Historia Barroco

Historia y análisis del Barroco
01/02/23
Finales del siglo XVI hasta la mitad del siglo XVIII (1750 con la muerte de Bach)
o 4 reseñas de conciertos presenciales

o Tareas selladas
o Buscar festivales y conciertos barrocos
o Audiciones
Bibliografía más importante
Bukofzer – La música en la época barroca. De Monteverdi a Bach.
Hill – La música barroca.
Heller – La música en el Barroco.
López Cano- Música y Retórica en el Barroco.
TEMA 1 – BARROCO EN MÚSICA: CONCEPTO. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: MONODIA

ACOMPAÑADA. EL BAJO CONTINUO COMO ELEMENTO UNIFICADOR. LA CAMERATA DE LOS
BARDI Y TEORÍA DE LOS AFECTOS
¿De dónde viene la palabra barroco? Proviene de la palabra “berrueco” que significa “perla mal
tallada”. Primero iba dirigido a las obras plásticas. En el siglo XIX se le empezó a considerar como
algo extravagante, recargado, decadencia, bastardo degenerado del Renacimiento…
Rosseau la define como una música confusa, recargada, con muchas modulaciones, disonancias,
poco natural… A veces decimos que algo confuso es algo “barroco”.
A nivel geográfico en España se asientan diferentes culturas, siendo prácticamente el reino más
grande del mundo. En Francia, Luis XIV se asienta como el rey sol. La iglesia pierde fuerza en el
mecenazgo cultural, ahora son las cortes las que tienen el mayor poder cultural gracias al
mecenazgo de artistas. Literatos muy importantes son Góngora, Quevedo, Tirso de Molina,
Calderón de la Barca, Lope de Vega, Shakespeare… Pintores como Murillo, Velázquez, Rubens,
Rembrandt… Filósofos como Descartes y Pascal.
Según Bukofzer, existen 3 fases:
o 1580/1630: BARROCO TEMPRANO (Italia)

o 1630/1680: BARROCO MEDIO (Francia) Centralización por parte del rey, controlando la
cultura.
o 1680/1730(50): BARROCO TARDÍO (Alemania)
Durante las dos primeras etapas se buscan crear estilos nacionales, que sean identitarios de cada
país, pero al final del Barroco se crea una fusión de los estilos de los diferentes países.
Centros geográficos
• La música estuvo dominada por ideas italianas: Península itálica, zonas gobernadas por
España y Austria + Estados Pontificios y algunos estados independientes.
• Centros geográficos del s. XVII: Venecia, Roma (música Sacra), Florencia (Comienzos del
s. XVIII) y Nápoles (s. XVIII).
• En los demás países europeos: en la década de 1630 Francia empieza a desarrollar un
estilo musical nacional. En Alemania la cultura musical estaba muy debilitada desde el
XVI, avasallada por la guerra de 30 años (1618-1648), pero resurge a pesar de su
desunión política en las generaciones siguientes: J.S. Bach
• En Inglaterra, las glorias de los períodos isabelino y jacobino que se esfuman con la
llegada del Commonwealth (1642-60), resurgen a fines del siglo.
Desarrollo y asentamiento
o Surgen las Barras de compases como manera de separar y ubicar la música como
método de organización, es un parámetro espacial. Con el paso de los años, se convierte
en un parámetro compositivo.
o El bajo continuo se instaura en Italia con el fin de entender qué dice el texto, debido a
que la polifonía cada vez se complica más. Acompaña a la melodía. Es una forma
compositiva. Tiene la misma función del tenor, estará hecha por un instrumento
armónico, de tecla como el clave, el órgano, el clavecín, el clavicordio, etc. Junto con
instrumentos que refuercen el timbre grave. Funciona como la base o pilar. El
continuista era antes lo que entendemos como director, ya que este dirigía los grupos
barrocos.
o Es la era de esplendor de la Retórica y de la Teoría de los Afectos.
Una habitación pequeña en Italia se traduce como “camera”
“CAMERATA BARDI” O “FIORENTINA”
Se trata de un grupo de intelectuales que se interesan por saber que le ha pasado a la música
actual, la cual está corrompida. Desde 1573 (la primera se tiene noticia fue el 14 de enero) hasta
fines de los años 80. La polifonía se había hecho tan compleja que el texto no se entendía
prácticamente nada. Es una reunión de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de
Florencia. Se encargaban de discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente en la
música y el drama. Quieren regresar a lo más puro, a la época clásica. Piensan que en el teatro
grecorromano alguien recita la letra y alguien lo acompaña con una lira, idea que no es cierta.
Autores:
o Giulio Caccini y Francesca Caccini

o Pietro y Barbara Strozzi
o Vicenzo Galilei
o Alessandro Striggio
o Rinuccini
o Etc.
Los autores se han excedido con el contrapunto, este hace que los oídos se confundan. La música
va a reforzar el sentido del texto, para persuadir y mover el afecto del público, este se convierte
en un elemento importante. La música va a estar construida como un discurso, por lo que se ve
influenciado por las leyes de la retórica y de la teoría de los afectos.
La Retórica:
Docere, Delectare (que haya disfrute y gozo), Movere (mover afectos, humores, racional)
Pretende crear sentimientos en las personas.

o Inventio: yo recojo de mi realidad varias ideas y a partir de ahí invento
o Dispositio: la distribución de esas ideas. La primera parte es la del exordio, luego la
narratio, posteriormente la propositio, después la confirmación y finalmente la
confutatio.
o Elocutio: la parte donde ese discurso es verbalizado
o Pronunciatio: todo lo ensayado toma forma delante de un público
Descartes en su obra “Las pasiones del alma” es dónde mejor encontramos la teoría de los
afectos y toda la retórica explicada ahora.
La música tiene funcionalidad, está hecha siempre para algo: comunicaciones, misas, bautizos,
entretener al mecenas, etc. No se hace por hacer.
15/02/23
Muchos teóricos como Descartes aseguraban que cuando recibimos un estímulo, estos espíritus
animales recorren el cuerpo hasta el cerebro, donde se encuentra el alma, en la glándula pinidial.
Esto es lo que nos crea las pasiones y los afectos.
Los teóricos tenían una lista con todas las sensaciones que representaban cada tonalidad
(Código de los afectos).
ÓPERA en italiano es “trabajo”.
EL ORFEO DE MONTEVERDI (TEMA 1)
Favola in música
La figura del director musical no existía en esta época, ya que este cargo no aparece hasta el
siglo XIX. El que seguramente dirigiría sería un clavecinista, ya que la cantidad de personas no
eran las mismas que en las orquestas actuales.
Contexto
Los últimos años del siglo XVI y los primeros del XVII: situación política. Destacan ciudades como
Venecia, Mantua y Florencia por su riqueza.
Los teatros del siglo XVII parecían un teatro dentro de un teatro.
Como antecedente del Orfeo tenemos:
o La Camerata Bardi, los cuáles buscaban el entendimiento del texto en la música.

o La aparición del Primer Drama en Música: Euridice de Jacopo Peri.
o Bodas de Enrique IV y María de Medicis: encuentro de la Euridice de Peri y el Orfeo de
Monteverdi. El duque de Mantua acudió a la boda, escucha este drama y busca lo mismo
para su ducado, le pide a Alessandro Striggio el libreto para Monteverdi, ya que este
trabajaba para el duque.
Claudio Monteverdi
Nace en Cremona (donde se hacen los mejores arcos para cuerdas y con una gran cantidad de
luthiers). Después de haber estado por diferentes partes de Europa, regresa a Italia y se
convierte en el maestro de capilla del Duque de Mantua. Estará en Venecia hasta su muerte.
Está formado en todo este contrapunto renacentista o convencional o franco flamenco, basa sus
estudios en Palestrina, en Zarlino o Desprez. Hasta él, habían llegado las nuevas modas que se
daban en la Camerata Bardi. Tiene 4 libros de madrigales, en los cuales se ve el uso del
contrapunto muy convencional. En el 5º libro es donde se ven los primeros cambios.
“Cruda Amarilli” – el madrigal donde se lamenta lo mala que es Amarillia con él. Musicaliza varias
palabras, jugando con la figuración.
En el 8º libro introduce el bajo continuo, representando el estilo recitativo y concitado, muy

característico de Monteverdi.
Controversia Artusi/Monteverdi
• Ensayo de Giovanni Maria Artusi (1545?- 1613): L’Artusi overo delle imperfettioni della
Música moderna.
• Vs. innovaciones estilísticas de ciertos músicos de su época, especialmente ma-

drigalistas, con alusiones evidentes a Gesualdo y a Monteverdi
• Siguen el sentido y no la razón
Artusi le acusará de degeneración. Monteverdi aun así defenderá su estilo y práctica. Se le

denominará SEGUNDA PRÁCTICA O SECONDA PRATTICA. Todo lo que hace Monteverdi lo hace
con el fin de representar los afectos mediante la música. Los madrigalismos serán esas técnicas
que se usarán para demostrar sentimientos.
Atrevimientos armónicos de Monteverdi, visibles en los Madrigales cuarto y quinto libros:
• “Retrasos disonantes”
• Pasajes cromáticos
• Modulaciones y acordes de nuevo carácter
• Uso de la séptima y novena dominante sin preparación
➢ Stile concitato
➢ Stile concertato
➢ Liberación de la disonancia
➢ Monteverdi retoma a todos los medios expresivos tradicionales y nuevos. Los organiza
al servicio de la lógica dramática
Monteverdi y el melodramma
Tiene varios melodramas:
• La favola de Orfeo
• Il ritorno de Ulisse en Patria
• L inocronazione di Poppea
Orfeo de Monteverdi
(contexto de la historia de Orfeo y Euridice)
Se mezclan: el poema y el canto, lo divino y lo humano, la fuerza y la duda, la felicidad y la

desesperación absoluta. Mito del semi dios que se enfrenta a los infiernos para encontrar y
recuperar a su mujer perdida. Striggio es el libretista. Existen varias diferencias con el mito
original.
Estructura de la ópera 1 prólogo + 5 actos
• Toccata (Fanfarria) inicial - Un prólogo +5 actos. Cada acto: alrededor de una escena
central.
• 1 er acto: Primer canto de Orfeo es un recitativo que evoluciona rápidamente hacia el

arioso: “Rosa del ciel, vita del mondo”, himno a Apolo y al amor
• 2º acto: la irrupción de la mensajera y su relato. Canción estrófica puntuada por ritornelli

(“Vi ricorda, o boschi ombrosi”). Para los recitativi el órgano di legno y el chitarrone
acompañan (tras el efecto extraordinario del “è morta” sobre una tercera descendente)
• 3er acto: aria de seducción de Orfeo el modelo del canto monteverdiano “Possente
Spirto”
• 4ºacto: la escena del regreso: Orfeo se da la vuelta, ve a Eurídice, otro breve silencio, y
el grito punzante (ruptura armónica) acompañado por el regreso de los instrumentos.
Breve intervención de Eurídice, desgarradora (encadenamiento armónico en torno a las
palabras “vista troppo dolce”
• 5º acto: Al comienzo figura otro ornamento del canto monteverdiano, el aria con eco.
la ascención de Orfeo y Apolo.
Coros y sinfonías: motores del drama
• Coros (tragedias griegas): declamación cantada
Comentan y a veces anuncian sutilmente peripecias futuras
• Los ritornelli y sinfonías orquestales cumplen un papel esencial como comentario y

elemento auxiliar del drama.
En el acto III por ejemplo, los breves ritornellos refuerzan no sólo su vocalidad de Orfeo sino
también sus sentimientos: primero, violines para la invocación de la divinidad, cornetas tras la
evocación de la muerte, y arpa cuando se acaba de mencionar a Eurídice.
Los coros son los que comentan lo que está pasando, critican acciones, hacen sus suposiciones.
Muchas partes de las partituras se perdieron. La primera vez que se reconstruyó fue en los años
70 del siglo pasado fue a manos de Nikolaus Harnoncourt, el cual hizo un gran trabajo
musicológico para recuperar los fragmentos perdidos y recomponerlos. Tiene un libro muy
importante llamado “El discurso musical”. Otro estudioso importante es Gustav Leonhardt,
muchas veces trabajaban juntos.
Orquesta
• Preciso al comienzo, pero no indica siempre qué instrumentos deben tocar en cada
momento.
• La lista inicial parece estar está incompleta.
• 2+1 grupos de instrumentos:
1. cornetas, trombones y regal para los Infiernos;
2. violines, clavecines, laúdes y flautas para las escenas pastoriles.

3. Trompetas y percusión para la fanfarria inicial.
• Los coros pastoriles son mixtos, mientras los coros infernales se asignan exclusivamente
a los timbres oscuros de los hombres
8/2/23
CLASES CON GERMÁN
En el Renacimiento hay una uniformidad en la estructura musical que en el barroco ya no es así.
Prima práctica (Práctica antigua) ➢➢ polifonía
En el Barroco se sigue cultivando, sobre todo en el ámbito religioso, pero encontramos una
práctica mucho más libre, no propia de la iglesia. Un ejemplo de esto es Monteverdi.
Hay 3 estilos:
o Música para el teatro, como la ópera.

o Música para la iglesia.
o Música de cámara (doméstica)
La música del renacimiento es prácticamente toda es vocal. No hay un empeño en destacar el

significado de cada palabra, el sentido de las oraciones. La letra sí se intenta representar, pero
no se lleva al extremo como en el barroco. En el Barroco hay un intento constante de intentar
representar afectivamente lo que está diciendo la letra. Nos cuentan historias tanto textual
como musicalmente.
Cada voz tiene su melodía, su camino, etc. En el Barroco no tanto existe una polaridad, no se
busca el equilibrio de voces. Quieren marcar un bajo y unas melodías con grandes distancias.
No se busca que sea bonito, busca que sea expresivo. Por lo que no hay equilibrio entre las
voces.
Autores barrocos: Bach, Purcell, Telemann, Vivaldi, Monteverdi…
(Hemos visto partituras 1 de monteverdi, 1 de gesualdo, un trio)
En el Renacimiento la melodía es diatónica (sólo se utilizan las notas de la escala) y en un ámbito

pequeño. Muy pocas veces se utilizan alteraciones accidentales, predominan los modos.
En el Barroco la melodía sigue siendo diatónica pero ya con más cromatismos y con un mayor
ámbito.
El Contrapunto modal y el Contrapunto tonal.
La tonalidad es un sistema que depende de un acorde (tónica) y en torno a este se forma la

música, junto con una dominante. En el sistema modal hay tónica pero no hay dominante, no se
genera la tensión.
9/2/23
Ostinato: motivo rítmico que se repite constante.
Movimiento perpetuo (Perpetum Mobile): una composición caracterizaba por una figura rítmica
que se repite. Es un recurso del lenguaje musical utilizado sobre todo en el último barroco
(s.xviii). Posteriormente se utilizará de manera más puntual en algunas composiciones.
Riff: similar al ostinato pero melódico.
Fuga
Es una composición escrita a varias voces basada en un tema que reaparece de diferentes
maneras. Se va presentando en las voces de manera sucesiva y luego de manera libre. Al
principio, el tema aparece en cada una de las voces sucesivamente. El tema es lo primero que
se oye, sin ningún tipo de acompañamiento. El primer tema que se expone es el Sujeto y siempre
es exactamente igual, el resto se denominan Respuestas.
Hay una sección que aparece siempre, la exposición, es la primera sección hasta que hemos
escuchado el tema en cada una de sus voces.
22/2/23
TEMA 2: MÚSICA INSTRUMENTAL DEL BARROCO
Generalidades
o Contrapunto
o Cromatismo: al principio experimental. Con esto buscan la expresión del texto y del
dolor.
o Sistema armónico tonal: poco a poco.
o Bajo continuo: nuevo ideal sonoro. Esta herramienta es la base de toda la composición
musical.
o Partitura/Compás/Nombre del instrumento : Se normaliza cada vez más el hecho de
tener partituras completas, indicar los instrumentos a los que va dirigido la partitura. A
veces los indicaban y otras veces indicaban la tesitura de la voz (soprano alto tenor y
bajo). Cada instrumento también tiene su particella. En un principio tampoco existía la
barra de compás, sobre todo en las obras de contrapunto, pero poco a poco se va a
introducir.
o Creación de lenguaje instrumental propio, primero acompañando a la voz, luego
sustituyéndola. El compositor escribe acorde al carácter de los instrumentos, ej:
acompañar una melodía -> uso de flauta o violín.
o El crecimiento de las salas para amplificar el sonido. Esto hizo que instrumentos que no
tuvieran una gran amplitud sonora perdieran importancia a lo largo del tiempo como la
viola da gamba, la flauta de pico o el clave.
o Castrati en España: caspone
BAJO CONTINUO
Desde el siglo XVII hasta Mozart
Técnica de composición, improvisación y ejecución característica del barroco. Uno o varios

instrumentos armónicos más unos varios instrumentos melódicos.
o SIN CIFRA: comenzó sin cifrado

o CON CIFRA (BAJO CIFRADO-MÁS TARDE)
Lo suele instrumentar un clave, un laúd o un órgano, para reforzar se le añade un instrumento

más melódico como un fagot o un violone.
FORMAS IMPROVISATORIAS
O que suenan como improvisaciones escritas. Muchas de ellas ya están pensadas como firmas
independientes. Solían estar orientadas a instrumentos de estilo libre como los de tecla o cuerda
pulsada a solo.
• Toccatta: forma improvisatoria de secciones de carácter libre, sensación de estar

improvisando para cuerda pulsada o tecla.
• Ricercare: al principio del siglo XVII es una composición seria, breve, para tecla, en la
que se desarrolla continuamente la imitación. Más contrapunto imitativo en general,
muy continuo. También se van a ver no solo en instrumentos armónicos, como el
corneto, flauta de pico, violín, etc. Están siempre buscar intercalar la tonalidad y la
modalidad.
• Fantasía: organización más compleja que el ricercare. El sujto permanece relativamente
inalterado (aunque a veces está en aumentación o disminución), combinado en
diferentes secciones con contrasujetos parecido a la tocata. Exclusivamente
instrumental.
En Inglaterra siguen muy presentes las familias de instrumentos como las de viola de gamba.
FORMAS BASADAS EN LO VOCAL
o Canzona: contrapunto imitativo dividido en secciones, va a ser el germen de lo que

después será la sonata. Basado en una canción, de ahí el nombre. A veces mezcla de
otros estilos.
1/3/23
La impresión era cara en la época, por lo que se optaban más por libros recopilatorios de
partituras
Variaciones: la melodía podía repetirse con pocos o ningún cambio, trasladarse de una voz a
otra y estar rodeado de diverso material contrapuntístico en cada variación: Virginaistas
ingleses, Sweelinck y Scheidt. La propia melodía podía ser diferentemente ornamentada para
cada variación. Por regla general. Permanecía en la voz superior y las armonías permanecían
inalteradas en esencia. El facto constante es el bajo continuo o la estructura armónica.
FORMAS BASADAS EN UN BASSO OSTINATO
• Passamezzo
• Pasacaglia
• Ciaccona
• Folia
SONATA (CANZONA)
Sonata cuando eran 1 o 2 instrumentos y Canzona cuando eran más, aunque hay un punto en el
que no hay diferencia entre ellos. Se trata de uno o dos instrumentos melódicos y bajo continuo.
La auténtica canzona para conjunto tenía 4 voces y a veces era sin Bajo Continuo. Las sonatas se
escriben cada vez más para un instrumento en particular. Contrapunto que no está dividido en
movimientos, sólo en el Barroco Temprano. Más adelante se irá dividiendo
Normalmente se toma la misma pulsación en toda la obra, no suele haber cambio de compás.
¿Cómo sabían a qué tempo interpretar?

Cuando en el bajo continuo la armonía es más compleja, significa que el tempo es más lento.
Con la negrura de la partitura, por ejemplo, si en la primera parte hay blancas, más lento, si hay
semicorcheas se refiere a ir más rápida.
MÚSICA DE DANZA
❖ Suite
La concepción de la suite en cuanto a entidad musical como una sola composición en
varios movimientos antes que una mera sucesión de piezas breves fue una contribución
alemana. En Francia, el gran logro de comienzos y mediados del XVII fue establecer un
lenguaje y un estilo característico para cada una de las danzas. La mayor parte de las
Suites francesas no fueran hechas para un conjunto sino para un instrumento solista:
laúd, clave y viola da gamba. Posteriormente se expande a otros instrumentos. Se van
haciendo muy regulares las danzas, lo compositores ya sabían que numero de
compases, que figuras características, que tempo, etc. Se van intercalando el
movimiento lento con los rápidos.
SONATAS/CONCERTI – Final del siglo XVII/PRINCIPIO DEL S.XVIII
Sonatas
• Italia: instrumentos de cuerda.

• Constructores de violines de Cremona, en el norte de Italia: Nicoló Amati, Antonio
Stradivari y Giuseppe Batolomeo Guarnieri.
• Desde finales del s.XVI en Venecia: Sonatas como piezas de forma libre, piezas de música
instrumental.
• Música para ser “sonada” (o “tocada”) vs Cantata “música para ser cantada.”
2 tipos de sonata:
➢ La sonata da camera (de cámera): un preludio o introducción + dos, tres o cuatro

movimientos normalmente emparentados con aires de danza.
➢ La sonata da Chiesa (de iglesia) hecha para ser escuchada en la Iglesia: 4 movimientos
“abstractos”, en el esquema lento-rápido-lento-rápido (movimientos rápidos
contrapunto imitativo (fugada)). Se suele utilizar más el órgano que el clave.
➢ A veces: uno o más movimientos que utilizaban ritmos de danza o formas binarias,
aunque por lo general no llevaban títulos de danza.
2 tipos de instrumentación:
• Trío Sonata: la instrumentación más común a partir de 1670 en ambas sonatas, da

cámara y da chiesa: 2 instrumentos agudos, por lo general violines + BC.
• Las sonatas a solo, para violín, oboe o flauta con bajo continuo. Fueron en principio en
un principio menos numerosas que las sonatas en tríos, aunque adquirieron mayor
popularidad después de 1700. Corelli es el que asienta las sonatas.
ARCANGELO CORELLI
• Corelli no compone música vocal; se conservan solamente menos de noventa obras,
sonatas en trío, sonatas para violín solo y concerti grossi.
• Obras principales: 6 colecciones publicadas. op. 1 (1681), 12 sonatas en trío (sonate da

chiesa); op. 2 (1685), 12 sonate da camera (una es una chaconne); op. 3 (1689), 12
sonate da chiesa en trío; op. 4 (1695), 12 sonate da camera; op. 5 (1700), 12 sonatas
para violín solo; op. 6 (1714), 12 concerti grossi; otras 6 sonatas en trío y 3 cuartetos
para tres instrumentos y bajo continuo.
Concerto
• Hacia finales del siglo XVII: Distinción entre música para conjunto de cámara (un único
instrumento por cada línea melódica), y música para orquesta (cada parte de las cuerdas
es interpretada por dos o más intérpretes)
• El concerto grosso utilizaba un conjunto pequeño (concertino) de instrumentos solistas

frente a un conjunto grande (concerto grosso).
• el concierto a solo (concierto para instrumento solista), un único instrumento, casi

siempre un violín, originaba el contraste con el conjunto grande.
El grupo más grande o concerto grosso:
• Orquesta de cuerda: violines primeros y segundos, violas y violonchelos, con bajo

continuo y bajo de viola, que doblaba a los violonchelos o tocaba por separado. En un
concertoo grosso, el concertino constaba por lo general de dos violines, acompañados
por el violonchelo y el continuo
• Tanto en el concierto para instrumento solista como en el concertoo grosso, la orquesta

al completo se denominaba tutti (todos) o ripieno (lleno).
ANTONIO VIVALDI
Obras principales: Alrededor de 500 conciertos (incluidas Las cuatro estaciones), 16 sinfonías,
64 sonatas a solo, 27 sonatas en trío, 21 óperas conservadas, 38 cantatas y cerca de 60 obras
vocales sacras.
Nacido en Venecia, el mayor de nueve hijos de un violinista de san Marcos, Vivaldi se formó para
la música y para el sacerdocio, una combinación nada inusual en la época. Debido al hecho de
ser pelirrojo, fue conocido como il prete rosso (el sacerdote rojo).
Orquesta de L’Ospedale de la Pietà
• L’Ospedale de la Pietà: Convento, orfanato y escuela de música
• Orquesta femenina
• 20-25 instrumentos de cuerda, con un clave o un órgano en el continuo.
• Las cuerdas estaban divididas, en violines I y II, violas, violonchelos y bajos de viola (que
por lo general doblaban a los violonchelos). ́
• A veces también flautas, oboes, fagotes o trompas, cualquiera de los cuales podía usarse
como instrumento solista o dentro del conjunto.
Concerto
3 movimientos (introducido por Albinoni):
• un movimiento rápido inicial
• un movimiento lento en la misma tonalidad o en una relacionada (relativo menor,

dominante o subdominante)
• y un movimiento rápido final en la tónica, a menudo más breve y vivaz que el primero.
Forma Ritornello
Pasaje orquestal recurrente que se interpretaba al principio y al final del movimiento y se

intercalaba entre los solos con episodios del solista o de los solistas.
El ritornello inicial está compuesto de varias unidades pequeñas, por lo general de una longitud
de dos a cuatro compases, algunas de las cuales pueden repetirse o variarse. Estos segmentos
pueden separarse uno del otro o combinarse de nuevas maneras sin perder su identidad como
ritornello.
Las posteriores apariciones del ritornello son generalmente parciales, comprendiendo

únicamente una o más de las unidades, en ocasiones variadas.
Los episodios solistas o “solo” se caracterizan por el virtuosismo y la interpretación idiomática;

repiten o varían elementos del ritornello, exponen escalas, arpegios etc.. Muchos episodios
modulan a una tonalidad nueva, que se ve confirmada por el siguiente ritornello. Algunas veces
el solista interrumpe o toca alguna parte del ritornello concluyente.
15/03/23
HISTORIA: LA TRADICIÓN FRANCESA (BARROCO MEDIO)
Al contrario de Italia (Reinos independientes) Francia: régimen económico y político centralizado

desde los siglos XV y XVI.
Desde entonces: creación instituciones políticas, económicas, militares y administrativas =

estado sólido, basado en la concentración de poderes.
• 1610-1643 Luis XIII ( y Cardenal Richelieu: ): interés por la música
• Centralización de poder, sistema económico autárquico, limitación de privilegios

nobiliarios
• 1643-1715 Luis XIV (entre 1643 y 1661 regencia de Ana de Austria: poder a Mazzarino):
Interés por la danza, la música y el teatro.
L’Écurie
➢ La Grande Écurie:
• Instrumentos de viento y de percusión (Trompetas, trompas, oboes, fagotes, cornetas

y timbales). Para el aire libre. 12 trompetistas
• https://www.youtube.com/watch?v=Sr_ZMuWCEX8
➢ La Petite Écurie
➢ Los Hotteterre: Jean (ca. 1610- ca. 1690) y Jacques Martin le Romain ((1674-1763)
Musique de la Chambre, iniciada en el siglo XVI
Durante el reinado de Luis XIII fue denominada Les Vint-quatre violons du Roi y, también Grande
Bande, la primera orquesta oficial basada: conjunto de instrumentos de cuerda (a veces
reforzada por los 12 oboes del’ Écurie.
Marche pour la cérémonie des Turcs
Hacia 1648: Les Petits Violons, Petite bande bajo la dirección de Lully: 6 violines (dessus), 4
primeras partes de viola (haute-contre), 4 segundas violas (taille), 4 terceras violas (quinte), y 6
basses de violon
Musique de la Chambre: también violas da gamba, claves, tiorbas, guitarras, arpas, flautas y
cantantes solistas y, cuando la ocasión lo requería, colaboración de oboistas de l’ Écurie
Musique de la Chapelle Royale: música religiosa de la corte
Lully reforma la institución:
• Antes: El puesto de Sous-maître (vicemaestro) de la Chapelle
• En la época de Luís XIV: 4 sous-maîtres , cerca de 80 cantantes, órganos, instrumentos

de cuerda, tiorba e instrumentos de viento.
• Grands Motets
• Petits Motets
Género y formas instrumentales
❖ Suite:
En Alemania: Allemande, courante, sarabande, gigue.
En Italia la Sonata da Camera próxima a la anterior.
En Francia: agrupación de movimientos variados (a veces: sugerencia descriptiva)
❖ Sonata
❖ Tombeau (Laúd, clave o viola da gamba). Composiciones de carácter funerario, en

homenaje a la persona a quien se dirigen
❖ Préludes (Non mesuré-Mesuré) para instrumentos solos
Elizabeth Jacquet de la Guerre. Clavecinista y compositora
• Orígenes musicales
• Presentada a Louis XIV e introducida en Versalles a través de Mme. De Montespan
• En 1684 se casa con Marin de La Guerre, organista, mudándose con él a París. Pero sigue
su trabajo ni sus encargos para Versalles
• Sonatas para violín y B.C., suites para clave (2 libros), Música vocal: cantatas espirituales,
ballet y Tragédie Lyrique (Céphale et Procris)
Música religiosa
• Pequeño motete (Petit motet): obra sacra para pocas voces

• Gran motete (Grand motet): composición a gran escala, obras divididas en secciones
formadas por preludios, partes solistas vocales, partes de conjunto instrumental y coros.
Lalande y Charpentier serán los compositores que destaquen en el ámbito de la música

sacra. Ambos están vinculados a la capilla real (Chapelle Royale).
Si necesitaban voces solitas o específicas llamaban a los cantantes de la Tragedie Lyrique. Se

tratan de óperas francesas, con argumentos de la mitología con el fin de ensalzar al rey,
aunque hay excepciones. En las obras de teatro había mucha más crítica hacia la sociedad y
al poder político. Moliére o Racine son los encargados de hacer los libretos de estas
tragedias lyrique, están creadas para que sean completamente cantadas o instrumentales,
hay un coro y danzas. Los grandes actos empiezan con la Overtura, esta forma se hará muy
famosa y utilizada en la época del Barroco Medio francés, poco a poco se ira expandiendo
hacia otros territorios, naciendo así la ópera francesa.
Con respecto al canto solista, por una parte, están las Arias (igual que las arias italianas),
estilo silábico, compás y fraseo regulares, sin virtuosismos y diferentes tipos de recitativo:
• Recitativo simple: más de acción.

• Recitativo medido: más líricos y grandes, más cantables.
Lully será el que más Tragedie Lyrique hace.
Espectáculos y ópera
Desde el s. XVII influencia de la ópera italiana a través de María de Medici) y de la regencia de

Mazzarino. Después de la muerte de Mazzarino en 1661: menos óperas italianas. Luis XIV
despide a los músicos italianos en 1666. Deseo de fomentar una ópera nacional: Propaganda.
Cambert + Perrin (libretista) intento de fundación de ópera nacional: Pomone (1671). Deseo de
equipararse con la ópera italiana.
Ballet de cour (se incorpora a las representaciones dramáticas)
Comédie Ballet: Ballet melodramatique (dramático) y Ballet à entrées (no dramático). Todo a
cargo de Jean Baptiste Lully (1632-1673
Conforme se hagan más grandes los espacios y la cantidad de músicos aumente, la técnica vocal
de los cantantes cambia, proyectando más la voz, adecuándose a las circunstancias. Cada vez
los instrumentos tienen más volumen, se les ponen más llaves, se cambian las cajas de
instrumentos de cuerda, etc. Precisamente para llenar los espacios grandes. En el siglo s. XVIII
nacen como tal los conciertos públicos, ya que antes se realizaban únicamente para la
aristocracia. Por lo que nacen nuevos espacios destinados a la ópera o espectáculos musicales.
Notación coreográfica: Bauchamp
Luis XIV era bailarín y le dio mucha importancia a esta disciplina. Los trajes se harán más ligeros,
los zapatos serán diferentes, etc. Se consolida una notación destinada a la danza. Ya había una
proto notación de danza.
Gusto francés
Gusto creado para reforzar la idea de Luis XIV y del nacionalismo francés. Los franceses tienen
un gusto enorme por definir todo. En cierto momento, escriben los ornamentos con ciertos
símbolos, que definen en diferentes libros.
El arte de preludiar – Hotteterre
El + significa trino
Se improvisa sobre lo que está escrito
Código complejo:
• Multitud de ornamentos, codificada gráficamente por medio de una infinidad de

abreviaturas y signos, a veces ambiguas.
• Densidad armónica
Inégalitée y surpointé: “A la francesa”
- Sutilezas rítmicas de la inégaliteé (desigualdad rítmica) o del pointé

(copiar imagen)
Hacer una interpretación desigual de la música, más o menos.

Le da el carácter a la música francesa de la época. Se expande posteriormente a otros
lugares, como Alemania o Inglaterra. Esto sucede porque un rey inglés se refugió en
Francia y adoptará estas características.
Francia vs Italia
Comienzan la divergencia de los gustos, Francia e Italia al ser las grandes potencias europeas.
Los países se verán influenciados por alguno de los dos. España tirará mucho más para Italia e
Inglaterra hará uso de ambos estilos. Alemania contará con una fusión posterior de estilos.
Se etiquetan los diferentes estilos:
- Italiano: virtuoso, extrovertido, extravagante, melodioso, etc. Muy claros, muy

interesados en la melodía.
- Francés: refinados, buen gusto, moderación, exquisitez, reglas muy fijas, mucha
ornamentación y mucho interés por la densidad y las texturas, por las cuestiones
rítmicas.
Quantz, profesor de Federico el Grande de Prusia
La reunión des gouts
Las escuelas tanto italiana como francesa se irán poco a poco fundiendo desde el siglo XVII:
- Froberger introduce el estilo italiano de Frescobaldi en Francia en el XVII.

- Muffat (1653-1704) es el primero en fundir ambos estilos. Combina, las influencias
recibidas de sus dos maestros, Arcangelo Corelli y Jean-Baptiste Lully
- Marc-Antoine Charpentier (1635-1704):discípulo de Giacomo Carissimi y la influencia
del estilo italiano en su obra sería de fundamental importancia
Habrá franceses que se denominen a sí mismo Italianizantes como Marin Marais o Hotteterre.
Couperin escribirá sonatas muy parecidas a las de Corelli, se denominará incluso como Coperuni.
Intimidad + grandiosidad
Las sonatas o suites para un instrumento solo o pocos instrumentos es música bastante íntima,
ej: clave, una flauta o dos flautas, etc.
• Intimidad, la sutileza y la introversión, por una parte (suite de cámara, suite para clave,
para laúd, Petit Motet, Noëls organísticos, Recitativo)
• Francia de Versalles: gusto, pasión por la pompa, el ceremonial, la grandiosidad, la

teatralidad, tanto en la iglesia y en el palacio, por otra (gran suite orquestal, Grand
Motet, grandes misas para órgano, grandes coros). Fiestas
29/03/23
HISTORIA: MÚSICA BRITÁNICA
Cuando hablamos de barroco inglés, hablamos de un barroco más tardío.
En 1642 surge la Revolución Inglesa, con relación a los territorios, impuestos, etc. Lo cual influye
enormemente en la música británica. Durante la Revolución inglesa, el rey Carlos se tiene que ir
a Francia, junto con su séquito y regresa con aún más hombres.
Mascaradas Inglesas
Barroco temprano inglés, vienen incluso de la época del rey Enrique VIII, nacieron como
espectáculos mudos. Es lo equivalente a la pastorela, son nacimientos de Cristo durante el
Renacimiento. Hacían uso de máscaras. Ana Bolena era apasionada de las artes y de la música y
danza.
Después evolucionará a un espectáculo de música y danza, muy influenciado por la música

monódica italiana. Se trata de un espectáculo cortesano con dos hileras. Son espectáculos
alegóricos, en los cuales se hablan de temas tanto políticos como sociales como las brujas, los
negros, etc. Debido al anonimato de las máscaras.
La música inglesa tiene una combinación de gusto extremo por la música popular, hoy en día
sigue siendo así. Siempre ha estado muy presente el gusto por las melodías tradicionales.
Ben Johnson es uno d ellos grandes compositores de mascaradas.
Cambian de humor muy abruptamente, melodías en un principio muy tranquilas y de repente

se vuelven muy agitadas.
Consecuencias de la Revolución de Cromwell
No a la música lujosa de la corte
No a la música eclesiástico
En general, rechazo al lujo
Se desarrolla cierta música secular y sobre todo de aficionados, de instrumentos pequeños como
el violín o la flauta de pico. IMPORTANTE violín. (House music)
John Playford agrupa diferentes obras pequeñas para estos estudiosos en casas.
Desde la Restauración y Carlos II

La corte se vuelve de nuevo un centro de mecenazgo musical en Gran Bretaña. Carlos II vuelve
a abrir todos esos lugares cerrados por la revolución de Cromwell, ya que tenía gran interés por
la música barroca del continente.
Desarrollo de la ópera en inglés, ya que en la estancia de Carlos en Francia observó el auge e

influencia de la ópera italiana en Francia. Por lo que buscó desarrollar la ópera pero en esta
ocasión en inglés. Aun así, trajo mucha influencia francesa, sobre todo la ornamentación, el
gusto francés, los ritmos, etc. Sobre todo, la Suite es el género que se desarrolla principalmente.
Gran importancia al oratorio y a la música vocal.
La corte: punto de encuentro
Arpa triple italiana suplantan las arpas simples en Gales.
Músicos importantes: Pelham, influye en W. Turner, Locke, Purcell y Blow.
John Blow ya hace música inglesa, con oberturas a la francesa. Suelen hacer uso de personajes
de la Antigüedad en sus óperas. Purcell sería su discípulo.
Flautas de pico: escenas pastoriles y funerarias.
John Blow y Matthew Locke son los músicos de corte que hacen la música para Shakespeare.
A Matthew Locke le gustaban mucho los consorts.
Gigue - Jigg
Sarabande – Saraband (En Europa se suele hacer más lenta de lo que se hace en Inglaterra)
Obras con cierta teatralidad, además de las danzas, hay metidos movimientos llamados Air
(como arias de ópera), pero sin ser vocales, solo son más calmadas.
HENRY PURCELL
Uno de los músicos más importantes del Barroco, al igual que Haendel.
Nace en Westminster, desde muy temprano empieza a cantar en la capilla junto con profesores
como Locke o Blow. Toma el trabajo que deja John Blow en 1680 como organista. Es el
compositor de los violines del rey. Su música está muy destinada a las cuerdas. También será el
encargado de restaurar los instrumentos de la corte.
Obra
Tuvo gran fama desde el principio. Hace música religiosa, anthems, para oficios y odas a los
mecenas y monarcas, princesas, etc.
Ya presente la combinación de cuerdas y metales, recuerdo de música de cacerías. Esto después

será muy visible en Haendel.
Dido y Eneas
Muerte → disonancia
Remember me! → salto grande musical
Baso ostinato → figura retórica de la lamentación (escala cromática descendente)

Música instrumental
Amor por el intricado contrapunto practicado por los compositores renacentistas.
Muchas suites y sonatas influenciadas por el estilo italiano.
Toda la música parte de la teoría de los afectos y de la retórica.
12/04/2023
HISTORIA: MÚSICA ALEMANA
PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVIII GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS
Luchas religiosas y políticas: la Guerra de los Treinta Años devasta Alemania y la sumerge en una
crisis económica.
En épocas de guerras es difícil que se desarrolle la creatividad o la libertad de expresión.
Música de la iglesia luterana y católica
La música sacra de Austria y de Alemania (el sur católico y las regiones luteranas del centro y el
norte) continuó a principios del siglo XVII bajo una fuerte influencia del barroco temprano
italiano: la monodia acompañada y el concertato, la Seconda Prattica.
Barroco temprano italiano: “Los tres S-er”
Influyen en toda la música alemana, de contrapunto, etc.
- Scheidt: escribe música muy importante para órgano en el norte de Alemania. Escribe
Tabulatura nova (1624). Primera colección importante de órgano.
- Schein: aunque nunca salió de Alemania, abrazó la práctica italiana en su música, a pesar
de que no solo compone música religiosa. mezcla la tradición de la seconda prattica
coral italiana con la alemana. Su Opella nova, estableció el modelo a seguir entre los
compositores de música eclesiástica durante mucho tiempo. Schein pasó toda su vida
en Alemania, lo que hace su asimilación del estilo italiano aún más llamativa
Heinrich Schutz
El que influye más en Bach es Schutz. Estudia con Giovanni Gabrieli y conoce la música de
Monteverdi, aprende el arte de la retórica, el estilo de la Seconda Prattica y el estilo policoral
(mucho desarrollo en el siglo s.XVII con los coros spezatti). Escribe sobre todo música sacra:
Sinfonías Sacras, los “Salmos de David”, los “Siete palabras de Jesucristo en la Cruz” y varias
Pasiones. Poca música secular
Michael Schultze = Michael Praetorious
Maestro de capilla, compositor y constructor de instrumentos.
Interés por un estudio organológico de los instrumentos de la época.
Muy influenciado por la policoralidad veneciana (Gabrieli)
- Syntagma musicum: Una de las principales fuentes para la investigación de la música del
barroco temprano.
- Texto muy detallado sobre la práctica musical de la época, incluyendo los instrumentos
musicales utilizados
- 2ºTomo: De organographia: contiene una nomenclatura de todos los instrumentos
musicales antiguos y modernos, una descripción especial del órgano y numerosas
ilustraciones.
Segunda mitad del siglo XVII – Buxtehude
Obra compuesta para el órgano: la más considerable del Alemania septentrional, influye en Bach
La obra de Buxtehude se caracteriza por sus preludios y corales, por el aspecto complejo y
grandioso de la estructura de sus obras, la invención melódica y rítmica y la riqueza del
contrapunto.
Buxtehude compuso música sacra: Tocatas, fantasías, pasacailles, sonatas, preludios, corales y
dos chaconas y una pasacaglia.
Siglo XVIII
Barroco italiano + barroco francés. Reconciliación en una especie de fusión con la música
propiamente alemana culmina con Bach.
Francia
- Innovaciones orquestales de Lully y teclado de Couperin.

- La música para tecla suelen ser suites que asienta Lully. También habrá otros como
Cousser o Muffat que empiezan a hacer diferencias en los diversos estilos.
- Lully y sus suites: influencia directa en Cousser, el austríaco Georg Muffat (t 1704) y
Johann Fischer (t 1721)
- Cousser:Composition de Musique suivant la méthode FranfaÍse (1682 y sigs.), añade la
obertura francesa la suite alemana.
- Muffat: El Florilegium (I, 1695; II, 1698), discurso sobre la diferencia existente entre los
estilos francés y alemán de tocar el violín
- El Journal de Printemps (1695) de Ferdinand Fischer, debe considerarse como uno de los
mejores documentos sobre la influencia de Lully en Alemania.
- La suite del barroco alemán tardío se conocía como Partita o partie, términos ambiguos
que también se utilizaban para las variaciones. Igual que el término obertura, que se
empieza a adoptar como sinónimo de toda la suite.
- Los alemanes llaman a las suites “Partitas” ya que ambas tienen los mismos
movimientos.
Italia
• Estilo de concierto en la música instrumental y el bel canto en lo vocal.
• El concierto italiano, en especial el de carácter solista, se dio a conocer en Alemania

gracias a las obras de Vivaldi que fueron imitadas por Heinichen, Pisendel, Graupner,
Fasch, Hurlebusch y Telemann
• Buxtehude convirtió ciertos movimientos creados por Corelli en procesos en estudios

contrapuntísticos inspirados en los bajos ostinatti (Grounds) ground. Chacona sobre
cuarta descendente lleva la indicación concitato , palabra que indica también el entorno
Italiano de su estilo.
• Las sontas en trío de Pachbel testimonian el uso de la scordatura del violín de la época.
• Johann Kuhnau, predecesor de Bach en Leipzig fue el primero que compone una sonata
da Chiesa para clave en Alemania Clavierbung II y en su Frische Clavierfrüchte.
• Sonatas da Chiesa de 4 o 5 movimientos con movimientos fugados con contrapunto

complejo. En su Biblische Hirstorien Kuhnau continúa la tradición francesa
Alemania
➢ Música de teclado: El órgano era el instrumento más alto en la jerarquía instrumental.
➢ La tendencia contrapuntística envuelve todo, incluso a las obras de violín o instrumento

sólo: véanse las obras en donde aparece polifonía en una sola voz (Fuga/Invenciones
etc.)
MÚSICA BARROCA ALEMANA: BACH (1685-1750) (MUY IMPORTANTE APRENDERSE LAS

FECHAS DE NACIMIENTO Y MUERTE) – BARROCO MEDIO
Bach proviene de una familia de músicos, cuando sus padres fallecen vive con su hermano Johan
Christoph, organista, del que aprenderá teoría musical y composición, esto lo hacía copiando
manuscritos. Tuvo acceso a su biblioteca gracias a que vivió con él. Estudia latín, griego y francés
en la Escuela de San Miguel de Lunenmburgo.
Período de Weimar a Muhlhausen
Se convierte en músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III en Weimar. En agosto
de 1703, aceptó el puesto de organista en Arnstad (Tocata y fuga en Re menor). Bach se ausenta
de Arnstadt sin autorización durante varios meses en 1705-1706 para visitar en Lübeck a Dietrich
Buxtehude. Puesto mejor pagado como organista en la iglesia de St. Blasius (San Blas, Divi Vlasi)
de Mühlhausen. Se casa en1707, con Maria Bárbara.
Weimar
• Obtiene el puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con

músicos profesionales
• El duque Johann Ernst le da a conocer la música italiana. Bach estudia las obras de
Torelli, Corelli, Vivaldi, entre otros autores italianos. Bach absorbe el ritmo y la armonía.
Lo aplica a sus propias composiciones, que son interpretadas por el conjunto musical
del duque Wilhelm Ernst, hermano del anterior.
• Comienza a componer preludios y fugas que fueron posteriormente recopilados en su

obra monumental Das Wohltemperierte Clavier: compilada en 1722 y 1744 e impreso
en 1801
26/04/2023
Kothen (1717-1723)
El príncipe Leopold libera y contrata a Bach como maestro de capilla en 1717. El príncipe era
calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas. Compone sobre todo para
entretenimiento de palacio, obra profana. Sobre todo instrumental, entre ellos están las piezas
a instrumentos melódicos solos como las Sonatas y Partitas para violín y flauta, además de suites
para cello solo. Bach retoma esta idea de Vivaldi. Estas suites y partitas (son lo mismo) para
violonchelo están pensadas para que sean música de estudio para mejorar la técnica. Las partitas
para flauta y violín solas en su tiempo era raro, ya que normalmente siempre estaba
acompañado por un bajo continuo. Gracias a Paul Casals, estas obras en el siglo XX comenzaron
a realizarse a modo de concierto. Las sonatas para violín son hechas para el uso (lento-rápido-
lento-rápido). Las partitas para violín tenían forma de suite (preludio-allemande-courante-
sarabanda-giga), pero Bach siempre intercala otro tipo de movimientos, ya que está muy
interesado en el gusto del público. Muere su mujer Maria Magdalena (copiar powerpoint). Los
conciertos Grossi y los conciertos de Brandemburgo los hace durante este periodo.
Leipzig (1723-1750)
Primer trabajo fuera del mecenazgo de la aristocracia, primera vez que se enfrenta a un trabajo
estatal. Primero empieza a ser el cantor de la escuela de Thomasshule en la Iglesia Luterana de
Santo Tomás de Leipzig y director musical de Nikolailirche y Paulinerkirche, la iglesia de la
Universidad. Tenía que componer una pieza semanal a estas iglesias. Posteriormente, tomará el
puesto de director musical del Collegium Musicum, conjunto de música profana, que se reunión
en una cafetería. (Añadir apuntes de la gavota). Estos son los inicios del concierto, es un
acontecimiento exclusivamente destinado para el entretenimiento con el nacimiento de una
clase burguesa que busca imitar lo que sucedía en palacios, eventos de la nobleza, etc. Empiezan
a juntarse amigos en pequeñas agrupaciones, de ahí proviene el nombre Orquesta Filarmónica
(Fili). Pagan una membresía para acceder a una biblioteca y poder tomarse un café. Se empiezan
a crear estructuras destinadas a estas agrupaciones. A veces se contratan a músicos de la corte,
estos cada se vez se encontraban más cómodos en estas agrupaciones, debido a los pagos
precarios y las horas de trabajo, por lo que muchos empiezan a salir de palacio,
profesionalizando así un ámbito de la música considerado “amateur”. También existe el mismo
ejemplo aplicado a las agrupaciones corales. Se forma un gusto estético, el de pertenecer a un
sector y el individual.
De las últimas obras de Bach, la Ofrenda Musical. C.P.E Bach es el maestro de Federico el Grande
de Prusia, Bach va a visitar a su hijo a la corte, con gran fama de ser el mejor organista e
improvisador, pero sus métodos compositivos no eran muy destacables. Federico en la cena
decide retarlo, le da una melodía a Bach para que improvise una fuga, naciendo así la Ofrenda
Musical. Fugas, cánones y un trio, basados en ese tema. Hay muchos compositores musicales
que la utilizan para experimentar.
La última obra de Bach fue el Arte de la Fuga, la cuál nunca terminó, con cánones complejos y
18 fugas. Hay muchos compositores que han intentado terminar el arte de la fuga. Bach fallece
con 65 años. Poseía 5 claves, dos clavi-laúdes, 3 violines, 3 violas, 2 chelos, 1 viola da gamba, 52
libros sagrados, etc.
Tradición de contrapunto, tradición de órgano, concierto italiano, suite francesa. Hizo de todo
menos de ópera, por una cuestión de protestantismo y porque no se la encargaban.
Síntesis
• En la música de Johann Sebastian Bach se sintetiza toda la tradición de la música

europea:
• Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, la tradición de

contrapunto alemán del norte, el concierto italiano y la suite francesa.
• Dominó a la perfección el estilo, la técnica y géneros alemanes (tocatas, preludios, fugas,
corales), los franceses (suite, oberturas), y de los italianos (conciertos, sonatas,
sinfonías)
La influencia de la ópera se ve en las cantatas, pasiones y oratorios como la Pasión según San
Mateo BWV 244 (1727)
• Bach compuso para la mayoría de los instrumentos de su época. A lo largo de su vida

siguió corrigiendo y mejorando mejorar sus obras. Creía que el artista podía educar al
público y no aceptaba realizar piezas fáciles para lograr aceptación
Los cantantes se quejaban de la dificultad de su música sacra. Para muchos organistas y

constructores de órganos su manera de usar los registros era fuera de lo común.
3 periodos estilísticos
1. Aprendizaje y estudio, 1700 – 1713: música para clave y órgano y cantatas sacras.
Asimila la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental
y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII
2. Maestría, 1713, Weimar - 1740, Leipzig. Asimila y es influido por la música italiana de
finales del siglo XVII y primer cuarto del siglo XVIII. Sintetiza las características del estilo
italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán (sobriedad,
contrapunto complejo y textura interna) = Estilo personal que adapta a todos géneros y
formas de su tiempo menos a la ópera. En Leipzig y Köthen, adquiere un dominio técnico
total.
3. Último período desde la publicación de Clavier-Übung III en 1739 hasta su muerte en

1750. El Arte de la Fuga: música instrumental, contrapunto, con influencia de la nueva
música galante que nace en ese período.
Obra: Música vocal
• En 1950, Schmieder realiza el catálogo de obras =1127 obras o «BWV»: Bach Werke
Verzeichnis o «Catálogo de las obras de Bach».
• La gran mayoría de su música vocal: Leipzig, entre los años 1723 y 1741. Bach era cantor
y tenía que componer cantatas, pasiones y motetes para las 5 iglesias más importantes
de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos.
• Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ambos ensalzaban

«la gloria de Dios».
Obra: Música instrumental
• Se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para
instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas
• Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana y alguna de
carácter didáctico: El clave bien temperado, la serie de las suites inglesas-francesas para
enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Fredmann Bach.
Teclado
• Más de 400 obras destinadas a órgano y clavecín como protagonistas, además de las
piezas orquestales, cantatas, misas, pasiones y algunas obras de cámara en las que es
parte del B.C.
• Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de

estos dos instrumentos fue grandiosa
Legado
• La reputación de Bach entre el público en general mejoró en parte gracias a la biografía

del compositor que realizó Johann Nikolaus Forkel en 1802
• Felix Mendelssohn contribuye en la recuperación de Bach con su representación de la

Pasión Según San Mateo el 11 de marzo de 1829 en Berlín.
3/5/23
HISTORIA BARROCO: HAENDEL
Nace en Halle en 1685 en un contexto de clase media. Es obligado a estudiar Lengua.
Se muda a Hamburgo, donde empieza a estudiar realmente música. Obtiene el puesto de violín
principal en la orquesta del teatro de la ópera: primeras óperas y oratorios. Los compañeros de
trabajo serán los que ayuden a formarle.
Viajan a Italia: buena acogida de la clase aristócrata. Tuvo un principal problema, las altas esferas
intentaban convertirlo al catolicismo ya que él era protestante. Para haber pertenecido a esta
sociedad aristócrata debería haberse cambiado, pero decidió marcharse finalmente.
Obtiene el puesto de director musical de la Corte Electoral de Hannover.
Recibe una invitación de Rinaldo en Londres. Allí es consciente que para desarrollar su arte
musical necesita salir de Hannover, por lo que vuelve para pedir permiso e instalarse en
Inglaterra en 1712. Incluso llegó a pedir la nacionalidad inglesa, está enterrado de la Abadía de
Westminster.
No es tan prolífico como Telemann, pero toca todos los palos del sistema con alrededor de 600
obras:
• Música vocal: óperas en italiano, alemán e inglés; oratorios en italiano, alemán e inglés,
cantatas en italiano y español, dúos, tríos, arias sueltas, anthems, himnos, Tedeum,
Jubílate, etc)
• Música instrumental: Concerti da solo, concerti grossi, oberturas, sinfonías, danzas y

conciertos sueltos, marchas, sonatas para instrumento solo y B.C., trío sonatas, suites y
danzas sueltas
Las primeras grabaciones sonoras que tenemos son de esta época, ya que se encontraron hace
poco una especie de organillos con cilindros de cera de esta era.
Estilo: fusión de estilos nacionales
- Tradición francesa: suite, timbre orquestal (combinación de texturas de cuerdas con

vientos madera), obertura, inégalité, ornamentación.
- Tradición italiana: escritura vocal de oratorio y ópera (bel canto), gusto por el violín,
estilo de concierto, sonara, melodía.
- Tradición inglesa: integración del viento metal al timbre orquestal, música coral y
melodías populares.
- Tradición alemana: contrapunto complejo organístico.
Música orquesta para el aire libre
Tenemos dos piezas: Música para los reales fuegos de artificio y Water Music. Estas músicas se
realizaban en unos barcos, en verano y en general del buen tiempo, los demás barcos eran de la
aristocracia.
La Water Music se realiza en 3 diferentes fechas:
- 22 de agosto 1715
- 7 de julio de 1717
- 26 de abril de 1736
La obertura tiene una forma como de concerti grosso, tenemos una gran variedad de elementos
que vienen de tradiciones anteriores.
Muchas disonancias
Vemos que en alguna de estas obras no hay claves o guitarras barrocas ya que no se podían
escuchar desde los barcos, por lo que se priorizaban instrumentos mucho más potentes.
Música para tecla
Influencias de Kunhau, Froberger, Kerll y Buxtehude. Nunca llegó a conocer a Bach, pero ambos
estaban al tanto de lo que hacían cada uno y defendían el trabajo del otro.
Algunas piezas: armaduras inusuales como Suite en Fa sostenido menor.
Ritmo de BREVE – LARGA de los modos rítmicos del siglo XIII (Yambo)
Ópera
Intentó ser productor de ópera, pero fue un fracaso en el ámbito económico.
Casi todas las que compuso eran en italiano, salvo las primeras en alemán y la última en inglés.
Inglaterra se encontraba en una etapa de orfandad en el que no se tenía una figura a seguir, por
lo que se fijaron en los italianos que estaban allí.
Eran de 3 actos, arias da-capo-recitativos sin danzas ni conjuntos, ni ritornelos instrumentales,

a excepción de cotos como número finales y algunos dúos y tríos. Muy similar a la ópera de hoy
en día. Temas heroicos y pastorales.
Ya se empiezan a contratar a sopranos y se empieza a desprender de los castrati.
Hubo una crisis en Inglaterra con la ópera, por lo que los creadores realizaban oratorios para
seguir desarrollando el género operístico.
El cambio de gusto
Se empiezan a parodiar las óperas, estas se empiezan a ubicar en los prostíbulos. La burguesía
irrumpe en el espacio del entretenimiento. Necesita espectáculos más cercanos en su idioma.
John Gay y Johann Christoph Pepush: The beggar’s opera (1728). Burla a las pretensiones de la
ópera italiana.
Oratorio
Hace sus grandes oratorios en inglés, destaca sobre todo “El Mesías” (1741):
- La música Haendel en Inglaterra es sumamente famosa que la gente común se sabe

partes de esta obra.
- Está basado en el Antiguo Testamento.
- Libreto compilado por Charles Jennes.
- Los personajes no asumen roles dramáticos como en el resto de los oratorios de Handel.
- 3 actos:
o Nacimiento
o Pasión
o Secuelas
10/05/2023
HISTORIA: MÚSICA ESPAÑOLA
Gran imperio español
NO ENTRA
Dahlhaus: Fundamentos en la historia de la música // Música absoluta

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Historia y análisis del Barroco

o 4 reseñas de conciertos presenciales

Bibliografía más importante

Bukofzer – La música en la época barroca. De Monteverdi a Bach.

Hill – La música barroca.

Heller – La música en el Barroco.

López Cano- Música y Retórica en el Barroco.

TEMA 1 – BARROCO EN MÚSICA: CONCEPTO. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: MONODIA

Según Bukofzer, existen 3 fases:

o 1580/1630: BARROCO TEMPRANO (Italia)

Una habitación pequeña en Italia se traduce como “camera”

“CAMERATA BARDI” O “FIORENTINA”

o Giulio Caccini y Francesca Caccini

Pretende crear sentimientos en las personas.

ÓPERA en italiano es “trabajo”.

EL ORFEO DE MONTEVERDI (TEMA 1)

Los teatros del siglo XVII parecían un teatro dentro de un teatro.

Como antecedente del Orfeo tenemos:

o La Camerata Bardi, los cuáles buscaban el entendimiento del texto en la música.

En el 8º libro introduce el bajo continuo, representando el estilo recitativo y concitado, muy

• Vs. innovaciones estilísticas de ciertos músicos de su época, especialmente ma-

• Siguen el sentido y no la razón

Artusi le acusará de degeneración. Monteverdi aun así defenderá su estilo y práctica. Se le

Atrevimientos armónicos de Monteverdi, visibles en los Madrigales cuarto y quinto libros:

Tiene varios melodramas:

(contexto de la historia de Orfeo y Euridice)

Se mezclan: el poema y el canto, lo divino y lo humano, la fuerza y la duda, la felicidad y la

• 1 er acto: Primer canto de Orfeo es un recitativo que evoluciona rápidamente hacia el

• 2º acto: la irrupción de la mensajera y su relato. Canción estrófica puntuada por ritornelli

Coros y sinfonías: motores del drama

• Coros (tragedias griegas): declamación cantada

Comentan y a veces anuncian sutilmente peripecias futuras

• Los ritornelli y sinfonías orquestales cumplen un papel esencial como comentario y

• La lista inicial parece estar está incompleta.

• 2+1 grupos de instrumentos:

1. cornetas, trombones y regal para los Infiernos;

2. violines, clavecines, laúdes y flautas para las escenas pastoriles.

CLASES CON GERMÁN

En el Renacimiento hay una uniformidad en la estructura musical que en el barroco ya no es así.

Prima práctica (Práctica antigua) ➢➢ polifonía

o Música para el teatro, como la ópera.

La música del renacimiento es prácticamente toda es vocal. No hay un empeño en destacar el

Autores barrocos: Bach, Purcell, Telemann, Vivaldi, Monteverdi…

(Hemos visto partituras 1 de monteverdi, 1 de gesualdo, un trio)

En el Renacimiento la melodía es diatónica (sólo se utilizan las notas de la escala) y en un ámbito

El Contrapunto modal y el Contrapunto tonal.

La tonalidad es un sistema que depende de un acorde (tónica) y en torno a este se forma la

Ostinato: motivo rítmico que se repite constante.

TEMA 2: MÚSICA INSTRUMENTAL DEL BARROCO

Desde el siglo XVII hasta Mozart

Técnica de composición, improvisación y ejecución característica del barroco. Uno o varios

o SIN CIFRA: comenzó sin cifrado

Lo suele instrumentar un clave, un laúd o un órgano, para reforzar se le añade un instrumento

• Toccatta: forma improvisatoria de secciones de carácter libre, sensación de estar

FORMAS BASADAS EN LO VOCAL

o Canzona: contrapunto imitativo dividido en secciones, va a ser el germen de lo que

FORMAS BASADAS EN UN BASSO OSTINATO

¿Cómo sabían a qué tempo interpretar?

SONATAS/CONCERTI – Final del siglo XVII/PRINCIPIO DEL S.XVIII

• Italia: instrumentos de cuerda.

➢ La sonata da camera (de cámera): un preludio o introducción + dos, tres o cuatro

• Trío Sonata: la instrumentación más común a partir de 1670 en ambas sonatas, da

• Obras principales: 6 colecciones publicadas. op. 1 (1681), 12 sonatas en trío (sonate da

• El concerto grosso utilizaba un conjunto pequeño (concertino) de instrumentos solistas