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2º de bachillerato
1.- Introducción
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Rafael y Miguel Ángel. También fue mecenas otro Médicis , el papa Clemente VII,
en Roma.
En la gestación del nuevo movimiento también fue importante las frecuentes relaciones con
el mundo bizantino desde mediados del siglo XIV, que se concretan con la llegada de
numerosos intelectuales tras la caída de Constantinopla en 1453, cuyo resultado es el
contacto con textos de la Grecia clásica.
Pero el Renacimiento no es un movimiento de ruptura con lo anterior; de hecho se mantiene
la tradición cristiana de construcción de iglesias y en los temas escultóricos y pictóricos; el
gótico ya inició un acercamiento a la realidad; y la nueva arquitectura, pese a retomar el
lenguaje clásico, no es réplica de la antigua.
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2.1 Arquitectura
la arquitectura clásica, rompiendo con la tradición gótica anterior. En sus obras destaca el
concepto de orden, la sencillez de los elementos constructivos y la limpieza de líneas.
Propone un nuevo modelo de cúpula y de fachada palaciega. Usa la bicromía en los interiores
mediante la combinación de un enlucido blanco del muro y piedra gris para entablamento,
pilastras y arcos.
Entre sus obras destaca la cúpula de la catedral de Florencia, Santa María de las Flores,
iniciada en 1418. La catedral gótica de Santa Mª de las Flores estaba sin terminar y se
convocó un concurso para adjudicar las obras de la cúpula, concurso que ganó Brunelleschi.
Se trata de una cúpula muy esbelta gracias a su perfil apuntado conseguido mediante la
curvatura de los ocho nervios de mármol blanco que ascienden hasta la cúspide. Aquí se da
paso a una linterna diseñada también por Brunelleschi. La cúpula , cuyas ocho caras están
recubiertas de tejas rojas, se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de
mármol (blanco, verde y rosado), con un óculo (ventana circular) en cada uno de sus lados.
Su construcción supuso un acontecimiento excepcional pues se realizó sin andamios que
partieran desde tierra. Está construida a base de dos cascarones paralelos (uno interior
más semicircular y otro exterior apuntado para contrarrestar los empujes) y un espacio
vacío en medio, lo que disminuye su peso total.
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En las iglesias de San Lorenzo y Santo Espíritu, ambas en Florencia, se ve el uso que hace
Brunelleschi de los elementos de la antigua Roma. Recupera la basílica romana de tres naves
separadas por columnas corintias sobre las que descansan arcos de medio punto, si bien
conserva de lo medieval el transepto y la cúpula sobre el crucero. La nave central está
adintelada y decorada con casetones. Las naves laterales están cubiertas con bóvedas
vaídas. Para lograr elevación sin desproporcionar las columnas, coloca sobre el capitel una
porción individual de entablamento. El interior es totalmente simétrico y aplica las leyes de
la perspectiva geométrica siendo la capilla mayor el punto de fuga visual. Los elementos en
piedra gris contrastan con el color blanco de los muros (bicromía) y subrayan la distribución
geométrica del espacio.
La Capilla Pazzi es otra de sus obras, que inicia en 1430. Tiene planta centralizada basada
en un cuadrado cubierto con cúpula sobre pechinas con decoración de medallones cerámicos
y entablamento sobre pilastras con la típica bicromía (blanco y gris) del arquitecto. El
edificio posee un pórtico de acceso sobre columnas corintias que sostienen un entablamento
interrumpido por un arco en la entrada. En la cabecera una capilla saliente también
cupulada. Como en todas sus obras hay una búsqueda de la armonía a través del cálculo
preciso de las proporciones.
Capilla Pazzi. Pórtico y cúpula desde el exterior Interior. Cúpula sobre pechinas
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Palacio Pitti.
Una segunda generación de arquitectos del Quattocento está encabezada por el florentino
Leon Baptista Alberti, que fue también un gran teórico y escribió varios tratados
destacando De re aedificatoria, donde expone sus ideas de arquitectura que él concebía
como ciencia del número y de las proporciones, claves de un concepto de belleza basado en
la armonía, reflejo de la de la naturaleza. La armonía resultaba de considerar el edificio
como un todo unificado por el empleo de unas proporciones basadas en una unidad modular o
medida base.
Ejemplo de este sentido armónico es la remodelación de la fachada del templo gótico de
Santa Mª Novella de Florencia, en la que crea un esquema de fachada muy imitado en los
siglos XVI y XVII, consistente en dos cuerpos de diferente anchura unidos mediante dos
grandes volutas. Respetando el rosetón y los nichos murales consigue una exacta
articulación modular a base del cuadrado, que destaca mediante la taracea de mármoles de
colores, procedimiento ya usado en el románico toscano.
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Finalmente en San Andrés de Mantua construye una planta de cruz latina de nave única y
transepto cubiertos con bóveda de cañón, capillas entre los contrafuertes y cúpula sobre el
crucero. La fachada la concibió a modo de arco de triunfo con frontón de remate.
En el siglo XVI el Renacimiento italiano se difunde por Europa. Se suceden dos etapas: la
del clasicismo renacentista (1500-1530) y la del manierismo (1530-1600).
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En 1505, el Papa Julio II encarga a Bramante el proyecto de la nueva iglesia de San pedro,
para el que prevé una cruz griega inscrita en un cuadrado, con grandiosa cúpula central
sobre enormes pilares y tambor en forma de peristilo o anillo de columnas. No llegó a
realizarse y a la muerte de Bramante sólo se habían construido los pilares que debían
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sostener la cúpula. Su proyecto será modificado por sucesivos arquitectos entre ellos
Miguel Ángel, quien construirá la cúpula de 131 metros .
En Venecia realizó la iglesia de San Giorgio Maggiore (1565-1580) de planta longitudinal con
cúpula en el crucero. En la fachada combina un frontispicio clásico y el orden gigante.
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2.2 Escultura
Características generales
Lo mismo que sucedió con la arquitectura, la abundancia de restos arqueológicos permitió la
inspiración en modelos clásicos pero reinterpretándolos de acuerdo con los valores propios
del Renacimiento. También influyó el naturalismo gótico italiano, que no perdió durante la
Edad Media, la influencia de la escultura greco-latina (los Pisano...)
La escultura sirvió para distinguir la propia condición humana y reflejar la grandeza del
hombre dentro de la nueva sociedad, por ello la figura humana es el principal objeto de
trabajo. Para ello era necesario aproximarse a la anatomía y reflexionar sobre la
plasmación del desnudo, de acuerdo con la idea de la perfección del hombre dentro de la
Creación. Se pretendía obtener una sensación de realidad, que se incrementa cuando se
consigue transmitir la idea de movimiento.
Se realizan bultos redondos y relieves y se emplean materiales nobles que se habían
empleado en la Antigüedad, especialmente mármol y bronce.
En cuanto a los temas, la escultura religiosa suele ser la más reclamada; los personajes
sagrados adquieren la dignidad de los dioses clásicos y se representan con rasgos físicos
totalmente humanizados. El tema mitológico, inspirado en los modelos clásicos y en el uso
del desnudo, empieza a ser muy frecuente.
En este período tiene un gran auge el retrato lo que muestra el lugar destacado que ocupa
la persona en el nuevo orden social, frente al segundo plano que ocupaba en la teocéntrica
sociedad medieval.
También los monumentos públicos adquieren relevancia, muestra del elevado concepto que
se tenía del urbanismo y la vida en la ciudad. El retrato ecuestre como monumento urbano
servía, al igual que en la época romana, para exaltar las glorias de un personaje. El modelo
es el retrato romano de Marco Aurelio situado en la plaza del Capitolio de Roma.
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La escultura del siglo XV consigue unas proporciones esbeltas, valorando la forma curva,
busca el realismo y la representación de la figura humana.
El hito fundamental en la génesis de la nueva escultura lo constituye el concurso para la
elaboración de las puertas del lado norte del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Los
artistas que participaron en el concurso mostraron un esfuerzo evidente para que las
figuras se asemejaran a modelos clásicos. El ganador del concurso, Ghiberti, mostró un gran
dominio de la anatomía y dotó sus relieves de un valor pictórico mediante la representación
de la perspectiva y la valoración de la luz y la sombra.
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Otros escultores del Quattrocento son: Jacopo Della Quercia, Luca Della Robbia y Andrea
Verrocchio.
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En 1505, el Papa Julio II le encarga su mausoleo. Realiza el proyecto, que concibe como una
obra grandiosa, pero por circunstancias desfavorables queda inacabado.
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Entre 1505 y 1534, Miguel Ángel llega a su etapa de madurez que da inicio al manierismo.
Entre otros encargos de pintura (Capilla Sixtina) y arquitectura, vuelve a retomar a la
muerte de Julio II, las esculturas para su sepulcro: realiza el Moisés donde la fiereza de
la mirada, las poderosas manos y los músculos en tensión son el perfecto resumen de la
terribilità y anticipan la expresividad manierista; y los Esclavos (Rebelde y Moribundo), que
ya anuncian las forma serpentinata del manierismo.
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En su vejez, abandona la concepción hercúlea, para expresar sólo espíritu; vuelve así al
tema de la Piedad, pero tratado con patetismo. En la Piedad Rondanini (1554) trabajada
poco antes de su muerte, renuncia a la perfección o belleza para mostrarnos un “feísmo”
que pone de relieve la espiritualidad. Desde el punto de vista formal, el grupo de mármol,
inacabado, ha quedado reducido a sus elementos esenciales, buscando la expresión de la
idea.
Piedad Rondanini
El genio escultórico de Miguel Ángel produjo un tremendo efecto contradictorio, pues abrió
un nuevo horizonte para la escultura pero creó una distancia insalvable respecto al resto de
escultores contemporáneos. Así los escultores manieristas acentuaron en sus obras la
sofisticación, el virtuosismo y la búsqueda de raros equilibrios compositivos (forma
serpentinata...) destacando Cellini (con su obra Perseo) y Giambologna (El rapto de las
Sabinas, Mercurio)
2.3 Pintura
El mecenazgo de los poderosos, que colocaban bajo su protección a los artistas, contribuyó
a la valoración del arte y los artistas, aspecto este que va unido al aumento del
coleccionismo como un signo de prestigio social. Florencia, con el gobierno de los Médicis,
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fue el centro precursor de esta nueva mentalidad, seguida por las diferentes cortes de
otras ciudades italianas y la corte papal en Roma.
Los temas son variados. La pintura religiosa es la más abundante, distinguiéndose por la
humanidad de los temas; en Italia son frecuentes las escenas de la Sagrada Familia o de la
Virgen con el Niño (Madonna) concebidas como motivos dulces y amables. Las Sacras
Conversaciones muestran a los personajes sagrados en sencilla actitud de diálogo y son muy
habituales en la pintura renacentista. Además se mantienen las representaciones de
acontecimientos bíblicos o de la vida de santos. El retrato adquiere una gran difusión como
género independiente de los cuadros religiosos medievales, donde aparecía la figura del
donante. La dignidad del hombre y la consolidación de la individualidad en este momento,
son determinantes en el nacimiento de este género artístico. Vuelven a tener un destacado
protagonismo los temas mitológicos gracias al interés de los artistas e intelectuales por la
Antigüedad y la recuperación del espíritu clásico. Se generalizaron también las alegorías, es
decir, la representación de ideas, sentimientos o fuerzas de la naturaleza (amor, viento)
personificadas en figuras humanas.
En la Florencia del siglo XV, triunfa el naturalismo inspirado en la renovación que supuso
Giotto en el siglo anterior. Los pintores se sienten inspirados por el lenguaje del clasicismo,
buscan la representación de la naturaleza y su tridimensionalidad, para lo que hacen uso del
recurso de la perspectiva y la geometría. A ello se une el estudio del cuerpo humano , del
movimiento, de la luz. El dibujo se pone al servicio de la geometrización y de la definición
de las formas. El color es un medio expresivo fundamental y se usa de manera equilibrada.
La proporción y la armonía se ponen al servicio del ideal de belleza neoplatónica.
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- Fra Angélico (1400-1455). Su pintura representa el nexo con el período gótico. Sus
composiciones se caracterizan por la dulzura de los modelos, de belleza idealizada y
actitudes serenas. Recuerdos de la pintura goticista son el dorado en los nimbos de las
figuras sagradas y la minuciosidad en los paisajes. En las arquitecturas incorpora el uso de
la perspectiva, como se puede ver en algunos de sus populares cuadros sobre el tema de la
Anunciación, donde el dibujo y el colorido suavísimo constituyen el medio expresivo de la
devoción del Ángel y la unción de la Virgen ante el misterio.
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El nacimiento de Venus. Temple sobre lienzo Alegoría de la Primavera. Temple sobre tabla
En otras regiones italianas, en la segunda mitad del siglo XV destacan otros maestros:
pictórica de los contornos envolviendo todo el espacio en una especie de neblina con la que
consigue crear una atmósfera en las que se integran sus personajes; también se sirve de la
composición triangular para buscar el equilibrio formal. Obras suyas son: Virgen de las
Rocas (1483), Última Cena (1495-98) y La Gioconda (1505).
- Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). Es la figura más genial del periodo. Nacido en
Caprese, lugar muy cercano a Florencia, en 1475, comenzó muy joven su formación artística
Su obra evoluciona desde el sentido de la medida y la claridad clásica de su primera etapa
florentina influido por su maestro Ghirlandaio hacia, ya en Roma, el dramatismo,
monumentalismo y grandiosidad clásica del techo de la Capilla Sixtina, convirtiéndose en
plenamente manierista en los frescos del Juicio Final de la misma capilla.
Al sentirse sobre todo escultor, en su obra pictórica eliminó el paisaje y se centró en el
modelado de las figuras, a las que representa con mucho volumen y provistas de una
extraordinaria fortaleza, de un gigantismo casi sobrehumano inspirado en Laocoonte, pero
al mismo tiempo las dota de sólidos espíritus, equilibrando así la fuerza moral y la física. Se
puede decir, en definitiva, que se trata de figuras escultóricas. En sus composiciones
introduce el escorzo, pero sin romper el equilibrio dinámico.
En Roma, el papa Julio II le encargó pintar la bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512).
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cosas. Junto a estas escenas aparecen asociados las sibilas y los profetas que anuncian la
venida de Cristo. Las figuras de los ignudi (desnudos masculinos), que escoltan las
diferentes escenas se disponen en actitudes diversas al lado de medallones con episodios
del Antiguo Testamento.
El testero de la Capilla
Miguel Ángel. El Juicio Final. Capilla Sixtina.
Sixtina fue ejecutado en 1533-40 al
fresco y representa El Juicio final.
Allí se distingue con más claridad la “ terribilitá” miguelangelesca, especialmente en la
figura de Cristo con una actitud vengativa más que misericordiosa. La composición tiene
importantes precedentes en la escultura y en la pintura medieval (especialmente en las
portadas góticas). Se utiliza una distribución en dos planos superpuestos, terrestre y
celeste. Toda la escena se agita en un movimiento continuo centrado en la figura de Cristo,
como un dios clásico. La profundidad ha desaparecido y todas las figuras están en primer
término, acercándose más al espectador. La luz es intensa y frontal. El poder de la
anatomía y del desnudo es muy destacado a la hora de conseguir volumen y expresa la
evolución alcanzada por Miguel Ángel en su proceso creativo. El conjunto es dramático: una
masa humana de hinchadas musculaturas y movimiento agitado en un espacio que no se
precisa, sin marco arquitectónico. Esa falta de serenidad y de claridad son sin duda
manieristas.
El concepto del Juicio se expresa de un modo fácilmente comprensible en cuanto al
mensaje. En el plano terrestre se combina la resurrección de los muertos y el ascenso de
los bienaventurados hacia el cielo, mientras que los condenados pasan al infierno en la barca
de Caronte. La Virgen contraída aparta la cabeza, los Apóstoles y santos, sobrecogidos,
rodean la figura poderosa de Cristo juez, que dictamina el destino de los hombres.
El atrevimiento de la desnudez de las figuras sagradas fue ferozmente criticado, lo
que ocasionó el encargo a Daniel de Volterra de la pintura de paños que ocultaran algunos
cuerpos. El repertorio de formas inspira a los artistas del manierismo, que tienen en las
figuras del Juicio Final un álbum de modelos en el que inspirarse.
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El Expolio. Óleo sobre lienzo El martirio de San Mauricio y la legión tebana. Óleo sobre
lienzo
Contrariado por este fracaso se asienta definitivamente en Toledo en 1585, donde pinta El
entierro del Conde de Orgaz para la iglesia de Santo Tomé (Toledo). Representa el entierro
del señor de Orgaz. El cuadro, como en otros muchos, se articula en dos niveles: el terrenal
y el celestial, unidos por un violento escorzo de un ángel. La parte inferior, la terrenal está
tratada con realismo y dominada por el señor de Orgaz y el grupo de retratados. La parte
superior que representa el cielo se representa de una forma más idealizada, con una
pincelada más suelta y vaporosa y una composición piramidal dividida en diferentes planos
espaciales.
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El entierro del Conde de Orgaz. Óleo sobre lienzo El caballero de la mano en el pecho. Óleo sobre lienzo.
Los temas religiosos desarrollados por el pintor fueron numerosos y algunos de ellos
repetidos en muchas ocasiones como La Anunciación de los Pastores, los temas marianos o
los referentes a Cristo, o los santos etc. Pero junto a esta temática religiosa El Greco
demostró ser un gran retratista “a la manera véneta” (influido por Tintoretto), es decir, de
medio cuerpo y con una estudiada captación de la psicología del personaje.
Buen ejemplo de la influencia veneciana es el retrato del Caballero de la mano en el pecho.
Uno de los retratos españoles más conocidos en el mundo. Un caballero con la mano en el
pecho que mira al espectador como si hiciese un pacto con él. Este hombre está vestido de
forma fina y elegante y porta una espada dorada. Aún cuándo ya se conoce quien era este
"desconocido" (Juan de Silva, notario mayor de Toledo) el retrato ha quedado siempre
como la representación típica del hidalgo español: austero, espiritual y profundamente
serio. El caballero aparece vestido de negro, con el cuello y los puños de encaje blanco; sólo
una mínima cadena de oro -de la que pende una medalla- parece animar la negrura del
conjunto; también es oro labrado el puño de la espada que porta. Toda la expresión del
retratado se concentra en esa profunda y abstraída mirada, dirigida al espectador como
una evocación clara de aquellas imágenes orientales que El Greco debió pintar en su
juventud en Grecia, donde nació.
El paisaje toledano quedó reflejado en cuadros como Vista de Toledo, o como fondo en el
Laoconte y sus hijos, única obra mitológica que se le conoce.
En su etapa final pintó los cuadros más desgarradores por su expresividad entre los que se
encuentran: el Apostolado que realizó entre 1610 y 1614 para el Hospital de Santiago (San
Bartolomé y San Pedro), Laocoonte y sus hijos (1610-1614); La Adoración de los Pastores
(1612-1614), obra que realizó para su propia tumba en Santo Domingo el Antiguo de Toledo;
el Bautismo de Cristo del Hospital Tavera de Toledo; etc.... Todas estas obras muestran un
pintor más tenebrista que ha renunciado al color vibrante que le caracterizaba por una luz
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tenue que provoca efectos fantasmales. Su pincelada se volvió todavía mucho más ligera
acentuando con ello el dramatismo y la expresividad de los cuadros.
La pintura de El Greco no fue valorada por los mecenas más importantes de la época, pero
contó con el apoyo de instituciones religiosas, la nobleza y sobre todo el entusiasmo del
pueblo y la estima de los pintores. Influye en Velásquez, pero durante el siglo XVIII y las
primeras décadas del siglo XIX fue considerado un pintor extravagante. Los pintores de la
segunda mitad del siglo XIX redescubren su obra que influirá en los pintores impresionistas
por el color, y en los expresionistas por el dramatismo y la expresividad de las figuras.
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