Arte Medieval

MÚSICA
 ARTE MEDIEVAL: MÚSICA

Integrantes:
Rubén Acero Pérez.
Natalia Vanessa Gamba Mercado.
Paula Andrea Vega Molinares.

Corporación Unificada Nacional de Educación Superior.

Escuela de Comunicación y Bellas Artes.

Diseño Gráfico.

Historia del Arte Universal.

Santa Marta.

Abril 2019.

PÁGINA 1
 Introducción
La Edad Media fascina a mucha gente por su arte, del que se conserva una enorme
cantidad de muestras. Como todo arte, el arte medieval fue la expresión de la
mentalidad de aquella época.

Sin embargo, la sociedad medieval sufrió muchos cambios entre el siglo XI y el

siglo XIII. Estos cambios se manifestaron en el arte, originando dos estilos
diferentes: el románico y el gótico.

El románico apareció en el siglo XI en Europa Occidental, durante el apogeo del

sistema feudal: fue un estilo rural. Los estudiosos del siglo XIX le dieron el
nombre de románico pues se basó, en gran parte, en el arte de los primeros
cristianos en Roma.

El gótico, en cambio, se originó en las ciudades. Los renacentistas lo llamaron

despectivamente gótico, pues consideraban que este arte era tan primitivo como
los godos. Hoy en día, sin embargo, el estilo gótico se ha revalorizado y se lo
considera una de las expresiones más notables del arte medieval.

Tanto el románico como el gótico fueron artes cristianos y su misión fue educar
a los fíeles. Sus artistas fueron, en gran parte, anónimos, pues en aquella época
nadie firmaba sus obras.

Fueron muchas las muestras artísticas de esta época, pero en el presente trabajo
nos centraremos en la se música.

Objetivo General
Dar a conocer todos los aspectos relacionados con la música de la época
Medieval.

Objetivos Específicos
1. Enseñar las muestras musicales dentro del arte Medieval.

2. Mostrar las obras y representaciones de la música Medieval.

3. Conocer las memorias de la Música de la época Medieval.

PÁGINA 2
 ARTE MEDIEVAL: MÚSICA

La música medieval es uno de los temas más apasionantes que la cultura en la

Edad Media nos brinda. Comprende toda la música europea compuesta durante
el periodo de la Edad Media, esto es, aproximadamente entre la Caída del Imperio
romano de Occidente en 476 y el siglo XV, centuria cuya música suele ya
clasificarse como propia del Renacimiento. Sin embargo, a diferencia de otras
manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo, la música desaparece en el
momento de desarrollarse y la única forma de hacerla pervivir es mediante una
notación musical que en la Edad Media o no se empleaba o se hacía de manera
muy pobre en información, insuficiente en la mayoría de los casos para una
reproducción fiel.

La única música medieval que fue escrita es la ligada a la Iglesia y las instituciones
eclesiásticas, como monasterios, y en menor medida la profana creada en los
círculos aristocráticos. Estas tradiciones manuscritas solo reflejan
marginalmente la música popular de aquella era. En los primeros tiempos, la
música medieval recibe dos influencias palpables:

 Influencia hebrea. Se recoge el modo hebreo de cantar a base de largos

melismas y la importancia del canto en el culto.
 Influencia grecorromana. Del mundo clásico se hereda la teoría musical con
su sistema modal y la valoración ética y educativa de la música expresada por
Platón.

PÁGINA 3
Clasificación
La historiografía musical medieval suele clasificar la música medieval en tres
grandes repertorios:

 El canto llano o monodia religiosa: Popularmente denominado canto

gregoriano es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y
extenso, e incluye la gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época
que se conserva. Es música estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y
escrito a una sola voz.

Melodía medieval inglesa Pop Goes the Weasel.

 La música profana o música de trovadores: De escritura también monódica y

vocal, fue creada en ambientes aristocráticos y con textos en lengua
vernácula; sus autores son llamados trovadores (si escribían en langue d'oc o
provenzal), (en langue d'oïl o francés antiguo) o Minnesänger (en alemán).
Su temática suele ser amorosa y, aunque su escritura es semejante a la del
canto gregoriano, era interpretada con acompañamiento instrumental y
compás definido.

Bernart de Ventadorn, trovador medieval occitano.

PÁGINA 4
  La polifonía: música escrita a varias voces y que surge por evolución de las
anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y
posteriormente también en el profano.

Alleluia nativitas de Pérotin, muestra de polifonía sacra medieval.

El Canto Gregoriano
En la Iglesia del antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una liturgia
con cantos diferentes. De esto tomó buena nota el Papa Gregorio Magno
(Gregorio I) y realizó una unificación de los cantos que se daban en las diferentes
liturgias de toda Europa, razón por la cual este tipo de canto recibirá el nombre
de CANTO GREGORIANO. Esta recopilación tuvo lugar hacia finales del S. V y
principios del VI. A partir de este momento, este tipo de música será el
protagonista en todos los centros religiosos hasta finales del siglo IX, a partir de
entonces, será relegado poco a poco por el surgimiento de la polifonía.

CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO:

 Es el canto oficial de la Iglesia Católica.
 Es música vocal sin acompañamiento instrumental.
 Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de monjes, todos
cantan la misma melodía.
 Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la Iglesia Católica.
 Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.

TIPOS DE CANTO GREGORIANO:

 Según las formaciones de los cantores:
 ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.

PÁGINA 5
 RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.
 DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.
 Según la relación de texto y notas:
 SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.
 NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.
 MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto.
En cuanto al sistema musical del Gregoriano, se basa en ocho modos (escalas)
derivadas de los modos griegos que veíamos en el tema anterior. Estos ocho
modos surgen de cuatro modos marcados por una nota final (RE, MI, FA, SOL).
Cada uno de los mismos se subdivide a su vez en un modo auténtico y otro plagal,
en función de la nota de recitado, que es la que más se repite (también conocida
como dominante salmódica o tenor).

Nacimiento De La Polifonía
A finales del siglo IX aparece en la música occidental la polifonía (varias voces
que suenan a la vez realizando melodías distintas). Este hecho marcará el
desarrollo de la música a partir de ese momento. En el desarrollo de la polifonía
se distinguen tres periodos que vamos a ver a continuación:

POLIFONÍA PRIMITIVA

Aunque ya se tienen noticias de prácticas polifónicas en la Antigüedad, los

primeros ejemplos escritos que nos quedaron de canto a varias voces se remontan
a finales del siclo IX. Las dos formas más importantes de este periodo son las
siguientes:

 ORGANUM: Es la más primitiva y rudimentaria forma polifónica. Consiste en

añadir una voz paralela al canto gregoriano. Esta segunda voz debe estar a
distancia de 4ª o de 5ª por debajo de la principal y se le llama "vox organalis",
mientras que el antiguo gregoriano recibe el nombre de "vox principalis".
Poco a poco el organum se irá complicando y se añadirán nuevas voces.

 DISCANTUS: Surge en el siglo XI. Las dos voces, ya no se mueven de forma

paralela como en el organum, sino en movimiento contrario, es decir,
mientras la melodía principal asciende la organal desciende o viceversa.

PÁGINA 6
EL ARS ANTIQUA

Es así como se denomina al periodo que comienza hacia la mitad del siglo XII y
se extiende hasta finales del siglo XIII. Durante esta época, Europa vive tiempos
de extraordinaria prosperidad cultural. París se convierte en la capital cultural
del continente. Se construye la Catedral de Notre Dame, en la que se creará una
escuela musical que acogerá a los mejores músicos del momento. En este centro
se desarrollarán todas las evoluciones de la polifonía de esta época, como
LEONIN y PEROTIN.

En este periodo van a evolucionar tanto la notación como la técnica musical, lo

que facilitará el desarrollo de la polifonía.

Las dos formas de composición más importantes de la época son:

 ORGANUM: que aunque había existido en el periodo anterior se va a

desarrollar en gran medida hasta crearse "organum triplum" (a tres voces) y
"organum cuadruplum" (a cuatro voces). Las voces ahora ya van a ser mucho
más libres, sin tener que respetarse el paralelismo del organum primitivo. El
organum melismático es aquel en el que la voz principal (del antiguo
gregoriano) se mueve con notas muy largas mientras que las otras voces van
haciendo melismas (adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin:
"Sederunt Principes".
 MOTETE: Es una forma polifónica que consta de dos o tres voces, cada una
de la cuales canta un texto distinto y tiene también un ritmo diferente.

PÁGINA 7
EL ARS NOVA

Es el último periodo de la música religiosa en la Edad Media. Ocupa el siglo XIV.

La polifonía va a seguir su desarrollo y se van a crear una serie de nuevas teorías
musicales que irán concediendo cada vez más libertad al compositor.

El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de Vitry,
quien tituló así un tratado musical en el que se establecían las nuevas pautas para
escribir música. A partir de este tratado, a esta época se le conoce con este
nombre.

En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su máxima perfección. Algunos

compositores, además de Vitry, destacados de esta época son Guillaume de
Machaut o Francesco Landini.

Entre las formas más importantes de la época está el Motete, que sigue
desarrollándose hasta llegar al punto en que cada voz puede tener un texto
distinto; o el Canon, composición contrapuntística en la que todas las voces
cantan la misma melodía pero realizan su entrada de forma progresiva.

Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado,

reaccionaron violentamente los músicos más conservadores, por lo que en esta
época podemos hablar de una contienda entre los músicos más tradicionalistas
que veían los últimos adelantos como fuera de lugar y los modernistas que
seguían desarrollando la polifonía.

Introducción A La M. Profana Medieval

Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener durante la Edad
Media, bien es cierto que existió otro tipo de música que no tenía ninguna
relación con el culto o la religión. Estamos hablando de la música profana.

Este tipo de música se desarrolla de manera paralela a la religiosa y será

interpretada por dos tipos de personajes diferentes: los trovadores y los juglares,
que recibían distintas denominaciones dependiendo del territorio en el que se
encontraban.

 LOS TROVADORES: fueron poetas-músicos que normalmente pertenecían a

la nobleza. Tuvieron una gran importancia durante la Edad Media, sobre todo
en Francia y en España. Su nacimiento se sitúa en una zona del sur de Francia
denominada Provenza a finales del siglo XI. Estos personajes utilizaban la
lengua provenzal en sus composiciones, y el tema principal de sus poemas es
el tema del amor platónico. También cantaban y recitaban sobre temas
caballerescos.

PÁGINA 8
 LOS JUGLARES: eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos
y cantaban canciones, sino que además realizaban todo tipo de actividades
para divertir al pueblo (chistes, magia, acrobacias,...) Eran de clase baja y no
eran compositores, ya que se limitaban a copiar y plagiar las canciones de los
trovadores. Desde el principio fueron muy criticados tanto por la nobleza
como por la iglesia, ya que en sus canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No
actuaban en castillos ni palacios, sino que lo hacían en las plazas de los
pueblos. eran personajes itinerantes que viajaban de pueblo en pueblo sin un
lugar de residencia fijo. Eran en definitiva una especie de saltimbanquis con
bastante mala reputación.

Los instrumentos musicales en la Edad Media

Alaúd: Laúd, instrumento musical de cuerdas punteadas. Especie de guitarra sin
costados.

PÁGINA 9
Albogón: era un instrumento de madera, de unos nueve decímetros de largo, a
manera de flauta dulce, con siete agujeros para los dedos, que servía de bajo en
los conjuntos de flautas.

Añafiles: es un instrumento musical de viento de metal morisco, tipo trompeta

recta y alargada.

Atabales: atabal es el nombre antiguo del timbal.

Atabor: Tabor, atambor, tambor, el popular instrumento musical de percusión.

Axabeba: Ajabeba, flauta de caña usada por los marroquíes.

PÁGINA 10
Baldosa: era un instrumento de cuerdas, de sonido suave y empleado en las
procesiones.

Cinfonía o zanfonía: Era un instrumento de cuerdas frotadas con una rueda en

lugar del arco, motivo por el cual se llamó, asimismo, lira o viola de rueda.

Dulcema: El dulcémele o dulcimer es un instrumento de cuerda percutida.

PÁGINA 11
Guitarra Morisca o mandora: es un instrumento musical de cuerda pulsada.

Harpa: instrumento musical, de forma triangular, cuyas cuerdas son pulsadas

con ambas manos.

Odrecillo: Pequeño odre, antiguo nombre de la cornamusa o gaita gallega.

PÁGINA 12
Panderete, pandero, pandereta: es un instrumento rústico constituido por
uno o dos aros de madera superpuestos, provistos de sonajas (v.) y cuyo vano
está cubierto por uno de sus cantos o por los dos con piel muy lisa y estirada.

Rabé: antiguo instrumento de cuerdas y arco.

Rota: La rota o crota es un instrumento de cuerda pulsada de la familia de los de

caja sonora sin mango, punteados con plectro o con los dedos.

Salterio: Lejano antecesor del clavicordio y del piano.

PÁGINA 13
Sonajas: Par o pares de pequeñas chapas de metal que, atravesadas por un
alambre, se colocan en algunos instrumentos rústicos para hacerlas sonar
agitándolas.

Trompas: Instrumento músico de viento, que consiste en un tubo de latón

enroscado circularmente y que va ensanchándose desde la boquilla al pabellón.

Bandurria: instrumento musical de cuerdas, semejante a la guitarra, pero de

tamaño como la mitad de ésta y de forma relativamente más estrecha en la parte
que se junta con el mástil, el cual es liso, sin trastes; se pulsa con púa de concha.

PÁGINA 14
Vihuela de péñola puede ser considerada como un precursor del actual violín.

COMPOSITORES
MAGISTER LEONINUS (FRANCIA, 1163-1200)
Cantante y compositor francés asociado con las primeras composiciones de
órgano y con el desarrollo de la polifonía. Su identidad no está muy clara pero en
el tratado conocido como Anonymous IV (1280) se describe a Magister Leoninus
como el "mayor compositor de organa" de su época. Trabajaba en la iglesia
parisiense de la Virgen María, la actual catedral de Notre Dame. Leonin es el
primero de tres maestros sucesivos que ayudaron en la llamada escuela de París.
Los otros dos son Pérotin, llamado el Grande, y Robert de Sabilon. Se le atribuye
asimismo la recopilación del Magnus liber organi (Gran libro del organum) con
cantos a dos voces en las partes solistas de los graduales, aleluyas y responsorios
que se interpretaban en las festividades religiosas señaladas. Dado que en
ninguno de los manuscritos musicales del Magnus liber organi aparece el nombre
del compositor, parece que Leoninus formaba parte de un grupo de cantantes
prestigiosos que interpretaban lo que había nacido como un arte improvisado. El
desarrollo del sistema de notación modal a finales del siglo XII garantizó la
vigencia e influencia del Magnus liber organi y de su revisión posterior a cargo
de Pérotin. Los organa atribuidos a Leoninus son de dos tipos: los escritos para
tenor de canto gregoriano que apoyaba con notas largas a la voz aguda (al estilo
de san Marcial de Limoges), o los escritos para dos voces que interpretan una
melodía con el mismo ritmo, adoptando un estilo ya más moderno que apunta
hacia la música medieval.

MAGISTER PEROTINUS (FRANCIA, 1178-1238)

Compositor francés al que se le atribuyen las primeras obras polifónicas. Al igual
que Leoninus, aparece citado en el tratado Anonymous IV (c. 1280) y se le ha
relacionado con la catedral de Notre Dame de París. No se conocen los detalles
de su biografía. Según algunos nació hacia 1160, estudió con Leoninus, revisó el
Magnus liber organi de su maestro hacia 1185, compuso más tarde obras a tres y

PÁGINA 15
cuatro voces y falleció hacia 1205. Según otros escribió las piezas a tres y cuatro
voces al principio de su carrera hacia 1190, revisó el Magnus liber organi hacia
1205 y falleció hacia 1225. Las revisiones consistían en sustituir las secciones de
estilo florido por cláusulas de discanto. Sus obras, organa a tres y cuatro voces,
como Viderunt omnes y Sederunt principes, están consideradas como las
primeras obras maestras de la música occidental y ponen de relieve la técnica del
autor en cuanto al manejo de texturas, ritmos, formas y tonalidades y su
capacidad de utilizar recursos complejos como el cambio de voces (precursor de
la escritura imitativa, en donde el material pasa de una voz a otra). A Pérotin el
Grande se le atribuye asimismo la composición de cantos no litúrgicos en latín
que, junto a los de sus contemporáneos, inspiraron la creación del motete
medieval añadiendo nuevos textos a las cláusulas (clausulae).

PHILIPPE DE VITRY (FRANCIA, 1291-1361)

Compositor, religioso, poeta y teórico de la música francesa nacido en París.
Estudió en la Sorbona, sirviendo después como soldado y participando en el sitio
de Aiguillon. Más tarde actuó como secretario y consejero de Carlos IV, Felipe VI
y Juan II. Conoció a muchas figuras destacadas de su época, como Petrarca, y al
famoso matemático y teórico musical Nicole Oresme. Sus composiciones vocales
polifónicas (motetes) merecieron los elogios del escritor Dante Alighieri. Como
teórico, fue el autor de la obra Ars Nova (1322), que supuso una renovación del
estilo musical sobre todo en el aspecto rítmico. Aunque escribió canciones y
motetes, sólo han llegado hasta nosotros algunos de los motetes. Cada uno de
ellos es completamente único, explorando una sola idea estructural. Durante su
vida obtuvo varias canonjías, incluyendo las de Clermont, Beauvais y París,
sirviendo durante un tiempo en el séquito del antipapa en Aviñón. Fue Obispo
de Meaux desde 1351 hasta su muerte.

GUILLAUME DE MACHAUT (FRANCIA, 1300-1377)

Compositor y poeta francés de finales de la edad media. Principal exponente del
movimiento de modernización musical conocido como Ars nova. Nació en
Machaut, Champagne y fue capellán y secretario del rey de Bohemia Juan de
Luxemburgo, y más tarde trabajó al servicio de la duquesa de Normandía y de
Carlos V de Navarra. En 1337 fue nombrado canónigo de la catedral de Reims. Sus
largos poemas narrativos y didácticos reflejan el ambiente de la corte de aquella
época. Sus poemas líricos más breves contribuyeron a crear el rondeau, la balada
y el virelai, formas poéticas vigentes durante más de un siglo. Compuso asimismo
el acompañamiento musical de gran parte de su obra poética. Casi todos los
virelais con acompañamiento musical son monofónicos (a una voz). Sus baladas
y rondeau polifónicos (a dos o tres voces) también crearon un nuevo estilo
europeo de canto con una melodía aguda acompañada por dos partes
instrumentales más graves. De sus 23 motetes, 6 tienen textos litúrgicos en latín

PÁGINA 16
y 17 textos laicos en francés y una estructura tripartita con complejas texturas
melódicas y rítmicas entrelazadas. Desde el punto de vista estructural estas
composiciones son isorrítmicas, es decir, se basan en ciclos melódicos y rítmicos
independientes que se solapan. Su obra, también isorrítmica, la Misa de Notre
Dame, a cuatro voces (fue el primer compositor que escribió un texto de este
tipo), de estilo monumental y austero y con fuertes ritmos y disonancias, es la
primera partitura completa de misa polifónica escrita por un solo compositor que
ha llegado hasta nosotros, ya que todos los ciclos anteriores de misas conocidas
son recopilación de obras escritas por diferentes músicos.

FRANCESCO LANDINI (ITALIA, 1335-1397)

Compositor, organista, teórico y poeta italiano. Se cree que nació en Fiesole y
quedó ciego en su infancia debido a la viruela. Desde 1369 hasta 1396 trabajó
como organista en la iglesia de San Lorenzo de Florencia. Con el tiempo
evolucionó hasta convertirse en el compositor más importante de la música
tardía del trecento. Fueron especialmente elogiados sus experimentos e
innovaciones rítmicas. Las 91 baladas de Landini a dos voces y las 47 a tres voces
marcaron todo un hito en su época y tuvieron gran éxito debido a la elegancia de
su escritura musical. De su extensa obra se conservan además 11 madrigales, un
virelai y una caccia. Landini adquirió celebridad igualmente como poeta y
filósofo. Participó en numerosos encuentros culturales en Florencia, es autor
también de algunas obras en prosa y colaboró al entretenimiento de la sociedad
con nuevas músicas. En 1361 fue distinguido en Venecia con en el título de Poeta
Laureatus. Falleció el 2 de septiembre de 1397 en Florencia.

GUIDO D'AREZZO (AREZZO, ACTUAL ITALIA, CA. 991-CA. 1033)

Teórico de la música italiano. Conocido también con el nombre de Guido
Aretinus, Guido d’Arezzo fue un monje benedictino que ha pasado a la historia
de la música como uno de los más importantes reformadores del sistema de
notación musical. A Guido se debe la fórmula que permite memorizar la
entonación precisa de las notas del hexacordo mayor, cuya nomenclatura (ut o
do, re, mi, fa, sol, la) extrajo de las sílabas iniciales de cada hemistiquio del himno
de san Juan Ut queant laxis.

Después de haber seguido estudios en la abadía benedictina de Pomposa, en

Ferrara, intentó aplicar allí su sistema científico para la enseñanza de la música;
sin embargo, ante la oposición de parte de los monjes a sus innovaciones, hubo
de abandonar el monasterio. Hacia 1025 ingresó como maestro en la escuela
catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal. En
Arezzo halló entonces apoyo a su reforma; el obispo Teobaldo lo eligió maestro
de canto de los "pueri" de la escuela episcopal.

PÁGINA 17
Experimentados y perfeccionados en dicha ciudad sus métodos, Guido d'Arezzo
pudo componer, durante el período 1028-1032, sus obras más importantes:
Micrólogo sobre la disciplina del arte musical, Regole ritmiche, Prefazione
dell'Antifonario, el mismo Antifonario, ya de acuerdo con su nuevo sistema
lineal-diastemático, y la Epístola al monje Miguel sobre el canto desconocido, en
la que expone los principios de su método. Mientras tanto, la labor de Guido
d'Arezzo recibía la aprobación del pontífice Juan XIX, quien confió al músico la
instrucción de los cantores papales. En 1029 se retiró al convento de Avellana, en
el que posiblemente murió en fecha que no se ha logrado precisar.

En el prólogo de la Epístola al monje Miguel sobre el canto desconocido, Guido

d'Arezzo recuerda las discordias nacidas entre él y unos compañeros de la abadía
de Pomposa, que, según da a entender el autor, le tenían envidia. Cuenta también
lo que le ocurrió después de su partida de Pomposa: la divulgación de los nuevos
sistemas por él descubiertos acerca de la notación y del estudio del canto
eclesiástico; la invitación para ir a Roma que le hizo el Papa Juan XIX (al parecer,
entre 1028 y 1033), de quien obtuvo la más completa aprobación; la visita a su
homónimo, antiguo superior suyo, el abad de Pomposa, que, al ver a su
Antifonario, se muestra arrepentido por haber apoyado en un día lejano las
envidias de los monjes, e intenta persuadirlo para que vuelva a su abadía. Guido
no puede satisfacer los deseos del abad, pero quiere al menos comunicar a uno
de sus viejos compañeros de convento algunos importantes resultados de su
experiencia didáctica. La carta, que por tanto puede considerarse escrita poco
tiempo después de su viaje a Roma, está publicada en la colección Escritores
eclesiásticos de música sagrada de Gerbert.

Su importancia histórica estriba sobre todo en el hecho de que en ella se

encuentra el primer origen de los nombres de las notas musicales empleados, con
ligeras modificaciones, hasta hoy en día. Para que los muchachos aprendan lo
más pronto posible a entonar cualquier canto desconocido, dice Guido, hace falta
que se graben en el oído la posición de los sonidos y sus varias relaciones o
intervalos; para llegar a esto no hay mejor medio que el de aprender de memoria
y retener en todos sus detalles un canto ya conocido, por ejemplo el himno a San
Juan sobre el texto de Paulo Diácono, muy adecuado como medio
mnemotécnico, porque cada verso empieza con una nota progresivamente más
alta de la escala diatónica: "Ut queant laxis / Resonare fibris / Mira gestorum /
Famuli tuorum / Solve polluti / Labii reatum / Santae Johannes".

PÁGINA 18
Composiciones de la Edad Media

 Ad Mortem Festinamus
 Alta Trinitá beata
 Cantigas de Toledo
 Canto de la Sibila
 Herr Mannelig
 Jesus refulsit omnium
 Messe de Nostre Dame
 Misa de Toulouse
 Misa de Tournai
 Misterio de Elche
 Maria, Deu maire
 virgo splendens
 Ordo virtutum
 Palästinalied
 Poemas de la Alhambra
 Splendens ceptigera
 Stella splendens

PÁGINA 19
 Conclusión
Podemos concluir que la Edad Media es uno de los periodos más controvertidos
de la historia. En ese período, la producción de lo que hoy entendemos como
música medieval, fue importante. Dentro de la música medieval podemos ver
diferentes fenómenos musicales, entre los que se destacan el canto gregoriano,
la música profana y la polifonía.

Durante los aproximadamente mil años que conforman este periodo, el mundo
no se detuvo. Hubo muchos avances, a pesar de plagas, guerras, etc. El arte,
aunque tuvo muchas limitaciones, fue una de las áreas que más avanzó. Y ello
fue gracias, en parte, a los aportes de la música medieval.

Webgrafía
 [Link]
 [Link]
umentos_musicales_en_la_Edad_Media
 [Link]
 [Link]
 [Link]

PÁGINA 20