EL OP ART

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DEDICATORIA

A nuestros queridos padres,

Quienes siempre nos han brindado de su valioso

apoyo lo que nos ha permitido ir logrando éxitos en
nuestros estudios y que estamos seguras que ello nos
permitirá alcanzar nuestras metas.

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INTRODUCCION

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo1 de arte visual que hace uso
de ilusiones ópticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose

para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe
ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas
paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-
cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras;
también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o
círculos.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No
sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del
espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se
mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que
el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es,
definitivamente, Nueva York.

En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros
en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard
Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Estos Op-Art
Artistas Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis
Waldheims.
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El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en abril del año 1958,
en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico
quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno
de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas
nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban
la británica Bridget Riley y el estadounidense Kenneth Noland. También se inscriben dentro
de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas
formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del
público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de
las artes gráficas.El arte óptico es conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art;
abreviación de Optical Art o Op-Art.

LA OBJETIVIDAD GEOMÉTRICA
Contra el espiritualismo de la abstracción de posguerra se produjeron en los años sesenta
dos reacciones: una de carácter figurativo, que recurrió a las imágenes de los medios de
masas, es el pop-art; la otra es de carácter abstracto, cuyos antecedentes están en la
fascinación por la geometría presente en la vanguardia.

El arte óptico (Op-Art), que alcanza su apogeo en los años sesenta, se propone producir
efectos visuales de relieve, profundidad o movimiento mediante líneas y colores planos y
estáticos.

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Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta,

basada en la composición pictórica de fenómenos
puramente ópticos, sensaciones de movimiento en
una superficie bidimensional, engañando al ojo
humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan
estructuras de repetición con un orden claro. Frente
a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa
en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de
un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el
espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la
abstracción geométrica.

Bridget Riley,Fete (1999) Screenprint, 26 x 34 3/8″

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de
movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una
respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia
sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar

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en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten
sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos
junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Las mayores
influencias artísticas de este movimiento son el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl
o neoplasticismo y el Bauhaus. Además de tener importantes influencias intelectuales,
psicológicas y científicas sobre la fisiología y la percepción.

REPRESENTANTES.
Vásárhelyi Győző
Mayormente conocido como Víctor Vasarely
(Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Francia, 15 de
marzo de 1997) es un artista al que se ha considerado
a menudo como el padre del Op Art.

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga

evolución y diversas etapas en su producción artística:
 Intentará darle a sus experiencias artísticas una
base exacta, científica y teórica.
 1929-1939: trabajos publicitario con efectos
ópticos
 1939-1948: “período menstrual” investigaciones previas al Op Art.
 1948: “Abstracción cinética”
 1948- 1958: “Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a
través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano.
Hay 3 tipos de obras:
A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía
B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas
dejando una pequeña distancia.
C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.

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Víctor Vasarely - “Tsengue” (1989)

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Víctor Vasarely – “Broey Neg” (1989)
Bridget Riley
Nacida en Londres, Reino Unido, (1931- ), pintora
inglesa, figura destacada dentro del movimiento
artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de
formas abstractas diseñadas para producir efectos
ópticos llamativos. Riley pinta figuras geométricas y
rayas en blanco y negro, con las que consigue una
extraña vibración de la superficie.

Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió

entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College,
donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal
Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que
el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde
dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley
alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de
1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como
la que organizó en 1971 la Galería Hayward.

Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de
grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro
entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas
geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido
de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la
década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas
con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante
de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores,
incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras
de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse,
por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.

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La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art.
Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que
completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace
hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento
conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su
ejecución.

Bridget Riley, Movement in Squares, 1961, Tempera on Hardboard, 481/2x473/4in.

Bridget Riley, Fall, 1963

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En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos
“didácticos” Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y
en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.

Kenneth Noland
(Nacido en 1924). Pintor en estilo
abstracto, nacido en Asheville
Carolina del Norte estadounidense.
Entre 1946 y 1948, Noland asistió a
clases del Black Mountain College. Se
identifica como un expresionista
abstracto. Amigo de Morris Louis,
ambos adoptaron la técnica de Helen
Frankenthaler que dejaba que
la pintura acrílica chorrease sobre la tela.

Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en
las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica.

Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas,
dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la
composición.

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Se interesa por la adaptación de las zonas de color a los límites del marco del cuadro.
En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos
rectangulares a base de franjas de color superpuestas.

Frank Stella
Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12
de mayo de 1936) es un
pintor y grabador estadounidense. Es una figura
destacada del minimalismo, la abstracción
postpictórica y la litografía. Es influido por las obras
de Noland, especialmente por sus «cuadros
recortados» que estaban pintados con coloresplanos
o bandas monocromas.
Stella se convierte desde la década de 1960 en uno
de los máximos representantes de la abstracción
geométrica y constructivista que preludia elarte
minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la
vanguardia norteamericana.

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A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los
máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo
del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores delhard edge («pintura de borde
duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (olienzos de formas diferentes a la
cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-
objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la
neovanguardia norteamericana e internacional. El artista vive y trabaja en
la Manhattan, Nueva York.

Frank Stella, The Marriage of Reason and Squalor, II. 1959.

Frank Stella, Sunset Beach, Sketch, 1967

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Josef Albers
Josef Albers (19 de marzo de 1888 – 26 de marzo de 1976) fue
un artista y profesoralemán cuyo trabajo, tanto
en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos
de los programas de educación artística más influyentes
del siglo XX.

Nacido en Bottrop, Westfalia, Albers estudió arte en

Berlín, Essen y Múnich antes de en la prestigiosa Bauhaus
de Weimar en 1920. Comenzó a enseñar en el Departamento
de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se
mudó a Dessau. Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933, Albers emigró
a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del
Norte, encargándose del programa de arte hasta 1949. De 1950 a 1958, Albers dirigió el
Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, en New Haven(Connecticut).

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado

como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y
publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó
diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas
series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones
cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo.
Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente
generación de artistas.

To mitla, Josef Albers

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Tierra Verde, Josef Albers.

Lawrence Poons
Más conocido como Larry Poons, nació en Tokio,
Japón en 1937. 1955 El estudio en el New England
Conservatory de la Música, con la intención de
convertirse en un músico profesional. En 1959, se
matriculó en la Escuela del Museo de Bellas Artes
de Boston, y también estudió en la Art Students
League de Nueva York.

Se levanta a la prominencia en la década de 1960 con pinturas de círculos y óvalos en sólidos

a menudo brillantemente coloreados, los orígenes. Estas pinturas transmiten una sensación
de movimiento, y se clasificaron como op art. Aunque expone con artistas óptico en 1965,
en 1966 se había alejado de la óptica del arte y más flexible hacia pictórica abstracta lienzos.
Su trabajo está asociado con Op Art, el borde duro de pintura, pintura de color sobre el
terreno, Lyrical abstracción y el expresionismo abstracto.
Actualmente residen principalmente en la ciudad de Nueva York, pero también mantiene un
estudio en Nueva York.

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Richard Anuszkiewicz
(1930- ), pintor y grabador estadounidense, que forma parte del
movimiento del Op Art, cuyas obras geométricas parecen vibrar a
través de sus formas en blanco y negro o por la interacción de colores
violentos. Nacido en Erie, Pensilvania, estudió en el Instituto de Arte
de Cleveland y en la Universidad de Yale con Josef Albers que, por
aquel entonces, estaba experimentando con cuadrados de color. Entre las pinturas de
Anuszkiewicz destaca Convexidad II (1966, Sidney Janis Gallery, Nueva York). Más adelante
realizó y pintó cubos tridimemencionales.

Richard Anuszkiewicz. Sol I. 1964

Eusebio Sempere (España, 1923-1985).

A principio de 1950, Sempere viaja a Paris donde conoce a Vasarely quien le introduce en el
arte de las formas geométricas. Sempere se convertirá a la vuelta a España en en guía de los
artistas Óptico-cinéticos españoles.

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La belleza de los espejismos ópticos y los mágicos efectosde los diseños geométricos son las
características de su obra. Su obra está definida por la linealidad y por la repetición de sus
figuras geométricas, buscando efectos ópticos en los que el color contribuye poderosamente
a crear el volumen y efecto deseados. Su obra evoluciona hacia el constructivismo y el Op
Art, incorporando elementos del arte cinético. Sempere ha realizado experimentos con la
luz, color, ambiente y movimiento.

Eusebio Sempere. Ley de la buena forma.1968

CARACTERÍSTICAS DEL OP-ART

En lo que se refiere a las características claves del estilo podemos decir primero y
principalmente, que el Op Art existe para idiotizar el ojo. Las composiciones Op crean un
complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una
ilusión en movimiento. Por ejemplo, el cuadro de Bridget Riley (1977) titulado Dominance
Portfolio nos da la sensación de que las olas empiezan a bailar por delante de nuestros ojos
aunque sabemos que, como es comprensible, cualquier obra de Op Art es plana, estática y
bidimensional. Los ojos empiezan a enviar al cerebro el mensaje de que aquello es visto
como algo que oscila, parpadea, late y otros verbos que puedan emplearse para decir: “éste
dibujo se está moviendo!”.

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Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el
Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo.

En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente
empleados para encontrar el efecto máximo.

Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color
(con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris).

Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos

tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.
 La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual
lo diferencia del Arte cinético.
 Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,
parpadeo o difuminación.
 Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos
marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y
repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras
geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados,
combinaciones o formaciones complejas.
 En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para
poder captar el efecto óptico completamente.
 Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
 El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe
ningún aspecto emocional en la obra.
 Es una evolución matemática del arte abstracto.
 Se usa la repetición de las formas simples.
 Los colores crean efectos vibrantes.
 Gran efecto de profundidad.
 Confusión entre fondo y primer plano.
 Hábil uso de las luces y las sombras.

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 El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
 Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
 En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.

ESTILO
Este movimiento se caracteriza por la investigación y la expresividad del movimiento físico
producido por el mecanismo del movimiento debido a las ilusiones perceptivas producidas
por colores y valores muy contrastados en superficie y espacios modulados por formas
geométricas.

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CONCLUSION

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido de la evolución de diferentes

corrientes artísticas, como el suprematismo o la Bauhausen y aparece en Estados Unidos en
el año de 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado "nueva
tendencia", que tenía planteamientos coincidentes con el Op Art americano.

El término Op Art se usó por primera vez en un artículo publicado por la revista Time en 1964
y describía a un grupo de artistas que, en sus obras, pretendían crear ilusiones ópticas.
Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento.

En 1965, el Museo de Arte Moderno de Nueva York -MoMA- organizó una exposición
llamada The Responsive Eye (El ojo sensible) en la cual varios artistas representantes de este
movimiento, como Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons,
Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz; mostraron sus obras, quedando completamente
definido este nuevo estilo. Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se
remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo.

Las mayores influencias artísticas de este movimiento son el suprematismo,

constructivismo, De Stijl, neoplasticismo y Bauhaus. Además de tener importantes
influencias intelectuales, psicológicas y científicas sobre la fisiología y la percepción.

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RECOMENDACIONES

Luego de haber realizado nuestro trabajo, podemos proponer las siguientes

recomendaciones:

 Que, nuestro docente pueda profundizar sobre nuestro trabajo y de ésta manera

nuestros compañeros puedan tener mayor información al respecto.

 Lograr que la biblioteca escolar pueda contar con un equipo multimedia y de ésta

manera poder hacer exposiciones artísticas de nuestros trabajos con respecto al arte.

 Que se programe visita a museos de arte para de ésta manera tener una mejor

comprensión sobre los temas.

 Adquisición de mayor material visual sobre los temas expuestos.

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BIBLIOGRAFÍA:

 http://club.telepolis.com/pastranec/interesantes/opart.htm

 http://www.mujerbonita.com/ar/arte_saber5.asp

 http://artecomplemento.wordpress.com/op-art/

 http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/op_art.htm

 http://www.slideshare.net/ARROBA/opart/download

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