Contenidos Programados

Unidad I
 La Línea
 Introducción

 Objetivos

 La Línea a través del tiempo

 El Diseño: gráfico, de modas, de textiles, industrial y de

interiores.

 Desarrollo de ejercicios

 Lo que debo Propiedades artísticas de la línea: cómo

medio de división factor dinámico y Lazo de unión.

 Lo que debo recordar.

Contenidos Programados
1
 Unidad II
 El Área
 Introducción

 Objetivos

 Aplicación de Figuras Geométricas

 Dibujo de rosetones

 Diseño de Embaldosas

 La rotulación: diseño, contraste y tamaño, grosor, formas,

dirección, color y texturas de las letras.

 La proporción

 Técnica de la cuadricula

 Escalas numéricas

 Desarrollo de ejercicios

 Lo que debo recordar

Contenidos Programados
Unidad III
2
  La perspectiva
 Introducción
 Objetivos
 Clases de perspectiva
 Los espacios en la perspectiva: procedimiento de división
 Perspectiva oblicua de tres puntos de fuga: a vista de pájaro
y a vista de hormiga
 Perspectiva del color
 Desarrollo de ejercicios
 Lo que debo recordar

Contenidos Programados
Unidad IV

3
  El Claroscuro
 Introducción
 El Claroscuro
 Valoración de los tonos
 Sombras proyectadas
 Perspectiva de las sombras
 El claroscuro con colores
 Figuras básicas
 Desarrollo de ejercicios
 Lo que debo recordar.

Contenidos Programados
Unidad V

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  El Color
 Introducción
 Objetivos La luz blanca y los colores
 Ordenación de los color
 Armonías Cromáticas: Monocromáticas y Análogas
 El Armonicolor
 Desarrollo de ejercicios
 Lo que debo recordar.

Contenidos Programados
Unidad VI
 La textura
5
  Introducción
 Objetivos
 La Textura
 Clasificación de la Textura: natural y artística orgánica y
geométrica
 Desarrollo de ejercicio
 que debo recordar.

Contenidos Programados
Unidad VII

6
  El Volumen
 Introducción
 Objetivos
 El Volumen
 Esculturas con papel
 Bajo relieve
 Desarrollo de ejercicios
 Lo que debo recordar.

La Linea

Introducción
7
Lo que debo recordar. Bajo el nombre de Introducción a la Historia del Arte
estudiaremos la unidad que se refiere a una historia cronológica del Arte en el
Mundo Occidental, desde la Prehistoria, en primer curso, hasta la Edad
Moderna, en éste tercer curso, con la finalidad de despertar y motivar tu interés
por el estudio de las Artes Plásticas, y para que, en una forma objetiva
comprendas que la expresión plástica es inherente al hombre y que nos
acompaña a través de toda nuestra vida, no pudiendo prescindir de ella, así
como debes aprender el significado y tener conocimiento de los términos que te
sitúan a través de la Historia del Arte Occidental.

Objetivos
 Reafirmar los conocimientos adquiridos en los años anteriores.

 Conocer las propiedades artísticas que posee la línea.

8
  Conocer dentro del diseño funcional sus diferentes clasificaciones.

 Conocer el dibujo de la figura humana en todos sus movimientos.

 Conocer el dibujo de otros seres vivos y el carácter de cada uno de ellos.

Ellos La. Línea a Través del Tiempo

El hombre ha utilizado la línea desde los tiempos más primitivos. Al principio

la usaba para trazar en las paredes de las cuevas el contorno de los animales
que cazaba o pescaba.

Más adelante los pueblos de la antigüedad, emplearon la línea para decorar su

cerámica y escribir en sus monumentos.

Además, en todas sus construcciones prevaleció la línea recta. Es así, como en

Grecia, la línea recta se utilizó en la construcción de sus templos.

En Roma, tuvo más valor la masa que la línea, en cuanto se refiere a

construcción; sin embargo, aportó en lo que res- pecta a la arquitectura, el uso
del arco y de la bóveda, en donde prevalece la línea curva.

Durante la Edad Media, en la construcción de las catedrales prevalece la línea

recta vertical.

En la actualidad, existe una corriente artística llamada Op Art. (arte visual), en

donde se utiliza la línea como elemento creador, a base de líneas paralelas.

9
 Propiedades Artísticas de la Línea

Podemos decir que la línea tiene propiedades artísticas si la utilizamos como

medio de división, factor dinámico y lazo de unión.

a) La línea como Medio de División

La línea tiene la propiedad de dividir los espacios, y de hecho, siempre que

dibujes o traces cualquier línea sobre la superficie, estás dividiendo o
separando, dos o más porciones del espacio primario. Esta propiedad o
capacidad de la línea de dividir es la relación básica que existe entre las líneas
y los diseños; pues recuerda que si divides el espacio en partes iguales,
produces el diseño formal o simétrico y si lo divides n partes desiguales, se
produce el diseño informal o asírnétrico. Utilizando la línea, como medio de
división, se pueden realizar diseños decorativos simples de gran belleza, así
como obras maestras, producidas por artistas que utilizaron la línea como su
medio de expresión.

b) La Línea como Factor Dinámico

La línea tiene una gran capacidad de expresión, y cuando ésta es curva y se

combina, expresa un gran dinamismo y movimiento. Es así, como explotando
esta propiedad, podemos representar el movimiento en nuestros diseños.

c) La Línea como Lazo de Unión

Cuando observas detenidamente un diseño, puedes percibir una relación entre

los elementos que lo componen; esta relación se da muchas veces a través de la
línea que sirve como vínculo o lazo de unión entre ellos, o bien, como la
repetición gráfica que establece la línea al aplicar un ritmo en un elemento
decorativo.
El Diseño

10
El hombre, utiliza su creatividad y sus habilidades en función de crear aquellos
elementos que son fundamentales para su desarrollo, tratando de cubrir así
todas sus necesidades, tanto utilitarias como estéticas.
.
Entonces el diseño, nace como una respuesta a una necesidad humana; ya sea
ornamental como lo hace el diseño decorativo o utilitario como lo hace el
diseño funcional.

Un buen diseño, ordena sus elementos en una manera armoniosa y siempre

debe existir dentro de él un punto de interés, un equilibrio y un ritmo.

Por esto y basándonos en los conceptos anteriores, han creado una serie de
divisiones dentro del diseño funcional que se especializan cada campo creativo.

Éstos son:
a. Diseño Gráfico
b. Diseño de Modas
c. Diseño de Textiles
d. Diseño Industrial
e. Diseño de Interiores

a) El Diseño Gráfico

Está relacionado principalmente con todo lo que se refiere a las artes gráficas.

El diseñador gráfico, es encargado de diagramar e ilustrar libros, periódicos,

pan tos o revistas; de hacer anuncios publicitarios, etiqueta de realizar toda
clase de diseños que pueden ser impresos en litografía, serigrafía o flexografía.

b) Diseño de Modas

El diseño de modas se encarga de la creación de trajes tanto femeninos como

masculinos; por lo que se debe tener un amplio conocimiento de la figura
humana, así como se debe saber de corte y confección.

Este diseñador debe estar muy atento a cubrir las necesidades del país para el
cual está diseñando.

Debe tomar en cuenta siempre el clima del lugar, el nivel económico y cultural
de las personas, así como sus costumbres y tradiciones.

11
c) Diseño de Textiles

Incluye todas 10Sl diseños que puedes observar en las alfombras, tapices, telas
tejidas, cortinas. etc.

Los temas en los textiles deber ser sistemas ornamentales, o sea I que repite el
mismo diseño rítmicamente en una forma ordenada.

d) Diseño o decoración de interiores

Este diseño se especializa en mejorar el aspecto funcional y visual de todos

aquellos artículos que se realizan en serie. El creador de los diseños (diseñador
industrial), además de tener un buen conocimiento sobre la técnica del dibujo,
debe conocer a profundidad el objeto a diseñar.

El diseñador industrial es capaz de diseñar desde algo tan simple como lo

puede ser un encendedor hasta cosas más complejas como un automóvil. Su
objetivo principal es lograr una buena aceptación del producto por parte del
consumidor final.

e) Diseño o Decoración de Interiores

La decoración de interiores viene siendo practicada desde la época de los

egipcios y tuvo su mayor apogeo en Francia entre los siglos XV Y XVIII.

Se refiere a la distribución armónica de todo lo que se encuentra dentro de un

lugar habitable, esto es: muebles, pisos, alfombras, lámparas, cuadros, cortinas
etc.

LO QUE DEBO RECORDAR

La línea tiene un gran valor expresivo y es funda- mental en toda composición,

ya que por medio de ella puedo transmitir y expresar cualquier sentimiento o
pensamiento y puedo realizar cualquier figura.

- La línea tiene propiedades artísticas que utilizo como medio de división,

factor dinámico y lazo de unión.

12
- El diseño nace como una respuesta a una necesidad humana, ya sea
ornamental/ o funcional.

- El hombre tratando de cubrir sus necesidades tanto utilitarias como estéticas

ha creado dentro del diseño funcional, una serie de divisiones que se
especializan en cada campo del diseño, tales como:

a. El diseño gráfico
b. El diseño de modas
c. El diseño de textiles
d. El diseño industrial
e. El diseño de interiores

El area
Introducción
Como te recordaras el área de la medida de una superficie limitada por líneas
que han sido realizadas con instrumentos o a mano alzada.

13
Todos los dibujos que se realizan metódicamente con una exactitud matemática
y con la ayuda de tus instrumentos de trabajo entran en lo que se llama el área
geométrica. Y todos aquellos dibujos los cuales puedes realizar a mano alzado
o se le prefieres con ayuda de tus instrumentos entran en lo que se llama área
geométrica. Y todos aquellos dibujos los cuales puedes realizar a mano alzada
o si lo prefieres con ayuda de tus instrumentos entran en el área artística.

Objetivos
 Que puedas realizar diseños de mejor calidad con la ayuda de los
métodos aprendidos para dibujar figuras geométricas.

 Que aprendas a relacionar los estilos de letras con las ideas mensajes que
quieres trasmitir.

14
  Que seas capaz de proporcionar cualquier figura a cualquier tamaño,
utilizando las diferentes técnicas que se te enseñan.

Aplicación de Figuras Geométricas

Las figuras geométricas que has aprendido a realizar en los cursos anteriores,
las puedes aplicar en la creación de diseños que suelen ser desde muy sencillos
hasta de gran complejidad.

Un ejercicio muy interesante y que requiere de creatividad, es el dibujo de

escudos, los que se pueden realizar como escudos de armas o bien como
escudos de agrupaciones, clubes o colegios. Sí tu colegio no tiene un escudo,
sería muy interesante realizar en clase un concurso para diseñarlo; ahora bien si
ya existe uno, puedes reproducirlo para colocarlo en tu cartapacio.

Dibujo de Rosetones

La división de la circunferencia en partes iguales, produce los rosetones que

son de una aplicación muy variada y de gran belleza. Los rosetones se aplican
en la decoración de pisos, cerámica, vitrales y en general en toda decoración
basada en la circunferencia.

El tercer ejemplo se basa en la división de la circunferencia en doce partes

iguales, por medio del uso del propio radio con el que es trazada, obteniendo
primero seis divisiones para luego después de encontrar el centro entre dos de
ellas, trazar las otras seis. Con estos doce puntos los que servirán de centros, se
Trazarán todas los arcos que dan origen al rosetón.

El cuanto rosetón se basa también en la división en doce partes de la

circunferencia, que se inicia con una circunferencia 1/3 menor que la que sirve

15
de base y que al intersectar los 6 diámetros trazados a partir de las doce
divisiones, genera los puntos que sirven de centro a las circunferencias que
forman las coronas enlazadas que rodean al pequeño círculo del centro.
Este tiene una estrella de doce puntas formada por cuatro triángulos equiláteros
transversalmente colocados.

Desarrollo de Rosetones

El primer rosetón lo forman cuatro hojas cortadas. Divide primero la

circunferencia en cuatro partes iguales por medio de dos diámetros
perpendiculares entre sí AB y CD.

Diseño de Embaldosados

La baldosa es un ladrillo que se coloca en el piso de las viviendas o en patios y

jardines. Para nuestro estudio nos interesa la forma de colocarlas o sea el
diseño, ya que esto ayudará a desarrollar tu creatividad y destreza en el uso de
instrumentos.

Desarrollo de Embaldosados
Desarrolla en el espacio de la derecha un embaldosado o mosaico formado por
hexágonos y cuadrados.

La Rotulación

Las letras conforman palabras, las cuales a su vez, unidas forman los mensajes.
Es importante que aprendas a trazar letras y que sepas relacionar sus estilos con
las ideas o mensajes, para que éstos produzcan los resultados esperados al ser
transmitidos al público.
Diseño de Letras

Un buen diseño de letras exalta las palabras, crea interés en el lector y expresa
el sentimiento del mensaje. Esto lo puedes alcanzar jugando con el tamaño,
grosor, forma, dirección, color y textura de las letras.

Contraste en el Tamaño de las Letras

Si quieres producir un impacto visual en tu diseño, debes jugar con los distintos
tamaños de letras como lo hacen en los periódicos o las revistas. Ellos escriben
lo más importante con letras grandes para luego complementar con un texto

16
más pequeño debajo. Este contraste ayuda alojo a buscar un orden de
importancia y a asimilar el mensaje.

Contraste del Grosor de las letras

En tipografía, a las letras que son de un trazo normal se les llaman claras; y a
las que son de un trazo más ancho o grueso se les llaman negrillas.

Éstas son las letras llamadas "claras".

Y éstas son las letras llamadas "negrillas".

El uso combinado de estas dos formas de trazo de letras provoca interés en la

lectura, al resaltar con letras negrillas algún texto clave.
Contraste de las Formas de las Letras

Se refiere al aspecto en sí d la letra. Puedes construirlas con líneas rectas o

curvas, gruesas o delgadas; pueden ser redondas o triangulares, ele- gantes o
simples, lo importan- te es que sepas adecuarlas al mensaje. Algunos estilos te
pueden producir la sensación de suavidad o paz;' otros de velocidad o fuerza.

Contraste de Dirección de las Letras

Regularmente estás acostumbrado a leer en dirección horizontal; pero algunas

veces necesitas romper con lo tradicional para llamar la atención, se puede
hacer variando la dirección de lectura ya sea colocándola inclinando, recostada
o dándole otra dirección a las palabras o mensaje que se encuentran en tu
diseño.
Contraste de Color de las Letras

Usar colores es la forma más sencilla de contrastar, ya que de por sí el color

indica un estado de ánimo o sentimiento. Por ejemplo, los colores cálidos como
el rojo, amarillo y naranja saltan a la vista y atraen la atención; indican acción,
peligro, calor, etc.; y los colores fríos, como el azul y verde, dan la sensación
de lejanía, calma, frío, soledad, paz, etc.

Procura usar siempre en tus diseños colores que armonicen y contrasten con tu
diseño y recuerda: "el negro no es siempre la mejor opción".

Contraste de Textura de las Letras.

17
Aplicando la textura es una forma de resaltar un texto o mensaje. Existen
muchas formas de crear contraste por medio de las texturas; lo puedes crear
valiéndote única- mente de la textura del papel, o la puedes dibujar; todo de-
pende de el efecto que quieras dar.

Debes combinar los diferentes contrastes para crear un buen efecto en tus
diseños.

Letras con textura Antigua

Es una forma de lograr que el texto parezca viejo. Primero elige un tipo de letra
adecuado como el estilo "texto" y luego dibuja cuidadosamente sobre tu
formato, las letras y rellénalas con tinta. Seguidamente, utilizando la técnica
del estarcido salpica las letras, con témpera de color blanco, creando así una
apariencia de antigüedad.

La Proporción

En el curso anterior vimos, que cuando queremos reproducir una copia de un

original al mismo tamaño utilizamos la técnica del calco; pero si lo que quieres
es una copia más grande o más pequeña de éste, entonces debes tomar en
cuenta sus proporciones.

La proporción se refiere a la relación que guardan las partes de una forma y la

forma total, que al trasladarla a otro tamaño debe de ser constante y mantenerse
para que la misma no sufra ninguna deformación y mantenga su semejanza. La
proporción se mantiene en forma perfecta cuando, con una cámara fotográfica,
ampliamos o reducimos un modelo; pero, si lo queremos realizar por nuestros
propios medios dibujando las formas, debemos utilizar técnicas de ampliación
o reducción.

La mejor manera de ampliar o reducir proporcionalmente tu dibujo, es

utilizando la técnica de la cuadrícula y cuando el dibujo representa algo muy
pequeño o muy grande, como el diseño de un parque o un edificio, entonces
utilizamos la técnica de la escala.

Técnica de la Cuadrícula

18
Esta técnica es un medio de reproducción muy eficaz, ya que tiene la ventaja
de trasladar el dibujo del boceto original a una superficie de gran tamaño donde
sería difícil dibujar lodo conjuntamente.

Primero, traza una cuadrícula, más o menos nutrida que cubra la original, o si
no lo quieres estropear, una fotocopia de éste. Luego, enumera cada cuadro en
sentido horizontal y vertical. Seguidamente, toma tu formato o la superen
donde se dibujará la figura y con un lápiz traza suavemente una cuadrícula con
el mismo número de cuadros por lado, pero de diferente tamaño: más grandes
si los quieres ampliar o más pequeños si los quieres reducir, enarenándolos de
la misma forma que hiciste en tu original. Ahora observa cuadro por cuadro de
tu original y traslada las líneas que encuentres a tu formato, teniendo el cuidado
que guarden las mismas relaciones con respecto a las líneas de la cuadricula.

Escalas Numéricas
Cuando no es posible aplicar la técnica de la cuadrícula porque el modelo es un
objeto tridimensional o es muy grande como una casa o un país o muy pequeño
como una bacteria microscópica; y se quiere dibujar exactamente igual,
entonces nos valemos de lo que llamamos un dibujo a escala.

La escala es una fracción que expresa la relación entre las dimensiones de un

dibujo y las dimensiones de un objeto, representado por el dibujo. Por
ejemplo, si al dibujar un objeto grande como una casa, para que quepa en
nuestro formato de dibujo tenemos que realizarla mucho más pequeña de lo
que es en realidad; para esto, cada metro (100 cm.) que mida la casa en la
realidad lo representamos por 1 cm. por lo que nuestra escala sería:

Dibujo 1
Objeto 100

O bien se puede representar así también

Dibujo = 1:100

Y se interpreta en los dos casos que por cada 100 unidades de medida de un
objeto, (que pueden ser milímetros, centímetros, metros, kilómetros, pulgadas o
cualquier otra medida) se toma la unidad de la misma especie en el dibujo.

Si las dimensiones del dibujo son las mismas que las del objeto, la escala
empleada es de 1: 1 y se llama natural. Y si las dimensiones del dibujo son

19
menores que las del objeto, se habrá empleado una escala de reducción y si son
mayores, la escala empleada será de ampliación.

Normalmente se utiliza la escala de reducción en la Ingeniería, Arquitectura y

en la industria y se usa para denominarla solo la palabra escala; así cuando se
refieren en estos ramos a un dibujo a escala, se da por entendido que es en
escala de reducción

Escalas Numéricas

Son las más usadas y se expresan en forma numérica. Precisamente, son de las
que hemos venido hablando. Ejemplos: una casa que está dibujada a la
centésima parte de su tamaño; la parte de una máquina que puede dibujarse a la
mitad de su tamaño; el mapa de un país que puede dibujar- se a la
mildoscientasava parte de su tamaño; o bien, el engranaje de un reloj de pulsera
que puede dibujarse a diez veces más su tamaño.

Para aplicar de manera fácil las escalas, se han fabricado de madera, plástico o
metal, en forma plana o triangular.

La escala plana, comúnmente llamada regla, en nuestro medio, es de

aceptación casi universal.

La escala triangular, llamada escalímetro, tiene la ventaja de combinar muchas

escalas en una sola regla.

Escala Gráfica

La escala gráfica es de uso menos común que la numérica; pero, de una gran
utilidad cuando es necesario reducir fotográficamente un dibujo o cuando se
mide la distancia entre dos lugares, en el mapa de un país. La escala gráfica
consiste en una recta dividida en cierto número de partes iguales, que indican
longitudes del dibujo equivalentes a las del original; estas partes, a su vez, se
han divido en otro cierto número de partes iguales con el fin de apreciar, con
mayor exactitud, la dimensión o medida que expresan.

20
 La Perspectiva

Introducción
La perspectiva, es la técnica de la cual el hombre se vale para representar en un
plano que solo tiene tres dimensiones, cual modelo tridimensional.

A través de la perspectiva, podemos observar sobre el plano los objetos como

les vemos en la realidad creando la ilusión de óptica de la tridimensionalidad.

21
 Objetivos
 Reafirmar los conocimientos de perfectiva frontal y oblicua de dos
puntos de fuga.

 Conocer los tipos de perspectiva oblicua con tres puntos de fuga. (vista
de pájaro y ojo de hormiga).

 Practicar la perspectiva de tres puntos de fuga.

 Conocer la perspectiva del color y realizar trabajos creativos con ella.

Recordemos que en la perspectiva frontal.

22
- Todas las líneas horizontales que son paralelas a la línea de tierra y del
horizonte; permanecen así no importando su localización.

- Todas las líneas vertí que son perpendiculares líneas del horizonte y de tierra,
permanecen perpendiculares a las mismas sin importar dónde están
localizadas.

- Todas las líneas oblicuas la línea de tierra y de horizonte se convierten en

línea de profundidad y convengan en los puntos de fuga.

- Que el cuadrado es el elemento fundamental en todas las perspectivas y lo

puedes convertir en un cubo o en un paralelepípedo y encajar dentro de las
figuras que realices

Dependiendo de la posición del modelo con respecto al observador así será el

tipo o clase de perspectiva en Ia cual debes representar tu dibujo. De manera
que se pueda dibujar en perspectiva frontal y perspectiva oblicua.

Si el modelo está de frente a ti, lo debes realizar en perspectiva frontal o de un

punto de fuga; donde todas las líneas horizontales y verticales permanecen
paralelas entre sí respectivamente y las líneas de profundidad convergen hacia
un punto principal sin importar que éste cambie de posición.

Pero si tu modelo gira, y frente a ti queda un, ángulo de éste, entonces debes
utilizar la perspectiva oblicua de dos puntos de fuga; en donde las líneas
horizontales ya no son paralelas a las línea de horizonte ni a la línea de tierra
sino que convergen hacia los puntos de fuga convirtiéndose en líneas de
profundidad, no así las líneas verticales que se mantienen en su posición
perpendicular a la línea del horizonte.

Los espacios en perspectiva

Como has visto anteriormente, las cosas en perspectiva conforme se alejan

hacia el horizonte, parecen irse juntando achicando. Para crear este efecto
visual sobre tu plano debes aprender un procedimiento que te servirá para
espaciar medidas iguales en perspectiva en planos horizontales y verticales.
Esto es muy importante, si se quiere dibujar espacios a intervalos iguales que
se alejen hacia el horizonte; y por consiguiente, nos permitirá espaciar

23
correctamente el diseño de un piso, ladrillos de una pared, postes de cercas y
alumbrado público, la vía del ferrocarril, las ventanas de un edificio y muchos
usos más de gran utilidad que encontraremos para este método.

Procedimiento de división de espacios

Debes determinar la posposición o profundidad que colocaras a una distancia

arbitraria, ya que depende de la posición desde donde observes el objeto.

Luego localiza el punto medio de la unidad y traza una línea pasando por este,
hacia el punto de fuga. En seguida traza la diagonal por intersección de la línea
media con la línea de la primera unidad.

El punto donde la diagonal corta la línea superior, determina la distancia de la

segunda unidad; así sucesivamente se determinan las subsiguientes unidades.

Perspectiva Oblicua de Tres Puntos de Fuga

Esta perspectiva se basa en el proceso de la perspectiva oblicua de dos puntos

de fuga con la variante de que el punto de vista del observador está colocado
muy por encima del modelo o muy por debajo, lo que hace necesario colocar
un tercer punto de fuga donde converjan las líneas verticales del modelo.

Es así como en esta perspectiva, no existen líneas paralelas, si no que todas van
en dirección hacia los puntos de fuga; por lo que el modelo sufre un aumento o
una disminución hacia la línea de tierra.

Cuando la línea del horizonte se encuentra muy por encima del modelo, a la
perspectiva se le denomina a vista de pájaro.

Perspectiva del color

Esta forma de perspectiva o representación del espacio es llamada así, debido a

que se logra el efecto de profundidad por medio de los diferentes tonos de color
o la degradación que sufre el color por causa de la distancia; de manera que los
objetos sufren una disminución progresiva, mientras se alejan; esta
disminución se refiere a la forma, tamaño y color del objeto.

LO QUE DEBO RECORDAR

24
* La perspectiva es la técnica de la cual me valgo para representar en un plano
cualquier modelo tridimensional.

* Las cosas en perspectiva conforme se alejan hacia el horizonte crean el efecto

visual de irse juntado y achicando.

* El cuadrado es el elemento fundamental para realizar cualquier figura en

perspectiva.

* En la perspectiva frontal, las líneas verticales y horizontales permanecen

paralelas entre si respectivamente; y las líneas de profundidad, convergen en el
punto principal no importando que el punto de vista cambie.

* En la perspectiva oblicua de dos puntos de fuga, como el modelo ya no se

encuentra de frente a mi vista, las líneas horizontales ya no son paralelas a la
línea de horizonte ni a la línea de tierra sino que convergen hacia los puntos de
fuga.

* En la perspectiva oblicua de tres puntos de fuga, todas las líneas verticales

convergen a un tercer punto de fuga y el resto de las líneas convergen hacia los
otros dos puntos, no existiendo así ninguna línea paralela.

* La perspectiva del color se puede crear utilizando en las figuras más cercanas
de mi composición tonos más oscuros y contornos más definidos; y en las
figuras más lejanas, tonos más claros, bordes difusos y un ligero toque de azul.

25
EL CLAROSCURO

Introducción
Por considerarlo de importancia, para el estudio de El Claroscuro, haremos una
revisión de los conceptos más importantes estudiados en los cueros anteriores,
de manera que diremos que:

El claroscuro es la representación gráfica del fenómeno de gradaciones tonales

de luz y sombra que se producen en los objetos iluminados.

La luz es un ente físico que se irradia sobre los objetos y que la percibimos por
el sentido de la vista.

La luz directa es aquella que percibimos directamente de la fuente que la

produce sin la intervención de algún otro elemento.

La luz indirecta es aquella que percibimos como reflejo producido por la

superficie de los objetos, que reciben la luz de otra fuente distinta.

26
 Objetivos
 Recodar los conocimientos aprendidos sobre claroscuro en los cursos
anteriores.

 Aplicar el claroscuro con colores, a figuras básicas y simples.

 Realizar diseños aplicando el claroscuro en diferentes técnicas de color

como crayón, lapicero y marcador.

27
Recordemos que todos los objetos al ser iluminados producen una serie de
luces, sombras y gradaciones tonales que les dan volumen y profundidad.

A la representación gráfica de este fenómeno se le llama claroscuro. En el

claroscuro Intervienen dos factores que son: la luz y la sombra.

La luz es un ente físico que tiene como característica principal Iluminar a los
objetos y hacerlos visibles. Ésta puede ser natural cuando proviene del sol o la
luna; y artificial, si proviene de una lámpara o una vela.

Los objetos pueden ser iluminados con luz directa, creando en éste sombras
muy oscuras y pocos grises; o bien, pueden ser iluminados con luz indirecta
creando tonos tenues sin contraste.

La sombra, es la ausencia de luz, en el objeto, y puede ser de bordes cortados o

de bordes esfumados. En las fi- guras que producen sombras de bordes
esfumados, existen varias zonas de claroscuro que te ayudan a crear un mejor
volumen de ésta.

Al dibujar los objetos nos interesa dar a éstos una sensación de volumen, a
pesar de que la superficie del papel es completamente plana. Para conseguir
este efecto de volumen o profundidad, dibujamos los objetos, como puedes

El claroscuro nos ofrece dos posibilidades: identificar la forma de los cuerpos y

valernos de un medio de expresión; en efecto, la luz que el modelo recibe nos
dice si éste es plano, curvo, esférico, etc. Entre la luz y la sombra existe
infinidad de grises o tonos que son los que dan profundidad y dimensión al
objeto; el mantener la fidelidad de los distintos tonos con la realidad, y la
relación entre ellos es lo más importante del claroscuro.

Valoración de los Tonos

El comparar un gris con otro; saber distinguir un "negro absoluto" o un "blanco

absoluto" del "casi negro" o del "casi blanco"; el contar con los reflejos, con
los fondos y las sombras, el aprender a ver los objetos con todos los tonos, eso
es hacer claroscuro.

28
La escala de valores o tonal, es una valoración de con- traste de los tonos, con
ella puedes comparar las partes del objeto que estás sombreando y darles el
valor adecuado,

El valor es la cualidad de claridad u oscuridad del tono, en otras palabras es el

grado que tiene en la escala del blanco al negro,

Debes tener presente cuan- do realices tus dibujos, que las divisiones entre tono
y tono deben producirse por compa- ración de grises y no por líneas divisorias.
Observa a tu alrededor en la naturaleza y te darás cuenta que
Para trazar correctamente
los objetos no tienen líneas, sino solamente luces y sombras. las sombras proyectadas se
Además no pretendas llegar a los tonos exactos al primer re-
intento. Es mejor valorar los grises poco a poco comenzando curre a la perspectiva y al pro-
con tonos claros para oscurecerlos, tratando de establecer las cedimiento se le llama pers-
diferencias con los demás grises del objeto representado. pectiva de las sombras.
Observa detJnidamen~
Sombras Proyectadas te los ejemplos: en el No. 1 se

Los objetos además de las sombras propias en él, proyectan te muestra un dibujo en pers-
una sombra sobre la superficie que lo sustenta y a está sombra pectiva. Para poder realizar
es la que llamamos sombra proyectada. La longitud de dicha las
sombras, es necesario partir
sombra depende de la altura del foco de luz. Dicha sombra de la perspectiva del propio
puede proyectarse sobre el suelo, sobre parte del suelo y la objeto.
pared, o sobre otro objeto cercano. En el No. 2 puedes ver
cómo las sombras han sido
aplicadas. Los rayos de luz
solar, que convergen sobre un

punto imaginario en el cielo o

Perspectiva de las Sombras foco de luz, cortan en tierra
las
Para trazar correctamente las sombras proyectadas se recurre
Perspectiva de las
a líneas de perspectiva después
la perspectiva y al procedimiento se le llama perspectiva de Sombras
de haber pasado por los pun-
las sombras. tos más salientes de los obje-
tos.
Al trazar la perspectiva de las sombras hay que tener en cuenta Al trazar la perspectiva de
tres cosas importantes: primero, la posición del foco luminoso; las sombras hay que tener en
segundo, el ángulo de iluminación; y tercero, el punto de fuga cuenta tres cosas
importantes:
de la sombra en el horizonte.
primero, la posición del foco
luminoso; segundo, el ángulo
de iluminación; y tercero, el
29 punto de fuga de la sombra en

el horizonte.
 La Luz Artificial

Cuando el foco de luz es una luz artificial las líneas de perspectiva de las
sombras no nacen en el horizonte como el caso de la luz natural, sino en un
punto situado en tierra bajo la vertical de la fuente de luz. De este punto nacen
todas las líneas de perspectiva de las sombras, cuya longitud estará
determinada por los rayos luminosos que partiendo de la fuente de luz cortan
las líneas de perspectiva.

El Claroscuro con Colores

Para facilitarte el estudio del claroscuro, hasta ahora lo hemos venido

estudiando sólo en blanco y negro pero en realidad, el claroscuro lo puedes
aplicar también con colores.

Escala de Valores con Colores

La escala de valores con colores no es tan difícil como parece; comienza por
realizarlas de un solo color y luego puedes hacerlas combinadas.

Figuras Básicas

Las figuras básicas son una buena forma de estudiar el claroscuro a colores.
También aquí puedes comenzar a sombrearlas con un solo color y luego puedes
ir agregando más colores.

Luego de haber practicado el claroscuro sobre las figuras básicas, puedes

comenzar a aplicarlo sobre figuras simples como una vasija de barro, que
utiliza pocos colores; y luego, puedes ir aumentando el nivel de dificultad
realizando figuras más conocidas.

LO QUE DEBO RECORDAR

- Claroscuro, es la representación gráfica de los elementos que al ser

iluminados, producen diferentes luces, sombras y gradaciones tonales que le
dan volumen y profundidad.

- Los factores que intervienen en el claroscuro son: la luz y la sombra.

- La luz puede ser natural o artificial.

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- Los objetos pueden ser iluminados con luz directa o indirecta

- La sombra es la ausencia de luz en un objeto y puede ser de bordes cortados o

esfumados.

- La escala de valores o tonal, me sirve para tener una constante valoración de

los tonos, ya sean grises o de color.

EL COLOR

Introducción
Hagamos un recordatorio somero de lo que vimos en cursos anteriores, de este
tema tan fascinante y de tanta importancia, que es el color.

La luz producida e emitida por el sol o por una fuente lumínica, es el agente
que posibilita el acto de ver y apreciar los colores.

La luz se propaga en hondas lumínicas de distintas longitudes que se desplazan

a diferentes velocidades (como el sonido que se propaga en ondas sonoras) que

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recibidas por nuestros ojos, producen en nuestro cerebro, las sensaciones que
llamamos color.

Entonces, para poder ver un objeto y su color, es necesario que vaya la luz, la
que puede provenir, en forma directa o indirecta, de una fuente natural o
artificial.

Objetivos
 Conocer la terminología básica relacionada con el color.

 Aplicar los conocimientos adquiridos sobre el color, en trabajos de

expresión creativa.

 Desarrollar habilidades y destrezas para elaborar trabajos a color,

utilizando las diferentes técnicas.

 Utilizar eficientemente sus habilidades y destrezas en aplicación del

color a los tejidos típicos tradicionales.

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 La luz blanca y los colores.

La luz blanca está compuesta por una serie de ondas o colores que se hacen
visibles sobre los objetos, al absorber éstos unas ondas lumínicas y reflejarse
otras.

Así, pues, las ondas lumínicas o colores, son visibles si éstas son reflejadas o
absorbidas por los cuerpos que iluminan; de manera que un tomate rojo, lo
vemos de ese color, porque refleja el color rojo y absorbe el amarillo y el azul;
una naranja, presenta su color característico; porque refleja el grupo de
radiaciones rojas y amarillas y absorbe el azul; una hoja es verde, porque
refleja el grupo de radiaciones amarillas y azules y absorbe las rojas; una
berenjena es violácea, porque refleja el grupo de radiaciones rojas y azules y
absorbe las amarillas; una hoja de papel es blanca, porque refleja todas las
radiaciones y no absorbe ninguna; la tinta china es negra, porque absorbe todas
las radiaciones y no refleja ninguna.

Los colores que vemos en el arcoíris o 'los producidos a través de un prisma

triangular de vidrio, mediante la descomposición de la luz, es lo que llamamos
colores físicos: y los colores que vemos en los objetos, así como los que
empleamos para pintar, que dependen de su reacción a la luz al absorber unos
rayos lumínicos y reflejar otros, los llamamos colores materiales.

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Si los colores mezclados son físicos (luces de colores), el resultado es la luz
blanca y si los colores mezclados son materiales (pinturas), el resultado es un
color pardo, casi negro.

En realidad, el blanco y el negro no son colores, cuando se trata de los colores

físicos que componen el espectro solar (nunca los hemos visto en el arcoíris);
pues, el blanco es la luz y el negro es la ausencia de la luz; y sí son colores, los
podemos mezclar con otros colores, para aclarar u obscurecer estos últimos;
ahora, el gris es el resultado neutro de la mezcla pigmentaria.

Ordenación de los Colores

Cuando nos referimos a los colores, muchas veces empleamos nombres

arbitrarios para designarlos, como. amarillo-limón, azul-pastel, café con leche,
café-quemado, azul-cielo, amarillo-oro, beige, champaña. azul-turquesa, verde-
esmeralda, amarillo-mostaza, etc.; estas designaciones son confusas; pues, al
referir- nos de esta manera a un color, las otras personas que no tienen una
referencia exacta de él, no saben de qué color se trata; pues, por ejemplo, al
decir color verde-limón, no sabemos a qué verde se refiere, ya que su matiz
dependerá del grado de madurez del limón que nos imaginamos; si decimos,
color café con leche, el matiz de éste dependerá de cuánta leche pongamos en
el café; si nos referimos a un verde-esmeralda, de igual forma, nos estamos
refiriendo a un matiz indefinido del verde; pues, las esmeraldas son piedras
preciosas naturales que difieren en sus tonos, unas de otras.

Como puedes ver, si entramos a un estudio del color y queremos trabajar

dentro del campo artístico, no podemos nombrar los colores con estas
denominaciones populares; pues, crearíamos una gran confusión. Para evitar
esto, personas estudiosas, a través de los siglos, han creado lo que llamaron
teoría del color; que realiza un ordenamiento color, desde los estudios de Ia luz
como fuente luminancia de dónde proviene el color, de las características y
posibles combinaciones de los colores.

En grados anteriores estudiado el círculo cromático como la manera más se de

ordenar los colores en primarios, secundarios e intermedios, complementarios,
cálidos y fríos; este ordenamiento lo realizamos basados en una de las
cualidades del color: el matiz que es la propia cualidad de un color; pero los

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colores además de ésta tienen la cualidad de la intensidad que es la pureza del
matiz o sea la fuerza o debilidad de un color y el valor o tono que es la cualidad
clara u oscura de un color.

Armonías Cromáticas

En la naturaleza todo es unidad cromática; el colorido infinito que ello nos

presenta, determina grupos de colores, que producen combinaciones, en las que
todos los valores se funden agradablemente entre sí; el principio de que dos
colores son armónicos cuando uno participa del otro, está latente en ella; las
más feas combinaciones de colores son transformadas y embellecidas, cuando
se hace que los colores se asocien y participen entre sí

Siguiendo los principios de la naturaleza, el hombre ha desarrollado diferentes

teorías, al respecto de la armonización de los colores. De esta forma, es cómo
podemos hablar de armonías de colores análogos, de armonía de colores
complementarios, armo- nía de valores de un color, armonía de colores afines,
etc.

Armonía de Valores de un Color o Armonía Monocromática

Esta forma de armonía se obtiene por un solo color, en diferentes valores;

recuerda que todo color tiene un grado máximo y uno mínimo de luminosidad,
mediando, entre estos extremos, una gama muy extensa de tonos intermedios.
Al hacer uso de este tipo de armonía monocromática, encontrarás que es el más
sencillo de todos; pues, sea cual fuere el valor del color a utilizar, siempre
armonizará con los otros valores del mismo color. Dependiendo de la técnica
que usemos, mezclaremos n blanco el color para aclararlo con blanco o con
negro para obscurecerlo.

Armonía de Colorea Análogos

Los colores análogos son los colores más próximos en el Círculo y los que, por
lo tanto, más se parecen entre sí. {J Existe una forma bastante simple de
armonizar los colores, que se basa en el principio de participación de un color
en los otros.

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En las armonías de análogos es recomendable que exista siempre un color de
dominio que envuelva a todo el esquema armónico.

Cuando intentes resolver una armonía por colores análogos, considera que las
más agradables son aquéllas que se limitan a los primarios y sus adyacentes,
utilizados en diferentes valores; pues, si se toman dos tonos muy vecinos la
diferencia entre ellos es muy escasa, para que el resultado pueda ser
interesante.

LO QUE DEBEO RECORDAR

• El COLOR es un fenómeno físico, producido por la descomposición de

la luz; y los COLORES son pigmentos o materiales que sirven para representar
el color.

• El círculo cromático está formado por doce colores, de los cuales los
tres primeros son primarios o fundamentales o sea aquéllos que su color es
propio y no se obtienen de la mezcla de los otros; éstos son: el rojo, el amarillo
y el azul.

• 20. Entre cada dos colores que sean primarios, encontramos los llamados
secundarios que se obtienen de la mezcla pigmentaria, en igual cantidad, de los
primarios adyacentes. Los colores secundarios o compuestos son: verde
(amarillo + azul), violeta (azul + rojo) y anaranjado (amarillo + rojo).

• 30. Los otros seis colores, llamados intermedios, se forman de la mezcla

de un primario con un secundario, adyacentes en el círculo. Con los primarios,
secundarios e intermedios, se completa el círculo cromático; pero, en medio de
cada dos colores. Hay sitio para otros más; de manera que, en esta forma, se
puede obtener una gran gama de colores.

• 40. Opuesto a cada color primario, encontramos un secundario

compuesto éste por la suma de los otros dos primarios o sea que cada color
primario sumado con el secunda- rio opuesto, tienen que completar los tres
colores primarios; por eso, a cada color primario y secundario opuesto, les
llamamos complementarios.

36
• La luz blanca está compuesta por una serie de ondas o colores que se
hacen visibles sobre los objetos, al absorber éstos unas ondas lumínicas y
reflejarse otras.

• Los colores que vemos en el arcoíris es lo que llamamos colores físicos;

y los colores que vemos en los objetos, los llamamos colores materiales.

• Dos colores son armónicos cuando uno participa del otro.

• La Armonía monocromática se obtiene por un solo color, en diferentes

valores.

• La armonía de Colores Análogos se obtienen con los colores más

próximos en el círculo cromático y los que, por lo tanto, más se parecen entre
sí.

El Armonicolor

Es un indicador manual que te servirá para definir rápidamente, esquemas de

colores armónicos, sencillos.

LA TEXTURA

Introducción
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Ampliando lo que hemos dicho sobre la textura, en cursos anteriores, diremos
ahora, que la textura de un cuerpo es sinónimo de aspecto, estructura,
conformación superficial y que la textura es independiente de la forma, el color
y el volumen; por lo tanto lo podemos definir como la distinta calidad visual y
táctil que nos produce el aspecto exterior de cualquier materia.

Dos o más objetos que pueden ser iguales, en cuento a forma y color; pero,
pueden diferenciarse por su textura, al observar a distancia estos objetos, los
diferenciamos unos de otros, sin necesidad de tocarlos, con solo la información
que recoge nuestra vista, de las cualidades del objeto observado; y a esta
impresión visual de la superficie de un objeto es a lo que llamamos textura
visual.

Objetivos
 Ampliar el conocimiento sobre la teoría básica de la textura.

 Reafirmar y ampliar el conocimiento sobre la terminología usada en la

textura.

 Adquirir la capacidad para diferenciar la textura orgánica de la

geométrica.

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  Utilizar diferente técnica, aplicando textura a diseños creativos.

 Adquirir la habilidad para distinguir las diferentes clases de textura

orgánica; intertextura, textura normal y supertextura.

La Textura

La textura es sinónimo de apariencia y la definimos como la calidad o aspecto

ex- terno de los objetos que se puede percibir por medio de los sentidos del
tacto y de la vista.

Las diferentes clases de texturas, las podemos hallar en la naturaleza y en las

obras de arte; por lo que podemos clasificarlas como textura natural y artística.

Textura natural es aquélla que es propia de los cuerpos.

Textura artística es aquélla en la que interviene la mano del hombre para

representarla; se da en el campo artístico, especialmente en dibujo y pintura, en
donde se le da al material una trata- miento apropiado, para representar la
textura que se necesita. Se pinta dando la idea de piedra, de madera, de tela,
etc.

Otra clasificación de textura

Otra clasificación que se hace de la textura es en orgánica y geométrica.

Los objetos naturales, nos presentan elementos componentes de la textura que

son semejantes unos con otros y rara vez iguales, por estar sus moléculas
componentes colocadas de distinta manera. A primera vista, podemos

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engañarnos y creer que vemos una repetición igual de los elementos orgánicos;
pero, no es así, por que dichos elementos son semejantes; es decir, iguales en
forma, pero diferentes en tamaño; cuando esto sucede, decimos que la textura
es orgánica.

Ahora bien, cuando la textura de un cuerpo es uniforme y con elementos

iguales, decimos que es una textura geométrica: la cual se consigue si se traza
con instrumentos de precisión, para lograr una repetición exacta de dichos
elementos y lograr así, una absoluta uniformidad.

Adentrándonos un poco más en la textura y basándonos en los conceptos de

textura orgánica y geométrica, podemos estudiar nuevas formas de textura; así,
si observamos un cuerpo con una lupa o con un microscopio, encontramos un
mundo de texturas orgánicas que, sólo con estos instrumentos somos capaces
de observar, para después reproducirlas. A este tipo de textura lo podemos
llamar infertextura o sea que está en forma inferior a lo visible.

Pero, si los elementos que observamos son mucho más grandes que los
componentes de una textura normal, entonces, decimos que se trata de una
supertextura.

Estos conceptos, anteriormente planteados, nos demuestran que la textura es un

problema relativo del tamaño de la forma comparada con la estatura del
hombre; por lo que para comparar su relatividad escalar, se han establecido tres
órdenes de textura: infertextura, simple textura y supertextura.

LO QUE DEBO RECORDAR

 La textura es sinónimo de apariencia y la definimos como la calidad o

aspecto externo de los objetos que se puede percibir por medio de los
sentidos del tacto y de la vista.

 Textura natural es aquélla que es propia de los cuerpos.

 Textura artística es aquélla en la que interviene la mano del hombre para

representarla.

40
 Otra clasificación que se hace de la textura es en orgánica y geométrica.

 Podemos llamar infertextura a aquella textura que se encuentra en forma

inferior a lo visible a simple vista.

 Cuando los elementos que observamos son mucho más grandes que los
componentes de una textura normal, entonces, decimos que se trata de
una supertextura.

 Al estudiar la textura nos damos cuenta que es también un problema

relativo, del tamaño de la forma comparada con la escala humana.

EL VOLUMEN
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 Introducción
El hombre primitivo al principio, se expresó con la línea y el color; pero, más
tarde evoluciono y entonces lo hizo con la forma y el volumen, cuando esculpe
figuras de animales en la cacha de sus cuchillos de hueso y formas escultóricas,
además moldea el barro para fabricar sus recipientes y los adorna, con la doble
finalidad de la función y de crear la estética; esculpe estatuillas para expresar
sus sentimientos religioso; y con esta actividad crea el volumen.

La escultura o sea el arte de representar figuras de bulto, se ha manifestado en

todas las civilizaciones, con la imagen que el hombre hizo de sus héroes, reyes
y dioses por medio del modelado y el esculpido; por consiguiente, ha manejado
el concepto de volumen.

Definimos la escultura como el arte de representar de bulto la figura de los

objeto, por medio del modelado con materiales blandos (barro, cera, plasticina,
etc),

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 Objetivos
 Desarrollar destrezas en habilidades en trabajos creativos, por medio del
volumen.

 Realizar prácticas de construcción con cartón cartulina y papel.

 Conocer y aplicar las técnicas de recorte y pegado de papel para la

realización de bajorrelieves.

 Aplicar toda su experiencia plástica en la elaboración de maquetas.

 Valorar las artesanías guatemaltecas.

El Volumen

Cuando el hombre de errante se convierte en sedentario; construye sus casas.

Templos y palacios; empieza, entonces, a manejar los espacios (arquitectura) y,
por consiguiente, a aplicar el concepto de volumen.

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Definimos la arquitectura, como el arte de proyectar y construir los edificios y
que se expresa por medio del manejo de los espacios.

Desde el Renacimiento, el hombre aplica en sus dibujos y pinturas, perspectiva

y claroscuro; sus obras expresan profundidad y, por consiguiente, está
aplicando el concepto de volumen.

Definimos la pintura como el arte que usa la línea y el color para representar
personas, objetos, paisajes, etc.. Sobre una superficie plana, por lo general;
pero manifestando profundidad por medio de la perspectiva y el claroscuro.

Finalmente, definimos el volumen de un cuerpo como la medida de la

extensión espacial, limitada por dicho cuerpo; considerando en la extensión
espacial las tres dimensiones: largo, ancho y altura o profundidad.

Esculturas en Papel

La escultura en papel es una técnica empleada desde la antigüedad en la China

y para los trabajos escolares se presta por su facilidad en los materiales y por
los instrumentos usados en su realización.

Debes de comenzar Con ejercicios sencillos de figuras básicas como figuras

cónicas concéntricas.

Estos ejercicios te servirán para familiarizarte con la técnica la que consiste en

sisar o marcar el papel, sin llegar a cortarlo, por donde se realizarán los
dobleces; las marcas se realizan en el anverso o el reverso del papel
dependiendo hacia dónde se necesite el doblez, si es hacia arriba o hacia abajo;
además de los dobleces se realizan cortes con tijera o cuchilla como se te indica
en los patrones e instrucciones.

Con esta técnica se pueden realizar diseños de gran belleza sencillos o muy
elaborados, como puedes apreciar en las ilustraciones de esta página.

Bajo Relieve en Papel

Abadía: Edificio del medievo, de carácter monástico, dirigido por un abad o

una abadesa.

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Abstracto: Es un tipo de arte no figurativo, donde la plástica ofrece formas no
relacionadas con el mundo real.

Acotar: Consiste en hacer marcas sobre un plano o un croquis para indicar

medidas.

Acrópolis: Ciudad fortificada de los antiguos griegos, rodeada de murallas.

Posteriormente designó la parte de la ciudad en donde se encontraban los
templos. .

Acuarelas: Pinturas de colores transparentes, preparadas con goma y diluidas

con agua.

Acueducto: Construcción arquitectónica, destinada a la conducción del agua.

Adobe: Material de construcción a base de barro cocido al sol.

Adoquín: Piedra labrada para empedrados

Aglutinante: Substancia que, unida al pigmento, forma la pintura y asegura la

fijación del color al soporte.

Aguada: Técnica pictórica consistente en diluir los colores en agua y goma,

mezclándolos con miel; es muy similar a la acuarela.

Aguafuerte: Es una técnica que se emplea en el grabado y que consiste en una

plancha de metal que se cubre con parafina, se hace un dibujo con un buril, se
introduce en ácido cítrico y finalmente se impregna en tinta. .

Alabastro: Roca blanca utilizada en escultura para tallados.

Alcázar: Casa fortificada o fortaleza.

Alfarería: Término que abarca todos aquellos objetos hechos de barro cocido,
como recipientes, vasijas, etc.

Altamira: Cuevas prehistóricas, situadas en la provincia de Santander (España),

en donde se encuentran interesantes pinturas rupestres del período paleolítico
con temas de cacería, principalmente bisontes.

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Alto relieve: Relieve escultórico donde los motivos o temas se hallan separados
del fondo más de la mitad de su bulto.

Alzado: Dibujo en proyecciones que representa un objeto de frente.

Alzado: Dibujo en proyecciones que representa un objeto de frente. Vista de

los elementos que integran la fachada de un edificio.

Anfiteatro: Construcción típica de los romanos, de forma circular o elíptica.

Arabesco: Dibujos hechos a base de líneas entrecruzadas, con motivos

geométricos y vegetales.

Arbotante: Arco que transmite los empujes de la bóveda a un contrafuerte.

Arcilla: Substancia mineral, empapada en agua, impermeable y plástica,

formada principalmente por silicatos lumínicos. Se distinguen la arcilla roja
que sirve para la alfarería común y la arcilla blanca o caolín, usada para
fabricar la porcelana.

Arco: Elemento arquitectónico 'compuesto por varias piezas o dovelas, en

donde la central se llama clave. Hay arcos de medio punto, de herradura,
apuntado u ojival.

Arcoíris: Es el conjunto de los seis colores: rojo, anaranjado, amarillo, verde,

azul y violeta, en que se descompone un rayo de luz solar, al pasar a través de
las gotas de agua de la atmósfera.

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