Historia Del Cine

UNIDAD N° 1: El cine antes del cine. Tendencias artísticas precedentes al cine: Impresionismo, Post
Impresionismo, El simbolismo, El modernismo, El Fauvismo. Etienne – Jules Marey y el
Cronofotógrafo. Albert Londe. Joseph Plateau, fenaquistiscopio y la persistencia retiniana. Síntesis del
Movimiento. Max Wertheimer y el fenómeno Phi. Cuarta dimensión de la imagen. Anamorfismo. Punto
de vista. Realismo. Cronotopo. El tiempo. Suspensión del tiempo. Instante. Duración. Flickering. Caos.
Sucesión. Confusión. Diálogo entre el cine y el video. Las tres crisis del cine. Anarquía del audiovisual.
El impás de la alta definición. Revolución industrial. Cubismo.

El cine antes del cine

Esta unidad se llama "el cine antes del cine" porque tomamos la definición de Arlindo Machado. Este
autor plantea que el cine no nació de manera oficial con los hermanos Lumiere, sino con una serie de
experiencias que se hicieron antes que están relacionadas con experimentos científicos con
manifestaciones sociales, ferias, teatros, etc.

No hay un texto de historia del cine que confirme sin ningún tipo de error o equivocación con respecto
a la fecha exacta del nacimiento del mismo, autores como Sadoul (1946) Deslandes (1966) y Mannoni
(1995). Son autores de libros más respetados sobre el tema de la invención técnica del cine, como hechos
significativos a destacar son la invención de los teatros de luz (por Giovanni Della Porta en el siglo
16), las proyecciones criptográficas (de Athanasius Kircher siglo 17) y la linterna mágica de
(Christian Huygens siglo 18), entre otros. Como la fotografía de (Nicéphore Niepcey Louis Daguerre
siglo 19), todas estas son técnicas que podemos ubicar en el tiempo, pero hay otras como la cámara
oscura y su mecanismo de producción de perspectiva que no podemos ubicar en el tiempo.

En el tiempo de la prehistoria los hombres de caverna pintaban sobre las paredes de piedra una
secuencia de dibujos que al ser vistos de cierta forma o pasarles con una linterna parecían imágenes en
movimiento (recreación de la experiencia cinematográfica). Ya en la prehistoria (paleolítico) hacían
cine Underground. Y aquí, también podemos hacer énfasis en la alegoría de la caverna de Platón,
haciendo similitud con las salas de proyección.

Resumiendo:
- El origen del Cine como tal es incierto, pero lo vamos a abordar desde la aparición de un relato
occidental.
- La historia tiene diferentes puntos de abordajes.
- La historia del Cine es híbrida = Un cuerpo no está compuesto de un solo elemento sino que es
una combinación de varios. Cruce entre lo tecnológico y discursivo.
- La historia es divergente = No debe percibirse como una línea continua. Rechaza el progreso
continúo, es una construcción de varios tejidos sociales.
Cualquier experiencia cinematográfica es válida para Machado para tomarlo como el
origen del cine.
También David Oubiña, denomina dispositivos/juguetes filosóficos, porque problematizan sobre la
representación de la realidad y son los primeros que plantean la reproducción del del tiempo y espacio
a través de mecanismos técnicos del cine. Al primero de esos mecanismos técnicos podemos señalar
LA LINTERNA MÁGICA. Invento realizado por el alemán, Christiaan Huygens (1659).
Linterna Mágica
La linterna mágica consistía en ubicar una vela dentro de una cajita, cuya caja tenía un pequeño orificio
por el cual salía la luz de la vela, atravesaba una filmina y se proyectaba en una superficie plana la luz
de la vela. A esta filmina se la podía cambiar, había distintos mecanismos para hacerlo, y al cambiarlo
cambiaba la imagen y la velocidad. Es el primer juguete filosófico que Machado toma como
referencia.
Prosiguiendo:
- El cine es el resultado de la linterna mágica, de los títeres, de los dibujos rupestres, etc.
- Antes se filmaba; se tomaba registro de las películas. El celuloide representaba algo
inalcanzable, debido a que se debía viajar para conseguirlo y trabajar con él era mucho gasto
de dinero. En la actualidad ya hablamos de grabar.
- El cine no es ejemplo de la multimedia, es solo un elemento más del lenguaje multimedia en sí.
Este es resultado de la ley industrial, junto al avance de la tecnología y el crecimiento de la
población.
- Se buscaba crear algo para entretener a la gente.
- La historia del cine se contempla como un evento masivo. Es un espectáculo de masas.
The Magic Lantern (La Lanterne Magique), 1903 - George Méliès (explica cómo funcionaba)

Tendencias artísticas precedentes al cine: Impresionismo, Post Impresionismo, El

simbolismo, El modernismo, El Fauvismo.
Impresionismo
El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que
marca un hito en el arte de la época. Camille Pissarro, decano y fundador del impresionismo.
Tiene lugar durante los años 1850/60 y destacan artistas como Monet y Manet.
Post - Impresionismo
Lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios
rápidos que se desarrollan en la época. Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la
sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto.
Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos a finales del siglo XIX y principios
del XX posteriores al impresionismo. Destacan artistas como Van Gogh, Picasso, Gauguin, Cézanne.
Simbolismo
El simbolismo fue uno de los movimientos literarios más importantes de finales del siglo XIX. Entre
las particularidades del simbolismo en la literatura cabe destacar: Ruptura con las formas propias del
realismo y el naturalismo. Renovación de la forma poética y libertad de creación frente a las rígidas
normas establecidas.
Destacan artistas como Frida Kahlo, Moreau, Klimt.
Modernismo
El término modernismo denomina a un movimiento literario que se desarrolló entre los años 1880-
1917, fundamentalmente en el ámbito de la poesía. surge de forma despectiva, en una forma de llamar
a ciertas “moderneces” y novedades que iban surgiendo y a las que los fieles del realismo se oponían.
Artistas destacados: Modrian, Malfatti, Matisse, Picasso.
Fauvismo
El fovismo, también conocido como fauvismo, fue un movimiento pictórico originado en Francia,
alrededor de 1904 a 1908. La máxima plástica del fauvismo fue la exaltación del color, sustentada en
la idea de que la creación surgía del instinto más que del intelecto o de los sentimientos.
Destacan artistas como Matisse, Derain.

Etienne-Jules Marey y el Cronofotógrafo o rifle fotográfico.

Fisiólogo Francés, Se aproxima al cine con el interés de investigar el movimiento de los animales como
personas y estudiar en detalle el movimiento de las articulaciones del cuerpo, a pedido de unos médicos.
En todo su proceso de indagación, nunca comprendió la funcionalidad de la proyección de imágenes,
la síntesis del movimiento.
El invento consistía en un rifle que tenía en la parte superior un cilindro con películas cinematográficas
y cuando se apretaba el gatillo se descargaba la película. Ésta película pasaba por el orificio del rifle (de
la parte del caño) e imprimía la imagen y de esa manera se podía hacer un registro del movimiento del
cuerpo. Solía vestir a los modelos de blanco para que contrasten con el fondo,

Todavía los movimientos del cuerpo, técnicamente, no eran muy avanzados; de todas formas, a Marey
no le importaba que el movimiento sea reproducido tal cual, visto en la vida misma, si no que le
interesaba un movimiento más fracturado, osea una cuestión no lineal. Él rechaza la reconstrucción
realista del movimiento.

Cronofotógrafo
La funcionalidad del cronofotógrafo era descomponer el movimiento, reduciéndolo a un diagrama
estructural.
El cronofotógrafo o el rifle fotográfico tienen como única función analizar el movimiento,
descomponerlo y reducirlo en un diagrama estructural. Jules Marey lo hacía con el fin de comprender
el movimiento de los seres vivos y para ello necesitaba descomponer el movimiento en una secuencia
de registros.
Cronofotografía
La cronofotografía es la captura de una secuencia de imágenes fijas que recogen una escena o un
movimiento
En el futurismo italiano la cronofotografía encuentra su expresión estética más fuerte.
La verdadera cronofotografía se encuentra en el video y televisión. Es el lenguaje de los nuevos medios
de comunicación.
Punto importante del lenguaje multimedial.
El lenguaje multimedial es un lenguaje no-lineal, entonces se encuentran muchísimas similitudes
entre las experiencias de Marey con el discurso no-lineal del lenguaje multimedia (el lenguaje
multimedial se define justamente por ser no-lineal). Esto es algo que debemos tener en claro.

Las películas del cine oficial son películas que han tratado de reproducir "la vida misma" en su mayoría.

A través de distintos mecanismos, el cine fue evolucionando en su tecnología hasta llegar a hoy, que
podemos ver películas que reproducen el movimiento como lo vemos cotidianamente -animaciones con
movimientos más realistas-. Justamente a estos movimientos era a los que Marey no le encontraba
sentido.
Todo esto es la indagación del tiempo de Marey.

Otro punto importante

Marey no estaba interesado en la cultura del entretenimiento con este dispositivo, sino más bien, él
veía todo esto con uso científico. Lo mismo pasó cuando se crearon las computadoras y el internet,
ambos tenían fines diferentes a lo que hoy conocemos como tal. Sus fines no tenían nada que ver con
el entretenimiento.

(1882) Albert Londe -científico e investigador-

En éste año, él genera un mecanismo para poder tener control del movimiento sobre la película
capturada con el cronofotógrafo.
Albert Londe logró darle control al movimiento mediante el estudio de pacientes con problemas
psiquiátricos. Éste investigador colaboraba con científicos y hacía registro de determinados ataques de
histeria que tenían algunos pacientes en un neuro-psiquiátrico (registros fílmicos), después eso le
permitía a los científicos poder revisar lo que sucedía con el cuerpo, con las transformaciones de los
pacientes.

EN ESTA PRIMERA ETAPA ESTOS CIENTÍFICOS/INVESTIGADORES (MAREY Y LONDE)

NO SE FAMILIARIZABAN CON LA ESTRUCTURA TRADICIONAL DEL CINE, SINO MÁS
BIEN, CON UNA ESTRUCTURA ALTERNATIVA, LA CUAL DEBEMOS MIRAR CON
MUCHA ATENCIÓN, PORQUE AHÍ PODEMOS ENCONTRAR LOS PRIMEROS INDICIOS DE
ÉSTA NO-LINEALIDAD, CONTRARIA A LA LINEALIDAD QUE NOS PLANTEA EL CINE
LUEGO COMO UN PARADIGMA A SEGUIR.

El fenaquistiscopio de Plateau
Inventado por Joseph Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana. Consiste en varios
dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente diferentes, distribuidos por una placa circular
lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una imagen en movimiento.

Plateau descubrió que el número de imágenes para lograr una ilusión de movimiento óptima era
dieciséis, lo que a posterioridad lo aplicarían los primeros cineastas usando dieciséis fotogramas por
segundo para crear o grabar las primeras películas.

Fenómeno PHI
El fenaquistiscopio que Plateau construyó para demostrar su tesis de la persistencia retiniana, en
verdad explicaba el fenómeno phi. Es decir, una producción del psiquismo y no una ilusión óptica.
Pero, por una paradoja propia de la cinematografía. Si bien el fenómeno de la persistencia retiniana
no dice nada respecto del movimiento cinemático, es una de las causas directas de su invención.

Fue gracias a las indagaciones (equivocadas) en torno a ese fenómeno que nacieron las máquinas de
análisis/síntesis de movimiento.

Max Wertheimer
Psicólogo alemán de origen checo, nacionalizado estadounidense. Estudió la percepción humana y
también la denominó fenómeno Phi, el fenómeno del movimiento aparente.

Utilizando el taquistoscopio, pudo probar que el fenómeno dependía de ciertos intervalos de tiempo
críticos; y lo que es más importante, sostuvo que no podía explicárselo a partir de los elementos
sensoriales aislados de otra serie de elementos psicológicos.
Wertheimer estableció una serie de leyes de la organización perceptual, basándose en que las
organizaciones perceptuales son innatas. Tenemos tendencia a percibir objetos en totalidades
organizadas y precede de la manera en que el sistema nervioso humano procesa los datos. La psicología
de la Gestalt, se funda básicamente en la doctrina del innatismo.

Taquistoscopio
El taquistoscopio es un aparato que sirve para presentar a una persona imágenes luminosas durante un
tiempo muy breve, con el fin de experimentar y medir ciertas modalidades de la percepción.
Fue construido por Ottomar Anschütz (1887), un inventor y fotógrafo alemán que realizó diferentes
prototipos de cámaras para representar el movimiento. También fue pionero en el campo de la
cronofotografía.

Cuarta Dimensión
Albert Einstein en su célebre teoría de la relatividad especial (1905) habló por primera vez del tiempo
como una cuarta dimensión y como algo indispensable para ubicar un objeto en el espacio y en un
momento determinado.

Implica una concepción del tiempo como algo que puede materializarse. El tiempo surge como un
elemento transformador, capaz de conmover la propia estructura de la materia, de comprimirla,
multiplicarla o dilatarla.

Anamorfismo - Baltrusaitis 1977

Es un concepto que surge en el siglo 17 para explicar las variaciones o deformaciones de la
perspectiva.

Recordemos que la perspectiva es una forma de reproducción de la imagen que surge en el

renacimiento y se buscaban dos cosas:
1. Dar la sensación de continuidad de espacialidad mediante un punto de fuga y luego poder
relacionar los objetos que estaban dentro de la imagen o representación.
2. La idea del tiempo. Basada en que puedo llevar mi mirada hacia el final, osea hacia donde me
llevan esas líneas, estamos haciendo una reproducción temporal de esa imagen de manera
continua.

Lo que sucede con el anamorfismo es todo lo contrario. El anamorfismo viene a distorsionar todo eso
de la perspectiva, viene a romper y quebrar esas líneas en continuidad.

La perspectiva es discutida como un dogmatismo, o sea como que no es la única manera de entender
el mundo, por ejemplo, el tiempo no tiene que entenderse de manera continua: el sueño, el tiempo
psíquico, no son establecidos por un contexto social, ni cultura.

En el anamorfismo hay una descentralización de puntos de fuga y también puede haber múltiples
centros de interés. La anamorfosis significa transformar y la idea es deformar las líneas de un dibujo
sobre una superficie plana (o curva) para que recupere el aspecto natural al ser observadas sólo desde
un punto de vista concreto.

Consiste en la creación de una ilusión óptica conseguida con el estudio de la forma y la perspectiva.
Un anamorfismo es una distorsión visual sobre un plano que genera una ilusión óptica.

Cronotopo (deriva de la teoría de Mijaíl Bajtín)

Son las “deformaciones” producidas por una inscripción del tiempo en la imagen. Puede representarse
como un camino que integra perfectamente el tiempo y el espacio en una sola línea continua.
Concepto acuñado por Bajtín
Es la unión de los elementos temporales y espaciales de la novela como un todo inteligible y concreto
donde el tiempo se hace visible y el espacio se intensifica en pos del argumento o la historia.
El cronotopo es la unidad espacio-tiempo
Expresa la inseparabilidad del tiempo y del espacio (el tiempo como cuarta dimensión del espacio) y
constituye la columna vertebral de cualquier narración. El cronotopo es el lugar en que los nudos de la
narración se atan y se desatan. Puede decirse que pertenece al sentido que da forma a la narración.
Cronotopo fotográfico
No se trata de captar el instante ideal en el que un cuerpo tiende al reposo, sino el transcurso mismo de
este cuerpo en el espacio, cuando evoluciona en el tiempo. En términos de representación figurativa,
el resultado es casi una completa disolución de la figura, ya que no es la integridad lo que el fotógrafo
persigue, sino su evolución, su movimiento, su dimensión temporal, entre otras cosas.
Tiempo
El tiempo es una magnitud física con la que se mide la duración o separación de acontecimientos. El
tiempo permite ordenar los sucesos en secuencias, estableciendo un pasado, un presente y un futuro.

Suspensión del Tiempo (La anotación del tiempo)

La fotografía está encarada como un sistema significante de suspensión del tiempo, de congelamiento
de la imagen en un instante mínimo único. Ya que, la tecnología de la fotografía se orienta en la
eliminación del tiempo.
La anamorfosis cronotópicas aparece cuando se pone la velocidad de obturación a trabajar en el
sentido de una anotación del movimiento, de una inscripción del dislocamiento de los cuerpos en
espacio-tiempo. Ejemplo: cuando fotografiamos a una persona que camina con un tiempo de exposición
demasiado largo en relación al movimiento, se distorsiona.

Duración
Tiempo que transcurre entre el principio y el fin de algo.

Flickering
Significa parpadeo. Es un cambio significativo en la intensidad de la luz en intervalos cortos de tiempo.
Básicamente, tal y como su nombre sugiere, son parpadeos debidos a los cambios de luz. Vuelve los
intervalos negros, visibles al espectador.

El impás de la alta definición

Es común decir que el video es un medio de baja definición. Expresiones como alta definición y baja
definición son usadas (en teoría de la información) para designar el mayor o menor número de puntos
informacionales en un determinado espacio. La imagen fotográfica ha sido utilizada como patrón
universal de la alta definición en los sistemas figurativos, la imagen generada por una cámara
convencional de video está caracterizada como de baja definición. Tampoco existe una convención
determinando cuál es la cantidad de puntos informacionales que marca el límite entre la alta y la baja
definición, el criterio que adoptamos tiene que ver con la visibilidad del proceso. Dentro de esta
convención, un sistema figurativo será de "baja" o "alta" definición si, como resultado de la cantidad de
puntos informacionales con que opera, su realidad constitutiva se revela a los ojos del espectador o se
oculta en un mundo microscópico. Si la visibilidad del proceso se utiliza como criterio distintivo, la
clasificación pierde su carácter arbitrario y pasa a indicar una estrategia simbólica, manifestando si un
sistema corrobora la ilusión de "real" o si descubre los elementos que lo forman.

Revolución Industrial (1880-1914)

Con referencia al contexto social, político y económico que se daba en el marco de los avances de la
experimentación del cine, nos vamos a centrar en la segunda etapa de la revolución industrial.
La revolución industrial fue muy importante, porque fue el punto de inicio del liberalismo económico,
la gran mecanización de las actividades textiles, y un gran avance de la industrialización en la
producción de hierro, las telecomunicaciones, los medios de comunicación, de transporte. En otras
palabras, el trabajo comienza a ser mecanizado y también se da una revolución agrícola.
Estos avances también dan paso al nacimiento del cine.
En el año 1860, nace el impresionismo, totalmente vinculado al cine, porque el arte impresionista en
su principio fue discutido por el sector "tradicional/ conservador"; aquí los artistas impresionistas
tenían el concepto de salir a la calle y registrar escenas cotidianas (impresiones de la vida cotidiana).
En este punto hay ciertas analogías con las experiencias de los hermanos Lumiere.
Todo el proceso de la historia del cine está marcado por procesos de crisis y evolución.

UNIDAD N° 2: Experimentación con la técnica. Louis Le Prince. Thomas Edison. El cuerpo como
centro de atención. Lo bizarro y lo inusual. Producción. Distribución. Exhibición. Lumière. Nacimiento
del documental Social. Los operadores de Lumière. Primera crisis del cine. Teatro Espectacular. Méliès.
Trucaje. Construcción de Set de Filmación. Nacimiento de Hollywood. Inmersión. Verosimilitud.
Industrialización del sistema. Alice Guy Blaché. Porter. Escuela de Brighton. Cine Inglés y su relación
con la primera crisis del lenguaje, Paul; Willamson; Smith. Las Empresas: Pathe; Urban Trading; –
Zecca. Films D ́ art. El cuadro confuso.

Experimentar con las primeras técnicas: Las sensaciones de las primeras películas
Entre la “historia del cine”, sus avances y las experimentaciones de prueba y error que distintas personas
pasaron para que el cine sea como lo conocemos hoy en día; Encontramos:
- Hombres de Francia, Reino Unido y estadounidenses iniciaron la invención de la “máquina de
chasquidos” que era una caja negra en donde se movía una cinta que registraba lo que veía.
Luego de que el registro estuviera completo se acercaba una luz y la acción registrada se
proyectaba en una pantalla blanca, esto era posible gracias a la persistencia visual. La
realización de esto fue difícil, y los hombres involucrados en esto fueron Lumiére, Edison, Le
Prince, Easten.
- En 1884, George Easten fue quien creó el rollo de película, antes solo existían láminas
individuales.
- A finales de 1880, Louis Le Prince patentó una máquina de tamaño pequeño y filmó con ella.
En cuanto estos inventores se dieron cuenta de que el cine se estaba convirtiendo en un fenómeno
internacional empezaron a patentar sus creaciones.
- Los hermanos Lumiére comenzaron a mostrar sus películas por todo el mundo, Estados Unidos,
Alemania y Rusia. Que fue donde censuraron una de sus películas, y se daba comienzo a la
censura.
- Las películas que tenían más de una secuencia comenzaron a grabarse a finales de 1890.
- En 1896 se grabó la primera película con guion “la fee aux choux” de Alice Guy-Blanche. Y
además experimentó con efectos visuales y de sonido.
- Enoch J. Rector fue quien expandió el cine a el campo del comercio, ya que fue quien invento
la pantalla panorámica y la llamó Veriscope, su película tenía una anchura de 63mm cuando en
esa época se usaba de 35 mm.
- En países como Alemania e India tuvo un enfoque más literario y cultural, mientras que en
Estados Unidos las películas tomaron una dirección hacia lo populista.
- Luego se dio la primera guerra mundial, pero eso no detuvo a los cineastas para seguir creando,
eso llevó a que descubrieran el plano, luego descubrieron el corte, el montaje (1898) en el
mismo año R.W Paul descubre el travelling. Y en 1900 se descubrió la profundidad de campo
y el primer plano. En la película “let me dream again”.
- En 1903 nacen las primeras estrellas cinematográficas. Y entre 1903 y 1928 el cine se
transforma en industria.

Louis Le Prince
Considerado por muchos historiadores como el verdadero inventor del cine. Realizó sus primeras
imágenes en movimiento en octubre del año 1888, en la obra titulada La escena del jardín de
Roundhay. Construyó y patentó una lente de cámara, usada por primera vez el 14 de octubre de 1888.
Aquella fue seguramente la primera filmación de imágenes en movimiento.

Thomas Edison y el Kinetoscopio

-Edison inventó el fonógrafo en el año 1877, siendo su invento más popular de la época. Fue el primer
aparato más común para grabar y reproducir sonidos.
- En la misma época Edison explicó cómo era el mecanismo para hacer girar una serie de imágenes en
una caja, creando el Kinetoscopio.
-Y en 1890, Edison construyó Black María, el primer estudio cinematográfico de los Estados Unidos.

Los Hermanos Lumiere

Auguste y Louis eran fotógrafos franceses y empezaron su investigación desde ese punto. Crearon la
primera cámara y el cinematógrafo, capaz de grabar y proyectar imágenes. Pero solo estaban
interesados en el lenguaje comercial.
En 1895, La salida de la fábrica es el primer avance de la cámara al poder grabar. Se crearon varios
cortos luego, entre ellos "La demolición" que enseñó por primera vez un efecto audiovisual. En el
mismo año proyectaron "La llegada del tren". Un corto documental (el primero) que da nacimiento
al cine, proyectado en un bar/café con todos sentados.
Ellos al saber de fotografía, usaron su conocimiento y jugaron con la perspectiva de la cámara, haciendo
que la gente se asuste ante el corto. Filmado en Plano General.
Luego, el corto "El regador regado" es el primer cortometraje que muestra una breve estructura
dramática. Filmado por Louis.

Georges Méliès
Georges Melies, siempre estuvo interesado en el espectáculo, los trucos de magia y la escenificación de
las cosas. Entonces, antes de adentrarse en la experiencia cinematográfica, él manejaba un teatro que
quedó a cargo del antiguo mago Houdini.
Los hermanos Lumiere, bastantes celosos con su invento, para que no les gane en el área comercial, se
negaron a darle información sobre cómo hacer una cámara, y a través de unos contactos fue que logró
ir a Inglaterra y pedirle a William Paul (un pionero del cine británico) que le vendiera una cámara que
en ese momento estaba en proceso de desarrollo.
Aportó la ficción y el entretenimiento, porque veía al cine como una herramienta para poder registrar
sus obras. Hizo el teatro filmado, ponía la cámara frente a una escena y la filmaba; la cámara iba en
medio de la sala. Estaba muy apegado al lenguaje teatral.
Él entendía al cine como industria y comenzó a crear guiones, usar actores y maquillaje. Estos actores
hacían uso de la mímica y al iniciar los títulos se levantaban como un telón. No hacía cambios de plano
ni de puntos de vista.
A Melies se le adjudica el invento del efecto "stop-trek". Este efecto se lograba poniendo pausa a la
cámara y luego continuando con otra toma. Control de la pausa y la acomodación de nuevos objetos
para que quedara el efecto de cambio, muy usados como para trucos de magia; A este efecto lo podemos
relacionar con la técnica del Stop Motion.
El viaje a la luna (1908)
Fue uno de los primeros cortometrajes con efectos, dirigido por Méliès. Narra la aventura de unos
astronomos que viajan hacia la luna por medio de una cápsula disparada por cañones. Exploran el lugar,
escapan de un grupo de habitantes lunares en el subterráneo y regresan a la tierra con uno cautivo.
Aquí encontramos:
- Sintéticas: La simplificación de la realidad a través de la computadora.
- Fotorrealismo: Aquello que se aleja de nuestra realidad. Se hace un cuadro a partir de una
fotografía.
 - Trocaje: Pasar de un fotograma a otro. De una figura a otra. Su creación fue accidental; Un
autobús se transforma en un coche fúnebre.
Méliès se considera el padre de esto, él no tenía computadora, así que creaba todo tradicionalmente.
Robert William Paul
En 1894, recibió el encargo de copiar el Kinetoscopio de Edison por dos empresarios de origen griego.
Al principio, rechazó la oferta, pero después al saber que Edison no tenía patentado su invento en Gran
Bretaña terminó aceptando. Para eso, él mismo compró un kinetoscopio y realizó la versión inglesa a
partir de las piezas del mismo que compró (Ingeniería inversa). Paul fabricó un número elevado de
copias, y una de ellas se la vendió a Méliès.
Comenzó su actividad haciendo informes periodísticos, pero de a poco iba copiando la última etapa de
Melies y terminó haciendo trabajos ficcionales. Cómo importancia narrativa tenía la generación de
efectos, pero sus trabajos eran más torpes y vulgares que los de Melies. Fue el primero en desarrollar lo
que se llamó Traveling dramático en exteriores y sus películas persiguen un cine más de aventura.

Primera crisis del cine.

Luego de las primeras proyecciones en 1895, 18 meses después aparece la primera crisis. La gente
comienza a estar poco interesada en lo plasmado de la realidad y ahí es donde se comienza a desarrollar,
de manera más compleja, la narración y se proponen otros caminos con el fin de atraer al público.

Charles Pathé
En 1896 se fundó la empresa Société Pathé Frères (Compañía Hermanos Pathé) en Paris, por los
hermanos Charles, Émilie, Théophile y Jacques Pathé. Eran una familia de clase baja y se dedicaban a
la comercialización del fonógrafo y proyectores.
De a poco comenzaron a hacer films y ante el éxito, Charles, contrata a Ferdinand Zecca (director).
Zecca hacía cine a una clase más proletariada y era acusado de plagiar la estructura de producción de
Méliès y la Escuela Inglesa.
Entre 1903 y 1909 Pathé logra el monopolio de distribución de “Películas por Charles Pathé”. Adivinaba
el gusto popular y tenía como característica la pretensión realista.

León Gaumont
En 1907, Pathé realiza el “Golpe de Estado”, deja de vender películas para generar una sobredemanda.
En ese periodo los directores hicieron todo lo posible por abastecerse creando películas y uno de los
más destacados en la época es Leon Gumond, quien logra abastecer a parte de la industria con buenas
películas.
Se interesaba por los aspectos técnicos y dejaba lo realizativo a su secretaria: Alice Guy, así logró
encontrar el talento en ella e incluso filmaría más de 200 películas luego.

Alice Guy
Entre 1886 y 1906, Alice Guy filmó noticieros, films educativos y films narrativos. Fue de las primeras
directoras y la primera mujer en destacarsegui en la industria del cine, además de ser la primera en
trabajar con el guión.
Filmó muchas películas con sonido, grababa el sonido a través del cronófono y desarrolló mucho más
el uso de los primeros planos/planos y contraplanos, los personajes eran parte de una gran puesta de
escena.
Le criticaban que sus películas eran teatrales y había una regresión a Melies, decían que hacía un
retroceso al lenguaje. Tuvo un desarrollo más tirando a la dramaturgia, con las complejidades
psicológicas.
Ya en 1906, se muda a Estados Unidos y funda Solax Company, pero nunca tuvo reconocimiento, ya
que por ser mujer se lo adjudicaban a su esposo (un camarógrafo que trabajaba para la Gaumont
británica).

Entre 1880 y 1900 (Principios)

El productor Charles Urban emigra a Londres, Inglaterra. En 1897 se hizo cargo como director gerente
de “Warwick Trading Company”, una firma fundada en 1894 que distribuía películas. Allí supervisó
un crecimiento significativo en las operaciones de la compañía, y se convirtió en un productor y
distribuidor de cine de gran prestigio, con un enfoque particular en películas de realidad, viajes y
reportajes.
Deja la compañía en 1903 y funda su productora “Charles Urban Trading Company” que daría inicio
a la escuela inglesa. Durante toda su carrera estuvo interesado en el “relato documental”.
- Noticieros
- Documentales
- Reportajes
Contrata Geoge Albert Smith para poder filmar y a James Williamson para poder desarrollar
técnicamente cámaras que le permitieran sostener su sistema de producción. A Geoge Albert Smith se
lo conoce como el fundador del corte narrativo, indicio de lo que sería después el montaje. Provenía
de la escuela de los hermanos Lumiere y se destaca por mostrar los distintos puntos de vista en un
registro fílmico.
Los adelantos que provocó Urban fueron muy importantes, entre ellos:
- Hizo la primera película a color (1911 "TRIBUNAL DE DELLY").
- Hacen un salto en el lenguaje al desarrollar la ficción.
- Filmó las escenas de la Rev. Rusa (1905).
- Incorpora el recurso de pasar de plano PG a PP.

La escuela de Brighton
En 1900, el cine entró en crisis, porque Méliès ya no era entretenido con su modelo teatral.
En Inglaterra se separó el cine de otras artes como la fotografía y la pintura. La Escuela de Brighton
fue un grupo de cineastas y fotógrafos ingleses que sentaron las bases para el lenguaje
cinematográfico en la ciudad de Brighton.
El grupo de Urban hace a la Escuela de Brighton y tenía como principio el documental. Al comienzo
tomaba la influencia de los hermanos Lumiere, pero, con el paso del tiempo, se va centrando en la
ficción. La Escuela de Brighton es muy importante, porque se sostiene que los directores que vienen
de ella fueron todos expertos en documentales, Urban viene de ahí. Urban fue el impulsor de esta
escuela.
La Escuela de Brighton comienza a experimentar con recursos narrativos que luego consolidarían otros
directores más adelante. Como:
- Experiencias de traveling.
- Cambio de planos generales a un primer plano.
- Desarrollo de una estructura (lineal)
- Profundidad de campo
- Personajes con más soltura para moverse en el encuadre.
- Movimientos panorámicos.

Edwin Stanton Porter

A los 20 años trabajó en una agencia de publicidad y para 1903 ya comenzó a dirigir sus propias
películas como “Asalto y robo en un tren”. Él realizó el primer montaje de continuidad. También
experimentó con los sonidos, las pantallas de gran formato, el color y el cine tridimensional.
En 1907-1908 ocurre lo que se le llamó “la crisis del tema”.
Provocó que los directores tuvieran que ser creativos para recuperar el público, porque habían dejado
de consumir el cine.
Problemática de la época: Se habían comenzado a producir películas vulgares con temática poco
relevante y muy monótona.
Solución: Se busca desde el lado del teatro, la literatura busca ejes como: conflictos psicológicos,
intrigas, persecuciones y melodramas.

En 1908, se consolida una productora de los Hermanos Laffité llamada "Film d'art". La película más
representativa fue “El asesinato de la duquesa de guisa” del director André Calmettes. Esta película
hace un tratamiento psicológico muy profundo de los personajes y se la considera una película muy
sangrienta.

Aparte de recurrir a la literatura y el teatro, también recurrieron a actores y a directores para darle vuelta
a la crisis que estaba pasando en el cine.

La empresa de estos hermanos duró 2 años, porque luego fue comprada por Paté, quien la llevó a una
crisis a propósito solo para quedarse con los derechos y no tener una competencia con su propia
productora.

El Cuadro Confuso
Airlindo Machado opina de lo que se llamó el cuadro confuso.

Él critica “Vida y pasión de Jesucristo de Ferdinand Zecca – 1905”, un film que retrata distintas acciones
religiosas, por ejemplo, donde matan y crucifican a Cristo. Tiene un solo plano y cada acción
representada está separada por una elipsis, pero esas elipsis son abruptas y arbitrarias entre sí.

Machado se queja que estaba en un solo plano y no había diferencia en los centros de interés, ni en
profundidad de la imagen, etc.

Se le dice cuadro confuso, porque para el primer público la narrativa era bastante confusa, no había
una sucesión temporal -elipsis- y ellos acostumbraban la linealidad del teatro. Para solucionar esta
confusión, se contrata a un conferencista que explica la mirada y contaba a la gente lo que la película
quería decir.
Los que compraban los rollos y luego los proyectaban en su cine, podían contar la historia como querían
(cortando escenas, mezclando los rollos con otros, acortando el tiempo, etc); y según Machado allí el
cine tenía más libertad. Las personas terminaban viendo la manipulación del film por el mismo que
proyectaba ese rollo, básicamente el encargado de proyectar también mostraba su creatividad.

La transformación de la técnica en la narración (1913-1918)

- En el periodo entre 1903 a 1918 inició la primera guerra mundial.
- Se publica la teoría de la relatividad de Albert Einstein
- Desarrollo de la fábrica de automóviles Ford.
- Edwin Porter -director- fue muy valioso, ya que estableció los códigos del lenguaje que después
se seguirán desarrollando.
Hizo dos films muy importantes:
1- La vida de un bombero norteamericano.
2 - Asalto en el tren.

Los aportes que dio este director en los dos cortometrajes fueron:
1. Desarrolló el montaje por continuidad y paralelo.
2. Desarrolló una escena de persecución.
3. Experimentó con sonido.
4. Pantalla de proyección.
5. Formato de la película.
6. El color.
Montaje por continuidad: Narración mediante la construcción de pequeños elementos del lenguaje
que permite tener una mirada más clara.
Montaje paralelo: Permite intercalar 2 acciones mientras se van desarrollando.
LO DE PORTER ES VALIOSO, PORQUE LO QUE HIZO FUE NECESARIO PARA
EL AVANCE DE LA NARRACIÓN.
En 1908 se realizan distintos films en los que se trabaja la iluminación y ésta comienza a tener un
sentido narrativo. Las luces y las sombras comienzan a aportar profundidad y recursos para contar en
el cuadro.

En este periodo se realiza la primera película con flashback y hay un desarrollo en la sala de cine. En
un principio fueron teatros adaptados (llamados "Nikelodeons") y pasaron a ser salas de cine; estas
salas eran mejoradas y estaban pensadas para el espectador, iban de manera masiva a las proyecciones
y se había vuelto un hábito-.

"El asesinato del duque de Guisa" (dirigida por André Calmettes, Charles Le Bargy) fue una película
muy famosa. Tuvo adelantos muy importantes en cuanto a la narración, el guión y los actores.

Historia de la comunicación Social"; Voces, Registros, Conciencias.

El cine comienza a finales del siglo 19. Se puede establecer que el descubrimiento del cine se da al
mismo tiempo en Europa y América.
En EEUU, Edison fabrica el Kinetoscopio, un aparato que permitía la visión individual de películas
rodadas con el kinetógrafo.
Mientras que en Francia, los hermanos Lumiére perfeccionaron el sistema que habían patentado en
1895. Su trabajo significó un salto trascendental, porque no eran imágenes de figuras, sino que eran
escenas de la vida real ya sea pública o privada. Entre ellas la salida de los obreros y la llegada del
tren.
Los comienzos de cine fueron atracciones de ferias, se asombraba a los espectadores (inmigrantes).
De las ferias dieron un salto a los music-halls, que pronto se convirtieron en auténticas salas de cine.
Cine mudo
La mayoría de los films realizados en la primera cuarta parte del siglo eran mudos, no tenían banda
sonora. La tecnología para grabar las conversaciones de las personas existía, pero el movimiento de
las imágenes produjo mucho impacto en los inventores y a nadie del público se le ocurrió objetar. Al
no tener barrera lingüística, el cine se volvió internacional y se veía en todo el mundo.

UNIDAD N° 3: La transformación de la técnica en la narración. Guerra de patentes. Trust y el

Nacimiento de Hollywood. Productores Independientes: Warner, Fox. Carl Laemmle. Selig. Vitagraph.
Start System. Cine Japonés. Nórdicos e Italianos: Dinamarca. Nordisk. Mujeres Vamp; Suecia: Victor
Sjostrom. Stiller. Christensen. Mujer Vampiro. Greta Garbo. Decadencia Sueca. Italia. Quo vadis.
Cabria. Decadencia de los romanos. Cine Ruso. Griffith. Las dificultades de la representación

Cine EE.UU. (Guerra de patentes)

Comenzó en 1898-1908, debido a que Edison se dio cuenta de la importancia de conseguir derechos en
el nuevo medio cinematográfico y patentó los agujeros que utilizó para fijar el rollo (Eastman había
inventado la película, pero él intentaba tener la patente de la disciplina). Así cada persona que quisiera
usar los agujeros debía pagarle, pero todos necesitaban eso. Esto enojó a todas las productoras
cinematográficas (costa este) y se negaban a pagarle, pero se ejercían acciones violentas hacia ellos.
Edison se unió con American Mutoscope and bioscope Company para poder lograr que sus derechos
de autor se cumplieran y como resultado de esto se creó la MPPC (Motion Picture Patents Company,
más conocida como el "trust"), un grupo que tenía como objetico mantener a productores judíos fuera
del mundo de cine. Puso fin a la guerra de patentes.
Punto importante: Las películas de Edison no tenían una narrativa muy actualizada.

En 1910, Laemmle llevó a tribunales a la MPPC y comenzó la guerra de monopolio. Se estableció

una ley contra la reclamación del MPPC de la patente por los agujeros de la película.

La guerra de monopolio terminó en 1918, nombrando a MPPC un monopolio ilegal, pero las
consecuencias de esta guerra hicieron que las productoras independientes se alejarán de la costa este y
eligieran como destino Los Ángeles, debido a los bajos impuestos. Estos eran los del Anti-Trust, creado
por productores de origen Judío y conformado por muchos productores.

Nacimiento de Hollywood
Así comenzó Hollywood, que tiene como primer productor a Laemmle que fundó Universal Studios en
1915, el cual luego vendió por 5 millones de dólares. Se comienzan a crear grandes imperios
cinematográficos.

Las productoras comienzan a mostrar la imagen de sus actores. Se crean las grandes estrellas como
Lawrence, Nielsen y, en Hollywood, saltó a la fama Charles Chaplin, el cual se convirtió en el hombre
mejor pagado del cine.

Los directores tuvieron que aprender a utilizar distintos planos, montajes y acercar la cámara a los
actores para revelar los sentimientos de los personajes al público, ya que no se utilizaban diálogos. Se
rodaron películas de Sherlock Holmes y adaptaciones de las novelas de Charles Dickens. En 1913,
estalló la revolución racial.

Hollywood
Se fundó Famous Players-Lasky Corporation, la cual más tarde se convertiría en Paramount Pictures,
estudios europeos de Hollywood. Durante la “Época dorada de Hollywood”, luego de la guerra en
1945, Paramount contó con grandes actores y directores.

Warner fue el primer estudio que invirtió en la tecnología para traer los sonidos al cine, fundada por
los hermanos Warner. En 1989, la compró una editorial Time Inc. y Warner volvió en la era del internet
como AOL Time Warner.

En 1924, se creó el tercer gran estudio, la Metro-Goldwyn-Mayer que se convertiría en la mayor de

todas y con más estrellas. Encargada de distribuir los films de Griffith.

Star Systems
En el período "anti-trust", descubren que usando algunas actrices famosas, el público se identificaba
con sus problemas y eso facilitaba la comprensión del mensaje. Así se establecen ciertas figuras públicas
y éstas comienzan a obedecer a un estereotipo que quiere transmitir ese ideal, facilitando la transmisión
del mensaje. El actor o actriz se encargaba de encarnar cierta representación del mundo.
Gracias a la reacción del público con respecto a los actores y el mensaje, se crea Star- System. Esto
trajo ciertas modificaciones o avances con respecto al montaje, para registrar las expresiones de los
artistas. Osea, se le dio importancia a la profundidad en el aspecto psicológico del personaje, la
narración se vuelve más psicológica.
ACTRIZ MÁS REPRESENTATIVA
Asta Nielsen: Pelo corto y aspecto lánguido. Primera actriz de origen Danes con reconocimiento
internacional.
Géneros Estadounidenses
- Nacen gracias a los productores de Hollywood.
- Creados para monopolizar la producción, adquieren protagonismo las productoras de
Hollywood. Estrategias de mercado para cubrir necesidades concretas.
- Nacen para ofrecernos algo que ya sabemos que nos va a gustar, así el mercado pasa a controlar
todo.
- Se consolidan géneros como el western, la comedia, terror, etc.
- Se idealiza mucho a las estrellas del cine, los estudios le compraban muchas cosas lujosas.
Crisis existenciales.

Cine Japonés
Japón creó la primera industria del cine en el oriente, aunque no le fue muy bien. Los primeros films
que proyectaron fueron los de Lumiere en 1897, pero para 1908 ya existían 4 productoras de cine. Este
cine Japonés estaba influenciado por dos tipos de teatro, el teatro Kabuki y el teatro Shimpang. No iban
por la representación realista.
Shochiku era la productora más famosa de Japón y antes de dedicarse al cine realizaban obras teatrales.
En sus películas se utilizaba vestimenta y maquillaje tradicional, además los papeles de mujeres también
lo realizaban hombres. La cámara siempre filmaba de manera frontal (un solo plano) y le daban
importancia a la iluminación.
El cine Japonés proponía un tipo de cine filmado en planos generales amplios y con representaciones
más teatrales.
Utilizaban un Benshi que se colocaba detrás de los espectadores para ir explicando los acontecimientos.
Murata intentó modernizar este cine.

REVISANDO FILMOGRAFÍA DE DISTINTOS PAÍSES.

Consolidación De Un Sistema Narrativo.
Dinamarca - Cine Danes:
Existió una productora llamada "Nordisk”. Esta productora fue creada por Ole Olsen y el primer
director que tuvo se llamó Viggo Larsen.
El primer film se llamó "La casa del león", hablaba de la caza de un león y como dato: se descuartizó
realmente al león. En la misma película se utilizaron palmeras artificiales y así utilizaron la "realidad"
y "ficción" para hacer la película.
Larsen también tuvo su faceta como actor y sus películas giraban en torno a ciertas adaptaciones de
obras literarias. La escenificación y todo lo que hacía se relaciona con los trabajos de Melies. Su
proyecto más ambicioso fue La trata de blancas.
En 1910, Larsen Emigra a Alemania y trabaja para la UFA (Universum Film AG), el estudio
cinematográfico más importante de Alemania, y estuvo ahí hasta finales de la segunda guerra mundial.
Holger Madsen
Fue un director más conocido que Larsen y logró:
- Mayor dominio del lenguaje.
- Conocimiento de la composición visual.
- Dominio de cámara
- Desarrolla géneros cinematográficos.
Su película más famosa fue "Sueños de Opio" y tuvo mucha repercusión mundial, pero la censuraron
en Dinamarca. Se anticipaba a muchos elementos narrativos que después desarrollaría Griffith.
Las temáticas siempre abordaban cuestiones idealistas: Ideas del bien y del mal.
Benjamin Kristensen
Éste director crea la película “La brujería a través de los tiempos”, que habla de las experiencias de
magia y creencias de brujería. Se centraría en lo que luego le llaman “El ocultismo” de Dinamarca.
Características de la Película:
- Actores profesionales.
- Actores no-profesionales.
- Utilizó la actuación de personas enfermas mentales. Lo cual le daba una singularidad al film.
Kristensen luego emigró de Alemania a Estados Unidos y hacía películas de terror que abordaban
conflictos sociales.
Cine Danes
El cine Danes se beneficia con la primera guerra mundial, porque puede abastecer a países que estaban
en conflicto como, por ejemplo, Alemania. Ahí obtienen beneficios económicos. En 1918, la producción
del cine Danes decae (se ve en conflicto), porque los directores que estaban en ese país emigran.

Mujeres Vamps
Fueron establecidas por el cine Danes. Fue una categoría de mujer que se alejaba de una cuestión más
idílica (princesa o mujer ideal) y representaba un tipo de mujer distinto, es decir, una mujer audaz con
gran carga de sexualidad. Era una mujer provocadora que simbolizaba el peligro y el hombre flechado
por su encanto no era consciente de él.
Esta mujer generaba grandes conflictos para estos supuestos hombres, porque tenía la capacidad de
manipularlos con un grado de erotismo que para esa época era transgresor. El hombre buscaba esto, una
experiencia distinta; se los explotaba económicamente.

Cine Sueco
Se vio influenciado por los directores Daneses en aquel momento.
El cine sueco tuvo una productora llamada “Suenca” y la película más representativa de ésta productora
se llamó El emigrante en 1910.
Los directores más reconocidos del cine sueco recién comenzaron a hacer su camino en 1912. “Suenca”
contrata a Mauri Stiller que sería el encargado de darle una identidad al cine sueco.

Victor Sjöström
Fue un director con un gran poder de sintaxis. En sus películas se caracteriza por mostrar un realismo
bastante crudo. Las películas que lo llevaron a estar entre los mejores directores se llamaron:
- "La extraña aventura del ingeniero Lebel”, 1916. Es una película innovadora con respecto
a su estructura narrativa, ya que aborda el relato desde distintos puntos de vista de cada testigo.
- "La carretera fantasma”, 1912.
- "La voz de los antepasados", 1918.
En 1923, se traslada a los Estados Unidos y es contratado por la "Metro Golden Mayer". En Estados
Unidos hace una película muy conocida "El viento", 1928. La película trataba sobre cómo luchan los
personajes contra la naturaleza, la presencia de la soledad, y la lucha contra el viento.
En 1932, vuelve a Suecia, pero ésta vez decide dedicarse a la actuación.

Mauritz Stiller
A diferencia de Sjöström, sus obras no son tan rudas, sino que son más poéticas, más líricas, con
estilos sombríos, refinados y sensibles. Stiller se preocupó por la escenografía, porque quería que
se vincule con la trama y se contrataba a gente para eso.

Stiller dirige más películas con temáticas más internacionales para lograr un reconocimiento
internacional, lo hace junto con Svensk. Gracias a esto descubre el talento de Greta Garbo. "Hacia la
felicidad" fue su película más famosa mundialmente. En 1920, el cine sueco se consolida y adquiere
fama internacional.

Cine Noruego
En esa época el cine noruego no ocupó un gran protagonismo. Destaca una película de Rasmus
Breinstein "Ana la gitana" en 1920, pero en general no tenían la fama ni el reconocimiento del cine
Danés y el sueco.

Cine Mexicano (1911-1917)

Se concentran en tratar de retratar la guerra civil mexicana. Como particularidad, las películas tomaban
como protagonista al revolucionario “Pancho Villa” haciendo que se convirtiera en una estrella del
cine. Sabiendo que era famoso trataba de organizar los avances de la revolución con respecto a las
estrategias de guerra, en relación a que puedan ser mejor filmadas.
Una de las películas más famosas fue "La vista de la revuelta".

Cine Italiano
A partir de 1930 hay una gran producción de películas. La primera película que inicia el cine italiano
es dirigida por Vittorio Calcina que mostraba al rey de Italia paseando con su esposa por el parque.

En 1912, Italia toma conciencia del potencial de su cine y entonces, decide contratar a directores
extranjeros (europeos) para que vivan en Italia y así puedan producir películas para poder seguir
posicionando a Italia. El cine Italiano tuvo altos y bajos, mucho éxito y luego mucha escasez.

Entre las primeras películas se encuentran "Los últimos días de Pompella" de Luigi Maggi, esta
película fue considerada una obra maestra por muchos directores de la época. El director se caracterizó
por realizar películas Bélicas en dónde la guerra era un eje central.

Al cine Italiano en su etapa muda lo denominaron “cine colosal”, porque tenía como característica
plantear films en los cuales la ambientación de época clásica, la elaboración de escenarios complejos y
la participación de grandes multitudes le daban un carácter colosal . Este periodo duró 30 años y se lo
denominó cine colosal.

"Cabiria" de 1914 dirigida por Giovanni Pastrone, fue una película en donde el cine colosal se ve bien
representado y tiene un vínculo directo con la filmografía de Grifith. En esta película su camarógrafo
le dio un sentido narrativo al Traveling, lo utilizaba para acercar la cámara a escenas o alejarlas,
moviéndose para los costados o en diagonal y así descubrieron la manera de moverse sin rupturas desde
planos generales a medios.
La película cuenta como una niña de la nobleza es secuestrada y deben rescatarla.

Este cine también llamaba la atención debido a las importante innovaciones simbólicas y técnicas, por
ejemplo, el uso de una serpiente para simbolizar algo maligno.

Neorrealismo
Notari Elvira fue quien comenzó a marcar este nuevo estilo y creó la productora “Nora films”. Filmaba
en las calles de Nápoles y no contrataba actores profesionales, tocaba temas de la gente real y situaciones
reales de Italia. También era colorista de sus películas y guionista.

Incursionó en el sonido al sincronizar voces y sonido en directo. En sus películas las mujeres iban en
contra de las convenciones sociales y estereotipos.
Luego hubo una crisis y todas las películas tuvieron que fortalecer la producción nacional con temáticas
nacionales. Era como que el gobierno comenzó a restringir la creación de películas si estas no hacían
propaganda a sus pensamientos. Esto reforzó la idea de propagandas con algunas de sus películas.

Cine Ruso
Durante la primera guerra mundial en Rusia se cerraron las fronteras, por lo que no se podían ver
películas extranjeras. Directores como Bauer y Protazanov realizaron varias películas sombrías, con
frialdad y finales pesimistas, trataban de mostrar que el mundo no era tan favorable y tenía cierto
desencanto. Sin embargo, fueron muy populares en Rusia. Exploraban temas oscuros del humano. Antes
de la guerra algunas de estas películas se transmitían en EEUU, pero se les cambiaba el final para hacer
más atractivo para el público estadounidense.

Película destacada: El crepúsculo del alma de una mujer, en 1913; naturalista fatalista.

Homstrom también fue muy destacado, él mostraba en sus películas un cierto naturalismo para expresar
problemas sociales e incursiona en distintas razas. Filma en Inglaterra "El portero de Ferrocarriles".

En esta primera etapa se inventa lo que se llamó "cámara subjetiva" que se acomoda a lo que ve el
personaje a lo que ve el director.

Aquí el montaje aparece como proceso creativo, pretende poner un detonante dentro de la obra para que
el espectador también intervenga y se comprometa.

David Griffith
Griffit fue una figura destacada, fue periodista, obrero y poeta antes de ser director. Escribía historias y
buscaba venderlas. En 1907, Griffit recibe la propuesta en la Biograph para interpretar pequeños papeles
y participar de guionista en esa productora. En 1908, dirige su primer corto que se llama “Las aventuras
de Dolly” y trata sobre una niña que es raptada por los gitanos. En los años siguientes se caracterizó
por tener una gran producción cinematográfica y, entre 1908 y 1912, llegó a filmar 200 films.

Mark Cousin dice que Griffit no inventó ningún elemento clave del cine, pero logró darle sentido de
madurez, de coherencia interna mediante una continuidad espacio-temporal y consolidación en la
narrativa. Buscó siempre que sus películas estuvieran aferradas a un gran sentido de humildad y buscó
profundizar sobre la vida interna de los personajes.

En el cortometraje “La operadora de Lonedale” de 1911, Griffit utiliza la división alterna que consiste
en contar dos acciones por separado y significó un cambio en la manera de contar una historia, un
cambio en la narrativa. Hace cambios de planos generales a americanos.

Junto a Thomas Airs y Mark Cennet representan el auge y son un bloque de directores con mucha
proyección, marcaron la época del cine norteamericano.

Con fuertes influencias del cine italiano (cine colosal) como Cabiria, realiza el film “El nacimiento de
una nación” en 1915. Fue una adaptación de la obra de Thomas Dickson y es una de las películas más
importantes en la historia del cine. Los conflictos raciales le dieron publicidad a la película y dio más
beneficios económicos, llegando a más salas de cine. Provocó importantes ganancias, y llevó a Griffit
a convertirse en un director muy importante. No creó una nueva técnica, pero utilizaba las existentes y
buscaba mostrar al máximo las expresiones. Revolucionó en cine dramático.

En 1916, estrena otra película llamada “Intolerancia”, condena la intolerancia racial, religiosa y social
a través de la historia. Este film tuvo grandes gastos, pero fue un fracaso económico, porque era muy
adelantada a su tiempo, sí fue reconocida como una obra de arte. Se contaba con historias alternas entre
sí.
Griffit establece las reglas de representación institucional, Cousin las define como tres multiplicidades
de tiempo, lugar y acciones, y habla también de que logra un desarrollo del recurso del montaje nunca
antes visto, combinando planos detalle y generales. Se trabaja sobre los tiempos de reproducción: hay
tomas de medio segundo, se incursiona en el montaje dramático, entre otros elementos. Luego, los
directores reconocen la buena utilización de esos recursos y los toman como modelo, como Einsestein,
Kuleshov, etc.

1908
En 1908 se añadieron más innovaciones de efecto y trucos cinematográficos. También se utilizó
sombras en la iluminación. En 1909, en Estados Unidos se utilizó el primer flashback (Yiddisher boy).
Ese mismo año la empresa Film d´art adaptó novelas y obras teatrales al cine. El lenguaje
cinematográfico madura como lenguaje narrativo del espacio y tiempo.

UNIDAD N° 4: Expansión del estilo. Fin del Trust. Realismo Romántico. Max Linder. Cine Indio.
Chaplin. Harold Llyod. René Clair. Robert Flaherty. Kind Vidor. UFA. Dulac. Abel Gance. Wiene.
Murnau. Fritz Lang. Kamerspiel. Lo utópico y lo distópico.

La expansión del estilo

El periodo de la expansión del estilo, Mark Cousin la identifica entre 1918 y 1928, marcado por la
disolución del Trust que le dio punto final. Esto permitió que otros estudios en los suburbios de
Hollywood lograran tener mayor protagonismo. Empiezan también a producirse con un modelo
industrial (cine desarrollado en la segunda etapa de la revolución industrial), tomando características
como la división del trabajo y la producción en serie con dos paradigmas de producción que son el
Fordismo y el Taylorismo; básicamente, se establece un sistema de producción y van determinando qué
hacer. Esto pasa en el cine con la aparición de productores que definen qué films se van a realizar y
existe una especificidad en los roles técnicos.

En 1914, EEUU se posiciona como uno de los grandes distribuidores porque a partir de la primera
guerra mundial le fue favorable el contexto para abastecer al mundo de películas, sobre todo a los
europeos.

Max Linder
Fue un comediante francés que explotó los recursos de su calidad interpretativa sin caer en
representaciones grotescas o ir al chiste fácil, logrando una representación cómica con un fuerte centro
en la actuación. Posee rostros muy expresivos, sencillez en los guiones y elementos que lo llevaron a la
fama mundial. En 1917, se va hacia Estados Unidos donde desarrolló nuevas películas; y significó una
referencia para comenzar a construir un hilo de grandes cómicos, entre ellos Charles Chaplin, quien
luego adquiere relevancia mundial desplazando a Max Linder.

Cine Indio
Hay dos películas que lo inician de manera consolidada:
- "Los luchadores y el hombre mono" (Sem Dada) en 1899.
- Pandalik en 1912.

Creadores del cine mitológico. Buscaban tratar temas míticos y llegar a todo el país. Sin tener que
enfocarse en problemas de un sector social específico (no querían sectorizar al público).

Charles Chaplin
Fue un gran director, guionista y actor, una persona multifacética en cuanto a roles en cinematografía
que revolucionó el cine cómico. Le daba más importancia a la expresión corporal que al recurso sonoro,
trabajaba la gestualidad y ahí ponía el foco para contar sus historias. Para él, la luz y la cámara no tenían
tanto protagonismo como su interpretación de las acciones. Sus señales de identidad eran el traje, bastón
y botas.
Sus películas siempre estuvieron ubicadas en una sátira social, construyendo el personaje “Charlotte”
el cual era débil, pero con una gran dosis de suerte y astucia que lo ayudaban a salir de las situaciones
más difíciles. Tenía una fuerza y carisma especial.

A partir de 1916, controlaba totalmente el proceso creativo de sus películas y en 1919 junto a cuatro de
las personas más importantes del cine, fundaron una compañía basada en producciones de calidad y en
la libertad de creación.

Realizó su primer cortometraje en 1921 “El chico”. Películas como El gran dictador, Luces de la
ciudad y Tiempos Modernos (film destacado) lo convirtieron en uno de los cineastas más influyentes.
Cambió la imaginería del cine, su sociología y su gramática.

Entre sus características encontramos:

- Crítica aspectos sociales como las brechas sociales.
- Desplaza a otros cómicos.
- Trabaja con elementos de la realidad del momento.
- Usaba el cuerpo para comunicar.
- Uso de la dignidad como principal recurso cómico.
- Atrae a gente pudiente y al proletariado.
- Mirada aguda de la realidad; planteó cómico.
- Era su propio actor, director y guionista.

Harold Lloyd
Debutó en 1912 en una película de Edison. Probó varios personajes hasta dar con uno parecido al de
Chaplin, influyó mucho en él. Se caracterizó por las acrobacias que podía lograr en cámara y porque
fue un buen cómico, logró hacer más películas que Chaplin (150 en total). Se lo recuerda por sus
ejercicios acrobáticos de “hombre mosca”.

Fue opacado por Chaplin y Buster Keaton, pero tenía una particularidad: salieron a la luz unos
problemas que tenía de adicción y eso llevó a que, en el marco de las grandes productoras, comenzaran
a censurar cosas en producciones de los Estados Unidos. No era conveniente que aparecieran escenas
de violencia, sexuales, problemáticas sociales ni temas racistas que pudieran llevar a la movilización de
la gente.

Realismo romántico
En el periodo que se descubrió lo de Harold Lloyd, hubo una preocupación de que incitara a la gente a
seguir su modelo y se propagara por el star system, sumado a otros problemas del mundo de la
cinematografía, apareció un militar para establecer ciertos márgenes y poner cierto control a la
producción de lo que creía que estaba bien o estaba mal para la sociedad norteamericana. Este periodo
se llamó realismo romántico, en el que se trataba de complacer ciertas cuestiones que tienen que ver
con la iglesia y religiones.

Comenzó en 1918 y determinó una fase de producción en el cine de EEUU, los directores no fueron los
más influyentes ni más reconocidos, pero tenían la común que buscaban una alternativa a las normas
convencionales. En contraposición de eso, apareció en Alemania un director llamado Hertz Louis con
la producción de “Los ojos de la momia” y otras películas más, trataba temas mundanos que tenían que
ver con el placer de la vida. A su vez, en Rusia aparece otro director Boris Barnet, y así una serie de
directores más se oponían al realismo romántico representado en la filmografía estadounidense.

Para los estadounidenses (naturalistas), este tipo de cine no era lo bastante realista para hablar de
problemáticas sociales. Para los franceses (impresionistas), resultaba demasiado convencional como
para mostrar la percepción cambiante de la realidad. Para los alemanes (expresionista), se queda muy
en la realidad y no mostraba el interior oculto de las personas. Para los soviéticos, era demasiado
conservador políticamente. Para los directores más artistas faltaba abstracción. Y los japoneses,
todavía seguían con el cine bidimensional y con el benshi.
René Clair
Fue otro director importante que contó con un gran poder de imaginación representado en sus películas
a partir de parodias muy delirantes, como por ejemplo “Un sombrero de paja” de Italia en 1917. Él y
Herz Louis fueron directores muy importantes porque representaron lo opuesto al realismo romántico
de EEUU, el surrealismo.

Robert Flaherty
Dirigió “Nanuk, el esquimal” en 1922, en el que, en aspectos formales como un relato estructurado y el
planteo de una producción documental, se lo considera el primer documental de la historia. Consistió
en viajar y documentar la vida de un esquimal, convivir con él y filmar todas las actividades que hacía.
Considerada la primera película de cualidad etnográfica que sirvió para que los antropólogos y otros
estudiosos sintieran curiosidad por olvidadas gentes y culturas. Tuvo tendencia a la utilización del guión
y un sistema de estructuración para llevar a cabo la filmación.

Utopía
La utopía se refiere a todo eso que prometía una vida más fácil y reconfortante, pero, por ejemplo,
Chaplin muestra un mundo antagonista a eso y trataba de ser crítico, formando así una distopía.

Kind Vidor
Director estadounidense que buscaba una reflexión y trabaja en las problemáticas del lenguaje.
Incorporaba mujeres para el guión.
En 1920, fundó Vidor Village, estudio cinematográfico propio, en el cual dirigió siete películas, casi
todas protagonizadas por su mujer, Florence Vidor. En 1923, sin embargo se vio obligado a dejar su
estudio y venderlo.
Su película más destacada fue "El mundo en marcha" en 1928, enseñaba el fracaso del sueño americano
en un hombre común que intenta salir adelante en Nueva York
Contó con grandes avances en el manejo de la cámara y se destacó por hacer cine mudo. Junto con
Flaherty y Chaplin, critica al capitalismo y a la exclusión social.

UFA (Alemania) (1917-1945)

Era similar al Trust, un organismo estatal de regulación de producción y distribución del cine Tenía
como objetivo tratar de abastecer de films alemanes a los países afectados por la guerra. Contrataron a
muchos directores para buscaba reforzar el pensamiento nacionalista y revertir su mala imagen.

Abel Gance (1983)

Filma "La rueda" y fue muy famoso, debido a que acelera el tiempo de la imagen para mostrar de
forma rápida los años que recordaba el personaje.
"Napoleon" en 1927, fue su proyecto más ambicioso e importante, porque usó 3 cámaras para grabar
diferentes cosas y no enfocaban lo mismo (las guerras de Napoleón).

Friedrich Murnau
Fue un director de cine alemán, uno de los más influyentes y valiosos directores de la era de cine mudo.
Realizó más de quince películas en Alemania, pero en sus últimos años rodó otras cuatro en los Estados
Unidos (1926-1931). Destacó por realizar películas sombrías.
Su primer film fue El muchacho en azul en 1919 y entre sus más destacados están: Nosferatu en 1922
que presentaba una Alemania desmoralizada derrotada tras la Primera Guerra Mundial y El último
hombre en 1924; ésta película introdujo la cámara de punto de vista subjetivo, donde la cámara "ve"
como los ojos del protagonista, y utilizo efectos visuales para representar la alteración del estado
psicológico de un personaje.
En 1926, emigró a Hollywood donde trabajaría para 20th Century Fox y en 1927 realizó Amanecer
(Sunrise), citada como una de las mejores películas de todos los tiempos, que recibió el primer Óscar
a la mejor calidad de producción.

Fritz Lang
Fue un director y guionista de cine austríaco que desarrolló su carrera artística en Alemania y en
Estados Unidos. Durante su época alemana dirigió clásicos como Metrópolis (1927), M, el vampiro
de Düsseldorf (1931) y El testamento del Dr. Mabuse (1933), contribuyendo al movimiento
expresionista alemán. A mediados de 1930, comenzó a trabajar exiliado en Hollywood, donde se
convirtió en uno de los principales artífices del cine negro.

Kammerspiel
Movimiento alemán de transición donde se muestra la calle con una sociedad de vida más llevadera.
Tenían estructuras de guión, grandes éxitos literarios y narrativa lineal. Mucha influencia sueca.
Rechazo por lo especial, lo magnífico.
Se caracterizaba por su enfoque en la psicología del carácter y su falta de diseño de escenarios
intrincados. Además, a diferencia de las películas expresionistas, Kammerspielfilme rara vez usaba
intertítulos para narrar la historia.

1928/1945
- El cine creó más Utopías, Historias, realidades con sentimientos inexistentes.
- El cine es manipulador, con mucho poder.
- Incluir sonido en el cine fue muy costoso, ya que hacían mucho ruido y para la música
necesitaban orquestas.
- El cine Indio adquiere importancia: pobreza a causa del capitalismo.
- Los japoneses rechazan el sonido y realizan protestas por el avance tecnológico.

UNIDAD N° 5: Cine Sovietico. Vanguardias. Dreyer Cine, estado, política. Lev Kuleschov. Eisenstein.
Pudovkin. Alexandr Dovzhenko. Vertov. Vanguardias en el cine. Juana de Arco.

Cine Sovietico
Nos ubicamos en la época de la Revolución de Rusia en contra del poder de los zares, llevado a cabo
por el pueblo en su conjunto manifestando contra el gobierno Nicolás II, un gobierno absolutista y que
poco hacía por la comunidad. Una vez derrocado, asume Lenin, dándole un tinte social y comunista a
la nueva instancia y vida del país. En ese marco de revolución, de nuevos objetivos, de una lucha social
el cine ruso adquiere relevancia.

Este contexto determina la época en la que surgen directores como Eisenstein, quien en principio
comenzó indagando en el teatro y luego de ayudar en distintos films al gran teórico Lev Kuleshov, se
adentra en la producción cinematográfica.

Comenzaron a hacer películas y noticieros donde se apoyaba a la revolución: los medios contribuyeron
a manifestar ideas revolucionarias.

El cine ruso rechaza de plano la emoción como el recurso principal para poder transmitir una idea y
trata de que el sujeto tome conciencia de que es un ser pensante y que alguien le está mostrando ese
discurso para que piense al respecto. El vínculo con la película nace de un proceso intelectual, de poder
entender y asociar el conjunto de ideas presentadas en alegorías visuales. El cine ruso se plantea como
una alternativa, Eisenstein y otros directores quieren que el sujeto tome conciencia de que él es un ser
pensante.

Lev Kuleshov
Director de cine y teatro muy importante que inventó el efecto Kuleshov.

En el que dice que una imagen es un signo que depende de la siguiente imagen para poder entender su
significado. Hizo un experimento que consistía en que a la misma cara de una persona que no tenía
expresividad le ponía la imagen siguiente un plato de comida, y eso entendía uno que la persona tenía
hambre. Luego, a la misma primera imagen le ponían a continuación la imagen de un ataúd, entonces
se interpretaba que la persona estaba triste. El efecto Kuleshov fue importante para la teoría de montaje
de Eisenstein y para las indagaciones de los distintos directores rusos.

Eisenstein
Presenta su primera película “La huelga”, poco antes de la revolución (1925), y tenía un tinte de
realismo socialista: La huelga que llevan a cabo los trabajadores del país a partir del despido
injustificado de uno de los trabajadores. Utiliza las primeras teorías del montaje de Eisenstein, el
montaje intelectual o montaje de atracciones: de dos acciones distintas se saca una tercera idea, haciendo
uso de la teoría del efecto Kuleshov.

Eisenstein también realiza la película “El acorazado Potemkin”, en el que un conjunto de marineros se
rebelan contra el maltrato que sufren y resulta ser una crítica hacia el poder. Construcción de tensión y
dramatismo lograda a través del montaje intelectual.

Diferencia distintos tipos de montaje:

- Montaje métrico: Tomar trozos de película con la misma duración y al compaginarlos se va a
producir un compás visual parecido al de la música.
- Montaje rítmico: Cada toma dura lo que dura la acción. Al unirlos se crea un nuevo ritmo
lógico.
- Montaje tonal: Ordenamiento de planos para generar un tono emocional.
- Montaje sobretonal: Varios tipos de emociones se reflejan en la secuencia.
- Montaje intelectual: Dos tomas que no tienen la misma temática, pero generan una tercera
toma en la mente del espectador.

Pudovkin
Presentó su película La Madre en 1926, representaba todo lo que atravesaba una señora a partir del
secuestro de su hijo activista que pelea por la revolución. Lo que le interesaba al director era el
tratamiento psicológico de los personajes, la dirección de actores y un gran desarrollo de guión un poco
más lineal.

Alexander Dovzhenko
Director ucraniano que realizó la película “La tierra” en 1930, aquí los campesinos se rebelan contra
los terratenientes debido a que querían apropiarse del campo y las cosechas. Tiene gran lirismo, gran
poesía, amor a la naturaleza.

Vertov
Empezó a hacer cortos noticieros, ya que trabajaba en el noticiero del Comité de Cine de Moscú y fue
el creador de lo que se llamó Cine-Ojo, donde se muestra la realidad. Experimenta con los recursos del
lenguaje, manipulación plástica de la imagen y el tiempo, emulaciones extremas. Sale con su cámara y
registra lo que sucedía en la Unión Soviética.

Creyente de que el cine debe ser subjetivo, lo que se ve. Para él, el cine de ficción era de mentira, porque
estaba influenciado por la literatura, no existe. Inspira al cine merité; cine que muestra todo lo real, sin
manipulación del espacio.

Su film destacado es “El hombre de la cámara” en 1929 y tiene intención de captar la realidad desde
un lado vanguardista. Produce alteraciones en la imagen.

Vanguardias
En 1924, el dadaísmo tiene un espacio dentro del cine con René Clair y “Un sombrero de paja
italiana” e indaga en el lenguaje con una peli que se llamó “Entre actos”.

Es difícil plantear una definición del cine del periodo, pero eran una serie de obras que rompen con la
visión ordenada, apostando por el azar y que buscan crear un reacción en el espectador, la del
desconcierto. Trabajan las imágenes de una manera experimental, más bien estética, importando en gran
medida, la visibilidad de la imagen y las ilusiones ópticas.

En 1928, una película muy importante fue “El perro andaluz” dirigida por Luis Buñuel y Salvador
Dalí, un exponente del surrealismo. Tiene una escena en la que un ojo es cortado con una gilette y
resultó chocante para los espectadores (el ojo no era de una persona, sino de un burro). Las imágenes
eran surrealistas y oníricas.

Juana de Arco
En 1927, “Juana de Arco” fue muy importante, dirigida por Carl Dreyer. Fue un intermediario entre
lo que es el cine sonoro y el cine mudo. Trata de la historia de Juana de Arco y trabaja con gran
expresividad los primeros planos, excelentes actuaciones y un sentido poético valioso. Los sujetos
hablaban, aunque no se escuchaban.

UNIDAD N° 6: Cine Sonoro, géneros, cine latino. Uso creativo del Sonido en Estados Unidos y
Francia. Cine Sonoro Indio. El Cine Japonés continúa siendo Mudo. Cine Chino de los 30. Nuevos
géneros del cine sonoro Estadounidense. Vanguardias Europeas. Cine Latino. El cine sonoro

Cine Sonoro
Entre 1928 y 1945, hubo una gran producción a nivel mundial de películas. Se construyen realidades
con sentimientos inexistentes, lo cual hace referencia a la cualidad del cine de ser manipulador y que
construye modelos de representación.

En 1927, la primera película sonora se llamó “El cantor de Jazz” de Alan Crosland y fue norteamericana.
Las primeras películas sonoras eran bastante difíciles de filmar, porque la cámara hacía mucho ruido
por el carrete, entonces se creó un mecanismo para disminuirlo y filtrarlo. Ponían la cámara dentro de
una caja e incorporaban micrófonos unidireccionales. La grabación del sonido era de forma directa y la
inclusión de la música se hacía en el montaje.

Tanto en Francia como Estados Unidos, los actores y actrices dejan de seguir órdenes directas del
director, ya que este no podía hablarles.

Cine Sonoro Indio

En este periodo, el cine de la india también adquiere protagonismo y realiza películas que giran en torno
a lo histórico, a lo social, al drama mitológico, y todo lo que tuviera que ver en la representación de la
problemática social: la pobreza, el avance del capitalismo y la explotación de las personas.

- En 1931, “Alam ara” de Ardeshir Irani se convirtió en la primera película de género musical
indio y resultó un referente para la producción del país.
- En 1936, “Devdas” de Jamuna Barua; realiza también una fuerte crítica al poder y a la clase
social aristocrática por la cantidad de pobres que empezaba a visibilizarse en los distintos países
y en la India.

La interpretación de las películas indias siempre mantenía un ritmo más pausado, un poco estático. La
cámara y el lenguaje se desarrollan mucho más rápido y con gran destreza, resulta un contrapunto.

El Cine Japonés continúa siendo Mudo.

El cine japonés en un principio rechaza la incorporación del sonido y se demora debido a los mandados
de los directores. Los benshi continúan consolidándose y predominando en el cine japonés. Trataban de
representar una vida un poco más comunista y la distribución de la riqueza más equitativa.

Ozu
Aparece un director muy importante para la historia del cine que se llamó Ozu y sus películas tenían
una carga de desesperanza ante el avance de las cosas que sucedían en el mundo; personas cada vez
más aisladas y mostrando un lado negativo de la vida en relación al capitalismo y la tecnología. Evitaba
el realismo romántico. Una de sus películas destacadas es “Hijo único” en 1936, la cámara siempre
estaba a una altura baja, graban en contrapicado, no usa travellings ni fundidos, habían muchos planos
generales y tenía gran carga de humanidad. Siempre trataba temas familiares (consolidación y
desintegración).

Imamura
Aparece otro director japonés, quien es Imamura y presenta películas mucho más transgresoras,
groseras, con temáticas sexuales y trata con más violencia las cosas.

Cine Chino de los 30

Por otra parte, el cine chino también adquiere protagonismo y su director más importante fue Yuan
Muzhi, quien realizó la película “El ángel de la calle” en 1937 muy reconocida a nivel mundial.

Nuevos géneros del cine sonoro Estadounidense

Junto con las productoras que habían sido renegadas en la etapa del Trust, nacen los géneros. Se
consagran géneros como la comedia, el cine de terror (Frankestein, Drácula, que luego se volverían
referentes para otro tipo de cine), películas bélicas, western (referentes para Tarantino y Coppola).

Hay un director que se llamó Howard Hawks. Realizó películas con un tono feminista y cómico en el
que la mujer se convierte en el eje de toda la narrativa y el hombre ocupa un plano secundario o
humillante, y esto resulta un gran giro en la comedia. Estas comedias se presentaban como realismo
romántico.

Vanguardias Europeas
En Europa tenían protagonismo algunas películas que coincidían con las vanguardias artísticas, eran
muy transgresoras y representan un quiebre en los paradigmas. Entre esos directores están:
- Jean Cocteau con la película “La bella y la bestia” en 1946 y "Orfeo” en 1950.
- Jean Vigo, el cual tiene una mirada de autor muy crítica. Realizó la película “A propósito de
Niza” en 1930; un registro de la vida aristocrática donde contrapone escenas de la pobreza en
el subsuelo. Y luego “Cero en conducta” en 1933 que se trató de la rebelión de unos alumnos
en la escuela. Ambos documentales.
- Jean Renoir, un director francés muy influyente para su generación con películas de realismo
pesimista. Representa la mirada de lo que sucedía en el mundo y presenta “La gran ilusión”
en 1939.

Cine Latino
En Brasil aparece “Límite” en 1930, con la particularidad de que Mário Peixoto (el director) la filmó
con 19 años. Película reconocida por Eisenstein que trata de 2 hombres y una mujer varados en altamar.

UNIDAD 7: Expansión del realismo en el cine mundial. Consolidación de un Lenguaje. Riefenstahl.

Neorrealismo. Orson Wells. Hitchcock. Cine Negro. Cine Chino. Cine Británico. Cine Indio y la
revolución Neorrealista. Cine cubano, español, japonés.

Leni Riefenstahl
Fue una alemana que trabajaba para el nazismo y la principal directora de propagandas de régimen nazi.
Sus películas tenían calidad técnica y un lenguaje muy superior, pero su ideología era criticable. Generó
discusión y después del nazismo se le prohibió volver a filmar. Gran manejo en la puesta de cámara,
planos, angulaciones, planos subjetivos, manejo de los objetivos, movimientos de cámara, montaje,
composición del cuadro.

Alfred Hitchcock
Aparece en Inglaterra y da mucha presencia al cine inglés. Junto con Korda y Gribson le dan una
particularidad al cine inglés de ese tiempo. Una película popular fue “Los 39 escalones” de 1935.

Neorrealismo
En el cine africano, Egipto implementó un mini sistema de producción que resultó el más importante
de áfrica para realizar películas. Continuó con la tendencia de ser crítico hacia el sistema y abordar
películas que tienen que ver con la vida cotidiana, problemas sociales y demás. Un director importante
fue Kamal Selim con “La voluntad” en 1939.

En EEUU, 1939, se realizó “La diligencia” de John Ford. Aborda problemáticas de las minorías. Se
trata de una diligencia en la cual transporta a una prostituta, a un médico borracho, a un sacerdote;
aparece un vaquero prófugo y un banquero que da la visión del poder.

Orson Welles
En 1941, estrenó “El ciudadano Kane”. Tuvo gran destreza para manejar aspectos y elementos
narrativos como los flashback, la composición del espacio, la utilización de los personajes, el manejo
de la cámara, de los objetivos, profundidad de campo; y sus películas realizaban gran crítica social y
mirada crítica de la realidad. La película trata de cómo los medios manipulaban las noticias y la realidad.

También era famoso por su programa de radio y en una de las emisiones leyó un fragmento de la novela
“La guerra de los mundos”; La gente pensó que la invasión extraterrestre era real y los radioyentes se
tiraban de los balcones y los edificios del miedo.

Maya Daren
Es la madre del cine experimental surrealista. Es ucraniana pero luego emigró a EEUU. Hace gran
utilización de la videodanza. Experimenta con el lenguaje, nunca se queda en lo clásico. Realizó
películas vanguardistas, transgresoras con una gran calidad.

Neorrealismo
Entre 1945 y 1952, post segunda guerra mundial. Hollywood recibió grandes directores de otros países
que llegaban para poder vivir y filmar.
En Japón, se cierran más de 1400 cines y prohíben los temas nacionalistas.
En Italia, se estrenan películas que dieron el nacimiento del Neorrealismo Italiano y sus películas
buscaban construir una gran consciencia social de lo que estaba sucediendo. Destaca también Cesarini
Sabatini y al igual que Luciano Visconti, hizo la película “La tierra tiembla” en 1948.

Cine Negro
En ese periodo también nace el Cine negro, género que se da en las novelas literarias. Presenta un
mundo ambiguo, difícil, con una gran carga expresionista (referenciándose en el expresionismo alemán)
y una visión del mundo totalmente corrupta. Tiene la particularidad de que los buenos son malos y los
malos son buenos, las apariencias engañan y empatizamos con los que no deberíamos. Una de las
películas más destacadas fue “Manos peligrosas” en 1953 de Samuel Fuller, tiene gran carga de
pesimismo y una visión desesperanzadora del mundo.

Cine Latino, influencias neorrealismo

El cine mexicano también aborda las problemáticas que tienen que ver con el desarrollo de la ciudad:
el tecnicismo; el capitalismo; la migración del campo a la ciudad y a partir de eso la pobreza; presencia
de burdeles; sentimientos reprimidos; y problemáticas sociales muy complejas. Se concentra en las
problemáticas que nacen a partir de crisis económicas y crisis sociales. Un referente muy importante es
Emilio Fernández con “María Candelaria” de 1943. Las películas cargadas de religiosidad y drama.

En Brasil, aparece El cine nuevo brasilero que nace con el director Pereira Dos Santos y “Río cuarenta
grados” de 1955. Un cine con mucha influencia del neorrealismo y popular, porque buscaba representar
escenas cotidianas.

Cine cubano, español y japonés

El cine cubano sigue la tendencia y el director Tomas Gutierrez (formado en italia) realiza “Memorias
del subdesarrollo” en 1968, basada en una novela que habla sobre un burgués que reflexiona sobre el
rol de la clase social haciendo una crítica bastante aguda. Destaca también Umberto Salas.

En España, encontramos “Surcos” de Nieves Conde, siguiendo la tendencia, habla sobre personas que
viven en suburbios, barrios pobres, a causa del proceso de modernización. Luego, García Berlanga hizo
la película “Bienvenido Mister Marshall” con una crítica hacia el plan Marshall.

En Japón, Akira Kurosawa tenía interés en el western. Muchas películas de acción y batalla, tocando
temas pesimistas. Hace películas vanguardistas, con gran desarrollo en el montaje, refleja un mundo
sombrío y completamente desesperanzador.