quién es realmente, salva la
vida al heredero de un clan ninja que le invita a unirse a ellos y estudiar junto
a él para ayudar a proteger el mundo de Cobra, junto a los G. I. Joe. Aunque
en este complejo camino que toma nada sea lo que parece.
PARA RECORDAR Poco, la verdad. Andrew Koji e Iko Uwais transmiten
fuerza, talento con las artes marciales y carisma, más de lo que puede decir el
protagonista. Samara Weaving y Úrsula Corberó tienen mucho talento y mere-
cen película propia, pero el filme las olvida en gran parte del metraje. El arran-
que es prometedor, como esa historia de un clan ninja elegido, su legado y los
enemigos que lo rodean. En ese arranque, el director ofrece sus mejores mo-
mentos.
PARA OLVIDAR La otra historia de la película, la que involucra a Cobra y
los Joes, no tiene sentido ni se le espera. No es más que una sucesión de es-
cenas sin mucho sentido, metidas con calzador en ese universo, sin respetar
los cómics originales (que tenían un guionista tan interesante como Larry Ha-
ma, ni más ni menos) y con unas escenas de acción más bien vulgares y mon-
tadas de una forma en la que no se ve casi nada, por no hablar del abuso del
plano largo. En demasiados momentos la película no consigue ni entretener y
abusa de la buena voluntad del espectador. Hay diálogos que son criminales.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene algo de las dos películas de G. I. Joe
previas, aunque está muy alejada de ellas. En el fondo recuerda a cosas como
Ninja Assassin.
EN CONCLUSIÓN Fallido spin-off que desaprovecha al personaje más co-
nocido y querido de la franquiia con una película mediocre que no está a su al-
tura. J.U.






GARCÍA Y GARCÍA
España, 2021; Dirección: Ana Murugarren; Fotografía: Albert Pascual; Guion: Ana Murugarren, Ana
Galán y Carlos Lamela; Música: Aitzol Saratxaga; Intérpretes: José Mota (Javier García), Pepe Viyuela
(Javier García), Eva Ugarte (Cloe), Carlos Areces (Dario); Duración: 98 min.; Estreno en España: 27-8-
2021; Distribuye: A Contracorriente.
SINOPSIS Dos hombres con el mismo nombre, pero vidas totalmente dis-
tintas, llegan a trabajar a una compañía aérea low cost en horas bajas, pero al
llegar son confundidos y uno acaba en el puesto de trabajo del otro, lo que lle-
vará a un peculiar caos que cambiará la vida de todos.
PARA RECORDAR Es divertida y tiene un espíritu de tebeo español cerca-
no a Ibáñez que funciona durante casi todo el relato, la verdad. Es una película
muy sencilla en su armazón que cumple con lo que promete durante casi todo
su relato, humor efectivo y directo, especialmente mucha comedia física don-
de tan bien se desenvuelven los protagonistas, José Mota y Pepe Viyuela, aña-
diendo enredos y un punto de locura que aleja todo de la realidad para situarlo
en un plano distante donde todo es posible, como en esa fiesta o el final en el
aeropuerto. Hay nombres muy interesantes en el relato, como Carlos Areces,
Martita de Graná, Jordi Sánchez o una genial Eva Ugarte.
PARA OLVIDAR A veces es salvaje y a veces es demasiado blanda y se
diluye. No entra a fondo en el humor bizarro y disparatado que propone a ratos
y ahí es cuando se cae la película. Hay miembros del reparto totalmente desa-
provechados en pequeños cameos que prometen muchísimo más de lo que
acaban mostrando, como Antonio Resines o Ramón Barea. La historia es tan
sencilla que a veces peca de torpe y carece de interés, y eso hace que uno
pueda desconectar en su sucesión de gags, no todos acertados.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A mí me ha recordado a Mortadelo y File-
món, pero mucho más contenida. Aunque comparte esa esencia.
EN CONCLUSIÓN Divierte y hace reír, apenas dura 100 minutos y cumple
con lo que ofrece sin engañar. J.U.






 REMINISCENCIA
(Reminiscence)
EE UU, 2021; Dirección: Lisa Joy; Fotografía: Paul Cameron; Guion: Lisa Joy; Música: Ramin Djawadi;
Intérpretes: Hugh Jackman (Nick Bannister), Rebecca Ferguson (Mae), Thandiwe Newton (Emily
'Watts' Sanders), Cliff Curtis (Cyrus Boothe); Duración: 116 min.; Estreno en EE UU: 20-8-2021;
Estreno en España: 27-8-2021; Distribuye: Warner Bros.
SINOPSIS En un futuro cercano con Miami inundada, un veterano de gue-
rra tiene un negocio que ayuda a sus clientes a revivir sus recuerdos. Cuando
una extraña mujer aparezca en su vida, verá cómo todo su mundo se tambalea
intentando descubrir quién es ella.
PARA RECORDAR Lisa Joy tiene mucho talento, lo lleva demostrando du-
rante años, y aquí con un presupuesto mayor muestra su buen pulso narrativo,
su potente estilo visual y su gusto por el cine negro y la ciencia ficción. Tiene
momentos visuales imponentes (la presentación, el tiroteo, la pelea) y un re-
parto que acompaña esa acción y la respalda con más que credibilidad, lidera-
do por Hugh Jackman, pero con nombres tan interesantes como Thandiwe
Newton (dueña y señora de cada escena en la que aparece) o Rebecca Fergu-
son. La película tiene ritmo y nunca aburre, sabe dosificar el misterio y la ac-
ción para ser una acompañante perfecta de las otras obras de Joy y de la fa-
milia Nolan, a la que tan ligada está la película.
PARA OLVIDAR El guion no cumple con lo que podíamos esperar de una
guionista con el talento de Joy. Se centra tanto en el romance que cansa y
edulcora todo. Y eso le resta tiempo a las explicaciones más sencillas y cohe-
rentes de la historia que nos cuentan. Personajes que hacen cosas porque sí,
otros que surgen de la nada, otros que nadie sabe muy bien lo que están ha-
ciendo…, hay momentos que son terribles en ese sentido.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene mucho de Origen y Westworld, pero
es inferior a la serie y a la película, honestamente.
EN CONCLUSIÓN Es un buen arranque, pero lo que prometía Lisa Joy era
más, que por desgracia es un tipo de cine que cada vez se ve menos. J.U.






SHANG-CHI Y LA LEYENDA DE LOS DIEZ ANILLOS
(Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings)
EE UU, 2021; Dirección: Destin Daniel Cretton; Fotografía: Bill Pope; Guion: Dave Callaham, Destin
Daniel Cretton y Andrew Lanham; Música: Joel P West; Intérpretes: Simu Liu (Shaun / Shang-Chi),
Awkwafina (Katy), Tony Chiu-Wai Leung (Xu Wenwu), Michelle Yeoh (Ying Nan); Duración: 132 min.;
Estreno en EE UU: 3-9-2021; Estreno en España: 3-9-2021; Distribuye: Disney; Reportaje en Nº 2109
SINOPSIS Shaun, un joven aparcacoches de hotel, se ve obligado a en-
frentarse a su pasado y volver a retomar el contacto con la sociedad de los
Diez Anillos que le convirtió en un asesino.
PARA RECORDAR Buen arco de desarrollo de protagonista y antagonista,
así como humanización y justificación de las acciones del antagonista, que
además está muy bien servido por un actor más que solvente. El antagonista
tiene un arco de giros curioso con el que gana en interés. Resuelven bien la
relación del protagonista con su socia de aventuras. Awkwafina es además un
eficaz recurso de humor que equilibra la parte dramática, incorporando la vi-
sión más cínica y escéptica de los espectadores. Buena utilización del flash-
back: no frena la historia y, en paralelo con la línea argumental principal, apor-
ta información y va marcando los cambios en el tono de la historia hacia su
parte más oscura. Repara antiguos errores o cuentas pendientes del universo
Marvel en cine, y va bien de ritmo con la incorporación de personajes en mo-
mentos clave y buena resolución y dosificación de las secuencias de acción y
artes marciales.
PARA OLVIDAR Han pasado olímpicamente del personaje clásico original,
de todo su interesante contexto y mitología adaptado de las novelas de Sax
Rohmer sobre Fu-Manchú, la clave de espionaje y demás. Se acogen a las
versiones más recientes del Shang-Chi en el cómic (ojo: la película es mejor
que las últimas viñetas del héroe). Reincide en el tema del pecado de los pa-
dres.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Pantera Negra, Doctor Extraño, Viuda Ne-
gra.
EN CONCLUSIÓN Buena película de acción y aventuras. M.J P.






CANDYMAN
EE UU, 2021; Dirección: Nia DaCosta; Fotografía: John Guleserian; Guion: Jordan Peele, Win
Rosenfeld y Nia DaCosta; Música: Robert Aiki Aubrey Lowe; Intérpretes: Yahya Abdul-Mateen II
(Anthony McCoy), Teyonah Parris (Brianna Cartwright), Nathan Stewart-Jarrett (Troy Cartwright),
Colman Domingo (William Burke); Duración: 91 min.; Estreno en EE UU: 27-8-2021; Estreno en
España: 27-8-2021; Distribuye: Universal; Reportaje en Nº 2109
SINOPSIS Un artista en plena crisis de creatividad regresa a la ciudad
donde nació, para enfrentarse con su pasado. El hombre sufrió una experien-
cia traumática cuando era simplemente un bebé, en un complejo de viviendas
deprimidas de la urbe de Chicago. Tras investigar un poco, el pintor descubre
que su falta de inspiración plástica podría alcanzar su fin a través de un crimi-
nal legendario, llamado Candyman.
PARA RECORDAR Nia DaCosta consigue recuperar, e incluso mejorar, el
espíritu de la cinta original de 1992. La directora neoyorquina pasa de punti-
llas por el violento linchamiento que padeció Candyman en el siglo XIX, y cen-
tra el argumento en la época actual; lo que aporta verosimilitud a un relato
bien escenificado, y con notables escenas de terror.
PARA OLVIDAR La incoherente actuación de algunos personajes, que
consiguen exhibir los puntos más artificiales y débiles de un guion demasiado
empeñado en hilar los acontecimientos ocurridos en la película de 1992. Por
otro lado, la fórmula de inclinar el peso del filme sobre la figura del pintor Ant-
hony McCoy deja sin suficiente peso dramático muchas de las secuencias re-
lacionadas con los crímenes ajenos al protagonista (por ejemplo, la muerte de
las chicas del instituto es un inciso macabro totalmente prescindible).
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La saga de Candyman.
EN CONCLUSIÓN Ingenioso acercamiento de Nia DaCosta a la franquicia
de Candyman. No obstante, la directora no logra exponer con suficiente con-
tundencia el elemento de denuncia racial, imprescindible en las películas an-
teriores. Pese a todo, el largometraje acierta con su tétrica puesta en escena,
y con los constantes cambios entre la realidad y la ficción. Parte de los mejo-
res momentos del filme se encuentran las recreaciones con marionetas, algo
que recuerda a Drácula, de Francis Ford Coppola. J.M.






AFTER. ALMAS PÉRDIDAS
(After We Fell)
EE UU, 2021; Dirección: Castille Landon; Fotografía: Rob Givens y Joshua Reis; Guion: Anna Todd y
Sharon Soboil; Música: George Kallis; Intérpretes: Josephine Langford (Tessa), Hero Fiennes Tiffin
(Hardin), Arielle Kebbel (Kimberly), Mira Sorvino (Carol); Duración: 99 min.; Estreno en EE UU: 3-9-
2021; Estreno en España: 3-9-2021; Distribuye: Diamond Films.
SINOPSIS Tras reencontrarse con una persona muy importante de su pa-
sado, Tessa decide seguir adelante con su nuevo trabajo y mudarse a Seattle,
lo que generará tensiones con Hardin, con quien Tessa tendrá más de un en-
contronazo que podría acabar con la relación.
PARA RECORDAR La presencia de Mira Sorvino, Stephen Moyer o Arielle
Kebbel es refrescante y aporta algo de peso al reparto…
PARA OLVIDAR Aunque esa presencia tenga que ver con sustituciones en
el reparto que vienen sin mucha explicación. Y ese es el menor de los proble-
mas, porque la película no funciona jamás y se convierte en un desastre de
inicio a fin que, nuevamente, ofrece a los jóvenes espectadores una serie de
comportamientos tóxicos y peligrosos como normales y justificables. El perso-
naje sigue siendo un niño mimado, violento, narcisista y peligroso, que solu-
ciona los problemas a golpes o causando daño. El guion abraza eso y lo justifi-
ca, olvidándose de crear una historia para los personajes. Lo único que desea
es llevarnos de una escena de pelea a la siguiente de reconciliación y sexo (al-
gunas de las peores escenas de sexo vistas en años están en esta película),
para saltar a otra pelea. Algunas con los motivos más peregrinos. Los actores
protagonistas siguen sin tener química o mostrar talento, pero además la di-
rección es plana y a veces terrible, sin cuidar ni el más mínimo detalle de con-
tinuidad, como el pelo de la protagonista y sus cambios continuos de color.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Para fans de los libros y las películas ante-
riores. Ha convertido en excelente la saga Crepúsculo y, además, nos hace
añorar 50 sombras de Grey.
EN CONCLUSIÓN Es mala, y solo algunos nombres son rescatables. Mal
dirigida, mal interpretada y sobre todo muy mal escrita. J.U.






 EL TUBO
(Méandre)
Francia, 2020; Dirección: Mathieu Turi; Fotografía: Alain Duplantier; Guion: Mathieu Turi; Música:
Frédéric Poirier; Intérpretes: Gaia Weiss (Lisa), Peter Franzén (Adam), Romane Libert (Nina), Frédéric
Franchitti (Adam brûlé); Duración: 90 min.; Estreno en Francia: 26-5-2021; Estreno en España: 3-9-
2021; Distribuye: A Contracorriente.
SINOPSIS Una joven es recogida en una carretera por un extraño y acaba
metida en un laberinto con forma de tubo donde debe superar una serie de
pruebas para sobrevivir.
PARA RECORDAR Mejor en su primera media hora, paradójicamente
cuando parece más mimética de otras propuestas previas (ver punto “Te gus-
tará si te gustó…”) que cuando realmente empieza a desarrollar su propia
identidad y pincha a la hora de buscar explicaciones obvias o escapistas fáci-
les a su argumento para diferenciarse de sus antecedentes.
La fusión de géneros, terror más ciencia ficción, le funciona en princi-
pio, mezclando recursos puntualmente gores con la intriga de supervivencia.
PARA OLVIDAR Se pone intensa. Intenta ser un relato de reflexión exis-
tencial dando consejitos muy obvios sobre cómo afrontar la pérdida y acaba
convirtiéndose en una sucursal de libro de autoayuda sadomasoquista con
metáforas muy obvias: las amenazas que materializan los miedos, los cuatro
elementos, la superación de los propios complejos, la elección entre mante-
nerse atado al pasado o mirar hacia el futuro, vivir, morir, tal vez soñar…
Se desfonda en su tercer acto.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Cóctel mezclando Enterrado (Rodrigo Cor-
tés, 2010), Cube (Vincenzo Natali, 1997), Saw (James Wan, 2004) y la ñoñería
filosófica del renacimiento de Gravity (Alfonso Cuarón, 2013).
EN CONCLUSIÓN Entretenida, astuta en su incorporación de elementos
para el cruce de géneros, pero equivocada en su registro y con aspiraciones
de edificar serie A cuando en realidad es de arriba abajo un producto de serie
B no del todo original y no falta de valor para zambullirse en la piscina de fies-
ta de suspense y golpes de efecto que él mismo ha creado. M.J P.






LAZOS
(Lacci)
Italia y Francia, 2020; Dirección: Daniele Luchetti; Fotografía: Ivan Casalgrandi; Guion: Domenico
Starnone, Daniele Luchetti y Francesco Piccolo; Intérpretes: Alba Rohrwacher (Vanda pasado), Luigi
Lo Cascio (Aldo pasado), Laura Morante (Vanda presente), Silvio Orlando (Aldo presente); Duración:
100 min.; Estreno en Italia: 30-9-2020; Estreno en España: 17-9-2021; Distribuye: Caramel
SINOPSIS Aldo y Vanda afrontan una demoledora crisis matrimonial. La
infidelidad confesa de él ha abierto una grieta demasiado profunda en la rela-
ción de la pareja, hasta el punto de plantearse la separación. Sin embargo,
Vanda no está dispuesta a tirar la toalla, y presiona a Aldo con los dos hijos
que ambos tienen en común. Algunas décadas después, Aldo y Vanda siguen
juntos, aunque no muestran el más mínimo afecto entre ellos, y solo les que-
dan los reproches mutuos.
PARA RECORDAR El milimétrico empeño del cineasta Daniele Luchetti
para capturar cada momento y gesto, compartidos en la historia agreste de la
pareja protagonista. El responsable de La amiga estupenda mantiene una ex-
celente y minimalista técnica audiovisual, con la que retrata al taimado Aldo y
a la vengativa Vanda. Y el resultado es como un diario secuenciado de la ani-
quilación progresiva de un matrimonio, en el que sobresalen las convincentes
caracterizaciones de Luigi Lo Cascio (Aldo, de joven) y de Alba Rohrwacher
(Vanda, de joven).
PARA OLVIDAR El tono ralentizado que utiliza Luchetti, para contar la pe-
lícula, puede causar exasperación en muchos momentos del metraje. Una
sensación que potencia el hecho de que el filme no aporte revelaciones espe-
cialmente sorprendentes, y todo quede resuelto de manera un tanto velada.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El gran referente que gravita sobre Lazos
es la excelente crónica conyugal elaborada por Ingmar Bergman en Secretos
de un matrimonio. Incluso podría aventurarse que la película de Luchetti es
como la versión italiana de la cinta del cineasta sueco.
EN CONCLUSIÓN Interesante ejercicio de introspección personal, que eje-
cuta con imaginación hiperrealista Daniele Luchetti. Desde el inicio falsamente
divertido, rodado en una fiesta entre padres e hijos, la tragedia cotidiana se
masca entre los fotogramas. J.M.





GUNPOWDER MILKSHAKE (CÓCTEL EXPLOSIVO)
(Bloody Milkshake)
Francia, 2021; Dirección: Navot Papushado; Fotografía: Michael Seresin; Guion: Navot Papushado y
Ehud Lavski; Música: Haim Frank Ilfman; Intérpretes: Karen Gillan (Sam), Lena Headey (Scarlet), Carla
Gugino (Madeleine), Michelle Yeoh (Florence); Duración: 114 min.; Estreno en Francia: 21-7-2021;
Estreno en España: 10-9-2021.
SINOPSIS Una asesina a sueldo se enfrenta a sus antiguos empleadores
cuando incumple sus órdenes en una misión, lo que la llevará a convertirse en
la más perseguida de su organización.
PARA RECORDAR El reparto lo es todo, y lo mejor, lo que sujeta todo el
edificio de un guion que empieza más interesante que acaba, haciendo un ho-
menaje al cine negro en clave de modernización de la estética del género por
el camino que trazara Sin City, pionera en la desubicación geográfica y el paso
al tratamiento visual de clave fantástica, tipo “limbo”, para potenciar la com-
ponente onírica y sus alardes freudianos. Karen Gillan mantiene la primera
parte y es socorrida cuando su personaje está ya agotado por la inyección de
refuerzo que proponen Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela
Bassett.
PARA OLVIDAR Reparto desaprovechado en esquematismo que marca la
película tanto en definición de los personajes más allá de la anécdota, repleta
por otro lado de tópicos y poco original si atendemos a todos los títulos prece-
dentes de los que no parece capaz de despegarse para encontrar su propia
identidad, por ejemplo, los que citamos a continuación.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Víctima de la emulación de lo más superfi-
cial de una mala digestión del cine de Quentin Tarantino, mezclada en cóctel
ciertamente explosivo con un reciclado o copia compactada en una sola pelí-
cula de las tres primeras películas de la saga de John Wick, y fusionada con
una especie de intento de marca blanca de Aves de presa (y la fantabulosa
emancipación de Harley Quinn), no alcanza a emular Atómica.
EN CONCLUSIÓN Entretiene, pero no convence. M.J P.






¿QUIÉN ES QUIÉN?
(Le sens de la famille)
Francia y Bélgica, 2020; Dirección: Jean-Patrick Benes; Fotografía: Gilles Porte; Guion: Jean-Patrick
Benes, Martin Douaire y Antoine Gandaubert; Música: Christophe Julien; Intérpretes: Alexandra Lamy
(Sophie), Franck Dubosc (Alain), Christiane Millet (Mamie Thérèse), Rose de Kervenoaël (Chacha);
Duración: 100 min.; Estreno en Francia: 30-6-2021; Estreno en España: 10-9-2021; Distribuye:
DeAPlaneta.
SINOPSIS Una familia en crisis sufre un extraño fenómeno por el cual sus
miembros intercambian los cuerpos durante la noche y despiertan al día si-
guiente en pleno caos de personalidades.
PARA RECORDAR La más joven del reparto, Rose de Kervenoaël, es la
mejor junto con el “poni” y la abuela, Christiane Millet, por ese orden. La pre-
misa argumental de partida proporciona alguna que otra sonrisa.
PARA OLVIDAR Le falla la falta de ganas de meterse a fondo con el ver-
dadero potencial del argumento. Un ejemplo: el tema del tráfico en el asilo de
ancianos. Otro ejemplo: las aventuras de la abuela y el nieto en el cuerpo de la
abuela. O en cualquier otro cuerpo, ya puestos, porque es un gamberro con
mucho potencial… totalmente desperdiciado.
Imaginen este mismo asunto en manos de comediantes españoles. Se
lía muy parda, se abrazaría el caos, en lugar de imponerse ese discursillo final
buenista sobre los valores de la verdadera familia, que como reflexión es del
todo a un euro. El caos cómico, las posibles carcajadas, quedan estranguladas
antes de nacer por un enredo de pincelada sentimentaloide y ataque de cuer-
nos que corta totalmente el rollo y resulta bastante postizo, metido con calza-
dor. Lo mismo vale para el enredo del periódico: mal planteado, peor resuelto.
Tampoco aprovecha las posibilidades más gamberras del encuentro marido y
amante: hace elipsis y mete cancioncilla.
Además, sin respaldo de guion, los papeles de padre y madre fallan, y
los actores no pueden evitar estar por debajo de lo necesario al defenderlos.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Una familia de alquiler, ¡Este cuerpo no es
el mío!, Ponte en mi lugar.
EN CONCLUSIÓN Floja. M.J P.






 MALIGNO
(Malignant)
EE UU, 2021; Dirección: James Wan; Fotografía: Michael Burgess; Guion: Ingrid Bisu, James Wan y
Akela Cooper; Música: Joseph Bishara; Intérpretes: George Young (Kekoa Shaw), Annabelle Wallis
(Madison Mitchell), Maddie Hasson (Sydney Lake), Jake Abel (Derek Mitchell); Duración: 111 min.;
Estreno en EE UU: 10-9-2021; Estreno en España: 3-9-2021; Distribuye: Warner Bros; Reportaje en
Nº 2109
SINOPSIS Tras un incidente en su hogar, que acaba en tragedia, una
mujer empieza a tener visiones que la ligan a los asesinatos cometidos por
un ser de aspecto sobrenatural, que podría estar ligado a Gabriel, su amigo
invisible de la infancia.
PARA RECORDAR La nueva película de James Wan, una suerte de ho-
menaje a la serie B ochentera de terror, es un relato que tiene las trazas vi-
suales de su creador, una elegancia en la mayoría de sus planos, en el uso
de los efectos visuales o hasta en las coreografías. Wan sabe dirigir cine de
terror y lo demuestra en casi cada plano. Contar con Annabelle Wallis de
protagonista siempre ayuda. La actriz es una más que sólida intérprete y la
lástima es que el guión no esté a la altura de lo que ella es capaz de ofrecer.
PARA OLVIDAR Ese es su mayor problema, un guión que no hay por
dónde cogerlo y que, simplemente, es malo. Ni abraza por completo desde
el inicio, el género al que quiere homenajear, (convirtiéndose en el dispa-
rate dantesco que es su tercio final) ni tiene ningún tipo de poso para ser
tomada en serio, pero ella si se toma en serio a sí misma en sus larguísi-
mos 110 minutos de montaje. Música estridente, montaje caótico, perso-
najes de cartón piedra… todo eso hace imposible que esa seriedad au-
toimpuesta, pueda calar, y hace que la película caiga en momentos
ridículos más a menudo de lo que debería. Es un batiburrillo de ideas inco-
nexas que no funcionan. Y la sorpresa es muy predecible
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La idea recuerda en ciertos momentos a
Basket Case, pero sin el sentido del humor de aquella.
EN CONCLUSIÓN Una de las películas más flojas de la carrera de Ja-
mes Wan. J.U.






DUNE
EE UU, 2021; Dirección: Denis Villeneuve; Fotografía: Greig Fraser; Guion: Jon Spaihts, Denis
Villeneuve y Eric Roth; Música: Hans Zimmer; Intérpretes: Timothée Chalamet (Paul Atreides),
Rebecca Ferguson (Lady Jessica), Oscar Isaac (Duke Leto Atreides), Josh Brolin (Gurney Halleck);
Duración: 155 min.; Estreno en EE U U: 22-10-2021; Estreno en España: 17-9-2021; Distribuye:
Warner Bros.
SINOPSIS Los atreides se hacen cargo del planeta Arrakis, antes gober-
nados por sus enemigos, los harkonnen.
PARA RECORDAR Adaptación modélica de traslado al cine de la novela
de Frank Herbert, manteniendo fidelidad al espíritu del original literario, al mis-
mo tiempo que logra ser totalmente fiel a sus propios intereses temáticos co-
mo director/autor y defiende su territorio de estilo y visión del cine, elaborando
un visualmente deslumbrante y narrativamente muy eficaz producto de super-
producción.
Total eficacia en la fusión de géneros que nos lleva desde el terror a la
intriga o la ciencia ficción en un paisaje de aventura que ajusta la deuda pen-
diente de la novela de Frank Herbert con la película de David Lean Lawrence
de Arabia.
Total eficacia a la hora de elegir qué abordar y qué dejar fuera de esta
primera parte de la novela de Frank Herbert, supera claramente la propuesta
de la adaptación de David Lynch de los años ochenta.
PARA OLVIDAR Nada. Es cierto que no adapta toda la novela de Herbert y
queremos ver la segunda parte, pero ha sabido en qué momento hacer el cor-
te para completar el viaje de Paul Atreides, aunque no entre en el viaje de Paul
Muab’Dib o en el viaje de Usul, las otras identidades del personaje. Por otra
parte, hay otro ejemplo de obra maestra de la historia del cine, Napoleón, de
Abel Gance, que se quedaba en el momento en que el protagonista de hace
cargo del ejército de Italia.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La llegada, Blade Runner 2049, completan
una interesante trilogía de ciencia ficción en el cine.
EN CONCLUSIÓN Los aficionados se merecen poder ver la segunda pelí-
cula. M.J P.






BLUE BAYOU
EE UU y Canadá, 2021; Dirección: Justin Chon; Fotografía: Ante Cheng y Matthew Chuang; Guion:
Justin Chon; Música: Roger Suen; Intérpretes: Justin Chon (Antonio), Alicia Vikander (Kathy), Mark
O'Brien (Ace), Randy Austin (TSA Officer); Duración: 119 min.; Estreno en EE UU: 17-9-2021; Estreno
en España: 10-9-2021.
SINOPSIS Un adoptado que llegó a Estados Unidos desde Corea siendo
niño y lleva 30 años en el país se arriesga a ser deportado y separado de su
familia.
PARA RECORDAR Puro galimatías kafkiano en lo referido a la situación
del protagonista, tiene valor como toque de atención sobre el problema de los
adoptados deportados en Estados Unidos, una trituradora burocrática de vidas
y familias, y cuenta con su mejor elemento con la contribución de Alicia Vikan-
der.
Cuando se le pilla el punto al registro eminentemente melodramático se
digiere mejor.
PARA OLVIDAR El ir y venir del drama al melodrama, dominando final-
mente este último, puede despistar al espectador. Tiene momentos más sóli-
dos y de corte intimista que son lo mejor de la película, pero siempre elige dar
otra vuelta de tuerca, no solo argumental, sino incluso visual, ejercicio precio-
sista de la fotografía o recurso poético visual en las repetitivas secuencias de
la madre del protagonista en el lago, y acaba en postal melodramática. La in-
troducción de la historia de la mujer vietnamita es más interesante que el en-
redo que tiene montado el protagonista con su esposa norteamericana, a pe-
sar de la eficacia de Vikander. El personaje del marido es interesante, integra
otra mirada a lo que ocurre, pero su compañero es un topicazo de antagonista
obvio que acaba restándole.
En el desenlace, empieza bien, contenida, pero estalla en desgarro
pasado de vueltas.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Justin Chon apuntaba maneras de Spike
Lee con Gook (2017), que era mejor, pero aquí se inclina más hacia su otra
película, Ms. Purple (2019).
EN CONCLUSIÓN Eficaz como melodrama. M.J P.






WORTH
EE UU, 2020; Dirección: Sara Colangelo; Fotografía: Pepe Ávila del Pino; Guion: Max Borenstein;
Música: Nico Muhly; Intérpretes: Michael Keaton (Ken Feinberg), Stanley Tucci (Charles Wolf), Amy
Ryan (Camille Biros), Tate Donovan (Lee Quinn); Duración: 118 min.; Estreno en EE UU: 3-9-2021;
Estreno en España: 10-9-2021; Distribuye: Vértigo.
SINOPSIS Tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 se hace ne-
cesario ajustar una cantidad para el fondo de indemnización de afectados y fa-
miliares de las víctimas para evitar demandas masivas que podrían poner en
jaque a la economía.
PARA RECORDAR Michael Keaton encuentra otro papel para lucirse como
un abogado en vías de redención a través de su contacto con la tragedia de
las víctimas. Lo respaldan con singular eficacia Stanley Tucci y Amy Ryan sir-
viendo como una especie de voces de la conciencia para el gestor que busca
la eficacia en el reparto de indemnizaciones.
Bien desde las claves de la dirección y presentación de la trama volcada
en diálogos, actores, planos medios y primeros planos, con dosificación de los
planos generales y exteriores para momentos claves en el progreso de la tra-
ma, y trabajando luz y encuadres en interiores para exteriorizar las distintas
fases emocionales y conflictos por los que pasan los protagonistas.
Buen ritmo: dura dos horas, pero nunca baja de interés y acaba produ-
ciendo la sensación de ser una película de hora y media. Me gusta el trata-
miento serio y sobrio a la hora de mostrar o aludir a los atentados solo lo justo
y necesario, sin dejarse arrastrar por lagrimeo fácil.
Ojo, el personaje más interesante es el de Amy Ryan, aunque no sea el
más protagonista.
PARA OLVIDAR Quizá el personaje de Tucci requería algo más de prota-
gonismo para que no quede todo desde el punto de vista más simplificador de
la metáfora de redención y cambio del personaje de Keaton.
TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Spotligh (2015), Aguas oscuras (2019),
Bad Education (2019).
EN CONCLUSIÓN Es una película para público adulto de tema social.
M.J P.






Series de T.V. BLACK LIGHTNING
FICHA TÉCNICA
Creador: Salim Akil, basado en el personaje de DC creado por Tony Isabella y Trevor von
Eeden.
Género: Superhéroes.
Música: Tema principal “Black Lightning” de Godholly.
Emisión en EE UU: 16 de enero de 2018-24 de mayo de 2021, The CW.
Emisión en España: 23 de enero de 2018-29 de junio de 2021, Netflix.
Reparto: Cress Williams (Jefferson Pierce/Black Lightning), China Anne McClain (Jennifer
Pierce/Lightning), Nafessa Williams (Anissa Pierce/Thunder/Blackbird), Christine Adams (Lynn
Stewart), Marvin Jones III (Tobias Whale), Damon Gupton (Bill Henderson), James Remar (Peter
Gambi), Jordan Calloway (Khalil Payne), Chantal Thuy (Grace Choi).
Sinopsis: Jefferson Pierce es el director de un instituto que intenta cambiar las cosas y mejo-
rarlas para sus alumnos, en mitad de una ciudad que se deshace en pedazos a causa del cri-
men y la delincuencia que controlan las calles sin que nadie haga nada por evitarlo. Pero
Jefferson es más que un simple profesor. En un tiempo no muy lejano fue el superhéroe Black
Lightning, una esperanza para la comunidad que abandonó su carrera como vigilante para estar
con su familia. Ahora quizá él sea la única esperanza de la ciudad… ¿o hay alguien más que
pueda surgir a su sombra?
• Black Lightning es uno de esos personajes que en principio
podían haber pasado completamente desapercibidos para el mundo
pese a su enorme potencial y su trasfondo, pero que fue logrando
salir a la superficie con el paso del tiempo y convertirse quizá no en
uno de los personajes más importantes, pero sí en un imprescindi-
ble, un habitual de DC que alcanzó cierta notoriedad gracias a ser
parte de los Outsiders, el grupo que Batman lideró un tiempo y que
contaba con personajes como Katana o Metamorpho entre sus filas,
además de Jefferson Pierce, capaz de controlar hasta cierto punto la
electricidad. Su presencia en aquella serie le llevó a ser secundario
un tiempo en Superman, por ejemplo, donde ocupó un papel primor-
dial en la etapa de Lex Luthor como presidente de Estados Unidos.
Pese a eso y a alguna serie que protagonizó puntualmente, no pare-
cía el personaje por el que más pudiese apostar una cadena para
lanzar una serie de televisión.
• Greg Berlanti, el auténtico responsable del Arrowverso en The
CW, llevaba un tiempo intentando que las cadenas se interesasen
por Black Lightning, creada por Salim Akil, un creador de contenido
que había trabajado como guionista de Soul Food o como productor
de Being Mary Jane. En 2016, con el guion del piloto bajo el brazo,
empiezan a ofrecerlo a distintas cadenas hasta que Fox compra la
idea y produce un piloto que no llega a funcionar. Según la cadena,
la serie no era lo que esperaban y tenían ya demasiados dramas en
antena. Por eso, comenzó la búsqueda de un nuevo hogar, lo que lle-
vó a The CW, una cadena en la que Berlanti tenía muchas produccio-
nes y varias de ellas de DC. La cadena vio potencial en la serie y dio
luz verde al proyecto a mediados de 2017.
• Pese a ser un personaje de DC y pese a estar en cierto senti-
do ligada al Arrowverso, la serie es completamente distinta a lo que
nos encontramos en The Flash, Arrow o Supergirl. Más allá del hecho
de que el protagonista sea afroamericano, la serie contaba con un lí-
der que era padre, divorciado y con dos hijas ya creciditas, porque el
interés de la serie no era el mundo juvenil (aunque la serie lo visita-
ba continuamente con las hijas), sino la figura de ese padre que fue
superhéroe y casi muere en el intento, y que ante la situación actual
decide volver a una vida que le trajo más pena que gloria. La figura
de un padre no ausente ni fracasado llamó la atención del guionista,
porque huía del tópico de muchos personajes afroamericanos en ci-
ne y televisión que horrorizaba al cre-
ador de la serie.
• La serie era una producción
de Berlanti y podía ser parte del
Arrowverso, como el resto de produc-
ciones de la cadena de DC Comics,
pero inicialmente los responsables de
la serie decidieron que, debido al to-
no tan distinto entre las producciones
del universo compartido y Black
Lightning, era mejor que esta se cen-
trase en sí misma y en encontrar su
voz antes de caminar junto al resto.
Por eso, pese a los guiños a persona-
jes como Supergirl o Vixen, estaba
ambientada en una Tierra paralela
distinta a Tierra 1 ( Arrow , The
Flash…) o Tierra 38 (Supergirl). OJO
SPOILER. [Tras años dudando sobre
el tema, la serie entró a formar parte
del Arrowverso como miembro de
pleno derecho tras el crossover Crisis
en tierras infinitas, que veía unificar-
se los universos paralelos en la lla-
mada Tierra Prime]. FIN SPOILER.
• Aunque es una serie diferente,
que además se ganó el favor de la
crítica, aunque su tono fuese maduro
y amargo, hablando del racismo en-
démico, de la lucha social, de la corrupción, de la paternidad, del le-
gado…, temas diferentes al resto de series DC, la serie concluyó
tras su cuarta temporada. Hubo planes para lanzar un spin-off cen-
trado en el personaje de Jordan Calloway, con un backdoor pilot en
la serie original. Pero esos planes fueron descartados finalmente por
The CW en mayo de 2021.
• Cress Williams es el protagonista de mayor edad de una serie
de superhéroes hasta la fecha, llegando al papel con 47 años. En ci-
ne le supera Ron Perlman, que fue Hellboy con 54 años por primera
vez. La serie está rodada en Atlanta, Georgia, y también deja claro
que se ambienta allí, alejándose de los lugares de rodaje comunes
de Hollywood y de ambientaciones en ciudades más conocidas. Ade-
más de eso, a partir de la segunda temporada, la serie unía sus ar-
cos dramáticos en grupos de episodios o libros (books) como home-
naje a la forma de narrar historias en los cómics. Esa forma de
narrar en dos, tres o cuatro episodios, comenzaba en la segunda
temporada con el Libro de las consecuencias (Book of Consequen-
ces).
J. U.
 ED ASNER
(YITZHAK EDWARD ASNER)
15 de noviembre de 1929, Kansas City, Misuri, EE. UU.-29 de agosto de
2021, Tarzana, California, EE. UU.
FILMOGRAFIA SELECTA
1957.– Studio One (serie de TV); 1962.– Alfred Hitchcock presenta (se-
rie de TV), Piso de lona; 1962-1963.– Los Intocables (serie de TV); 1963.– El
Virginiano (serie de TV), Rumbo a lo desconocido (serie de TV); 1965.– Viaje al
fondo del mar (serie de TV), Estación 3, ultrasecreto, La vida vale más; 1966.–
El Dorado, La ley del revólver (serie de TV), Intriga en Venecia, El vuelo fatídi-
co (película para TV); 1969.– Misión: Imposible (serie de TV), Cambio de hábi-
to, Fruto de la imaginación (película para TV); 1970-1972.– Patrulla juvenil
(serie de TV); 1970.– Odio en las aulas, Ahora me llaman Mr. Tibbs, Testigo
del crimen (película para TV), Do Not Throw Cushions into the Ring; 1970-
1977.– La chica de la tele; 1971.– Los trotamundos, El día que requisaron a
los niños (película para TV), Los asesinatos de Todd; 1973.– La muchacha
más parecida a… (película para TV); 1974.– The Wrestler; 1975.– Gritos de
muerte (película para TV); 1976.– Hombre rico, hombre pobre (miniserie),
Gus. 1977.– Raíces (miniserie); 1977-1982.– Lou Grant (serie de TV). 1979.–
Padre de familia (película para TV); 1981.– Distrito Apache, La víctima no era
importante. 1982.– El cielo puede esperar, pero la mujer de O’Hara no;
1983.–Daniel; 1984-1985.– Off the Rack (serie de TV); 1985.– Suave es la
noche (serie de TV); 1986.– Constantes vitales (película para TV), El secreto
de Kate (película para TV), La estrella de Navidad; 1987.– Enganchados (pelí-
cula para TV); 1988.– Amistad en Viena (película para TV); 1987-1988.– The
Bronx Zoo (serie de TV); 1989.–
Blancanieves y el castillo encantado
(solo voz); 1990.– Ni un penique
más, ni un penique menos (película
para TV), Policías sin ley (película pa-
ra TV); 1991.– Cambiadas al nacer
(película para TV), Móvil silencioso
(película para TV), JFK: caso abierto;
1992.– Duda cruel (miniserie), Fish
Police (serie de TV); 1991-1992.–
Los casos de Rosie O’Neill (serie de
TV); 1993.– Gipsy (película para TV);
1992-1993.– Al senador, ni caso
(serie de TV); 1994.– De cabeza (pe-
lícula para TV), Higher Education (pe-
lícula para TV); 1992-1994.– Bat-
man: la serie animada (serie de TV,
solo voz); 1994-1995.– El callejón
del trueno (serie de TV); 1990-
1996.–El Capitán Planeta y los pla-
netarios (serie de TV, solo voz);
1994-1996.–Gárgolas, héroes mito-
lógicos (serie de TV, solo voz); 1996.– Desaparecida en la noche (película pa-
ra TV); 1996-1997.– Loco por ti (serie de TV), Gargoyles: The Goliath Chroni-
cles (serie de TV, solo voz); 1997.– Revancha (película para TV); 1995-1997.–
¡Fenomenoide! (serie de TV, solo voz). Academy Boyz, The Fanatics, Basi;
1998.– Hard Rain, Pregúntale a Harriet (serie de TV), Cierra el trato (serie de
TV); 1997-1998.– Zorro (serie de TV, solo voz); 1994-1998.– Spider-Man (se-
rie de TV, solo voz); 1999.– Amor y acción en Chicago, El soltero; 2000.– His-
torias comunes (película para TV), Por encima de la sospecha, Bring Him Ho-
me, Max Steel (serie de TV, solo voz); 1998-2000.– Superman (serie de TV,
solo voz); 2001.– Estoy hecho un animal, Island Prey, Donzi the Legend;
2002.– Juan XXIII: el papa de la paz (película para TV); 2003.– Urgencias (se-
rie de TV), Star Wars: Knight of the Old Republic (videojuego, solo voz), Ofre-
ciendo esperanzas, Elf, The Commission; 1997-2004.– El abogado (serie de
TV); 2004-2005.–Center of the Universe (serie de TV), All In; 2006.– Un héroe
en casa (película para TV); 2006-2007.– Studio 60 (serie de TV); 2007.–Hard
Four; 2008.–Gigantic, Christmas Cottage, Channels. 2009.– The Line (serie de
TV), Up! (solo voz); 2010.– Superman/Batman: Apocalypse (solo voz); 2011.–
All Star Superman: Superman viaja al sol (solo voz), Working Class (serie de
TV), Malas noticias (película para TV), Absolute Killers, Let Go, Identical; 2010-
2011.– El show de Cleveland (serie de TV, solo voz); 2012.– Should’ve Been
Romeo, Elephant Sighs, Solo en casa 5 (vídeo); 2013.– Corazones en llamas
(película para TV), The Glades (serie de TV); 2014.– Audrey, El inventor de
juegos. 2015.– Citizens United; 2016.– Love Meet Hope, Boonville Redemp-
tion; 2011-2017.– Michael: Everyday (serie de TV); 2017.–Joe’s War, In Vino,
Saving Christmas; 2018.– Una última copa, Angels on Tap, Honor Amongst
Men; 2015-2018.– Forgive Me (serie de TV); 2019.– Dead to Me (serie de TV),
The Garden Left Behind; 2020.– MOM: Mothers of Monsters, Briarpatch (serie
de TV), Tiger Within; 2018-2021.– Cobra Kai (serie de TV).
ED ASNER, EL PERIODISTA
Es imposible saber cuánta gente nacida en los setenta y los ochenta,
acabó estudiando periodismo debido a La chica de la tele y Lou Grant, pero se-
guro que son bastantes. Lo curioso es que el propio Ed Asner nacido de inmi-
grantes judíos (su madre era rusa y su padre lituano) acabó estudiando perio-
dismo en la universidad hasta que descubrió lo que ganaba realmente un
periodista de manos de un profesor, momento en el que decidió, en la Univer-
sidad de Chicago, cambiar a arte dramático, debutando en una producción uni-
versitaria en la piel de Thomas Beckett en la obra de T. S. Eliot Asesinato en la
catedral. Abandonó los estudios y trabajó de taxista y en una línea de montaje
de la General Motors, hasta que fue llamado a filas por el Ejército en 1951,
donde estuvo hasta 1953, en el US Army Signal Corps, representando obras
por distintas bases armadas europeas. Al acabar su servicio, fundó en Chicago
la Playwrights Theatre Company, pero se marchó a Nueva York a buscarse la
vida, debutando en el off Broadway con Threepenny Opera. Fue el camino que
necesitaba para comenzar a trabajar en televisión, muchas veces en aquellas
series que representaban obras de teatro, como Studio One, que supuso su
debut en 1957, y que le permitió participar en mayor o menor medida en se-
ries de televisión, desde Jim West a FBI, pasando por Los Intocables, Los de-
fensores, Las enfermeras o Route 66. Algo de talento verían en él si seguían
llamándole y si, gracias a todo ello, llegó a debutar en Broadway en 1960 junto
a Jack Lemmon. Pero no es hasta
mediado de los años sesenta cuando
su carrera empieza a coger veloci-
dad, gracias a películas como La vi-
da vale más o Intriga en Venecia,
pero sobre todo, El Dorado. Tras otra
ronda de películas y series más o
menos interesantes, en 1970, Asner
conseguiría el papel de su vida,
aquel que definiría su carrera y que
le convertiría en el hombre más pre-
miado de la historia de la televisión
con nueve Emmys en total, siete de
ellos por este personaje. Hablamos
de Lou Grant, que comenzó su sin-
gladura en la sitcom La chica de la
tele, para posteriormente conseguir
serie propia como protagonista, en
un spin-off que además cambiaba el
género y se trasladaba al drama.
Doce años interpretando al persona-
je, cinco Emmys en la primera serie,
dos en la segunda, y otros dos por las miniseries Hombre rico, hombre pobre y
Raíces.
MAS ALLA DE LOU GRANT
Pero el personaje no acabó devorando al actor, que supo redirigir su ca-
rrera más allá de Lou Grant. Asner fue presidente en dos ocasiones del Sindi-
cato de Actores (Screen Actors Guild), llevando la lucha política a temas como
la intervención de Estados Unidos en países latinoamericanos. Siempre creyó
que el fin de Lou Grant, pese a sus grandes audiencias, fue debido a su acti-
vismo político. El actor siguió trabajando incansablemente en cine y televisión,
destacando producciones como JFK: caso abierto o sus papeles como actor de
doblaje en series como Spider-Man (donde dio vida a J. J. Jameson) o Gárgo-
las, sin olvidarnos de su memorable papel protagonista en la premiada Up!, de
Pixar. También estuvo en la genial Studio 60 e incluso repitió su papel en Ha-
wái 5-0 en el remake de la serie, trabajando hasta el día de su fallecimiento en
series tan queridas como Dead to Me o Cobra Kai. Quedan varios proyectos su-
yos por llegar, que terminó antes de fallecer de causas naturales en su casa de
Tarzana, en California. Y quedan para el recuerdo un puñado de interpretacio-
nes memorables lideradas por aquel periodista que no era el más guapo, ni el
más listo, pero sí el más tenaz y con el mejor equipo.
Casado en dos ocasiones, con Nancy Sykes entre 1959 y 1988, con
quien tuvo tres hijos, y con Cindy Gilmore entre 1998 y 2015, aunque separa-
dos desde 2007, el actor tuvo otro hijo con Carol Jean Vogelman y entre las
causas humanitarias en las que colaboró está Autism Speaks, ya que uno de
sus hijos y uno de sus nietos tenían autismo.
PETER CUSHING
Cushing como protagonista de El abominable hombre de las nieves , de
Val Guest, fusión de aventuras y terror.
Muchos aficionados, sobre todo los más jóvenes, experimen-
taran un curioso fenómeno de conocimiento/desconocimiento al
ver el rostro de Peter Cushing. Un rostro que les resulta conocido
en su forma de réplica informática por su incorporación al reparto
de Rogue One, después de muerto, en un talentoso ejercicio de
aplicación de las nuevas tecnologías y la animación para resucitar
los rasgos del actor, partiendo de su aportación a La guerra de las
galaxias (1977) como Grand Moff Tarkin, el alto oficial del ejército
imperial encargado de dirigir con mano de hierro la construcción de
la primera Estrella de la Muerte..., aunque en realidad Lucas estuvo
pensando en darle mejor el papel de Obi-Wan Kenobi.
Paseando en pantuflas por la Estrella de la Muerte
Se cuenta que Cushing, como el resto de los intérpretes más
veteranos de aquella película que arrancó la saga de Star Wars en
Cushing como el célebre doctor de La maldición de Frankenstein , que arrancó el ciclo de
nuevas versiones de los monstruos clásicos de Universal en Inglaterra.
2
los cines con su Episodio IV, incluyendo a su compatriota Alec
Guinness, que fue quien finalmente interpretó a Obi-Wan Kenobi,
no tenía mucha confianza en el resultado comercial de la película,
y no dudó en buscarse la vida para estar lo más cómodo posible
mientras interpretaba sus secuencias, así que cuando confirmó,
dolorosamente, que las botas que le habían conseguido en vestua-
rio para interpretar su personaje eran demasiado pequeñas para sus
pies, las cambió por unas pantuflas de andar por casa cuando lo fil-
maban en planos medios largos, cortos y primeros planos.
Ponerse pantuflas por la primera Estrella de la Muerte no
impidió a Cushing ganarse un lugar propio de popularidad en el uni-
verso de ficción de Star Wars, donde su personaje incluso cuenta
con su propia novela como protagonista-antagonista, escrita por
uno de los fabricantes de bestseller literarios de la saga de Lucas
más veteranos, James Luceno, y comercializada con el título de
Tarkin. Su argumento: Tarkin, viejo aliado de la orden jedi, cambia
de chaqueta, se pasa al lado del Imperio, respaldado por el propio
emperador Palpatine, en un momento cronológico que se sitúa
entre los episodios III y IV, es decir, La venganza de los sith y Una
nueva esperanza.
Cushing se ha perpetuado también en el universo Star Wars a
través del cómic canon de la saga titulado Era de rebelión. Grand
Moff Tarkin 1, con guion de Greg Pak y dibujos de Mark Laming,
publicado por Marvel Comics en abril de 2019.
Su incorporación al universo Star Wars y su inesperado desa-
rrollo como cuna de toda una galería de figuras de acción, libros,
cómics y merchandising debieron satisfacer a un Peter Cushing
que había mantenido desde la infancia hasta su edad adulta su
afición por los cómics y el coleccionismo de juguetes.
Hace mucho tiempo, antes de viajar a una
galaxia muy, muy lejana...
Peter Wilton Cushing vino al mundo el 26 de mayo de 1913 en
Kenley, Surrey, Inglaterra y falleció, víctima de un cáncer de prós-
tata, el 11 de agosto de 1994 en Canterbury, Kent, Inglaterra. En sus
81 años de vida pudo abrirse camino hasta una fama y popularidad
que le convirtió en un icono imprescindible para el cine fantástico y
de terror de varias décadas, aunque nada de esa fama se le subiera
nunca a la cabeza y siempre mantuviera sus pies firmemente asen-
tados en el suelo.
Peter era el hijo más pequeño de los dos
que tuvo la pareja formada por George Edward
Cushing y Nellie Marie King. Su hermano
George era tres años mayor que él, lo que le
permitió escapar a la obsesión de su madre,
hija de un comerciante de alfombras que era
considerada de clase más baja por parte de la
familia de su marido. Nellie quería tener una
hija. Pero la hija no llegó. Y eso la llevaría a dis-
frutar los primeros años de la vida de su hijo
pequeño vistiéndole como una niña, dejando
que su pelo creciera y adornándole como si
hubiera sido llamado a ocupar el lugar de la hija
que nunca tuvo, mientras el padre, agrimensor
procedente de una familia de clase alta en la
que destacaban varios actores teatrales, inclu-
yendo una celebridad, su abuelo Henry William
Cushing, que llegó a acompañar en una gira al
prestigioso Henry Irving. Casualmente, el
secretario personal de este último, Bram
Stoker, tomaría a Irving como uno de los refe-
rentes para crear a su vampiro Drácula, que
luego sería el principal enemigo del Van
Helsing interpretado por el nieto Peter Cushing
en numerosas película de terror producidas por
Hammer Films de los años cincuenta en ade-
lante. Los antecedentes artísticos le llegaron al
actor también por parte su tía paterna, Maude
Ashton, y de su tío Wilton Herriot. Enfermo de
PETER CUSHING
Peter Cushing como Van Helsing en Drácula , dirigida por Terence Fisher.
neumonía en su infancia en dos ocasiones, Peter encontró en su
juventud el camino de su primer interés por el teatro después de
asistir a una representación navideña de Peter Pan, y comenzó a
jugar a disfrazarse y convertirse en todo tipo de personajes, lo que
le llevaría a concluir posteriormente que incluso sin saberlo
siempre había estado jugando con la idea de ser actor. También
organizaba espectáculos de marionetas en los que ponía a prueba
su talento como narrador delante de toda su familia. Cercano a su
madre, y con un padre que tendía a mantenerse distante y del que
dijo posteriormente que realmente no había llegado a conectar,
Peter fue a estudiar a un internado en el que solo aguantó un tri-
mestre antes de volver a su casa para estudiar en una escuela más
cercana donde destacó en deportes como el rugby, el críquet y la
natación, pero siempre se definió a sí mismo como un mal estu-
diante que no encontraba interesante la mayoría de las asignaturas,
aunque conseguía salir adelante con la ayuda de su hermano,
mejor estudiante que él y dispuesto habitualmente a hacerle los
deberes.
El primer modelo para sus aspiraciones como actor fue la
estrella de las películas de vaqueros de Hollywood Tom Mix (al que
dio vida Bruce Willis en Asesinato en Beverly Hills a las órdenes de
Blake Edwards) y el encargado de orientarle hacia la interpretación
y el teatro fue su profesor de educación física, que era también el
encargado de dirigir los montajes teatrales de las funciones estu-
diantiles, y le proporcionó sus primeros papeles protagonistas
cuando todavía estaba en la escuela.
El perro de los Baskerville puso al actor en los zapatos de Sherlock
Holmes, con André Morell como el doctor Watson.
4
Pero el padre de Peter se negaba a dejarle formarse como
actor, aunque tal profesión fuera casi una tradición familiar en su
propio árbol genealógico, y por el contrario intentó orientar las
inquietudes artísticas de su hijo hacia el dibujo consiguiéndole
trabajo como ayudante de topógrafo en el Ayuntamiento a modo de
prácticas laborales veraniegas en 1933.
Lejos estaba Peter Cushing de sentirse satisfecho con el
cambio de sus primeras aspiraciones como actor a ese trabajo en el
que aguantó durante tres veranos simultaneados con la continua-
ción de sus apariciones en las funciones teatrales que organizaba
la escuela y en las representaciones de una compañía de teatro
amateur, manteniendo así intactas sus aspiraciones a base de pre-
sentarse a audiciones en las que no obstante era rechazado por su
falta de experiencia como actor profesional. Fue rechazado en su
prueba para conseguir una beca en la Guildhall School of Music
and Drama de Londres por los defectos en su dicción, pero Cushing
era un tipo testarudo y tenía muy claro lo que quería, así que insis-
tió en sus solicitudes poniéndose tan pesado que finalmente consi-
guió una entrevista con el actor y director teatral Bill Fraser, siendo
contratado por este en 1935 para interpretar un pequeño papel en
la representación de la obra Cornelius, de J.B. Priestley, donde sig-
nificativamente no tenía diálogos y era casi figurante parte del
decorado. Ese gris primer trabajo sobre los escenarios le consiguió
sin embargo la beca que buscaba para poder estudiar interpreta-
ción, al tiempo que le mantenía en contacto con otros aspectos con
menos glamur de las representaciones teatrales, como la venta de
refrescos y ejercer como ayudante de la dirección de escena.
Camino a Hollywood
Estaba así en el mundo artístico en el que quería estar, pero
todavía no en el lugar que realmente quería ocupar dentro de este. Para
acercarse a su objetivo aceptó un trabajo como asistente de dirección
de escena en una pequeña compañía donde además le daban peque-
ños papeles para las representaciones en el Grand Theatre de Hamps-
hire. Inició de ese modo una etapa de aprendizaje de tres años que le
permitiría conseguir trabajo en otras compañías hasta acumular en su
bagaje profesional la experiencia de interpretar más de cien papeles
sobre los escenarios, todo un récord, además de conocer a Doreen Law-
rence, una compañera del oficio con la que estuvo a punto de casarse,
aunque finalmente ella rompió el compromiso.
Superada esa etapa de formación, Cushing se fijó otro
objetivo: hacer carrera en Hollywood. Hombre emprendedor, en
1939 consiguió convencer a su padre para que le pagara el
importe del billete de ida a Los Ángeles, y allí se presentó con-
tando con un capital poco alentador de solo 50 libras, ingenián-
doselas para establecer contacto con un empleado del estudio
Columbia Pictures que le escribió una carta de recomendación
para conseguir un trabajo en la productora de Edward Small,
donde estaban a punto de rodar una adaptación de la novela de
Alejandro Dumas El hombre de la máscara de hierro (1939), diri-
gida por James Whale, director de Frankenstein y La novia de
Frankenstein. La contribución de Cushing a dicha producción era
servir como hombre de paja en el doblete interpretativo del pro-
tagonista, Louis Hayward, en los personajes de Luis XIV de
Francia y Felipe de Gascuña, de manera que Cushing se situaba
en el plano/contraplano ejerciendo como escorzo para darle la
réplica al actor en la fabricación del efecto especial con pantalla
dividida que daba como resultado la reunión de Hayward en el
mismo plano dando vida a los dos personajes. Ciertamente no
fue un trabajo para entrar en la historia del cine, y fue final-
mente borrado del montaje final, sí consiguió un pequeño papel
como mensajero del rey por el cual ese largometraje está consi-
derado como el primero de su dilatada filmografía compuesta
por 131 trabajos en el cine y la televisión entre 1939 y 1986.
Nos da una idea del carácter temerario del actor el hecho de
que para conseguir ese pequeño papel de mensajero, que incluía
una secuencia de acción con espadas, Cushing no dudara en
decirle al director que era un experto esgrimista, aunque no había
empuñado un sable en su vida.
PETER CUSHING
Enfrentado a su mejor amigo, Christopher Lee, en La momia . Eran uña
y carne dentro y fuera de los rodajes.
A su favor tenía que en Hollywood las cosas iban muy
rápido, y los rodajes se sucedían de forma vertiginosa, así que
pocos días después, y tras poder poner en su currículo la línea de
su debut en El hombre de la máscara de hierro, Cushing consi-
guiera su segundo trabajo en una comedia de los populares
Laurel y Hardy, tras enterarse en un bar donde se reunían los
actores de que estaban buscando a un actor inglés, incorporando
así el segundo título de su filmografía, Estudiantes en Oxford
(1939), después de un breve trabajo de una semana de duración.
El tercer título llegó como consecuencia de su habilidad jugando
al críquet, que le llevó a entrar en contacto con el actor Robert
Coote, quien le recomendó al director George Stevens para que le
fichara en su siguiente película, el drama Noche de angustia
(1940), protagonizado por Carole Lombard, que sufrió un aborto
durante la filmación que fue vendido por el estudio como una
operación de apendicitis y retrasó el rodaje varias semanas. A
esas alturas, además, la Segunda Guerra Mundial ya estaba en
marcha, así que se incorporó al argumento una secuencia con
locución radiofónica del primer ministro británico Neville Cham-
berlain anunciando la guerra entre Inglaterra y Alemania, que sin
embargo, para mantener la neutralidad de Estados Unidos todavía
en ese momento, se eliminó del montaje comercial, con dos
finales: uno romántico y escapista para público estadounidense y
Las novias de Drácula permitió a Cushing retomar el papel del doctor
Van Helsing, para cazar al barón Meinster, émulo de Drácula.
6
otro más serio e inspirador para dar ánimo al público europeo,
inmerso ya plenamente en el conflicto.
Años difíciles
Tras esa película, Cushing continuó trabajando sin que su
nombre llegara a aparecer en los créditos en algún que otro largo-
metraje y en una serie de cortometrajes producidos por el poderoso
estudio Metro Goldwyn Mayer sobre distintos asuntos históricos, lo
que le proporcionó la oportunidad de interpretar el papel de Clive de
la India en el titulado The Hidden Master (1940), donde llamó la
atención de los jefes del estudio que empezaron a barajar sus posi-
bilidades como astro de primer nivel, pero esa posibilidad quedó
truncada cuando Cushing, llevado por un arrebato de nostalgia,
decidió regresar a la Inglaterra en guerra, previo paso por Nueva
York, donde ganó algún dinero grabando anuncios para la radio y
pasó el verano trabajando con una compañía teatral buscando reunir
el dinero que necesitaba para regresar a su patria. Sin embargo, su
regreso a Europa se retrasó un poco cuando esos trabajos llamaron
la atención de un cazatalentos y Cushing consiguió debutar en 1941
en Broadway con el drama La séptima trompeta. No fue un buen
principio de su carrera sobre las tablas en Estados Unidos, ya que no
solo recibió críticas negativas por su actuación, sino que además la
obra echó el telón solo una semana y media después.
Era el momento de volver a casa, aunque los problemas de
salud que había atravesado en la niñez le impedían alistarse para
combatir en la guerra, se apuntó al grupo de servicios de entreteni-
miento para los soldados, participando en una gira por los hospita-
les y campamentos del Ejército en Inglaterra, sustituyendo poco
después al actor principal del grupo que había sido llamado a filas,
lo que le llevó a ganar diez libras semanales. Además, así conoció
la que iba a ser su esposa, Violet Helene Beck, bailarina reciclada
en actriz que interpretaba a la protagonista de la obra y con la que
contrajo matrimonio el 10 de abril de 1943, permaneciendo unido a
ella hasta que lo dejó viudo el 14 de enero de 1971.
La misma enfermedad pulmonar que le impedía alistarse para
luchar en la guerra le obligó a dejar su trabajo en la gira junto con
su esposa, lo que los dejó con poco dinero y deudas que crecían
cada día y a las que intentaban hacer frente cobrando un subsidio
destinado a los actores, grabando anuncios para la radio, consi-
guiendo algunos papeles en obras de teatro que duraban poco en
cartel, en la que fue la etapa profesional más difícil de toda la
carrera del actor, coincidiendo además con los peores momentos
de la guerra para Inglaterra. Cushing incluso diseñó pañuelos de
seda para mujer con el fin de poder pagar comida y casa.
Una amistad verdadera
Terminada la guerra, las cosas no pintaban mejor para la pareja,
incluso perdió un trabajo en una obra de teatro protagonizada por el
prestigioso Laurence Olivier al ser incapaz de fingir un acento estadou-
nidense para su personaje, a pesar de haber vivido al otro lado del
Atlántico. Ser rechazado por Olivier era un fuerte palo para sus aspira-
ciones como actor, y empezó a plantearse que se había equivocado
gravemente al elegir su camino profesional. No obstante siempre tuvo
el apoyo de su esposa, que fue quien le convenció para que intentara
un nuevo encuentro con Olivier cuando este preparaba su adaptación
cinematográfica de Hamlet (1948), donde Cushing consiguió que le
dieran el papel de Osric y de paso coincidió por primera vez con el que
iba a ser su gran amigo y compañero de fatigas en muchos otros
rodajes, Christopher Lee, el Drácula al que su Van Helsing tendría que
perseguir en la adaptación de la novela de Bram Stoker producida por
Hammer Films, y con el que forjaría el dúo más taquillero del género
de terror del cine europeo.
Cushing y Lee llegarían a rodar 22 películas juntos, incluyendo
una contribución a una de las mejores películas del cine de terror
español de los años setenta que ha acabado convirtiéndose en
título de culto: Pánico en el Transiberiano (1972), dirigida por
Eugenio Martín.
Ese rodaje fue además una de las muestras palpables de hasta
qué punto estos dos iconos del género de terror estaban unidos por
PETER CUSHING
Peter Cushing como el Doctor Who del cine, en Los marcianos invaden la Tierra .
su amistad. Cushing había perdido recientemente a su esposa, que-
dando destrozado y siendo víctima de ataques de pánico nocturnos,
de manera que Lee, gran caballero del cine y el mejor amigo que
Cushing podía haber encontrado en su camino, no dudó en acos-
tarse con su compañero de tantas películas para calmar los momen-
tos más duros de esa sensación de vacío que le había dejado perder
a su compañera durante toda su vida. Además, Lee consiguió con-
vencerle para que continuara en la película después de que, recién
llegado a España, Cushing le informara al productor que no podía
rodar el largometraje por la terrible situación personal que afrontaba
como consecuencia de la muerte de su esposa. Lee tuvo que recor-
darle a Cushing los buenos ratos que habían pasado trabajando
juntos en películas anteriores y lo importante que era para el viudo
mantenerse activo en un momento en el que además se aproximaba
la primera Navidad que iba a pasar sin su mujer.
Lee convenció a su amigo para que pasara las fiestas con su
propia familia, que arropó a Cushing para salir adelante en el com-
plicado trance, mientras la película permitía al protagonista de este
texto empezar a retomar su trabajo con una de sus más divertidas e
El Grand Moff Tarkin, al mando de la primera Estrella de la Muerte en
La guerra de las galaxias .
8
icónicas asociaciones con Lee ante la cámara, dotada
de cierta cualidad de autoparodia de los papeles que
ambos habían interpretado en películas anteriores.
Curiosamente, ese mismo año se estrenaría otro
trabajo del dúo, Drácula 73 (1972), donde nuevamente
se enfrentaban en la ficción en sus papeles de
Dracula y Van Helsing.
La llegada del éxito
Su trabajo en Hamlet fue el punto de despegue
profesional que necesitaba Peter Cushing, que en un
terreno más anecdótico triunfó no solo en las críticas
por su buen trabajo en la película, sino también como
diseñador de unos pañuelos conmemorativos del
filme que recibieron la reina de Inglaterra y su hija, la
princesa Isabel, además de incorporarse junto con su
esposa a la compañía de teatro de repertorio de Lau-
rence Olivier, por invitación expresa de este, iniciando
poco después una gira por Australia y Asia.
El camino del éxito para Cushing no estaba sin
embargo en el teatro o el cine, sino que le esperaba
en la televisión, que empezaba a ser un medio desta-
cado en el mercado de ocio británico y le proporcionó
al actor la continuidad laboral que necesitaba, convir-
tiéndole en uno de los rostros más populares de la pequeña panta-
lla, ganando varios premios y protagonizando la que sigue siendo
considerada por muchos como la mejor adaptación de la novela de
George Orwell, 1984, criticada por el Parlamento británico, pero
respaldada y aplaudida por la crítica de la época, además de pro-
porcionarle a Cushing varios premios.
Pionero de la televisión en directo, Cushing acabó agotado tras
tres años de intensa dedicación a dicho medio, por mucho que no
dejara de ganar los premios más importantes del momento en la
pequeña pantalla, así que buscó un camino de retorno al cine que no
era fácil, pero que finalmente le proporcionó su primer papel protago-
nista en las producciones de Hammer Films, La maldición de Fran-
kenstein (1957), interpretando una nueva versión del célebre personaje
de Mary Shelley con su amigo Lee dando vida al nuevo monstruo.
Fue el principio de una serie de trabajos para el terror británico
como El abominable hombre de las nieves (1957), su primera apari-
ción como Van Helsing en Drácula (1958), nuevamente frente a Lee,
La venganza de Frankenstein (1958), su primera encarnación de
Sherlock Holmes, al que luego interpretaría en una serie de televi-
sión de culto en 1968, en El perro de Baskerville (1959), La momia
(1959), La carne y el demonio (1960), Las novias de Drácula (1960),
El hombre que murió tres veces (1963), La maldad de Frankenstein
(1964), La Gorgona (1964), Doctor Terror (1965), La diosa de fuego
(1965), sus dos encarnaciones del Doctor Who en Dr. Who y los
daleks (1965) y Los marcianos invaden la Tierra (1966), La maldición
de la calavera (1965), Frankenstein creó a la mujer (1967), Radiacio-
nes en la noche (1967), El deseo y la bestia (1968), que según decía
era su peor película, El cerebro de Frankenstein (1969), La carrera
de la muerte (1970), Las amantes del vampiro (1970), Vampiros
(1971), La mansión de los crímenes (1971), Drácula y las mellizas
(1971), El monstruo (1971), Condenados de ultratumba (1972), Refugio
macabro (1972), Miedo en la noche (1972), El retorno del doctor
Phibes (1972), Ahora empiezan los gritos (1973), Los ritos satánicos
de Drácula (1973), La bestia debe morir (1974), Frankenstein y el
monstruo del infierno (1974), Kung Fu contra los siete vampiros de
oro (1974), y En el corazón de la Tierra (1976), entre otras, incluyendo
un regreso al detective creado por Conan Doyle en la película para
televisión Sherlock Holmes y la máscara de la muerte (1984).
Carrie Fisher, la princesa Leia de La guerra de las galaxias,
dijo de Cushing que era tan amable, elegante y encantador fuera de
cámara que le resultaba muy difícil proyectar el rechazo de su per-
sonaje hacia el Gran Moff Tarkin cuando rodaban.
Miguel Juan Payán
P E L Í C U L A S M Í T I C A S

LOS DUELISTAS
  
El estreno de Duelo final, la nueva pelí- FICHA TÉCNICA La película se desplaza de la mano de
cula de Ridley Scott, nos lleva de vuelta a los estos personajes por la geografía de los
Director: Ridley Scott; Intérpretes: Keith Carradine, Harvey
principios de su director, al primer largome- Keitel, Albert Finney, Edward Fox, Christina Raines, Robert
enfrentamientos librados por el Ejército de
traje que dirigió el responsable de Alien (1979) Stephens, Tom Conti, John McEnery, Diana Quick, Alun Napoleón desde Estrasburgo, en el Rin, hasta
y Blade Runner (1982), Los duelistas, con la Armstrong; Año de producción: 1977; Nacionalidad: Reino Lubeck en 1806, Rusia en 1812, Tour en
Unido; Guion: Gerald Vaughan-Hughes; Música: Howard
que comparte la creación de cine histórico y Blake; Color; Duración: 100 minutos. 1814, y en los cien días de regreso al poder
reconstrucción de una época que nuevamente de Napoleón en suelo francés.
nos traslada a Francia, aunque sea muchos Pero en la película de Scott, que contó
años antes de la película que aquí nos ocupa. con un presupuesto de 900 000 dólares, contribuyendo a hacerla así
Si Duelo final se basa en un hecho real, el último duelo autorizado más interesante, la Historia, con mayúsculas, se somete a la historia de
en suelo francés, entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos ami- los personajes, con minúscula, humanizados desde su absurda conducta
gos transformados en enemigos irreconciliables, y se ambienta en la en una película que siempre me ha hecho pensar de Ridley Scott sería el
guerra de los Cien Años, Los duelistas estaba ambientada en Francia en director perfecto para sacarle todo el jugo visual a una de las mejores
1801, y tenía también a dos protagonistas enfrentados, veteranos del historias escritas por Arturo Pérez-Reverte, El húsar, que siempre me
ejército, que podrían haber sido leales amigos, pero se convirtieron en viene a la cabeza cuando vuelvo a ver Los duelistas.
enemigos, iniciando el ciclo de enfrentamientos que lleva al teniente Scott se decidió por tomar como punto de partida el cuento de
D’Hubert (Keith Carradine) y al teniente Feraud (Harvey Keitel) a conver- Conrad porque estaba en dominio público y le permitiría ahorrar derechos
tirse en unos peculiares guías para que el espectador pueda recorrer los de adaptación, algo esencial para una producción con presupuesto muy
paisajes y personajes de la era napoleónica. limitado. En ese sentido, Los duelistas es modélica en su planteamiento
En la película, Scott, que venía de forjarse en la publicidad tras de la producción. Rodada en exteriores en Francia, Inglaterra y Escocia,
dirigir cerca de 2000 anuncios, sorprendió por su pericia plástica, su Scott renunció a la construcción de decorados o edificios para poner en
trato de la propuesta visual con dominante pictórica, su meticulosidad en pie su historia, sacando el máximo rendimiento al proceso de localización
el uso de las localizaciones y el paisaje, pero sobre todo por su capaci- que le permitió contar con estructuras ya construidas para ambientar su
dad para vestir el cine histórico y de época con características más pro- película. Detalle significativo de las condiciones de máximo ahorro en que
pias del intimismo y el costumbrismo, metiéndonos en la vida cotidiana, se filmó la película lo encontramos en el fichaje de Albert Finnery para
si bien que exótica, por ser tan lejana y ajena a nuestros días, recondu- interpretar a Fouché: la compañera sentimental del actor, Diana Quick,
ciendo así el concepto de la épica en el cine o al menos mostrándonos interpretaba un papel en la película y propuso y convenció al actor para
un camino alternativo para la misma en la pantalla grande. que interpretara su personaje a cambio de una caja de champaña.
La película se basaba también, como El último duelo, en una his- En la producción estaba uno de los nombres esenciales en dicha
toria real, un enfrentamiento histórico, que Joseph Conrad tomó como materia y en el devenir posterior de la industria y los estudios de
punto de partida para escribir la historia que luego adaptó Scott. Conrad, Hollywood en la década siguiente, David Puttnam, que tras su trabajo en
poeta de lo antiheroico en paisajes épicos, al que se deben joyas litera- esta película destacó como productor en otros títulos esenciales desta-
rias que han proporcionado al cine la base para películas tan interesan- cados, como El expreso de medianoche (1978), Carros de fuego (1981),
tes como Sabotaje (Alfred Hitchcock, 1936), El desterrado de las islas Un tipo genial (1983), Los gritos del silencio (1984) y La misión (1986).
(Carol Reed, 1951), Lord Jim (Richard Brooks, 1965), El aventurero Pero el afán ahorrativo de la producción no condicionó en ningún
(Terence Young, 1967), La línea de sombra (Andrzej Wajda, 1976), momento la ambición de Scott por poner en pie una buena película de
Naufragio (Jaime Humberto Hermosillo, 1978), Apocalypse Now (Francis entorno histórico, tomando como referencia una producción de muy
Coppola, basada en El corazón de las tinieblas, 1979), o Victory (Mark superior presupuesto, Barry Lyndon, dirigida por Stanley Kubrick y estre-
Peploe, 1996), o El hombre que vino del mar (Beeban Kidron, 1997), nada en 1975, que contó con un presupuesto de once millones de dóla-
publicó El duelo, un relato militar en forma de cuento en 1908 en la res. Scott quería acercarse a la película de Kubrick a través de un uso
revista Pall Mall. El cómic le rendiría también su propio homenaje al ori- similar de la luz y el color que, como en el caso de Barry Lyndon estuvie-
ginal literario en Duelo, con guion y dibujo de Renaud Farace en 2017. ra marcada por la réplica de los referentes pictóricos en la fotografía pai-
Conrad se había inspirado en una noticia de no más de diez líneas sajista del largometraje.
de texto que había sido publicada en un periódico local del sur de Francia Trabajando con el odio y el honor como motivaciones principales
en la que se informaba del desenlace fatal de un duelo sostenido por dos de los dos personajes, y contando con la entrega total a la causa de
oficiales del Gran Ejército de Napoleón, que habían librado enfrentamien- Carradine y Keitel (inicialmente el director había pensado en Oliver Reed
tos como si estuvieran atrapados en su propio bucle de violencia privada, y Michael York, pero no estaban disponibles), hasta el punto de que
al tiempo que estaban rodeados de las grandes guerras. En 19 años, de ambos se empeñaron en rodar las secuencias de duelo con sables
1794 en adelante, llegaron a librar unos 30 duelos. Había cierta intencio- auténticos, Ridley Scott construyó una notable ópera prima en la que ya
nalidad metafórica en la inutilidad del pretexto que les había situado en estaba presente lo mejor de su talento como director de largometrajes,
dicho bucle, cuyo motivo de arranque no había sido revelado en el suceso impresionante tarjeta de visita que además influyó posteriormente en
real, pero que Conrad no dudó en adornar inventando el suyo propio para otros creadores dentro y fuera del cine, por ejemplo, sirviendo como ins-
reforzar el absurdo de los duelos de los dos protagonistas, víctimas de piración para la película Los inmortales (Russell Mulcahy, 1986), o para
una especie de trágica maldición que los persigue y condiciona sus vidas el tema Los duelistas, de la banda de heavy metal Iron Maiden, incluido
por encima de todo lo demás: el sentido del honor. en su álbum Powerslave.
 
 WILLIAM SMITH
24 de marzo de 1933, Columbia, Misuri (EE. UU.)-5 de julio de 2021,
Woodland Hills, California (EE. UU.)
FILMOGRAFÍA (SELECCIONADA)
1942.– El fantasma de Frankenstein; 1943.– La canción de Bernadet-
te; 1944.– Siguiendo mi camino, Cita en St. Louis; 1945.– Lazos humanos;
1946.– Gilda; 1947.– I Wonder Who’s Kissing Her Now; 1948.– El mucha-
cho de los cabellos verdes; 1951.– El ídolo; 1959.– Cómo atrapar a un ma-
rido, Todas las mujeres quieren casarse, Girls Town, Cuando hierve la san-
gre , Un muerto recalcitrante ; 1961.– Desnuda frente al mundo , El
continente perdido (La Atlántida), El virginiano (serie); 1964.– Perry Mason
(serie), Esposa por catálogo, La hora de Alfred Hitchcock: The McGregor Af-
fair (serie), 36 horas, Caravana (serie); 1965.– Laredo (serie); 1967.– Cus-
ter: Death Hunt (serie), Daniel Boone (serie); 1968.–Batman: Minera, May-
hem and Millionaires (serie), Mi bella genio (serie), The Banditos, Gavilán;
1969.– Corre, Ángel, corre, Los cuatro magníficos (película televisión), La
llamada del Oeste (serie); 1970.– Los perdedores, Ángeles salvajes, Más
oscuro que el ámbar, La familia Manson, Crowhaven Farm (película televi-
sión); 1971.– La casita del árbol, Entrenado para matar, Longstreet (serie),
Dos contra el mundo (serie), Misión: Imposible (serie); 1972.– The Manhun-
ter, Runaway, Runaway, Experimento diabólico, La tumba del vampiro,
Hammer, Colombo (serie), Los dos mosqueteros (serie), Piraña, La ley del
revólver (serie); 1973.– The Fuzz Brothers (película televisión), Camper
John, Sweet Jesus, Preacherman, La invasión de las abejas reina, Kung Fu
(serie), Una muestra del infierno; 1974.– Las calles de San Francisco (serie),
El hombre de los seis millones de dólares (serie), Los casos de Rockford
(serie), Black Samson, The Sex Symbol (película televisión), El planeta de los
simios (serie), Win, Place or Setal, Kolchak (serie), Boss Nigger, Giger Cage;
1975.– Death Among Friends (película televisión), The Swinging Barmaids,
Nueva York: año 2012, Los hombres de Harrelson (serie), En ruta (serie);
1976.– El caballero de azul (serie), Hombre rico, hombre pobre (miniserie
televisión), Scorchy. Una rubia del calibre 38, Hollywood Man, La mujer poli-
cía: Brainwash (serie), Alerta: misiles, Hombre rico, hombre pobre 2 (serie);
1977.– La fuga de Logan (serie); 1978.– La caravana de Oregón (serie), Co-
raje, Blackjack,; 1979.–El rabino y el pistolero, Los siete profesionales, Ha-
wái 5-0 (serie); 1980.–Tiempos salvajes (miniserie), Buck Rogers, aventuras
en el siglo XXV (serie), La gran pelea; 1982.– Conan el bárbaro; 1983.– Re-
beldes, El coche fantástico (serie), La ley de la calle, El equipo A (serie);
1984.–The Jerk, Too (película televisión), El espantapájaros y la señora King
(serie), Amanecer rojo; 1985.– Dos contra el crimen: There Goes the Neigh-
borhood (serie), Llamada a un reportero, When Nature Calls, Juego sucio en
Las Vegas, Hunter: Think Blue, Honorable Profession, The Fifth Victim;
1986.– Se ha escrito un crimen (serie), El ojo del tigre; 1987.– Comando
para matar, A prueba de balas, La Luna en Scorpio, Los caballeros de Hous-
ton (serie); 1988.– Un semental de Frogtown, Maniac Cop, Zona mortal, Evil
Altar, The Kill Machine, Eagles Law; 1989.– Jungle Assault, Justicia san-
grienta, Acción USA, Road Warrior, Raza mortífera, Terror in Beverly Hills,
Masacre en Memorial Valley, Corrupción en Los Ángeles, Samurai Warriors,
BORN, The Last Batle; 1990.– Instant Karma, Emperor of the Bronx, Cártel,
Chance,The Final Sanction, Forgotten Heroes; 1991.– El espíritu del águila,
The Roller Blade Seven, Cybernator; 1992.– Feast, Guerreros sobre ruedas,
Shadow of the Dragon, Legend of the Roller Blade Seven, Legend of Skull
Canyon, Dark Secrets, A Mission to Kill; 1993.– Bésame y muere, Merchant
of Evil, Road to Revenge, Return of the Roller Blade Seven; Taken Alvie, Ma-
nosaurus; 1995.– Walker, Texas Ranger: Final Justice (serie), Raw Energy,
Judee Strange, Big Sister 2000; 1996.– The Colony (película televisión),
Muerto el 4 de julio, Neon Signs; 1997.– El pistolero, La isla de la traición,
Interview with a Zombie, Hollywood Cops, Ground Zero; 1998.– Deadly Cu-
rrency, Más allá del límite, Bloode of His Own, Warrior of the Apocolypse, No
Rest for the Wicked; 1999.– Debbie Does Damnation, Wasteland Justice;
2000.– Vice, Plastic Boy and the Jokers, Never Look Back; 2001.– The
Vampire Hunters Club, Grupo de élite, The Erotic Rites of Countess Dracula;
2002.– The Killing Point, Jumper, Body Shop; 2003.– God Has a Rap Sheet,
Zombiegeddon, Rock n’Roll Cops 2; 2004.– Grave Tales, YMI, Hell to Pay;
2006.– Voices from the Graves, Inner Rage, Circumstances of Fate, Fall Guy:
The John Stewart Story, Rapturious; 2008.– Her Morbid Desires, The Bone-
yard Collection, King Peddler; 2012.– Tiger Cage; 2014.– Island of Witches;
2020.– Un plan irresistible.
INSTITUCIÓN DEL OCIO AUDIOVISUAL SIN COMPLEJOS
Falconetti en Hombre rico, hombre pobre, padre de Conan, oficial
soviético de Amanecer rojo, antagonista de Yul Brynner en Nueva York
Año 2012, era un niño cuando empezó como actor, fue socorrista en la
Riviera francesa, hablaba cinco idiomas y sirvió en el escuadrón de in-
formación y seguridad de la Fuerza Aérea en la guerra de Corea, lo que
le llevó a trabajar como interrogador de la Fuerza Aérea y volar en mi-
siones secretas sobre espacio aéreo de la Unión Soviética. Fue campe-
ón de lucha libre, culturista, doble de acción, y bombero forestal. En su
árbol genealógico se revela que era descendiente directo de los mitos
del Oeste Daniel Boone y Kit Carson. No era mal antecedente para un
actor que luego alcanzaría popularidad en la pequeña pantalla interpre-
tando a un ranger de Texas en la serie televisiva de wéstern Laredo,
emitido entre 1965 y 1967, que le hizo ganar popularidad tras haber lo-
grado continuidad profesional en 1961 obteniendo un papel fijo en la
serie La jungla de asfalto.
TRES PAPELES QUE LE PODRÍAN HABER CAMBIADO LA VIDA
Entre los papeles que pudieron haberle cambiado la carrera, pero que
no llegó a interpretar, destacan tres. Bruce Lee le ofreció el papel de John
Saxon en Operación Dragón. Saxon funcionó bien, pero con Smith en el pa-
pel habría sido más creíble que reclutaran a su personaje para participar
en el torneo de la Isla de Han.
Casi protagonizó la serie Kung Fu en lugar de David Carradine. Inclu-
so llegó a rodar un piloto a modo de prueba que duraba ocho minutos en-
carnando a Caine con lentes protésicas para simular rasgos chinos, pero al
productor de la serie le pareció tan excesivamente musculoso y amenaza-
dor que decidió no darle el papel. Y eso que William Smith había estudiado
kung-fu durante ocho años y kempo karate con el maestro Ed Parker.
Otra oportunidad perdida, que él mismo rechazó, fue la de tomar el
relevo de Johnny Weissmuller en las películas de Tarzán producidas por
el estudio Metro Goldwyn Mayer. Smith rechazó el papel, lo que le llevó a
perder la oportunidad e interpretar a un nuevo Tarzán más musculoso
que finalmente no llegaría al cine hasta finales de los años cincuenta
cuando el culturista Gordon Scott se hizo cargo del personaje de Edgar
Rice Burroughs en un largo ciclo de películas comenzado en 1955 con
Tarzán en la selva escondida. Curiosamente, Smith no tuvo problema en
aceptar un trabajo puntual como doble de Lex Barker en algunas secuen-
cias puntuales de las peripecias de este actor que fue el elegido para
proseguir con el rey de la selva después de la jubilación de las lianas de
Johnny Weissmuller.
MATRIMONIOS, PANTERA, ABDOMINALES Y POEMAS
Su primera esposa fue Michelle Smith, con la que tuvo un hijo, y
la segunda la maquilladora Joanne Cervelli, con la que tuvo una hija.
Smith empezó en el cine durante la infancia, y tras varios papeles
en destacadas producciones de Hollywood, empezó a trabajar más para
la pequeña pantalla, medio en el que debutó en 1954 con su aparición
en la serie Kraft Televisión Theatre, interviniendo en el capítulo “Edie
and the Princess”, apareciendo incluso en videoclips musicales como el
del grupo Ramones titulado, “Substitute”, de 1994, y el de la banda
metal Pantera titulado “Revolution Is My Name”, del año 2000. Prueba
ambos del amplio reclamo que tenía Smith entre distintas generacio-
nes, especialmente después de haber sido el antagonista de Nick Nolte
en la serie Hombre rico, hombre pobre. Incluso puso su voz al videojue-
go Wanted: Weapons of Fate.
Smith medía 1,88 metros de estatura, tenía credenciales de la CIA
y la NSA, dos agencias de espionaje estadounidenses, y estaba hacien-
do un doctorado para ingresar como agente en un puesto clasificado
del mundo del espionaje cuando consiguió un contrato con el estudio
Metro Goldwyn Mayer que el apartó de las aulas para afincarlo definiti-
vamente en el cine y la televisión, consagrándose en ambos medios co-
mo el antagonista temible con el que fue conocido durante el resto de
su carrera.
Su palmarés en los deportes de contacto es casi tan largo como sus
trabajos para el cine, habiendo sido dos veces campeón de lucha en la ca-
tegoría de 200 libras, compitiendo como esquiador alpino y con Steve Mc-
Queen en campeonatos de motocrós, acumulando un récord de 31 victo-
rias contra una derrota en su carrera como boxeador aficionado,
participando en el campeonato de halterofilia de peso ligero y peso pesado
de la Fuerza Aérea de Estados Unidos, estableciendo su propio récord de
5.100 abdominales continuos durante cinco horas (¡cinco horas!), o jugan-
do al fútbol semiprofesional en Alemania.
En 2009 publicó un libro de poemas: Trabajos poéticos de William
Smith.
 BARBARA BAIN
(Mildred Fogel)
13 de septiembre de 1931, Chicago, Illinois, EE. UU.
Altura: 1,76 metros.
Estado civil: Divorciada de Martin Landau, con quien estuvo casada
casi 40 años, entre 1957 y 1993, y con quien tuvo dos hijas, una de ellas
la actriz Juliet Landau.
Debut profesional: La actriz estudió Sociología en la Universidad de
Illinois antes de trasladarse a Nueva York interesada por convertirse en
bailarina. No llegó a conseguirlo y fue modelo un tiempo, antes de empe-
zar a estudiar en el Theater Studio, lo que la llevó al mítico Actors Studio,
donde aprendió con Lee Strasberg y conoció a su futuro marido. Así debu-
tó en teatro en 1957, y un año después llega a televisión en episodios de
Harbormaster y Mike Hammer. Su carrera se centró en la televisión y no
debutó en cine hasta 1979 con No vaya cerca del parque…
Personajes: Comenzó como Karen Wells en Richard Diamond, Pri-
vate Detective, antes de saltar a la fama siendo Cinnamon Carter en Mi-
sión: Imposible. Fue la doctora Helena Russell en Espacio 1999.
Premios: Ganadora del Emmy por Misión: Imposible tres años se-
guidos, 1967, 1968 y 1969.
Filmografía básica: Richard Diamond, Private Detective (1959), Mi-
sión: Imposible (1966-1969), Espacio 1999 (1975-1977), Skinheads
(1989), Verano del 76 (1990), Gideon (1998), Bel Air (2000), Panic (2000),
Political Disasters (2009), Forget Me Not (2009), Nothing Special (2010),
Silver Skies (2016), On the Rocks (2020).
Frases: “He tenido una larga experiencia con el matrimonio, la mi-
tad buena y la otra mitad no tan buena, así que para mí es suficiente”.
¿Sabías que…? Casi toda su carrera se centró en hacer pequeños
cameos o apariciones especiales en series como Walker, CSI, Millenium,
Se ha escrito un crimen… gracias a la fama de Misión: Imposible.
Fue la primera actriz de la historia en ganar tres Emmy de forma
consecutiva.
DOMINIC COOPER
(Dominic Edward Cooper)
2 de junio de 1978, Greenwich, Londres, Inglaterra, Reino Unido.
Altura: 1,77 metros.
Estado civil: Soltero, pero tiene una relación con Gemma Chan des-
de 2018. Anteriormente ha sido pareja de Amanda Seyfried o Ruth Negga.
Debut profesional: Deseando ser actor desde joven, fue parte del
departamento de teatro en el instituto (una copia del musical Cabaret en
1995 se puso a la venta debido a su presencia). Tras eso se matriculó en
la London Academy of Music and Dramatic Arts, en la que se graduó en el
año 2000 como actor y editor, además. Pero se le prohibió participar en el
musical del último año debido a su falta de ritmo, según cuentan. Debuta
en el National Theatre en 2001, y ese mismo año lo hace en televisión con
The Infinite Worlds of H. G. Wells y en cine en un minúsculo papel en Des-
de el infierno.
Personajes: En The Infinite Worlds of H. G. Wells le vimos como
Sidney Davidson, y en Down to Earth como Danny. Aunque se recuerda
más su Howard Stark en Agente Carter, su Ian Fleming en la miniserie
Fleming, y su Jesse Custer en Preacher.
Premios: Nominado al Premio Saturn en 2012 y 2015.
Filmografía básica: The Infinite Worlds of H. G. Wells (2001), Down
to Earth (2004), Un chico listo (2006), Mamma Mia! La película (2008), An
Education (2009), El doble del diablo (2011), Capitán América: el primer
vengador (2011), Mi semana con Marylin (2011), Fleming (2014), War-
craft: el origen (2016), Preacher (2016-2019).
Frases: “Fleming fue un hombre brutal y alguna de las cosas que
hizo fueron terribles. Así que tiene que haber algo de eso en Bond, pero
también algo encantador y ligero”.
¿Sabías que…? Su bisabuelo, E. T. Theron, creó The Kinemato-
graph Weekly, revista de cine inglesa que se editó entre 1889 y 1971.
CLINT EASTWOOD
(Clinton Eastwood Jr.)
31 de mayo de 1930, San Francisco, California, EE. UU.
Altura: 1,93 metros.
Estado civil: Divorciado en dos ocasiones. Su primera esposa fue
Margaret Neville Johnson, entre 1953 y 1984, con quien tuvo dos hijos; la
segunda, Dina Ruiz, entre 1996 y 2014, con quien tuvo un hijo. Tuvo rela-
ciones con Sondra Locke, Frances Fisher o Jacelyn Reeves, con quienes
también tuvo descendencia.
Deportes favoritos: En el pasado jugaba al tenis, y ahora al golf. Ha
participado en varios torneos benéficos.
Debut profesional: Reclutado por el Ejército durante la guerra de
Corea, pasó esta en una base en California. Nadie concreta cómo llegó a
Hollywood. Unos dicen que estaban rodando en su base, Fort Ord, y que
Chuck Hill, que tenía contactos en Hollywood, le conoció allí. Eastwood fir-
mó un contrato que le llevó al cine en 1955 en La venganza del hombre
monstruo y en televisión en 1956 en Selecciones del Reader’s Digest.
Personajes: Rowdy Yates en Cuero crudo, sin el que su carrera no
sería la misma.
Premios: Ha ganado cuatro Oscar, dos a mejor película y dos a me-
jor director, en 1993 y 2005. También tiene tres Globos de Oro.
Filmografía básica: Cuero crudo (1959-1965), Por un puñado de
dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el ma-
lo (1966), Los violentos de Kelly (1970), Harry el Sucio (1971), Ruta suici-
da (1977), Fuga de Alcatraz (1979), El jinete pálido (1985), Sin perdón
(1992), En la línea de fuego (1993), Los puentes de Madison (1995), Mi-
llion Dollar Baby (2004), Gran Torino (2008).
Frases: “Adoro cada aspecto de la creación de películas y supongo
que estoy comprometido con ello de por vida”.
¿Sabías que…? Además de director y productor, es pianista de
jazz y compone muchas de sus bandas sonoras.
JODIE WHITTAKER
(Jodie Auckland Whittaker)
17 de junio de 1982, Skelmanthorpe, West Yorkshire, Inglaterra,
Reino Unido.
Altura: 1,67 metros.
Estado civil: Casada con el actor y guionista Christian Contreras,
desde noviembre de 2008. La pareja tiene una hija en común.
Debut profesional: La actriz tenía clara su intención de dedicarse al
mundo de la interpretación desde joven, por lo que cuando acabó el institu-
to pasó a estudiar en la Guildhall School of Music and Drama de la que se
graduó en 2005 con una Medalla de Oro. En 2005 debutó en teatro en el
Shakespeare’s Globe, con la obra The Storm. En 2006 debuta en cine y te-
levisión, en cine en la película Venus y en televisión con la serie Doctors…
Personajes: Por supuesto, es la decimotercera encarnación del
Doctor en Doctor Who, pero antes fue Ruth Bowen en Marchlands, Trish
Tooley en The Smoke, Sandy Grimes en The Assets (todas miniseries) y
Beth Latimer en la genial Broadchurch.
Premios: Nominada al Saturn y al Satellite en 2019 y al Satellite en
2006 también.
Filmografía básica: Venus (2006), Supercañeras: el internado pue-
de ser una fiesta (2007), Good (2008), St. Trinian’s 2: la leyenda del oro
de Fritton (2009), Marchlands (2011), Attack the Block (2011), One Day
(2011), Hello Carter (2013), The Smoke (2014), The Assets (2014), Black
Sea: mar tenebroso (2014), Broadchurch (2013-2017), Journeyman
(2017), Doctor Who (2017-2022).
Frases: “Soy la pesadilla de una persona callada. El único momento
en el que no hablo es cuando estoy leyendo porque soy una friki de los li-
bros”.
¿Sabías que…? Es la primera mujer en interpretar al legendario
personaje protagonista de Doctor Who. La actriz dejará el papel en 2022.
Solía veranear en España y su primer recuerdo de infancia es caerse
a una piscina en Benidorm con solo tres años.
SERIES DE TV
LA LEY DEL REVOLVER
Temporada 1
(Gunsmoke)
Emisión: 10 de septiembre de 1955-25 de agosto de 1956, CBS; Reparto: James Arness, Mil-
burn Stone, Amanda Blake, Dennis Weaver, Bert Rumsey.
Si hablamos de wésterns en televisión, la madre de todos, la serie más
importante de la historia, por encima incluso de títulos legendarios como Bo-
nanza, debe ser La ley del revólver, tal y como conocimos en España Guns-
moke, un proyecto que nació en la radio, donde se mantuvo en antena duran-
te casi una década. La serie empezó a gestarse a finales de los años
cuarenta, pero el serial radiofónico no se convirtió en realidad hasta que en-
traron a formar parte de su equipo creativo Norman MacDonnell y John Mes-
ton, quienes descubrieron la idea previa para la serie y crearon su propia ver-
sión, un serial radiofónico de enorme éxito que pronto estuvo en la rampa de
salida para convertirse en una producción de televisión. Y, por cierto, mucho
más sombría y siniestra de lo habitual en ese tipo de historias. En ese mo-
mento entra en la ecuación el guionista y director Charles Marquis Warren, el
responsable final de la serie, que acabó convirtiéndose en la más longeva de
la historia durante muchos años, y Arness y Stone en los actores que durante
más tiempo interpretaron a un personaje en una misma serie, récord recien-
temente roto. Warren además se encargaría de dirigir muchos de los episo-
dios de la primera temporada, aunque Ted Post también dirigió alguno. Ade-
más, en esa primera temporada de episodios en blanco y negro de apenas 25
minutos, encontramos a un joven Sam Peckinpah escribiendo uno de los guio-
nes de la temporada. Arness lideraba la historia como el marshall Matt Dillon,
responsable de mantener la paz en Dodge City, una de las ciudades más peli-
grosas del Oeste. Arness no fue la primera opción (aunque nunca se valoró la
posibilidad de que el actor radiofónico, William Conrad, diese el salto a televi-
sión, ni él ni ninguno de sus compañeros de reparto), e incluso se rumoreó
que habían ofrecido el papel a John Wayne, quien finalmente hizo la introduc-
ción al piloto. Raymond Burr también pudo convertirse en el marshall Dillon.
La serie de televisión fue también suavizada respecto a la radio, especialmen-
te el personaje de Doc Adams, mucho más humano en televisión.
SERIES DE TV
LOKI
Temporada 1
Emisión: 9 de junio-14 de julio de 2021, Disney +; Reparto: Tom Hiddleston, Owen Wilson,
Gugu Mbatha-Raw, Wunmi Mosaku, Sophia Di Martino, Richard E. Grant, Jonathan Majors, Tara
Strong (voz).
Tras dos éxitos seguidos con las series Bruja Escarlata y Visión, y
Falcon y el Soldado de Invierno, Disney + se enfrentaba al reto de mante-
ner la racha con un tercer estreno de series Marvel que tenía todos los
elementos necesarios para triunfar, al centrarse en un personaje tan que-
rido y carismático como Loki, nuevamente interpretado, como en cine, por
Tom Hiddleston. El cambio de día de estreno, de viernes a miércoles, pre-
ocupaba inicialmente, pero la respuesta fue tal que la intención de Disney
+ es intentar que todas sus series se estrenen en miércoles. Michael Wal-
dron pasaba de asistente de producción en Rick y Morty o Community,
para convertirse en creador de pleno derecho en Loki y también en la se-
rie Heels, otro de los éxitos creativos de 2021. Mezclaba conceptos cono-
cidos con algunos realmente nuevos que pretendían lanzar el siguiente
paso de Marvel no solo en televisión, también en cine. Cuando tras los
eventos de Avengers Endgame una variante del Loki de la batalla de Nue-
va York sea capturado por una agencia que se encarga de monitorizar to-
das las variantes temporales y corregirlas para que no haya un multiverso
que nos lleve a una guerra, comenzará una aventura en la que Loki tendrá
que buscar a una de esas variantes, una realmente particular que podría
suponer el cambio que todos necesitamos o quizá signifique el principio
del fin para el universo. Loki descubrirá pronto que está mucho más liga-
do a esa variante de lo que pensaba y el final de la temporada nos mos-
traba la nueva dirección que todo el universo Marvel parece querer tomar.
La serie hacía un despliegue presupuestario que nos acercaba al cine y a
la calidad de producción que allí se mostraba. La serie fue renovada, ines-
peradamente (se pensaba que sería una miniserie) para una segunda
temporada, tras un final con un enorme cliffhanger, en el que descubría-
mos quién puede ser el próximo gran villano de Marvel. Se espera que el
rodaje de la nueva temporada tenga lugar en 2022 y 2023, algo lógico si
tenemos en cuenta la agenda del protagonista.
SERIES DE TV
EL VIRGINIANO
Temporada 1
(The Virginian)
Emisión: 19 de septiembre de 1962-1 de mayo de 1963, NBC; Reparto: James Drury, Doug
McClure, Lee J. Cobb, Roberta Shore, Gary Clarke, Ross Elliott.
Levemente basada en la novela del mismo título de Owen Wister, El
Virginiano es, por méritos propios, uno de los wésterns televisivos más im-
portantes de la historia. Ya en 1958, la NBC había intentado llevarla a televi-
sión con un piloto que no terminó de funcionar, también con Drury como
protagonista, que acabó formando parte de la serie Decision, compuesta de
historias independientes. Cuatro años después NBC volvía sobre la misma
historia que ya había sido parte del cine, con la que sería la primera serie de
wéstern en televisión con episodios de 90 minutos, si contamos la publici-
dad, haciendo que fuesen películas semanales realmente. Charles Marquis
Warren fue el responsable de adaptar la novela, de nuevo de forma muy le-
ve, y convertirla en serie de televisión. Guionista de cine, en su salto a tele-
visión había creado dos series tan imprescindibles como La ley del revólver
y Cuero crudo. Otro de los cambios entre el primer piloto y la serie definitiva
fueron los secundarios, con la presencia de Lee J. Cobb como el juez pro-
pietario del rancho donde todo sucedía, y Doug McClure como Trampas, un
personaje de gran importancia que cambiaba radicalmente entre la novela y
la serie, pasando de villano a héroe. Además, se rodaría en color, lo que su-
ponía otro salto adelante en la construcción de series de televisión, porque
no era lo común. La primera temporada tomaba como punto de arranque
Wyoming, el rancho Shiloh, propiedad del juez Garth y su hija de quince
años. Allí nos encontraríamos al Virginiano, el protagonista real de la serie,
un hombre duro y justo que ayudaba en el lugar y se encargaba de mante-
ner el orden y la paz ante los distintos problemas que se encontraba en el
rancho. Nunca se revelaba el nombre del personaje y apenas conocíamos
cosas de su pasado, lo que hacía muy difícil crecer dramáticamente su his-
toria, pero mantenía el misterio. En la primera temporada vimos pasar por la
serie nombres como Bette Davis, Ricardo Montalbán, Clu Gulager, Jack
Warden, Lee Marvin o Vera Miles como estrellas invitadas.
SERIES DE TV
LOS IRREGULARES
Temporada 1
(The Irregulars)
Emisión: 26 de marzo de 2021, Netflix, estreno en todo el mundo; Reparto: Thaddea Graham,
McKell David, Jojo Macari, Harrison Osterfield, Darci Shaw, Clarke Peters, Royce Pierreson,
Rory McCann, Henry Lloyd-Hughes.
El universo que rodea la figura de Sherlock Holmes sigue siendo,
casi un siglo y medio después de su creación, uno de los más ricos e inte-
resantes para la audiencia en todo el mundo, por lo que siempre nos lle-
gan nuevas versiones del personaje en papel, pero también en cine y tele-
visión. Menos visitados son los personajes que, a veces, aparecían en la
obra de Arthur Conan Doyle y que aquí se convierten en protagonistas de
la historia central como investigadores muy particulares. Tom Bidwell se-
ría el responsable de convertir a los Irregulares de Baker Street, un grupo
de niños y jóvenes que deambulaban por las calles de Londres sin que na-
die se fijase en ellos, lo que los convertía en los mejores espías, en un
grupo de adolescentes investigadores. Sin perder las raíces, el guionista
responsable de adaptar My Mad Fat Diary, le dio una vuelta de tuerca a la
idea original y a los personajes para situarnos en una serie fantástica y no
solo de misterio. Cuatro adolescentes que tienen habilidades e intereses
muy distintos, liderados por Bea, son contratados por John Watson para
resolver un extraño misterio ante la ausencia del mismísimo Sherlock Hol-
mes. Eso llevará a una serie de casos con una vertiente sobrenatural cre-
ciente, que asolan la ciudad de Londres mientras que el gran detective si-
gue ausente, lo que será un misterio en sí mismo. Pese a que se anunció
el nombre de los actores que darían vida a Watson y Holmes al mismo
tiempo que el resto del reparto, pronto en la serie descubriríamos que
eran personajes secundarios e incluso más una sombra que los protago-
nistas de la historia. Quizá la historia fuese demasiado diferente a lo que
se esperaba, o quizá el público esperaba más presencia de los personajes
más legendarios, pero en cualquier caso desapareció tras solo una tem-
porada, aunque Netflix no ha revelado los motivos pese a la buena acogi-
da crítica, por ejemplo, porque la segunda temporada tenía planeado ro-
darse en julio de 2021 en Liverpool, pero en mayo la serie fue cancelada.
QUE FUE DE...
HALLE BERRY
BIOGRAFIA. Nacida el 14 de agosto de 1966 en Cleveland (Ohio), se
dio a conocer con la serie Living Dolls a finales de los ochenta, interpre-
tando con posterioridad para Spike Lee, Tony Scott, Warren Beatty, Mart-
ha Coolidge, Mathieu Kassovitz o James Foley. Es una declarada activista
a favor de la naturaleza, la protección de las mujeres y los derechos de
los menores y la necesaria preservación de su intimidad.
FILMOGRAFIA DESTACADA. Decisión crítica (Stuart Baird, 1996),
en la que es Jean, una auxiliar de vuelo que ayuda al analista militar Da-
vid Grant (Kurt Russell) durante el secuestro de su avión. La saga de X-
Men de la Marvel, en la que interpretó en varios títulos al personaje de la
superheroína Tormenta. La última llamada (Brad Anderson, 2013), donde
daba vida a Jordan Turner, una teleoperadora de urgencias que luchará
por rescatar a una joven víctima de secuestro implicándose personalmen-
te en el caso.
SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Leticia Musgrove en el drama
Monster’s Ball (Marc Forster, 2001), por cuya interpretación Halle Berry
recibió el Oscar a la mejor actriz, lo que le supuso alcanzar el estrellato en
Hollywood, participando posteriormente en taquillazos como Muere otro
día (Lee Tamahori, 2002), de la saga Bond, pero también en desastres co-
mo Catwoman (Pitof, 2004).
SU ULTIMO TRABAJO. La tercera entrega de la saga de John Wick,
John Wick: capítulo 3-Parabellum, de Chad Stahelski, en la que ayuda aun
a su pesar a Wick (Keanu Reeves), el drama deportivo Bruised, en el que
Berry ha debutado como directora y que se centra en un luchador de
MMA. Se la verá próximamente en los filmes de ciencia ficción Moonfall,
de Roland Emmerich, y en The Mothership, de Matt Charman.
QUE FUE DE...
WESLEY SNIPES
BIOGRAFIA. Nacido el 31 de julio de 1962 en Orlando (Florida), pasó
de ser uno de los actores afroamericanos más importantes, tras trabajar a
las órdenes de Spike Lee o Mike Figgis, a ser un artista denostado por la
industria cinematográfica al ser condenado (y enviado a prisión) por eva-
sión de impuestos, lo que le ha convertido en un habitual del cine directo
a vídeo y plataformas. Publicó en 2017 la novela de ciencia ficción y fan-
tasía Talon of God, tras ser autor con el director Antoine Fuqua del cómic
After Dark.
FILMOGRAFIA DESTACADA. Pasajero 57 (Kevin Hooks, 1992), en-
carnando a John Cutter, un exagente secreto que deberá verse las caras
con quienes secuestran el avión en el que viaja. Fanático (Tony Scott,
1996), en el papel de Bobby Rayburn, un famoso jugador de béisbol que
sufrirá a su mayor seguidor, Gil Renard (Robert De Niro) al no lograr cum-
plir con las expectativas deportivas de la temporada. La trilogía de Blade,
inspirada en el personaje de cómics de la Marvel del mismo nombre dedi-
cado a cazar vampiros, a lo largo de tres filmes entre 1998 y 2004.
SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Simon Phoenix en la cinta de
ciencia ficción Demolition Man (Marco Brambilla, 1993), un criminal del
presente que es criogenizado y que será perseguido en un futuro aparen-
temente idílico por su eterno enemigo, el policía John Spartan (Sylvester
Stallone) y cuyos enfrentamientos provocarán el caos en este nuevo mun-
do.
SU ULTIMO TRABAJO. El biopic sobre el cómico norteamericano
Rudy Ray Moore Yo soy Dolemite y la secuela El rey de Zamunda, ambas
de Craig Brewer y con Eddie Murphy de protagonista, el thriller Cut Throat
City de RZA, o las series Paper Empire y True Story.
QUE FUE DE...
WHOOPI GOLDBERG
BIOGRAFIA. Nacida el 13 de noviembre de 1955 en la ciudad de
Nueva York, esta actriz cuenta en su carrera con éxitos de taquilla como
Sister Act, una monja de cuidado (Emile Ardolino, 1992) y tropiezos como
la cinta de ciencia ficción Dino Rex (Jonathan R. Betuel, 1995). Presenta el
programa televisivo de actualidad y entrevistas The View y fue una de las
creadoras de la marca de productos medicinales derivados del cannabis
Whoopi & Maya.
FILMOGRAFIA DESTACADA. El color púrpura (Steven Spielberg,
1985), donde era Celie Johnson, una mujer cuya vida queda marcada por
su raza, su origen humilde y sus propias relaciones personales. Jumpin’
Jack Flash (Penny Marshall, 1986), que entre la comedia y el thriller la
convierte en una trabajadora de un banco que se ve envuelta de manera
sorpresiva en una peligrosa trama de espionaje. El largo camino a casa
(Richard Pearce, 1990), interpretando a una mujer de color de los años
cincuenta que participa activamente en el boicot de autobuses de Mont-
gomery, una acción a favor de los derechos civiles y contra la segregación
racial en el estado de Alabama.
SU PAPEL MAS DESTACADO. Oda Mae Brown, la espiritista capaz
de conectar a Molly Jensen (Demi Moore) con su amado fallecido Sam
(Patrick Swayze) en Ghost/Más allá del amor (Jerry Zucker, 1990). Gold-
berg recibió el Oscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación,
también un Globo de Oro y un Bafta.
SU ULTIMO TRABAJO. Las series Blue Bloods, Staged, The Stand o
MODOK, y prepara su intervención en la nueva serie Harlem, el telefilme
inspirado por cuentos populares Fairy Tale Forest de Mark Risley. Repetirá
como Deloris en la nueva entrega de la saga de Sister Act, Sister Act 3.
QUE FUE DE...
DANNY GLOVER
Biografía. Nacido el 22 de julio de 1946 en San Francisco (Califor-
nia), este actor que ha actuado para Steven Spielberg, Lawrence Kasdan,
John Milius, Morgan Freeman, Bill Duke o James Wan, es un declarado
activista que lucha por los más desfavorecidos del mundo, niños y mayo-
res, a través de la justicia social, educativa y económica, y está, asimis-
mo, muy implicado en la causa contra el racismo existente en su país.
Filmografía destacada. Único testigo (Peter Weir, 1985), en la que
encarna a Mcfee, un agente de narcóticos corrupto, que ha asesinado a
un policía, crimen del que es testigo el niño amish Samuel (Lucas Haas).
Mandela (Philip Saville, 1987), donde interpreta al líder sudafricano en la
lucha contra la política del apartheid promovido por la minoría blanca de
su nación. Bat 21 (Peter Markle, 1988), como el capitán Bartholomew
Clark, que ha de ayudar al teniente coronel Iceal Hambleton (Gene Hack-
man), que se encuentra en territorio hostil durante la guerra del Vietnam.
Su papel más destacado. El del detective de la policía de Los Án-
geles Roger Murtaugh, que ha de vivir (y disfrutar) el tener como compa-
ñero a Martin Riggs (Mel Gibson) en los diferentes casos de la saga de ac-
ción de Arma letal de Richard Donner. Con Gibson volvería a coincidir
brevemente en el wéstern Maverick (Richard Donner, 1994), homenajean-
do la entonces aún trilogía.
Su último trabajo. La aventurera Jumanji: siguiente nivel de Jake
Kasdan, el drama sobre veteranos de guerra The Drummer de Eric Werth-
man, el thriller Saint Paul de Francisco Ordonez, a la espera del estreno
de la comedia con Richard Dreyfuss Killing Winston Jones de Joel David
Moore, cuando ya prepara su participación en la biopic sobre la cantante
Dionne Warwick, Dionne.
 CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
TRES LANCEROS BENGALÍES
The Lives Of A Bengal Lancer
1935; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry Hathaway; Guion: Waldemar Young, John L.
Balderston, Achmed Abdullah, Grover Jones, William Slavens McNutt; Música: Herman Hand, John
Leipold, Milan Roder, Heinz Roemheld; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Gary Cooper, Franchot
Tone, Richard Cromwell, Guy Standing, C. Aubrey Smith, Kathleen Burke, Akim Tamiroff, J. Carrol
Naish, Noble Johnson; Duración: 109 minutos.
El argumento sigue las aventuras de tres soldados británicos estacio-
nados en la India, enfrentados a los invasores Afridi, que lidera Mohamed
Khan, y en conflicto entre sí. Se basa en la autobiografía del mayor británico
Francis Charles Claypon Yeats-Brown, The Lives of a Bengal Lancer, publicada
en 1930. Con apenas 20 años, Yeats-Brown embarcó para la India, donde
sirvió en el Cuerpo Real de Fusileros del Rey en Bareilly. Trasladado al famoso
regimiento de caballería de los Lanceros Bengalíes fue destinado a la turbu-
lenta frontera noroeste del país.
En la India serviría desde 1904 hasta 1915 y sus vivencias allí las
plasmó en su libro autobiográfico. Durante la Primera Guerra Mundial, Yeats-
Brown combatió en Francia y Mesopotamia, formando parte del Real Cuerpo
Aéreo, cuya fusión con el Real Servicio Aéreo Naval en 1918 daría lugar a la
famosa Real Fuerza Aérea británica.
En 1915 su avión fue derribado cerca de Bagdad y pasó los dos
siguientes años como prisionero, vivencia que reflejaría en otro libro, Caught
by the Turks, publicado en 1919. Yeats-Brown se retiró del Ejército en 1924 y
posteriormente, en su etapa como periodista, se vería envuelto en algún que
otro lío por apoyar el fascismo. Escribió artículos laudatorios sobre Francisco
Franco y Adolfo Hitler en publicaciones como El Nuevo Pionero, una revista
relacionada con el partido fascista británico del vizconde Lymington. Conoció a
Hitler en 1937 y este le dijo que su libro sobre los lanceros bengalíes era uno
de sus favoritos y había hecho obligatoria su lectura para los miembros de las
SS: le entusiasmaba sobre todo la idea de que un reducido grupo de europeos
podía controlar todo un continente habitado por lo que él consideraba razas
inferiores. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
LA CARGA DE LA BRIGADA LIGERA
The Charge Of The Light Brigade
1936; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Michael Curtiz; Guion: Michael Jacoby, Rowland Leigh;
Música: Max Steiner; Fotografía: Sol Polito; Intérpretes: Olivia de Havilland, Errol Flynn, Patrick
Knowles, Henry Stephenson, Nigel Bruce, Donald Crisp, David Niven; Duración: 115 minutos.
El argumento se adorna con acontecimientos anteriores a la famosa
carga, como la desobediencia del mayor Vickers (Flynn), oficial del XXVII de
Lanceros de la India en 1856, que jura venganza contra el líder nativo Surat
Khan, líder de una masacre de mujeres y niños británicos.
Existe un montaje alternativo con una duración de 100 minutos de este
largometraje que se inspira en el poema de Alfred Lord Tennyson del mismo
título, publicado el 9 de diciembre de 1854 en The Examiner, después de que
la famosa brigada recibiera muchas bajas en la batalla de Balaclava, durante
la guerra de Crimea.
Tennyson se basó en dos artículos publicados en el periódico The
Times. La historia de la batalla ya había sido llevada al cine en una película
británica, Balaclava (1928), dirigida por Maurice Elvey y coprotagonizada por
Cyril McLaglen, Alf Goddard y Benita Hume. A esa película le pilló la llegada
del cine sonoro y volvió a ser estrenada en 1930 tras ser filmada de nuevo en
gran parte con Milton Rosmer como realizador.
En la época en la que se rodó el filme de Michael Curtiz no se respe-
taban tanto como ahora los derechos de los animales. De hecho, parte del
rodaje se trasladó a México, aprovechando que era un país en el que los impe-
dimentos para dañar a un animal en un rodaje eran mucho menores. Los
responsables del largometraje le sacaron jugo a esa circunstancia haciendo
tropezar con un cable a 125 caballos, 25 de los cuales tuvieron que ser sacrifi-
cados tras recibir daños irreparables en las patas. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
LA PATRULLA PERDIDA
The Lost Patrol
1934; EE. UU.; Blanco y negro; Director: John Ford; Guion: Dudley Nichols, Garrett Fort; Música: Max
Steiner; Fotografía: Harold Wenstrom; Intérpretes: Victor McLaglen, Boris Karloff, Wallace Ford,
Reginald Denny, J. M. Kerrigan, Billy Bevan, Alan Hale, Brandon Hurst; Duración: 73 minutos.
Se basa en la novela Patrol (Patrulla) de Philip MacDonald, publicada en
1927 y que ya había sido llevada al cine en el Reino Unido en 1929 con el
título de Lost Patrol, dirigida por Walter Summers y protagonizada por Sam
Wilkinson, Terence Collier y Cyril McLaglen. Curiosamente, este último era el
hermano de los también actores Kenneth, Leopold, Arthur y Victor McLaglen,
protagonista de la versión de 1934. Cyril era también tío del realizador Andrew
V. McLaglen. También existe otra versión a cargo del cine soviético titulada
Los trece (1937) dirigida por Mijail Romm y protagonizada por Ivan Novo-
seltsev, Yelena Kuzmina y Aleksandr Chistyakov. Por otra parte, el argumento
de la novela inspiró también otra película bélica, Sahara (1943), dirigida por
Zoltan Korda y protagonizada por Humphrey Bogart, J. Carrol Naish y Lloyd
Bridges.
Tanto Victor McLaglen como Wallace Ford y Reginald Denny comba-
tieron en la Primera Guerra Mundial. Boris Karloff intentó alistarse cuando
comenzó el conflicto, pero fue rechazado por problemas de corazón. Por su
parte, Philip MacDonald también había combatido en la Primera Guerra
Mundial, sirviendo en un regimiento de caballería en Mesopotamia. La novela
Patrol formó parte de los primeros veinte títulos de la famosa colección de
libros de bolsillo Penguin cuya andadura comenzó en 1935. El reestreno de la
película en 1954 tenía una duración de 66 minutos, así que siete minutos se
perdieron por ahí, como el pelotón de soldados que protagoniza la película.
El argumento sigue a una patrulla británica perdida en el desierto de
Mesopotamia sin órdenes ni manera de orientarse durante la Primera Guerra
Mundial. Su situación empeora cuando el oficial que los manda es abatido por
un francotirador, dejando al grupo bajo las órdenes del sargento interpretado
por Victor McLaglen. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
LA BANDERA
La Grande Relève
1935; Francia; Blanco y negro; Director: Julien Duvivier; Guion: Julien Duvivier, Charles Spaak;
Música: Roland Manuel, Jean Wiener; Fotografía: Jules Kruger; Intérpretes: Jean Gabin, Annabella,
Robert Le Vigan, Raymond Aimos, Pierre Renoir, Gaston Modot, Margo Lion, Charles Granval, Reine
Paulet, Viviane Romance, Jesús Castro Blanco, Robert Ozanne; Duración: 96 minutos.
La novela La bandera, escrita por Pierre Mac Orlan, el seudónimo que
empleaba Pierre Dumarchey, y publicada en 1931 por la editorial Gallimard,
inspiró este curioso largometraje sobre la Legión española. Dumarchey parti-
cipó en la Primera Guerra Mundial y resultó herido en 1916, después de lo
cual abandonó el Ejército y se dedicó a cubrir el conflicto como corresponsal
de guerra. Entre sus aficiones previas a la guerra estaba la de escribir novelas
pornográficas de tema sadomasoquista bajo seudónimos chispeantes como
Pierre du Bourdel, Sadie Blackeyes, Chevalier X, Sadinet, o incluso su nombre
real, Pierre Dumarchey, para molestar a un tío suyo que le había hecho la vida
particularmente difícil cuando era joven.
Parte de la película se rodó en Barcelona y el equipo también pudo
realizar tomas en los barracones de la Legión en Tetuán gracias a la media-
ción del general Francisco Franco, que era gran aficionado al cine. En el
estreno de la película en París en septiembre de 1935 se pudo ver una nota de
agradecimiento a Franco por su apoyo en la realización del filme. Cuando
estalló la Guerra Civil española al año siguiente la nota de agradecimiento fue
retirada, lo que puede servir como muestra de lo volátil que era la situación
geopolítica internacional en general, y de Europa en particular, en esos
momentos.
El argumento sigue las peripecias de Pierre Gillieth, que tras cometer un
asesinato en París, huye a Barcelona y acaba alistándose en la Legión espa-
ñola. Jean Gabin encontró un poderoso trampolín para su carrera en este
trabajo, con el que pudo escapar del encasillamiento de galán de melodrama
para perfilarse mejor como estrella, emparejado con Annabella, diva del cine
francés del momento, en el papel de la joven marroquí Aisha. M.J.P.
 CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
BEAU GESTE
1939; EE. UU.; Blanco y negro; Director: William A. Wellman; Guion: Robert Carson; Música: Alfred
Newman; Fotografía: Theodor Sparkuhl, Archie Stout; Intérpretes: Gary Cooper, Ray Milland, Robert
Preston, Brian Donlevy, Susan Hayward, J. Carrol Naish, Albert Dekker, Broderick Crawford, Charles
Barton, James Stephenson; Duración: 112 minutos.
A Percival Christopher Wren se deben las más populares y difundidas
novelas sobre la Legión extranjera francesa, como la que sirvió como base
para esta película, publicada en 1924. Fue la primera parte de una trilogía que
se completaba con Beau Sabreur, aparecida en 1926, y Beau Ideal, que llegó
al mercado dos años después.
Tras estallar la Primera Guerra Mundial se alistó en un regimiento de
infantería de la India, el 101 de Granaderos, que fue desplegado en el África
occidental. Wren fue dado de baja en febrero de 1915 por motivos de salud y
abandonó la reserva de oficiales para retornar a la vida civil en octubre. Si
sirvió o no en la Legión extranjera francesa es también un misterio, y aunque
no existen pruebas documentales que lo demuestren en el Servicio Histórico y
de Información de la Legión extranjera, su descripción de los uniformes,
armas y distribución de los barracones eran muy detalladas y fieles a la
realidad hacía pensar que había servido en ese cuerpo. Pero aún hoy se consi-
dera que todo ello se debe a una gran labor de documentación y varias entre-
vistas realizadas a veteranos legionarios que Wren conoció durante sus viajes
por el norte de África. Entre los libros que pudo consultar para recabar infor-
mación se encuentran In the Foreign Legion (1910), escrito por el veterano del
cuerpo Edwin Rosen, y Life in the Legion: From a Soldier’s Point of View
(1911) de Frederic Martyn.
Existe una adaptación cinematográfica anterior estrenada en 1926 diri-
gida por Herbert Brenon con Ronald Colman, y una nueva adaptación estre-
nada en 1966 dirigida por Douglas Heyes, con Guy Stockwell, Doug McClure,
Telly Savalas y Leslie Nielsen. En 1977 se estrenó Mi bello legionario (The Last
Remake of Beau Geste), variante cómica dirigida y protagonizada por Marty
Feldman. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
LA ÚLTIMA CARGA
Outpost in Morocco
1949; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Robert Florey; Guion: Charles Grayson, Paul de Sainte
Colombe, Joseph N. Ermolieff, Frances Kavanaugh; Música: Michel Michelet; Fotografía: Lucien N.
Andriot; Intérpretes: George Raft, Marie Windsor, Akim Tamiroff, John Litel, Ernö Verebes, Eduard
Franz, Crane Whitley, Damian O’Flynn, Michael Ansara, Gordon Armitage, Paul Bradley, Ralph Brooks;
Duración: 92 minutos.
Aunque la intención inicial era comenzar a rodar la película en 1939, la
RKO, su productora original, suspendió el rodaje a causa del estallido de la
Segunda Guerra Mundial. El autor de la historia en la que se basa el guion de
la película, Joseph N. Ermolieff, acabó denunciando a la RKO por no realizar el
filme, y logró retener los derechos de esta, que se rodó finalmente diez años
después gracias a la productora de Sam Bischoff Star Films. El rodaje resultó
caro y hubo que contar también con la financiación de la compañía francesa
Pathé Cinéma y fue necesario crear la productora Moroccan Films para sacar
adelante el proyecto. El equipo de segunda unidad dirigido por Richard Rosson
pasó cinco meses en Marruecos filmando batallas, persecuciones y recibiendo
incluso el permiso para poder rodar escenas con soldados reales de la Legión
extranjera francesa, ya que los productores contaron con la total cooperación
por parte de ese cuerpo. Parte de dicho material fue luego reutilizado en las
películas Argelia (1953) –dirigida por Lesley Selander y protagonizada por
Yvonne De Carlo, Carlos Thompson y Raymond Burr–, y Legion of the Doomed
(1958), de Thor L. Brooks –que tuvo como intérpretes principales a Bill
Williams, Dawn Richard, Anthony Caruso y George Baxter–.
El argumento sigue la pista al capitán de los spahi Paul Gerard, que
debe dirigir una patrulla a la ciudad de Bel-Rashad en ruta hacia un fuerte de
la Legión extranjera francesa escoltando a la hija del emir en un arriesgado
viaje de diez días. La Legión extranjera aportó unos 900 soldados de Fort
Tinihir, legionarios alemanes que habían combatido en el Afrika Korps de
Rommel con uniforme francés durante la Segunda Guerra Mundial. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
LA JUNGLA EN ARMAS
The Real Glory
1939; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry Hathaway; Guion: Jo Swerling, Robert Presnell Sr.,
Charles L. Clifford; Música: Alfred Newman; Fotografía: Rudolph Maté; Intérpretes: Gary Cooper,
David Niven, Andrea Leeds, Reginald Owen, Broderick Crawford, Kay Johnson, Russell Hicks, Vladimir
Sokoloff, Benny Inocencio, Charles Waldron, Rudy Robles, Tetsu Komai; Duración: 96 minutos.
The Real Glory, escrita por Charles L. Clifford y publicada en 1937, es
una de las bases de la película y tiene muchos puntos en común con otra
novela publicada dos años después titulada Jungle Patrol, escrita por Gerald V.
Hurley. Como ambos autores trataron el tema de las tropas estadounidenses
desplegadas en Filipinas a comienzos de siglo, se suele pensar que uno es un
seudónimo del otro, cuando en realidad son dos autores diferentes.
La película trata sobre una rebelión de filipinos de religión musulmana
que atacan salvajemente a las pacíficas poblaciones de granjeros. Durante la
Segunda Guerra Mundial, el Departamento de Guerra de Estados Unidos retiró
la película de la circulación, ya que los musulmanes filipinos eran aliados del
país y luchaban a su lado contra los japoneses. Hubo rumores de que el
Gobierno filipino había exigido cambios en la película ya que los filipinos que
aparecían en ella eran descritos como vagos y cobardes, cambios que natural-
mente no llegaron a realizarse.
También podría haberse realizado una película sobre el Ejército de más
de 100 000 hombres que desplegó Estados Unidos para asegurar el control
sobre Filipinas. O sobre las aldeas quemadas, las violaciones y las torturas a
prisioneros de guerra utilizando agua conocidas como “curas de agua”, un
clásico utilizado también en conflictos más recientes. El presidente de Estados
Unidos William McKinley justificó todas estas salvajadas diciendo que “los fili-
pinos eran incapaces de autogobernarse y la única opción era educarlos y
cristianizarlos”. Pero bueno, ya se sabe, leyenda negra, lo que se dice leyenda
negra, solo la tiene España. El resto de países se han comportado siempre de
una forma irreprochable. Especialmente los anglosajones. M.J.P.
CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO
GUNGA DIN
1939; EE. UU.; Blanco y negro; Director: George Stevens; Guion: Joel Sayre, Fred Guiol, Ben Hecht,
Charles MacArthur; Música: Alfred Newman; Fotografía: Joseph H. August; Intérpretes: Cary Grant,
Victor McLaglen, Douglas Fairbanks Jr., Sam Jaffe, Eduardo Ciannelli, Joan Fontaine, Montagu Love,
Robert Coote, Abner Biberman; Duración: 117 minutos.
Un poema de Rudyard Kipling sirve como base para el guion de esta
película en el que trabajaron también William Faulkner, Lester Cohen, John
Colton, Vincent Lawrence, Dudley Nichols y Anthony Weiller, aunque final-
mente su trabajo no fue reconocido en los títulos de crédito. Además de inspi-
rarse en el poema Gunga Din de Kipling, aparecido en 1892, el guion de la
película también tomó elementos de otra obra del mismo autor, Soldiers Three
and Other Stories, publicada en 1888, en la que recopilaba varias historias
cortas protagonizadas por los soldados británicos Terence Mulvaney, Stanley
Otheris y John Rearoyd. Fue la segunda recopilación de historias publicada por
Kipling tras Plain Tales from the Hills (Cuentos de las colinas), en la que,
asimismo, aparecían estos tres soldados.
Tanto en el cómic Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons publicado
en 1986 como en su adaptación cinematográfica de 2009 dirigida por Zack
Snyder aparece un restaurante de comida rápida llamado Gunga Diner que
hace homenaje a la película. Su logo es un elefante indio de color morado que
sirve también para anunciar el restaurante gracias a dirigibles con esa forma
que se pasean por el cielo de la Nueva York distópica en la que transcurre la
historia. Además, Tres reyes (David O. Russell, 1999) propone a tres soldados
estadounidenses, George Clooney, Ice Cube y Mark Wahlberg, que en plena
guerra del Golfo intentan hacerse con un cargamento de oro que los iraquíes
han saqueado durante la invasión de Kuwait, mezcla de Gunga Din y Los
violentos de Kelly (Brian G. Hutton, 1970). Como curiosidad, resaltar que el
personaje interpretado por Cary Grant en Gunga Din se llamaba Archibald
Cutter, mientras que el encarnado por George Clooney en Tres reyes respondía
al nombre de Archie Gates. M.J.P.
Grandes películas de Cine Bélico (XXXVI)
Segundo paseo por lo que podríamos llamar
las “secciones especiales” del coleccionable,
que se centra en ampliar las fichas de
conflictos coloniales.
Tal y como expliqué en el arranque de este coleccionable,
muchos autores acotan el género en aquellos títulos que
abordan las guerras del siglo XX en adelante, pero yo discrepo,
porque conozco muchas películas que son interesantes
retratando la realidad y el mito que nos ha quedado de las
condiciones que se produjeron en conflictos bélicos anteriores.
Es muy interesante lo ocurrido en el siglo XIX para
entender muchas de las cuestiones que condujeron a la
Primera y la Segunda Guerra Mundial, e incluso para explicar
algunas de las cuestiones esenciales que se dan en conflictos
del siglo XX, como la guerra de Indochina, que tiene todas las
características del ocaso de un imperio, el francés, en esa
zona, cuyos ecos se extienden hasta la posterior intervención
de Estados Unidos en Vietnam.
Otro asunto que tener en cuenta es la importancia que
tiene en la construcción del imperialismo estadounidense bajo
la capa del papel de “policía democrática del planeta”, un
expansionismo colonialista disfrazado que se inicia en el
enfrentamiento de Estados Unidos con España en 1898 en
Cuba. Por cierto, en referencia a La jungla en armas, película
sobre la presencia estadounidense en Cuba, es una pena que
en Hollywood sean alérgicos a los libros de historia, sobre todo
a aquellos que son críticos con Estados Unidos. Si no fuera así
podrían haber realizado otra película sobre el exterminio de
más de un millón de filipinos que se rebelaron contra la
ocupación yanqui y la imposición del inglés como lengua
oficial. Como decía el cónsul estadounidense en Manila O. F.
Williams: “Cada empresa norteamericana será un centro
comercial y una escuela para nativos dóciles llevados a un
buen gobierno según el modelo de Estados Unidos. El español o
el idioma nativo no son esenciales. Nuestro idioma debe de ser
adoptado en los tribunales, puestos públicos, escuelas e
iglesias para que los nativos aprendan inglés”. Los “policías
del mundo libre” con la careta por los suelos.
En ese terreno se mueve La patrulla perdida, donde John
Ford despliega claves que recuerdan sus wésterns en el uso del
paisaje, pero a medida que se desarrolla la trama va acercando
la historia al terror mediante la inquietante presencia no
materializada de los francotiradores que van asesinando a los
protagonistas de uno en uno.
Por su parte, Tres lanceros bengalíes, una de las películas
más significativas del cine de aventuras coloniales producido
en Hollywood en los años treinta, se basa en las experiencias
reales de uno de los personajes más curiosos del convulso
paisaje bélico europeo de la primera mitad del siglo XX. El
mayor Francis Charles Claypon Yeats-Brown, veterano de la
Primera Guerra Mundial que simpatizaba con el fascismo,
admiraba a Francisco Franco y era admirado por Hitler, pero
sin embargo cuando estalló la Segunda Guerra Mundial no
dudó en volver a alistarse de nuevo para combatirlos,
regresando a la India y a Birmania, donde reunió material para
un nuevo libro titulado Martial India, que se publicó en 1945.
Falleció en diciembre de 1944 sin ver el final del conflicto.
Otro veterano que sabía de lo que hablaba es Pierre
Dumarchey, que escribió la novela en la que se basa La
bandera, la mejor película sobre la Legión española, a pesar de
ser una producción francesa.
La carga de la brigada ligera, que fue una metida de pata
militar de grandes proporciones, y los británicos, como suelen
hacer con sus errores, convirtieron en gesta épica, Beau Geste,
Gunga Din y La última carga completan este ciclo bélico
colonial.
Miguel Juan Payán
67
MALDICIONES EN EL CINE

Matrix (1999) de las hermanas Wachowski

los crímenes que cometieran no fueran a tener con-
secuencias porque, al fin y al cabo, vivimos en
Matrix.
Ya en el año de su estreno, el nombre de
Matrix fue asociado a una tragedia que conmocionó
a todo el planeta. El 20 de abril de 1999, Eric y
Dylan, dos adolescentes, asesinaron a tiros a trece
personas (doce estudiantes y un profesor) en el Ins-
tituto Columbine, en Colorado. Nunca pudieron
decir qué les motivó a actuar así porque ambos se
quitaron la vida nada más perpetrar la matanza. En
realidad, nadie podía explicarlo. Y por ello, se busca-
ron culpables: la subcultura gótica, los videojue-
gos... y el cine. Ambos asesinos lucían largas gabar-
dinas de cuero negro, siguiendo el estilismo de Neo,
y se hacían llamar a sí mismos The Trench Coat
Mafia (La mafia de la gabardina). Además, Eric y
Dylan eran amantes del rock combativo y agresivo
de Marilyn Manson, cuya música suponía una lla-
mada a la rebeldía juvenil, y que podía escucharse
en el soundtrack de la película.
Sin embargo, de las sospechas se pasó direc-
tamente a los tribunales. En 2003, año en el que se

M
ás allá de las galaxias de Star Wars o de los mundos estrenó la última parte de la trilogía, ya se popularizó en los juzga-
de El señor de los anillos, hubo otra trilogía con la que dos lo que ya se llamó la “Defensa Matrix”: una estrategia, por la
podemos decir que se cerró oficialmente un milenio y cual, el representante legal de un acusado alegaba que éste creía
quedó inaugurado otro. Puede que Matrix (1999) no vivir en una realidad paralela por influencia de la cinta de las
fuera la primera fantasía conspiranoica enmarcada en Wachowski. Como si fuera el propio Neo. Lo crean o no, en algunos
el género de la ciencia ficción, ni la primera cinta en introducir las casos dio resultado. Así ocurrió en 2002 con Tonda Lynn Ansley,
artes marciales dentro de un entorno futurista, ni la primera obra en una mujer de Ohio que asesinó a su casero de un disparo en la
maridar cuestiones filosóficas con tecnológicas. Y sin embargo, lo cabeza y que fue declarada no culpable. En ese mismo año, y de
parecía. La película de las Wachowski asimilaba sus influencias y nuevo con una casera como víctima, Vadim Mieseges, un estu-
les otorgó un envoltorio novedoso, atractivo y, para muchos, fasci- diante de informática de San Francisco, no pudo ser sometido a jui-
nante. Y, como les ocurre a todas las películas de culto, algunos cio debido a su estado mental porque, según él, había sido “abdu-
vieron más de lo que en realidad había. cido por Matrix”.
Por desgracia y en contra de No fueron los únicos. La defensa
sus pretensiones, muchas películas, de Joshua Cooke, un joven de Virginia
y esta sección es prueba de ello, han que asesinó a sus padres adoptivos,
servido de inspiración para hechos que vestía una gabardina negra, que
luctuosos. Sin embargo, Matrix tenía en su dormitorio un enorme pós-
cuenta en ese sentido con un plus. ter del filme y que veneraba la pelí-
Recordemos su tercio final. Neo y Tri- cula, se basó en su creencia de estar
nity se trasladan a nuestro mundo viviendo en una “realidad paralela”.
con el objetivo de rescatar a Morfeo. Incluso asesinos en serie como Lee
Para lograrlo, tienen que tirar de gati- Boyd Malvo, uno de los francotirado-
llo y liquidar a un buen número de res que aterrorizó durante tres sema-
policías. Nuestra conciencia, como nas el área de Washington, arreba-
espectadores, respiraba tranquila. tando la vida a diez personas, escribió
Todos los caídos solo eran gráficos en su celda las siguientes palabras:
de ordenador, hologramas programa- “Liberaos de Matrix”.
dos por aquel mundo paralelo que El estreno de Matrix 4 está
mantenía esclavizada a la raza cerca. Si nada cambia, a finales de
humana. Dicho de otro modo, no era año. ¿Volverán Neo y compañía a ejer-
real. Fue precisamente esa fina línea cer ese efecto hipnotizador o su
que separaba nuestro universo físico embrujo se habrá acabado? Después
del universo virtual el factor crítico de lo expuesto aquí, solo desear que a
que pudo desencadenar algún tipo todos nos guste... pero que no nos
de interpretación viciada por parte obsesione.
de espectadores inestables. Como si Jaime V. Echagüe

68
007 El mundo nunca es suficiente
L
a franquicia de 007 cerró el siglo XX con esta aventura
argumentalmente centrada en el problema del abasteci-
miento de petróleo que además pone de manifiesto la
plena madurez de la etapa de Pierce Brosnan interpre-
tando el personaje a pleno rendimiento.
El guion
Totalmente liberada de los complejos que arrastrara en la
segunda película de Timothy Dalton y en la primera película de
Brosnan, Goldeneye, esta película le permite a 007 volver a ser
James Bond a tope en lo referido al sexo, su contacto con los per-
sonajes femeninos y los chistes correspondientes a su natura-
leza donjuanesca. Si bien es cierto que en manos de Bros-
nan, este Bond de los noventa expresa una vulnerabilidad
que completa y hace madurar al personaje, ya
exhibida, con menos acierto, en Goldeneye (la
comentada escena al borde la playa con el sol
al fondo, meditando... ¡Bond meditando!,
¡anatema!) y en El mañana nunca
muere, vuelve a mostrarse como un
cavernícola en lo referido a su rela-
ción con las féminas del relato en
varios momentos. Por ejemplo, el
chiste de arranque cuando entra en el
despacho del banquero suizo y se
queda mirando los pechos de Maria
Grazia Cucinotta. Ella pregunta:
“¿Desea examinar mis cifras?”, y
Bond contesta: “Estoy seguro de que
están perfectamente redondeadas”.
Otro ejemplo: en la revisión del hom-
bro con la doctora, el asalto en toda
regla, con plano de detalle de la ropa
interior de ella incluido. Finalmente: la
secuencia de Bond en el casino con las
gafas de rayos X que le permiten contemplar
reveladoras imágenes de las armas de los matones... y de la ropa
interior de las féminas. Esos momentos nunca habrían entrado en
las dos películas anteriores de Brosnan. Pero en esta encajan en
una trama que sin duda es la más abiertamente sexual y la más
madura de las cuatro intervenciones del actor como 007.
El sexo tiene un papel importante en el personaje de Elektra,
interpretada por Sophie Marceau, tanto en su relación con Bond
como con el complejo vínculo que comparte con el antagonista
encarnado por Robert Carlyle. Su personaje está inspirado en el
caso real de Patty Hearst, secuestrada en 1974, e incorpora el
denominado síndrome de Estocolmo al argumento, como
aclara el propio 007 en el diálogo. Por el contrario, el
personaje de la doctora Christmas Jones de Denise
Richards es uno de los más tontorrones y flojos de la
galería femenina de toda la saga. El propio guion
parece confirmar esa opinión liberándose con singu-
lar caradura de intentar explicar su pasado o por qué
está desarmando armas nucleares, y Richards es sim-
pática, pero no es creíble en esa función. Hasta la
Goodnight de Britt Ekland en El hombre de la pistola de
oro la supera. Sin duda, la aportación femenina
más floja de toda la era Brosnan. Ese dese-
quilibrio de aportes femeninos es uno
de los puntos flacos de la película.
Otros puntos flacos del guion:
siembran para no recoger. No sirve de
nada que dejen estallar la bomba para
hacerse pasar por muertos, y tampoco
sirve de nada que M consiga transmitir
su posición porque los capturan de inme-
diato. En general, el guion es innecesaria-
mente enrevesado en todo el plan de los
antagonistas para conseguir hacerse con las
armas, equipos, etc., y muy rebuscado en la
introducción del submarino en la parte final de
la historia.
69
007 El mundo nunca es suficiente
Marceau compone el personaje femenino más interesante y
con más protagonismo de todo el largo ciclo de las películas de
007, superando incluso a la Vesper Lynd interpretada por Eva
Green en Casino Royale, la primera película de Daniel Craig, en
su peso dramático en el conjunto del relato y su vinculación con
el antagonista que confirma la tendencia de los antagonistas de
la etapa Brosnan a ser más sólidos y alejados del tono caricatu-
resco habitualmente aplicado a los villanos de la franquicia en
etapas anteriores.
Todo ello hace de esta película una de las más adultas del
personaje a lo largo de toda su trayectoria, preludiando el tono que
va a seguir la siguiente y toda la etapa de Daniel Craig. Pero aún
conserva las bromas y el nivel cavernícola gamberro de un Bond
desinhibido en su conducta políticamente incorrecta, lo cual, visto
desde la perspectiva actual, casi resulta refrescante, porque el per-
sonaje no se niega a sí mismo.
El terrorista mercenario Renard de Carlyle está inicialmente
menos expuesto en la primera parte de la película que el antago-
nista de la película anterior, reservándose astutamente para fun-
cione mejor su primer encuentro cara a cara con Bond, el reen-
cuentro con Elektra, y su cara a cara con M (Judi Dench), que aquí
ve realzado también su papel por el vínculo de carácter personal
que la une a los implicados en la misión, y de paso cambia su tono
criticón sobre la actitud machista de 007 para unirse a la fiesta de
insinuaciones sexuales en dos momentos: su mejor diálogo, la
advertencia a Bond sobre cómo realizar su labor de vigilancia de
Elektra siendo su sombra: “Recuerde: la sombra se coloca delante
o detrás, nunca encima”; en el desenlace es el epicentro del descu-
brimiento de Bond y Christmas que recuerda los finales de fiesta
erótica protagonizados por Roger Moore al final de sus misiones.
La música
Repite el compositor de El mañana nunca muere, David
Arnold. Me gusta más que hayan recuperado para los títulos de cré-
dito finales el tema musical de Monty Norman con añadidos de
tecno, tras eliminar el tema musical de Scott Walker pensado ini-
cialmente y borrado por su mala acogida en los pases de prueba,
que la canción de Garbage para acompañar los títulos iniciales,
poco arriesgada, más de lo mismo, y casi tan sosa como las propias
imágenes que la acompañan, de las más grises de toda la saga en
mi opinión.
Cosas que tener en cuenta
• El título de la película procede de la novela de Ian Fleming Al
servicio secreto de su majestad, y alude al lema de la familia Bond:
“Orbis non sufficit”, que el 007 de George Lazenby descubría en su
escudo de armas en 007 al servicio secreto de su majestad en
1969. Fleming lo tomó del lema “Non sufficit orbis” que aparecía
en la medalla acuñada cuando el monarca español Felipe II fue pro-
clamado rey de Portugal en las Cortes de Tomar, cuando el Imperio
español, siempre tan temido por Inglaterra, alcanzaba el máximo de
su extensión en cuatro continentes: Europa, África, América y Asia.
• Es la película con más acción antes de los créditos, con dos
secuencias trepidantes en el prólogo en lugar de una. La primera en
Bilbao, la segunda en Londres, con la espectacular persecución por
el Támesis.
• Marcó el regreso a los estudios Pinewood de Londres des-
pués de doce años de exilio o ausencia de la saga de una de sus
referencias de producción. Fue la primera película de 007 que vol-
vió a rodar allí desde Alta tensión, filmada en 1987.
• La idea del helicóptero con las sierras atacando la fábrica de
caviar fue recuperada del guion de Goldeneye, donde no pudieron
utilizarla por falta de presupuesto y ser demasiado arriesgada tal
como estaba concebida en aquel momento.
• Fue la película de despedida del Q oficial de la saga, Des-
mond Llevelyn, que tras ser el diseñador de ficción de los vehí-
culos tuneados de 007 durante años, falleció en un accidente de
automóvil.
Miguel Juan Payán
 GRANDES DIRECTORES

CLINT EASTWOOD
N
acido en San Francisco el 31 de mayo de 1930,
Clinton Eastwood Jr., para el cine Clint Eastwood,
lleva paseando su 1,93 de estatura por las pro-
ducciones del cine y la televisión ejerciendo
como actor desde que debutó ante las cámaras
con un pequeño papel por el que no le dieron sitio en los cré-
ditos en La venganza del hombre monstruo (1955).
Pero lo que aquí nos interesa no es su carrera delante
de las cámaras, sino la que ha desarrollado como director,
contando o no consigo mismo como protagonista, en 45 pro-
ducciones, la mayoría largometrajes, aunque no falta en esa
lista sitio para algún capítulo de serie de televisión e incluso
un videoclip de 1999 con la estrella del jazz Diana Krall inter-
pretando el tema “Why Should I Care”, trabajo que segura-
mente Eastwood disfrutó especialmente porque es un meló-
mano muy aficionado al jazz y el soul que incluso ha
participado cantando y componiendo algunos temas para sus
películas. De hecho, uno de los mejores trabajos tras las
cámaras es la entrega titulada Piano Blues de la miniserie
Martin Scorsese presenta: The Blues, de 2003.

Productor antes que director

Sin duda, la música tiene un papel muy destacado a la hora
de marcar el ritmo de las películas que han convertido a East-
wood en un director/autor que ha sabido construir su filmografía
sobre un inteligente acuerdo con los estudios de Hollywood, tra-
bajando bajo el paraguas primero de Universal y luego de Warner
Bros. a través de su productora, The Malpaso Company.
Irving Leonard, asesor financiero del entonces solo
actor Eastwood, creó The Malpaso Company en 1967 invir-
tiendo el capital conseguido por Eastwood con su participa-
ción en las películas de wéstern mediterráneo dirigidas por
Sergio Leone (Por un puñado de dólares, La muerte tenía un
precio y El bueno, el feo y el malo). El objetivo era financiar el

71

rodaje del primer largometraje de Clint Eastwood como protago-
nista en Hollywood: Cometieron dos errores (1968). El propio East-
wood intentó convencer a Sergio Leone para que la dirigiera, pero
cuando este no pudo por estar ocupado rodando Hasta que llegó su
hora, eligió a Ted Post, que le había dirigido en numerosos capítu-
los de la serie televisiva Cuero crudo.
The Malpaso Company fue el primer y decisivo paso de East-
wood para mantener mayor control creativo sobre su carrera esta-
dounidense desde el primer momento, una decisión que subraya la
manera de pensar de Eastwood como productor incluso antes de
iniciar su carrera como director, cosa que hizo con Escalofrío en la
noche (1971), película que sorprendió positivamente a crítica y
público por abordar una trama de intriga y acoso de un locutor de
radio a manos de una de sus seguidoras, basada en una experiencia
real del propio actor con una excompañera sentimental de su
juventud que acabó suicidándose. Le dio la vuelta a la clave del
cine de suspense con féminas acosadas por hombres. La primera
secuencia que Eastwood rodó como director fue el breve cameo del
director Don Siegel, director de Harry el Sucio, obligándole a rodar
doce tomas de su breve cameo a modo de broma. En ese primer
trabajo tras las cámaras Eastwood incorporó ya la música como
elemento clave, aprovechando la profesión del protagonista, inter-
pretado por él mismo, y rodando una curiosa secuencia con estilo
documental en el Festival de Jazz de Monterrey.
Comercial y autoral
A partir de ese momento, y tras dirigir la secuencia del suicida en
Harry el Sucio, Clint Eastwood inició una carrera como director en la
que inicialmente se apoyó en su éxito como actor para sacar adelante
una serie de proyectos afincados en el cine de acción, diversificando
su carrera tras las cámaras entre propuestas más comerciales destina-
das a satisfacer las expectativas del estudio y su propio desempeño
72
GRANDES DIRECTORES
como estrella generando beneficios, pero en las que no renunciaba a
hacer aportes de personalidad propia al cine de género, y películas
más inclinadas a desarrollar una filmografía de autor que con el
tiempo ha ido ganando espacio en sus propuestas tras las cámaras,
hasta el punto de convertirse en el cien por cien de sus películas.
En la primera opción encontramos su revisión del wéstern en
clave siniestra, con alusiones sobrenaturales y pinceladas de terror
en Infierno de cobardes (1973), la historia de espionaje Licencia
para matar (1975), que se diferenciaba de otras muestras del
género de la época, la reivindicación de los códigos del wéstern
clásico evolucionando hacia su actualización en El fuera de la ley
(1976), una road movie de acción con una variante antiheroica de
Harry el Sucio en Ruta suicida (1977), donde anticipó la acción
modo destroyer que iba a triunfar tiempo después primero en el
cómic y más tarde en el cine, el curioso cruce de la fórmula de
aventuras de 007 con la ciencia ficción y espíritu de Guerra Fría
Firefox: el arma definitiva (1982), la más oscura aventura de Harry
el Sucio, Impacto súbito (1983), el remake no declarado pero evi-
dente de Raíces profundas, clásico del wéstern, en El jinete pálido
(1985), retomando tonos sobrenaturales en su personaje que
recuerdan Infierno de cobardes, la película de encargo del Departa-
mento de Defensa de Estados Unidos El sargento de hierro (1986),
la buddy movie El principiante (1990), y las fábulas crepusculares
Space Cowboys (2000) y Deuda de sangre (2002).
Esa senda más comercial fue perdiendo peso, y calidad, a
medida que Eastwood se volcaba en sus películas más personales,
que son las que le han ido confirmando como uno de los maestros
del cine de los últimos treinta años.
Héroes, épica, verdad y derrota
En esa línea de trabajo, iniciada con Bronco Billy (1980) y El
aventurero de la medianoche (1982), Eastwood se ha revelado
adicto a los personajes e historias reales sobre los argumentos de
ficción y ha abundado en las biografías a las que aplica una mirada
humanista, pero al mismo tiempo desmitificadora llamada a
hacerse eco de la dinámicas de convivencia y conflicto presentes
en la sociedad estadounidense. En esta otra línea de trabajo, los
héroes dejan paso a los antihéroes y a los perdedores. Y en perpe-
tua reflexión sobre las luces y las sombras del éxito y el peso del
duelo entre perdedores y ganadores, encontramos lo mejor de su
trabajo como director. El homenaje al mundo del jazz y sus rincones
oscuros en Bird (1988); Cazador blanco, corazón negro (1990),
donde recreó el rodaje de La Reina de África, interpretando él
mismo el papel de John Huston jugando la carta de la desmitifica-
ción de Hollywood; el wéstern de ocaso Sin perdón (1992), con el
que ganó el Oscar al mejor director; la road movie Un mundo per-
fecto (1993); la inesperada fábula romántica Los puentes de Madi-
son (1995); la oscura crónica de sucesos Medianoche en el jardín
del bien y del mal (1997); una reflexión premonitoria sobre los
malos inquilinos de la Casa Blanca en Poder absoluto (1997) y una
amarga mirada a la pena de muerte en Ejecución inminente (1999);
su segunda obra maestra indiscutible, Mystic River (2003), por la
que fue nominado al Oscar como director, y el poema sobre la pér-
dida Million Dollar Baby (2004), con el que volvió a ganar el Oscar.
La última etapa de la carrera de Eastwood como director tiene
como tema dominante la reflexión sobre el heroísmo, la épica de la
derrota, la percepción de la realidad y el enfrentamiento de la ver-
dad con la mentira, con títulos como Banderas de nuestros padres
(2006) y Cartas desde Iwo Jima (2006), su doblete de la visión
estadounidense y japonesa sobre la batalla de Iwo Jima, El inter-
cambio (2008), Gran Torino (2008), Invictus (2009), Más allá de la
vida (2010), J. Edgar (2011), Jersey Boys (2014), El francotirador
(2014), Sully (2016), 15:17: tren a París (2018), Mula (2018),
Richard Jewell (2019) y ahora Cry Macho (2021).
Miguel Juan Payán
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truos del cine desde los nes en la etapa muda hasta
género, incluyendo las pelí-
vampiros Nosferatu y culas principales, los creado- las producciones de más de las más destacadas es-
Drácula, el Golem, res más destacados, tanto reciente estreno en la car- trellas del Hollywood de
Frankenstein o Alraune, novelistas como directores o telera. ayer y de hoy se dan cita en
King-Kong, los hombres lo- actores, y un buen puñado de esta colección de anécdo-
bo y las mujeres pantera... anécdotas. tas.

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las mejores películas que nunca hemos visto

Cita con Rama de David Fincher

ficha de Rendezvous with Rama (su título
original), calificándolo de “proyecto en
desarrollo”. A principios de los años 2000,
la intención de Freeman era poner en pie
una adaptación a la altura de la novela ori-
ginal. Al cabo de unos años, y sorteando
muchas dificultades presupuestarias,
parecía que, por fin, la producción saldría
adelante. Además, liderada por uno de los
cineastas, entonces y también a día de
hoy, más prestigiosos.
En una entrevista en 2008 al sitio
web Ain’t it Cool News, Fincher fue pre-
guntado al respecto. Reconocía que
estaba metido en el proyecto y que, si bien
era ilusionante, había que ejecutarlo con
sumo cuidado. Al final, una novela como
Cita con Rama era tan poderosa que había
influenciado a cintas ya convertidas en
clásicos, como Star Trek (1979) o Aliens
Groucho Marx
(1986). “Muchas películas deben sus tra-
mas a aquella historia. Por eso, debemos
ser selectivos con las partes de la novela
que escogeremos, porque puede que las
ideas más literarias no sean, en último tér-
mino, las más cinematográficas”, recono-
cía. Hay que apuntar, en este sentido, que
la obra de Clarke está enmarcada en lo
que se conoce como ciencia ficción dura:
el aspecto científico y técnico estaba por
Año 2077. Un asteroide se estrella en nuestro planeta, destruyendo las ciudades encima del dramático.
Sin embargo, parece que, más allá
italianas de Padua y Verona, y provocando más de 600.000 muertos. Para de las intenciones, no hubo mucho más.
prevenir catástrofes similares en el futuro, la humanidad ha creado un complejo En la ficha antes citada de Rendezvous
with Rama aparecen acreditados hasta
detector que permite localizar cualquier objeto que se cierna sobre la superficie siete guionistas. Lo cual no quiere decir
terrestre. Años después, este sistema detecta un cuerpo celeste en dirección a la que hubiera catorce manos trabajando en
el libreto. Más bien, Freeman fue tante-
Tierra, girando a una enorme velocidad, y que, según las estimaciones, podría ser
ando a diversos escritores para que hicie-
artificial. Una amenaza que recibirá el nombre de Rama. ran sus primeros borradores. Lo cierto es
que, por nombres, estamos ante un autén-
tico dream team: Christos Gage, guionista

Y
a solo este inicio, apenas las cinco primeras páginas del
libro de base, merecía verse en imágenes. Se trata del
comienzo de Cita con Rama, novela escrita por Arthur C.
Clarke en 1972 y ganadora de todos los premios posibles
en su género: el Hugo, el Locus, el Nébula... Y, por qué no las últimas pistas del proyecto hay que retroceder a 2012. En una
decirlo, una obra que ya contaba con un sello de calidad previo al
venir firmada por uno de los padres de la ciencia ficción moderna.
Pocos años antes de su publicación se había estrenado 2001, una
odisea del espacio (1968), película que, además de la magistral
dirección de Stanley Kubrick, contaba con el guion coescrito por el
propio Clarke. En resumen, Cita con Rama era otra obra matriz del
género con potencial para convertirse en un nuevo filme de culto. Y
más aún si la persona detrás del proyecto era David Fincher.
Sin embargo, antes de hablar del director de Seven (1995),
hay que mencionar, precisamente, a uno de los protagonistas de
aquella cinta: Morgan Freeman. Aún hoy se puede visitar la web de
la productora del actor, Revelations Entertainment, donde figura la
de la serie de Daredevil (2015) y de varios cómics de Marvel; Bruce
McKeena, autor de varios episodios de Hermanos de sangre (2001);
Stel Pavlou, autor del best seller El códice de Atlanta (2007)...
Nunca ha sido abandonado oficialmente, pero para rastrear
charla, Freeman aseguraba que su “sueño” era interpretar al
comandante Norton de la novela. Y ante la insistencia por saber si
el filme saldría adelante, se mostró tajante: “Vamos a hacerla. Más
pronto que tarde”. Sin embargo, ese baile de guionistas desvelaba
una realidad tozuda: por muy prestigiosos que fueran los autores,
resultaba difícil dar con la clave del guion, y convertir la novela de
Clarke en una experiencia cien por cien cinematográfica. Algo que
el propio Fincher reconocería después. En ese sentido, Freeman fue
sincero. “La única tarea realmente difícil cuando vas a hacer una
película, más que conseguir financiación, es tener un guion. Un
buen guion”. Ojalá lo encuentre.
Jaime V. Echagüe

74
 CINE EN CASA

Un lugar tranquilo 2 Quo Vadis, Aida? Ilargi Guztiak

Los peligros del mundo
exterior
Tras el primer filme
de 2018, llega su
secuela, con el mismo
director tras las cámaras,
l a ve nta John Krasinski. En esta
Ya a
ocasión, la familia
Abbott, Evelyn y sus hijos, debe enfrentarse a los
peligros del mundo exterior, donde el más mínimo
ruido puede hacer que sus vidas se encuentren en
peligro, porque las criaturas se dejan llevar por el
sonido para descubrir a sus víctimas. Pero en esta
nueva realidad hay más amenazas y las van a cono-
cer muy pronto.
Los extras son: “Ruido perceptible: efectos
visuales y diseño del sonido”, centrado en los efec-
tos especiales, sonoros y visuales, con especial
atención a la creación de las criaturas. “El viaje de
Regan”, dedicado al personaje de Regan y su evo-
lución, además de incluir algunas declaraciones
del equipo artístico y técnico. “Se abre el telón”,
también con entrevistas al equipo y a los actores,
que hablan de los seres ciegos que se guían por el
sonido. “Sobrevivir en el puerto deportivo”, sobre la
preparación y rodaje de esa escena. Y “Diarios del
director: el rodaje con John Krasinski”, una conver-
sación con el realizador y guionista en el set de fil-
mación, que opina del rodaje y la propia produc-
ción.
Inquietante... y la tercera entrega llegará en
2023.
EXTRAS:
¿A quién salvar?
En los años noventa,
la Yugoslavia pos-Tito
dejó de existir y entre
distintas etnias comenza-
venta
ron los enfrentamientos
Ya a l a por poseer la hegemonía
en determinados territo-
rios. Y aunque aquella terrible guerra acontecida
en los Balcanes, con intervención de otras nacio-
nes (para favorecer sus intereses regionales),
acabó, las heridas siguen abiertas por hechos que
tuvieron lugar entonces. Uno de esos ejemplos es
Srebrenica, una localidad de Bosnia en la que Aida
es una maestra que trabaja de traductora para la
ONU, cuyos cascos azules holandeses deben pro-
teger a su población. Pero cuando tropas serbias
de Bosnia ocupan el enclave, el temor se extiende
entre su población musulmana, si bien con la con-
fianza de que las fuerzas de la ONU defenderán sus
vidas. Las negociaciones entre los diferentes ban-
dos tendrán a Aida como testigo, que conoce de
primera mano el destino que le espera a Srebrenica
y a sus habitantes, y por tanto, a su familia. Para
muchos de ellos, la muerte. Pero ella decide priori-
zar la seguridad de los suyos.
Se edita con el tráiler cinematográfico y una
galería de imágenes, echándose en falta audioco-
mentarios de la realizadora Jasmila Zbanic, un
cómo se hizo o algún reportaje sobre esta historia.
Una reflexión sobre las instituciones de la vio-
lencia.
EXTRAS:
(Todas las lunas)
¿Quién quiere vivir para
siempre?
La Tercera Guerra
Carlista es el enésimo
l a ve nta conflicto épico que tiene
Ya a
lugar en tierras españo-
las, y tras casi cuatro años de duración, de un orfa-
nato dirigido por monjas (y que ha sido bombarde-
ado), una niña es rescatada por una misteriosa
mujer que vive en lo más profundo del bosque. Sin
embargo, lo que podría ser tener un futuro para
ella, tras haber resultado herida en el ataque, se
convertirá prácticamente en una maldición, ya que
se le ha concedido el don de la vida eterna, pero en
el cuerpo de una chica que no puede crecer. Mas
una luz iluminará su camino cuando un hombre
sencillo, Cándido, la acoge en su hogar y la cuida
como si fuera su hija, empeñándose en que tenga
una existencia normal. Porque, ¿quién quiere vivir
para siempre?
Igor Legarreta (Cuando dejes de quererme)
dirige su segundo largometraje con rodaje (en eus-
kera) en diversas localizaciones de Navarra, Gui-
púzcoa y Vizcaya, en una edición que sale a nues-
tro mercado con una galería de imágenes, varios
tráileres y un par de reportajes sobre cómo se hizo
con escenas tras las cámaras y palabras del
equipo técnico y artístico.
Sirve para especular acerca de la inmortali-
dad.
EXTRAS:

Fast & Furious 9 Pack La noche de

t t
26 oc
Una canción
irlandesa
El amor todo lo puede
Drama, que transcu-
rre en tierras irlandesas,
sobre una pareja cuyo
amor podría llegar a
triunfar a pesar de los
conflictos por tierras
entre sus respectivas
familias y hechos del
pasado que algunos no
olvidan.
Se presenta con el
tráiler cinematográfico,
un anuncio para televi-
sión, reportajes tras las
cámaras, el rodaje en
Irlanda o acerca del guio-
nista y realizador John
Patrick Shanley, respon-
sable de la inolvidable
Joe contra el volcán.
EXTRAS:
26 oc
Gomorra
Ellos dictan la ley
Un retrato realista
sobre la mafia italiana
de la camorra, que
domina lugares como
Nápoles, donde impone
sus leyes, y cuyos sus
miembros llevan la vida
que les apetece, sin que
(casi) nadie se atreva a
hacerles frente.
Cuenta con el
montaje del director
Matteo Garrone en ver-
sión remasterizada
(pero no con el cinema-
tográfico, que ya tiene
edición previa), aparte
de las fichas técnicas y
artísticas, así como el
tráiler de esta nueva
versión.
EXTRAS:
La familia bien, gracias
Sigue la saga de
acción y velocidad A todo
gas sin freno, al menos
mientras siga contando
22 oc
t con el beneplácito de los
espectadores, como en
los últimos 20 años. En
esta ocasión, Dominic Toretto ha decidido que ya
no quiere seguir con la agitada vida anterior, por lo
que disfruta de una apacible existencia con Letty y
el pequeño Brian. Pero ya sabe que es imposible
romper definitivamente con su pasado y se ve obli-
gado a reunir al grupo e impedir un complot lide-
rado por alguien muy cercano a él.
Se comercializa en la versión de los cines y la
del director Justin Lin (que comenta ambas), inclu-
yendo asimismo un cómo se hizo en el que se
puede conocer a los nuevos actores o cómo se rue-
dan las escenas más peligrosas. También hay
reportajes de la evolución de personajes como
Dom a lo largo de dos décadas, de las acrobacias y
escenas de riesgo que combinan acción real y digi-
tal, sobre el retorno de Han (interpretado por Sung
Kang), de John Cena (un entusiasta de los coches
en la vida real), o la posibilidad de acompañar al
realizador en un día de rodaje coordinando un
variado y complejo equipo.
Aparece nuevamente Kurt Russell, ¿alguien da
más?
EXTRAS:
Walpurgis + El retorno
de Walpurgis: edición
libro
Paul Naschy, imprescindi-
ble
11 oct
Siempre es una ale-
gría que se editen en
nuestro mercado títulos de la filmografía de Paul
Naschy, grande entre los grandes del cine fantástico.
Y ahora, tras una estupenda edición de El huerto del
francés, le toca el turno a dos películas de su perso-
naje más memorable, el hombre lobo Waldemar
Daninsky, en La noche de Walpurgis (León Kli-
movsky, 1971) y El retorno de Walpurgis (Carlos
Aured, 1973). En la primera, el cadáver de Daninsky
vuelve a la vida al extraerle una bala de plata de su
cuerpo, viéndose además envuelto en la resurrección
de la condesa Wandesa Darvula de Nadasdy, mien-
tras que en la segunda, por los actos de un antecesor
suyo, adquiere la maldición de la licantropía.
Salen en un pack (con formato libro y en dos
discos) con las versiones internacionales restaura-
das, que al no tener que sufrir los cortes de la cen-
sura española incluyen escenas más explícitas, en
cuanto a violencia y contenido sexual, así como
una galería de imágenes y tráileres. Además de un
libro de 64 páginas escrito por el hijo de Naschy,
Sergio Molina, con extensa información (y material
gráfico exclusivo) sobre su padre, su interpreta-
ción de Daninsky o los dos filmes incluidos.
EXTRAS:

75
PRÓXIMOS estrenos

Cry Macho
Clint Eastwood regresa al Clint Eastwood dijo que se retiraba como actor, pero volvió para La mula.
Neowéstern Ahora dirige y protagoniza Cry Macho.

L
El director de Sin perdón vuelve con Cry
Macho a un territorio que le resulta conocido a novela de N.
por sus trabajos delante y detrás de las cáma- Richard Nash,
ras: el neowéstern. En 1980, Eastwood dirigió Cry Macho, lleva
y protagonizó Bronco Billy, historia de un varios años sien-
moderno cowboy que intenta salir adelante en do objeto de interés por
un espectáculo circense del salvaje Oeste los estudios de Hollywo-
que, entre otras cosas, era una reflexión con
od con vistas a una
tintes de autoparodia de los personajes de
pistolero del wéstern que le habían proporcio- adaptación que ha pasa-
nado el estrellato como héroe del cine de do por varios proyectos
acción. previos desde 1975 en
En esa misma línea dirigió en 1982 El aventu- adelante. Los anteriores
rero de la medianoche, en la que, formando intentos de llevarla a la
equipo con su hijo Kyle Eastwood (que luego pantalla grande baraja-
como adulto ha hecho carrera como composi- ron alternativamente
tor trabajando junto a su padre en las bandas nombres de actores tan
sonoras de Cartas desde Iwo Jima, Gran Torino distintos para protagoni-
e Invictus) a título de coprotagonista, volvía a zarla como Roy Schei-
tocar la clave de la comedia y el drama que der, Burt Lancaster,
había utilizado en Bronco Billy para darle un Pierce Brosnan e incluso Arnold Schwarzeneg- padre. El viaje permitirá al viejo vaquero recu-
aire más maduro y personal, de autoría más
ger, que fue la que estuvo más cerca de con- perar la autoestima al tiempo que enseña al
clara, a su filmografía, lejos de los títulos de
cine de acción que la caracterizaban. vertirse en realidad. muchacho cómo ser un buen hombre.
Después de ver los adelantos de imáge- El anterior doblete delante y detrás de las
Neowéstern era también Un mundo perfecto
nes de la versión dirigida por Clint Eastwood cámaras de Clint Eastwood demostró que sigue
(1993), esa historia de fuga y persecución
cuya fórmula de road movie comparte Cry resulta difícil, si no imposible, imaginarse otro teniendo gancho con el público como actor,
Macho y en la que, como actor, Eastwood actor que no sea el artífice de Sin perdón para recaudando más de 174 millones en todo el
cedió el protagonismo a Kevin Costner para sacar adelante la versión cinematográfica de mundo, bastante más que su última película
ejercer como el sheriff que ejerce de antago- esta historia de carácter crepuscular, cuyo solo como director, Richard Jewell (2019), que
nista.
Cualquiera de ellas sirve como ejemplo para
entender la manera en la que el Clint Eastwo-
od director, respaldado por el estrellato y la
capacidad de convocatoria en la taquilla del
Clint Eastwood actor, ha buscado alternativas
en su filmografía para darle otra vuelta de
tuerca a sus trabajos tras las cámaras, eman-
cipándose de su imagen como tipo duro del
cine de acción.
76
argumento gira en torno al ocaso de una vieja recaudó solo algo menos de 44 millones en
estrella del rodeo y criador de caballos, Micha- todo el mundo. Sus paisajes recordarán La
el Milo –Mike–, divorciado y alcohólico cuyos mula (2018) porque se ha rodado como aquella
tiempos de gloria quedan ya muy lejos. en Nuevo México, y en 21 años es la primera
La trama nos traslada hasta Texas, en el película dirigida por Eastwood
año 1978, cuando Mike se mete en un lío acep- que no está basada en un hecho
tando el loco plan de un viejo conocido para real.
secuestrar al hijo de este, apartarlo de su Miguel Juan Payán
madre alcohólica y llevarlo de vuelta junto a su TRÁILER: http://youtu.be/frZyWUUNmqU
EE UU, 2021 DIRECTOR: CLINT EASTWOOD GUION: NICK SCHENK, N. RICHARD NASH Y N. RICHARD NASH FOTOGRAFIA: BEN DAVIS MUSICA: MARK MANCINA
INTERPRETES: CLINT EASTWOOD, DWIGHT YOAKAM, FERNANDA URREJOLA DISTRIBUYE: WARNER BROS

La familia Addams 2 La gran escapada
Greg Tiernan y Conrad Vernon montan una monstruosa road movie, con
Morticia y Gómez como los divertidos anfitriones de este viaje plagado de
situaciones hilarantes.
E
l clan más siniestro y divertido del uni-
verso audiovisual, solo igualado en
popularidad con Los Monster, regresa
con una secuela repleta de imaginación
y aventuras enloquecidas, donde los Addams
se erigen como unos turistas bastante peculia-
res. Mientras en la entrega precedente estrena-
da en 2019, el argumento versaba sobre la
complicada integración vecinal de la espectral
familia, en este segundo episodio, la trama
corre pareja a la sensación de Morticia y
Gómez de que sus hijos Miércoles y Pugsley
crecen demasiado rápido. Un problema que
conlleva el progresivo distanciamiento de los
jóvenes, respecto al resto de los componentes
de esta estirpe dada a los ambientes oscuros.
La angustia de Morticia y Gómez los anima
a diseñar un plan infalible: programar unas inten-
EE UU, 2021 DIRECTOR: GREG TIERNAN Y CONRAD VERNON GUION: DAN HERNANDEZ Y BENJI SAMIT MUSICA: JEFF DANNA Y MYCHAEL DANNA
sas vacaciones a bordo de una
autocaravana, de manera que se
estrechen los lazos consanguíneos
que nunca debieron debilitarse.
Las carreteras de Estados Unidos
serán las sinuosas vías por las que
transiten los Addams, sembrando
el caos y la consternación en todos
los lugares en los que ponen sus
pies (las ruidosas cataratas del
Niágara, el Gran Cañón del Colora-
do, las playas soleadas y hedonis-
tas de Miami...). Una travesía a la
que también asiste el infalible Féti-
do, con sus ocurrencias alejadas
de cualquier concepto de normali-
dad.
Charlize Theron (la actriz de Mad Max:
furia en la carretera pone voz a la controladora
Morticia), Oscar Isaac (el intérprete de Dune
presta su dicción al esforzado Gómez), Nick
Kroll (el entrañable tío Fétido), Chloë Grace
Moretz (dona el timbre agresivo y zombi de
Miércoles), Snoop Dogg (primo Eso), Bette
Midler (abuela) y Martin Short (abuelo) repiten
–en la versión en inglés– los mismos persona-
jes que encarnaron en el filme de 2019. Mien-
tras que el pequeño Javon Wanna Walton
(Utopía) sustituye a Finn Wolfhard como el tra-
vieso Pugsley, y Bill Harder (Barry) dota de
expresión verbal a un nuevo monstruo, llamado
Cyrus.
Jesús Martín
TRÁILER: http://youtu.be/rfETRi0EP_IA ver
DISTRIBUYE: UNIVERSAL
PRÓXIMOS estrenos
El éxito de una idea con más de
medio siglo de vida
Cuando Greg Tiernan y Conrad Vernon se
pusieron al frente del renacimiento cinemato-
gráfico de La familia Addams, ambos tenían
claro que debían recuperar el espíritu genuino
del clan que surgió a partir de las historietas
publicadas en The New Yorker por el caricatu-
rista estadounidense Charles Addams. La
pareja de especialistas en animación para la
gran pantalla anhelaba rememorar la serie
televisiva, que prolongó su existencia catódi-
ca entre 1964 y 1966. En esta recordada pro-
ducción de la ABC, los citados directores
hallaron la inspiración básica para montar las
nuevas aventuras de un clan que había resur-
gido en los noventa, con las películas de
acción real protagonizadas por Raúl Juliá y
Anjelica Huston.
No obstante, el proyecto de rodar una saga
renovada sobre los hilarantes monstruos crea-
dos por Charles Addams no inició su curso
con Tiernan y Vernon. El plan inicial corrió a
cargo de Illumination Entertainment, cuando
en 2010 intentó montar una cinta de anima-
ción en stop-motion dirigida por Tim Burton;
pero el asunto no prosperó.
Finalmente, Universal Pictures se hizo con los
derechos de las historietas de Charles
Addams, y estrenó La familia Addams en
2019, donde Tiernan y Vernon recurrieron a las
clásicas escenografías de Hammer Films y a
algunos títulos de los ochenta para recuperar
las ocurrencias del tenebroso clan. Una entre-
ga que ahora se completa con esta apuesta
frenética y turística, con la incorporación de
un sinfín de situaciones cómicas, sucedidas
en famosos paisajes de la geografía estadou-
nidense.
77
PRÓXIMOS estrenos
Madres paralelas
Recuerdo a los represaliados por las
fuerzas franquistas
Además de la imaginativa tragicomedia prota-
gonizada por Janis y Ana, Madres paralelas
también despliega una potente y comprometi-
da trama social, relacionada con la exhuma-
ción de los restos de un grupo de civiles
republicanos, asesinados durante la Guerra
Civil. El cineasta manchego introduce este
tema con las acciones llevadas a cabo por
Janis, destinadas a recuperar el esqueleto de
su abuelo, quien perdió la vida a manos de los
seguidores franquistas, junto a otros vecinos
del pueblo. Para ello, la fotógrafa a la que
encarna Penélope Cruz reclama la ayuda de
un antropólogo llamado Arturo (el hombre que
además es el padre de su hija).
El responsable de Carne trémula escenifica
con convicción los amargos testimonios de
los que demandan un mínimo de misericordia
institucional y humana, para poder enterrar
dignamente a sus parientes, sepultados en
fosas comunes por las hordas franquistas.
Unas intervenciones entre las que destaca la
colaboración de la entrañable Julieta Serrano,
quien charla con Janis y Arturo sobre un fami-
liar represaliado.
Esta acumulación de distintos géneros cine-
matográficos (siempre con el leitmotiv de la
maternidad como nexo visible) permite perfi-
lar a Almodóvar una obra transversal y con
continuos giros discursivos. Una cinta que
puede ser colorista y sombría, y que no huye
del compromiso social, pese a su ornamento
de drama visceral y rocambolesco. Semejante
recurso estilístico ya ha sido usado en anterio-
res ocasiones por el creador nacido en Calza-
da de Calatrava, a través de ingeniosos
entramados narrativos, presentes en títulos
como Hable con ella, Todo sobre mi madre, La
mala educación o Dolor y gloria.
78
Pedro Almodóvar regresa al universo maternal con esta historia sobre dos
mujeres enlazadas por el destino, al traer al mundo a sus respectivas hijas en
el mismo hospital y casi a la vez.
E
ntre la tragedia indivi-
dual cercana a los gran-
des folletines clásicos,
el drama de calado
social, y la comedia existencial,
Madres paralelas es una inten-
sa película de naturaleza cam-
biante, según evoluciona su
ingeniosa línea argumental.
Como en los tiempos de su
cine más desenfadado y colo-
rista, Pedro Almodóvar elabora
una trama cargada de elemen-
tos muy frecuentes en muchos
seriales en blanco y negro de la
pequeña pantalla, y amplia-
mente desarrollados en no pocos dramas radio- La progenitora con la diatriba descrita es
fónicos de antes de la llegada de los Janis, quien, después de hacerse una prueba de
televisores a España. Semejantes ingredientes, ADN, descubre que no presenta ninguna coinci-
coincidentes con los de un imaginativo sainete dencia genética con su querido bebé. Tras el
contemporáneo, están relacionados con el descubrimiento, la fotógrafa potencia un enfer-
argumento central, personificado en Janis mizo acercamiento hacia Ana, quien desconoce
(Penélope Cruz) y Ana (Milena Smit), y la extra- el verdadero motivo por el que su antigua com-
ña relación que ambas mantienen a lo largo del pañera de habitación está tan cariñosa con ella.
metraje. Una amistad potenciada por el hecho Pedro Almodóvar otorga una vez más el
de que las dos dan a luz en el mismo hospital y protagonismo absoluto a Penélope Cruz, quien
casi al mismo tiempo tras haber compartido mimetiza cada gesto y actitud de su papel
habitación en preparto; lo que genera un miste- como la enérgica Janis: una mother que se
rio de gran calado en el relato. Tal duda planea niega a aceptar la verdad. Junto a ella, la joven
sobre el siguiente dilema: ¿qué pasaría si las Milena Smit ofrece una conmovedora réplica,
pequeñas a las que Janis y Ana han alumbrado en la piel de la confusa e incom-
fueran intercambiadas en la incubadora, y una prendida Ana.
de estas mamás se diera cuenta de manera Jesús Martín
casual? TRÁILER: http://youtu.be/8TMhL9lcGD4
ESPAÑA, 2021 DIRECTOR: PEDRO ALMODOVAR GUION: PEDRO ALMODOVAR FOTOGRAFIA: JOSE LUIS ALCAINE MUSICA: ALBERTO IGLESIAS
INTERPRETES: PENELOPE CRUZ (JANIS), ROSSY DE PALMA, AITANA SANCHEZ-GIJON (TERESA), MILENA SMIT (ANA), DANIELA SANTIAGO DURACION: 120 MIN. DISTRIBUYE: SONY PICTURES

La abuela
Jennifer Hudson (Dreamgirls) se convierte en Aretha Franklin (la reina del
soul y el R&B), en esta biopic filmada por Liesl Tommy (The Walking Dead).
L
a carrera de Paco Plaza ha estado casi
siempre ligada al cine de género y su
nueva apuesta sigue ese camino, un
proyecto de terror, sí, pero que no se
parece a ninguna de sus anteriores películas y
que juega con claves narrativas distintas a lo
que encontramos habitualmente en los filmes
de terror. Junto al cineasta se encuentra Carlos
Vermut, quien se ha puesto manos a la obra
con el guion, partiendo de la idea original de
Plaza, y al frente del reparto dos desconocidas
por ahora, Vera Valdez como Pilar, la abuela
del título, y Almudena Amor como Susana, la
nieta y protagonista de esta sobrecogedora his-
ESPAÑA, 2021 DIRECTOR: PACO PLAZA GUION: CARLOS VERMUT FOTOGRAFIA: DANIEL FERNANDEZ ABELLO INTERPRETES: KARINA KOLOKOLCHYKOVA (EVA), CHACHA HUANG (CAMARERA),
ALMUDENA AMOR (SUSANA), VERA VALDEZ (PILAR) DURACION: 100 MIN. DISTRIBUYE: SONY PICTURES
toria. Con un reparto minimalista, encontramos
también a Karina Kolokolchykova, en un
pequeño pero poderosísimo papel, imprescindi-
ble para la historia que quiere presentarnos el
cineasta. Todo ello ambientado en un céntrico
piso de Madrid en el que nada es lo que pare-
ce.
La trama nos presenta a Susana, modelo
en París, que está ante una gran oportunidad
cuando la llaman desde Madrid. Su abuela ha
sufrido un derrame cerebral que la ha dejado
necesitada de atención 24 horas al día y ella
decide regresar para cuidarla hasta que las
cosas se aclaren. Su abuela la acogió cuando
sus padres murieron y la cuidó
desde niña. Ahora es su turno de
devolverle el favor. Pero a su lle-
gada a Madrid las cosas empie-
zan a tomar un giro realmente
tenebroso. Un relato que nos
habla de uno de nuestros mayo-
res miedos, envejecer, marchitar-
nos y morir, y lo hace desde el
terror, convirtiendo esa decrepi-
tud, en palabras de su director, en
un demonio. Lo hace sin sustos
fáciles, con una atmósfera sobre-
cogedora y con una tensión cre-
ciente que va elevándose poco a
poco hasta su final. Una película
que tener muy en cuenta para
este otoño.
Jesús Usero
TRÁILER:
http://youtu.be/NPYVYiehshQ
PRÓXIMOS estrenos
Almudena Amor
El nuevo rostro del cine español
Es casi irónico y premonitorio, honestamente,
que estemos buscando nuevos rostros del
cine español casi día a día, sin dejar todavía
asentarse a los que hace apenas unos días
desembarcaron en nuestra industria dispues-
tos a liderarla. Y es irónico porque justo hoy
hablamos además de La abuela, una película
que analiza eso, ese cambio continuo, esa
necesidad de renovación pese a que los que
ya están ni siquiera hayan pasado el tiempo
necesario para ser relevados. En esa situación
nos llega el nombre de una joven que promete
muchísimo y que en este mes de octubre va a
demostrarnos que tiene el talento necesario
para llegar muy lejos, con dos estrenos de
relumbrón. Se trata de Almudena Amor, actriz
madrileña que viene del mundo de la moda, y
que lleva unos años trabajando en teatro, por
ejemplo. Con solo una semana de diferencia,
veremos su doble debut en el cine, de la mano
de Fernando León de Aranoa, dándole la répli-
ca a Javier Bardem en El buen patrón, donde
desborda con una fuerza arrolladora, y aquí en
un papel totalmente distinto a las órdenes de
Paco Plaza, quien la descubrió para el cine, ya
que buscaba otro rostro desconocido para la
película, similar a lo sucedido en Verónica, su
anterior cinta de terror. Esa colaboración pare-
ce que se ha extendido a la serie Historias
para no dormir, remake de algunos episodios
míticos de la serie de Chicho Ibáñez Serrador.
Plaza se encarga de uno, al parecer con la
actriz en él. Se antoja un futuro prometedor
para Almudena Amor, que maneja muchos
registros y tiene además una cualidad hipnóti-
ca en sus interpretaciones. Un joven talento
que quizá debemos empezar a apuntar para
las próximas entregas de premios en nuestro
país Sin prisa, pero sin pausa. Podría ser
nominada a actriz revelación por cualquiera
de estas dos películas.
79
PRÓXIMOS ESTRENOS
Por Jesús Martín
Las leyes de la frontera
España 2021; Dirección: Daniel Monzón; Guión: Javier Cercas y
Jorge Guerricaechevarría; Fotografía: Carles Gusi; Música: Derby
Motoreta's Burrito Kachimba; Intérpretes: Marcos Ruiz, Begoña
Vargas, Chechu Salgado; 127 mins; Distribuye: Warner Bros.
Daniel Monzón (Yucatán) adapta
la homónima novela de Javier Cer-
cas, sobre un joven inadaptado, que
descubre la delincuencia a través de
la vertiginosa amistad con dos chi-
cos del barrio chino de Gerona.
La acción se sitúa en el verano
de 1978, un período convulso en
España. En esa época, Ignacio Cañas
(Marcos Ruiz) es un adolescente de
diecisiete años, confuso e introver-
tido, que no encuentra su lugar en el
mundo. Sumido en una desconexión
continua con su entorno, el mucha-
cho conoce casualmente a Zarco
(Chechu Salgado) y Tere (Begoña
Vargas), con los que inicia un
camino en el que Ignacio tendrá que
definir su identidad como persona.
Mediterráneo
España; 2021; Dirección: Marcel Barrena; Guión: Marcel Barrena y
Danielle Schleif; Fotografía: Kiko de la Rica; Música: Arnau Bata-
ller; Intérpretes: Eduard Fernández, Dani Rovira, Anna Castillo,
Sergi López; 109 mins; Distribuye: DeAPlaneta.
En septiembre de 2015, el
mundo se estremeció con la imagen
del pequeño Aylán Kurdi: el niño que
pereció ahogado en una playa turca,
después de que la embarcación en la
que viajaba naufragara. Esa terrible
escena encendió el espíritu solidario
de Óscar Camps y Gerard Canals: dos
socorristas catalanes que se trasla-
daron a la isla griega de Lesbos, para
ayudar a los inmigrantes que arries-
gaban sus vidas en el Mediterráneo,
para huir del hambre y las guerras.
Marc Barrena (100 metros)
dirige esta emotiva película, sobre
los impulsores de la ONG Open
Arms, que protagonizan Eduard Fer-
nández (30 monedas) y Dani Rovira
(Superlópez).
80
Maixabel Tokyo Shaking Titane
España; 2021; Dirección: Icíar Bollaín; Guión: Icíar Bollaín e Isa Francia y Bélgica; 2021; Dirección: Olivier Peyon; Guión: Cyril Francia y Bélgica; 2021; Dirección: Julia Ducournau; Guión: Jac-
Campo; Fotografía: Javier Agirre; Música: Alberto Iglesias; Intér- Brody y Olivier Peyon; Fotografía: Alexis Kavyrchine; Música: ques Akchoti, Jean-Christophe Bouzy y Julia Ducournau; Fotogra-
pretes: Blanca Portillo, Luis Tosar, Urko Olazabal, María Cerezuela; Manuel Roland; Intérpretes: Karin Viard, Stéphane Bak, Yumi fía: Ruben Impens; Música: Séverin Favriau y Jim Williams; Intér-
115 mins; Distribuye: Caramel Films. Narita, Philippe Uchan; 101 mins; Distribuye: Alfa Pictures. pretes: Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs
Salameh; 108 mins; Distribuye: Caramel Films.
El 29 de julio de 2000, el político Olivier Peyton (Les petites
socialista Juan María Jáuregui fue ase- vacances) recuerda el mayor desas- Tras ganar la Palma de Oro, en
sinado por ETA en el País Vasco. Años tre nuclear sucedido en Japón, desde la pasada edición del Festival de
después, Maixabel Lasa (viuda de Jáu- el lanzamiento por parte de USA de Cine de Cannes, el film de Julia
regui) accedió a entrevistarse con uno las bombas de Hiroshima y Naga- Ducournau (Crudo) llega a las salas,
de los terroristas que asesino a su saki, en 1945. Para ello, el cineasta con su potente apuesta por las
esposo. Semejante encuentro conforma francés viaja al fatídico 11 de marzo transformaciones progresivas en los
el núcleo argumental de esta emotiva de 2011, cuando un terrible terre- seres humanos. “Para darle a Titane
película, dirigida por Iciar Bollaín (Te moto y un posterior tsunami provo- su forma definitiva, me centré en el
doy mis ojos): una historia en la que la caron la fuga de la central de Fukus- personaje de Vincent Lindon, y en su
cineasta recoge algunos de los momen- hima, que sumió al país en una crisis fantasía: la idea de que puedes ser-
tos más duros sufridos por Maixabel sin precedentes. virte de una mentira para dar vida al
Lasa, desde que le fue comunicado el Karin Viard (La familia Bélier) amor y a la humanidad. Quería hacer
fallecimiento de su pareja. encabeza el elenco interpretativo, en una película que inicialmente
Blanca Portillo (Volver) y Luis la piel de una ciudadana de la nación pudiera parecer «desagradable» por
Tosar (Celda 211) lideran el elenco de La Marsellesa que está en la tie- su violencia, pero después nos senti-
interpretativo de esta obra, como Mai- rra del Sol Naciente por motivos pro- mos profundamente apegados a los
xabel y el exetarra Ibon Etxezarreta, fesionales, y la cual lucha para pro- personajes”, explica la creadora.
respectivamente. teger a su familia.
La crónica Francesa Ron da error Érase una vez en Euskadi
Alemania y EE UU; 2021; Título original: The French Dispatch; EE UU; 2021; Título original: Ron's Gone Wrong; Dirección: Sarah España; 2021; Dirección: Manu Gómez; Guión: Manu Gómez;
Dirección: Wes Anderson; Guión: Wes Anderson, Jason Schwartz- Smith, Jean-Philippe Vine y Steve Carr; Guión: Peter Baynham, Chad Fotografía: Javier Salmones; Música: Aránzazu Calleja; Intérpre-
man y Roman Coppola; Fotografía: Robert D. Yeoman; Música: Gomez Creasey y Carol Heikkinen; Fotografía: David Peers; tes: Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera, Hugo García; 100
Alexandre Desplat; Intérpretes: Benicio Del Toro, Frances McDor- Música: Henry Jackman; Distribuye: Disney. mins; Distribuye: eOne.
mand, Jeffrey Wright, Adrien Brody; 103 mins; Distribuye: Disney.
Twentieth Century Fox Studios y Manu Gómez afronta su debut
Wes Anderson (El gran Hotel Locksmith Animation intentan ilus- como director de largometrajes con
Budapest) se adentra en las oficinas trar cómo se desarrollan las relacio- esta emotiva película, inspirada en
de una enloquecida revista estadou- nes amistosas en la era de las redes los propios recuerdos infantiles del
nidense para mostrar el excéntrico sociales, en esta película cargada de cineasta. “Érase una vez en Euskadi
trabajo de un grupo de personas situaciones hilarantes y malentendi- habla de los que tuvieron que huir,
altamente creativas. Un equipo de dos afectivos. de los que se quedaron y, sobre
profesionales entre los que se La trama gira en torno a un todo, de los que aprendieron a convi-
encuentran Benicio del Toro, Adrien pequeño con problemas de socializa- vir luchando por la integración y por
Brody, Tild Swinton, Léa Seydoux, ción, llamado Barney; el cual posee la normalización de la convivencia
Frances McDormand, Timothée Cha- un dispositivo robótico nominado en la Euskadi de los años ochenta”,
lamet y Bill Murray, entre otros. Ron, que procura ayudarle a salir afirma Gómez.
“Esta película está compuesta airoso en los foros y chats de Inter- La historia sigue las experien-
de una colección de relatos; una his- net. Sin embargo, Ron no funciona cias de cuatro niños de doce años,
toria inspirada en The New Yorker y tan bien como debería, y sus mete- residentes en el País Vasco de 1985;
en el tipo de periodismo que les ha duras de pata hacen que Barney y la los cuales disfrutan de una época
dado la fama; y también es una pelí- citada máquina experimenten reali- determinante para sus respectivas
cula relacionada con el cine fran- dades sorprendentes. vidas. Un tiempo en el que todo
cés”, afirma el cineasta. cambiará a su alrededor.
 PRÓXIMOS ESTRENOS
Pleasure
Suecia; 2021; Dirección: Ninja Thyberg; Guión: Ninja Thyberg y
Peter Modestij; Fotografía: Sophie Winqvist; Música: Karl Frid;
Intérpretes: Sofia Kappel, Kasia Szarek, Casey Calvert, Evelyn
Claire; 109 mins; Distribuye: Karma.
La debutante cineasta sueca
Ninja Thyberg propone un demoledor
viaje al interior de la industria porno-
gráfica estadounidense, con la histo-
ria de una veinteañera escandinava,
que sueña con trabajar en las pelícu-
las X de USA.
La joven Sofia Kappel se mete
en la piel de la ingenua Bella: una
chica nacida en Suecia, que des-
pliega su sensualidad ante la cámara
para trasladarse a Los Ángeles,
donde espera convertirse en la
nueva estrella del cine para adultos.
Un argumento que recuerda vaga-
mente al de Star 80 (Bob Fosse,
1983), y para el que Thyberg ha dis-
puesto de conocidos actores porno,
como Kenda Spade y Mark Spiegler.
My beautiful baghdad
Reino Unido; 2019; Dirección: Samir; Guión: Samir y Furat al Jamil;
Fotografía: The Chau Ngo; Música: Tom Linden y Walter Mair;
Intérpretes: Haitham Abdel-Razzaq, Zahraa Ghandour, Waseem
Abbas, Maxim Mehmet; 105 mins; Distribuye: Surtsey.
El veterano cineasta iraquí Samir
(Iraqi Odyssey) reflexiona sobre la nos-
talgia y los recuerdos en el exilio, senti-
mientos protagonizados por un grupo
de ciudadanos iraquíes, que se encuen-
tran en la cafetería londinense Abu
Nawas. “No tuve que investigar mucho
sobre la historia que cuento en My
Beautiful Baghdad. Ya estaba dentro de
mí, y se me impuso”, reconoce Samir.
A modo de ruptura de tabúes, el
creador nacido en Bagdad sitúa las
líneas argumentales sobre el ateísmo,
la homosexualidad y el adulterio. Un
tríptico de comportamientos persegui-
dos por los extremistas islámicos, que
encuentran comprensión y significado
en las cosmopolitas calles de la urbe
del Támesis.
Por Jesús Martín
El sustituto
España; 2021; Dirección: Óscar Aibar; Guión: Óscar Aibar y María
Luisa Calderón; Fotografía: Alejandro de Pablo; Música: Vanessa
Garde y Manuel Roland; Intérpretes: Ricardo Gómez, Vicky
Luengo, Pere Ponce, Pol López; 117 mins; Distribuye: Karma.
Muchos antiguos servidores de
Adolf Hitler acabaron sus días en
España, protegidos por la dictadura
franquista, y sin ocultar demasiado
su pasado en el Tercer Reich. El cata-
lán Óscar Aibar (El gran Vázquez)
refleja semejante realidad, en esta
película de ambiente policiaco e
intriga detectivesca.
Ricardo Gómez (Cuéntame cómo
pasó) encarna al protagonista del
film: un joven agente de la ley que
acude a la Costa Blanca (Denia, Ali-
cante), para sustituir a un inspector
de ese lugar. Una vez allí, el confuso
servidor del orden se topa con una
red de amantes de la esvástica, que
lideran una red de oscuros propósitos
y secretas acciones delictivas.
El buen patrón
España; 2021; Dirección: Fernando León de Aranoa; Guión: Fer-
nando León de Aranoa; Fotografía: Pau Esteve Birba; Música: Zel-
tia Montes; Intérpretes: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena
Amor Óscar de la Fuente; 120 mins; Distribuye: Tripictures.
Fernando León de Aranoa (Fami-
lia) y Javier Bardem (Dune) vuelven a
coincidir en una película con tras-
fondo laboral, desde su exitosa cola-
boración en Los lunes al sol, en 2002.
Ahora, León de Aranoa y Bardem
se reencuentran en una obra sobre
las acciones de un empresario para
mantener su negocio a flote. “El buen
patrón es en cierto modo el contra-
plano de Los lunes al sol. Si aquella
película se ocupaba del desempleo,
esta describe el precario paisaje del
empleo con parecidas claves estéti-
cas y narrativas: un relato coral tejido
de historias que se entrelazan e inte-
ractúan perversamente, atravesado
por la seductora personalidad de
Blanco”, explica el cineasta.

SEX EDUCATION
TEMPORADA 3
D N
esde hace apenas unos días ya está disponible la
tercera temporada de Sex Education en Netflix,
una de las series más esperadas por los fans. Sex
Education se ha convertido poco a poco en uno de los pro-
ductos más interesantes y con más seguidores de Netflix,
tras dos brillantes temporadas y con una tercera que acaba
de llegar y de la que podemos hablar sin problemas tras haber visto. La serie
ha mantenido desde el inicio unas señas de identidad claras y muy concre-
tas, en torno a las relaciones personales y sexuales de los jóvenes, especial-
mente. En el microcosmos de un instituto, los alumnos se han ido enfren-
tando a todas las claves que van a definir sus relaciones en el futuro, y en la
trama se ha hablado sin tapujos de la mayoría de orientaciones, fantasías,
deseos y complejos de los adolescentes, al mismo tiempo reflejando a toda
nuestra sociedad occidental desde este aparentemente idílico instituto britá-
nico, donde el joven Otis (Asa Butterfield), hijo de una reputada sexóloga
(Gillian Anderson), acude, pasando desapercibido. Hasta que decide junto a
Maeve (Emma Mackey) montar un consultorio sexual en el instituto, aprove-
chando unos baños abandonados, consiguiendo ayudar a los compañeros de
instituto con sus distintos problemas. En el reparto encontramos nombres
como Ncuti Gatwa, Connor Swindells, Aimee Lou Wood, Alistair Petrie, Mimi
Keene o Anne Marie Duff.
Y en esta tercera temporada aparecen Jemima Kirke y Jason Isaacs
para terminar de dar colorido a la producción. Por supuesto, si no han visto
las anteriores temporadas, tengan cuidado, vamos a hablar de ellas dándolas
por vistas. La tercera temporada nos muestra un panorama casi idílico.
Parece que todo el mundo está con pareja, al menos sexualmente. Hasta
Otis disfruta de sus encuentros con Ruby (Keene). Pero como siempre, las
cosas van por cambiar, y mucho. Tras la marcha del director Groff (Petrie),
quien busca trabajo y pasa tiempo con su hermano Peter (Isaacs) que tiene
mucho más éxito que él, llega al instituto una nueva directora, Hope Haddon
(Kirke), que no parece dispuesta a dejar que los jóvenes mantengan su pre-
ciada libertad. Las cosas van a cambiar seriamente en el instituto. Mientras,
la madre de Otis tendrá que aceptar su actual situación y ver cómo encaja en
ella su expareja Jakob (Mikael Pernsbrandt). Mientras, para Maeve la situa-
ción familiar no será sencilla, y veremos cómo crece en la nueva temporada,
donde además descubrirá cosas que han pasado mucho tiempo ocultas y
que podrían cambiarlo todo. Una maravillosa nueva temporada que espera-
mos que no sea la última.
Sara Martín
82
SÉ LO QUE HICISTEIS EL
ÚLTIMO VERANO
ueva adaptación de la novela de los setenta
que dio pie al popular slasher de 1997,
ahora en formato de serie de televisión en
Amazon Prime. Aunque lo que todos recordamos
es la película Sé lo que hicisteis el último verano es
en realidad originalmente una novela de Louis Dun-
can publicada en 1973, en la que se inspiró de algún modo la película de
1997, protagonizada por Jennifer Love Hewitt y que fue un enorme éxito,
recaudando 126 millones de dólares en todo el mundo. La película dio
lugar a dos secuelas, una directa y otra tipo reboot que no llegó a los
cines, pero no repitió el éxito de la primera película que contaba entre
sus responsables con el guionista Kevin Williamson, responsable de la
saga Scream junto con Wes Craven. Aunque la película no conquistó a la
crítica, sigue siendo aún hoy el séptimo slasher más taquillero de la his-
toria, así que tarde o temprano alguien intentaría capitalizar nuevamente
ese éxito. Muchos pensaban que tendríamos una nueva entrega en cines,
del mismo modo que ha pasado con Scream. Pero Amazon Prime Video
tiene otros planes, y el próximo 15 de octubre llegará la primera tempo-
rada, que adapta la novela, pero que también tiene rasgos de la película.
Es más, por lo poco que sabemos de la serie, diríamos que es una
adaptación tanto como un remake, y que tiene muchos elementos de la
película original, partiendo del tono slasher que le dio Craig Gillespie, el
director de aquella. En esta ocasión, al frente de la serie se coloca una
directora casi desconocida, Sarah Goodman, que ha hecho que algunas
cosas de la propia serie nos recuerden a proyectos como Euphoria, aun-
que imaginamos que más para situarnos que para hacer un análisis pro-
fundo de las relaciones humanas. Esta es una serie de terror que refleja
cómo un grupo de alumnos que celebran su graduación matan acciden-
talmente a una persona, y deciden ocultarlo y no decir nada a nadie. Un
año después serán perseguidos y cazados de forma brutal por alguien
que parece saber lo sucedido y que podría incluso ser la persona a la que
creyeron matar. Porque en su búsqueda de la verdad para sobrevivir, des-
cubrirán muchos secretos de su aparentemente idílica ciudad, donde
todo el mundo guarda secretos, y donde esos secretos pueden matarte.
Destacan en la producción ejecutiva nombres como Neal H. Moritz, pro-
ductor de la saga, James Wan o Shay Hatten. Madison Iseman, Brianne
Tju, Ezekiel Goodman, Ashley Bloom o Bill Heck coprotagonizan esta
serie.
Sara Martín
 AMERICAN HORROR STORY
TEMPORADA 10
L E
a décima temporada de la serie televisiva que
cambió el género de terror en la pequeña panta-
lla promete muchas sorpresas. El regreso de Sarah
Paulson y la presencia de Macaulay Culkin son puntos
fuertes del reparto junto con la continuidad de los clási-
cos. Entre ellos, Finn Wittrock, que interpretó a Rodolfo
Valentino en la temporada Hotel, uno de los miembros veteranos de lo
que podríamos llamar la compañía estable formada por el reparto de esta
carismática serie creada por Brad Falchuk y Ryan Murphy, que promete
que la décima temporada será diferente en su tono a todo lo que hemos
visto en las entregas anteriores.
American Horror Story se reinventa en su temporada 10 buscando
seguir sorprendiendo a los espectadores en los diez episodios que inte-
gran lo que sus creadores han dado en subtitular Double Feature, alu-
diendo a esos programas dobles de las sesiones de las matinales de fin
de semana en el cine de barrio y los programas para público adolescente
en los autocines nocturnos que hacían furor en Estados Unidos en los
años cincuenta. El título alude también a la fórmula de división en dos
partes aplicada en esta ocasión a la propuesta. La primera parte, “Marea
roja”, nos introduce en un mundo repleto de referencias clásicas tanto al
relato de terror de H.P. Lovecraft sobre los monstruos del abismo subma-
rino como a las fábulas de sirénidos y sirénidas que encontramos en clá-
sicos del cine de terror desde que la criatura del Lago Negro se incorporó
a los monstruos clásicos de la productora Universal en los años cin-
cuenta con el estreno de La mujer y el monstruo, iniciando un ciclo que
luego han continuado clásicos de culto del terror de serie B, como Huma-
noides del abismo, La isla de los hombres peces o incluso La forma del
agua, dirigida por Guillermo del Toro.
La otra tradición del terror en el audiovisual a la que rinde home-
naje esta décima temporada la encontramos en la segunda parte, que
responde por el nombre de “Valle de la muerte”, en la que el argumento
pasa a ocuparse del tema que reinó en el cruce de la ciencia ficción y el
terror en el cine estadounidense de los años cincuenta: las invasiones
extraterrestres.
Todo ello a través de un argumento que recuerda las propuestas de
Stephen King y gira en torno a un escritor que se retira a un pueblo de la
costa junto con su mujer embarazada y su hija, buscando una cura de
tranquilidad frente a una etapa difícil en la creación de su nueva novela.
Nicolás Carrasco
DOOM PATROL
TEMPORADA 3
l cliffhanger del último capítulo de la tempo-
rada 2 de Doom Patrol dejó a sus protagonis-
tas, los personajes más originales de las viñe-
tas de superhéroes de la editorial DC que han
llegado al audiovisual, sumidos en una situa-
ción imposible, en un ejercicio de más difícil
todavía y giro final de guion a la que los artífices de la serie
se enfrentan en esta tercera temporada.
Creada por Jeremy Carver, Doom Patrol alcanza un nuevo nivel de
aventura disparatada en sus argumentos en los siete capítulos que com-
ponen su tercera temporada con la incorporación al reparto de Madame
Rouge. Interpretada por la escocesa Michelle Gómez, que empezó a des-
tacar en las ficciones televisivas siendo la primera mujer que interpretó a
una señora del tiempo en la serie Doctor Who y después ha interpretado a
Miranda Croft en la serie The Flight Attendant y a Mary Wardwell en Las
escalofriantes aventuras de Sabrina, Madame Rouge fue creada en para
los cómics de la DC como uno de los villanos más curiosos de las viñetas
de Doom Patrol, alistada en la filas de la Hermandad del Mal.
Ya en la serie de animación de Teen Titans, el personaje de Gómez
se destacó como uno de los antagonistas más sádicos, lo cual la con-
vierte en una incorporación muy prometedora para los desinhibidos abor-
dajes argumentales de la serie Doom Patrol. Creada por Arnold Drake, Fotografías ©Gianni Fiorito
Madame Rouge apareció por primera vez en los cómics en el número 86
de la colección de Doom Patrol, publicado en marzo de 1964.
En la tercera temporada, Madame Rouge llega hasta los antihéroes
integrantes de la Doom Patrol en una máquina del tiempo con una misión
que cumplir..., aunque no es capaz de recordar de qué se trataba. Y los
excéntricos protagonistas tendrán que enfrentarse al nuevo reto después
de haber sufrido la pérdida de un personaje central en la resolución del
cliffhanger de enfrentamiento de Dorothy con el que parece ser su des-
tino que quedó en la temporada 2.
La incorporación de Michelle Gómez como Madame Rouge, junto
con esa pérdida clave derivada de los acontecimientos narrados en la
temporada anterior, toma así un sentido de relevo que planteará intere-
santes cambios en el tono de la serie y conducirá a los personajes princi-
pales ante un nuevo reto en su ya tradicional intento de conocerse a sí
mismos, encontrar su lugar como héroes en un mundo que los rechaza
como monstruos y sobrevivir al caótico universo en el que se desarrollan
sus imprevisibles aventuras. Nicolás Carrasco
83
 STAR WARS
VISIONS
C A
ompuesta por diez cortos animados, la serie Star
Wars Visions abre nuevas puertas a innovadoras
miradas a los paisajes, personajes y mitología del
universo galáctico creado por George Lucas. Para
llevar a cabo esta propuesta, Lucasfilm se ha aliado
con algunos de los talentos más destacados entre los
creadores japoneses de anime, forjando una alianza con los estudios
Kamikaze Douga, Geno Studio, Studio Colorido, Trigger, Kinema Citrus,
Science Saru y Production IG. El objetivo es proponer una nueva mirada
refrescante a las claves de la saga, imponiendo en la serie una mirada
japonesa que aspira a equilibrar la deuda que la saga estadounidense
tiene con las tradiciones del país del Sol Naciente, reconocidas por el
propio George Lucas, que aludía a un lagometraje clásico dirigido por el
maestro Akira Kurosawa, La fortaleza escondida (1958) como una de
sus fuentes de inspiración a la hora de crear Star Wars. Ese vínculo de
las galaxias de Lucas con Japón, que va más allá de los sables láser
como variante las catanas, los jedis como variante de los samuráis y el
hecho de que el primer elegido por Lucas para interpretar el carismá-
tico papel de Obi-Wan Kenobi fuera la estrella del cine japonés, y prota-
gonista de La fortaleza escondida, Toshiro Mifune, encuentra ahora un
camino para expresarse con las aportaciones del anime a la mitología
de la célebre franquicia.
Además, estas visiones no están sometidas a la línea temporal
principal de la saga, lo que les proporciona mayor libertad para desarro-
llar sus propuestas en episodios únicos y autoconclusivos que van más
allá de las galaxias tal como las conocemos para explorar las posibili-
dades del universo de George Lucas en nuevas direcciones.
El productor ejecutivo de la serie, James Waugh, ha explicado que
su objetivo es poner nuevos ojos y una mirada fresca de los creadores
japoneses convocados para trabajar en una muestra de historias que
rinde homenaje a la variedad y la fusión de géneros que ha caracteri-
zado a Star Wars desde que se estrenó el largometraje que en España
conocimos como La guerra de las galaxias. Romance, comedia y ópera
rock son alguna de las claves genéricas que podrán encontrarse los
seguidores de Star Wars en el abanico de posibilidades de esta nueva
mirada en la que los creadores han contado con la mirada en total liber-
tad de espacio creativo y sin verse atada de manera estricta por el
canon de la saga.
Nicolás Carrasco
84
INVASION
pple tv+ sigue explorando el género de ciencia
ficción con Invasion, la nueva serie del servicio
de streaming que llega en octubre. El 22 de octu-
bre Apple TV+ estrenará los tres primeros episodios
de la serie Invasion, un relato de ciencia ficción que
tiene muchos detalles interesantes en su haber,
desde lo que sabemos a lo que se rumorea sobre ella, y que viene fir-
mada por dos nombres más que interesantes detrás de las cámaras.
Simon Kinberg y David Weil son los creadores, guionistas y productores
de la serie, que se anunció como proyecto para Apple en enero de 2019,
cuando además se incorporó el nombre de Chad Freehan como posible
showrunner, debido a los múltiples compromisos de Weil y Kinberg,
pero finalmente Freehan abandonó la serie en otoño de ese mismo año y
los dos creadores quedaron como responsables del proyecto. Dos crea-
dores que tienen ya un nombre en la industria. Kinberg ha sido produc-
tor, guionista y jefe creativo de la franquicia X-Men en FOX, dirigiendo
además la última entrega, Fénix Oscura, con una nominación al Oscar
como productor de Marte. Weil, pese a su aparente juventud, tiene ya en
su haber dos éxitos televisivos como creador, las series Solos y Hunters,
ambas con Amazon Prime Video.
Pero en esta ocasión Weil se traslada a Apple TV+ junto a Kin-
berg para contarnos una historia que hemos visto en otras muchas
series, por lo que les toca darle un giro distinto y atractivo. De hecho,
en estos momentos tenemos La Guerra de los Mundos sin ir más lejos,
así que Invasion tendrá que conseguir conquistar a la audiencia
haciendo algo diferente e interesante. En este caso, manteniendo la
trama en casi completo secreto, lo que quieren presentar es cómo
afectaría a nivel global, con distintos personajes y en distintos conti-
nentes (hasta en el espacio) una invasión alienígena en nuestro
mundo. No hemos podido ni siquiera ver a los alienígenas, ni descubrir
por dónde irá la historia, aunque como peso pesado en el reparto
encontramos a Sam Neill junto a nombres menos conocidos, Shamier
Anderson, Golshifteh Farahani, Firas Nassar, Shiori Kutsuna o Tara
Moayedi. Uno de los alicientes de lo que está por venir en los diez epi-
sodios de la serie, es un presupuesto que se rumorea ronda los 200
millones de dólares, un potencial enorme para una serie, que además
sigue demostrando la apuesta de Apple por el contenido original y sin
reparar en gastos...
Jesús Usero
 Y: EL ULTIMO HOMBRE

E
l camino para llevar Y: el último hombre todos los mamíferos del planeta nacidos con un
a la pequeña pantalla no ha sido nada cromosoma Y, es decir nacidos como masculi-
fácil. El proyecto se anunció por vez pri- nos, mueren de golpe. Todos menos Yorick,
mera en 2015, y que fue evolucionando
Tras años en desarro- quien deberá recorrer este nuevo mundo lleno
con Brian K. Vaughan siempre como pro- llo, por fin nos llega de cambios y misterios, mientras su madre
ductor de la adaptación de su propia la adaptación del (Diane Lane), convertida en presidenta de Esta-
serie y con Michael Green en el guion desde dos Unidos, intenta que la sociedad siga ade-
2016. Eso llevó a la escritura del piloto y a que cómic de Brian K. lante y se reestructure. Una de las claves pro-
Green pudiese ser el showrunner de la serie Vaughan y Pia Gue- puestas por la creadora de la serie es analizar
junto a Aïda Mashaka. Corría 2018 y solo había cómo afectaría a la sociedad la desaparición de
un guion tras tres años de desarrollo en la rra. Una serie que todos los hombres del planeta en un mundo en
cadena FX. En julio de ese año se anunció un analiza un futuro pos- el que los trabajos no son paritarios. ¿Cómo
reparto en el que Barry Keoghan sería el prota- mantienes una ciudad abastecida si solo el 5% Fotografías ©Gianni Fiorito
gonista, Yorick, y junto con él Diane Lane, Imo- tapocalíptico y que de los conductores de camiones son mujeres?
gen Poots, Lashana Lynch, Juliana Canfield, Disney
+ estrena en ¿Y el servicio eléctrico? Además, la creadora ha
Marin Ireland, Amber Tamblyn y Timothy Hutton. mantenido desde el inicio que otro de los aspec-
El piloto comenzó a rodarse en agosto de 2018,
España el 24 de sep- tos interesantes de este mundo nuevo que
pero tras diferencias creativas graves, Green y tiembre. Yorick debe recorrer, junto con su escolta
Mashaka abandonaron el proyecto, Eliza Clark (Ashley Roman) es el hecho de que aunque des-
entró a reescribir el piloto y Keoghan fue susti- aparezcan los hombres la sociedad no se hace
tuido por Ben Schnetzer. Posteriormente, Poots igualitaria y empiezan a surgir otro tipo de divi-
y Lynch también abandonarían la serie, siendo reemplazadas por siones entre las mujeres supervivientes, marcadas por la raza, la
Olivia Thirlby y Ashley Romans, mientras que Hutton fue el orientación sexual, la política o la riqueza. Son aspectos que con-
último en abandonar el reparto y ser sustituido por Paul Gross. vierten Y: el último hombre no solo en algo distinto dentro de su
La serie iba a rodarse a partir de marzo de 2020, pero evidente- propio género, sino en una serie que analiza a través de la ciencia
mente la COVID hizo que hubiese un cambio de planes y el ficción nuestro mundo y cómo funciona, señalando con precisión
rodaje comenzó en Canadá a finales de octubre de 2020, exten- muchos de los problemas de la sociedad. Y: El último hombre ha
diéndose hasta finales de julio de 2021. tardado en llegar, pero la espera ha merecido la pena. Al menos
La premisa de la trama es sencilla y particularmente intere- en su arranque. Ahora veremos si es capaz de mantener el tipo.
sante por los temas que plantea. Tras un suceso inexplicable, Jesús Usero

85
 LEY ORDEN: CRIMEN ORGANIZADO
Y
a partir de ahí cada viernes podremos de hermanos que otra cosa. Eran amigos, cama-
seguir disfrutando de los nuevos episo- radas, y la trama nunca quiso empantanarse
dios de Ley y orden: crimen organizado, Elliot Stabler (Chris- con una relación sentimental sin sentido. Pero
que no es solo el nuevo spin-off de la Olivia siguió sintiéndose traicionada por Elliot
serie principal, que se mantiene gracias topher Meloni) está tras su marcha. Y si no han visto la serie hasta
al spin-off que superó en éxito la serie de vuelta en Ley y la temporada 22, cuidado, puede haber spoilers
original Ley y orden: Unidad de Víctimas Especia- sobre la marcha y el regreso del actor. Stabler,
les, sino que además supone el regreso de una de orden con su propio el personaje de Meloni, se marchó debido a un
las estrellas más importantes de la serie, Christo- spin-off y muchas tiroteo que salió mal y por el que se negó a
pher Meloni, quien dio vida en la mencionada Uni- recibir ayuda psiquiátrica. Abandonó la policía y
dad de Víctimas Especiales a Elliot Stabler, el respuestas que dar, ahora descubrimos que ha pasado todo este
compañero inseparable de Olivia Benson (Mariska algo que descubrire- tiempo en Roma, con su mujer y su hijo. Es la
Hargitay), durante doce temporadas. El actor entró muerte de su mujer la que le lleva a volver a la
en conflicto con la productora y la abandonó por
mos de la mano de policía, a un destacamento encargado del cri-
diferencias económicas, sin volver la vista atrás. Calle 13 a partir del men organizado, para intentar encontrar al ase-
No le ha ido mal a Meloni en este tiempo, pero
ahora ha decidido regresar a la franquicia que le
22 de octubre a las sino de su esposa. Un crossover entre la tempo-
rada 22 y el inicio de Crimen organizado (con el
dio fama casi una década después. Un regreso 22.00 horas. primer episodio dirigido por Juan José Campa-
complicado, porque entre el anuncio de la serie y nella ni más ni menos), nos llevó a la vuelta del
su inicio han pasado muchas cosas. Se esperaba hijo pródigo. Stabler podría encontrar al respon-
que el spin-off fuese presentado al final de la tem- sable de la muerte de su esposa en Richard
porada 21 de Unidad de Víctimas Especiales, pero finalmente varios Wheatley (Dylan McDermott), empresario hijo de un legendario
cambios en el equipo creativo (Craig Gore fue despedido como Don de la mafia (Chazz Palminteri), o quizá en la exmujer del pri-
guionista debido a comentarios racistas en redes sociales, Matt Ols- mero (Tamara Taylor). Como parte de la unidad, estará respal-
tead, que iba a ser el showrunner, dejó la serie con Ilene Chaiken dado por los personajes de Danielle Moné Truitt y Ainsley Seiger.
reemplazándole...) y el inicio de la pandemia alteraron todos los pla- Y todo ello lo exploraremos de la mano de Calle 13, con los epi-
nes y finalmente fue el episodio 9 de la temporada 22 el que vio a sodios disponibles bajo demanda en todos los operadores tras su
Olivia reunirse con Elliot. emisión... Bienvenido a casa, detective Stabler.
Uno de los grandes aciertos de la serie cuando Meloni era
parte del reparto fue que la relación entre él y Hargitay era más Jesús Usero

86
U
n grupo de investigadores que buscan Kristen Bouchard (Katja Herbers), psiquiatra
separar el grano de la paja en lo que res- forense que se unía al grupo de David Acosta
pecta a sucesos inexplicables o paranor- (Mike Colter) y Ben Shakir (Aasif Mandvi), con-
males. Es el punto de partida de Expe- Syfy trae de vuelta tratados por la Iglesia para investigar ese tipo
diente X o de la serie de Viernes 13 que de casos que puedan requerir realmente un
aquí llamamos Misterio para tres. Pero en
Evil, una de las series exorcismo, aunque la mayoría tengan una expli-
el caso de Evil, que sigue inicialmente unos pará- fantásticas y de cación racional. En el otro bando, ante todo, el
metros similares, se aleja de la ciencia ficción de
Expediente X para adentrarse más en el terror, y
terror más recientes doctor Leland Townsend, el rival profesional de
Bouchard, un hombre que podría estar poseído
los casos que plantea buscan ser más reales y con que regresa en breve y que lleva a la mayoría de la gente a cometer
explicaciones más lógicas que lo que puede pare- a la cadena con una actos atroces. ¿Qué es real y qué es sueño?
cer a simple vista, dejando siempre muchas más Pese a la ausencia de fe de Kristen, el mundo
dudas y unos finales mucho más abiertos de lo segunda temporada es mucho más complejo de lo que imagina, con Fotografías ©Gianni Fiorito
que parece o de lo que pueden ser otros proyec- que nos permitirá sus sueños a cuestas, que la llevaron a hacer
tos. ¿Es el mal sobrenatural real, hay demonios cosas que pensaba que nunca haría. Pero esta
campando por el mundo o simplemente hay gente ahondar en su uni- temporada, ¿confesará lo que hizo? ¿Y su com-
malvada que lleva a otra al punto de actuar como verso. pañero David, que estaba a punto de ser sacer-
si estuviesen poseídos? A eso pretende responder dote, seguirá ese camino o ha perdido la fe?
Evil a través de sus personajes y de sus historias, ¿Ben sigue siendo el más lógico de todos o
llenas de giros y de un tono a caballo entre lo reli- ciertas visitas nocturnas harán que empiece a
gioso y espiritual, y lo terrenal y humano. Esa es la creer en lo que nunca ha creído? Además, el
serie que crearon Robert y Michelle King, que son más que conoci- equipo está cara a cara con Townsend más que nunca, quien ya
dos por ser los creadores de The Good Wife. Por eso sorprendió sabemos que empezó una relación con la madre de Kristen
tanto la aparición de Evil en CBS, una serie que funcionó mediana- (Christine Lahti) solo para hacerle daño a ella. ¿Descubriremos
mente en sus primeros trece episodios y que fue renovada por una quién es realmente? Una serie inteligente, madura, siniestra y
segunda temporada, la que ahora llega a España, pero con un cam- con mucho territorio por explorar que no solo regresa con su
bio muy importante, pasando de CBS a Paramount + o lo que antes segunda temporada ya en Syfy, sino que también tiene confir-
era CBS All Access. mada su tercera temporada.
La serie, y recomendamos que si no han visto la primera
temporada dejen de leer justo ahora, nos mostraba a la doctora Sara Martín

87
L
os aficionados al cine y a la televisión La actriz ejerce como productora en este
conocen perfectamente The Equalizer, remake de la serie original en la que da vida a
tanto por su versión original en los Robyn McCall, una madre divorciada, que era
ochenta, en la serie protagonizada por Nueva versión del una de las mejores agentes de la CIA, pero que
Edward Woodward y que debutó en 1985, ha decidido dejar su trabajo tras un incidente.
y posteriormente en su remake cinema- mítico personaje de Al cargo de su hija adolescente (Laya DeLeón
tográfico con Denzel Washington reviviendo al televisión interpre- Hayes) y con la ayuda de su tía Vi (Lorraine
personaje en dos películas de bastante éxito en Toussaint) McCalle se encuentra algo perdida,
2014 y 2018. Tres años después de la segunda
tado ahora por Queen pero se niega a volver a la agencia, pese a los
entrega, Queen Latifah en una serie de televi- Latifah y que nos cantos de sirena de su antiguo jefe, William
sión que nos llegará de la mano de Calle 13 a Bishop (Chris Noth), quien ahora trabaja en
partir del próximo 5 de octubre con episodio
llega de la mano de seguridad privada, pero sigue ligado a la CIA.
doble y a partir de ahí con un episodio semanal Calle 13 a partir del Cuando una joven sea testigo de un asesinato y
de estreno todos los martes a las 22.30 horas. próximo martes 5 de se cruce en su camino por casualidad, McCall
La serie original, creada por Michael Sloan y será su salvavidas, con la ayuda de dos anti-
Richard Lindheim, se mantuvo cuatro tempora- octubre con un epi- guos socios, la francotiradora Mel Bayani (Liza
das en antena y no le va nada mal a esta nueva sodio doble. Lapira) y el hacker Harry Keshegian (Adam
versión, porque su primera temporada de diez Goldberg), descubriendo así, de paso, a qué
episodios fue renovada para una segunda que dedicará ahora sus peculiares habilidades. Ayu-
comienza su emisión en octubre en Estados Uni- dar a aquellos que se encuentren en una situa-
dos. La serie se situó entre las diez series net- ción aparentemente imposible, cuando nadie
work más vistas del año pasado y fue uno de los mejores estre- más pueda echarles un cable. A todo eso se sumará la presencia
nos para CBS. Además, sus creadores son dos nombres bastante de un detective de policía, Marcus Dante (Tory Kittles) que tiene
queridos por los aficionados a la televisión, ni más ni menos que una forma muy particular de entender la ley y la justicia. Una
Andrew W. Marlowe, creador de Castle, y Terri Edda Miller, una serie network a la antigua usanza, que además intenta enfren-
de sus productoras y guionistas. La pareja creativa, que es matri- tarse a problemas como los conflictos raciales, bajo el prisma de
monio en la vida real, ha sido la que ha devuelto a la vida el per- 2021, pero sin perder de vista su meta final, resultar entretenida,
sonaje de The Equalizer, en la piel de Queen Latifah, quien lle- con intriga, acción, drama y humor. La disfrutaremos en Calle 13
vaba años ligada a televisión, con Star o la muy peculiar When desde el 5 de octubre.
the Streetlights Go On. Sara Martín

88
 MISA DE MEDIANOCHE
E
l éxito de La maldición de Hill House es Riley Finn (Zach Gilford) es un hombre que
incontestable. No solo es una de las vuelve a casa tras un terrible suceso que quiere
series de terror más vistas de los últi- olvidar y dejar atrás, al parecer. Su hogar se
mos tiempos, sino que además es de El 24 de septiembre encuentra en una pequeña isla donde la comu-
las más queridas por la audiencia que nidad ve cómo las divisiones existentes entre
la ha convertido en parte de la cultura llega a Netflix la sus habitantes se amplifican con el regreso a
popular y que recuerda algunos de los nueva serie de Mike casa de Riley y lo que podría traer consigo. Y
momentos más espeluznantes de esta como además el regreso de este hombre sucede a la
algunos de los mejores momentos del género,
Flanagan, responsa- par que la llegada de un nuevo sacerdote a la
en concreto del género de casas malditas y ble de La maldición isla, una comunidad no especialmente creyente
fantasmas, de los últimos años, en cine y tele- que se verá sacudida hasta los cimientos
visión. Flanagan había mostrado en cine lo
de Hill House. Un cuando este desconocido párroco, el padre Paul
que podía hacer con güija: El origen del mal, relato de terror y fe (Hamish Linklater), muestre lo que no pueden Fotografías ©Gianni Fiorito
por ejemplo, y tras el éxito de la serie preparó ambientado en una ser descritos más que como milagros, comen-
la segunda antología, la también excelente La zando con una niña en silla de ruedas a la que
maldición de Bly Manor, aunque tuvo menor pequeña y aislada hace andar con normalidad. Esa situación hace
repercusión, y la secuela de El resplandor, comunidad. que el pueblo empiece a tener un fervor reli-
Doctor Sueño. Aunque por el momento no gioso renovado que puede llevar incluso al
habrá una tercera “maldición”, el director y fanatismo o la locura, y que afectará de una
guionista no se aleja del género, ni mucho forma u otra a todo el mundo. Pero ¿se trata
menos, y sigue también ligado al formato de realmente de milagros o hay algo detrás de
serie de televisión con Misa de medianoche, su siguiente pro- todo ello? ¿Es un trabajo de Dios o se trata de algo mucho más
yecto que llegará a Netflix el próximo 24 de septiembre en siniestro y terrible que podría poner en peligro no solo a esta
todo el mundo y del que hemos sabido muy poco hasta hace pequeña y aislada comunidad? Esa será la clave de la serie, que
casi nada. Ahora por fin empiezan a mostrarse las piezas de se mueve en un territorio complejo y en el que no se puede titu-
un puzle que nos lleva a una comunidad aislada y a una suerte bear si no se quiere que la serie caiga en el ridículo. Mike Flana-
de análisis sobre la fe a través del género de terror. Una de las gan dirige y escribe todos los episodios, así que, en principio,
series más esperadas del otoño, sin duda, con algunos rostros eso nos da bastante confianza.
conocidos en el reparto, pero sin estrellas de relumbrón, algo
que ya vimos en sus dos series anteriores. Sara Martín

89
90
Alejandro Amenábar
nos habla de La Fortuna
El director y responsable de la serie, Alejandro Amenábar, en un momento del rodaje, una de
las escenas más espectaculares de la serie, el hundimiento de La Fortuna.
Amenábar nos desgranó a fondo su primera serie de televisión.
El próximo 30 de septiembre, Movistar+ nos trae
La Fortuna, que no es solo una magnífica serie de
aventuras, sino que supone el salto a la
televisión de uno de los directores de cine más
importantes de nuestro país, Alejandro
Amenábar. La serie, un relato de aventuras
basado en el cómic de Paco Roca y Guillermo
Corral, tiene un reparto liderado por Álvaro Mel,
Ana Polvorosa, Clarke Peters y Stanley Tucci,
pero también encontramos nombres como Karra
Elejalde, Blanca Portillo, T’nia Miller, Pedro
Casablanc o Manolo Solo y es una de las
apuestas más ambiciosas de la plataforma hasta
la fecha. De la serie y todo lo que la rodea nos
habló en exclusiva su creador y director.

A
lejandro Amenábar no es solo uno de
nuestros mejores directores en la
actualidad, es además uno de los que
más éxito en taquilla obtiene y su
nombre suele garantizar el interés del
público, sin importar el género que
aborde, desde el thriller al terror, pasando por la
ciencia ficción, el drama o el cine histórico. Amená-
bar nos ha dado títulos imprescindibles como Los
otros, Tesis, Mar adentro, Abre los ojos o Mientras
dure la guerra, su última y brillante película, que
repasaba un momento tan oscuro como la Guerra
Civil española de una forma fresca y vibrante. Allí
colaboró con el guionista Alejandro Hernández, con
quien ha repetido en esta serie. Aunque, por
supuesto, la primera pregunta que nos viene a la
cabeza cuando hablamos con él, es por qué ha
dado el salto a la televisión, qué tenía de especial
este proyecto... “Por un lado, yo hacía tiempo que
conozco a Paco Roca y conocía su obra, le admiro
muchísimo, y me apetecía adaptar algo hecho por
él. Y en cuanto cayó en mis manos el cómic, en
este caso suyo junto con Guillermo Corral (El tesoro
del Cisne Negro), enseguida me enganché y pensé
que tenía ese componente ligero que me apetecía
Ana Polvorosa y Álvaro Mel
son los protagonistas de la
historia, dos funcionarios,
Lucía y Álex, que se
embarcan en una
impredecible aventura que
les llevará a cruzar el
Atlántico. Polvorosa es una
actriz más que reconocida
en nuestro país que acaba
de terminar Las Chicas del
Cable, mientras que Mel se
enfrenta a su primer gran
proyecto.
91
tratar. Una serie de aventuras, con un tesoro, unos
piratas, ese estilo Tintín, la historia de amor, el
humor... Luego ya, según fui entrando en el pro-
yecto, descubrimos que se podía profundizar un
poco más en las dos dimensiones, los dos mundos.
El mundo anglosajón y el mundo latino. Se convirtió
en el proyecto perfecto para mí en ese momento”.
Posteriormente añade: “En realidad, la con-
cepción como una serie aparece cuando nos dimos
cuenta Alejandro Hernández, el coguionista, y yo, de
que el proyecto iba creciendo y creciendo, porque
cuando empezamos nos planteamos que si daba
para una película sería una película, y si daba para
una serie, sería una serie. Fue creciendo y cuando
nos dimos cuenta el proyecto encajaba perfecta-
mente en seis episodios. Esa concepción fue real-
mente intentando jugar con las reglas de una serie,
y una serie clásica de televisión. Que cada episodio
tuviera unos ganchos al final, que cada episodio
tuviera un sentido o pudiera funcionar como una
entidad en sí mismo...”.
Eso nos permite preguntarle por el coguionista
y responsable también de la serie, con el que vuelve
a colaborar. Y parece que no será la última vez.
“Alejandro es un tipo fantástico y con mucho
91
 Lo que sucedió a bordo de La Fortuna y los otros barcos de la expedición,
Manolo Solo es otro de los grandes nombres del reparto, en un papel muy especial y divertido. serán clave para entender la serie.

talento, y es un frontón a veces. A veces los autores o los escritores estableciéndose una relación un poco similar a la que se establece en
actuamos como frontones unos de otros. Y para mí es el frontón per- la serie. Ha habido muy buen rollo”, nos resume.
fecto para saber cuándo estás sobre una buena idea, una mala idea... En ese reparto nos hemos encontrado con la sorpresa de Álvaro
Es alguien que sabe salir muy bien de los bloqueos porque enseguida Mel, porque es un joven actor no muy conocido hasta la fecha, que se
tiene recursos... Con él he escrito tres proyectos en realidad. Hay uno convierte en nuestro particular Tintín y en el centro del relato de aven-
que todavía no he conseguido levantar, que creo que es un gran guion, turas. Un relato que narra la historia de un grupo de funcionarios del
y los tres los hemos escrito muy rápidamente”. Pero además está el Ministerio de Cultura que deciden ponerse en marcha, con la ayuda de
hecho de que ambos proyectos en los que han colaborado tienen un un particular ministro y un abogado norteamericano, y enfrentarse a
serio componente histórico. “No lo he pensado por ahí. Yo por lo una compañía estadounidense que se dedica a encontrar tesoros marí-
menos, cuando valoro cuál es el siguiente proyecto en el que me voy a timos. Piratas modernos los llaman, que han encontrado un barco hun-
meter, no sé muy bien qué es lo que me va a atraer, pero hay un dido que, de ser La Fortuna, contiene más de 500 millones de dólares
momento en el que todo hace clic y me doy cuenta pertenecientes a la Corona española. La lucha entre
de qué es lo que quiero contar. En ese sentido, Ale- ambos mundos por el Fortuna y sus peculiaridades
jandro es el compañero ideal”. Un detalle que no se nos definirán la serie completa. Mel interpreta a uno de
Y, ¿cómo ha sido para él enfrentarse a una puede escapar viendo la esos funcionarios, un joven de clase acomodada,
serie de televisión? ¿Es muy distinto a lo que ha conservador, serio e inteligente, que cambiará por
vivido a lo largo de su carrera como director de serie, y viendo a grandes completo a lo largo de este viaje... “Explorar eso que
cine? El director nos cuenta: “Lo que es la ejecución se llama, en los valores de guion, el arco del perso-
del proyecto ha sido muy parecida, o yo he sentido
actores internacionales, es naje, en este caso, era muy interesante, porque el
que era muy parecida, a como he hecho cine hasta el excelente plantel de personaje sufre un cambio importante desde el
92 ahora. Se hace un plan de producción atendiendo a
actores y actrices que
principio hasta el final, y Álvaro ha hecho ejemplar-
las localizaciones, no pensando si vamos a cerrar el mente esa evolución. El Álex Ventura del final de la
episodio 1 o el episodio 2, sino rodar una película de serie no es el Alejandro Ventura del inicio. Él tiene
tenemos en nuestro país,
una gran duración. Una película de cinco o seis mucha intuición, tiene mucho sentido del humor, y
horas a lo largo de más de medio año. Ese ha sido el quizá los mejores del mundo eso ha sido... el auténtico petróleo, como decíamos
salto cuantitativo, pero cualitativo por mi sensación nosotros, contar con un personaje que tuviera tan-
en el set, por tiempos de rodaje y, demás, era igual en este momento, algo que tos recursos y tanto carisma”, dice Amenábar del
que si estuviera rodando una película”. comentamos con Alejandro actor.
Ya hemos mencionado el enorme reparto Un detalle que no se nos puede escapar
internacional. ¿Ha sido difícil encontrar un reparto Amenábar viendo la serie, y viendo a grandes actores interna-
así y que funcione como lo hace en pantalla? “En cionales, es el excelente plantel de actores y actri-
realidad lo que ha dificultado todo ha sido la COVID. A veces para bien, ces que tenemos en nuestro país, quizá los mejores del mundo en este
porque nos ha permitido ejercitar el ingenio y hemos sacado adelante momento, algo que comentamos con Alejandro Amenábar, “Yo creo
cosas que en otro momento hubiésemos planteado con rodaje en Nor- que sí. No hablaría solo de actores y de actrices, sino del nivel de la fic-
teamérica y no aquí. Pero en cuanto a la dinámica del rodaje, que ha ción española. Yo creo que se nos da bien. Es algo en lo que encajamos
sido fundamentalmente en España con casting internacional y casting bien en este mundo y precisamente la llegada de las plataformas de
español, la química ha sido perfecta. Ha sido un rodaje ejemplar en el streaming ha traído muchas cosas buenas, muchas malas también,
que todos, tanto el equipo técnico como el equipo artístico, han sido pero muchas buenas, y una de ellas es conseguir que producciones de
muy responsables, hemos tenido la COVID a raya durante todos esos aquí tengan repercusión internacional. No me refiero a ésta que ni se
duros meses de la pandemia. El ambiente, la química era perfecta. ha estrenado aún, me refiero a proyectos como La Casa de Papel o
Hubo mucha sintonía entre Clarke Peters, Álvaro Mel y Ana Polvorosa, Élite. Creo que hay muy buenos profesionales en España. De todas for-

Karra Elejalde es el particular Alfonso Lara es un funcionario

Ministro de Cultura que
también se ve arrastrado por
los ideales de los
protagonistas… y los suyos
propios.
que no quiere meterse en
demasiados problemas y
encontrará pegas a todos los
planes de sus compañeros.
 Álex Ventura es un joven diplomático contratado por el Ministerio de Cultura y La aventura de los protagonistas no sólo les llevará a viajar,
convertido en héroe a su pesar. también a enfrentarse a miles de documentos…

mas yo en cuanto a ensalada de actores, ya me estrené en Ágora, vasco también fue perfecta... Creo recordar que incluso terminados de
donde tenía actores de Oriente Medio, actores ingleses... y fue intere- rodar antes de la fecha prevista. Por otro lado era una secuencia que,
sante ver las diferentes aproximaciones que hay desde el mundo de la como todas, a mí me gusta llevar todo muy preparado y previamente
interpretación. En España por ejemplo, yo creo que hay algo muy intui- pensado, y esa secuencia venía ya muy calibrada, los planos que se
tivo y muy temperamental, y por eso tienes actores muy de carácter tenían que rodar, etc. Yo diría que fue asombrosamente fácil». La for-
como por ejemplo puede ser Karra Elejalde”, asegura. tuna parece que acompañó al rodaje y no sólo con el barco protago-
Como decíamos en la introducción, este viaje de aventuras y thri- nista.
ller político, cargado de humor, tensión y romance, parte del cómic de Con todo el componente político, uno tiene la sensación, al ver la
Paco Roca y Guillermo Corral, El Tesoro del Cisne Negro. Pero, ¿ha serie, de que en España sí hay grandes políticos, o puede haberlos,
sido muy difícil elegir qué se queda en la serie del material original? “A pero quedan engullidos muchas veces por la propia política. “En ese
nivel de guión la intención era no dejar nada fuera, ya que nos daban la sentido es una defensa de los funcionarios, de los funcionarios anóni-
oportunidad de explayarnos, no dejar nada en el tintero. Se lo decía el mos que sacan adelante las cosas. Yo no quería hacer una geografía
otro día a Paco Roca, quiero pensar que todo lo bueno del cómic está sin más, sino mostrar lo mejor y lo peor de lo que podemos tener. Creo
en la serie. No hemos desechado nada bueno que esté que hay momentos en que las cosas se hacen
en el cómic. Otras veces hemos explorado más o bien, y en el momento en que sucede nuestra his-
hemos profundizado más en contar cómo son esos
Uno de los momentos más toria se hace bien algo, que es recuperar un
dos mundos, el anglosajón y el latino. Le hemos dado brillantes y espectaculares tesoro y además porque debe ser así, porque es
una pequeña vuelta a la historia de amor. También yo lo justo y lo que se debe hacer, pero también
he intentado incorporar cosas mías, de mi propia expe- de la serie, que también queríamos contar un poco del caos que impregna
riencia, cuando he pisado suelo norteamericano, y lo a veces las instituciones”. Y algo muy importante,
viene del cómic, es un
he intentad incorporar en el personaje de Álex Ven- dejar en el espectador un regusto optimista, una 93
tura. Ha sido fundamentalmente una labor de desarro- flashback que nos muestra media sonrisa que era la intención de su director,
llo. De lo bueno que está en el cómic mantenerlo o como nos cuenta.
profundizarlo”. el origen de todo, el No podemos dejar escapar la posibilidad de
Uno de los momentos más brillantes y especta- hundimiento de La Fortuna, preguntar por el futuro de la serie, si es una mini-
culares de la serie, que también viene del cómic, es un serie o puede continuar, porque aunque la histo-
flashback que nos muestra el origen de todo, el hundi- quiénes eran sus pasajeros, ria esté cerrada inicialmente... hay espacio para
miento de La Fortuna, quiénes eran sus pasajeros, qué más. ¿Habrá segunda temporada? “Ni me lo
sucedió... El cineasta nos lo muestra en uno de los epi- qué sucedió... planteo. Creo que esa decisión correspondería
sodios al inicio de la serie. Un momento que parece más a Movistar. En el momento lo que me gustó
enorme en escala y tremendamente complejo de rodar... “El cómic ya de la serie es que era autoconclusiva. Lo que ocurre con las segundas
tiene un apartado en un capítulo donde se narra el hundimiento del y terceras temporadas es un reflejo de lo que ha ocurrido en el cine
barco y nosotros queríamos contarlo con todo lujo de detalles en la con las segundas y terceras partes. Si se hace una segunda parte hay
serie. Realmente pensamos que era lo primero que íbamos a rodar, que intentar que tenga interés por sí misma, o a veces se hace simple-
pero al irrumpir la pandemia y moverse todo el plan de rodaje, acabó mente con un cálculo comercial en la cabeza. En mi caso el interés
siendo lo último. Cuando llegó ese punto del rodaje, que se rodó en el tiene que nacer de la obra en sí, no lo haría nunca por dinero”. No cabe
País Vasco, en Donosti, en Pasaia, yo estaba especialmente tranquilo. mejor forma de cerrar nuestra charla con Alejandro Amenábar
Quizá también porque justo después de haber aguantado en esa bur- hablando de una de las series del año, puro entretenimiento, adictiva,
buja durante un año sin contraer el COVID, justo lo contraje y ya di pero muy bien escrita y con personajes memorables. Una de las series
negativo cuando empezó el rodaje, con lo cual ya no tenía esa presión. del año.
Y luego la climatología fue perfecta, la colaboración con todo el equipo Jesús Usero

Álex y Lucía no pueden ser más distintos, pero al mismo tiempo su trabajo en conjunto Junto a ellos Clarke Peters, un abogado norteamericano dispuesto a luchar por los
les hace un equipo imbatible. intereses de nuestro país al reclamar el tesoro de La Fortuna.
ENTREVISTA

AlvaroMel Nos habla de La fo

f rtuna
Si todavía no conocen a Álvaro Mel, quédense con su nombre. El actor, que venía de trabajar
sobre todo en la serie La otra mirada, ha sido el elegido por Alejandro Amenábar para inter-
pretar a Álex Ventura, el protagonista de La Fortuna, la primera serie de televisión del cineasta
que llega a Movistar + el 30 de septiembre. Se le nota en la voz la pasión por el proyecto y la
honestidad de quien dice que ha disfrutado cada día de rodaje de esta historia de aventuras. Y
además ha brillado ante un reto nada sencillo, liderar la serie como su principal protagonista.
De todo eso nos habló en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN.
Háblanos un poco de Álex Ventura, tu personaje, porque no Bueno, sabes que tenía poca experiencia. Yo realmente solo
es el típico héroe de una historia de aventuras. había hecho una serie antes. Y el hecho de verme envuelto en un
No, y lo bonito es que no lo sabe. Es una persona bastante intro- proyecto así, obviamente después del proceso de casting, me daba
vertida y lo que le despierta y lo que hace que tome esa capacidad de nervios. Primero incredulidad, la absoluta incredulidad de no poder
liderazgo es la fuerza de sus ideales, y cómo es él, que es un soñador creerme que estaba ahí. Un regalo al cual llegas trabajando, claro,
al final. Es bonito cómo, sin él saberlo, va sacando eso adelante y va pero es un regalo. A fin de cuentas, trabajar con un equipo así es
cambiando tanto. increíble. Sobre todo con Alejandro Amenábar, con cómo es de
¿Cómo ha sido enfrentarte a este personaje? Porque tiene humano, con la visión que tiene, los planes que tiene... Es algo incre-
claves muy distintas a lo que podemos esperar. Es conservador, íble, de verdad. No había día que no me muriese de ganas de ir a
no parece valiente... y poco a poco descubrimos cosas que ni él trabajar. Ya fuese a las cinco de la mañana o a las tres de la tarde. Al
mismo sabía que tenía. principio, claro, te ves allí, te ves al frente, porque en el lugar pasas
Exacto. Y eso es lo que me gusta. Creo que choca un poco muchos días allí trabajando, eres el protagonista a fin de cuentas, y te
conmigo en el sentido de que él no se ve capacitado para saltar. Es un ves al frente de un proyecto como ese y lo único en lo que pensaba yo
poco en contraposición con la persona, con Álvaro, porque yo me veía era en hacerlo bien, en cada día dar lo mejor de mí mismo y estar a la
con ese equipo en un proyecto tan grande y a la vez dando el salto altura del equipo. Un equipo que es maravilloso, desde que entraba a
desde el primer día como enfrentándome a ese proyecto tan grande. maquillaje hasta que salía, pasando por todos los departamentos.
Álex es un poco igual, pero también distinto en algunos sentidos. Un equipo que incluye actores muy importantes en inglés y
Llega al ministerio siendo un mero diplomático y luego se ve envuelto castellano. ¿Cómo ha sido rodar con ellos en los dos idiomas?
en esta cosa que es lo que le hace saltar. Salta al final gracias a sus De los españoles soy superadmirador, al igual que de los ameri-
ideales y a su integridad, va a por ello por los sueños, porque sueña canos, y ya se vio en los primeros ensayos que una de las cosas que
con ello. más buscaba Alejandro es la mezcla del reparto americano con el
Quizá también va a por ello porque alguien le dice que no reparto español. Y todo cuadra muy bien. He aprendido muchísimo de
puede hacerlo. Que no está capacitado para hacerlo. Que no lo todos los personajes y de todas las personas. Con la que más tiempo
lleva dentro. he pasado es con Ana Polvorosa, obviamente, y es de la persona de la
Eso es. Realmente nadie se espera que él vaya a dar la talla. A fin que creo que más he aprendido, porque hemos pasado más de 50 días
de cuentas es un diplomático que contratan, como bien dicen en la de rodaje juntos. Luego del equipo nacional aprendes de cada
serie, porque desde la Moncloa les obligan a contar con un diplomático persona, cada persona tiene una manera de trabajar diferente. Te ves
en el ministerio. Y de repente, se ve envuelto con el personaje de Lucía al lado de gente tan grande como Karra Elejalde, Blanca Portillo,
Vallarta (Ana Polvorosa) en esta aventura, y lógicamente Lucía le da mil Pedro Casablanc... Manolo Solo, que me encanta también. Y en lo
vueltas. Ella tiene toda la sabiduría, toda la picardía que a él le falta en internacional, la persona con la que más tiempo he pasado es Clarke
el mundo real, porque es un diplomático de carrera, ha estudiado Peters, del que he aprendido muchísimo en lo profesional, y en lo
siempre. Se encuentra en el mundo académico, por así decirlo. Y luego, personal, sigo manteniendo un contacto más cercano.
cuando salta al mundo real es donde tiene que dar más de sí. Nos comentaba Alejandro Amenábar que, además del cómic,
¿Cómo ha sido desarrollar esa relación con el personaje de en tu personaje había incluido detalles de su propia experiencia
Lucía? Sin revelar demasiado, claro, pero creo que es una de las visitando Estados Unidos. ¿Es algo de lo que hablabais para crear
bases de la serie. a Álex?
Obviamente, bajo mi punto de vista, y creo que es así, Álex Eso es algo que me encanta y que demuestra que él pone
Ventura no sería lo mismo sin Lucía Vallarta. Tampoco quiero hablar todavía más, aparte del guion, aparte de la dirección, en el personaje,
mucho sobre eso, claro, pero ella le transmite y le aporta todo lo que mucho más cuidado y con más mimo. Y, de hecho, el abrigo que
él no tiene, y él también le transmite valores que ella no tiene. llevaba en Estados Unidos, cuando Álex está en Estados Unidos, es el
Entonces creo que se crea una sinergia muy interesante y se va viendo abrigo que él llevaba cuando viajó a Estados Unidos, es el abrigo de
a lo largo de la serie. Cómo evoluciona esa sinergia a mí me gusta Alejandro. Son detalles que me gustan mucho, la verdad, porque
mucho y es muy potente. Personalmente, como Álvaro. indican que pones algo personal, más que solo profesional, en algo
Te pones al frente de un reparto internacional, con una serie que es una “serie tesoro”, como dice Movistar (risas).
escrita y dirigida por Alejandro Amenábar. ¿Cómo ha sido para ti
esa experiencia?
Jesús Usero

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Batwoman ya tiene su Poison
Ivy, Bridget Regan. La serie Batwo-
man sigue adelante con una tercera
temporada que parece haber encon-
trado a su principal villana. Se trata
de Poison Ivy o Hiedra Venenosa,
como prefieran, villana habitual de
Batman que aquí estará interpretada
por Pamela Isley, quien se enfrentará
a la protagonista y su equipo. El per-
sonaje de Pamela Isley ha sido leve-
mente modificado para la serie, espe-
cialmente su origen, que ahora será
el de una joven estudiante universita-
ria, entusiasta de la botánica, a la que
un compañero somete a un terrible
experimento inyectándole terribles toxinas, lo que la convertirá en
Poison Ivy. Ahora que Batman no está, el personaje regresa para
causar problemas en Gotham. La actriz ya interpretó a la Viuda
Negra original, Dottie, en Agente Carter.
Disney + prepara una serie sobre la figura de Karl
Lagerfeld. Convertido en uno de los diseñadores de moda más
importantes de los últimos 40 años, Karl Lagerfeld fue el director
creativo de Chanel desde 1983 hasta su muerte en 2019. Su vida
será revisada en una nueva serie de Disney +, titulada de Kaiser
Karl, que será rodada en Francia y en francés, y comenzará su sin-
gladura en los años setenta, en la juventud del personaje, cuando
intentaba hacerse un nombre en la moda francesa.
Chloë Sevigny se incorpora al reparto de la miniserie
The Girl from Plainville. Es un proyecto que lleva un tiempo de
gestación, la miniserie The Girl from Plainville contará con Elle Fan-
ning y Colton Ryan como protagonistas, basada en un artículo de la
revista Esquire que analizó el caso de Michelle Carter, interpretada
por Fanning, una joven condenada por homicidio involuntario des-
pués de inducir al joven Conrad Roy III, interpretado por Ryan, a
cometer suicidio a través de una serie de mensajes de texto.
Sevigny se incorpora a esta miniserie de Hulu en la piel de la madre
de Roy, una mujer inteligente que se culpa por la muerte de su hijo.
Susannah Grant, responsable de la nueva serie de
Showtime. La guionista y directora, responsable del guion de Erin
Brokovich, por ejemplo, será la encargada de escribir y dirigir la
serie de Showtime Coercion, centrada en la trata de blancas, y que
estará protagonizada por Sydney Chandler. La actriz dará vida al
personaje real de Rebecca Bender en el que la serie se inspira. Ben-
der, que sufrió explotación sexual a manos de su pareja, logró salir
de aquello y convertirse en consultora para distintas agencias y
fuerzas del orden. La serie retoma la vida de la protagonista seis
años después de escapar, mientras intenta rehacer su vida.
Shawn Mendes producirá la serie basada en el juego Life Is
Strange. El cantante Shawn Mendes se pondrá manos a la obra
como productor de una de las nuevas adaptaciones de videojuegos
que nos depara el futuro, la de la serie basada en el popular juego
Life Is Strange, una de las aventuras gráficas más fascinantes de los
últimos años, tanto ella como su secuela y la precuela/spin-off. La
serie es por ahora una incógnita, pero el nombre de Mendes la hace
tomar fuerza, al igual que la productora Legendary, quien se pone al
frente del proyecto. No se sabe qué juego adaptará todavía, pero se
espera que sea el primero, en el que una joven Max Caufield descu-
bre que puede rebobinar el tiempo. Junto a su amiga Chloe investi-
gará la desaparición de otra chica, lo que revela un terrible secreto
en la ciudad de Arcadia Bay.
AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N
Sam Worthington y Wyatt Russell se suman a la serie de
Andrew Garfield. Diez nuevos nombres se han incorporado a la
serie que protagonizará Andrew Garfield junto con Daisy Edgar-
Jones, y que está basada en la novela Under the Banner of Heaven.
La serie narra la historia de un detective creyente cuya fe es puesta
a prueba cuando investigue un terrible asesinato que podría haber
sido cometido por mormones. La historia implicará a uno de los
miembros de esa comunidad, interpretado por Garfield, mientras
que Sam Worthington y Wyatt Russell, que acaban de sumarse al
proyecto, darán vida a dos hermanos que tienen también relación
con el crimen. Entre el resto de nombres que conforman el reparto,
se incluyen a Denise Gough, Billy Howle, Gil Birmingham, Adelaide
Clemens, Rory Culkin, Seth Numrich, Chloe Pirrie, Sandra Seacat y
Christopher Heyerdahl.
Se completa el reparto de la serie de La familia Addams
de Tim Burton. Un proyecto que llamó muchísimo la atención de
los fans del director Tim Burton y que
por fin empieza a tener forma real,
Wednesday, ha sumado a su reparto
una buena lista de nombres intere-
santes. La serie, un spin-off que con-
tará la historia de Miércoles Addams
como adolescente en la Academia
Nevermore, donde investigará una
serie de asesinatos y un misterio
sobrenatural que lleva un cuarto de
siglo aterrorizando la ciudad, ya tiene
a Jenna Ortega como Miércoles, y a
Catherine Zeta-Jones y Luis Guzmán
como Morticia y Gómez Addams.
Ahora la serie incluye una lista de
nombres como Thora Birch, Riki Lind-
home, Jamie McShane, Hunter Doo-
han, Georgie Farmer, Moosa Mostafa, Emma Myers, Naomi J.
Ogawa, Joy Sunday y Percy Hynes White. Aunque aún hay que
encontrar al resto de miembros de la familia, ya que estos actores
no darán vida a ninguno.
La nueva serie de Justin Hartley es The Never Game. Jus-
tin Hartley saltó a la fama como el Green Arrow de Smallville, y
recientemente ha ganado aún más popularidad como parte del
reparto de This Is Us, el drama familiar de NBC. Pero la serie acaba
su singladura tras su sexta temporada, que comienza en breve, y el
actor ya ha asegurado su futuro con un nuevo proyecto que además
producirá. Se trata de la serie The Never Game, basada en la novela
de Jeffrey Deaver. El actor se hizo con los derechos de la novela
junto con Ken Olin. La serie se centra en Colter Shaw, experto en
supervivencia que busca recompensas gracias a sus habilidades
como localizador de personas, para ayudar a resolver misterios de
ciudad en ciudad, mientras lidia con su familia desestructurada.
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