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Abstracción postpictórica y el arte óptico

Pintura sistémica. Jospeh Albers. Ad Reinhardt “el arte como arte”. El problema lingüístico “el art e como arte es una concentración de la naturaleza esencial del arte”. Doce reglas para la nueva Academia, 1957. Seriaciones. La última pintura, 1960-66. Clement Greenberg: Modernist Painting, 1960. Monocromos. Barnett Newman, contemplativo y místico.

Abstracción pospictórica La abstracción pospictórica (en inglés post-painterly abstraction) es un término creado por el crítico de arte Clement Greenberg como el título de una exposición de la que fue curador en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1964, que posteriormente se presentó en el Centro de Arte Walker y la Galería de Arte de Ontario en Toronto. Greenberg había percibido que había un nuevo movimiento en pintura que derivaba del expresionismo abstracto de los años cuarenta y los cincuenta pero que «favorecía la apertura o claridad» en oposición a las superficies pictóricamente densas de aquel estilo pictórico. Los 31 artistas en la exposición eran Walter Darby Bannard, Jack Bush, Gene Davis, Thomas Downing, Friedel Dzubas, Sam Francis, Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Nicholas Krushenick, Alexander Liberman, Morris Louis, Howard Mehring, Kenneth Noland, Jules Olitski, Frank Stella y una serie de otros artistas norteamericanos y canadienses que se dieron a conocer en los años sesenta. El origen de esta tendencia pictórica se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas realizó la Bauhaus y que Albers difundió por Estados Unidos. De esta manera nació una pintura que sustituyó al expresionismo abstracto en los años sesenta. La pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por sí misma: lienzos de grandes dimensiones que emplean únicamente el color, de forma absoluta. Se subdividió en dos tendencias: la Colorfield (campos de color, Obras de K. Noland y M. Louis) y la Hard Edge ("borde duro"). A F. Stella se le debe la creación de los lienzos con forma, los «Shaped Canvas», en los que el cuadro ya no es rectangular, sino que puede adoptar muchas formas (triángulos, uves, polígonos). Conforme la pintura siguió avanzando en diferentes direcciones, impulsada por el espíritu de innovación de la época, el término «abstracción pospictórica», que había circulado bastante durante los años sesenta, fue gradualmente superado por las citadas pintura de borde duro y pintura de los campos de color; o convergió con otras tendencias, como el minimalismo y la abstracción lírica.

Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. La abstracción de "hard-edge" nunca murió del todo, ni aun en los días más florecientes de Pollock y Kline. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.

Homenaje al cuadrado "curioso", 1963, Albers

Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación. En consecuencia, era completamente cosmopolita. El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color. Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera. Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuando su tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica". Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica. La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo. Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.

Su pintura consiste en campos planos de color. La naturaleza doctrinaria de la abstracción pospictórica es sorprendente. Entre éstos están Al Held. Jack Youngerman y Ellsworth Kelly. Generalmente. en parte. Partiendo de lo que Jacques Barzun. y la pintura rechazará todo lo que no sea pictórico". Tal como los positivistas lógicos se han concentrado en los aspectos puramente lingüísticos de la filosofía. describió como la naturaleza "abolicionista" del expresionismo abstracto (refiriéndose a su aparente deseo de suprimir el arte del pasado). sin ser calificado como abstraccionista pospictórico en el sentido más estricto fue Ad Reinhardt. 1952. especialmente cuando la imagen deriva de alguna forma natural.Pintura Roja. Ad Reinhardt Otro pintor cuya obra tiene algo de esta cualidad. Desde una orquestación de intensos colores. que está arbitrariamente cortada por el borde. También está el hecho de que la "energía" y el "interés" son conceptos pictóricos tradicionales que. ya muy grande. Como mecanismo para impartir energía e interés a la pintura es bastante exitoso. no hubiera alcanzado para acomodar la forma. La crítica americana Barbara Rose señala que: "en el proceso de autodefinición. una forma artística tenderá hacia la eliminación de todos los elementos que no correspondan con su naturaleza esencial. A veces un color contiene completamente a otro. tal como la de una hoja. de manera que el cuadro consiste en una imagen colocada sobre un fondo. el nuevo estilo rechazó estratagemas aun más enteramente que Albers y Reinhardt. éstas son las obras más flojas de Kelly. excepto de un estrecho campo de consideraciones estrictamente pictóricas. Otras veces parece como si la tela. ya sea simbólico o literario. la fascinación no de los medios pictóricos sino de la doctrina estética. que el cuadro parece ser negro o casi negro. así los pintores que adhieren al movimiento se han preocupado de desprenderse de todo. Albers. De éstos. Reinhardt pasó hacia el negro. rígidamente divididos uno de otro. Reinhardt pasó en los años cuarenta a través de una fase en la que su obra se acercó a la caligrafía de Tobey. Influido por el arte decorativo abstracto de Persia y el Medio Oriente. . Es interesante comparar a Albers y Reinhardt con los pinceles de "hard-edge". Kelly probablemente sea el más conocido. hasta que es estudiado detalladamente de cerca y entonces los rectángulos componentes emergen de la superficie. en el sentido en que los acabo de usar. Lo que relaciona a Albers ya Reinhardt con los así llamados abstraccionistas pospictóricos es. Reinhardt y los abstraccionistas pospictóricos parecen igualmente determinados a rechazar. Según este argumento. el arte visual será despojado de todo significado extravisual. y continúa en la imaginación del espectador. en una ocasión. pero quizás hay algo de engaño y trampa en ello. quien se hizo una fama como el no conformista profesional del mundo artístico de Nueva York durante la década del cincuenta y logró retenerla hasta su reciente muerte. La pintura característica de su última fase contiene colores tan oscuros y tan próximos en valor unos de otros. Pero estas marcas "escritas" se reunieron y se convirtieron en rectángulos que cubrieron toda la superficie del cuadro. pero todavía muy norteamericana. que tienen una actitud más convencional hacia la composición.

contra la luz y la sombra.. otro pintor amigo. El viaje fue un éxito y Louis quedó especialmente impresionado. sino que volcaba. como si mirando la primera señal viéramos por primera vez el vacío. la mudez y la falta de pasión -lo "tranquilo" en el sentido vulgar del término-. . El . Pero "debajo" es una palabra incorrecta. ciertamente habrían de ser la característica de la nueva fase del arte norteamericano. se vuelve pintura en sí. Un aspecto de la novedad era su técnica. en favor del color. paralelas. El crítico americano Max Kozloff declara que. inundaba y fregaba el color en la tela. Una de las ventajas de la técnica del teñido. Añade: "Newman. Como señaló Greenberg: "Su reacción contra el cubismo fue una reacción contra lo escultural. "el color no se usa tanto para desbordar los sentidos como para impresionar a la mente con su curiosa mudez y sordera". para que el ojo sienta debajo la fibra y la trama de la tela. sin embargo. Esta desviación del proceso de color fue reticente en ciertos aspectos."Louis derrama pintura en una tela de lona de algodón gruesa. El proceso de teñido significó una reacción contra la forma. sería de ahora en adelante evitado. El procedimiento de Newman para conseguir el efecto deseado. dando énfasis al plano. Morris Louis difiere de esto en que no es tanto un pintor sino un teñidor.los objetivos de Newman ya estaban claros. la fibra y la trama forman parte del color". con una pintura de Helen Frankenthaler. El efecto en su obra fue acercarlo tanto hacia Pollock como hacia Frankenthaler (considerándolos como influencias) . era permitir que el rectángulo de la tela determinase la estructura pictórica. en parte a través de la explotación de un nuevo material. Franjas irregulares de color. Louis no "pintaba" incluso en el sentido de Pollock. La tela. Louis fue un artista que llegó a su estilo maduro por medio de una repentina notoriedad. Con Newman. todavía tenemos la sensación de que la tela es una superficie a la que se le ha aplicado pigmento. Evidentemente. que daba a sus pinturas un maquillaje físico muy diferente que el de los expresionistas abstractos. que vio en su estudio. La tela está dividida. que da una apariencia plana a la tela. Sus primeras pinturas después de su irrupción son capas de cambiantes matices y tonos: no existe . cuando el expresionismo abstracto estaba en la cúspide de su éxito. Hacia 1950 -es decir. Louis no era neoyorquino. color en sí mismo.Omicron. que es de color intenso. por una o varias bandas. sin ser apasionado en lo más mínimo". estando impregnada con pintura. más que simplemente cubierta por ella. pero hacia el invierno de 1954 llegó súbitamente a una nueva forma de pintar." Aun el espacio poco profundo que Pollock había heredado de los cubistas. dejando el pigmento casi en todos lados lo suficientemente diluido. y Nueva York era un lugar al que notoriamente rechazaba visitar. Louis habría de intentar y lograr recuperar algunas de las ventajas del dibujo tradicional aplicándolos a las manchas. tanto para encontrarse con el crítico Clement Greenberg como para ver algo de lo que estaban haciendo entonces los artistas de Nueva York. sin importarle cuántas capas del mismo están sobrepuestas. En abril de 1953. que fueron pintadas en la primavera y verano de 1961. Kenneth Noland. Michael Fried señala: "Los arroyos inclinados. da la impresión de estar fuera de control.de acuerdo con esta afirmación. sin marco y sin preparar. Más aún que los principales expresionistas abstractos. Ya sea que uno esté -o no.Siguieron algunos meses de experimentación. Vivía en Washington. la pintura acrílica. también muestran algunas características de la abstracción pospictórica en sus trabajos tardíos. De hecho. El color es una parte integral del material que ha usado el pintor y el color vive en la propia trama. un ejemplo es el uso de pintura diluida. que más tarde Greenberg describió de esta manera: . lo convenció de que hiciera el viaje. en la obra de Newman. en lo que concernía a Louis. Louis logró su originalidad. La línea de la división se usa para activar el campo. más que como una composición -ambición que fue considerablemente más allá de Pollock. ya sea horizontal como verticalmente. con algunas pequeñas variaciones de matices de un área a otra. habitualmente. Montañas y mar. Morris Louis Los dos pintores que pueden considerarse como los verdaderos creadores de este movimiento son Morris Louis y el veterano expresionista abstracto Barnett Newman. aparecen ahora en diagonales como formando alas en los bordes de grandes áreas de tela que se dejan sin pintar.abren el plano del cuadro más radicalmente que nunca. Quería articular la superficie de la pintura como un "campo". 1961. como género teñido. Esto es particularmente cierto en la serie de telas llamadas Desplegamiento. Esta irrupción es una de las cosas que deben tenerse en cuenta al discutir su obra. En experimentos posteriores. a pesar de que otros expresionistas tales como Jack Tworkov. era el hecho de que podía poner color sobre color.la sensación de que las varias configuraciones de color hayan sido dibujadas con un pincel. Louis tenía entonces cuarenta y un años y no había producido más que trabajos de importancia menor hasta ese momento.

Los cuadros compuestos sobre este principio son de fines de los años cincuenta y principios de los sesenta. donde la tela está diseñada para ser colgada diagonalmente. están reunidas acierta distancia de los costados de las telas. tiende a pintar en series. lo que produce efectos de vibraciones ópticas. algunas de ellas de más de nueve metros de largo. en su estricto. intensificadas por la cabal vastedad del campo. como las pinturas tardías en franjas diagonales de Louis. usando un único motivo con distintas variantes hasta que siente que ha agotado sus posibilidades. Comparado con sus primeras obras. o se abriría si innumerables convencionalismos tanto del arte como de la vida práctica. Still. Noland comenzó. en el exacto centro de una tela cuadrada. O mejor. que envuelve y ahoga alojo. Señala Fried: 'la tela sin preparar en las pinturas de anillos concéntricos de Noland cumple en gran parte la misma función que los campos coloreados en los grandes cuadros de Newman de alrededor de 1950. Luz baja. Noland permitió a la tela sin preparar que continuase jugando su papel. Los tonos están muy próximos.. pero generalmente parece que. El primer motivo importante en la obra de Noland tiene la forma de un blanco con anillos concéntricos en diferentes tonos. efecto producido por el teñido irregular en sus bordes. Estos cuadros tardíos muestran el extremo refinamiento de la sensibilidad de Noland al color. Al principio. sin áreas neutras. como Louis. como un abismo infinito. A menudo los blancos parecen girar contra el fondo de la tela sin marco. no restringiesen las consecuencias de nuestro acto dentro de estrechos límites". casi se encuentran: examinándolas de cerca demuestran . en conjunto. En ellos. Después de un tiempo. una serie donde usó el motivo de los galones. más que pintado de la tela. Pero los galones sugirieron la posibilidad de un soporte de forma romboidal -una especie de pintura que sería totalmente color. el color es más pálido y más claro. inapartable paralelismo. la forma de un blanco fue usada. no como Jasper Johns la utilizó contemporáneamente. tienen relación con algunos cuadros de Mondrian. Estas telas. Louis habían podido conseguir". eran las características que Louis compartió con otros pintores abstractos postpictóricos. adoptó la nueva técnica del teñido. Ésta fue la señal de una creciente preocupación por considerar a la tela simplemente como un objeto. en comparación con los Desplegamientos que le precedieron. con bandas coloreadas adosadas a las bandas del bastidor. Newman. sólo los pintores cuyas imágenes ocupan todo o casi todo el campo del cuadro -Pollock. El socio y amigo de Louis. estricto paralelismo e impulso constructivo (como se muestra en las pinturas con franjas diagonales). como Louis. en consecuencia. La relación expresionista abstracta y la constructivista comienzan a reunirse aquí. fue más lento en lograr su propio despegue y. como en las pinturas tardías de Louis y es abandonada toda pretensión de composición. Kenneth Noland Después de experimentar con una forma elipsoide que ya no estaba. El borde-bastidor comenzó a tener una importancia que. El color se reduce así a su más simple relación. en tres pinturas de esta serie. generalmente de ancho apenas diferente. un refuerzo adicional del impulso que lleva a dibujar. en 1962. Noland hubiese logrado cargar la totalidad de la superficie de la tela con una especie de intensidad perceptual que.deslumbrante espacio de la tela sin tocar repele y al mismo tiempo subyuga alojo. con una deliberada intención de aludir a su banalidad. en estas pinturas. en todos los casos. Y. las líneas de color parecen inertes y esto es cierto aun cuando. Fried piensa que éstas muestran. pertenece a una etapa posterior del desarrollo de este nuevo tipo de pintura abstracta. Pero. No hay nada pictórico en la forma en que se aplica el color: no tiene ni siquiera la falta de uniformidad de los teñidos de Louis y las bandas de color se encuentran más firmes y decisivas que las franjas de éste. los rombos de Noland se volvieron más angostos y más largos y eventualmente el modelo de galones fue abandonado por franjas que corrían horizontalmente sobre enormes telas. las franjas cruzan diagonalmente a través de la tela. donde las franjas de color. hasta ese momento. sino como medio de concentrar el efecto del color. Noland. Kenneth Noland. no se le había dado desde Pollock. abismo que se abre tras la más mínima marca que nosotros hacemos sobre una superficie plana. El período final de actividad de Louis (murió de cáncer al pulmón en 1962) comprendió una serie de pinturas en franjas. 1965. Inercia.

estar separadas por bandas infinitesimalmente estrechas de tela sin preparar. dis persos al azar. Es interesante notar que. La paradoja en la obra de Olitski es el tamaño de la escala comparada con la limitación del contenido. en aluminio. Jules Olitski. de Nueva York. están hablando del aparente dominio de la abstracción pospictórica en Nueva York. a veces.'Sixteen Americans" del Museo de Arte Moderno. una relación con la obra más reciente de Roy Lichtenstein. seguido de uno donde las telas adaptadas se combinaban para formar composiciones seriadas. Las pinturas en sí mismas son generalmente vastas. Lo mismo podría decirse sobre la obra de Larry Poons. En esencia. El efecto es casi como si alguien hubiese cortado y sistematizado las telas "órficas" de Robert Delaunay y también hay más que una insituación de los moldes del jazz moderno. Cuando los parisienses hablan. Si Stella pareció inclinarse a coquetear. cosa que existe por su propio derecho y que es enteramente autorreferida. lo que sugiere. el color es barroso. . es Gran Bretaña. la terminación deliberadamente áspera. 1968. los cuadros insinúan una posición estética con el fin de negarla. tiene un vínculo directo con la de Barnett Newman. En las primeras obras de Poons. Las pinturas que establecieron la reputación de Stella fueron aquellas que se exhibieron en la exposición . están curvadas. tanto éxito en el escenario del arte europeo. su típica obra no deja dudas sobre su verdadera ubicación. Los tonos están muy próximos entre sí. El único país donde sus ideas han ganado un considerable apoyo fuera de los Estados Unidos. sin embargo. sino por la pintura como objeto. tienden a mostrar que la conexión de Poons con el op art fue accidental. evidentemente. cobre y pintura magenta. Éstos hicieron de las pinturas no sólo objetos para colgar en la pared. que la pisada de un hombre. Su obra. modeladas con franjas paralelas de aproximadamente 6 cm de ancho. los matices. ha estado experimentando con lo que es esencialmente una crítica al expresionismo abstracto. sin embargo. Cuadros más recientes. verdaderamente expresadas y sentidas. Olitski cubre grandes áreas de la tela con manchas suaves. Las formas ovales características han sido ampliadas hasta que llegaron a ser tan grandes. Se ofrece alojo observador una multitud de puntos de enfoque por los que la vista se desliza sin llegar a descansar. Stella comenzó a usar soportes con formas. con bacilos alargados. efecto que Noland puede haber tomado de las primeras pinturas de Frank Stella. Más recientemente vinieron telas asimétricas pintadas en vívidos colores que segmentan las formas que ahora. Las pinturas parecen ahora como plaquetas inmensamente ampliadas de microscopio. esas áreas manchadas a menudo contrastan una pasada de empalagosos brochazos gruesos. del rechazo norteamericano hacia "nuestros pintores". la abstracción postpictórica no tuvo. sino CosaS que activaban la totalidad de la superficie de la pared. el efecto óptico está acrecentado por la selección del tono y del matiz. otro pintor colorista. lo que genera una imagen latente en el ojo. y uno siente que el placer visual ha sido sacrificado a la característica aplicación estricta de una doctrina. Su preocupación no es tanto por el color como color. al mismo tiempo. en agudo contraste. es más estructuralista que abstraccionista pospictórico. con puntos de color contrastante. Sin título. Stella continuó ejecutando otras series de pinturas a franjas. Hubo entonces un período de experimento con pinturas donde las franjas eran de diferentes colores. reminiscentes no tanto de Pollock sino de un europeo como De Stael. a veces algo amargamente. en 1960. y esto es algo que simboliza la transferencia de influencias sobre el arte británico. sin embargo. Frank Stella Stella. a pesar de que su trabajo está a menudo agrupado con el de Louis y el de Noland. La dulzura y la hermosura son irónicas y. mientras que tanto el expresionismo abstracto como el pop art obtuvieron triunfos muy considerables en Europa. Más aún que en la obra de Noland y Stella. A pesar de que Poons a veces ha sido llamado artista op. en su obra reciente. elegidas para repetir la de las tablas de madera utilizadas para el soporte del cuadro. tanto con el primer modernismo como con el pop art. ni medianamente. Con las pinturas de aluminio y cobre. sus pinturas consisten en un campo coloreado. Eran todas telas negras. o más aún. estas pinturas se dirigen a un público conocedor.

Una de las cosas que parecen dividir a estos pintores ingleses de sus colegas norteamericanos. Parece que le debe algo importante a Matisse y Miró. es el hecho de que los ingleses permanecen fascinados con la ambigüedad pictórica y continúan engañando con los efectos de la profundidad y perspectiva que son extraños al arte norteamericano del mismo tipo. ya sea sombríos o lechosos. La obra de pintores tales como John Walker. . ya que una de sus fuentes son dibujos en perspectiva de arquitectura. uno de los pocos artistas británicos con un dominio de la escala como el de los norteamericanos. también son más complejas que la obra de su contraparte norteamericano. 1967. Robyn Denny Las pinturas de Robyn Denny. o en los abstraccionistas pospictóricos de la segunda generación. y sus pinturas no han abandonado claramente todas las ideas tradicionales sobre el tema de la composición. La obra de la señorita Jaray aclara particularmente el punto. Pero Hoyland a veces obtiene hostil reacción por parte de los estudiosos norteamericanos por no ser lo suficientemente PUf sang. lo suficientemente reduccionista. John Hoyland. Jeremy Moon y Tess Jaray muestra esta controversia. a quien Hoyland en una época admiró muchísimo.Por ejemplo. Su uso del medio de la pintura acrílica es suficiente para afirmarlo. está esencialmente en la tradición de Louis y Noland. Uno puede incluso detectar referencias a De Stael. como Edward A Vedisian. a pesar de su estricta simetría bilateral. no tienen la autoindulgencia que uno encuentra en Olitski. Desarrollo. Paul Huxley. Los colores que usa Denny.

Yaacov Agam. los contrastes cromáticos marcados. los cambios de forma o tamaño. Estos Op-Art Artistas Jesús-Rafael Soto. Michael Kidner: Azul. verde. también conocido como optical art. de las que las más significativas fueron la comisariada por Clement Greenberg en 1964 en el Los Angeles County Museum of Art titulada Post- . Doble metamorfosis III. por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. casi toda la pintura que he discutido en este capítulo ha sido hecha en los últimos diez años. ya sea en una sola imagen concentrada o repetida en un sistema dispuesto según un principio claramente visible de organización. Nueva York. Esto no sólo ha significado un gran vuelco de la atención hacia la escultura sino. con sus cuadros en relieve. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond. 1966. En Norteamérica y Gran Bretaña. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento. A esta muestra le siguieron numerosas exposiciones. Guggenheim de Nueva York. En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Julio Le Parc. En esta época el centro del arte es. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. cuadrados. A pesar de que el éxito de Louis tuvo lugar a mediados de la década del cincuenta. definitivamente. Solomon R. la abstracción pospictórica parece aún más definitiva. Esto ha tenido un resultado inesperado. En 1961 el Solomon R. Zanis Waldheims. para referirse a un tipo de arte abstracto que se caracteriza por la utilización de formas estandarizadas muy simples. Bridget Riley: Current. normalmente de tipo geométrico. a pesar de todo. Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia. Tess Jaray La abstracción pospictórica es una moda comparativamente reciente.Jardín de Alá. Donde los partidarios del expresionismo abstracto ya hablaban de éste como de algo definitivo. sino que exigen del espectador una actitud activa. es un estilo[1] de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. que ha llevado hacia un creciente número de experimentos con medios mixtos y al campo del arte cinético. pero Alloway también utilizaba el término al referirse a la pintura ColourField. triángulos o círculos. Youri Messen-Jaschin. poli o bi-cromáticos. Jeffrey Steele: La volta. un análisis de las tendencias artísticas del momento. violeta y marrón. La muestra evidenciaba la diversidad existente en el seno de la Escuela de Nueva York más allá de los lienzos gestuales de la pintura de acción. la combinación o repetición de formas o figuras. Guggenheim Museum presentaba una exposición titulada American Abstract Expressionists and Imagists (Expresionistas abstractos e imagistas americanos). Ha comenzado a notarse que los artistas quieren encontrar su camino hacia adelante están ahora inclinados a abandonar la idea de la pintura como vehículo para lo que quieren hacer o decir. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos. Los cuadros de cabrio de Noland son ejemplos de arte sistémico. buscando el principio y el fin. Carlos Cruz Diez. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas. Sistémico arte Término acuñado por el crítico Lawrence Alloway en 1966 cuando organizó una exposición de «Pintura Sistémica» en el Mus. Se le ha descrito como una rama del Arte Minimal. Supernova. un punto a partir del cual el arte no podía tener esperanzas de progresar. ya sean. disfruta del status de una ortodoxia. Op-art El Op art.

A los artistas que aplicaban pigmentos sobre grandes zonas del lienzo. Greenberg utilizó definiciones amplias para vincular tendencias que. Nolan fue incluido en la exposición de Alloway de 1966. Louis aplicó pigmento diluido sobre el lienzo sin tensar permitiendo que la pintura fluyera sobre la superficie inclinada. que manejaban el color con un nuevo protagonismo. y que trabajaban en contra del núcleo Expresionismo Abstracto a finales de los años cincuenta llevando la abstracción por nuevas sendas mientras el Arte Pop americano dominaba la escena artística. Al utilizar la pintura como un tinte que penetra en las fibras del lienzo en lugar de aplicarla con un pincel sobre la capa superficial. Para lograr este efecto. Los lienzos con formas simétricas de Frank Stella también entraban en su clasificación. como en el caso de Jackson Pollock y su característico goteo de pintura. presentando un nuevo lenguaje de forma y color. . Ahora el Guggenhiem Bilbao recupera en una presentación de su colección ocho cuadros pintados por aquellos artistas. con frecuencia. En 1967. Los lienzos a rayas de Gene Davis crean ritmos de repetidas líneas verticales de diversos tonos. Este método. la serie de Stella Transportador (Protractor) introducía la curva en su obra. Trasladando este método a su propio lenguaje. eliminando la pincelada gestual que había sido distintiva del Expresionismo Abstracto. Pintura Hard-Edge y Abstracción Geométrica en el momento en que fueron creadas y desde entonces las incluye en sus presentaciones más destacadas dedicadas a los años sesenta y setenta. formadas por bandas de color verticales. se les denominaba. Así sus pinturas. el Solomon R. y a otros como Jack Youngerman.Painterly Abstraction (Abstracción postpictórica) y la de Lawrence Alloway de 1966 en el Guggenheim de Nueva York Systemic Painting (Pintura sistémica). Kenneth Nolan también utilizó la técnica de manchar lienzos sin aprestar pero trató la relación del color y la forma en una serie de obras centrada en círculos. una revisión de la pintura "sin límites" (allover) de Pollock. en ocasiones. translúcidas y entreveradas. y eventualmente en lienzos de diferentes formatos. que parecían extenderse más allá de los límites del lienzo. La exposición de Greenberg de 1964 incluía 31 artistas con rasgos estilísticos comunes. o de Willem de Kooning y su frenética pincelada. En vez de utilizar pinceles. con el que se empapa la tela de algodón sin imprimación con pintura acrílica muy diluida. Pintura Sistémica. sin las huella de la pincelada de los expresionistas abstractos. Sus obras evidenciaban la planaridad de la superficie pictórica y la falta de distinción entre el tema y el fondo. Desde su vocación de coleccionar la variedad y complejidad de caminos que tomó la abstracción en el siglo XX. Con el término "Pintura Sistémica". empapaban o rociaban la pintura sobre los lienzos. "pintores de campos de color". que trabajaba de una forma más libre pero con unos colores limitados. formas de cheurón. estos artistas desarrollaron una técnica que Helen Frankenthaler comenzaría a emplear en 1952 —consistente en manchar con color el lienzo hasta que éste absorbe la pintura— denominada soak-stain. El Guggenheim expone la pintura que sucedió al expresionismo abstracto Ocho lienzos de gran formato componen una nueva presentación de la colección permanente El Museo Guggenheim de Nueva York compró a lo largo de los años 60 una serie de pinturas representativas de los artistas jóvenes que en los Estados Unidos reaccionaban contra la gestualidad del expresionismo abstracto y se quedaban al margen del éxito que cosechaba el pop art. Alloway agrupaba a artistas que experimentaban con estas variaciones sobre un tema de forma deliberada y seriada. intensidades e intervalos. los artistas fusionaron forma y fondo a través del color. son conocidas como Veils o veladuras. Los siete artistas que se presentan en esta muestra se encuentran entre los que formaron parte de estas presentaciones. como también lo fue Larry Poons. Poniendo de relieve la "claridad y expansión" de las obras y su preferencia por los colores luminosos. A mediados de los años ochenta. perforadas para hacerlas parecer ordenadas y aleatorias simultáneamente. y una escala cada vez mayor. incluso cubriendo su totalidad. ni siquiera tenían nombre. Guggenheim Museum adquirió estas obras junto con otros ejemplos de Pintura de Campos de Color. daba como resultado una superficie rica y saturada. Jules Olitski comenzó a aplicar mediante aerosol capas de pintura diluida creando campos de color ininterrumpidos. cuyos cuadros de los años sesenta incluían superficies manchadas de color. Morris Louis visitó el estudio de Frankenthaler en 1953 y allí vio la primera pintura que ésta había realizado mediante su característica técnica de color. los artistas derramaban.

Davis pintaba lienzos que repetían líneas verticales de diferentes colores. 1936). Carolina del Norte. se muestra en la exposición Long March II (1969). Fueron los críticos que organizaron aquellas muestras quienes bautizaron la dispar evolución artística con los nombres de abstracción postpictórica y pintura sistémica. sin las huella de la pincelada de los expresionistas abstractos. El Guggenheim volvió a ocuparse de los artistas que se movían contra los pincipios del expresionismo abstracto en 1966 con la exposición Pintura sistémica. Kentucky. 1920-1985). Jack Youngerman (Louisville. mientras Frank Stella está representado por Hatra II (1968). Kenneth Noland (Asheville. Kenneth Noland (Asheville. La conservadora del Guggenheim Petra Joos recordó que los pintores reunidos en Pintura de campos de color participaron en las exposiciones que hace ya 40 años recogieron la evolución del expresionismo abstracto por nuevos caminos que se separaban de la denominada action painting. Noland optaba por encajar el color en formas bien estructuradas y en lienzos de formatos poco convencionales. Carolina del Norte. 1922). Larry Poons (Tokio. por ejemplo. Frank Stella (Malden. Larry Poons (Tokio. Stella. Massachussets. Frank Stella (Malden. Noland es el único artista representado en la exposición con dos obras. formando bandas de colores translúcidos que se cruzan entre sí. mostrando su trabajo y comenzando a adquirir piezas de pintores entonces desconocidos. 1922). El Guggenheim volvió a ocuparse de los artistas que se movían contra los pincipios del expresionismo abstracto en 1966 con la exposición Pintura sistémica. En 1961 el Museo Guggenheim de Nueva York ya había prestado atención a los nuevos expresionistas. De Youngerman. "Estos artistas fundieron la forma y el fondo a través del color". Kentucky. 1926) y Jules Olitski (Snovsk. 1936). creadas en 1964 y en 1979. La conservadora del Guggenheim Petra Joos recordó que los pintores reunidos en Pintura de campos de color participaron en las exposiciones que hace ya 40 años recogieron la evolución del expresionismo abstracto por nuevos caminos que se separaban de la denominada action painting. 1937). Noland y Youngerman. en las que también trabajó con lienzos sin tratar. 1937). Fueron los críticos que organizaron aquellas muestras quienes bautizaron la dispar evolución artística con los nombres de abstracción postpictórica y pintura sistémica. Ahora el Guggenhiem Bilbao recupera en una presentación de su colección ocho cuadros pintados por aquellos artistas. mostrando su trabajo y comenzando a adquirir piezas de pintores entonces desconocidos. un cuadro que revela como limita el color. 1926) y Jules Olitski (Snovsk. El Museo Guggenheim de Nueva York compró a lo largo de los años 60 una serie de pinturas representativas de los artistas jóvenes que en los Estados Unidos reaccionaban contra la gestualidad del expresionismo abstracto y se quedaban al margen del éxito que cosechaba el pop art. un lienzo que muestra la forma en la que Louis pintaba dejando fluir los pigmentos sobre el lienzo sin imprimación. Jack Youngerman (Louisville. 1929). Joos señaló que Louis adaptó a su propio lenguaje una forma de pintar que descubrió en el estudio de Helen Frankenthaler. La entrada definitiva en el panorama artístico de los renovadores llegó en tres años más tarde con una exposición en el Los Angeles County Museum of Art. 1929). 1912Washington. Massachussets. Gene Davis (Washington. Rusia. titulada Abstracción postpictórica. Gene Davis (Washington. El cuadro que abre la cronología de Pintura de campos de color es Zarabanda (1959). 1912Washington. Olitski renovó la técnica de dispersar la pintura con el empleo de aerosoles que creaban campos de color ininterrumpidos que parecen extenderse más allá del lienzo. que penetraban en las telas sin el empleo de pinceles. 1920-1985). una artista que aportó su lirismo a la corriente del expresionismo abstracto pintando con colores muy diluidos. En 1961 el Museo Guggenheim de Nueva York ya había prestado atención a los nuevos expresionistas. que manejaban el color con un nuevo protagonismo. fueron parte de los artistas calificados como sistémicos a pesar de sus diferencias.Pintura de campos de color estará abierta al público hasta 2007 con trabajos de Morris Louis (Baltimore. con un efecto semejante al de los papeles recortados de Matisse. 1962). titulada Abstracción postpictórica. Pintura de campos de color estará abierta al público hasta 2007 con trabajos de Morris Louis (Baltimore. . un ejemplo de los cuadros en los que introdujo la línea curva y trabajaba con una escala cada vez mayor. La entrada definitiva en el panorama artístico de los renovadores llegó en tres años más tarde con una exposición en el Los Angeles County Museum of Art. Rusia. 1962). La utilización del color en los artistas de la exposición fue muy diversa. explicó Joos. A diferencia de otros artistas incluidos en la exposición. como Poons.

Noland optaba por encajar el color en formas bien estructuradas y en lienzos de formatos poco convencionales. fueron parte de los artistas calificados como sistémicos a pesar de sus diferencias.2 Vida en Estados Unidos 2 Estilo y evolución de su obra 3 Instituciones 4 Fuentes 5 Enlaces externos . un ejemplo de los cuadros en los que introdujo la línea curva y trabajaba con una escala cada vez mayor. Josef Albers Estampilla que conmemora a Josef Albers Sello de correos dedicado a la Bauhaus con obra de Josef Albers Josef Albers (19 de marzo de 1888 . A diferencia de otros artistas incluidos en la exposición. Noland y Youngerman. creadas en 1964 y en 1979. explicó Joos. Olitski renovó la técnica de dispersar la pintura con el empleo de aerosoles que creaban campos de color ininterrumpidos que parecen extenderse más allá del lienzo. Stella.26 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo. en las que también trabajó con lienzos sin tratar. creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX. Noland es el único artista representado en la exposición con dos obras. Joos señaló que Louis adaptó a su propio lenguaje una forma de pintar que descubrió en el estudio de Helen Frankenthaler. formando bandas de colores translúcidos que se cruzan entre sí. "Estos artistas fundieron la forma y el fondo a través del color". un cuadro que revela como limita el color. con un efecto semejante al de los papeles recortados de Matisse. tanto en Europa como en los Estados Unidos. se muestra en la exposición Long March II (1969). como Poons. que penetraban en las telas sin el empleo de pinceles. De Youngerman. por ejemplo. una artista que aportó su lirismo a la corriente del expresionismo abstracto pintando con colores muy diluidos. Davis pintaba lienzos que repetían líneas verticales de diferentes colores.      1 Biografía o 1.1 Estudios y primeros trabajos en Alemania o 1. mientras Frank Stella está representado por Hatra II (1968). un lienzo que muestra la forma en la que Louis pintaba dejando fluir los pigmentos sobre el lienzo sin imprimación.El cuadro que abre la cronología de Pintura de campos de color es Zarabanda (1959). La utilización del color en los artistas de la exposición fue muy diversa.

Inspirado por Piet Mondrian en 1913 pintó su primer cuadro abstracto. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Víctor Vasarely fundador del Op-art. Susan Weil. formas. uno de los sociedades secretas de Yale (1962). Entre estos se chimeneas geométricas distintivo de las casas de Rouse (1954) y DuPont (1959). y en la Escuela de Arte en Essen de 1916 a 1919. encargándose del programa de arte hasta 1949. . En 1935. Albers dirigió el Departamento de Diseño de la Universidad de Yale. la artista textil Anni Albers. son varios latinoamericanos que se forman en esta escuela siendo una de sus alumnas más destacadas la cubano-mexicana Clara Porset. Robert Rauschenberg. como becario de la Universidad de Yale. Bottrop. la fachada de la Sociedad del Manuscrito. Albers emigró a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del Norte). Albers también colaboró con el arquitecto y profesor de Yale Rey-lui Wu en la creación de diseños decorativos para algunos de los proyectos de Wu. Cy Twombly. entre otras cosas. Esto demuestra que un mismo color en función del entorno causa un efecto radicalmente distinto en el espectador. Sin embargo. en este tiempo trabajó en su constelación de piezas estructurales. líneas y áreas entre sí. Desde 1905 hasta 1908 estudió en la universidad de magisterio de Büren y luego enseñó como profesor de escuela primaria. con su mujer. viajó. De 1934 a 1936 fue miembro del grupo de artistas de París: AbstracciónCreación. por primera vez a Cuba y México. Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente generación de artistas. En 1908 vio por primera vez las obras de Paul Cézanne y Henri Matisse en Museo Folkwang en Essen. así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. y un diseño para la Iglesia Bautista Bethel (1973). Donald Judd y Merce Cunningham. que empezó en 1949. Vida en Estados Unidos Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933. hasta el día de su fallecimiento. Ray Johnson. están John Cage. Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. donde. fotógrafo. Eva Hesse y Richard Serra. 1942 episodio de Grafische Tektonik Museo de Josef Albers Quadrat. En 1962. Además. Estilo y evolución de su obra Consumado diseñador. la serie Homenaje al cuadrado Museo de Josef Albers Quadrat. Albers es también uno de los representantes de Hard edge. y su intensidad y la pequeñez de escala son típicamente europeos. Albers continuó viviendo y trabajando en New Haven con su esposa. creó la cubierta abstracta del álbum del director de orquesta Enoch Light de la compañía discográfica Command Lp Records. su influencia se redujo fuertemente en los artistas americanos de la década de 1950 y 1960. cuyas imágenes son siempre los mismos tres o cuatro cuadrados de diferentes colores organizados de forma concéntrica. Bottrop. Su trabajo en este momento incluía el diseño de muebles y de trabajo con el vidrio. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color. Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores. Su trabajo incorpora las influencias europeas de los constructivistas y el movimiento Bauhaus. Sus obras más conocidas son:     1920-1 Vidrieras de colores para la Casa Sommerfeld. con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Por lo tanto. tipógrafo y poeta. y quedaron muy impresionados por la arquitectura y su influencia fue duradera. después estudió en la Academia de las Artes de Prusia con Franz von Stuck y de 1919 a 1920 en el Academia de Bellas Artes en Múnich hasta que en 1920 entró en la Escuela de la Bauhaus en Weimar (a partir de 1925 en Dessau. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado. En este contexto. Conocen al arquitecto Luis Barragán y su obra. el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau. donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo. También durante este tiempo. Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925. Tras jubilarse en Yale en 1958. Entre sus alumnos más importantes en esta institución.Biografía Estudios y primeros trabajos en Alemania Albers nació en Bottrop. Alemania. Albers estudió arte en la Real Escuela de Arte en Berlín de 1913 a 1915. sus series más famosas son parte de Homenaje al cuadrado. enseñó a Richard Anuszkiewicz. Hacia 1950. recibió una subvención de la Graham Foundation para una exposición y conferencia sobre su trabajo. de 1932 a 1933 en Berlín). Londres. En 1953 regresó como profesor invitado a la Escuela de Diseño de Ulm. De 1950 a 1958. El trabajo de Albers representa una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano. En 1963 publicó Interacción del Color que presentaba su teoría de que los colores se rigen por una lógica interna y engañosa. 1924 "Parque" Galería Tate. En esa época se casó con Anni Albers que era entonces un estudiante de la Bauhaus. en New Haven (Connecticut). Westfalia.

una organización sin afán de lucro que esperaba que fuera "la revelación y la evocación de la visión a través del arte". así como estudios de residencia para artistas visitantes. autor de catorce libros.       1 Biografía 2 Estilo 3 Obra literaria 4 Obra 5 Referencias 6 Enlaces externos Biografía Reinhardt estudió historia del arte en la Universidad de Columbia. y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco. pero estaban en realidad compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro. Su ingenio conciso. of California Press. con quienes desarrollaría conceptos similares de simplicidad en diferentes direcciones. En 1970 se convirtió en ciudadano honorario de su ciudad natal de Bottrop. Reinhardt estudió pintura con Carl Holty y Francis Criss en la Escuela Americana de Artistas. un color que algunos espectadores ni siquiera consideran como tal. Nueva York. hacen su lectura interesante incluso para aquellos que nunca han visto sus pinturas. pionero del arte conceptual y del minimalismo. 1991.UU. Connecticut e "incluye una central de investigación y un centro de almacenamiento de archivos para dar cabida a las colecciones de arte de la Fundación. Su trabajo evolucionó desde composiciones con formas geométricas en los años 1940. y rápidamente se transformó en un miembro del grupo de Artistas Abstractos Americanos. pintor y escritor. . su enfoque aguzado. para la Fundación Josef y Anni Albers es la Artists Rights Society. Anni Albers. (Buffalo (Nueva York). Estilo Crítico del expresionismo abstracto. a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo. es comúnmente considerado como neodadaista. Hoy en día. En 1971 (casi cinco años antes de su muerte). Obra literaria Su literatura incluye interesantes comentarios acerca de su propio trabajo y el trabajo de sus contemporáneos. llamado también "Ad" Reinhardt. Documenta 1968 en Kassel. Entre otras evocaciones." El representante de derechos de autor de EE. sino que también realiza exposiciones y publicaciones centradas en las obras de Albers.24 de diciembre de 1913. Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas "negras" en la década de 1960. fundó la Fundación Josef Albers y Anni Albers. Tras completar sus estudios en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York. más tarde donó una gran parte de sus bienes y se estableció el Museo de Josef Albers Quadrat en esa ciudad. y luego en la Academia Nacional de Diseño. comenzó a dar clases en el Colegio de Brooklyn. posteriormente en la Universidad de Wyoming. y en el Colegio Hunter de Nueva York. . las primeras obras de Reinhardt exhibidas evitaron representación. En 1936 comenzó a trabajar en el Proyecto de Arte Federal. U. bajo la tutela de Karl Anderson. estas pinturas pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea tan absoluto. El director ejecutivo de la fundación es Nicholas Fox Weber.Instituciones Josef Albers fue un participante en el documenta 1 en 1955 y 4. y oficinas. 30 de agosto de 1967). El edificio oficial de la Fundación está ubicado en Bethany. sus escritos levantan controversia décadas después de su composición. y abstracción. Ad Reinhardt Adolph Dietmar Friedrich Reinhardt. Obra Arte as Art. en la universidad de Yale. que en un principio parecían ser simplemente lienzos pintados de negro. editado por Barbara Rose. Lo mismo que estas últimas. en donde trabó amistad con Robert Lax y Thomas Merton. pero mostraron una estable progresión en el alejamiento de los objetos y las referencias externas. todo blanco) en los 1950. esta organización no sólo sirve como la oficina de bienes tanto de Josef Albers y su esposa. todo azul. incluso en el negro. biblioteca y archivos.

“Yellow Painting”. Óleo sobre lienzo. (Doce reglas para una nueva academia). estudió Historia del Arte en la Universidad de Colombia. desde el comienzo hasta el fin. en otras escuelas y en universidades. ni placer ni dolor”. informalidad. Red Abstract. pasando por una orquestación de intensos colores La pintura característica de su última fase contiene colores tan oscuros y tan próximos en valor unos de otros. Reinhardt pasó en los años cuarenta a través de una fase en la que su obra se acercó a la caligrafía de Tobey. puede verse en este visor.London 2004 "Lo único que se puede decir sobre arte es que es desaliento. publicadas en mayo de 1957 en Art News 1.4 x 101. Donación de The Woodward Foundation Yale University Art Gallery. Ad Reinhardt defendía que:”se puede escapar del color. Una obra representativa. las cuales. En los cincuenta su pintura evoluciona con imperceptibles variaciones tonales de verdes. inespacialidad e intemporalidad.Una selección cronológica de obras de Ad Reinhardt.. pinta sus conocidas "Black Paintings” (Pinturas Negras). Ad Reinhardt en "Twelve Rules for a New Academy". “Red Abstract”. Entre 1937 y 1943 se une al grupo de artistas abstractos americanos (American Abstract Artists).“nada de símbolos. marrones y violetas. Washington. es "Red and Blue composition" (1941). NY and DACS. Donación Patricia y Phillip Frost © Smithsonian American Art Museum Ampliar imagen Ad Reinhardt. debe elaborarse por adelantado”. Ad Reinhardt. entre otras que se exponen en el Smithsonian American Art Museum de Washington. físicos. “los colores son bárbaros. 1953 Foto: Walter Rosenblum ARTnews Collection. (Abstracto rojo). Esos han sido siempre los fines del arte. trabaja como fotógrafo. que el cuadro parece ser negro o casi negro. “todo. visiones o confecciones. realizada en 1952 y que se expone en la Yale University Art Gallery." Ad Reinhardt. y que se conserva en el Ackland Art Museum de la University of North Carolina en Chapel Hill. Óleo sobre tablero aglomerado. Smithsonian American Art Museum. citado por Joseph Kosuth. inanimidad. se especializa en arte del lejano Oriente en el instituto de Bellas Artes de Nueva York. inquietud. es una obra representativa de esta periodo.(1913-1967) Ad Reinhardt nace en Búfalo (Nueva York). En 1936 empieza a estudiar diseño en Academia Nacional de Diseño y en la Escuela de Artistas Americanos. Reinhardt finalmente pasó hacia el negro. Desde principios de los cincuenta. 1946 How to look at a Cubist Painting © ARS. tendrían una gran influencia en el arte minimal y en el conceptual.7 x 74. Ad Reinhardt: Red and Blue Composition.. También lo tendrían sus ideas. . 59. proclama: “los movimientos de la mano son personales y de mal gusto”. como al ascetismo expresivo de las «doce reglas para una nueva academia». nos ilustra de esta evolución. inestables”. y hasta su muerte en 1967.3 cm. En 1947 ejerció como profesor en el Brooklyn Collage. hasta que es estudiado detalladamente de cerca y entonces los rectángulos componentes emergen de la superficie. en Nueva York. (Pintura amarilla). 152. imágenes. pintada en 1946. Pero estas marcas "escritas" se reunieron y se convirtieron en rectángulos que cubrieron toda la superficie del cuadro y a mediados de los cuarenta sus lienzos se vuelven cada vez más monocromos y simétricos. aunque nunca de la luz”. 1952. 1941. New York Ampliar imagen Sus obras más tempranas se componen de pequeñas siluetas rectilíneas pintadas con colores brillantes que contrastan entre sí.9 cm. inmortalidad.1962. Nueva York Ad Reinhardt. New Haven ©2004 Estate of Ad Reinhardt / (ARS).

en Camberra  Yale University Art Gallery.7 de mayo de 1994) fue un influyente crítico de arte estadounidense muy relacionado con el movimiento abstracto en los Estados Unidos.  Museum of Modern Art. fue un artista comprometido políticamente. Mantuvo siempre su compromiso político con coherencia. La escritora y periodista británica Frances Stonor Saunders recoge en las páginas del libro "La CIA y la guerra fría cultural"2. Selección de páginas web con obra de Ad Reinhardt en museos.Ad Reinhardt. Es el único expresionista abstracto que no renunció a su ideología izquierdista. en Nueva York.UU. Minesota. en New Haven.  National Gallery of Australia.  Museum of Contemporary Art.  Walker Art Center. . que Reinhardt llamaba a Rothko: "fauvista de agua dulce de la revista Vogue" y que consideraba a Pollock: "el culo de Harpers Bazaar". Nacionalidad Estadounidense Clement Greenberg (16 de enero de 1909 . en Nueva York. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. Texas. de haberse vendido a la ambición y al dinero. en Washington. EE.  Modern Art Museum en Fort Worth.  Allen Art Museum en el Oberlin College. en Londres. en Los Angeles.  Montclair Art Museum.  Ackland Art Museum.  Tate Gallery. acusándoles abiertamente a ambos. Clement Greenberg De Wikipedia. promovió el movimiento del Expresionismo abstracto y tuvo relaciones muy estrechas con el pintor Jackson Pollock.  Memorial Art Gallery. New Jersey. Nueva York. en la University of North Carolina. y lucho activamente como miembro del movimiento pacifista que protestaba contra la guerra del Vietnam en 1965. Se han seleccionado las siguientes páginas web de museos que presentan obra de Ad Reinhardt perteneciente a sus colecciones o a archivos de exposiciones retrospectivas:  Guggenheim Museum. de la University of Rochester. Estados Unidos Fallecimiento 7 de mayo de 1994 Nueva York. En particular.  National Gallery of Art. búsqueda Clement Greenberg Nacimiento 16 de enero de 1909 Nueva York.

como la siguiente etapa en el arte moderno. El arte moderno. Greenberg acuñó el término «Abstracción postpictórica» para distinguirlos del Expresionismo abstracto. entre ellos Jackson Pollock. exploró las condiciones bajo las cuales experimentamos y entendemos el mundo. después del éxito de la exposición de Painters Eleven en 1956 con los artistas abstractos estadounidenses en la galería Riverside de Nueva York. Quedó particularmente impresionado por el potencial de pintores como William Ronald y Jack Bush. Greenberg afirmó que este carácter plano separaba su obra de la de los antiguos maestros. [editar] Abstracción post-pictórica Con el tiempo. la enciclopedia libre . una tendencia claramente influida por la cultura kitsch. Greenberg defendió un método de autocrítica que permitiera que la pintura abstracta pasara de ser decorativo papel pintado a un auténtico arte. Greenberg defendió la obra de los expresionistas abstractos. En el ensayo del año 1955 titulado «American-Type Painting». y Clyfford Still. Greenberg se apropió de la palabra alemana 'kitsch' para describir este consumismo. Barnett Newman De Wikipedia. un cambio que él había reclamado en la mayor parte de sus escritos de la época. y más tarde desarrolló una amistad íntima con Bush. o Abstracción pictórica. aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces hacia una noción más afirmativa de materiales de desecho de la cultura capitalista. Consideraba que Estados Unidos se había convertido en el guardián del «arte avanzado». y los pintores Color-Field como Helen Frankenthaler y Morris Louis. Greenberg consideró que los mejores artistas de vanguardia estaban surgiendo en Estados Unidos y no en Europa. Barnett Newman. viajó a Toronto a ver la obra del grupo en 1957. Rechazó el Pop Art de los años 1960. tal como Greenberg prefería llamarla. quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido. conmemorando los lienzos de «pintura gestual» all over.Índice [ocultar]      1 Kitsch 2 Expresionismo abstracto 3 Abstracción post-pictórica 4 Véase también 5 Enlaces externos [editar] Kitsch Greenberg se graduó en la Universidad de Syracuse (Nueva York. Willem de Kooning. arguyendo que estos pintores estaban avanzando hacia un mayor énfasis en la «planeidad» del plano pictórico. quienes consideraban el carácter plano del lienzo como un obstáculo para la pintura. Hans Hofmann. [editar] Expresionismo abstracto En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Destacó por vez primera como crítico de arte con su ensayo Avant-Garde and Kitsch. La abstracción post-pictórica reaccionó contra la abstracción gestural y se ramificó en dos grupos. Greenberg vio en la obra post-Painters Eleven de Bush una clara manifestación del cambio desde el expresionismo abstracto hacia la pintura de los campos de color y la abstracción lírica. Su oposición a las teorías postmodernas y a los movimientos socialmente comprometidos dentro del arte llevaron a que fuese rechazado por artistas e historiadores del arte posteriores. y los aspectos bidimensionales del espacio («planeidad»). Alabó movimientos similares que estaban teniendo lugar en el extranjero y. En este artículo Greenberg afirmó que la vanguardia y el arte modernista fue un medio de resistirse a la nivelación de la cultura producida por la propaganda capitalista. como la filosofía. Greenberg se preocupó porque algunos expresionistas abstractos habían quedado reducidos a un «conjunto de manierismos» y buscó una nueva serie de artistas que alcanzaran una cierta pureza que revelara la veracidad del lienzo. Defendió en particular a Jackson Pollock como el mejor pintor de su generación. los pintores Hard-Edged como Ellsworth Kelly y Frank Stella quienes exploraron las relaciones entre formas y bordes. publicado por vez primera en el periódico Partisan Review de 1939.

pero con el tiempo destruyó todas estas obras. el obelisco roto de Newman en la Universidad de Washington Nacimiento 29 de enero de 1905 Nueva York Fallecimiento 4 de julio de 1970 Nueva York Nacionalidad Área estadounidense Pintura. .Saltar a: navegación. escultura Barnett Newman (29 de enero de 1905 . Estudió filosofía en el City College of New York y trabajó en el negocio de su padre realizando ropa. hijo de inmigrantes judíos del Este de Europa. Barnett Newman trabajó primero como escritor y crítico. organizó exposiciones y escribió catálogos.4 de julio de 1970) fue un pintor estadounidense al que se relaciona con el expresionismo abstracto y un destacado exponente de la pintura de campos de color (color-field painting). Índice [ocultar]        1 Juventud 2 Carrera 3 Otras obras 4 Valoración 5 Libros 6 Referencias 7 Enlaces externos [editar] Juventud Newman nació en Nueva York. que se dice que eran de estilo expresionista. Desde los años 1930 pintó cuadros. Sólo más tarde se convirtió en un miembro del Uptown Group. búsqueda Barnett Newman A la izquierda.

Lucha. que mide 244 cm de alto por 5 cm de ancho. . Este se caracteriza por sencillas composiciones en las que una amplia área de color -un campo de color. la línea vertical es lo que ocupa toda la obra. En sus primeras obras de la década de 1940. Alemania Un ejemplo es su carta de 9 de abril de 1955 a Sidney Janis. crean una tensión. El propio Newman consideró que alcanzó plenamente su estilo maduro con la serie de Onement. Escultura en Düsseldorf. Esa línea vertical se mantuvo como un rasgo constante en la obra de Newman a lo largo de su vida. Poco después. Newman intentó desligarse de las influencias contemporáneas. mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición. Dos pinturas de principios de los años cincuenta. como The Wild. pero más tarde los colores son puros y lisos. un dramatismo sobre el lienzo que atrapa al espectador.2 En los años 1940 trabajó primero en un estilo surrealista antes de desarrollar su estilo maduro. Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas de Studio 35: «Estamos en proceso de hacer el mundo sea. a la vez que divide en dos campos de color análogos la composición rectangular. Nueva York). a menudo con un tema judío. para someter al mundo filisteo. se reduce a un lienzo de sólido color roto por una única banda vertical (zip) en contraste. a las que Newman llamaba «zip» (cremallera). sin embargo. a nuestra imagen y semejanza.es traspasado por una o dos finas líneas verticales. fallecido en 1947. Newman luchó intensamente a cada paso para reforzar su imagen renovada como artista y promocionar su obra. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas. se llaman Adam (Adán) y Eve (Eva) (véase Adán y Eva). y hay también un Uriel (1954) y un Abraham (1949).»1 Utilizando sus habilidades como escritor. a partir de 1948. Su primera exposición individual tuvo lugar en el año 1948. que además de ser el nombre de un patriarca bíblico. Estas bandas de color verticales adquieren un relieve intenso. hasta cierto punto. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el total rechazo de la misma. una pintura muy oscura. sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos. era también el nombre del padre de Newman. una composición que volvería a utilizar. los campos de color son variados. En las primeras obras que presentan zips. y muchas de ellas carecieron en origen de título. por ejemplo. Onement I (Colección Newman.[editar] Carrera Barnett Newman escribió prefacios a catálogos de exposiciones y críticas y a finales de 1940 se convirtió en un artista que exponía en la Galería Betty Parsons. en la que dice: Es cierto que Rothko habla como un luchador. En algunas pinturas de los años 1950. Con las bandas definen la estructura espacial de la pintura. los nombres que les puso más tarde dan pistas sobre los temas específicos a los que se refieren.

No obstante. su rechazo de la pincelada expresiva empleada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko. es su obra más grande. 1948 [editar] Valoración A Newman se le clasifica. La serie se subtitula «Lema sabachthani» («¿Por qué me has abandonado?»). considerando que trabajaba en Nueva York en los años 1950. sus escritos teóricos. de pinturas en blanco y negro (1958-64). Newman también trabajó en shaped canvases (lienzos con forma diferente a la rectangular). y puede verse no sólo en Newman. Ejemplo de ello son sus obras tardías. en forma triangular. permiten ver en él a un precursor de la «abstracción post pictórica» y las obras minimalistas de artistas como Frank Stella. en la que se usan colores vibrantes y puros en lienzos de gran tamaño. [editar] Otras obras Obelisco roto. 28 pies (853 cm) de ancho por 9 de alto (274 cm). por último.La serie Estaciones de la Cruz. Newman vio que estas palabras tenían un significado universal en su propia época. comenzaron poco después de que Newman se hubiera recuperado de un ataque al corazón. Anna's Light (La luz de Ana) (1968). sino también en otros pintores como Frank Stella o Kenneth Noland. El gran tamaño de los lienzos y las formas variadas son un rasgo específico de la «Nueva Abstracción» estadounidense. palabras que se atribuyen a Jesucristo en la cruz.3 Estas últimas pinturas se ejecutaron con pintura acrílica más que con el óleo de las obras anteriores. representa un obelisco invertido cuya punta se sostiene en equilibrio sobre la cúspide de una pirámide. Newman murió en Nueva York de un ataque al corazón. y es usualmente considerada la cumbre de sus logros artísticos. Al igual que otros artistas de esta tendencia. sus obras tienen un contenido místico y espiritual. fallecida en 1965. con obras como Chartres (1969). generalmente. amarillo y azul). como la serie Who's Afraid of Red. 18 Cantos (1963-64) en la que pretende evocar la música. Hay que mencionar. Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros. y su uso de zonas de color liso. una subcorriente del expresionismo abstracto en la que destacaría igualmente Rothko. La serie también se ha visto como un monumento conmemorativo a las víctimas del holocausto. . Yellow and Blue (Quién teme al rojo. Igualmente se ha hablado de él como representante de la colorfield painting. dentro del expresionismo abstracto. de manera que «la forma del soporte determina la estructura interna de la obra». haciendo un pequeño número de piezas elegantes en acero. y se relacionó con otros artistas del grupo y desarrolló un estilo abstracto que poco o nada debía al arte europeo. titulado así en memoria de su madre. Broken Obelisk (Obelisco Roto) (1968) es la más monumental y conocida de sus esculturas. Newman igualmente hizo una serie de litografías. rebasando el campo de visión del espectador. Newman hizo unas pocas esculturas que son esencialmente zips tridimensionales. También hizo un número limitado de aguafuertes. 1968. por ejemplo. hasta el punto de que a veces se ha llamado a su estilo «abstracción mística». en el exterior de la Neue Nationalgalerie de Berlín. o pintura de los campos de color. 1947 The sublime is now (Lo sublime es el presente). Asimismo. regresó a la escultura. Al final de su vida. que aparecieron en su mayor parte en la revista «Tiger's Eye»:   The first man was an artist (El primer hombre fue artista).

siendo ignorado en favor de personajes más pintorescos como Jackson Pollock. sin embargo.Newman no fue muy apreciado en vida. una influencia importante sobre muchos jóvenes artistas. en particular de expresionismo abstracto. pero no fue hasta el final de su vida cuando empezó a ser tomado realmente en serio. [editar] Libros . El influyente crítico Clement Greenberg escribió sobre él con entusiasmo. Fue.