LA DANZA EN LA

CONTEMPORANEIDAD
ESTEBAN ARBOLEDA CHAVERRA

TÉCNICA LABORAL COMO INSTRUCTOR EN DANZA CLÁSICA.

BALLET FOLKLÓRICO DE ANTIOQUIA

MEDELLÍN, 2022
‘‘HABLAR DE DANZA EN LA CONTEMPORANEIDAD NOS EXIGE POR ENDE PENSARNOS EN ELLA,
PUESTO QUE ES UN EJERCICIO REFLEXIVO DEL MOVIMIENTO, DEL CONTEXTO, DEL YO, DEL
OTRO, DE LA SOCIEDAD; UN REFLEJO DE LO ORGÁNICO Y LO ESQUEMÁTICO, LO COTIDIANO,
LO ÉTNICO Y HASTA DE LO NO CONVENCIONAL.

ES HABITAR CONSCIENTEMENTE EL CUERPO PARA DARLE SIGNIFICADO A ESTA EXPERIENCIA

LLAMADA VIDA Y TALVEZ EMPEZAR A TEJER UN LENGUAJE CORPORAL PROPIO QUE PODRÍA
LLAMARSE DANZA, LA DANZA QUE HABITAMOS HOY NO ES MAS QUE ESE IDEAL HECHO
MOVIMIENTO.

LA DANZA EN LA CONTEMPORANEIDAD ES EL ESPLENDOR DE LO MULTIDISCIPLINARIO, DONDE

LA BÚSQUEDA DE INNOVACIÓN SIEMPRE ESTÁ PRESENTE; ESTA DANZA NO SE REVELA ANTE
NINGUNA OTRA DISCIPLINA; SINO QUE ADOPTA DE ELLAS LO QUE LE AYUDE A CONCRETAR ESA
BÚSQUEDA DEL IDEAL AL BAILAR. ¨

CORPUS SAPIENS DANZA.

ESTEBAN ARBOLEDA CHAVERRA, MEDELLÍN, 2022
 DANZA
DANZA MODERNA CONTEMPORÁNEA

DANZA
DANZA NEOCLÁSICA
POST MODERNA
LA DANZA NEOCLÁSICA
Se desarrolla a lo largo del siglo XX, cuestionando los principios de la
Danza Clásica. Sin embargo, no se opone a la técnica del Ballet Clásico,
de hecho, la utiliza como sustento, pero la adapta para nuevas
intenciones y va más allá a trastocar otros límites. Lo que otorga a la
danza un carácter innovador, revolucionario, pero sobre todo alternativo.

La danza Neoclásica ha logrado fundir los diversos lenguajes de la

danza y ha consolidado su propio estilo; se basa en la técnica para
crear su lenguaje con su propia forma de expresión y así conformar
con ello un público ávido de experimentar nuevas sensaciones.
 PENSADORES NEOCLÁSICOS

GEORGE
BALANCHINE
TWYLA THARP
ROLAND PETIT
Rolan petit JIRÍ KYLIÁN
FREDERICK ASHTON

MAURICE KENNETH
BÉJART MACMILLIAN
 RUSIA (22 de enero de 1904 -  30 de abril de 1983)

fue un Maestro de Ballet y Coreógrafo Georgiano que destacó en el ballet estadounidense, y

uno de los fundadores del estilo neoclásico. Su obra crea un puente entre el ballet clásico y
el ballet moderno. Creador del Método Balanchine es una de las figuras capitales del ballet
del siglo XX.

A lo largo de su trayectoria artística, Georges Balanchine se enriquece de innumerables

países y sus respectivas escuelas, ya que su vida como artista ha sido muy activa, pero son
tres, las que podríamos denominar como ''corrientes'' que ayudan a que inconscientemente
se cree su estilo propio, una marca de agua que hace que al ver pocos segundos de sus
coreografías, sepas que es él quien está detrás de ello. Como primera corriente, basado en
un orden cronológico, se remonta a sus orígenes en Rusia (estilo de los Ballet Imperiales
Rusos); Continúa con el music hall, jazz.. en su llegada a EE. UU.; Y, como tercera y última
corriente, su paso por Francia, al París decimonónico más romántico.

GEORGE  El perfecto estilo balanchinino aprovecha a fondo las indicaciones de la música:

BALANCHINE
naturalmente, a cada movimiento corresponde una estructura particular, vivaz en el
allegro vivo inicial, dulcemente lenta en el adagio , de nuevo brillante en el allegro vivace , y
luego a nivel de virtuosismo en el último allegro , que se concluye en un tutti arrollador, un
final de extraordinario efecto.
SEE THE MUSIC, HEAR THE DANCE …
Mira la música, escucha la danza…

«Lo importante en el ballet es el movimiento en sí mismo. Un

ballet puede contener una historia, pero el espectáculo visual
es el elemento esencial. El coreógrafo y el bailarín deben
recordar que ellos llegan a la audiencia a través de la mirada.
Es la ilusión creada aquello con lo cual convencen al público,
muy similar al trabajo de un mago.»
 ECUADOR / INGLATERRA (17 de septiembre de 1904 - 18 de octubre de 1988)

Fue un Bailarín y Coreógrafo británico nacido en Ecuador, En 1919 fue a Inglaterra a

estudiar en el Dover College y entonces lo hizo con el famoso Leónide Massine y estableció
una relación de trabajo con la compañía de ballet que pertenecía a Marie Rambert. También
estuvo influenciado por el trabajo de Bronislava Nijinska. Rambert descubrió la aptitud de
Frederick para la coreografía y permitió que coreografiara su primer ballet, “The Tragedy of
Fashion” en 1926, comenzando así una carrera enormemente exitosa como coreógrafo.

Su versión de La Fille Mal Gardée fue particularmente exitosa. Trabajó con las
bailarinas Margot Fonteyn y Maude Lloyd entre otros grandes artistas. Sus amplias
interpretaciones travestis como una de las cómicas hermanastras en el ballet Cenicienta
 de Serguéi Prokófiev fueron acontecimientos anuales por muchos años.

En 1962, fue nombrado Caballero por sus servicios al ballet. Entre 1963 y 1970 fue Director

del Ballet Real, Londres. Murió en 1988 en su hogar.
FREDERICK
ASHTON
 Francia (13 de enero de 1924- Ginebra Suiza; 10 de julio de 2011)
fue un Bailarín, Coreógrafo, Maestro de ballet y Director de
Compañía Francesa. Fue alumno de la escuela del Ballet de la Ópera de
París (1933-1944), creador de los Ballets des Champs Élysées (1945-1947)
y de los Ballets de París (1948-1956). Dirigió y coreografió numerosos
espectáculos para cine y televisión, adquirió y dirigió el Casino de París
(1970-1975) y fundó y dirigió el Ballet Nacional de Marsella (1972-1998).
Está considerado como uno de los máximos representantes del ballet de la
segunda mitad del siglo XX.
Representante del ballet más clásico dentro del movimiento de la danza
ROLAND PETIT neoclásica, no quiso asentarse en un solo estilo de baile y se le sigue
recordando hoy por sus eclécticas coreografías e interpretaciones.
 "Si puedes bromear sobre algo muy importante es que has alcanzado la libertad" 
-Maurice Béjart

Francia ( 1 de enero de 1927 - Lausana, Suiza, 22 de noviembre de 2007)

fue un Bailarín y Coreógrafo francés nacionalizado suizo el mismo año de su muerte.

La energía hercúlea de Maurice Béjart ha tenido un enorme impacto, a pesar de no ser un hombre
admirado universalmente. Contaba con un gran número de seguidores en Europa, sobre todo entre
la juventud. Él y Jean Laurent fundaron el Ballets de l'Étoile.

Su primera obra importante fue Symphonie pour un homme seul 1955, a la que siguió una
invitación del Teatro Real de la Moneda de Bruselas para crear un ballet para una compañía
permanente. Así surgió la coreografía de La consagración de la primavera 1956, su obra maestra.
Fue también autor de la coreografía de cerca de 200 ballets, la mayoría de ellos para su propia
compañía.

Como seguidor de las culturas orientales, presenta un teatro total, en el que se combinan los gestos
majestuosos, el diseño sensacionalista y, a veces, hasta partes habladas. En 1970 fundó el Mudra
MAURICE
Centre de Bruselas para difundir este planteamiento. BÉJART
 Escocia (11 de diciembre de 1929 - 29 de octubre de 1992, Londres)

fue un Coreógrafo y Bailarín británico. Después de estudiar en la escuela del Sadler's Wells Theatre, bailó en

varias de sus compañías de ballet a partir de 1946.

Su primera coreografía y obra fue Somnambulism de 1953, Su coreografía del ballet Romeo y Julieta,

estrenada por Margot Fonteyn y Rudolf Nuréyev en 1965, obtuvo gran resonancia internacional.

Fue director de danza de la Ópera Alemana de Berlín entre 1966 y 1969. En 1970, fue designado director
del Ballet Real en sustitución de Frederick Ashton y en 1977 renunció al cargo para volverse coreógrafo
principal de la compañía.

El 29 de octubre de 1992, sufrió un fulminante ataque al corazón mientras se encontraba tras bastidores
durante una reposición de su ballet Mayerling en el Covent Garden de Londres. Al concluir la función, su
fallecimiento fue anunciado desde el escenario y se le pidió al público que abandonara la sala en silencio.

legado es indiscutible. Estableció una nueva forma de crear ballets con un lenguaje sin tapujos y una
exposición casi morbosa de situaciones reales que, hasta ese momento no se veían en un escenario: sexo,

KENNETH violaciones, suicidios, drogadicción, y todo el espectro de pasiones concomitantes.

MACMILLAN
Presentadas así en crudo, como en la vida misma. No le faltaron detractores, pero eso no lo disuadió. Siguió
esa línea creativa, con la que tal vez se liberó de sus fantasmas de la infancia, mientras construía los más
bellos pas de deux del siglo XX.
 Estados Unidos (1 de julio de 1941)
se formó en Nueva York con los bailarines de danza moderna Martha Graham, Merce
Cunningham, Alwin Nikolais y en la compañía de Taylor donde bailó (1963-1965) antes de
formar su propio grupo.
En el Barnard College en Nueva York, se graduó con una licenciatura en historia del arte en
1963.
Con una eficaz estructura en sus coreografías, también destaca por su humor y su libertad de
movimientos. creadora de una danza a partir de las más variadas formas, como el video
experimental, el ballet, el cine y el teatro de Broadway, para su propia compañía y para otros.
Entre sus trabajos destacan: Deuce Coupe (1973) para el Ballet Joffrey, con música de
los Beach Boys, y Push comes to Shove (1976), para el bailarín estadounidense de origen

TWYLA
ruso, Mikjaíl Baryshnikov.

Su autobiografía Push Comes to Shove se publicó en 1992. En 1988 disolvió su compañía para

convertirse en coreógrafa del American Ballet Theatre.
THARPA
El 24 de mayo de 2018, fue galardonada con el Doctorado en Artes por la Universidad de
Harvard.
 Republica Checa (Praga, 21 de marzo 1947)

 Es un Coreógrafo checo afincado en Países Bajos. Con Hans van Manen es el principal exponente de la escuela
holandesa de ballet, que tuvo gran prestigio especialmente en los años 1980.

Estudió en Praga y, con 20 años, ganó una beca para el Royal Ballet School de Londres. En 1968 ingresó en el Ballet
de Stuttgart, trabajando con John Cranko. Allí se inició como coreógrafo: su primera obra, Paradox (1970), fue
creada para la Sociedad Noverre que dirigía Cranko. En 1974 estrenó Sinfonietta, su obra más conocida, con música
de Leoš Janáček, donde presentó una innovadora coreografía con una variada mezcla de estilos (clásico,
contemporáneo y folklórico), de gran lirismo y musicalidad. En 1976 se convirtió en director artístico
del Nederlands Dans Theatre. Su obra Symphony of Psalms ganó en 1978 el Olivier Award en Londres. En 1992 creó
su propia compañía. En 2008 la reina Beatriz, le entregó la Medalla de Honor de Artes y Ciencias.

Durante el transcurso de su carrera, Kylián ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, entre los que se
encuentran: “Oficial de la Orden de Orange-Nassau” de los Países Bajos, “Doctor Honorario” de la Julliard School
de Nueva York, tres premios Nijinski en Montecarlo (mejor coreógrafo, compañía y obra), el premio “Benois de la
Danse”, Moscú y Berlín, “Medalla Honorífica” del Presidente de la República Checa, “Comandante de la Legión de
Honor” de Francia y, en 2008, se le condecoró con uno de los más altos reconocimientos reales, la Medalla de la

JIRÍ Orden de la Casa de Orange, otorgado por Su Majestad la Reina Beatriz de los Países Bajos. En 2011, Kylián
recibió en Praga el Premio del Logro de toda una Vida en la categoría de teatro y danza del Ministerio de Cultura

KYLIAN Checo y ese mismo año su documental 'Forgotten Memories' recibió el premio de la Televisión Checa. En 2017,
Kylián recibió el prestigioso Gold Penning como ciudadano de honor de La Haya, en los Países Bajo
EVERY TEACHER WILL TELL YOU THAT YOU CANNOT
DANCE CLASSICAL TECHNIQUE WITH PERFECTION,
THERE IS NO SUCH THING, THERE IS NO WAY. SO YOU
HAVE TO ADAPT THE TECHNIQUE TO YOUR ABILITIES
OR TO YOUR DEFICIENCIES. LEARN TO CHEAT!
JIRÍ KYLIÁN

Todo maestro te dirá que no puedes bailar la técnica clásica con perfección,
no existe tal cosa, no hay manera. Así que tienes que adaptar la técnica a tus
habilidades o tus deficiencias. ¡Aprende a hacer trampa!
jirí Kylián
 LA DANZA MODERNA
La danza moderna se origina en una época de muchos cambios. A
principios del siglo XX, el mundo empezó a experimentar cambios
drásticos a nivel social, político y económico. La era agrícola quedó
atrás en muchos países europeos y en Estados Unidos. La
industrialización echó raíces en la economía y las monarquías de antaño
perdieron en algunas regiones su poder totalitario.
No es casualidad que la danza moderna surja en este ambiente de
cambios drásticos. Bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos,
comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no
respondían a ninguna regla establecida, rebelándose a las estrictas
reglas del ballet clásico y buscando una forma de expresión más libre.
 DORIS JOSE
HUMPHREY LIMON

ISADORA MARTHA
DUCAN GRAHAM
LESTER MOSHÉ
HORTON FELDENKRAIS

PENSADORES MODERNOS
 ESTADOS UNIDOS (San Francisco, 27 de mayo de 1877-Niza, 14 de septiembre de 1927)

Fue una Bailarina y Coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora de la danza

moderna. Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una nube de seda iluminada por los
nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral. Isadora Duncan utilizó los ideales del antiguo arte griego
para inspirar formas más naturales de danza. Duncan utilizó el cuerpo humano como un instrumento de
expresión emocional. Su vida y su muerte hicieron de Isadora una figura mítica de la danza.

Isadora consolida un estilo único. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta
entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la
vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y por tanto a una
búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior.

Duncan era plenamente consciente de que su estilo suponía una ruptura radical con la danza clásica, y en este
sentido se veía a sí misma como una revolucionaria precursora en un contexto artístico de revisión generalizada
de los valores antiguos. Al mismo tiempo que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en profundidad la
danza y la literatura antiguas a través de los museos, particularmente el Louvre de París, la National Gallery de
Londres y el Museo Rodin.

Su puesta en escena era también revolucionaria, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color
ISADORA
azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta entonces y una túnica vaporosa DUCAN
que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas desnudas y los pies descalzos, frente a los vestidos de tutú,
zapatillas de punta y medias rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello
suelto, mientras que lo habitual en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo en un moño .
 ¨La danza no es solo la transmisión de una técnica, si no también de un impulso vital de vida¨
ISADORA DUCAN
Las trágicas circunstancias que rodean la muerte de Isadora Duncan han contribuido sobremanera a la consolidación del mito, y
están envueltas en cierto misterio que la historia no ha conseguido despejar por completo. ¨El automóvil iba a toda velocidad cuando
la estola de fuerte seda que ceñía su cuello empezó a enrollarse alrededor de la rueda, arrastrando a la señora Duncan con una fuerza
terrible, lo que provocó que saliese despedida por un costado del vehículo y se precipitase sobre la calzada de adoquines. Así fue
arrastrada varias decenas de metros antes de que el conductor, alertado por los gritos, consiguiese detener el automóvil. Se obtuvo
auxilio médico, pero se constató que Isadora Duncan ya había fallecido por estrangulamiento, y que sucedió de forma casi
instantánea¨ tomado del new york times.

¨THE DANCER´S BODY IS SIMPLY THE

LUMINOUS MANIFESTATION OF THE SOUL¨
El cuerpo de los bailarines es la manifestación luminosa del alma.
 DANZAR ES SENTIR,
SENTIR ES SUFRIR,
SUFRIR ES AMAR.

SI USTED AMA, SUFRE Y SIENTE…

USTED DANZA !

ISADORA DUNCAN
 Estados Unidos (Pittsburgh, 11 de mayo de 1894 - Nueva York, 1 de abril de 1991)

Fue una Bailarina y Coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es
equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd
Wright en la arquitectura. ​

Graham consideraba que la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del
descubrimiento de principios primigenios. Fue muy reconocida en el mundo y a través de su apellido
se dio a conocer el nombre de su tipo de danza. Incorpora este método de trabajo para resolver
técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la
fuente de energía del bailarín.

En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único
de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron
famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente
reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del
MARTHA hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

GRAHAM
 En la Universidad de Bennington en 1932, Graham se graduó en el grado de bachiller de las artes en danza.
En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard. En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el
comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in The Street" trajo al escenario los serios problemas que
experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran
Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras
escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en
día.
Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos
críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como
coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.
Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford,
recibió el Premio Kennedy y la Medalla Nacional de las Artes.
En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.
¨Great dancers are not great because of their technique, they are
great because of their passion¨
MARTHA GRAHAM
Los grandes bailarines no son grandes por su técnica, son grandes por su pasión.
 La Técnica Graham
La técnica Graham es uno de los principales métodos en la danza
moderna. Es la única técnica de danza moderna que tiene un lenguaje
codificado para expresar todo el abanico de las emociones humanas. Está
basada en los principios de la contracción y la relajación. Graham se
enfoca en liberar las emociones mediante las contracciones pélvicas y
abdominales, la relajación al inspirar, los espasmos de los músculos, los
estiramientos y tirones.
En la técnica Graham el torso es el eje central en la expresión de las
emociones. Los brazos, manos y piernas se usan para crear imágenes y
para trasladarse en el espacio.
La respiración juega un papel primordial. Todas las contracciones y la
relajación en la técnica Graham se coordinan con la respiración, la
contracción se hace en la exhalación y la relajación se realiza en la
inhalación.
La relación con el suelo también cobra importancia. Los movimientos en la
técnica Graham se enraízan en el suelo, caen al suelo, se impulsan desde
el suelo para saltar o se sacuden contra el suelo
 Estados Unidos (Illinois; 17 de octubre de 1895 -  Nueva York; 29 de diciembre de 1958)
fue una Bailarina, Coreógrafa, Directora y Leyenda de la danza del siglo XX. Doris Humphrey destacada
figura de la incipiente danza que emergía en la época que le tocó vivir. Alumna de Ruth St. Denis y Ted
Shawn, emblemáticas personalidades de la danza, junto a ellos se formó y bailó posteriormente en la
compañía que dirigían, empapándose de una danza que olía a innovación y ruptura. Posteriormente, y
junto a Charles Weidman, que fue alumno suyo con anterioridad, fundó su propia agrupación en Nueva
York con la que estrenó más de una docena de montajes. Entre ellos figuran Water study, The call, Breath
of fire y Race of life. Creó también Doris Humphrey para otras agrupaciones. Entre ellas se encuentra la
dirigida por José Limón donde Humphrey asumió además la dirección artística invitada por su fundador.
Era 1946 y la bailarina y coreógrafa llevaba unos años retirada de los escenarios por problemas de salud.
En la compañía de José Limón, donde Humphrey permaneció durante 11 años, estrenó montajes
como Corybantic, Deeo rythm y Ruins and visions. A Doris Humphrey también hay que atribuirle la
fundación del Julliard Dance Theatre, ballet adscrito a la Julliard School de Nueva York.
 Es famosa tanto por sus teorías sobre el movimiento como por sus dramáticas y efectistas coreografías de
DORIS
grupo HUMPHREY
 Durante esta época, Humphrey desarrolló su conocida teoría de que todos los movimientos de la danza
existen en el "arco entre dos muertes": el área entre el equilibrio estático y la caída desequilibrada, y entre
la caída y la recuperación. 
 HUMPREY Y SUS APORTES
El papel de Doris Humphrey esta mas difuminado que el de Martha Graham. Como
bailarina Humphrey no intenta ser la líder, durante toda su carrera intenta permanecer a
al sombra, preocupada esencialmente por un arduo trabajo de investigaciones
coreográficas. Mas bien estudia la danza como un experimento de laboratorio.
La coreografía es un trabajo mas artesanal que artístico. Sin embargo, su integridad, su
valor, su vivo deseo de análisis, sus ideas sobre la exploración de los movimientos, así
como sus teorías sobre la coreografía, la convierte en una verdadera pionera de la danza
moderna. Pero su ámbito de influencia se ejerce sobre todo, sobre sus alumnos, a los que
educa, guía y estimula, mas que sobre la basta audiencia de las salas de espectáculo.
Se preocupa esencialmente, de la condición del hombre en la sociedad contemporánea. Se
revela contra las injusticias. Condena tanto como el arribismo, como la miseria material.
Sueña con un mundo mejor para el hombre. Sitúa en un contexto que le es propio.es por
medio de la danza como debe comunicarse con los otros hombres y exponer entonces los
problemas específicos de su época.
Doris es también una escritora de la danza, consigno los frutos de su experiencia para las
generaciones venideros en un memorable libro ¨THE ART OF MAKING DANCE ¨ que
fue publicado después de su muerte. La obra contiene inmejorables consejos,
indispensables para los candidatos a coreógrafos de hoy en día.
 EL BAILARÍN CREE QUE SU ARTE TIENE ALGO QUE DECIR QUE NO PUEDE EXPRESARSE
CON PALABRAS NI DE OTRO MODO QUE BAILANDO... HAY MOMENTOS EN QUE LA SIMPLE
DIGNIDAD DEL MOVIMIENTO PUEDE CUMPLIR LA FUNCIÓN DE UN VOLUMEN DE
PALABRAS. HAY MOVIMIENTOS QUE INCIDEN SOBRE LOS NERVIOS CON UNA FUERZA
INCOMPARABLE, PORQUE EL MOVIMIENTO TIENE EL PODER DE AGITAR LOS SENTIDOS Y
LAS EMOCIONES, ÚNICO EN SÍ MISMO. ESTA ES LA JUSTIFICACIÓN DE SER DEL BAILARÍN Y
SU MOTIVO PARA SEGUIR BUSCANDO ASPECTOS MÁS PROFUNDOS DE SU ARTE.
DORIS HUMPREY
 RUSIA ( Slavuta  6 de mayo de 1904 - Tel Aviv, Israel, 1 de julio de 1984)

fue un científico (físico y doctor en ciencias) israelí.

En París, donde residió a partir de 1928, se graduó como físico e ingeniero

mecánico y electrónico y obtiene su doctorado en la Sorbona de Paris, mientras trabaja en el
laboratorio Jean Frédéric Joliot-Curie en las primeras investigaciones nucleares. En 1951
 Feldenkrais regresó a Israel, donde trabajó como director del departamento electrónico del
ejército israelí y en el Instituto Weizmann como profesor de Física. En 1954 comenzó a dedicarse
exclusivamente a un tema: cómo desarrollar la capacidad humana de aprendizaje o como él lo
llamaba: "aprender a aprender"

Feldenkrais estudió la relación que existe entre el movimiento corporal y la manera de pensar,
sentir, aprender y actuar en el mundo, estableciendo las bases del método de "Autoconciencia
por el movimiento" e "Integración funcional", que hoy día lleva su nombre "el Método
Feldenkrais". Este, es un sistema único de educación somática, que explora nuevos patrones de MOSHÉ
movimientos y acrecienta la facilidad y el placer de moverse al expandir la autoconciencia .
FELDENKRAIS
MAKE THE IMPOSSIBLE POSSIBLE,
THE POSSIBLE EASY,
THE EASY ELEGANT.
 EL MÉTODO FELDENKRAIS
El Método Feldenkrais es un tipo de fisioterapia alternativa somática ideada por el israelí Moshé Feldenkrais a mediados del
siglo XX. Los proponentes del método afirman que este reorganiza las conexiones entre el cerebro y el cuerpo y, por lo tanto,
mejora el movimiento corporal y el estado psicológico.
No existe evidencia médica de que el método Feldenkrais tenga algún beneficio para la salud, sea seguro o tenga una relación
costo-beneficio positiva, sin embargo los investigadores no creen que presente riesgos graves a la salud. Feldenkrais
desarrolló el marco conceptual de su método en parte a través de la publicación de seis libros, comenzando con  Body and
Mature Behavior (1949) y terminando con The Potent Self (1985), publicado póstumamente.
El Método Feldenkrais es un tipo de terapia de ejercicios (fisioterapia) englobada en la medicina alternativa que, según sus
proponentes, puede reparar conexiones deterioradas entre la corteza motora y el cuerpo, beneficiando la calidad del
movimiento corporal y el bienestar general.1La Feldenkrais Guild of North America (Gremio Feldenkrais de Norteamérica)
afirma que el método Feldenkrais permite a las personas "redescubrir [su] capacidad innata para un movimiento elegante y
eficiente" y que "Estas mejoras a menudo se generalizarán para mejorar el funcionamiento en otros aspectos de [su] vida". 17​
PASION SIGNIFICA Sus defensores afirman que el Método Feldenkrais puede beneficiar a personas con una serie de afecciones médicas,
ESTAR PLENAMENTE incluidos niños con autismo y personas con esclerosis múltiple. Sin embargo no existe evidencia médica que respalde dichas
CONECTADO CON LO afirmaciones.
QUE UNO PIENSA Durante una sesión, un profesional de Feldenkrais dirige la atención a los patrones de movimiento habituales que se
SIENTE Y HACE.
consideran ineficientes o forzados, e intenta enseñar nuevos patrones utilizando movimientos repetitivos suaves y lentos. 21​Se
cree que la repetición lenta es necesaria para impartir un nuevo hábito y permitir que comience a sentirse normal. 22​Estos
movimientos pueden ser pasivos (realizados por el profesional en el cuerpo del receptor) o activos (realizados por el
receptor). El destinatario permanece completamente vestido durante las sesiones.
 ¨MY PURPOSE IS TO ALLOW PEOPLE TO MOVE
CLOSER TO ACTUALLY BEING CREATURES OF FREE
CHOICE, TO GENUINELY REFLECT INDIVIDUAL
CREATIVITY AND EMOTION, FREEING THE BODY
OF HABITUAL TENSIONS AND WIRED-PATTERNS OF
BEHAVIOUR SO THAT IT MAY RESPOND WITHOUT
INHIBITION TO DO WHAT THE PERSON WANTS¨.

MOSHÉ FELDENKRAIS

MI PROPÓSITO ES PERMITIR QUE LAS PERSONAS SE ACERQUEN A SER REALMENTE

CRIATURAS DE LIBRE ELECCIÓN, PARA REFLEJAR GENUINAMENTE LA CREATIVIDAD Y LA
EMOCIÓN INDIVIDUAL, LIBERANDO EL CUERPO DE LAS TENSIONES HABITUALES Y LOS
PATRONES DE COMPORTAMIENTO CABLEADOS PARA QUE PUEDA RESPONDER SIN
INHIBICIONES PARA HACER LO QUE LA PERSONA QUIERE.

MOVEMENT IS LIFE. LIFE IS A PROCESS.

IMPROVE THE QUALITY OF THE PROCESS AND YOU IMPROVE THE QUALITY OF LIFE ITSELF.
 Estados Unidos (Indianápolis, 23 de enero de 1906 - Los Ángeles, 2 de noviembre de 1953)

Fue un bailarín, coreógrafo, teórico y profesor de danza moderna, y director de compañía estadounidense.

Estudió danza clásica con Adolph Bolmir, pero sufrió varias influencias, desde el actor japonés Michio Itō hasta las
danzas de los pieles rojas, que le hicieron interesarse por la etnografía de los pueblos indígenas de Norteamérica, y
el folclore africano y oriental.

En 1934 formó el grupo Lester Horton Dancers, con la que se actuó varias temporadas por la Costa Oeste y también
en Nueva York, además de en el Jacob Pillow Festival. En 1948 abrió un teatro en Los Ángeles.

Horton, consta entre los maestros y fundadores de la escuela americana, los cánones de los que crearon una
orientación pedagógica y formado alumnos que se expresan en el nuevo lenguaje de la danza moderna, entre los que
cabe citar a Carmen de Lavallade, Bella Lewitzky, Alvin Ailey o Joyce Trisler.

Lester Horton es uno de los pilares de la Danza Moderna. Junto con Humphrey, Graham y Limón, Horton creó una
de las técnicas de danza moderna más codificadas.

En los últimos cinco años de su vida, Horton recodificó la técnica a una serie de estudios, cada uno de los cuales tenía
una motivación clara y lógica. El movimiento en esta sección tiene una enorme diversidad. Horton diseñó algunos
LESTER estudios para el fortalecimiento, algunos para estiramientos, y algunos sólo para la estimulación psíquica. Los
estudios se mueven a través del espacio en todos los niveles posibles: en el suelo, de pie, y en el aire. Esta diversidad
HORTON permite al bailarín convertirse espectacularmente proficiente y esta técnica da un derecho, calidad dramática .
 LA TÉCNICA HORTON
Lester Horton desarrolló una técnica de danza con una gran reputación de alargar, fortalecer y crear una
fuerte resistencia física en el cuerpo humano, como preparación para convertirse en un instrumento para la
danza expresiva. Con Horton, cada músculo del cuerpo es alargado y cada sección corporal es aislada. Bella
Lewitzky comenta al respecto «Nosotros teníamos ejercicios para nuestros dedos, muñecas, hombros, ojos,
cuello, ondulaciones de costillas y brazos; esto provenía de su amor por el teatro oriental»
Horton es muy famoso por producir bailarines con cuádriceps definidos, largos y esbeltos y lumbares flexibles
pero fuertes. La técnica utiliza todos los planos espaciales y niveles de movimiento. «La técnica de Lester
contenía un énfasis espacial, es por ello que tenía la tendencia de alcanzar afuera del cuerpo.»
Además, todos los aspectos del tempo, rango de movimiento, patrones rítmicos y acentos dinámicos son
explorados. Lewitzky le llama al estilo de Horton «Técnica Arquitectónica», enfocada en la «movilidad de las
articulaciones, desarrollando las calidades de tirar, lanzar, el swing, y los movimientos fuera de balance.»
«También contiene un uso expresivo de los movimientos redondos y arqueados de la espalda». El concepto del
arco y la curvatura de la espalda es similar a la teoría de contracción y relajación de Martha Graham. «Lester
desarrolló una técnica que ponía a prueba la capacidad del cuerpo de moverse a su máximo.» (Bella Lewitzky,
1967).
El torso en la técnica de Horton es considerado como el origen de todo movimiento. Esta idea es similar a los
conceptos de Graham y de Humphrey-Weidman. Otros impulsos para iniciar el movimiento emanan del
hombro, el esternón, el diafragma y la pelvis.
 ¨I am sincerely trying now to create a dance
technique based entirely upon corrective exercises,
created with a knowledge of human anatomy; a
technique which will correct physical faults and
prepare a dancer for any type of dancing he may wish
to follow; a technique having all the basic movements
which govern the actions of the body; combined with
a knowledge of the origin of movement and a sense of
artistic design¨
LESTER HORTON

“Estoy tratando sinceramente ahora de crear una técnica de danza basada enteramente
en ejercicios correctivos, creada con un conocimiento de la anatomía humana; una
técnica que corregirá defectos físicos y preparará a un bailarín para cualquier tipo de
baile que desee seguir; una técnica que tiene todos los movimientos básicos que
gobiernan las acciones del cuerpo; combinado con un conocimiento del origen del
movimiento y un sentido del diseño artístico.
 MEXICO (Culiacán, 12 de enero de 1908 - Flemington, Nueva Jersey, 2 de diciembre de 1972)

fue un Bailarín, Maestro de danza y Coreógrafo mexicano-estadounidense. Es considerado el precursor de la danza moderna, además de iniciador de
las técnicas coreográficas que siguen hasta la fecha y de que fue el primero en resaltar el rol masculino entre las compañías de danza.

Figura clave en la historia de la danza, se presenta José Limón como imprescindible referente en la historia de este arte. Su relación con la danza
comenzó tarde, a los 20 años en Nueva York cuando vio su primer espectáculo y comprendió que ahí estaba su futuro. Se matriculó entonces en el
estudio de Humphrey Widman. Y a pesar de las dificultades que encontró en su propio cuerpo, por unas piernas de músculos demasiado endurecidos
por su faceta de corredor, José Limón no tardó en demostrar sus grandes aptitudes para la danza y unos meses después debutaba como bailarín en el
musical Americana. Bailarín solista de la compañía de Humphrey Widman durante muchos años, donde realizó además sus primeros trabajos como
coreógrafo (Etude in D Minor, 1930 y Danzas Mexicanas, 1939).

La técnica de José Limón fue influenciada por su historia personal, la cultura de México y los bailarines famosos que habían
trabajado con él. La familia Limón vivía en México durante la Revolución Mexicana hasta 1915 cuando fueron a vivir en Los
Estados Unidos. Limón estudiaba el arte y la música durante su niñez y asistió la Universidad de California, Los Ángeles
 hasta 1928, cuando hace autostop a Nueva York para perseguir una carrera en el arte. Cuando llegó en Nueva York, llegó a
pensar que no tenía futuro en el arte; pero por suerte, vio un baile de la icónica Isadora Duncan y se enamoró de la danza.
Limón, por el consejo de unos amigos, fue al estudio de danza de los revolucionarios de la danza contemporánea en los
Estados Unidos, Doris Humphrey y Charles Weidman. Entre 1942 y 1946, Limón participó en el ejército por el reclutamiento
obligatorio para la Segunda Guerra Mundial. Después de eso, regresó a Nueva York donde él fundó su propia compañía y en
1951 empezó a enseñar en Julliard.

El joven bailarín mexicano brilló especialmente cuando se puso al frente de su propia formación, la Limón Dance Company, hoy en activa y

JOSÉ cumpliendo sesenta años de trayectoria. Allí sentó las bases el creador de un personal estilo y técnica propia, que hoy se sigue estudiando, y
comenzaron a ver la luz algunos de sus trabajos más conocidos. The moor´s pavane (1949) y The Unsung (1970), vigentes actualmente en el

LIMÓN repertorio de la compañía. Limón Se inspiró con frecuencia en sus raíces mexicanas y se mostró interesado por mostrar al público estadounidense
significados y matices de la cultura latinoamericana . 
 LA TÉCNICA LIMÓN
Todas las experiencias, su historia con el arte y la música y su
entrenamiento con Humphrey, Weidman, Balanchine y los otros
profesores de Julliard habían influenciada su técnica específica
que nosotros usamos hoy en día en clases de danza
contemporánea. Él fue uno de los primeros estadounidenses en
crear danza moderna-contemporánea sobre temas hispanos. Usó
su experiencia como Mexicano, la historia de México y la
literatura hispana para inspirar sus bailes. Su uso de las ideas de
gravedad y peso y su distinto uso de la yuxtaposición entre la
resistencia a la gravedad y la idea de sentir el peso son señales
distintivas de su coreografía. Él también exploraba el uso de la
respiración y su efecto en los movimientos. Su uso del ritmo y
del aislamiento de partes diferentes del cuerpo, reflejan su
experiencia con el arte. José Limón y sus experimentos con el
movimiento del cuerpo por el baile son representaciones ¨WE ARE NEVER MORE TRULY AND
fantásticas de la influencia hispana en el mundo de danza
contemporánea. fue considerado un destacado bailarín
PROFUNDLY HUMAN THAN WHEN
WE DANCE¨.
EL GRAN PODER DE LA EXPRESIÓN ES NUESTRO DESDE EL DÍA
EN QUE NACEMOS HASTA LA HORA DE NUESTRA MUERTE.
"THE GREAT POWER OF EXPRESSION IS OURS
FROM THE DAY WE ARE BORN TO THE HOUR OF
OUR DEATH" 

JOSÉ LIMÓN

“ART MUST GIVE US A VISION OF

GREATNESS. WE ARE NOT ENTIRELY
VICIOUS. WE ARE PART ANGEL.”
JOSÉ LIMÓN
EL ARTE DEBE DARNOS UNA VISIÓN DE GRANDEZA. NO
SOMOS DEL TODO VICIADOS. SOMOS EN PARTE ÁNGELES .
LA DANZA POST MODERNA
 
Es un tipo de danza de escenario del siglo XX en Estados Unidos. La
misma es una reacción a los límites de composición y de presentación de
la danza moderna, la danza posmoderna rescata el uso de los movimientos
cotidianos como un vehículo artístico válido y propone métodos novedosos
de composición de la danza.
Esta danza se empezó a desarrollar una rebelión ante los conceptos
coreográficos de la Danza Moderna (Psique Humana: emociones, estados
de ánimo, problemas existenciales); Centrándose más en el principio
ideológico de la búsqueda de la libertad de movimiento. Llega a ser
considerada como la primera Etapa de la Danza Contemporánea.
 PENSADORES POST MODERNOS

STEVE PAXTON
TRYSHA BROWN
MERCE CUNNINGHAM
 Estados Unidos (Centralia, 6 de abril de 1919 - Nueva York, 26 de julio de 2009)
fue un bailarín y coreógrafo estadounidense. Cunningham recibió su primera formación
formal en danza y teatro en la Cornish School (actualmente, la Cornish College of the
Arts) en Seattle. Desde 1937 hasta 1943, fue solista en la compañía de Martha Graham.
Presentó su primer concierto solista en Nueva York con John Cage en abril de 1944. Creó
la Merce Cunningham Dance Company en el Black Mountain College en el verano de
1953. Desde esa época, Cunningham coreografió cerca de 200 obras para su compañía. En
1973 coreografió Un jour ou deux para el ballet de la Ópera de París, con música de Cage
y decorados de Jasper Johns.
El interés de Cunningham en la tecnología contemporánea le llevó a trabajar con el
programa para computadora «DanceForms», que usó para realizar todas sus danzas
desde Trackers (1991). En 1997 empezó a trabajar en captura de movimientos con Paul
Kaiser y Shelley Eshkar de Riverbed Media para desarrollar el decorado
para BIPED, con música de Gavin Bryars, interpretada por vez primera en 1999 en el
Zellerbach Hall, Universidad de California en Berkeley.
En octubre de 2005 Cunningham recibió el Premium Imperiale en Tokio. En Francia, fue
MERCE
nombrado comandante de la Orden de las Artes y las Letras en 1982 y Caballero primero CUNNINGHAM
(1989) y luego oficial (2004) de la Legión de Honor.
 LA TÉCNICA CUNNINGHAM
La técnica Cunningham fue creada por el coreógrafo Mercè Cunningham. Él le dio a la danza un carácter independiente y
autónomo en relación a la música. También le otorgó un significado nuevo al sentido del espacio durante la ejecución de una
coreografía. Es una técnica que da protagonismo al movimiento y se basa en una combinación de una serie de secuencias
aleatorias, pero seleccionadas previamente

Sentó las bases de un estilo y forma de entender esta disciplina, único e influyente, estudiado y seguido por numerosos creadores.
Con su irrupción en la creación dancística comenzó también una era nueva para la danza. Inventó una técnica donde priman la
investigación corporal y la libertad creativa, hoy estudiada con devoción; otorgó a la danza su carácter autónomo e independiente
con respecto a la música y estableció colaboraciones dancístico-musicales tan fecundas como la que presidió sus creaciones junto a
John Cage; le dio un nuevo sentido a la noción del espacio en una coreografía, y se rodeó de grandes de las artes como Andy
Warhol, Jasper Johns y Robert Rauschenberg, para elaborar obras memorables. Su repertorio asciende a más de 200 trabajos. 

Para Cunningham, la danza se convierte en una manera de vivir, un modo de existir, el simple le hecho de moverse en cualquier
lugar, un espacio abierto al entorno mas natural y mas inesperado posible. Su movimiento, es el movimiento de la vida. Nace del
gesto cotidiano, pierde su carácter de gesto utilitario sin por ello extraerle su atributo de participante en el acontecimiento y en la
marcha del tiempo. La utilización de este tipo de movimiento da origen a los happenings.

Con su cuerpo de bailarín, Cunningham se integra en el universo de su época, hace del cuerpo un elemento vivo que participa en la
existencia inmediata de un mundo sometido a las fluctuaciones de la actualidad(Maquinas, Robots, la desintegración del átomo, el
viaje extraterrestre ). Además, Cunningham no deshumaniza nunca al cuerpo. Lo utiliza como instrumento de expresión corporal.

¨Dancing is a spiritual exercise in a physical form¨

 YOU HAVE TO LOVE DANCING TO...
YOU HAVE TO LOVE DANCING TO STICK TO IT.
IT GIVES YOU NOTHING BACK, NO MANUSCRIPTS
TO STORE AWAY, NO PAINTINGS TO SHOW ON
WALLS AND MAYBE HANG IN MUSEUMS, NO POEMS
TO BE PRINTED AND SOLD, NOTHING BUT THAT
FLEETING MOMENT WHEN YOU FEEL ALIVE. IT IS
NOT FOR UNSTEADY SOULS.

MERCÉ CUNNINGHAM
Tienes que amar bailar para apegarte a ello. No te devuelve nada, ni manuscritos que guardar, ni
pinturas que mostrar en las paredes y tal vez colgar en museos, ni poemas que imprimir y vender, nada
más que ese momento fugaz en el que te sientes vivo. No es para almas inestables.
 Estados Unidos (25 de noviembre de 1936 - 18 de marzo de 2017)
Fue una coreógrafa y bailarina estadounidense, directora artística de la Trisha Brown
Company, una de las fundadoras del Judson Dance Theatre y del movimiento de baile
posmoderno, teórica de la danza.
Una de las coreógrafas y bailarinas más aclamadas e influyentes de su tiempo, el trabajo
innovador de Trisha cambió para siempre el paisaje del arte.
Estudio en Mills College la técnica de Martha Graham, en nueva York con José Limón y con
Mercè Cunningham quien desde los años 50 ya venía pretendiendo reformular las pautas
clasicistas y modernas desdibujando los límites de las obras y junto con el Músico John Cage
explora nuevas posibilidades artística donde no habría en el movimiento más que el
movimiento mismo. Debutó en la compañía de Ann Halprin en 1960 junto con Yvonne Rainer
y es allí donde le da forma a su método de improvisación estructurada, rechazando la
espontaneidad y estructurando modelos que respeten la estructura numérica y los límites

TRYSHA espaciales tangibles y limitados.

Su búsqueda sucedió en un momento histórico luego de las guerras mundiales y de revueltas
BROWN vanguardistas en el arte, donde se empezaron a cuestionar las verdaderas historias y los
principios estéticos y filosófico.
 LOS APORTES DE BROWN
Fue una revolucionaria de la danza, eliminando las técnicas académicas o rígidas, y dejando al cuerpo más libre, con movimientos
cotidianos, visión artística, pies descalzos y un acercamiento posmodernista y democrático de las coreografías. Thrisha Brown fue una
coreógrafa fundamental de la segunda mitad del siglo XX, que inyectó cabeza a los movimientos sensuales del cuerpo

Contribuyendo en gran medida a la ferviente creatividad interdisciplinar que definió el Nueva York de los años 60. Ampliando los
comportamientos físicos que se calificaban como danza, descubrió lo extraordinario en lo cotidiano, e introdujo las tareas, los juegos de
reglas, el movimiento natural y la improvisación en la elaboración de la coreografía.

Con la fundación de la Trisha Brown Dance Company en 1970, Brown emprendió su propio camino de investigación artística e incesante
experimentación, que se prolongó durante cuarenta años. Creadora de más de 100 coreografías y seis óperas, y artista gráfica, cuyos
dibujos han sido reconocidos en numerosas exposiciones y colecciones de museos, las primeras obras de Brown tomaron impulso del
paisaje urbano del centro de SoHo, donde fue una pionera en establecerse. En la década de 1970, mientras Brown se esforzaba por
inventar un lenguaje de movimiento abstracto original -uno de sus logros singulares-, fueron las galerías de arte, los museos y las
exposiciones internacionales los que proporcionaron a su obra su contexto de presentación más importante. De hecho, los proyectos
contemporáneos para introducir la coreografía en el entorno de los museos son impensables sin el modelo ejemplar que estableció Brown.
Fue la primera en experimentar con la gravedad con su coreografía al usar arneses para hacer que los bailarines “volaran” y “caminaran por paredes”.
Su maravillosa coreografía contaba con contextos inusuales y asombrosos para el cuerpo, con movimientos fluidos e impredecibles.
“SIEMPRE ESTOY TRATANDO DE EMPUJAR HACIA DELANTE Y FUERA
DE LOS LÍMITES DE LO QUE CONOZCO. ESTOY TRATANDO DE
EXPANDIR MI VOCABULARIO DE MOVIMIENTO, Y TRATO DE
MANTENERME ABIERTA AL IMPULSO Y EL ACCIDENTE. NO QUIERO
NUNCA HACER SIMPLEMENTE UN PRODUCTO FIJO Y AUTOMÁTICO”.

TRISHA BROWN
 Estados Unidos (Phoenix, 21 de enero de 1939)
Es un bailarín y coreógrafo estadounidense de danza contemporánea.
Comenzó sus estudios de danza en Tucson y los continuó en Nueva
York con Martha Graham, Robert Dunn, José Limón y Mercè
Cunningham. Fue uno de los miembros fundadores del Judson
Memorial Church de Nueva York, donde presentó la mayoría de sus
coreografías.
En 1972 inició el sistema de improvisación conocido como "Contact
Dance Improvisation", basado en el movimiento corporal y su relación
con el espacio y la energía. A partir de 1974 formó parte del
grupo Grand Union, fundado por Yvonne Rainer y Trisha Brown entre
STEVE
otros.
PAXTON
 CONTACT DANCE IMPROVISATION
A principios de la década de los 70’s, Paxton empezó a desarrollar una forma de danza llamada ¨Contact Dance
Improvisation¨, basada en al comunicación entre dos cuerpos en movimiento, en contacto físico, en principios como
rodar y peso y contrapeso. Contiene elementos de la danza, la acrobacia y las artes marciales y una relación mutua con
el espacio y las leyes de la físicas que determinan su acción, (tales como la inercia, el impulso, el peso...). El cuerpo, con
el fin de abrirse a estas experiencias, aprende a liberar la tensión muscular excesiva y a experimentar el movimiento
como un flujo natural. Exploran a partir de gestos y acciones cotidianas como correr o caminar y empiezan a cambiar
el panorama de la danza estadounidense. Nace la danza postmoderna.

Estamos hablando de un método o un sistema de improvisación. En los talleres sobre esta técnica, se suelen hacer
primero ejercicios para preparar el cuerpo, de una manera física y sensorial. Abrir la escucha a los demás, al espacio y
a tu propio cuerpo. A través del Contact aprendes a establecer una comunicación energética, corporal y sensorial entre
cuerpos, sin usar palabras. También se experimenta con la ideas de rodar, el peso compartido entre dos personas, el
contrapeso, palancas, puntos de apoyo, etc. Una vez trabajadas y más o menos integradas estas herramientas, se pasa
a la verdadera esencia del Contact-Improvisation; la Jam Session. Largas jornadas de improvisación, a menudo
acompañadas de música en directo; en las que se entra y sale del espacio cuantas veces quieras y bailas con cuantas
personas te plazca. Eso sí, siguiendo siempre las normas y códigos que se planteen para el buen funcionamiento del
evento y goce de los asistentes.
 JUST THE PLEASURE OF MOVING AND THE
PLEASURE OF USING YOUR BODY IS, I THINK, MAYBE
THE MAIN POINT.
AND THE PLEASURE OF DANCING WITH SOMEBODY
IN AN UNPLANNED AND SPONTANEOUS WAY, WHEN
YOU'RE FREE TO INVENT AND THEY'RE FREE TO
INVENT AND YOU'RE NEITHER ONE HAMPERING THE
OTHER, THAT'S A VERY PLEASANT SOCIAL FORM.

STEVE PAXTON

Solo el placer de moverse y el placer de usar tu cuerpo es, creo, quizás el punto
principal. Y el placer de bailar con alguien de una manera no planificada y
espontánea, cuando eres libre de inventar y ellos son libres de inventar y ninguno de
los dos obstaculiza al otro: esa es una forma social muy agradable.
 LA DANZA CONTEMPONÁRENA

Hay quienes consideran la Danza Posmoderna como la primera etapa de este

género, debido a "La Búsqueda de Libertad" que continua presente. Aunque
actualmente la Danza Contemporánea es tan diversa que se genera un
pensamiento del "todo se vale" pero siempre con una formación técnica.
Mezcla una variedad de técnicas y disciplinas [como el ballet, las técnicas
modernas, el yoga, pilates, las artes marciales, contact dance, danza aérea,
acrobacia, etc.]y la improvisación. Las posibilidades son tan amplias que las
coreografías pueden ser tanto abstractas y narrativas, se puede expresar
alguna emoción/idea o no transmitir algo en concreto. Todo será en cuestión
a las necesidades del(os) coreógrafo(s) o bailarín(es) que realizaran la
composición a ejecutar.
FRANCOIS EMILE JAQUES RUDOLF VON MARY
ALVIN
DELSARTE DALCROZE LABAN WIGMAN AYLEY

PENSADORES CONTEMPORÁNEOS

PINA David
BAUSCH Zambrano
 «THE OBJECT OF ART IS TO CRYSTALLIZE EMOTION
INTO THOUGHT AND THEN GIVE IT FORM.»
«El objeto del arte es cristalizar la emoción en el pensamiento y luego darle forma».

FRANCIA (11 de noviembre de 1811 – 20 de julio de 1871)

Fue el inspirador de la danza contemporánea, primeramente con el nombre de «gimnasia expresiva» (Bode) o,
posteriormente, «gimnasia rítmica». Afirma que los estados espirituales se deben representar a través de actitudes y
movimientos del cuerpo como unidad, y no únicamente del rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que
en el anterior. Divide el cuerpo en tres zonas variables:
Los miembros inferiores, expresan fuerza.
El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional.
La cabeza–cuello, el gesto, reflejan el estado mental.

FRANCOIS Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:
- Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo perfecta de las estatuas
DELSARTE griegas.
-Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un movimiento opuesto de los otros
segmentos.
-Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa con el tamaño de los músculos.
 SUIZA ((Viena, 6 de julio de 1865 – Ginebra, 1 de julio de 1950)
Fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre polifacético: músico, coreógrafo, actor, compositor
y pedagogo. Sus conocimientos musicales y corporales le llevaron a percatarse de la necesidad del aprendizaje de
estas dos actividades para el desarrollo de la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo
musical mediante el movimiento corporal .
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra fueron el origen de su
método de gimnasia rítmica:
-Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les faltaba la capacidad de
medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las sucesiones.
-Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo a
consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies), deduciendo así que podía existir alguna relación
entre la acústica y los centros nerviosos superiores.
-No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar sus movimientos, al no
responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.
ÉMILE
Basándose en estas observaciones concluyó que: JAQUES
Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no solo del oído, sino también del tacto. DALCROZE
-Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
-La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.
-No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior .
 EURITMIA DALCROZE
El método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo
y el movimiento. Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías
para hacer referencia a los conceptos musicales, para desarrollar un
sentimiento integrado y natural para la expresión musical. Para su método,
señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo e improvisación. Su finalidad
consiste en armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por
parte del alumno. Pretende regularizar las reacciones nerviosas del niño,
desarrollar sus reflejos, proporcionarle automatismos temporales, luchar
contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para
llegar a las demás artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero ¨LA EDUCACIÓN POR Y PARA EL
que señala la importancia de la música en el desarrollo personal y por marcar RITMO ES CAPAZ DE
los inicios de lo que más adelante sería la musicoterapia.
DESPERTAR EL SENTIDO
ARTÍSTICO DE TODOS LOS QUE
SOMETEN A ELLA¨

EMILE JAQUES DALCROZE

 Eslovaquia (Presburgo, 15 de diciembre de 1879-Weybridge, Surrey, 1 de julio de 1958)
fue un maestro, coreógrafo y teórico de la danza austro-húngaro de danza moderna. y a su vez, predecesor del hip
hop latino, de cierta forma . Se le considera uno de los pioneros de la danza moderna en Europa y el "padre
fundador de la danza expresionista¨, pues, lograba expresar todo lo que necesitaba.
En 1928 publicó su método de notación matemática, donde documentó todas las poses del movimiento humano y que
posibilitó a los coreógrafos el poder registrar los pasos de los bailarines y otros desplazamientos corporales, así como
también su ritmo. Interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió matemáticas,
física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la actividad natural y cultivada. El
ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de las “puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que
dar origen a una liberación total del alma y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres sistemas:
-Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos. Consigue establecer una técnica
de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los dinamismos, del espacio y de todas las acciones motrices del
cuerpo.
-La técnica del icosaedro: permite a la comunidad estudiantil de danza ver los puntos hacia y desde los cuales se
mueven, mejorando su precisión en el movimiento. RUDOLF
-La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de principios y conceptos VON
sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de investigación y de reflexión sobre la manera de efectuar
y concebir el movimiento. De esta forma el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y
LABAN
familiarizarse con el movimiento, llegando a descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.
 EXISTENCE IS MOVEMENT. ACTION IS
MOVEMENT. EXISTENCE IS DEFINED
BY THE RHYTHM OF FORCES IN
NATURAL BALANCE. IT IS OUR
APPRECIATION FOR DANCE THAT
ALLOWS US TO SEE CLEARLY THE
RHYTHMS OF NATURE AND TO TAKE
NATURAL RHYTHM TO A PLANE OF
WELL- ORGANISED ART AND
CULTURE.
LA EXISTENCIA ES MOVIMIENTO. LA ACCIÓN ES MOVIMIENTO. LA
EXISTENCIA SE DEFINE POR EL RITMO DE LAS FUERZAS EN EQUILIBRIO
NATURAL. ES NUESTRO APRECIO POR LA DANZA LO QUE NOS PERMITE
VER CLARAMENTE LOS RITMOS DE LA NATURALEZA Y LLEVAR EL RITMO
NATURAL A UN PLANO DE ARTE Y CULTURA BIEN ORGANIZADOS.
 ALEMANIA (Hannover, 13 de noviembre de 1886 - Berlín, 19 de septiembre de 1973)
fue una bailarina alemana, principal propulsora de la danza expresionista. Estudió con Rudolf von Laban y
tuvo estrechos contactos con el grupo expresionista Die Brücke, mientras que, durante la Primera Guerra
Mundial, se relacionó con el grupo dadaísta de Zúrich. Para ella, la danza era una expresión del interior del
individuo, haciendo especial hincapié en la expresividad frente a la forma. Así otorgaba especial importancia a
la gestualidad, ligada a menudo a la improvisación, así como al uso de máscaras para acentuar la expresividad
del rostro. Sus movimientos eran libres, espontáneos, probando nuevas formas de moverse por el escenario,
arrastrándose o deslizándose, o moviendo partes del cuerpo en actitud estática, como en la danza oriental. Se
basaba en un principio de tensión-relajación, lo que procuraba mayor dinamismo al movimiento. Además
utilizó las nociones de caída-recuperación para diagramar las posibilidades entre estos dos polos, que ella
consideraba como "muertes"(uno de los motivos por los cuales, sus exploraciones en el movimiento la anclaron
en un periodo de la historia de la danza No Formalista, sino expresionista). Fue concretamente quien comenzó
a utilizar la quietud como potencial en el movimiento, no como sinónimo de silencio ni vacío. 

MARY
 aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el oficio de bailarín es una vocación. Influyó en
la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna
se basa en la expresividad exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación,
WIGMAN manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres
ritmos. Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún
acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los tambores) y
finalmente llega la música
 THE DANCE GREW INTO A COLORFUL FLOWER BOUQUET
WHICH CAUGHT AND CONTAINED THE GLOW OF SUN-
HAPPY SUMMER DAYS, THE SECRET OF STAR-STUDDED
NIGHTS, AND THE WISTFUL SWEETNESS OF OVERCAST
AND RAINY HOURS.
MARY WIGMAN
EL BAILE SE CONVIRTIÓ EN UN COLORIDO RAMO DE FLORES QUE CAPTURÓ Y CONTUVO EL BRILLO DE LOS DÍAS SOLEADOS DE VERANO, EL SECRETO
DE LAS NOCHES TACHONADAS DE ESTRELLAS Y LA MELANCÓLICA DULZURA DE LAS HORAS NUBLADAS Y LLUVIOSAS .
DANCE IS FOR EVERYBODY. I BELIEVE THAT THE DANCE CAME FROM THE PEOPLE AND
THAT IT SHOULD ALWAYS BE DELIVERED BACK TO THE PEOPLE.

Estados Unidos (Texas; 5 de enero de 1931 - Nueva York; 1 de diciembre de 1989)

fue un bailarín y coreógrafo estadounidense. En 1942 se trasladó a Los Ángeles, donde

estudió danza y coreografía entre 1949 y 1954. Después se mudó a Nueva York, donde participó en
varias producciones teatrales.

En 1958, fundó el Alvin Ailey American Dance Center compuesto principalmente de gente de etnia
afroamericana. Entre las tantas obras que coreografió para la compañía se encuentra su
representación exclusiva Revelations de 1960, formada de espirituales afroamericanos con la famosa
directora y coreógrafa de Martha Graham Dance Company, Pearl Lang, como codirectora de la
escuela. Su objetivo era brindar acceso a las artes y la danza a comunidades de escasos recursos.
Comenzaron en Brooklyn con 125 estudiantes. Un año después, la escuela se trasladó
a Manhattan detrás del complejo del Lincoln Center.
ALVIN
AYLEY
 ¨EVERYTHING IN DANCING IS STYLE,
ALLUSION, THE ESSENCE OF MANY
THOUGHTS AND FEELINGS.
THE ABSTRACTION OF MANY MOMENTS¨.

ALVIN AYLEY
Todo en el baile es estilo, alusión, esencia de
muchos pensamientos y sentimientos.
La abstracción de muchos momentos.
Alemania (Solingen, 27 de julio de 1940 – Wuppertal, 30 de junio
de 2009),
fue una bailarina, coreógrafa y directora alemana pionera de
la danza contemporánea. Con su estilo vanguardista, mezcla de
distintos movimientos, Bausch propone piezas de danza que se
componen en cooperación entre distintas expresiones:
movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía que
configuran piezas enmarcadas en la corriente de la danza teatro, de
la cual Bausch es pionera.
En 1959, con 19 años, se graduó de la Folkwang School y ganó
una beca para continuar sus estudios en Nueva York. Ahí estudió
en la Juilliard School desde 1960, teniendo como maestro
a Antony Tudor, bajo cuya dirección bailaría por primera vez en
el Metropolitan Opera Ballet. En esta segunda etapa formativa,
Bausch también tuvo como profesores a José Limón, Alfredo
Corvino y Paul Taylor, quien la dirigió como parte del New
American Ballet.
Tras el brillante desempeño de Pina Bausch en Estados Unidos,
Kurt Joos, su primer maestro, la reclama en 1961 para formar
parte de su compañía en Alemania. Así, en 1962 se unió a la PINA
recién creada Folkwang Ballet Company, al principio llega como
asistente de Joss y luego se convierte en solista. En 1968 dirigió
su primera pieza como coreógrafa de la compañía: Fragment, con
BAUSCH
música de Béla Bartók; al año siguiente reemplaza a Joos como
directora artística.
DANCE, DANCE, OTHERWISE WE ARE LOST.
LA DANZA TEATRO
El trabajo de Pina Bausch está conectado con la tradición de la danza expresionista
alemana –la Ausdruckstanz-, encarnando sentimientos
de angustia humana existencial, anomia y disociación.
Todos sus trabajos comparten similitudes esenciales: ausencia de argumento (en
un sentido clásico), del sentido convencional de la progresión en escena y de
referencias a lugares geográficos específicos. Sin embargo, la obra de Bausch tiene
“una gran atmósfera de humor malvado, un patrón de banalización romántica y
humillación”.
​Su trabajo se basa en la creación de breves episodios de diálogo y acción a
menudo centrados en situaciones surrealistas, en el uso del cuerpo y en las
relaciones entre este, el escenario y el vestuario.
Las piezas de Bausch a menudo involucran al público, introduciéndolos a
la performance.
Incluyen, además, interludios físicos que, por ejemplo, presentan a hombres y
mujeres que pueden ser hermanos o antagonistas. La idea de Bausch es jugar con
las convenciones del tiempo teatral sobre el escenario, estimulando un nuevo
lenguaje construido por aparentes elementos dispares y aleatorios que producen un
inequívoco balance interno que da vida a su propuesta de danza teatro.
La International Encyclopedia of Dance, de la Universidad de Oxford define el
trabajo de Pina Bausch como único, sosteniendo que su cuerpo de danza lo forman
bailarines "de apariencia y perspectiva madura, donde cada uno alude a la
superioridad multifacética y cosmopolita del mundo de Bausch.​lo que señala cuán
importante fue en vida, así como su legado, tras su muerte.
YOUR FRAGILITY IS ALSO YOUR STRENGTH.
Para entender lo que digo, hay que creer que la danza es algo más que técnica.
Nos olvidamos de dónde vienen los movimientos. Nacen de la vida. Cuando
creas una nueva obra, el punto de partida debe ser la vida contemporánea, no
formas de danza existentes…
PINA BAUSCH

Repetition is not repetition,The same action makes you feel something completely different by the end.
 Venezuela, (1960).

David Zambrano ha sido una figura clave en la comunidad internacional de la danza durante 35
años. Su pasión por el intercambio cultural sigue influenciando su obra. Vive y trabaja en
Ámsterdam y Bruselas, pero también imparte clases y actúa de manera internacional.
Zambrano es embajador y artista amigo entre varias fronteras y une a diversos artistas de todo
el planeta para sus proyectos. Profesor inspirador, artista apasionante y coreógrafo innovador.
Zambrano ha contribuido enormemente al campo de la danza, influyendo a muchos y a la
danza misma desde variedad de puntos de vista.

Aprendiendo a usar la experiencia propia y poder moldear la energía propia de manera

consciente y continua, integrando el cuerpo, mente, tiempo y espacio mediante la danza
improvisación, los alumnos aprenden a crear piezas de danza instantáneas ante un público.
El taller comienza mediante la improvisación de solos, dúos y obras en grupos pequeños, con la
clase como público. Zambrano empuja los estudiantes a darse cuenta de que siempre hay más
dentro de nosotros y que actuar es espontáneo.
en 1989 Zambrano recibe una subvención de la Fundación para las Artes de Nueva York que le
permitió dedicar tres meses
DAVID
ZAMBRANO
 FLYING LOW
En 1989 Zambrano recibe una subvención de la Fundación para las
Artes de Nueva York que le permitió dedicar tres meses en el estudio
sólo a la investigación. Fue allí cuando definió su técnica, el Flying-
Low, la cual se centra principalmente en la relación del bailarín con
el suelo. Durante la clase se utilizan patrones de movimiento simples
que involucran la respiración, la velocidad y la liberación de energía
en todo el cuerpo para activar la relación entre el centro del mismo y
las articulaciones, moviéndose de manera más eficiente ya que se
mantiene consciente del centro corporal. Se hace foco en la
estructura esquelética para ayudar a mejorar la percepción física y
el estado de alerta de los bailarines. Este entrenamiento se ha
convertido en una marca registrada de Zambrano.
La técnica Flying Low trabaja el cómo entrar y salir del suelo a
través de patrones simples de movimiento que implican la
locomoción a través de espirales, la conexión del centro con las
extremidades o encontrar los caminos más eficientes usando la caída
libre y desde un estado de atención y alerta.
PASSING THROUGH
Con la técnica del “passing through”, el grupo de
bailarines está en constante movimiento, transformando
el espacio y modificándolo. Visto desde afuera pareciera
que el grupo se moviese sin un líder o seguidor. Como
resultado de estos desplazamientos, se generan infinitos
caminos curvos que atraviesan el espacio.
Este trabajo se traduce en un juego intenso y exigente a
nivel físico, y requiere de resistencia y entrenamiento
fuerte. Esta técnica desarrollada por el coreógrafo
venezolano David Zambrano, hoy radicado en Europa,
consiste en movimientos muy sencillos, como caminar,
correr, moverse en curvas, lo que permite la
participación de todo tipo de personas,
independientemente que sean bailarines profesionales o
principiantes.
 Y TÚ…
¿COMO TE PIENSAS LA DANZA
?