The April 2010 issue of The Artist’s Magazine, Casey Baugh walks through

his painting process step-by-step. View below.

I like to paint what fascinates me, and people are on the top of that list right
now. However, I do believe that subject matter is only one small aspect of a
solid, finished piece and requires the help of other elements such as
composition, lighting, simplicity of stroke, good value and color ranges, and
well-considered texture.

Me gusta pintar lo que me fascina, y la gente está en la parte superior de esa lista ahora
mismo. Sin embargo, creo que el tema es solo un aspecto pequeño de una pieza sólida y
terminada y requiere la ayuda de otros elementos como la composición, la iluminación, la
simplicidad del trazo, el buen valor y los rangos de color, y la textura bien considerada.

1. Lápices en miniatura

Comienzo cada pintura con un concepto o una configuración que pueda haber visto o
concebido. En las primeras etapas, me tomo el tiempo de diseñar una serie de miniaturas
con lápiz. De esta manera puedo trabajar la totalidad de la composición simplificando la
escena potencial a masa y línea. Dibujo varias variaciones hasta que uno se siente bien. A
veces trabajo durante días, quitando mi escena para entender qué es exactamente lo que
hace que funcione.
1. Pencil Thumbnails
I begin each painting with a concept or a setting I may have seen or
conceived. In the earliest stages, I take the time to lay out a number of
thumbnails in pencil. This way I can work out the whole of the composition
by simplifying the potential scene down to mass and line. I draw several
variations until one feels right. Sometimes I work for days, stripping away my
scene to understand what exactly makes it work.

2. Pequeño estudio

Atender al modelo, el vestuario y la iluminación, y reorganizar la composición puede llevar

semanas. Esta es probablemente la parte más difícil del proceso para mí, ya que no tiene
una ciencia exacta. Cuando estoy satisfecho con la composición y el equilibrio de la escena,
hago una pintura de 5 × 4 pulgadas para sentir el color y ver cómo se verá en la pintura.
Esta primera práctica me permite resolver cualquier problema potencial importante antes de
comenzar con una versión más grande.

2. Small Study
Attending to the model, wardrobe and lighting, and rearranging the
composition can take weeks. This is probably the most difficult part of the
process for me, as there’s no exact science to it. When I’m satisfied with the
composition and balance of the scene, I do a 5×4-inch painting to get a feel
for the color and see what it will look like in paint. This first practice piece lets
me work out any major potential problems before I start on a larger version.
 3. Estudio más amplio.

Con mis estudios de 16 × 12, a veces hago varios, pruebo los efectos y los colores en mayor
medida y tengo una mejor idea de la composición. También reviso las fotos de referencia
de la escena y el modelo en el monitor de mi computadora. Después de terminar este
estudio en particular, sentí que el recorte de la escena debería ser más ajustado y que el
modelo debería estar mirando directamente al espectador. También el área gris en la parte
inferior izquierda parecía una imagen de espejo de la parte superior izquierda, así que
decidí borrarla.

3. Larger study
With my 16×12 studies—sometimes I do several—I test effects and colors to
a greater degree and get a better feel for the composition. I also check
reference photos of the scene and model on my computer monitor. After
finishing this particular study, I felt that the scene cropping should be tighter
and that the model should be looking directly at the viewer. Also the gray
area at the lower left seemed a mirror image of the top left, so I decided to
delete it.
 4. Pintar

Por lo general, comienzo la pintura real con un lavado medio y fino de las armonías de
color generales, no muy diferente de lo que harías con una acuarela. Para esta pieza,
finalmente decidí usar un lienzo más grande, de 20 × 16, ya que estaba muy cerca de las
proporciones de 16 × 12 de mi estudio, pero tendría más impacto. Me lavé con mi medio
(una parte de aceite de pie, una parte de barniz de damar y cinco partes de trementina de
triple rectificación) en un fresco tono gris-azul para servir de fondo y establecer la armonía
de color para el resto de la pintura.

4. Underpainting
I usually begin the actual painting with a thin, medium wash of the overall
color harmonies, not unlike what you’d do for a watercolor. For this piece I
eventually decided to use a larger, 20×16 canvas as it was very close to the
16×12 proportions of my study but would have more impact. I washed in with
my medium (one part stand oil, one part damar varnish and five parts triple-
rectified turpentine) in a cool gray-blue tone to serve as the backdrop and
set the color harmony for the rest of the painting.
 5. Sugerir la figura

Me sumergí en mi medio de nuevo para sugerir la figura. Tuve la precaución de evitar los
errores que había identificado en la versión 16 × 12 mientras volvía a crear los trazos que
disfruté de la pieza de práctica. También era importante para mí mantener los bordes suaves
en esta etapa para que no me distrajera de ellos más tarde. Quería mantener un aspecto
fresco mientras me mantenía preciso con la colocación del color.

5. Suggesting the Figure

I dipped into my medium again to suggest the figure. I was careful to avoid
the mistakes I’d identified in the 16×12 version while I re-created the strokes
that I enjoyed from the practice piece. It was also important for me to keep
the edges soft at this stage so I wouldn’t be distracted by them later. I
wanted to maintain a fresh look while staying accurate with the color
placement.
6. Corrigiendo el dibujo

Después de estar en un bloqueo aproximado, pude dar un paso atrás y tener una mejor
idea de cómo se veían los cambios. En esta coyuntura, hago la mayoría de mis
correcciones finales al dibujo en su conjunto y cambio las cosas si es necesario (la pintura
es aún muy delgada y fácil de manipular). A partir de este momento, usaré menos del
medio y comenzaré a realizar los trazos finales con pintura más pesada.

6. Correcting the Drawing

After laying in a rough block-in, I was able to step back and get a better idea
of how the changes were looking. At this juncture I make most of my final
corrections to the drawing as a whole and shift things around if needed (the
paint is still very thin and easily manipulated). From this point on, I’ll use less
of the medium and start making the finishing strokes with heavier paint.
 6. Formas en capas

Después de desglosar la mayoría de los elementos, coloco formas de valor y color y trabajo
el dibujo en una etapa casi completa. A continuación, repaso partes del lavado con
pinceladas más pesadas para mejorar la pintura inferior y juntarlo todo. También empiezo a
pensar en cómo podría terminar la pintura. Con esta pieza, quería conservar la mayor
cantidad posible de bloqueos nuevos, pero aún así contar la historia para que funcione.

7. Laying in Shapes
After roughing in most of the elements, I lay in shapes of value and color and
work the drawing to a nearly completed stage. Next I go over parts of the
wash with heavier strokes of paint to enhance the underpainting and pull it
all together. I also begin thinking about how I might finish the painting. With
this piece I wanted to preserve as much of the fresh block-in as possible but
still tell enough of the story to make it work.
 7. Trabajando hacia la finalización

Con un pincel casi seco, agregué más lavados y trazos amplios de color. Después de
trabajar en el estudio más grande, decidí agregar una oscuridad cálida en la parte superior
derecha para fortalecer la composición y ampliar la gama de colores. Sé que he terminado
cuando el resultado es una nueva combinación de colores y trazos que transmiten mi
sentimiento original de emoción. En ese momento, puse mi pintura fuera de la vista por
varios días. Más tarde lo saco para verlo más objetivamente. Si todavía se siente bien, lo
firmo, como lo hice con Nonchalant (aceite, 20 × 16).

8. Working Toward Completion

With an almost dry brush, I added more washes and broad strokes of color.
After working on the larger study, I’d decided to add a warm dark to the top
right to strengthen the composition and broaden the color range. I know I’m
finished when the result is a fresh combination of colors and strokes
conveying my original feeling of excitement. At that point, I put my painting
out of sight for several days. Later I pull it out to see it more objectively. If it
still feels right, I sign it, as I did for Nonchalant (oil, 20×16).