Tema 30. La escultura. Estudio del volumen.

Técnicas, procedimientos y
materiales.
1. INTRODUCCIÓN
2. ESCULTURA.

2.1 Elementos fundamentales de la escultura

3. ESTUDIO DEL VOLUMEN
3.1. Ocupación del espacio: relieve, bulto redondo, instalación.
4. TÉCNICAS, PROCEDIMIENTOS Y MATERIALES
4.1 Método aditivo: modelado. Materiales
- Arcilla
- La cera
- La escayola
4.2 Método sustractivo
- Labra de la piedra. Procedimiento y uso de las herramientas en cada etapa
- Talla de la madera. Procedimiento y uso de las herramientas en cada etapa

4.3 Método constructivo (La escultura desde las vanguardias a la actualidad.

Reinventando el concepto y los materiales.)

Moldes y vaciado. Tipos de moldes.

- Molde perdido. Escayola
- Molde de varios usos. De piezas, de silicona, de caucho o plástico, de látex.
- Molde a partir de una forma viva. Escayola y alginato.
Técnicas en metal: forja y fundición.
1. INTRODUCCIÓN

La escultura, una manifestación artística que desafía la bidimensionalidad, nos sumerge

en el cautivador mundo de las formas tridimensionales.
A lo largo de la historia, la escultura ha sido un medio de expresión artística arraigado
en diversas culturas y épocas. Desde las majestuosas estatuas egipcias hasta las
innovadoras creaciones contemporáneas, la escultura ha sido un medio de transmisión
de conceptos, emociones y narrativas, enriqueciendo la narrativa cultural de la
humanidad. Más allá de la representación de objetos, las esculturas ocupan un espacio
real y desafían la gravedad con su presencia física, proporcionando una profundidad
única a la apreciación del arte
Para los estudiantes de Educación Secundaria Obligatoria (ESO), el estudio de la
escultura no solo amplía su comprensión del arte, sino que también fomenta habilidades
críticas y creativas. La escultura permite a los alumnos explorar la tridimensionalidad y
experimentar con materiales, estimulando su percepción y sensibilidad estética.
Además, al estudiar las técnicas, procedimientos y materiales escultóricos, los
estudiantes adquieren un conocimiento más profundo de cómo se crean las obras de
arte, lo que les permite conectarse con la expresión artística en un nivel más
significativo.

Algunos ejemplos de actividades:

- Creación de una escultura de arcilla que represente una emoción o sentimiento.
- Exploración del proceso de talla de madera utilizando herramientas básicas.
- Diseño y construcción de una instalación escultórica en el entorno escolar.
- Estudio de obras escultóricas icónicas y discusión sobre su significado y contexto
histórico.
- Experiencia práctica en la creación de moldes y vaciado en yeso o resina.
Estas actividades permitirán a los estudiantes explorar la escultura de manera creativa y
educativa, enriqueciendo su experiencia en la ESO y su apreciación del mundo del arte.

2. ESCULTURA

La escultura es una forma de expresión artística tridimensional que se caracteriza por la

creación de formas y objetos esculpidos a partir de diversos materiales, como piedra,
madera, metal, arcilla, mármol, entre muchos otros. Esta manifestación artística se
distingue por su capacidad para ocupar espacio de manera física, lo que le otorga una
presencia tangible y un potencial de interacción única con el espectador.
Según la definición de Fatás y Borrás en su diccionario de términos de arte y
arqueología, la escultura es el arte de modelar, tallar o esculpir el barro, la madera, la
piedra o cualquier otro material conveniente, representando un bulto (exento según la
definición del mismo) un objeto, real o imaginario, una figura, etc.
La escultura tiene una rica historia que se remonta a las civilizaciones antiguas, como la
egipcia, la griega y la romana. A lo largo de los siglos, ha evolucionado en términos de
estilos, técnicas y materiales. Desde la escultura clásica hasta las vanguardias del siglo
XX , los escultores han experimentado con la forma y el espacio, lo que ha llevado a
una amplia diversidad de enfoques y corrientes artísticas.
La escultura contemporánea a menudo desafía las convenciones tradicionales,
explorando nuevas ideas y conceptos. Los artistas contemporáneos a menudo utilizan
materiales no convencionales y abordan temas complejos y contemporáneos. La
escultura conceptual se centra en la idea detrás de la obra, lo que a menudo significa que
la forma y el material son subordinados al concepto.

2.1 Elementos Clave de la Escultura

La escultura se basa en tres elementos fundamentales:
– Forma: La forma se refiere a la apariencia externa de la escultura, incluyendo su
contorno, estructura y composición visual. Los escultores utilizan la forma para
transmitir mensajes, representar objetos, figuras humanas o abstractas, y evocar
emociones.
– Volumen: El volumen se relaciona con la tridimensionalidad de la escultura. A
diferencia de las artes bidimensionales, la escultura ocupa espacio real, lo que
permite a los espectadores explorarla desde diferentes ángulos, lo que añade una
dimensión cinética a la experiencia artística.
– Textura: La textura se refiere a la superficie física de la escultura. Los
escultores pueden utilizar texturas rugosas, suaves, ásperas, brillantes o mate
para dar a la obra una calidad táctil y visual única. La textura contribuye a la
riqueza de la experiencia sensorial

3. ESTUDIO DEL VOLUMEN

El volumen en escultura se refiere a la ocupación del espacio tridimensional por parte de
una obra de arte. Esto implica la profundidad, la altura y el ancho de la obra, lo que la
diferencia de las artes bidimensionales como la pintura y la fotografía. La escultura
aprovecha el volumen para crear una presencia tangible y permitir que los espectadores
se muevan alrededor de la obra para explorarla desde diferentes ángulos.
Su estudio es fundamental para comprender la tridimensionalidad de esta forma artística
y cómo se utiliza para crear obras que ocupan espacio físico. El volumen es una
característica distintiva de la escultura que le permite interactuar con el espectador
desde múltiples ángulos y perspectivas.

3.1 Ocupación del espacio

El volumen permite que la escultura interactúe con el espacio que la rodea. Los
escultores deben considerar cómo su obra ocupará un lugar específico y cómo los
espectadores la experimentarán desde diferentes perspectivas. Esto puede implicar la
colocación estratégica en un entorno, la exploración de la relación entre la obra y su
base, y la consideración de cómo la luz arroja sombras sobre la obra para resaltar sus
formas tridimensionales.

Relieve
El relieve es una técnica escultórica que se encuentra en la intersección entre la
escultura tridimensional y las artes bidimensionales, como la pintura y el dibujo. Se
caracteriza por la creación de formas esculpidas que emergen de una superficie plana,
pero que no se separan completamente de ella. En el contexto del estudio del volumen
en la escultura, el relieve desempeña un papel esencial, ya que permite a los artistas
explorar la tercera dimensión en una forma particularmente intrigante.

Tipos de Relieves:
Existen varios tipos de relieves, que se diferencian en la cantidad de profundidad y
relieve que presentan. Los tipos comunes incluyen:

– Relieve Alto o Profundo: En este tipo de relieve, las figuras sobresalen

significativamente del fondo, creando una impresión de mayor profundidad. Las
sombras y las luces se utilizan para resaltar las formas. Ej: la Columna de
Trajano 113 d.C , La Puerta de Ishtar (Babilonia, actual Irak) 575 a.C.
– - Relieve Bajo o Bajorrelieve: En el bajorrelieve, las figuras se esculpen de
manera más plana contra el fondo, lo que crea una apariencia más plana y
menos profunda. Este tipo de relieve se encuentra comúnmente en monumentos
y relieves arquitectónicos. Ej: el friso del Partenón., Relieves Asirios en el
Palacio de Nínive (Irak)
– - Relieve Esgrafiado o Inciso: En este caso, las figuras se inciden o se graban en
la superficie del material de base, creando una sensación de línea en lugar de
volumen. Ej: relieve esgrafiado de la diosa Isis (egipto), El Relieve Esgrafiado
de la Tumba de Ramsés VI (Luxor, Egipto) S. XII a.C., El Friso del Palacio
Real de Ur (Ur, Mesopotamia, actual Irak) 2600 a.C.
El relieve ha desempeñado un papel importante en la historia del arte, particularmente
en la escultura arquitectónica de antiguas civilizaciones como Egipto, Grecia y Roma.
También se encuentra en la ornamentación de edificios religiosos y tumbas históricas. A
lo largo de los siglos, los artistas han utilizado el relieve para contar historias, rendir
homenaje a figuras importantes y decorar monumentos.

Bulto redondo
El "bulto redondo," en el contexto de la escultura, se refiere a una técnica que se utiliza
para esculpir una figura tridimensional que se separa completamente de la superficie
circundante, creando una forma que tiene volumen desde todos los ángulos. A
diferencia de los relieves, donde las figuras están parcial o completamente unidas a la
superficie, el bulto redondo es una escultura independiente que se puede ver desde
cualquier perspectiva.
Ha sido utilizada para crear esculturas de gran realismo y detalle, así como obras
abstractas y estilizadas. Desde esculturas clásicas como "El David" de Miguel Ángel
hasta obras contemporáneas como "Balloon Dog" de Jeff Koons.

Instalación
Una "instalación" en el contexto del arte contemporáneo se refiere a una forma de
expresión artística en la que el artista crea un entorno o una experiencia específica
dentro de un espacio determinado. Estas instalaciones son a menudo temporales y
pueden incorporar una variedad de elementos, como esculturas, objetos, sonidos, luces,
vídeo, materiales diversos y elementos interactivos. Las instalaciones buscan involucrar
a los espectadores en una experiencia inmersiva y multisensorial, desafiando las
convenciones tradicionales de la observación pasiva del arte.
Por tanto, las claves de la instalación son:
– Interacción: Las instalaciones suelen invitar a los espectadores a interactuar con
el entorno creado por el artista. Esto puede implicar tocar, mover objetos,
participar en acciones específicas o incluso caminar a través de la instalación.
– Contexto Espacial: Las instalaciones se diseñan teniendo en cuenta el espacio en
el que se presentarán. Los artistas consideran la arquitectura y las características
físicas del lugar para crear una experiencia que sea única para ese entorno.
– Temporalidad: Muchas instalaciones son efímeras y solo existen durante un
período de tiempo limitado. Esto añade un elemento de temporalidad y
fugacidad a la experiencia del espectador.
– Narrativa o Concepto: Las instalaciones a menudo tienen un concepto o una
narrativa detrás de ellas. El artista puede estar comunicando una idea, una
emoción o una crítica social a través de la instalación.
– Elementos Multisensoriales: Las instalaciones pueden incorporar una amplia
gama de elementos, incluyendo sonidos, olores, luces y materiales táctiles para
crear una experiencia multisensorial.
 – Expresión Creativa: Las instalaciones permiten a los artistas explorar la
creatividad de una manera no tradicional y desafiar las expectativas de la
audiencia.
Algunos ejemplos de instalaciones son "Infinity Mirrored Rooms" - Yayoi Kusama ,
"The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" - Damien Hirst ,
"Rain Room" - Random International, "Sunflower Seeds" - Ai Weiwei , "The Gates" -
Christo y Jeanne-Claude

4. PROCEDIMIENTOS Y TÉCNICAS ESCULTÓRICAS

Los procedimientos y técnicas escultóricas comprenden métodos aditivos, sustractivos y
constructivos que los escultores emplean para dar forma a sus obras tridimensionales.
Estos enfoques permiten a los artistas explorar diferentes formas de expresión y
manipulación de materiales. A continuación, se detalla cada uno de estos métodos:

4.1 Método Aditivo

Técnicas Aditivas

- Modelado: El modelado es una técnica aditiva que implica la construcción de una

escultura agregando material gradualmente. Los materiales comunes para el modelado
incluyen arcilla, cera y plastilina. El escultor da forma al material mediante la adición y
la manipulación, lo que permite una gran flexibilidad en la creación de detalles y
texturas.

- Creación de Moldes y Vaciado: La creación de moldes es una técnica esencial en la

escultura aditiva cuando se busca producir múltiples copias de una obra. Un modelo
original se utiliza para crear un molde, que luego se llena con un material como yeso,
resina o metal para crear réplicas de la escultura original. Esta técnica es común en la
producción de esculturas en serie y en la reproducción de obras escultóricas.

Materiales

- Arcilla: La arcilla es uno de los materiales más comunes para el modelado. Viene en
diversas variedades, como arcilla de cerámica o arcilla de modelado, y se puede hornear
o secar al aire para endurecer la escultura.
- Cera: La cera se utiliza en la creación de modelos que luego pueden fundirse para
crear esculturas de metal. Es especialmente popular en la fundición de bronce y otras
aleaciones.

- Papel Mache y pasta de papel: El papel mache es un material económico y versátil que
se utiliza para construir esculturas de gran tamaño. Se puede endurecer mediante secado
o capas adicionales de papel.

- Resina: La resina es un material que se puede verter en moldes para crear esculturas de
plástico duro y duradero. Es ampliamente utilizado en la creación de réplicas de
esculturas y figuras coleccionables.

– Materiales Reciclados: Algunos artistas utilizan materiales reciclados como

metal, plástico, madera o vidrio para crear obras aditivas. Esta técnica promueve
la sostenibilidad y la reutilización de materiales.

Proceso de Modelado

El modelado es una técnica aditiva en la que el escultor construye gradualmente la

forma tridimensional utilizando material. Aquí se describe el proceso de modelado:
1. Preparación del Material: El primer paso implica la selección del material adecuado
para el modelado, como arcilla, cera o plastilina. El escultor prepara el material,
asegurándose de que esté en la consistencia adecuada para trabajar.
2.Modelado Inicial: Con el material listo, el escultor comienza a dar forma a la escultura
inicial. Esto puede involucrar la creación de una estructura base o armazón sobre la cual
se construirá la forma.
3. Añadir y Manipular: El escultor agrega material gradualmente, capa por capa, para
construir la forma deseada. Se utilizan herramientas como las manos, espátulas y
herramientas de modelado para esculpir y dar forma al material. Durante este proceso,
se presta atención a los detalles y a la textura.
4. Refinamiento: A medida que la escultura toma forma, se refinan los detalles y se
ajustan las proporciones. El escultor puede hacer ajustes finos para lograr la expresión y
el aspecto deseados.
5. Secado o Cocción: Dependiendo del material, la escultura puede requerir un proceso
de secado o cocción para endurecerse. Por ejemplo, la arcilla se seca al aire o se cuece
en un horno a temperaturas específicas. La cera se puede enfriar para solidificarse.
6.Acabado: Una vez que la escultura se ha endurecido, se puede lijar y pulir para
obtener un acabado suave y refinado. Se pueden aplicar tratamientos adicionales, como
pintura o esmalte, si es necesario.

Proceso de molde y vaciado

La creación de moldes y el vaciado es una técnica utilizada en la escultura para replicar
una obra en serie. Aquí se describe el proceso:
1. Modelo Original: Se comienza con el modelo original, que es la escultura que se
desea replicar. Esta escultura debe estar finalizada y lista para ser duplicada.
2. Creación del Molde: Se crea un molde alrededor del modelo original. Los moldes
pueden estar hechos de diversos materiales, como caucho de silicona, yeso o látex. El
molde se forma alrededor de la escultura, capturando todos los detalles.
3. Vaciado: Una vez que el molde está listo, se procede al vaciado. Se vierte el material
de reproducción, como yeso o resina, en el molde. El material se distribuye
uniformemente para asegurar que se llenen todos los detalles del molde.
4. Endurecimiento: El material de reproducción se deja endurecer según las
instrucciones del fabricante. Esto puede llevar tiempo dependiendo del material
utilizado.
5. Retirada del Molde: Una vez que el material de reproducción se ha endurecido por
completo, el molde se retira cuidadosamente. Esto revela la réplica de la escultura
original.
6. Acabado: La réplica puede requerir un proceso de acabado para eliminar rebabas
o imperfecciones. Luego, se puede aplicar cualquier tratamiento adicional, como
pintura o patinado, si es necesario.

4.2 MÉTODOS SUSTRACTIVOS

El proceso de escultura sustractiva implica la eliminación de material de una pieza
inicial, como una piedra, madera o hielo, para crear una forma tridimensional. Este
proceso requiere atención al detalle, habilidades de tallado y un entendimiento claro de
la forma que el escultor desea lograr. Aquí se describe el proceso paso a paso:

Labra de la Piedra
La labra de la piedra es una de las técnicas sustractivas más antiguas y tradicionales en
la escultura. Los artistas utilizan cinceles, martillos y otras herramientas para tallar y
esculpir piedra, como mármol, granito o alabastro. Esta técnica requiere un alto grado
de habilidad y paciencia, ya que el escultor debe eliminar cuidadosamente partes del
material para revelar la forma deseada.
Talla de la Madera
La talla de la madera implica la eliminación de material de una pieza de madera para
crear una escultura. Los artistas utilizan cinceles, gubias y sierras para tallar la madera
en formas tridimensionales. La madera es un material versátil que permite una amplia
gama de texturas y detalles.

Proceso de extracción
1. Selección del Material: El primer paso es elegir el material adecuado para la escultura
sustractiva. Esto depende de la visión del artista y de las características deseadas, como
la textura, el color y la durabilidad. Los materiales comunes incluyen piedra, madera y
hielo.
2. Diseño y Planificación: Antes de comenzar a tallar, el escultor debe tener una idea
clara de la forma final que desea lograr. Esto implica la creación de un diseño detallado
o un modelo en la mente del artista. Se pueden usar bocetos, maquetas o incluso
software de diseño asistido por computadora (CAD) para planificar la obra.
3. Marcar la Pieza Inicial: El artista marca la pieza de material inicial para delinear las
áreas que se eliminarán y las que se conservarán. Esto sirve como guía durante el tallado
y asegura que la escultura mantenga la proporción y la forma deseadas.
4. Tallado Inicial: Con herramientas especializadas como cinceles, gubias, martillos y
sierras, el escultor comienza a eliminar material. El tallado puede ser un proceso
meticuloso que implica la eliminación de capas finas de material para revelar la forma
deseada. El escultor debe ser hábil para controlar la profundidad y la textura del tallado.
5. Detalles y Refinamiento: A medida que la escultura toma forma, el artista presta
especial atención a los detalles. Esto puede incluir la creación de texturas, la definición
de características faciales o la adición de detalles ornamentales. Es importante mantener
la simetría y la proporción en este punto.
6. Lijado y Pulido: Después de tallar los detalles, se realiza un proceso de lijado para
suavizar las superficies de la escultura. Esto elimina las marcas de corte y proporciona
un acabado más suave y refinado. Luego, la escultura puede pulirse para resaltar la
textura y el brillo natural del material.
7. Acabado y Protección: Dependiendo del material, se pueden aplicar acabados o
tratamientos de protección. Por ejemplo, una escultura de madera puede recibir
un barniz para protegerla de la humedad y la decoloración. Una escultura de
piedra puede recibir un sellador para resaltar su color y textura.

El método sustractivo destaca la destreza y la precisión del escultor al eliminar el exceso

de material para revelar la forma deseada. A través de esta técnica, los artistas pueden
crear obras de arte duraderas y detalladas que exploran la relación entre el espacio, la
forma y la textura.
4.3 MÉTODO CONSTRUCTIVO

El método constructivo es uno de los enfoques fundamentales en la escultura que se ha

destacado especialmente desde las vanguardias del siglo XX hasta la actualidad. A
diferencia de los métodos aditivos, donde los materiales se agregan, o los métodos
sustractivos, donde se quita material, el método constructivo implica la creación de una
escultura a partir de componentes individuales ensamblados.
Aunque el método constructivo ha sido un enfoque utilizado en diversas culturas y
momentos históricos, ha cobrado una importancia significativa en el arte
contemporáneo y en las vanguardias del siglo XX. Los movimientos artísticos como el
Constructivismo, el Futurismo y el Arte Cinético se basaron en la construcción de
esculturas a partir de elementos geométricos y estructuras modulares. Artistas como
Vladimir Tatlin, Naum Gabo y Alexander Calder exploraron y redefinieron el concepto
de la escultura constructiva, creando obras que desafiaron las nociones tradicionales de
la forma tridimensional.
A continuación, se desarrolla este método en el contexto de los métodos escultóricos,
incluyendo una breve referencia histórica, técnicas y materiales asociados.

Técnicas y Materiales
- Soldadura: La soldadura es una técnica esencial en el método constructivo cuando se
trabaja con metal. Los escultores sueldan piezas de metal para crear estructuras
tridimensionales. Esto permite la creación de esculturas de gran tamaño y obras públicas
impactantes.

- Construcción con Módulos o Bloques: Los artistas pueden utilizar módulos

prefabricados, como ladrillos, bloques de construcción, o elementos industriales, para
ensamblar sus obras. Este enfoque es especialmente evidente en el arte contemporáneo
y las instalaciones.

- Armazones y Estructuras: Algunas esculturas constructivas se basan en armazones y

estructuras de soporte, que luego se revisten o recubren con otros materiales para dar
forma a la obra. Esta técnica es común en la creación de instalaciones artísticas de gran
escala.

- Técnicas en Metal: En el contexto del método constructivo, las técnicas de forja y

fundición pueden ser utilizadas para crear estructuras metálicas complejas que luego se
ensamblan en la escultura final. La forja implica dar forma al metal calentándolo y
martilleándolo, mientras que la fundición implica verter metal fundido en moldes para
crear piezas.
El método constructivo permite a los artistas jugar con la modularidad, la estructura y la
interacción entre elementos en su obra, lo que lleva a una amplia gama de posibilidades
creativas. En la escultura contemporánea, este enfoque ha redefinido la relación entre la
obra y el espacio, así como la relación entre el espectador y la obra, fomentando nuevas
exploraciones artísticas y desafiando las convenciones establecidas.

5. CONCLUSIÓN

En resumen, el estudio de la escultura es una disciplina artística rica y diversa que se

centra en la creación de formas tridimensionales y la exploración del volumen en el
espacio. A lo largo de la historia del arte, la escultura ha desempeñado un papel crucial
en la expresión artística y la representación de conceptos, personajes y temas diversos.

La diversidad de técnicas y procedimientos, ya sean aditivos, sustractivos o

constructivos, permite a los escultores dar vida a sus visiones artísticas de manera única.
La elección de materiales desempeña un papel fundamental en la creación escultórica,
influyendo en la textura, el color y la durabilidad de la obra.

Para los alumnos de la Educación Secundaria Obligatoria (ESO), el estudio de la

escultura proporciona una oportunidad de explorar su creatividad, desarrollar
habilidades técnicas y comprender la relación entre el arte y la historia. A través de
actividades prácticas y el conocimiento de las técnicas y procedimientos, los estudiantes
pueden apreciar la profundidad de la expresión escultórica y su relevancia en el mundo
artístico y cultural.

La escultura, con su enfoque en el volumen y la tridimensionalidad, continúa siendo una

forma de arte dinámica y emocionante que refleja la creatividad y la visión individual de
los artistas a lo largo de la historia y en la actualidad.

6. BIBLIOGRAFÍA

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