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UNIVERSIDAD DE LA GUAJIRA
FACULTAD DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN
PRAGAMA DE LICENCIATURA DE MÚSICA
RIOHACHA
2019
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN ................................................................................................... 4
CLASICISMO ......................................................................................................... 7
Instrumentos: .................................................................................................... 11
ROMANTICISMO ................................................................................................. 14
CONCLUSIÓN ..................................................................................................... 24
BIBLIOGRAFÍA .................................................................................................... 25
INTRODUCCIÓN
J Haydn: (1732-1809) entró con 29 años al servicio del príncipe Esterházy, jefe de
una de las familias más acaudaladas y poderosas de la nobleza, y pasó cerca de
treinta años a su servicio, obligado a componer cualquier música que le fuera
solicitada, aunque en condiciones de trabajo inmejorables para la época; de hecho,
para Haydn era un honor vestir la librea o uniforme que le acreditaba como servidor de
los Esterházy. Con el tiempo, su fama se extendió por toda Europa y llegó incluso a
recibir un Doctorado en Música por la Universidad de Oxford, en Inglaterra. Murió a
los 77 años. Anécdota sobre una sinfonía de Haydn:
La Sinfonía de los adioses la compuso Haydn cuando estaba trabajando para los
Esterhazy. Haydn vivía en el campo y allí trabajaba junto con los demás músicos.
Pero, a pesar de tener buenas condiciones de trabajo, se sentían prisioneros, ya que
no salían, solo se dedicaban a la música, nada de vida social. Entonces esta sinfonía
Haydn la compone a manera de protesta, porque los instrumentistas van
abandonando el escenario poco a poco, uno por uno hasta no quedar nadie. Y de esta
manera le dieron la idea al príncipe Esterhazy de que les permitiera a los músicos
regresar a Viena para ver a sus familias.
Música Instrumental
Composiciones Instrumentales
Las composiciones musicales de mayor influencia en la música de este período
serán la Sonata y la Sinfonía.
Sonata: Es la composición para un instrumento, se compone por cuatro
movimientos que son:
1. Un movimiento rápido en forma de sonata.
2. Un movimiento lento en forma de lied (2 temas) o tema con variaciones (1 solo
tema).
3. Un movimiento semi rápido en forma de minueto.
4. Un movimiento rápido en forma de rondó.
Sinfonía: es una sonata para orquesta. La estructura que sigue es exactamente la
misma que la de la sonata. El compositor austríaco Josep Haydn está considerado
como el padre de la sinfonía habiendo compuesto un total de 104 sinfonías.
Concierto: obra para instrumento solista y orquesta. Su estructura es la de la
sonata, salvo que no tiene minueto.
Ejemplo: Concierto para clarinete y orquesta de Mozart.
Música de cámara: es la realizada por un grupo reducido de instrumentistas, uno
sólo, dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, La agrupación de cámara más frecuente
fue y es el cuarteto de cuerda (2 violines, 1 viola y 1 violoncello). Suele tener la misma
forma y movimientos que la sonata.
Instrumentos:
Los instrumentos de cuerda fueron los predilectos, especialmente el violín y el
violonchelo.
La novedad de este siglo fue la aparición del pianoforte en el año 1711. Primer
instrumento de tecla con capacidad de producir sonidos suaves y fuertes.
Bartolomeo Cristofori construyó el primero.
Cabe destacar la importancia que adquirió el clarinete. Fue un hijo de J.S. Bach
(Johann Christian Bach) quien lo introdujo por primera vez en la orquesta.
El resto de los instrumentos sinfónicos, que ya existían en el Barroco, alcanzaron
su madurez en este periodo.
Formas Musicales:
La forma musical de una obra se refiere a la estructura que tiene. A cada parte
diferenciada se le denomina con una letra mayúscula, siguiendo el orden del
abecedario (A, B, C, D, ...).
Exposición: Suele contener dos melodías distintas a las que llamamos temas (A y
B). El primer tema (tema A) está en la tonalidad principal y el segundo (tema B) suele
cambiar la tonalidad para dar variedad a la música (suele cambiarse a la tonalidad de
V grado). Dichos temas suelen unirse por un pequeño fragmento musical llamado
puente. Y suele terminar con un final llamado coda. Toda la exposición suele repetirse.
Tema A Puente Tema B Coda :||
Forma Rondó:
Consiste en una estructura con una sección fija repetida entre la que se van
intercalando otros trozos, todos ellos diferentes.
ABACAD…
Tema con Variaciones:
Consiste en tocar un tema, a continuación, se vuelve a tocar el mismo tema pero
cambiando alguno de sus elementos (figuras, alturas, acordes, …). A esto se le
llama variación primera. Se prosigue con una variación segunda, tercera, etc.
A A’ A’’ A’’’…
Ejemplo: Cuarteto de cuerda en Do mayor Nª3 op. 76, Haydn, Adagio.
Mozart, Haydn, Beethoven.
ROMANTICISMO
Contexto Histórico
Contexto Cultural
Cabe mencionar que durante todo este período nace otro concepto el cual es, “El
arte por el arte”. Considerando que no debían tener condicionamientos ni, mucho
menos tener que respetar las normas formales y estructurales que se habían impuesto
durante el Clasicismo. Los artistas pasan a ser genios creadores y reconocidos como
tales por el resto de la gente.
Contexto Musical
Bel canto: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante
pasajes melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo
de la voz. Los cantantes, sobre todo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo
vocal ligado a una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como G.
Donizetti con "El elixir del amor" y V. Bellini con "Norma". Estos dos compositores
fueron los máximos representantes del estilo belcantista. Otro personaje destacado
fue G. Rossini con "EL barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo
el siglo XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos olvidar a G Verdi,
que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista del
Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La
Traviata", "Aida" o "El trovador".
Verismo: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y
naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la
vida cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones
románticas.
Los máximos representantes de este tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería
rusticana" y G. Puccini con óperas como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly".
Alemania
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera
inspirada en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas
con argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un
papel protagonista. Destaca en esta época la obra de C. M. von Weber, al que
podemos considerar el iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra más
conocida es "El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una
primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran
reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de
Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se conocerán las
creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su drama
musical son las siguientes:
La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas
las artes (poesía, música, escenografía, acción, ...) que se aglutinan de manera
inseparable en sus obras.
Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente
para representar personajes, hechos, situaciones, ...
Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que
marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel
principal en el desarrollo y explicación de la acción.
Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas
sin interrupciones. Algunos de los dramas musicales más importantes de
Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos" esta
última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.
Forma instrumental
El Concierto Solista
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se
escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, en los que el solista podía
ser cualquier instrumento. Se conservan conciertos para clarinete, oboe, flauta,
violonchelo, ...; sin embargo, los instrumentos más destacados y para los que más
música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.
Concierto para piano y orquesta: Los conciertos de piano destacan por los
extraordinarios momentos de lucimiento que se esperaban de la parte solista. Era el
preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola
forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el
carácter íntimo y expresivo del piano y las grandes posibilidades técnicas de este
instrumento polifónico. Entre los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos
para este instrumento destacan L.V. Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt o
J. Brahms.
Concierto para violín y orquesta: Aunque menos numerosos que los de piano,
también los conciertos para violín y orquesta ocuparon un lugar destacado. A partir de
la revolución técnica del violín, propiciada por N. Paganini, las exigencias de
virtuosismo del instrumento se multiplicaron. Como en el caso del piano, las obras
para violín exigían un gran lirismo en la interpretación de sus melodías además de una
virtuosa técnica instrumental. Entre los compositores que escribieron obras para este
instrumento podemos destacar a L.V. Beethoven, P.I. Tchaikovski, J Brahms o N.
Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones
el único capaz de interpretar sus propias obras.
La sinfonía:
Durante el siglo XIX continúa cultivándose esta forma que en el Clasicismo había
estructurado perfectamente su contenido. Todos los grandes autores componen en
este periodo numerosas sinfonías. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando
de los esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la riqueza técnica
de los instrumentos.
Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el
máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas sinfónicas de
la época.
Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F. Schubert, F.
Mendelssohn, A. Bruckner, J Bramhms y como no, la figura protagonista, L.V.
Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu
romántico.
Como conclusión, podemos decir, que la música del clasicismo estaba estructurada
desde un enfoque racionalista el cual, buscaba un equilibrio entre la Forma y la
Expresión; se buscaba el orden, la estabilidad, el balance y equilibrio entre las
relaciones sonoras dentro de una arquitectura musical modelo como fue la Forma
Sonata. Con base a esta forma se estructuraron la Sinfonía, el Concierto y el Cuarteto
de Cuerdas en música camerística. Se buscaba una textura en el que las líneas
melódicas de los instrumentos sigan los despliegues melódicos de la voz (cantábile)
y se distinguiera el fondo armónico. Reconocemos una obra del clasicismo porque
abundan escalas, arpegios y el Bajo Alberti, el orden simétrico de sus frases y el
esquema armónico y formal bien definido. Por otra parte, en la música del
Romanticismo los compositores tratan de expresar la emoción de forma más directa,
intensa y personal, tratando de anular la densidad e imperio del racionalismo en la
música. Los compositores tratan de profundizar y extender las Formas heredadas del
clasicismo y dejándose llevar por sus evasiones psicológicas (lo extraño, fantasioso,
mítico, macabro, etc.) y de la realidad buscando la exacerbación romántica en la
música principalmente, en el romanticismo se comienza a dar mayor importancia al
sentimiento, mientras que en el clasicismo básicamente, se buscaban las normas
pero sin duda alguna estos periodos fueron muy importantes para el desarrollo de la
música, uno como formalizador y otro como fuente de evolución para la técnica.
BIBLIOGRAFÍA
Revista Campus Digital. (21 de Junio de 2010). Revista Campus Digital. Obtenido de
EL CLASICISMO I: http://edit.um.es/campusdigital/el-clasicismo-ila-forma-
sonata/