HISTORIA DE LA MÚSICA I

BARROCO
El barroco no es un periodo uniforme, podemos dividirlo en diferentes etapas:

1. Barroco Inicial (1600-1620): Estilo mónodico y recitativo.

2. Barroco Medio (1620-1680): Surge la tonalidad.
3. Barroco Tardio (1680-1720/1730): Se consolida la tonalidad, aparecen
conciertos, idea de horizontalidad mezclada con verticalidad, aparece el
contrapunto, complejidad en la textura, idea de acorde. Algunos teoricos dicen
que el barroco termina cuando desaparece el bajo continuo.
4. Estilo Galante (1720-1730)
Por barroco se entiende el periodo de la cultura occidental que sigue al renacimiento.
Ocupa el siglo XVII y parte del XVIII (hasta 1750, con la muerte de J.S. Bach). Este
periodo no es uniforme, es largo y surge especialmente en dos centros, en Florencia y
Venecia. La palabra barroco proviene del término “baroco” que significa piedra, joya
perla irregular y deforme y por otra parte del término florentino “barochio” que
significa engaño, esto puede ser porque crea mucha fantasiay es la música propia del
estilo barroco.

Los teóricos del neoclasicismo entendían por barroco el arte que se caracteriza por una
degeneración del renacimiento, un estilo elaborado el cual busca la grandiosidad,
efectos violentos por medio del claro-oscuro. Para ellos se trataba de un estilo
decadente, confuso, no natural, excesivo y extravagante. Consideraban que era dificil
de entender y siempre desde un punto de vista peyorativo ya que el barroco perdió la
uniformidad y equilibrio del renacimiento.

En el siglo XIX, se consideró el barroco como una época importante. Van en contra del
los siglos XVII y XVIII, y empiezan a redescubrir este estilo, por ejemplo, empiezan a
aparecer partituras y biografias de Bach y obras como La Pasión según San Mateo,
vuelven a interpretarse en concierto. Tenien en común ambos siglos en la medida que
intentan impresionar y impactar, pero la diferencia es que en el barroco va dirigido al
colectivo y el romanticismo a lo individual.

La música en el barroco era expresiva, dinámica, emotiva con el objetivo de llamar la

atención mediante adornos y virtuosimo. Hoy en dia se considera un periodo muy
importante porque se creó un sistema revolucionario y el cual continuara hasta la
actualidad, la tonalidad. Es una etapa experimental necesaria para la base del
clasicismo. Además, una novedad es que es un estilo expresivo que es capaz de
establecer emociones y pasiones. También, nace el estilo recitativo que originará la
ópera. El repertorio que se crea, la idea de simfonia, concierto, suite…También nace la
música puramente instrumental, incluso para un determinado instrumento, antes solo
habia música vocal porque la palabra prevalecia sobre la música.

En cuanto al contexto histórico podemos decir que es un siglo de crisis económica,

política, social y espiritual. La crisis política es debida a que se afianza la monarquia
absoluta, esto crea problemas en Europa entre centralidad y mantener el poder a los
nobles, como en la guerra de los treinta años que fue una lucha entre estados católicos
y protestantes. Esto produce incrementos de impuestos para por ejemplo crear un
ejército público o pagar la administración del estado. También hubo una crisis
demográfica a causa de enfermedades, epidemias, guerras… Y por último una crisis
espiritual entre católicos y protestantes que llevó a guerras de religión. El barroco es
un arte que surge en la iglesia, es un arte de “propanganda” de los intereses del poder
civil(monarquia) y poder religioso (iglesia católica).

En definitiva, la situación de crisis crea durante el siglo XVII es un sentimiento

pesimista, las obras reflejan una realidad fantasiosa y de ilusión para enmascarar la
realidad, lo hacen mediante el contrastes violentos, planos sonoros, efectos sonoros,
contrastes de timbres, contrastes de lento-rápido. Por último el siglo XVII es dionisiaco
porque es irracional, desordenado, violento, emocional y contrastante.

Barroco temprano (1580/1620-30)

● Estilo monódico
● Camerata Bardi
● Aparcición teoria de los afectos
● Primera práctica → estilo antiguo → polifónico
● Segunda práctica → estilo nuevo → monódico (vanguardista)
Hay tres tipos de Barroco: de la contrarreforma (Italia y España), del absolutismo
(monarquia) y protestante ( de carácter burgués).

Renacimiento→ estilo antiguo→prima practica (individualidad de voces, estilo

polifonico)

1600→ prueban una nueva textura, cambio desde el estilo lineal a una textura vertical
(tonalidad)→ estilo nuevo→segunda práctica→ dos voces (relleno armónico), bajo
(continuo o cifrado) y voz superior→ El cambio esencial se produce en la música vocal,
sobretodo en madrigales que llevaran a la ópera→ se busca expresar con la voz
superior sobre un bajo firme.

Características de la forma compositiva del barroco:

● Bajo melódico y relleno armónico (instrumentos polifónicos)

● Bajo continuo: El bajo continuo es una forma de composición que consiste en
una línea instrumental grave que sera producida por un instrumento grave
 como la viola de gamba, el clave, violoncello o fagot, a partir de este bajo se
realiza el relleno armónico.
● Estilo monódico: La voz superior posee una fuerte importancia melódica.
● Estilo libre, da lugar a disonancias, improvisaciones..
● Florencia y Venecia lugar donde nace el nuevo estilo monódico.

La razón de esta unión es compositiva ya que este estilo busca la expresividad. El bajo
continuo también recibe el nombre de bajo cifrado, donde se esperaba que el
interprete fuera capaz de realizar el bajo de fora intuitiva e imaginativa. Otra variente
es el bajo ostinato, que es una figuración repetida de una formula. Llegaron a organizar
los instrumentos, estos se dividen en: funcionales (cumplen una función de bajo) y
ornamentales o melódicos (como la flauta, oboe, trompeta, violin).

La monodia y bajo continuo se aplica al recitativo, aria y madrigal. El estilo recitativo es

declamado donde se recita cantando, esto repercute en obras instrumentales como
sonatas solístiscas.

El estilo monódico o recitativo dió paso a la ópera aunque antes, desde la antigüedad
ya estaba asociado a la música y al teatro. Los dramas vernáculos (escritos en latín y
litúrgicos) tenían música y poseían importancia. Entre los actos de los dramas en el
renacimiento se representaban los entremeses, espectáculos musicales. No es tan
novedosa la relación sino la intención, la idea de extraer significado a las palabras y su
emoción.

Quantz a principios del siglo XVIII escribió que había 4 cosas básicas:

1. Modo mayor o menor

2. Intervalos cercanos, grados conjuntos conjuntos→ ligadura, ternura. Intervalos
y grados alejados→ atrevido, alegre.
3. Disonancias, las cuales eran muy útiles.
4. Indicaciones de tempo y carácter.
En el Barroco además, no habia subjetividad ni por parte del compositor ni por parte
del oyente.

En Florencia existia una reunión de músicos, literatos, artistas, filosofos... algunos de

ellos fueron Peri, Caccini y Galilei. Estaban subvencionados por nobles. En la Camarata
Bardi de Florencia,se empieza a discutir la necesidad de un cambio porque dicen que el
texto no se entiende bien. Querian volver a las ideas de la época clásica y retomar
ideas renacentistas, intentando recuperar de este modo la tragedia clásica. La
conclusión a la que llegan es que todos los efectos que se conseguian en la época
clásica era porque solo habia una única voz que cantara y asi la idea del texto se
transmitia mejor ya que la polifonia hacia imposible la compresión del texto. Por ello,
Peri compone una obra llamada “Euridice” la cual se considera el antecedente de la
ópera. Es la primera muestra de estilo recitativo. Se estrena en 1600 en la corte de
Florencia a causa de la bodo de Maria de Medicci. El libreto era de Rinunccini, el cual
quitó el final del mito real para que tuviera un final feliz. En este nuevo estilo
monódico que defienden, había una jerarquia: lo más importante era la palabra, en
segundo lugar el ritmo y por último el sonido.

Gracias a esta textura nace la idea de acorde como bloque independiente y

indisolubre. Antes existía la armónia interválica. Esta idea produce que la voz superior
transcurra con libertad y con disonancias. Después se producirá una fusión entre la
horizontalidad y la verticalidad, es decir, entre el canto lineal y la armonia vertical.

La teoria de los afectos en el barroco ocupa dos disciplinas las retórica y la oratoria.
Existe una relación entre la música y la emociones. Nace de los estudios de algunos
filosofos como Descartes, Hume o Espinoza. Los conceptos tenian los objetivos de
racionalizar las emociones y establecer mediante un código un perfil, por ejemplo la ira
para que todo el mundo pudiera entenderlo. Mientras que en el romanticismo es
personal, por el contrario, en el barroco no. Una obra basado en esto es “las pasiones
del alma” de Descartes.

Buscaban un efecto a consecuencia del afecto estudiado. Todo era válido para
representar un afecto. Determinadas figuras como la dinámica conseguiran este
afecto. Mersenof dice “cuando se quiere mostrar ira, cólera etc. Se puede representar
musicalmente con un ritmo rápido y agitado en un registro más agudo”. Esto produce
que creen una serie de figuras establecidas y fijas, aunque sea un poco mecánico a la
hora de componer.

En cuanto a la hora de cantar habían dos opiniones distintas: cantar solo los coros o
también los personajes. Mei (en la Camerata Bardi) llegó a la conclusión de que solo
debía existir una melodia, defendía el nuevo estilo monódico y criticaba el contrapunto
y polifonia. Se buscaba la comprensión del texto, voz afectiva, con ayuda en un
segundo plano de la música. Peri defendía cantar en estilo recitativo. Para comprender
el texto la voz debia seguir las inflexiones del movimiento y que la sintaxis rimara.

Peri introduce el concepto representativo teatral. Estas experiencias daran paso a la

ópera:

1. 1581, “Dafne” de Peri. No tuvo gran auge.

2. 1600 “Euridice” de Peri. Si que tuvo gran auge. Habían dos versiones, uno de
Peri y otra de Caccini, pero solo se conserva la de Peri. Es de origen Florentino.
Se considera el antecedente de la ópera. Es la primera muestra de estilo
recitativo. Se estrena en 1600 en la corte de Florencia a causa de la boda de
Maria de Medicci. El libreto era de Rinunccini, el cual quitó el final del mito real
para que tuviera un final feliz. Posteriormente, se une la obra de Peri y Caccini.
Se diferencian ya que la de Peri es un estilo trágico, declamatorio, con un
 recitativo inicial, música monótona, pocos instrumentos, importancia del texto,
utilización de acordes estables en momentos estables y disonancias en
momentos más trágicos. En cambio la de Caccini era más melodiosa. “Euridice”
posee un prólogo, se trata de una aria estrófica donde hay un personaje
alegórico que es el que canta, en el caso de esta ópera lo protagoniza la
tragedia. Muchas veces en el prólogo incluia una alabanza al público.
El estilo recitativo era demasiado rutinario y la Corte florentina buscaba algo más
entretenido por eso, al final no tuvo demasiada continuidad. A partir de ese
momento, la ópera se consolida con rasgos distintos a los iniciales.

La primera muestra del género es el “Orfeo” de Monteverdi (Mantua, 1607).

Monteverdi, ya había compuesto mucho en estilo recitativo sobretodo madrigales. La
compuso ya que el duque de Mantua asistió al estreno de “Euridice” y le pide que
componga una obra con las mismas características. Compone “Orfeo”, se estrena en
1607 cuando el concepto de ópera aún no estaba establecido. Monteverdi toma el
mismo tema y su ópera tendrá más extensión que la de Peri y Caccini. El libreto de la
ópera lo escribe Striggio el cual pretendió cambiar, incrementando la música
instrumental sobretodo con la toccatta del principio y después el prólogo. Usará el
estilo recitativo con música polifónica. En el prólogo el texto pasa a ser el segundo
plano, el personaje se interpreta por la música y no por el texto. La música poseía
mucho más color y se trata de una obra mucho más compleja que por ejemplo la de
Peri. Además mientras que la ópera de Peri tenía tres actos, la de Monteverdi cinco.
Monteverdi introducirá el tópico ya aparecido en todas las óperas barrocas: “Deus ex
machina”, convención para evitar la tragedia final en que Dios lo soluciona todo y salva
al héroe. Los dos primeros actos representa el mundo de los vivos y los dos siguientes
el mundo de los muertos. El último acto representa al mundo de los vivos. La música
instrumental es sobretodo de cuerda. Al final hay un mensaje y metáfora de ascensión
y resurrección cristiana. También incluye un prólogo donde el personajes alegórico es
la Música ya que le otorga mayor importancia a esta. Además incluye una introducción
a modo de fanfarria instrumental para indicar que la obra iba a empezar. Las
novedades que Monteverdi incorpora son:

● Estilo recitativo combinado con polifonia

● Danza
● Duos
● Aria mucho más expresiva
● Más variedad instrumental (40 instrumentos): La cuerda la empleará para
representar el mundo de los vivos, sabia combinación de la instrumentación,
sabe graduar el clímax, introduce partes instrumentales y no solo de
acompañamiento…
● Sinfonias (pasajes de solo música instrumental)
Por último, en 1608 Monterverdi compone “Ariadna” pero solo queda “El lamento de
Ariadna”. En 1641-1642 estrena dos obras en Venecias. Entre estas dos obras hay un
periodo en que se desconoce como evolucionó sus obras ya que no se conserva
ninguna.

Artusi, generó una polémica contra las ideas de Monteverdi, Galilei o Caccini. Artusi,
decia que el nuevo estilo no respetaba las reglas establecidas. Tampoco está de acuero
en que en la música hubieran disonancias. No va en contra de las innovaciones
técnicas sino que va en contra ed que los nuevos compositores desprecien la belleza
de la música y favorezcan a la expresión.

Música instrumental

En el ámbito de la música instrumental el barroco potencia la autonomia de dicha

música. Existe una diferenciación entre música vocal y instrumental. La música es más
compleja y dificil de interpretar, eso hace que no hayan tantos músicos aficionados y
sean más profesionales.

En la primera mitad del siglo XVII las formas musicales que habían eran herencia del
renacimiento. Las formas esenciales son variaciones de formas del renacimiento.
Habían cuatro grandes tipos:

1. Derivadas de modelos vocales:

● Motete:
- Es una forma religiosa polifónica.

-Esta forma se deriva al ricercare.

-En el ricercare se buscaba algo concreto como ejercicio de dedos o búsqueda

de un tono determinado.

-Tenia un carácter serio con notas de valor prolongado.

-También podemos encontrar ricercares dentro de las formas libres.

-Normalmente eran para órgano.

-Mantiene una textura contrapuntística imitativa.

-Hay dos tipos: politemático (tantas secciones como temas, se enuncia un tema y se
fuga) y monotemático (un tema que se varia o permanece igual y se combina con
contratemas).

-A veces, se acerca a la idea de tocata.

-Compositores importantes fueron Frescobaldi, Merulo, Gabrieli o Viadana.

● Canzona:
-Canzona: Es la italianización de la forma profana “chanson”. Se deriva a canzona de
sonar.

- El modelo de su esquema formal proviene de la música profana.

- No tiene carácter serio (ritmo animado, carácter vivaz y alegre).

- Contrapuntisticamente no es tan rígida, se caracteriza por secciones acórdicas,

armónicas e imitativas.

- El ritmo es esteriotipado.

- Hay contrastes de sonoridades brillantes.

- Se puede convertir en una sonata o en un converto.

- Son composiciones asociadas a la escuela veneciana, donde la canzona tendrá un

gran desarrollo.

- Anticipan la idea de concierto.

- Hay dos tipos, uno de muchas voces y otro de pocas voces.

2. Música de danza:

Tiene herencia del renacimiento donde las danzas era sociales y era para ser bailadas.
El barroco, recoge esto pero se incorporan otros tipos de danza. En el renacimiento
habían dos tipos de danza dentro del “par variado”, la danza de saltos(rápida, ágil y
ritmo ternario) y la danza de pasos (lenta, majestuosa, ritmo binario). Algunas de las
danzas son pavana y pasamezzo (lenta) o gallarda y saltarello (rápida). En el barroco se
utilizan ciertas características de las danzas y las aplican a la música instrumental como
las mazurkas o valses para piano de Chopin. Otras danzas: Allemanda, Sarabanda,
Giga, Minueto, Gavota, Currant, Siciliana..

3. Formas libres (carácter improvisado):

Es una forma instrumental autónoma. No adquieren ninguna forma existente y de

carácter improvisado. Busca más posibilidades instrumentales. Estaban compuestas
para un solo instrumento solista como el laúd o el clave. Contienen mucho virtuosismo
y figuraciones. Algunas formas son: Tocata (pondrá las bases del estilo fugado),
Preludio, Fantasia o Ricercare. Compositores importantes: Frescobaldi, Froberger o
Buxtehude.
 4.Variación:

Se encuentra en cualquier género, se trata de un recurso en fugas, sonatas, danzas,

ricercares…

● RESUM:
En el barroco inicial habían dos prácticas o estilos. Por un lado, la prima práctica o estilo
antiguo el cual era polifónico. Después, surge la seconda práctica o estilo nuevo
que será monódico. Este nuevo estilo busca transmitir emociones a través de
muchas disonancias. Será una armonía pretonal y disonante ya que se encuentra
en el proceso de cambio de la modalidad a la tonalidad.
En el ámbito de la música instrumental las formas eran breves porque no se tenian
recursos tonales para mantener el movimiento de forma prolongada. Son herencia
de las formas y texturas renacentistas.

Barroco Medio

En el barroco medio hubieron grandes aportaciones revolucionarias respecto a la

música vocal. Además se creó un lenguaje propio y diversificado en la música
instrumental, también a la hora de componer se crean obras especificas para música
instrumental incluso para instrumentos especificos. Hubo también la posibilidad de
transferencia de formas de un instrumento a otro vocal o la transcripción de un
concierto a un instrumento polifónico. Ya no se componia dos veces, sino
directamente un concierto dirigido a instrumento polifónico. También, este periodo
fue importante porque es el inicio de la idea de la futura ópera. Se basan en un estilo
recitativo monódico en la música vocal. Esto posteriormente influirá en la música
instrumental, por ejemplo en la forma sonata.

Los compositores que continuarán la ópera veneciana a parti de Monteverdi fueron

Cavalli, Cesti y Steffany.

La consolidación de la ópera se barroca, se llama “ópera seria”. Aunque la ópera

italiana era cómica no buscaba lo cómico sino el espectáculo.Este tipo de ópera es
propia de la época barroca, es decir, del siglo XVII. Posteriormente, en el siglo XVIII
habrá otro tipo de ópera llamada “ópera buffa”.

Existen dos tipos de “ópera seria”: La comercial y la cortesana.

La ópera cortesana era exclusiva para esta clase social y la gente del pueblo no podía ir
a verla a no ser que estuviera invitado. Poseía grandes escenarios y un gran
espectáculo, así como un gran presupuesto. Siempre aparecian héroes que trataban
temas de amor, fidelidad o honor. Se trataba de representaciones alegóricas de los
propios nobles que pagaban y organizaban estas fiestas.
Pero parte de la nobleza baja con menos recursos también quería disfrutar de este
espectáculo, por eso, pagaban butacas en el palco para poder ver la ópera. A partir de
este hecho nace la ópera comercial en Nápoles, Londres, Venecia… además, se
producirá una constante renovación de las obras. El compositor de la primera ópera
comercial fue San Cassino.

Musicalmente había mucha diferencia entre los dos tipos. La ópera cortesana más
presupuesto, que producirá que con el tiempo se generen diferencias. Por ejemplo, la
cortesana contrataban a coros, más músicos, mejores cantantes que la comercial no se
podía permitir. Lo más caro era la escenografía y cantantes importantes (castrattis).

Va a ser fundamentalmente por temporadas. En Venecia sobretodo se hacian

representaciones en carnaval. Además, aprovecharan las temporadas vacias para
representar conciertos instrumentales (“conciertos espirituales”).

En el barroco medio surgieron la figura de los castrattis. Son característicos del periodo
barroco. Fue en Italia donde hubo la primera producción de castrattis. Surgieron por
razones religiosas. Por otra parte, la iglesia prohibió la existencia de mujeres cantantes.
Los castrattis se encargaban de interpretar papeles femeninos o heróicos. También,
tenia una gran fama y una posición alta en las clases sociales. Fueron una gran
inversión porque introducieron la enseñanza musical en coros. Eran considerados
sopranos naturales ya que tenían una voz infantil y natural mientras que los que no
estaban castrados eran sopranos artificiales. Estan considerados como un símbolo del
barroco, antinatural y artificial.

En 1720, Benedetto Marcello arremete contra el mundo operístico desde un punto de

vista humorístico en su libro “El teatro a la moda”.

Características:

-Concentración en el canto solista en las arias y desprecio de dúos, trios o coros.

-Separación aria y recitativo.

-Hay dos tipos de recitativo en la ópera italiana. El recitativo secco que es muy silábico
y declamado con un simple acompañamiento generalmente al clave con acordes, y el
recitativo acompañatto el cual tenía más acompañamiento orquestal, más melódico,
menos declamado y arioso.

-Cambio en la jerarquia musical, se le concede menos importancia al texto.

-Se empiezan a distinguir los estilos nacionales (italiano y francés, posteriormente el

alemán).
 ● El estilo francés: Al llegar a Francia la ópera italiana la rechazan y crean su propio
estilo operístico. Este tipo de ópera francesa se consolidó en el reinado de Luis XIV.
Proviene de la unión del ballet de corte, el cual era un espectaculo muy variado y el
teatro clásico francés como el de Corneille y Quinault. Esta unión dará lugar a la
tragedia lírica o ópera francesa. Se caracterizará po responder al sistema
monarquico absolutista, piramidal y centralizado. Las asociaciones que se
encargaran de enaltecer a la monarquia serán las academias. Así mismo, el
encargado de dicha unión asi como el encargado de dirigir la academia real de la
música será Lully. Este hecho fue porque Lully, que era compositor, y Moliere, que
era autor del teatro clásico francés se juntaron y decidieron proponerle a Luis XIV
dirigir entre ambos la academia real de la música. Lully traicionará a Moliere e irá
solo a pedirle a Luis XIV el privilegio del control sobre la música. En 1672, Lully
recibe este privilegio y controlará todo el monopolio musical francés.
Los temas de este estilo eran sobretodo mitológicos y históricos. Tenían unas partes de la
estructura fijas como la obertura francesa, el prólogo en alabanza al rey, y
desarrollo del drama en cinco actos.
La tragedia lirica en la revolución francesa no tendrá sentido porque su objetivo es
enaltecer la figura de la monarquia.
Las óperas de este estilo son más extensas que las del estilo italiano.
Es una ópera cortesana.
La obertura→tiene la misma función que la sinfonia italiana. Sirve como aviso de que la
ópera va a comenzar. Es lenta (solemne y con ritmo de puntillo), rápida y lenta.
El argumento está más cuidado y coherente que las italianas basándose en el teatro
francés.
Las arias no serán tan virtuosas y por ello no exisitirá nunca la figura del castrado. El aria
de capo tenia una estructura A B A, en la última parte los cantantes improvisaban
de forma muy virtuosa para enseñar sus destrezas. El aria estrófica posee un texto
distinto en la música de cada estrofa.
Cada vez, los recitativos serán más declamados. Hará poco uso del recitativo seco y más
del acompañado o arioso.
La plantilla es más variada que en la ópera italiana.
Además, usarán coros y la orquesta tomará importancia. Por ejemplo, habrá partes
solamente instrumentales. Además, este hecho y el que Lully introduciera ballets
los cuales se independizan de la ópera a la cual pertenecen provocará el
nacimiento de la Suite Orquestal.
Las “Suites Orquestales” de Bach o Haendel son muy importantes.
En conclusión: A partir de Lully encontramos música instrumental variada y habitual
posteriormente en el barroco tardio. El canto será más cuidadoso y existirá el
arioso, que es el estado intermedio entre el recitativo declamado del estilo italiano
y el aria. En la ópera francesa el recitativo es arioso y el aria estrófica que tampoco
 se excede de virtuosismo, por tanto podemos decir que había un equilibrio entre
ambos.

● Estilo inglés: En Inglaterra no se llegó a representar la ópera italiana a causa de la

guerra civil (época Crowmwell), fue una guerra entre los partidarios de la
monarquia contra los republicanos y en la cual hubo mucha censura de todo lo
provinente de fuera del país.
Por tanto, los ingleses tuvieron también su propio estilo. El principal compositor de este
estilo fue Purcell con su obra “Dido y Eneas”. Se trata de una expresión de música
inglesa con valor dramático y armónico. Se estrenó en un internado de niñas y
recoge una síntesis de los estilos francés (obertura) y italiano (melodismo).
El “lamento de Dido” (“when I am laid in earth”), es el más famoso. Cuando Eneas se va de
Cartago, Dido lamenta la marcha de su amado. Se estructura en un bajo obstinado
por semitonos descendentes, repetido 9 veces. Sobre este bajo se despliega el
melodismo dramático.
Además, se creó el genero de la Masque que era un espectáculo musical parecido al ballet
de corte francés.
Contenía elementos variados, escenas teatrales, danzas e interludios instrumentales.
Se llamó Masque porque llevaban máscaras.
La última danza es la llamada “main dance”.
Era un baile para cortesanos.
Se desarrolla y mantiene en la época Crowmwell. En la Restauración, a causa de que Carlos
II estuvo en Francia, plantea la reoganización de la capilla real . Se lo encargó a
Henry Cook. Un músico importante fue John Blow y nos da una primera muestra de
un ejemplo de una posible ópera, “Venus y Adonis”. Se muestra la influencia
francesa por su obertura. Después, fue sustituido por Purcell quien experimentó
todo tipo de estilos, fue músico cortesano y desarrollo la música para obras
teatrales.

Música instrumental

En la música instrumental del barroco medio surgiran distintos tipos de sonatas. Éstas
tendran pocas voces, y participaran hasta 4 instrumentos.
La Sonata Barroca Italiana estará influenciada por la monodia y la danza. Estaran pensadas
como una voz solista y un bajo continuo interpretado por un clave, cello o viola da
gamba. El instrumento solista seria el violin. Tipos de sonatas:
● Sonata a dos: Violin y bajo continuo
● Trio Sonata: Tutti frente a un grupo reducido. Dos violines y bajo continuo. Diálogo
entre dos violines, y mínimo cuatro instrumentos.
● Sonata senza continuo: sonata para solo un instrumento, sin bajo continuo.
● Sonata solística: Es la que recoge mejor el estilo monódico y virtuoso con pasajes
ornamentados y grandes saltos.
● Sonata a tres: Ampliación de la sonata a dos con una concepción más orquestal.
● Sonata de cámara: Se basaba en danzas y era propia para nobles, salones y estilo
profano. El primer movimiento era allegro seguido por una seria de danzas
especificadas.
● Sonata de iglesia: También se basa en danzas pero eran interpretadas en la iglesia.
El primer movimiento era lento y después venían las danzas. En este tipo de sonata
no se especificaba la danza.
Un compositor de este periodo fue Corelli el cual destaca por sus sonatas y como
iniciador del futuro concerto grosso.
En el estilo francés de la música instrumental era un estilo básicamente
solístico(laúd,clave,viola), destaca el estilo característico del clave influenciado por el
laúd. Esto influenciará en el barroco tardio el estilo rococó. Se sigue desarrollando la
danza en la música instrumental.

El laúd sufrió un gran desarrollo. La época más significativa del laúd habia sido en el
renacimiento. En Francia tuvo importancia desde un punto de vista social ya que era
un instrumento de nobles. La calidad y cantidad de producción demuestra esta
importancia.

En el barroco inicial las partituras para laúd eran transcripciones de la música vocal, en
cambio, en el barroco medio son pensada exclusivamente para el instrumento.
Además, crean un lenguaje específico para laúd por sus distintas características. Al no
tener gran sonoridad y al no poder realizar distintas voces, esbozan la melodía y
armonía en diferentes registros y en diferentes partes del compás, esto provocaba una
sensación de continuidad (arpegiado). También, le añadieron ornamentación y así es
como se paliaba la escasa sonoridad. Este estilo y técnica interpretativa es el llamado
estilo quebrado (“style brisse”). Los más representativos fueron la dinastía de los
Gaultier.

Las colecciones de esta música se dan en el género de la danza con la característica

francesa de que todas llevan un título, es decir, se trata de música descriptiva. Por
ejemplo, la “Paste” de Gaultiere.

Otro género fue el de tombeau, son piezas que se dedican en memoria de algún
personaje como “Tombeau de Couperin” de Ravel.

Este estilo después de estar dedicado al laúd pasa al clave ya que pretenden crear
también un estilo propio. Cuando se adopta el estilo quebrado el clave potencia una
diferencia de la técnica compositiva y interpretativa entre el clave y el órgano.

La escuela clavecinista fue iniciada por Chambonniere. A partir de aquí, en Francia la

música para laúd empieza a declinar y el instrumento dominante es el clave. Cabe
destacar que en Francia la suite también recibía el nombre de ordre. Los compositores
más importantes fueron Couperin, D’Anglebert y Marin Marais. Posteriormente estos
estilos pasan a Alemania gracias a Froberger.

Resumen del barroco medio:

-la ópera plenamente consolidada

-consolidación de la cantanta profana y sacra y los oratorios, que eran sacros aunque
podían ser en latín o vulgar.

-ya no se produciran después de este periodo cambios en la música vocal

-la tonalidad ya esta establecida, asi como los modos mayor y menor.

-es una estilo que trata ya las disonancias

-la música es más instrumental

-los estilos nacionales surgen a partir de lso géneros más instrumentales los cuales se
acoplan a los estilos nacionales como la sonata barroca, óperas, música para laúd…

-el bajo continuo aún está presente

Barroco tardío
Se conoce este periodo como la conclusión de los desarrollos producidos durante el
siglo XVII. En esta etapa la tonalidad queda totalmente consolidada, el contrapunto
viene regido por la armonía y además se establecen las grandes formas
instrumentales. Los compositores que nacen al final del siglo XVII y aún se mantienen
activos al principio del siglo XVIII son: Vivaldi, Scarlatti, Haendel, Bach…

Cabe destacar que hay señales de un cambio decisivo. Se piensa que el estilo barroco
es recargado y quiere volver a la sencillez. Por eso, hay un deseo de cambio para
conseguir una música más alegre, sencilla que llegue a más gente. Además, las grandes
obras coincidirán con el inicio del clasicismo y el estilo galante.

En este momento ya estan plenamente establecidos los estilos nacionales. Los dos
principales eran el estilo frances, con sus pautas colorísticas, su obertura, estilo propio
del clave y una displina orquestal. Y el italiano que se caracteriza por las formas de
concierto, sonatas y por supuesto el bel canto (la ópera).

Un tercer estilo es el alemán, el cual busca la síntesis del estilo francés e italiano. Lo
que aporta este estilo es una solidez. Esta síntesis culminará en Bach.

Además, por fin habrá una distinción entre la música de cámara y orquesta ya que
hasta ahora no había demasiada diferencia.

Por otra parte, a finales del siglo XVII, es cuando aparece gracias a Corelli el concierto
que se convertirá en el estilo más importante de la música instrumental.

Los tipos de concierto que había eran: el solista, el grosso y el de grupo, que es el
precedente a la sinfonía.

A quien se le atribuye estos cambios de concierto es a Corelli, en el concierto grosso, y

a Torelli, en el concierto solista.
Después del barroco, el concierto grosso y el del grupo serán sustituidos por la
sinfonía.

Como ya se ha dicho anteriormente, Corelli fue el iniciador del concierto grosso. Había
dos formas orquestales: el tutti o ripieno, y el concertino soli. La idea de concierto
grosso en Corelli, pretende contrastar estas dos formas. El concertino está formado
por la trio-sonata. Lo que pretende Corelli es contrastar ambas sonoridades, la fuerte
del tutti y la más débil del trio. Corelli no crea ningún nuevo esquema orquestal, no
existe diferencia temática solo busca el contraste entre sonoridades. El concierto
grosso podía ser de cámara o de iglesia, en el caso de Corelli de los doce conciertos
que compuso, ocho son de iglesia y cuatro de cámara.

Muffat fue quien canaliza estas ideas en Alemania.

Estas ideas eran más arcaicas y básicas respecto a otros momentos, com por ejemplo
lo que hará Vivaldi. Al llegar el estilo galante, el concierto grosso desaparecerá. Se
mantendrá y desarrollará el estilo propio del concierto solista, hasta llegar a lo que
conocemos actualmente por concierto.

Ideas del concierto solista:

-Forma ABACA, con modulaciones.

-El instrumento más destacado será el violín que será el instrumento solista. Otros
instrumentos solistas son la flauta, el oboe y la trompeta. El clave no se plantea como
instrumento solista sino como de bajo continuo, a excepción de un concierto de San
Petesburgo de Bach en el que al final, hay episodios virtuosos de clave. Por primera vez
será un instrumento solista. En el caso del órgano se produce la misma situación que la
del clave. Haendel será el primer compositor que componga una obra en el que el
instrumento solista sea el órgano.

-El concierto solista hará olvidar cualquier concierto orquestal con el trio sonata.

-Con Vivaldi y la escuela de Bolonia el concierto solista tendrá mucho auge. Cabe
destacar que no existe mucha diferencia entre el concierto solista y grosso. En el
concierto solista el grupo es flexible, los instrumentos solistas pueden hacer solos o
tocar en grupo.

-Con Vivaldi el concierto es más variado, no hay solamente cuerda. El soli es un grupo
dentro del concierto y el solo hay una diferenciación de un solista dentro de los
solistas.

-En Vivaldi hay mucho color, es muy experimentador, mucha música instrumental,
mucha música solística. Su música anuncia un género más alejado del barroco ya que
es más “risueño”, es decir más galante. Es un precursor de la sinfonía. En los conciertos
solistas le da importancia al segundo movimiento y no al tercero. Los temas son
conscisos y los ritmos alegres , vitales, crescendos que llevan a brillantes tuttis. Todo
esto dará paso al estilo galante.

-Vivaldi aunque tenga conciertos solistas, existe mucha flexibilidad mediante

combinación de tuttis, concertinos, solo y soli. No parece que tenga conciertos solistas,
aunque si tiene porque nos “engaña” al final introduciendo un instrumento solista.

Los conciertos de Branderburgo pertenecen a la época en que Bach estaba en la corte.

Son conciertos experimentales y atrevidos. En cuanto a la textura son más complejos
que los de Vivaldi. Son seis conciertos grosso. Pero el seis por ejemplo, tiene más
carácter de concierto de grupo. Bach experimentaba con la combinación de los
instrumentos. El seis se caracteriza por la sonoridad grave y sombría ya que no hay
violines.

INICIO DEL CONCIERTO

-Corelli

- Cuatro movimientos, tipo de danzas.

- Movimiento allegro inicial seguido de danzas.

-Concertino formado por la trio sonata

-Concierto de iglesia o cámara

-Sin diferenciación temática. La única diferencia es la sonoridad contraponiendo el

grupo pequeño contra el grande.

CONCIERTO DEL SIGLO XVIII

-Vivaldi , Bach, Telemann, Haendel

-Tres movimientos

-Concertino: Se abandona la trio sonata. Formación variada y flexible en su

comportamiento porque en cualquier momento ese grupo puede actuar como grupo o
como solista.

-Forma ritornello o rondó: Los tuttis eran ritornellos y los tuttis rondó.

-Forma ABACADA

-Surgirá de aquí la idea de sinfonia

-Sí que hay diferenciación temática y también de sonoridad, además de una riqueza
tímbrica.
En Francia, sigue la influencia de la música cortesana y ballets de Llully. Couperin
intentó combatir este hecho intentando introducir elementos propios italianos como la
trio sonata, sonata de cámara o concierto grosso. Pero los franceses rechazan todo
tipo de música que proviniese de fuera por eso Couperin crea la Sonade a Trio,
siguiendo los ejemplos de Corelli. Pero esas composiciones se mantuvieron escondidas
ya que tenia miedo de que fueran rechazadas. Tras su muerte empezaron a editarse.

Como es típico del género francés todas llevaban un titulo. Respecto al concierto será
igual al italiano. Couperin compuso conciertos con un tratamiento diferente con el
concierto de grupo. La obra de Couperin incluye los conciertos reales y los conciertos
de los gustos reunidos, son un total de catorce conciertos de grupo.

Couperin intentó superar la polémica entre música francesa y música italiana y

reconciliar ambos estilos. Busca una síntesis en su música en la que la idea que
prevalece es si es bueno música o no independientemente de si es francesa o italiana.

Otro compositor fue Rameau, quien era un continuador de la música francesa.

El clave tiene presencia en todas las Sonade a trio, y tiene un papel destacado.

En la ópera francesa a partir de ese momento se desarrolla un género instrumental

importante.

PERIODO PRECLÁSICO

Coexisten un barroco desarrollado y pleno con compositores más modernos y

preclásicos.

La etapa preclásica es dificil de definit ya que habían tendencias opuestas. El contexto

socio-cultural del siglo XVIII influye mucho en la música. Hubo un cambio de
mentalidad basado en la influencia de la ilustración que supuso transformaciones. Esto
lleva a la creación de un nuevo lenguaje.

La última etapa del barroco muestra transformaciones importantes. La sociedad

cambió de mentalidad siendo más optimista. No existe todavia un lenguaje unitario
sino que hay distintas tendencias. Hay compositores barrocos pero algunos dicen que
este estilo es demasiado grandilocuente y no se adapta a la nueva sociedad y sus
exigencias. Por eso, hay un intento de romper con ese lenguaje y rechazan la práctica
barroca.

Por etapa pre-clásica entendemos que es como un “compás de espera” entre el

barroco y el clasicismo. El siglo XVIII es una época de gran crecimiento económico, esto
tiene efecto en las clases sociales ya que nacerá la burguesía, la cual modelara la
cultura según su gusto y necesidad. El evento que hizo desaparecer totalmente el
antiguo régimen fue la Revolución Francesa.
“El contrato social” de Rosseau se convierte en un referente social. Dice que el pueblo
nace libre, el estado no es una divinidad, debe ser una organización que dicta normas
de convivencia en una sociedad sin diferencias de nacimiento y privilegios, esta
además sería la base de los estados democráticos.

La sociedad en este momento disfrutaba de una vida más comfortable y con nuevos
avances que anteriormente no tenían. También, ya se habían superado las guerras
sobretodo de religión. Se implantará una situación de mayor tolerancia y se
suspenderan las ideas nacionalistas, habrá también más cosmopolitismo y positivismo.
Por tanto, será una sociedad abierta que contrasta con la sociedad trágica del siglo
anterior.

Toda esa situación se va a ver sustentada por la Ilustración. La Ilustración, se basa en la

fe inquebrantable de la razón humana. También del progreso gracias al uso de la razón
que le lleva a un futuro positivo. Se entiende que el hombre es autónomo y libre por su
propio uso de la razón. La sociedad tiene la consciencia de que ese momento es el
cúlmen de la civilización.

El concepto que tienen los ilustrados de la edad media es que había roto con los
ideales de la antigüedad clásica. La ilustración retomará estos ideales. El siglo XVIII, por
tanto, conecta con el Renacimiento por la presencia del hombre y las ideas de
proporción y equilibrio. La Enciclopedia recoge los conocimientos que existen, los
cuales se basarán siempre en la experiencia.

La idea de progreso es importante porque los avances cientificos y técnicos hacen que
esa época sea el punto máximo de progreso y de explendor. La razón es la que iguala a
todas las personas por eso no se aceptan los privilegios de nacimiento y clase social.

La ideología afecta a la música, por ejemplo, se considera mejor al músico. El negocio

editorial se va a impulsar mucho. A partir de este momento, el compositor ejerce más
libremente la profesión. Además, la música tiene más divulgación y más público. Por
otra parte, surge la figura de oyente y público anónimo. El concierto público hasta
ahora casi no existia.El futuro de la música europea estará en las salas de concierto.
Esto supone un signo de cambio social importante. También surge la crítica musical
para guiar al público a lo que va a escuchar. Por último, es en este momento cuando se
crean los dos primeros libros generales de historia de la música, uno de Charles Burney
(ilustrado que rechaza el barroco) y otro de John Hawkins (barroco y más
conservador).

El patronazco desaparece y por eso el músico es más libre. Además, con las editoriales
hay más difusión y empieza la crítica comercial y el concierto público.
Scheibe crtica de Bach que no es ameno, su estilo es excesivamente ornamentado, es
confuso y aritificial, dificil de interpretar, no se destaca una única melodía, no es
natural, es oscuro…

Estilo galante
La expresión de este estilo es un poco imprecisa y es un estilo opuesto a lo que era
considerado antiguo. Tiene su origen en la época de Luis XIV. Empieza a surgir del
término barroco “rococó”. Se trata de un estilo de carácter cortesano y recargado.
Busca la ruptura con el barroco, por ello, posee ideas contrarias en cuanto a la
concepción musical.Tras la muerte de Luis XIV el estilo perdudará aunque sufrirá
cambios. En vez de ser cortesano será más intimo, alegre y divertido con emociones
más humanas. Es un estilo ligero, divertido, picaro, poco solemne, superficial y sin
sentimientos. Su objetivo era atraer a un gran público mediante una música sencilla,
natural. El concierto solista, ópera bufa y sinfonia serán sus formas más
representativas por excelencia.

Características:

● Abandono de la polifonia (al igual que en el Renacimiento Barroco)

● Resaltar la linea melódica (desaparición del bajo continuo, utilización el bajo
alberti para destacar la melodia), melodia acompañada
● En vez de contrapunto, melodias basadas en motivos, elementos diminutos en
la melodia.
● Armonia muy sencilla, incluso pobre (V-I)
● Abundancia de adornos pero sin excesos para no quitar importancia a la
melodia
● Longitud de las melodias breves, limitadas por silencios, cadencias, longitudes
simétricas y equilibradas
● Naturalidad, claridad, sencillez
● Motivos contrastantes
● Métricas diferenciadas
● Ahora ya no hay contraste de rápido-lento, sino interior
● Caracteristica principal: simplicidad
● Variedad de emociones o estados de ánimo
● Rápido, vivo, movido, gracioso y alegre
● Mayor exponente: J.C Bach
En el siglo XVIII, el estilo instrumental está totalmente asumido, esto se plasmará
con la forma sonata aunque encontraran nuevos elementos como el timbre. En el
siglo XVII había conseguido el máximo desarrollo de la música vocal y no se
desarrollará más. Solamente surge una nueva tipología de ópera, la ópera buffa
con argumentos cotidianos, cercanos a la sociedad de la época.
Estilo sentimental (1760, en el ámito alemán)

● Estilo rebuscado
● Expresión más personal, se busca la emoción
● Más intima
● Dos fenómenos estéticos separados
● No dirigido al gran público
● Sin intención galante
● Buscaban la subjetividad
● Melodías angulares, más amplias, grandes intervalos pero por grados conjuntos
● Los silencios son elementos expresivos
● Gran variedad métrica
● Busca lo inesperado, ya no es simétrico como el galante, más flexible y
asimétrico en las frases
● Preferencia por el uso del relativo menor
● Cromatismos frecuentes
● Modulaciones alejadas de la tónica
● Textura más compleja
● El estilo galante está considerado de “mal gusto”
● Ornamentación más discreta
● Será aún más sentimental al verse influido más adelante por el estilo literario
“Sturm un Drag”. Anunciará el estilo romántico en el ámbito germánico. Los
exponentes recibiran el nombre de los “atornmentados”
● Totalmente contrario al estilo galante y valores clásicos (neoclasicismo)
● En contra de todo lo convencional, se da más valor a lo experimental. Surge el
concepto de “genio”
● Máximo exponente de este estilo C.P Emanuel Bach. Tiene dos tipos de
sonatas: Las sonatas prusianas que fueron dedicadas al rey y las sonatas
Wurtenberg que estaban dedicadas a un duque. Tendrá influencia en Haydn,
Mozart y Beethoven. Escribió “tratado para tocar los instrumentos de tecla”, el
cual aún está vigente y aceptado. El uo del clavicordio será el más adecuado
para la expresividad pero lo acabará sustituyendo por el pianoforte, el cual será
mucho más expresivo. Brahms recuperará obras de este compositor. Las
ediciones HELM O WQ son catalogaciones
El Clasicismo se encontrará con dos estilos muy contrapuestos y buscará el equilibrio y
síntesis entre ambos estilos. Uno objetivo y racional y el otro subjetivo.

SINFONÍA
 ● Pertenece al estilo galante, es un estilo adecuado para un público amplio.
Sustituriá a la suite orquestal barroca. Además, posee una forma sonata en
forma orquestal.
● Inicia al principio del estilo galante y se producirán miles de sinfonías porque
había una gran demanda por parte del público.
● Los centros destacados fueron: Milan, Viena, Mannheim y Paris
● En el segundo periodo destaca Viena. Paris no destaca por sus compositores de
este estilo sino por su edición de partituras y interpretación
● Surgen de la independencia de las sinfonias de la ópera italiana
● Posee una forma sonata para orquesta
● Scarlatti: aumenta la instrumentación del trio-sonata manteniendo la
estrucutra pero aumentando el número de instrumentos
● Vivaldi: desarrollará sus sinfonias a partir del concierto de grupo.
● Las primeras sinfonias surgen de la plantilla de la orquesta del concierto de
grupo (no había diferencia de sonoridad). También pueden tomar la formación
de la forma trio-sonata. La base es esta estructura aunque ampliada y reforzada
Escuela de Sammartini
Es la primera escuela de sinfonía temprana y que se encontraba en Milán.

Características:

-Poca duración

-3 movimientos para cuerda en el que el último movimiento era un minuet

-La viola y cello tienen tendencia a hacer unisono y los violines la melodía. Recuerda a
la forma trio-sonata en la que los violines I y II dialogan o tocan en unisono.

-Monotemático

-Se refuerza la linea de los violines con una flauta o oboe

-Muchas fórmulas motivicas repetitivas al igual que las del estilo galante

Escuela de Mannheim
-Supone una revolución ya que anticipa ideas de la forma sonata

-Se trata de un centro destacado sobretodo por el compositor Stamitz

-Stamitz se convirtió en el director musical de la orquesta por su novedad y estilo

interpretativo . Era violinista y virtuosoy aplicó esta solidez a la cuerda. Además
desarrolló el concierto público.
-Charles Burney debido a la forma de esta orquesta, hizo muchas referencias en su
“historia de la música”. La comparaba con un ejército de generales ya que eran buenos
instrumentistas y compositores, es decir, gran calidad en la plantilla. Este fue el primer
estudio sobre la orquesta.

Crean una nueva forma de interpretación. Caracteristicas:

-sustituyen los tres movimientos por cuatro. El minueto es el penúltimo movimiento

-Aparecen dos temas contrastantes los cuales son más cantábiles y líricos

-poco a poco, se va eliminando el bajo continuo

-frases simétricas en cuanto a duración

-sonoridad contrastantes por bloques

-orquesta brillante en los tuttis

-matices en espacios reducidos

-presencia de sincopas

-ejemplifica el estilo galante

-efectos de Mannheim: efectos de dinámica como crescendos, apoyaturas melódicas,

pasajes de crescendo hasta llegar a brillantes tuttis…

Después de 1760, ya está más concretada la idea de sinfonía con un comportamiento

homogéneo e independientemente de donde proceda la interpretación y composición
de la sinfonía. Por otra parte, la instrumentación optativa desaparece y la partitura en
más precisa. Además, los movimientos lentos estaban instrumentados para cuerda. Las
melodías quebradas dan paso a melodías más largas. Cabe destacar que la estructura
sonata será más evidente con un mayor cuidado en que la forma se distinga
auditivamente por parte de los compositores, el inicio de la reexposición destaca ya
que se toma como conclusión. También, desaparecen todos los signos del barroco y
empieza ya la sinfonía clásica el cual será el estilo más importante de la época. Es un
estilo autosuficiente, desligado totalmente de la música teatral, asimismo a su modo
es dramática y cuenta una história. Poco a poco, va introduciendo otra vez elementos
complejos como el contrapunto. El contenido melódico será más lírico. Los centros
más importantes de esta sinfonía son:

Londres: Con los conciertos Abel/Bach, el máximo representante es Johan Christian

Bach quien aplica el estilo sentimental a la sinfonía (tres movimientos, tonalidad
menor) estas características no cuadran con las características de esos momentos.
Paris: Por sus conciertos públicos y edición de partituras

Mannheim: Mantienen cliches característicos. El mayor representante es Cannabich.

Italia: desaparece un poco

Viena: destaca principalemente Haydn

ÓPERA CÓMICA

El estilo galante se concreta en este estilo. El siglo XVIII da más impulso al estilo
instrumental ya que tampoco podia desarrollar más la ópera porque en el siglo XVII se
había desarrollado mucho. Aún así, se aportan dos tipologías distintas de ópera: la
seria y la cómica.

● Se puede identificar con características del estilo galante

● Se adecua a las características del siglo XVIII
● Temas vitalistas, enredos amorosos y cómicos
● Personajes de la clase media y baja: criados, sirvientes, médicos, damas,
maestros, sátiras de la nobleza…
● No es tan importante la voz solista, por eso hay duos y trios.
● Las voces están en tesituras naturales
● El personaje buffo es el que posee la parte más cómica
● Procede de los Intermezzi como el de la Serva Padrona
● La ópera seria del barroco se centraba en el cantante (aria) y los argumentos no
importaban tanto. A causa de esto, empiezan a salir críticos como Zeno y
Metastasio los cuales intentan reformar la ópera. Aplican reformas a la ópera
seria para conseguir más calidad del texto y desaparece números cómicos de la
ópera seria. Los números cómicos que desaparecen se convierten en
intermedios, que son pequeñas obras de carácter cómico. De hecho, la Serva
Padrona es un intermezzi.
● Servia como entretenimiento para la clase media
● Con el tiempo se hacen más complejas, extensas y con más personajes.
● Posteriormente, se introducirán elementos sentimentales y escenas serias, esto
se debe a Goldoni que da lugar a otra variedad de ópera llamada “Drama
Giocoso”, la cual es una ópera de la nueva sociedad en definitiva
● Se irá desarrollando en cada estilo nacional

● A partir de 1760, la ópera buffa esta consolidada, incluyen escenas de cáracter

sentimental combinada con pasaje cómicos. En 1780, aparecen compositores
importantes como Paisielo, Cimarosa, Galuppi, Piccini. Una obra destacada de
Paisello fue “El barbero de Sevilla”, llegó a ser un himno nacional italiano.
 Goldoni es el responsable como dramaturgo en que estas óperas consigan
consolidación.
● La ópera buffa se estructura en relación del modelo de la ópra seria, arias y
recitativos. El recitativo es el recitativo secco, con acompañamiento de clave,
pero la diferencia es que ese recitativo utiliza un ritmo más ágil. Las arias serán
más sencillas. Son arias estróficas que se cantan con la misma música y con
diferente texto.
● El ejemplo modelo para seguir la trayectoria es Mozart. Mozart planteará todas
las tipologías de ópera. Por ejemplo, Don Giovanni es un Drama Giocoso y las
Bodas de Figaro una ópera buffa.

GUERRA DE LOS BUFONES

La ópera seria francesa era “la tragedia lirica”. A mitad del siglo XVIII en Francia,
Rameau será el heredero de esta ópera nacional francesa después de la muerte de
Lluly. Rameau es un teórico cientifico porque escribió un tratado de armonía,
establece como normas lo que en la práctica se estaba haciendo ya con el uso de la
tonalidad. En estos momentos, cualquier debate que se hace en esta música se plantea
desde el punto de vista de la ópera. Por un lado estaban los patriotas que
consideraban la tragedia lírica como ópera nacional, pero otros consideraban mejor la
ópera italiana por su melodismo. Por eso, hay un debate importante entorno a
Rameau que lo enfrentaran a los seguidores de Lluly, consideraran a Rameau como
traidor ya que altera cosas que Lluly había dejado como patrón establecido, por
ejemplo en lugar de la obertura francesa adopta una estructura de sinfonía italiana.
Rameau es más preciso en sus obras porque todo lo orquestaba, mientras Lluly
escribia la parte esencial y el resto sus ayudantes, por eso, Rameau es más complejo.
Pero a excepción de esto, no debían acusarlo como traidor de la patria por tan solo
hacer algunos cambios de la tragedia lirica. Rousseau, compone “el adivino de la
aldea” es un ejemplo de armonía simple.

Surge otro debate en contraponer los estilo frances y italiano. Los que habían acusado
a Rameau como traidor se enfrentan a los partidarios de la ópera italiana. Rameau
representaba los valores de la ópera francesa y Rousseau se puso a favor de la ópera
italiana. Rousseau no esta a favor de la razón sino del sentimiento, por esto, como el
sentimiento se transmite a traves de la melodía está a favor del estilo italiano ya que la
melodía es algo natural en el hombre. En 1752, con la llegada de una compañía italiana
llamada “los bufones” que representan intermedios de Pergolesi como “la Serva
Padrona”, se desata al máximo esos enfrentamientos entre ambos bandos. El rey,
estaba a favor de la ópera francesa y la amante también, pero la reina a favor de los
italianos. La polémica será tan profundo y abarca tantas motivaciones tanto políticas,
sociales, estéticas…Finalmente, se acabo esta guerra con la expulsión de esta
compañía de París. Lo que provocó esto fue que una parte del público prefería
espectaculos de carácter más popular. De la “Vaudeville” que significaba “del pueblo”
y se basaba en canciones de tradición popular, derivará la “Ópera Comique”, que fue
una ópera que mantiene en cuanto a personajes la idea de los italianos y que se califica
como ópera cómica pero que no tiene recitativos. Poco a poco, la ópera francesa
también se irá refinando cada vez más. A finales del siglo XVIII, nos encontramos con la
“Ópera Rescate”, que será la evolución de esta “ópera comique”, con caracterísitcas
románticas y temas de rescates.

Inglaterra

La “Ballad-Opera” es la ópera nacional inglesa. Haendel será el máximo representante.

Compone óperas con texto italiano y características italianas. En un momento, surge
una sátira de la ópera italiana que será esta “ballad-opera”. La obra “The Beggar’s
Opera” produjo un cambio para que la gente ya no quisiera tanto el estilo italiano.
Surge de melodias populares de transmisión oral igual que el “Vaudeville”. Ersonajes
son prostitutas, ladrones, estratos marginales… con un carácter crítico. La moraleja de
esta ópera es denuncia de la corrupción y valorar también la estratos más marginales.

CLASICISMO
La expresión clásica suele utilizarse para dividir en dos grandes categorías la música
“clásica” y “popular”. Hace referencia a la música del periodo que se extendió
aproximadamente desde las últimas décadas del siglo XVIII hasta las primeras décadas
del siglo XIX. Incluye los trabajos de Haydn y Mozart y algunas obras de Beethoven.

Características:

● Textura más ligera y clara, menos complicada que la música del Barroco.
Tendencia general a la homofonía sin olvidar el contrapunto
● Se da importancia a la proporción, moderación y control; música de carácter
pulida y elegante con equilibrio perfecto entre expresividad y estrucutra formal
● Gracia y belleza de las líneas melódicas, definidas por contornos claros y
regulares
● Los compositores clásicos utilizan variedad de contrastes melódicos, rítmicos,
tonales, dinámicos, de timbre y de carácter que los del Barroco, quiene habían
procurado que una pieza se mantuviera dentro de una misma atmósfera desde
el comienzo hasta el final
● La orquesta crece, plantilla estable, aumentando las cuerdas e incorporándose
el clarinete y percusión. El continuo del teclado cae en desuso.
● El piano reemplaza al clave por tener más capcidad expresiva; la textura de las
primeras obras para piano es ligera, pero poco a poco se enriqueze y
profundiza hasta adquirir mayor potencia y sonoridad (piano orquestal)
● Predominio de la música instrumental: sonata, sinfonía, concierto, cuarteto de
cuerda y obras de “esparcimiento” como el divertimento y la serenata
(ejecutadas al aire libre a menudo)
● Las principales obras vocales fueron misas y óperas
● La forma sonata constituye una innovación en la estructura formal, de
inspiración dramática, y se utiliza siempre para formar el primer movimiento de
todas estas obras.

● La música clásica abandona las características del Barroco gracias a unas

características de sentimiento. Se crea un código. Hay música instrumental
pero siempre ligado a la músia vocal (teatro lírico)
● Asemanticidad: La música se convierte en semántica. No hay definición exacta,
pero es la utilización de los sonidos propios (recursos). Lo aprecian los
románticos. La música se separa de la voz y es capaz de expresar por si misma
(instrumentos) lo que representa la obra
● Forma sonata: la música es imitación. La forma sonata va a proporcionar que
salgan otros estilos (conciertos). Estos coinciden con la génesis de la forma
sonata. Tienen una función social y cualquier que pueda permitirse pagar la
entrada puede ir a verlos.
HAYDN
Es el iniciador del clasicismo vienés. Mozart lo consolida.

-Elementos del s. XVIII nuevos: unir los elementos y fundirlos de forma equilibrada.
Simetria-proporción. Se refleja la ilustración y su optimismo

-Es el padre de la sinfonía, del cuarteto de cuerda y la sonata por la calidad y

productividad

-Estilo: Suma de gracia galante y de la inquietud preromántica (estilo

sentimental/expresivo) que aún se estaba desarrollando. Fecunda la caracterización
temática. No hay contraste de tiempo. Variaciones de células motivicas. Su sonata es
monotemática. Floreos, temas inacabados, repeticiones de nunca acabar, falsa
recapitulación.

-Catalogación de sus obras: Estuvo siempre sobre el sistema de patronazgo. La

catalogación se hizo en 1950 por Anthony Haboquen (Hob, + un número romano que
significa algo). Posteriormente, lo hizo Landon pero no se utiliza su atalogación.

-En 1750, es despedido de la catedral de San Esteban como niño del coro, pero
consigue trabajo dado por el con Morzin en su orquesta. Por problemas económicos
esta orquesta se disuelve y se queda sin trabajo.

-“Dies Griesinger”: Libro alemán que relata las conversaciones de haydn. Hace poco se
edito en castellano.

-En 1760 el principe Esterhazy le contrata como maestro de su capilla. Es el encargado

de componer, guardar partituras, cuidar instrumentos y atender a los músicos. Paul
Esterhazy es quien le hace el contrato, después trabajará para Nicolás y Anton
Esterhazy. Será en este momento cuando desarrollará su creación muscial. Los
Esterhazy le dan libertad, incluso viaja a Londres.

-Antes de trabajar para el rey, sus obras no tenían una estructura clásica definida

Sinfonias

● El número de sinfonias no es seguro

● De forma gradual se ve una consolidación en sus sinfonias
 ● El romanticismo no valorará a Haydn. Uno de los motivos es porque sus
sinfonias no son dramáticas, gradilocuentes, expresivas… Dicen que son puro
entretenimiento, ligeras, joviales y ingeniosas, aunque no es así.
● Las primeras sinfonias (hasta 1760) aún tienen muchos rasgos del barroco,
orquestación con forma galante (trio-sonata). Es un periodo de transición
barroco-clasicismo.
● Cuando trabaja para los Esterhazy se encuentra con una orquesta virtuosa y
amplia que son capaces de interpretar sus miembros varios instrumentos.
● Aquí empieza a experimentar y consolidarse la sinfonia.
● Gran creación musical a causa de sus encargos
● Las sinfonias tendrán cuatro movimientos, ya sin casi rasgos galantes. El presto
final será ingenioso. (allegro-andante-minuet-presto)
● En algunas sinfonias da papeles de solista para mostrarle al principe que posee
grandes músicos, y también para alabar al instrumentista otorgándole partes
solistas.
● Los instrumentos determinantes serán el violin y el cello
● Después se influenciará por el estilo sentimental. Muestra una técnica más
madura y compleja que anticipa el romanticismo. Usará el modo menor, temas
expuestos, uso de contrapunto, armonía compleja y desarrollo más complejo y
largo. Esto le supose grandes críticas, porque era un estilo que no se
comprendia. Decide por tanto, volver a un estilo más alegre con modos
mayores para ser más conocido y que se entendiera mejor.
● En este punto (1780-90) la sinfonia clásica alcanza su plenitud y consolidación.
Tienen ya cuatro movimientos y se inician con una introducción lenta.
● A estas alturas, Haydn es muy conocido y tiene amistad con Nicolás Esterhazy.
● Casi todas sus sinfonias llevan nombres añadidos por caracteristica o
circunstancia aunque no fueron nombradas así por el propio Haydn. La sinfonía
“oxford” se llama así porque al llegar a Londres se le titula doctor honoris causa
en Oxford y en esa ceremonia se interpreto esa sinfonia.
● Recibia encargos del extranjero por instituciones o particulares. Por ejemplo,
un conde francés le encarga la sinfonía “Oxford”
● Los cliches de la escuela Mannheim ya quedaban como antiguos.
● En 1790 muere Nicolas y queda liberado un poco de sus trabajos por eso
Salomón le ofrece la posibilidad de ir a Londres a estrenar sus sinfonías. Supone
la culminación de sus sinfonias
● Las 12 últimas que son las sinfonias Londres será el punto de partida de las de
Beethoven.
● Los minuetos en realidad son Scherzos
● El clarinete ya se introduce en la orquesta

Cuartetos de cuerda
 ● En sus inicios se vio como un revolucionario porque los cuatro instrumentos
poseen individualidad e importancia, contrasta con la idea de trio sonata.
● La sinfonía era el género mayoritario, en cambio, el cuarteto era para un grupo
más restringido, concretamente para gente que entendía de música
● Goethe lo definió como “compensación entre cuatro personas civilizadas”, por
ser un diálogo tranquilo. Su originalidad reside en que es un estilo que da
individualidad a todas las partes gracias a la práctica contrapuntística
● En 1781, los cuartetos eran ya definidos como una forma clásica
● Los opus eran una agrupación de 3 a 6 cuartetos
● Durante 1760 y 1770 la definición del género: el cello tenía más individualidad.
En el op. 17 el violín tuvo más protagonismo
● En el op. 20 ya se observa la forma definida totalmente. Los cuatro
instrumentos poseen personalidad. Importancia del contrapunto. Las partes de
la sonata estaban equilibradas, con igual duración pero también con la
presencia de la falsa recapitulación muy característica de Haydn para llamar la
atención
● El op. 33 es importante ya que son obras de gran importancia histórica. Se
califican ya como cuartetos, antes se denominaban serenatas por ejemplo. El
scherzo se sustituye por el minueto.
● Mozart estará posteriormente influido por Haydn. Incluso los primeros
cuartetos que compone se los dedica a Haydn
● El op. 50 son los “cuartetos prusianos”
● El op. 64 coinciden con su viaje a Londres y fueron interpretados allí
● Los cuartetos del último periodo (op. 66, por ejemplo) son famosos porque el
primero de ellos hace una cita a la marcha de los sacerdotes de la “Flauta
Mágica” en memoria de la muerte de Mozart
● El nº 3, segundo movimiento son variaciones dedicadas al emperador, por eso
se llama el cuarteto del “Emperador”. Primero sería el himno austriaco y
posteriormente el himno alemán.
● Haydn nunca abandonó el carácter de danza popular que era lo que escuchaba
de niño

Oratorios

● Cultivo todos los géneros a causa de sus encargos entre ellos el Oratorio y la
Misa
● Los Oratorios impactaron, entre ellos el de la “Creación” y el de “Las
Estaciones”
● Al volver a Viena tras su estancia en Londres ya no escribe más sinfonías
 ● Al asistir a la conmemoración de Haendel aprendió el planteamiento del
oratorio inglés. La forma era más libres y completa, elementos más variados,
importante aportación de la orquesta, contrapunto y un vocalismo virtuoso que
en comparación con el oratorio italiano.
● El oratorio describía imágenes según un argumento
● “La Creación” posee el argumento del “Paraiso Pérdido” de John Milton. La
obertura representa el caos, Haydn sabe ejemplificar mediante instrumentos
esto.
● En “Las Estaciones” describe las estaciones y la vida campesina.
Sonata

● Sus sonatas son una contribución esencial para el piano

● Estudió las sonatas de Carl Philippe Emanuel Bach
● Supo aportar si ingenio y crear un arquetipo esencial en la Historia de la Música
Compuso tanto ópera seria como bufa aunque no es el género por el cual resalta. Los
últimos años de su vida fue testigo de transformaciones políticas como la Revolución
Francesa. El se encontraba cómodo en el Antiguo Régimen, por eso, se mantuvo fiel a
lo que representaba la idea de monarquia absoluta. En 1809 murió.

CONCIERTO PÚBLICO
En el siglo XVII la vida musical iba dirigida a un público restringido, como era el caso de
la Corte. Solo accidentalmente el pueblo podía escuchar esta música. El teatro de
ópera fue de los primeros géneros de un público mayoritario. En Alemania existían los
“Collegium Musicum”, que eran asociaciones donde los estudiantes se reunían,
aunque no hubieran oyentes, eran los estudiantes quien interpretaban su música entre
ellos. En Italia estaban las “academias” que eran lo mismo. En Inglaterra se produce
una excepción a lo que ocurre en Europa, existen salas con interés de explotación
comercial. Son salas que se alquilan y organizan esos conciertos.

En el sigo XVIII, En Paris (1725) se establecen las primeras instituciones de concierto

público. Lo establece Philidor y se conocían como “Concert Espirituel”. Harán que se
produzca un crecimiento mayor del concierto público y afecta tanto a la cultura como
al estatus social del compositor. En Francia, todo funcionaba por monopolios y esto
continúa hasta la Revolución Francesa. Philidor consigue un privilegio ara realizar
conciertos cuando la ópera no es adecuada, entonces él consigue el permiso para
cuando no se hacen óperas pueda hacer estos conciertos “Concert Espirituel” que
tienen un carácter religioso, la música era casi toda vocal como motetes. Poco a poco,
se va introduciendo música vocal profana como arias y música instrumental como
conciertos solistas. El Concert Espirituel, acabará siendo un lugar donde se interpreta
música instrumental. La traducción más exacta es “concierto de música sagrada”.

En Inglaterra: Se produjo un gran desarrollo del concierto público en Londres, más que
en Francia por no tener monopolios, son iniciativas privadas. Se hacían en residencias
privadas, pubs, tabernas… En el siglo XVIII comienzan a ser estables. “The Crown and
the Anchor” será una sede de una sociedad de música (Academy of Ancient Music).
Son conciertos pensados con idea comercial. Tendrán gran repercusión para músicos y
compositores. Por eso, hay una relación entre el desarrollo de la sinfonía y el concierto
público.

A partir de este momento, la popularidad de estos conciertos crecerá. A mitad del

siglo, estan los conciertos “Bach/Abel”. Son ellos quienes crearán un ciclo de
conciertos qie se extienden casi hasta fin de siglo. Charles Burney menciona que se
decantaban más por sus composiciones propias. La Academy of Ancient Music, es un
adelanto a la corriente romanticista ya que prohiben tocar algo con menos de 20 años
de antigüedad. En Francia, estan los conciertos “Des Amateurs” nublaron un poco la
importancia del “Concert Espirituel”. La orquesta era llamativa, cualificada y raramente
vista en la época.