Art

and
Caft
Y otras escuelas y movimientos que surgieron de él
¿Qué fue el movimiento Arts and
Crafts?

Fue un movimiento , ligado al diseño y a las artes

decorativas, con una fuerte intensión política, que nació
en Gran Bretaña hacia 1880 y se desarrolló hasta la
Primera Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a
través de toda Europa (dando lugar a movimientos que
tomaron otros nombres) y llegó a América e incluso a
Japón. Su máximo referente y quien lo impulsó fue el
artista y escritor William Morris (1834-1896)
Como vimos la clase pasada, durante el SXIX, Gran
Bretaña, se posicionó como uno de los países
centrales, a través de una política expansionista –
colonialista, acompañada por un gran desarrollo
económico dado por la alta industrialización y
tecnologización a través de las máquinas a vapor.

Entre las muchas industrias que vieron una gran

expansión , se encuentra la de la impresión, que se
diversificó en distintos formatos: revistas, libros,
carteles, etc. Vimos, como esa industrialización,
implicó un gran desarrollo del diseño gráfico.
Esta industrialización, que significó avances en muchos aspectos y
crecimiento económico de varios sectores, tuvo sin embargo,
consecuencias negativas. Señalaremos, las que más incidieron en el
desarrollo y búsquedas del Art and Craft:

•El sistema de producción se tornó inhumano, por las condiciones de

trabajo de los obreros (recordemos lo visto en la clase anterior: trabajo
infantil y explotación) . Gran desigualdad social.

•Muchos artesanos o especialistas perdieran su trabajo debido a la

implementación de líneas de ensamble que optimizaban y
estandarizaban los productos existentes en el mercado

• Se desvalorizó el trabajo artesanal

•Según se desprende del testimonio de algunos nobles espíritus del

siglo XIX, la calidad en el diseño (especialmente el editorial ,en la
producción de libros) fue descendiendo desde mediados de siglo hasta
alcanzar, en su último tercio, alarmantes cotas de vulgaridad.
Morris se manifestó profundamente
en contra de la industrialización,
especialmente por los aspectos
(negativos) señalados . Esa
disconformidad, fue uno de los
motores de su producción, que dio
origen, finalmente, al movimiento
Art and Craft.
¿Quién
era
William
Morris?
William Morris (1834-1896) Fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista
político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts.
Hijo mayor de un importador de vinos, crece en una mansión georgiana en las
afueras del bosque de Epping, se forma en una vida casi feudal.
En el colegio de Exeter conoce a Edward Burne-jones (que será socio amigo
hasta su muert, y una importante figura del Arts and Craft). Ambos planeaban
entrar al clero.
Luego estudia arquitectura y la abandona, para dedicarse junto con
Burne-jones a la pintura. Se vinculan con Dante Gabriel Rossetti, pintor y poeta
quien formaba parte de la hermandad Prerrafaelista, mediante el cual conocen a
Jane Burden,(modelo de Rossetti) con quien se casa.
Tanto los Prerrafaelistas como Morris, son influenciados por John Ruskin
Tras culminar sus estudios, comenzó a trabajar en 1856 en la firma de
arquitectura de G.E. Street. Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo
de boda para Jane Burden. Con su experiencia en arte y arquitectura fundó,
en 1861, junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philip
Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño
industrial que él personalmente financiaba
La empresa se organizó como Morris & Company en 1875 con Morris como único
propietario.
 Las dos
influencias
más
significativas
de Morris:
La
Hermandad
Prerrafaelista
y John Ruskin
La hermandad Prerrafaelista , ( de la que hablamos brevemente cuando vimos el capítulo 25 de Gombrich)
se funda en 1848. Sus miembros principales, son: William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti y John
Everett Millais. (en las tres páginas siguientes verán una obra de cada uno de ellos)

Su nombre responde a que pensaban que con Rafael ( el gran artista modélico del renacimiento) había
comenzado un proceso de corrupción que había continuado desde el siglo XVI al XIX, y que era evidente en
las enseñanzas y exposiciones de la Real Academia, por eso los prerrafaelitas adoptaron como ideal y
ejemplo a los suaves y líricos maestros italianos del Quattrocento (anteriores a Rafael) Siguiendo a Ruskin,
pensaban que la tradición postrenacentista en la pintura estilizaba y conviertía en fórmulas manidas los
hechos y paisajes de la Naturaleza, perdiendo la verdad.

Estaban ante todo contra las normas académicas ( en el plano del arte) y contra la industrialización (en el
plano social y político)

Buscan sus temas en la literatura anterior (la poesía épica medieval del rey Arturo, Dante, Shakespeare)
La pregunta sería porqué los prerrafaelitas y luego Morris, seguían empeñados en escoger estos motivos al
margen de lo que hoy sabemos era la línea de la modernidad, Máximo Gorki ha intentado dar una solución:

"Yo contemplo los cuadros de Rossetti, de Burne Jones y quedo

admirado de que estos talentos, tan poderosos y al mismo tiempo tan
sensibles, buscasen su inspiración en el pasado. ¿Por qué no querían
o no podían aproximarse a la vida contemporánea? Porque en la sociedad
actual la vida se ha hecho estrecha, incolora y deslucida, porque
unas pasiones tenebrosas consiguen un mayor poder sobre las personas.
Tal forma de vida apenas deja un resquicio para los poetas quienes
se ven obligados a buscar la belleza en el cementerio del pasado.
No existe ni un presente estimulante ni un futuro luminoso y ello les
obliga a dedicarse al lejano pasado. La miseria de los intelectuales procede
de su soledad, de verse marginados en la vida‖

Para una estética decimonónica, como la de los pintores prerrafaeitas, y después de ellos para Morris ,el
saldo era aún muy grande, entre otras cosas porque el industrialismo y el gigantismo fabril del siglo xix no
es tan positivo y optimista como el del siglo siguiente y tiene unas deudas estéticas y sociales mucho más
fuertes.
La luz del mundo William Holman Hunt
John Everett Millais (1829 – 1896) Ofelia 1851–1852 Oleo s/ tela 76.2 cm
× 111.8 cmhttps://artsandculture.google.com/asset/ophelia/-wGU6cT4JixtPA
Lady Lilith, Dante Gabriel
Rossetti 1866-68 (alterada 1872-
73)

Era también poeta, y mcuhas

veces su pinturas dialogaban con
sus poesías:

La belleza del cuerpo.

Se cuenta de la primera mujer de
Adán, Lilith,
(la hechicera a quien amó antes de
recibir el regalo de Eva)
que su lengua engañaba antes que la
de la serpiente
y su pelo embrujado fue el oro
primigenio.
Inmóvil permanece; joven, mientras el
mundo se hace viejo;
y, delicadamente contemplativa de sí
misma,
hace que los hombres contemplen la
red brillante que teje,
hasta que corazón y cuerpo y vida en
ella quedan presos.
La rosa y la amapola son sus flores,
pues ¿dónde
podremos encontrar, oh Lilith, aquél a
quien no engañen
tus fragancias, tu sutil beso y tus
sueños tan dulces?
Ah, en el mismo instante en que
ardieron los ojos del joven en los
tuyos,
tu embrujo lo penetró, quebró su
altivo cuello
y retorció su corazón con uno solo de
tus cabellos de oro
John Ruskin (1819-1900) Pintor y escritor, espiritual,
teórico y de un socialismo crítico pasivo, predicaba la
unidad de las artes y el trabajo al servicio de la sociedad.
Se preguntaba cómo una sociedad podía
―conscientemente ordenar la vida de sus miembros de tal
manera que el mayor numero de seres humanos
permanecieran nobles y felices‖.
Pensaba que después del renacimiento se había
comenzado un proceso de separación de arte y
sociedad. La industrialización y la tecnología causaron
esta separación, aislando al artista.
Se preocupa por la justicia social abogando por mejores
condiciones de vivienda y educación para los
trabajadores y beneficios de retiros para las personas de
edad avanzada.
Morris adhiere a estos principios promovidos por Ruskin
adoptando una posición mas radical en cuanto a su
militancia en el socialismo. Al respecto, son muy
contundentes sus escritos sobre Arte y socialismo. Dice:

―Porque, en mi opinión, el mundo de la civilización

moderna en su carrera para ganar una prosperidad
material muy desigualmente repartida, ha suprimido
enteramente el arte popular; o, en otras palabras, la mayor
parte de la población no tiene ninguna participación en el
arte, que, tal como están las cosas, debe ser conservado
en las manos de unos pocos ricos o acomodados que,
podemos decir honradamente, lo necesitan menos, y no
mas, que los esforzados trabajadores.‖
Jane Burden por William
Morris

Pintura al óleo sobre lienzo.

Esta es la única pintura
de caballete completa que
produjo William Morris. Es
un retrato en traje medieval
de Jane Burden, con quien
Morris se casó en abril de
1859. La imagen ha sido
identificada en el pasado
como Queen Guenevere , en
parte debido al hecho de que
Morris publicó su primer
volumen de poesía, The
Defense of Guenevere , en
Marzo de 1858. Sin embargo,
investigaciones recientes han
establecido de manera
convincente que el cuadro
pretende representar a Isolda
llorando el exilio de Tristran
desde la corte del Rey Mark.
Los colores intensos, el
énfasis en el patrón y detalles
como el misal iluminado
revelan dónde estaban los
verdaderos talentos de
Morris.
Cuando quiso encontrar una residencia y decorarla para vivir con su esposa
Jane, no encontraba nada que lo complaciera. Su concepción crítica sobre el
modo de producción y la calidad de esos productos lo lleva a construir, su
propia casa ( Red House, diseñada por Phillip Webb y decorada por Morris
mismo) y como consecuencia, funda la empresa de arte decorativo junto con
Marshal y Faulkner. En la que producen muebles, tapicería, papel tapiz. La
grotesca paradoja fue que los productos fabricados por ellos eran demasiado
caros para ser populares, y fueron adquiridos por reducidas elites,
contraviniendo brutalmente la idea moral de sus promotores.
Con la misma impronta participa de la sociedad para protección de Edificios
antiguos y la sociedad para verificar abusos de la publicidad contra el público.
Morris expresaba:
―Pero les ruego que piensen en la enorme cantidad de hombres que se ocupan
de esos miserables cachivaches, desde los ingenieros que han tenido que
hacer las maquinas para elaborarlos, hasta los míseros escribientes que pasan
el día sentados, año tras año, en las horribles cuevas en que se lleva a cabo
todo el intercambio, y los vendedores que los venden al por menor entre un
sinfín de insultos que deberán escuchar sin ofenderse; y el publico ocioso que
no los quiere, pero que los compra para aburrirse y hartarse totalmente de
ellos‖
La casa roja (Red House) es una propiedad que fue construida por Philip Webb en 1859 en Inglaterra, por encargo
de William Morris Toma su nombre del material con el que estaban construidos sus muros, ladrillo rojo .William
Morris y su nueva esposa Janey Burden vivieron en Red House durante cinco años, desde el verano de 1860.
Puerta de la Red House. La casa fue
diseñada por Philip Webb, en 1858. Webb y
Faulkner serían los amigos de toda la vida
de Morris, al igual que Edward Burne-
Jones a quien Morris se conoció en
Oxford. Fue en una visita a las catedrales
del norte de Francia juntas en 1855 que
decidieron dedicar sus vidas al arte.

Red House se convirtió en un centro para

el círculo de Morris, con amigos que
vienen por semanas a la vez. A menudo
fueron presionados para pintar las
paredes y los techos. Morris quería que la
casa se viera como un joyero, y Dante
Gabriel Rossetti escribió que era "más un
poema que una casa".
Mural de la sala en Red House ( la primera casa de casado de William Morris) pintado por el mismo Morris y sus
amigos, Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, para Por las noches, los amigos se deleitaban en la sala
con Morris entronizado como un rey medieval en su silla gótica pintada. Este mural lo representa (en el centro)
como ese rey medieval .
Interior de la Red House
Interior de
la Red
House
Interior de la Red House
Interior de la Red House
En las siguientes
páginas, algunas de
las piezas
encargadas a Morris
y su empresa: Morris,
Marshall, Faulkner &
Co, que luego pasó a
ser Morris & Co
Sir Tristram y la Belle Ysoude
beben la poción de amor , uno
de los 13 paneles de vidrios de
colores encargados a Morris,
Marshall, Faulkner & Co.Por
Walter Dunlop para Harden
Grange cerca de Bingley
Yorkshire. Este es uno de los
dos paneles diseñados por
Rossetti. Otros paneles de la
serie fueron diseñados
por Arthur Hughes , Valentine
Prinsep , Sir Edward Burne-
Jones , Ford Madox
Brown y William
Morris . Bradford Art Gallery
La lucha entre Tristram y Sir
Marhaus de la serie Tristam e
Isoude, diseñada por Dante
Gabriel Rossetti (1862) Los
paneles de vidrieras Tristam e
Isoude son una serie de 13
pequeñas vidrieras hechas en
1862 por Morris, Marshall,
Faulker & Co. para Harden
Grange, la casa del
comerciante de textiles Walter
Dunlop, cerca de Bingley en
Yorkshire, Inglaterra.
Representando la leyenda de
Tristan e Iseult , fueron
diseñados por seis de los
principales artistas
prerrafaelistas de la época,
para un diseño general de
William Morris
Dibujo para
Queen
Guenevere e
Isoude Les
Blanches Mains ,
William Morris ,
1862
Boceto en lápiz y
acuarela.Trellis 11/1862
(diseñado (patrón)
Morris se vio obligado a
diseñar sus propios
empapelados porque no podía
encontrar ninguno que le
gustara lo suficiente como
para usarlo en su propia
casa. Él diseñó 'Trellis' poco
después de mudarse a la
Casa Roja. Los jardines de la
Casa Roja estaban dispuestos
en un estilo medieval, con
rosas que crecían sobre
enrejados que rodeaban los
macizos de flores. Este patrón
de fue inspirado por estos
enrejados. Philip Webb, el
arquitecto de la Casa Roja,
dibujó las aves para este
diseño .
Luego este diseño fue uno de
los más populares de ―la
firma‖ de Morris.
Trellis 11/1862 (diseñado (patrón)
Versión impresa. Empapelado.
Los jardines de la Casa Roja
Margarita 1864 El segundo
documento diseñado por
William Morris, pero el primero
en ser emitido. En este
empapelado, se ve claramente
la influencia del arte medieval:
la fuente del motivo plano
simple del patrón se puede ver
en un tapiz ilustrado en una
versión de las Crónicas de
Froissart del siglo XV, que se
muestra en un manuscrito
iluminado en el Museo Británico
(ver página siguiente)
'Dance of the Wodehouses' de 1470-7 Las Crónicas de Froissart (o Crónicas ) son una historia en prosa de
la Guerra de los Cien Años escrita por Jean Froissart. Los motivos del tapiz rojo del fondo, fueron tomados
como referencia, por Morris para hacer su ―Margarita‖ (página anterior)
Diseño para el textil Evenlode ,
Morris, 1883
Evenlode y textiles impresos con bloques, Morris, 1883
Ladrón de fresa 1883Este textil de tapicería de algodón estampado estaba destinado a cortinas o paredes (una forma
de decoración interior promovida por William Morris), o para fundas sueltas en muebles. Este es uno de los diseños
más conocidos de Morris. Él basó el patrón y el nombre en los zorzales que con frecuencia robaban las fresas en la
huerta de su casa rural, Kelmscott Manor, en Oxfordshire. A pesar del hecho de que este diseño era uno de los
impresos más costosos disponibles de Morris & Co., se convirtió en el favorito de los clientes.
 'Willow Bough‗1887, se
inspiraron en las flores
silvestres y los árboles que
había visto en paseos por el
campo. En 1881 dio una
conferencia titulada "Algunas
pistas sobre el diseño de
patrones" en la que argumentó
que el patrón ideal debería
tener "sugerencias
inequívocas de jardines y
campos". Morris también
encontró ideas para sus
diseños en las ilustraciones
simples de xilografías de
hierbas del siglo XVI (libros
que describen las plantas y
sus diversos usos en medicina
y cocina). Poseía varios libros
de este tipo, incluida una copia
de Gerard ' s
Herball ,publicado en 1597
(ver en las 2 páginas
siguientes) en el que se ilustra
una rama de sauce
Otra de las influencias de Morris:
John Gerard ( 1545 - 1611/1612)fue
un naturalista, herborista y botánico
inglés, famoso por su jardín de
herbáceas. En 1596, publicó una
lista de plantas raras cultivadas en
su jardín de Holborn, y en 1597su
famoso The Herball, o Generall
Historie of Plantes. Los orígenes de
su Herball, famoso por sus
detalladas descripciones de plantas,
por el folclore que figura en los
artículos y su espléndida prosa, y
por ser un tanto polémica.
John Gerard ( 1545 -
1611/1612)fue
un naturalista, herborista y botá
nico inglés, famoso por su jardín
de herbáceas. En 1596, publicó
una lista de plantas raras
cultivadas en
su jardín de Holborn, y
en 1597su famoso The Herball,
o Generall Historie of Plantes.
Fruit
wallpaper,
boceto.
William Morris,
1865 – 66
Fruit wallpaper, William Morris, 1865 – 66
Diseño para un textil
impreso a mano de
bloques de madera,
que muestra la
complejidad de los
bloques utilizados
para hacer patrones
que se repiten a
finales del siglo
XIX. Tulipán y
Sauce de William
Morris, 1873.
Hermano Conejo 1880-1881
Talleres de la Morris and Company
Bloques de madera tallados originales para imprimir papel ( ver en la página anterior
el procedimiento) .William Morris
Galahad, Bors y Perceval logran el Grial .Tapiz de Sir Edward
Burne-Jones, diseño de figuras ; William Morris, diseño y
ejecución; John Henry Dearle, realizacion de flores y detalles
decorativos. 1891-94
Los tapices del Santo Grial o San Graal son un conjunto de
seis tapices que representan escenas de la leyenda del Rey Arturo
y la búsqueda del Santo Grial . Los tapices fueron encargados
a Morris & Co. por William Knox D'Arcy en 1890 para su comedor
en Stanmore Hall, afueras de Londres.
https://artsandculture.google.com/asset/the-adoration-of-the-
magi/uQHHRCrCrHZVdw
Tapices instalados en la casa para la que fueron encargados.Comedor
de la casa de William Knox D'Arcy en Stanmore Hall.
Morris ve decadencia en el diseño editorial, alejados ya de la
práctica artesanal,
El éxito de los libros populares (infantiles y novela-folletín)
produjo incremento en la cantidad en detrimento de la calidad
(la problemática de toda producción masiva).

Por este motivo funda la imprenta Kelmscott (1891) con el

propósito de recuperar la belleza de los libros incunables.
Nuevamente, Los manuscritos medievales son su gran
influencia en esta empresa.

En relación al diseño editorial, ha sido un gran referente para

las posteriores generaciones ,fue él quien consideró la
distribución de la ―mancha‖ impresa sobre la página en blanco.
La página impresa como un elemento integrado a una
superestructura a la que debe obediencia ya armonía. El
diseño de una página en relación a la contigua suscitó en
Morris una serie de reflexiones sobre la unidad, la simetría y el
orden.
Otro aporte importante es el referente a
la tipografía. Crea su primer tipo
(―Golden‖) basado en los caracteres
romanos llamados venecianos que
había diseñado Nicolas Jenson (1470)
Para ello utiliza el procedimiento de la
fotografía para ampliar los caracteres y
estudiar la estructura de las letras.
De los tres tipos diseñados y fundidos
por Morris (Tory, Golden y Chaucer),
dos de ellos responden a la tipología
gótica y uno a la romana.
Página de muestra de los
tipos de Kelmscott Press,
1897
The Works of Geoffrey
Chaucer now newly imprinted
(La obra de Chaucer,
nuevamente impresa)
Fue una de las obras más
ambiciosas de la imprenta de
Morris
Se imprimieron 425 copias y
se vendieron a £ 20 cada
una. Otros 13 ejemplares
impresos en papel vitela
tenían un precio de 120
guineas (£ 126), y 48 estaban
especialmente
encuadernados en piel de
cerdo blanco con broches de
plata. En el mismo año, 1896,
William Morris murió.
The Works of Geoffrey Chaucer now newly imprinted publicado en 1896, , Sus 87 ilustraciones en madera son
obra de Edward Burne-Jones, Algunas líneas se imprimieron en rojo, usando el tipo Chaucer, con algunos
títulos en tipo Troy. El conjunto fue impreso en papel artesanal Batchelor con marca de agua: Perch.
The Works of Geoffrey Chaucer El libro fue excepcional en su ambiciosa cantidad de ilustraciones y ricas
fronteras decorativas. "Si vivimos para terminarlo", escribió Burne-Jones, "será como una catedral de bolsillo,
tan llena de diseño y creo que Morris es el mejor maestro de ornamentos del mundo". Morris y Burne-Jones
trabajaron en el libro durante cuatro años.
The Works of
Geoffrey Chaucer
ilustraciones y
ricas fronteras
decorativas de
Burne-Jones,
The Works of
Geoffrey Chaucer
ilustraciones y
ricas fronteras
decorativas de
Burne-Jones,
El movimiento Arts & Crafts fundado por Morris
desencadenaría el posterior estilo homogéneo
con que la industria gráfica europea y americana
se alimentó durante 1888 a 1907.

En esta expansión artistas como Walter Crane,

Aubrey Beardsley, James McNeill Whistler, Arthur
Heygate Mackmurdo y Charles Rennie
Mackintosh, son sus destacados e iniciales
impulsores

Todos ellos se caracterizan por el énfasis que le

conceden a la línea como gesto expresivo
(influencia de la plástica tradicional japonesa,
especialmente del grabado)

En las siguientes páginas verán obras de algunos

de estos artistas
Portada del libro de Arthur
Mackmurdo, Wren's City Churches , 1883
La influencia artística más temprana de
Mackmurdo fue John Ruskin , quien había
sido una importante fuente de inspiración
para Prerrafaelitas de primera y segunda
generación. Mackmurdo aprendió los
principios del diseño prerrafaelita de William
Morris , quien lo convenció de establecer
Century Guild, que fundó en 1882 con
Selwyn Image, Herbert Home, Benjami
Creswick , Clement Heaton, George Esling y
Kellock Brown. Hobby horse, que se
convirtió en la revista oficial del gremio,
proporcionó un foro para debatir sobre el
movimiento Arts and Crafts y publicar
ejemplos de sus diseños. Debido a que el
trabajo realizado en el gremio fue
cooperativo, a menudo se encuentran
dificultades para desentrañar las
contribuciones individuales. Sin embargo,
los diseños de Mackmurdo tienen un estilo
distintivo: un híbrido entre el estilo
renacentista medieval de Morris y el Art
Nouveau.
Arthur Heygate Mackmurdo
Silla diseñada por Mackmurdo, cuyo
panel trasero ha sido visto como un
precursor del diseño Art Nouveau
Póster de 1896 de Mackintosh para Scottish
Musical Review
https://artsandculture.google.com/entity/m0f7tt
El Wassail" de Charles Rennie Mackintosh yeso, arpillera, cuentas de vidrio, hilo, nácar y hoja de
estaño en el panel 158.2 x 462 cm 1900
Aubrey Beardsley
Portada de Las mil y
una noches.
Tapa de Ilustración de
Salome ,de Oscar Wilde 1894
por Aubrey Beardsley
La falda de pavo real es una
ilustración de 1893 de Aubrey
Beardsley . Su original en
pluma y tinta, se reproduce
como un grabado en madera en
la primera edición de La
Salomé de Oscar Wilde 1894.
The Climax es una ilustración
de 1893 de Aubrey Beardsley
Representa una escena de la
obra Salome ,de Oscar Wilde ,
en la que la mujer
fatal Salomé acaba de besar
la cabeza cortada de Juan el
Bautista , que ella agarra en
sus manos
Beggarstaff Brothers. Chica sobre Sofa,
1895 Beggarstaff Brothers. James
Pryde(1866-1941) y William
Nicholson (1872-1949), formaban esta
curiosa pareja de cuñados y amigos
trabajaron bajo este seudónimo que
pretendía proteger su reputación como
artistas (el nombre tiene como
curiosidad, que lo sacaron de un
etiqueta de un saco de maíz, en el que
se leía el ―The Beggarstaff Brothers‖)
Fueron pioneros en el uso del collage,
olvidándose de la línea y creando sus
obras a partir de papeles, que movían y
colocaban hasta conseguir la forma
deseada .Serán los primeros en exigir
la colaboración del espectador para
que reconstruya la figura, la cual
carece de línea, se creaba un juego de
formas y contrafirmas, que dotaba de
originalidad y dinamismo a todos sus
carteles. Realizaban diseños
genéricos, invirtieron el orden que
marcaba y marca, normalmente un
proyecto, que es el desarrollo de este, a
partir de un encargo. Ellos se
dedicaban a diseñar y generar un
número determinado de carteles, que
después intentarían vender a sus
clientes, adaptando el texto que
aparecería en cada uno de ellos Tal vez,
esta forma de trabajar es la que les
llevo a la ruina y la razón por la que se
acabaron separando
Beggarstaff Brothers. Harper‘s
Magazine 1895
Beggarstaff Brothers. Cinderella, 1895
El Art
Nouveau
y su difusión
por otros
países de
Europa
La expresión ‖épater le bourgeois‖, que aparece en Francia a mediados del siglo XIX dentro
de la atmósfera romántica, sirve de lema a una de las actitudes más características del arte
moderno: el desprecio hacia la clase social que, en torno a 1830, comenzó a imponer su
predominio. El ulterior avance de la burguesía agudizó, entre los artistas postrománticos, la
aversión hacia esa clase preponderante. Escarnecen sin cesar al burgués mediocre y, más
adelante, ya en pleno siglo XX, los vanguardistas mantienen la tradición Épater le
bourgeois significa, etimológica y literalmente, "hacer caer abierto de piernas, por algún
hecho o dicho asombrosos, al burgués". En castellano equivaldría a "dejar al burgués
atónito".

La tendencia simbolista francesa concluye en una vanguardia gráfica domesticada que no

pretende épater le bourgeois, sino acomodarse a la cultura burguesa convencional: El art
Nouveau

Extrapolado de sus objetivos sociales el estilo sembrado por Morris quedó inevitablemente
reducido a un mero hedonismo, es decir a una intensificación de la experiencia puramente
estética, fenómeno que el propio Morris deploró en los últimos años de su vida.

La burguesía industrial y comercial se encontrará ante un estilo que adoptará como valor de
clase. La joven industria europea en búsqueda de una estética complaciente, halla en el
modernismo, una forma de representación orgánica que desde la arquitectura a la joyería,
mobiliario etc. proporciona una respuesta plástica coherente y amable a la exacta medida de
sus ambiciones pequeñobuerguesas .

La función conciliadora que se advierte en el modernismo como estilo, es en Francia mas

claramente visible, al ser inmediatamente aceptado, no solo por la iniciativa privada sino
también por la administración pública que confía el diseño y la señalización de los accesos a
los transportes subterraneos
A diferencia del Arts and Crafts, el Art nouveau se desarrollo en más
disciplinas (por ejemplo la arquitectura),

Al igual que el Art and craft ,siente nostalgia de la naturaleza y de un

mundo preindustrial.

Prevalecen las líneas curvas y sinuosas,que recuerdan (o representan) a

la morfología vegetal

Hay una tendencia o búsqueda de la asimetría.

La exacervación de lo curvilineo asociado a lo femenino se enfatiza por

el protagonismo de la figura femenina en muchas de sus obras.

Buscaba el exotismo y tiene una furte influencia del arte japonés, de allí
su predominio de formas ―planas‖

En su Alemania se llamó ―Jugdenstill‖, en Austria ―Secesión Vienesa‖,

en Italia ―Liberty‖, en España ―Modernismo Catalán‖
Entrada a la estación de metro
Abbesses en París, obra de
Hector Guimard.
Hector Guimard : placa de la rue Agar en París
La Casa Tassel fue construida entre los años 1892 y 1893 por el arquitecto Víctor Horta en la rue Paul Emile
Janson 6, 1000, Bruselas, Bélgica,
Poster para Moët & Chandon: Dry Imperial
(1899) Alfons Mucha
En la última década del siglo, devorada por
aquella extraordinaria pan-femenización del
arte que se produce, la mujer fatal lega a ser
un tópico baladí, un cliché banal de aquel
―eterno enigma‖ en el que los hombres
proyectaron sus utopías eróticas. Su larga
cabellera, su enigmática sonrisa y sus ojos
de entreabiertos párpados, bajo el ímpetu de
la expansión de las artes gráficas y de la
publicidad, serán utilizados para anunciar
una nueva marca de cacao o de brillantina.
De las hijas de lilith. E. Bornay
Alfons Mucha (1860-1939)Artista
checo, activo en París. Cartel
litográfico con la actriz Sarah
Bernhardt en el papel protagonista
de Gismonda
Alfons Mucha
Savonnerie de bagnolet, 1897.
Fatality Jan Toorop Fecha: 1893 tiza, lápiz s/papel 75 x 60 cm
Cover for 'God en goden' by
Louis Couperus
Jan Toorop
1903
Arnhem Life
Insurance Company
Jan Toorop
Fecha: c.1904
Cartel de T Alexandre
Steinlen (1896) Le Chat Noir —en
español, El Gato Negro— fue
un cabaré del siglo XIX en el
barrio bohemio de Montmartre,
en París. Fue inaugurado el 18 de
noviembre de 1881 en el bulevar
Rochechouart por el
artista Rodolphe Salis,
Werkbund
Institut
La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de
arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907
en Múnich​ por Hermann Muthesius. Fue una organización
importante en la historia de la Arquitectura moderna, del
diseño moderno y precursora de la Bauhaus. El Werkbund
más que un movimiento artístico era una acción sufragada
por el Estado para integrar los oficios tradicionales con las
técnicas industriales de producción en masa a fin de poner
a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias
tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era
"Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los
sofás a la construcción de ciudades) «El propósito del
Werkbund es el de ennoblecer el trabajo artesano,
vinculándolo al arte y la industria, la artesanía y las fuerzas
activas manuales, quiere unir esfuerzos y tendencias hacia
el trabajo de calidad existente en el mundo del trabajo,
constituye el punto de reu nión de aquellos que deseen
producir un trabajo de calidad‖
Peter BehrensA.EG-
Metallfadenlampe
(AEG - Lámparas de
metal para
filamentos)1907
Afiche de Peter Behrens para
AEGen 1907,
Paul Jordan, director general
de AEG, invitó a Behrens a
convertirse en el diseñador jefe
de la compañía de electricidad
con sede en Berlín. Empezó a
trabajar en carteles
publicitarios para esta gran
empresa alemana. También
estaba trabajando en diseños
de productos eléctricos
usados ​diariamente. Logró,
como primer ciudadano alemán
y también europeo, crear la
primera identidad corporativa
compleja. Ese fue el primer
paso al conectar el arte y la
industria como lo conocemos
hoy.
he Kiss (Der Kuss) (placa, frente
a la página 116) del
periódico Pan , vol. IV, no. 2
(julio-agosto-septiembre de
1898)(1898)
Cartel Priester, diseñado por Lucian
Bernhard, La industria alemana se
empezaba a dar cuenta de la tremenda
fuerza de atracción visual que tenía el
cartel publicitario y el impacto que
producía sobre los compradores. Una de
esas empresas fue la fábrica de cerillas
Priester, que premiaba el mejor cartel
con, nada más y nada menos, que 200
marcos.
Lucien se puso manos a la obra
entusiasmado: aquella cantidad era más
que atractiva para un pobre aspirante a
artista recién expulsado de su casa.
Diseñó un cartel con un fondo oscuro,
sobre el que dibujó un cenicero en el que
se apoyaban dos cerillas. Le pareció que
quedaba un tanto soso y añadió un
cigarrillo encendido cuyas volutas de
humo se elevaban hacia el cielo en forma
de graciosos arabescos a la manera de
las ilustraciones de Mucha. Creyó
necesario añadir un elemento sobre el que
se apoyara el cenicero, así que dibujó una
mesa y la cubrió con un mantel a cuadros.
Para terminar, situó el nombre de la
marca en la parte superior del cartel.
Bernhard contempló satisfecho su obra,
convencido de que tendría posibilidades
en el concurso y decidió mostrársela a un
amigo que trabajaba como caricaturista.
Su amigo alabó el diseño y declaró que
era uno de los mejores carteles de
cigarrillos que había visto jamás.
Bernhard se dio cuenta de su error: el
producto anunciado se diluía entre una
gran cantidad de elementos accesorios
que impedían que el mensaje llegara de
forma correcta.
El resto de su producción se asemeja mucho al modelo realizado para Priester: fondos neutros (eso sí, de color
claro en lo sucesivo), el elemento que se anuncia (cigarrillos, bujías, bombillas, zapatos o cintas para máquinas de
escribir, por ejemplo) y una tipografía clara y sencilla con el nombre de la marca. Es el caso de su cartel para las
bombillas Osram: