CATALOGACIÓN GENERAL DE LA OBRA

La obra a analizar tiene como título : “La Trinidad

y la Virgen con el niño junto a la chimenea” del
artista flamenco Robert Campin. Se trata del
panel derecho del díptico pintado al óleo sobre
tabla.
La obra fue encargada para la devoción privada
en el año 1430.
Actualmente se conserva en el Museo del
Hermitage en San Petersburgo.

ANÁLISIS TEMÁTICO

El tema representado en este panel es La Virgen

con el niño o Madonna. Es el tema artístico más
recurrente de la iconografía mariana y su
desarrollo tiene origen en el Imperio de Oriente,
concretamente en los iconos del arte bizantino.

En Occidente se desarrolló una más amplia variedad de tipos de Virgen a raíz de la

creciente importancia del culto a la virgen entre los siglos XII y XIII.

En las fórmulas usuales empleadas en el gótico, la Virgen María se sienta con el

Niño Jesús en su regazo, o lo abraza.

Su función es devocional. (objeto devocional para un ente privado)

ANÁLISIS ESTILÍSTICO

En una época a caballo entre el final del estilo gótico y los primeros pasos
renacentistas desarrollados en Italia, aparece en el siglo XV un nuevo estilo artístico
como reacción ante las manidas fórmulas del gótico internacional.

— Características del estilo—

Realismo minucioso con gran atención al detalle. gracias al uso del óleo que les
permite obtener calidades visuales que dan la apariencia realista que se busca.
: brillos de los metales, sensación de líquidos a través de las transparencias de una
jarra, la luz pasando por cristales traslúcidos, la calidad táctil de distintas telas, el
veteado de las maderas…
El uso del óleo también permitió obtener una mayor riqueza cromática

(Los postigos de la ventana o los muebles se pueden reconstruir hoy en día puesto
que sabemos hasta el tipo de madera con el que estaban hechos gracias a la
recreación tan realista. La jarra y la patena tienen un brillo metálico refulgente)

Otra consecuencia de la utilización del óleo es que estos pintores son capaces de
crear sensaciones de volumen en los cuerpos al graduar la luz sobre los objetos por
medio de las veladuras. Sin embargo, no se consiguen grandes proyecciones de luz
pues no se proyectan tampoco grandes sombras.

En relación a la perspectiva, los artistas flamencos intuyen que las líneas paralelas
convergen en un punto, pero no encajan matemáticamente las figuras en ese
entramado.No se consigue plasmar la perspectiva matemática que sí llega a
desarrollarse en Italia, así como tampoco se alcanza la representación de
escenarios tridimensionales en paneles bidimensionales.
Conseguida la perspectiva a través del suelo geométrico o las arquitecturas y las
ventanas abiertas que reflejan el exterior de la casa.

En los Países Bajos no trabajan la perspectiva matemática, van a trabajar como

mínimo la perspectiva experimental de manera intuitiva: la caballera (elevar los
fondos quedado escenas muy verticales), oblicua (punto de fuga exterior que crea
una línea diagonal, oblicua) y la aérea ( las figuras disminuyen de tamaño a medida
que se aleja el fondo).

La profundidad se obtiene de diversas maneras: con una perspectiva lineal intuitiva,

con la perspectiva aérea que difumina con sus sombras el espacio y con el espejo
que devuelve el espacio frontal (este mismo recurso lo utilizará Van Eyck en el
retrato del Matrimonio Arnolfini).
Con la representación de la atmósfera, del aire que existe en un espacio interior o
en un paisaje se dan cuenta que los objetos de la realidad pierden sus contornos y
su color objetivo. Cuando se alcanza cierta profundidad el paisaje se difumina , las
imágenes del fondo pierden nitidez y adquieren color monocromo.

Los temas que utilizaron fueron tanto religiosos como profanos, pero siempre
rodeados de un ambiente de cotidianidad, recreando la vida de la clase burguesa.
Mientras que en Italia ya hacen uso del lienzo y los temas mitológicos , en Flandes
se utiliza todavía la madera y el tema religioso sigue siendo protagonista.
Sin embargo, poco a poco se incluyen los retratos psicológicos frontales o semi-
frontales y las escenas de género.

El costumbrismo de las escenas de género se percibe en aquellos cuadros en los

que reflejan las viviendas burguesas de Flandes en el siglo XV, personajes
rodeados de objetos de la vida cotidiana, los talleres artesanos y sus gentes en la
lejanía moviéndose por las ciudades.
Todas las obras tienen multitud de mensajes simbólicos que dan lugar a numerosas
interpretaciones.

Se utilizan modelos humanos estereotipados para los personajes religiosos como la

Virgen o Cristo, sin embargo hay muchos personajes que son retratos de la realidad.
En ningún caso se da la idealización de los rostros de Italia, es más hay una
tendencia a marcar exageradamente los rasgos de los rostros,Flandes atiende
fielmente las facciones.

La composición es diferente respecto a la que se emplea en Italia,los elementos

dispersos , más compleja, y en Italia se centra en la de Giotto en que hay un
elemento central que centra la escena.

ANÁLISIS FORMAL

Su forma es rectangular vertical y se trata de una técnica mixta ( temple y óleo)

sobre tabla.

La anatomía es convencionalista del propio estilo de Campin en el rostro de la

Virgen de apariencia ovalada. Aún así, los cuerpos son proporcionados realistas y
naturalistas menos la cabeza del niño que en relación al cuerpo tendría que ser
mayor.

La línea es prácticamente inexistente y la luz no es muy intensa pues no proyecta

grandes sombras pero se identifica un foco natural desde la izquierda queno
proyecta grandes sombras aunque si se refleja en las figyras y los objetos como la
jarra. Otro foco de luz se da en la ventana que apenas aporta luz y el fuego que no
proyecta luz
En relación al color, se percibe una compensación de cálidos y fríos con el azul del
manto de la Virgen y la tela blanca sobre la que está el niño y el color rojo de la
capa ). Los colores son intensos y los paños están bien trabajados pues permiten
percibir el volumen.
La perspectiva que se da es la caballera marcada por la linealidad de las
baldosas.Sin embargo, es una obra bidimensional y estática.

Iconografía; banqueta tres patas como símbolo de la Trinidad, el pelo suelto de la

Virgen símbolo de pureza que suelen portar Vírgenes y Mártires, y el gesto de la
Virgen que puede representar un ademán de calentar al niño o de alejarlo del fuego
símbolo del mal, (dos lecturas)

Por último, la composición es vertical y cerrada dado que las líneas de tensión
tienen forma de línea entre las dos cabezas.

CONTEXTUALIZACIÓN DE LA OBRA

La prosperidad económica de la región de Flandes (de sus ciudades en realidad:

Brujas, Gante, Ypres) está ligada a la industria y al comercio de paños y, por tanto,
se generó un gran desarrollo urbano que llevó al auge de la burguesía. Este auge
de la sociedad y de los valores burgueses son un factor importante en el desarrollo
de una nueva mentalidad y sensibilidad artística, que no renuncia, por lo demás, a la
devoción religiosa. Sin embargo, la temática ya no es exclusivamente religiosa; el
retrato, los cuadros de género, el ambiente costumbrista, coexisten con ella.

Esta sociedad está dominada por los estamentos civiles: mercaderes,

fabricantes, banqueros, etc. El arte estará, pues, al servicio de este público
burgués enriquecido, que vendrá a sumarse a la Iglesia como cliente y mecenas
de artistas. Esta clientela estaba deseosa de ver reflejado su mundo y su propio
rostro en las pinturas que encargaba. El desarrollo urbano ha hecho posible la
creación de las universidades que, junto con la invención de la imprenta, se
convierten en un gran foco difusor y creador de cultura.