ANÁLISIS COMPARATIVO BLOQUE C:

1.- Bañistas Cézanne y Las señoritas de Avignon de Picasso

Autor: Cézanne
Obra: Bañistas
Cronología: 1898
Estilo/Época: Posimpresionismo
Medidas: 2,1 m x 2,51 m
Ubicación: National Gallery, Londres, Reino
Unido

Autor: Picasso
Obra: Las señoritas de Avignon de Picasso
Cronología: 1907
Estilo/Época: Proto-Cubismo
Medidas: 243,9 cm × 233,7 cm
Ubicación: Museo de Arte Moderno, Nueva
York

Identificación:

Las dos obras son Las Bañistas de Cézanne y Las señoritas de Avignon. Es destacable la
diferencia de tiempo entre ambas, Bañistas es de 1898 y Las señoritas de Avignon es de
1907. Son de estilos distintos, la de Cézanne es de estilo postimpresionista la cual precede
a la de Picasso que es cubista.

La de Picasso se encuentra en el Museo de Arte Moderno en Nueva York y la de Cézanne

en el National Gallery de Londres.

Análisis Comparativo:

Ambas obras son figurativas, de medidas similares y usan pintura al óleo aunque de
Cézanne destaca el uso de la técnica ‘’passage’’
En las bañistas representa una escena naturalista donde hay mujeres bañándose mientras
que Picasso rompe con ese naturalismo y muestra la figura femenina pero dándole un
carácter mucho más provocativo.

Ambas obras tienen una gran conexión, Cézanne con su estilo postimpresionista
experimentaba con formas geométricas y pinceladas sueltas pero Picasso llevó esto al
extremo. Bañistas le fue de gran inspiración a Picasso para la creación de su obra.
La obra de Cézanne tiene toques abstractos ya que las formas de las figuras no están
totalmente definidas ni es una anatomía tradicional, además de que se funden con el
paisaje. En Picasso los cuerpos femeninos que representa están reducidos a formas
geométricas y angulosas.

Las gamas de colores, al compararlas, son totalmente opuestas, por un lado tenemos los
tonos predominantemente fríos y con toques amarillentos y verdosos y por otro lado
tenemos prácticamente solo tonos rojizos y rosas, similar a la etapa rosa de Picasso que
precedía el cubismo.

Cézanne usa una perspectiva más tradicional si la comparas con la de Picasso que utiliza
una perspectiva múltiple o fragmentada.

La inspiración de Picasso se nota especialmente en la estructura y composición de la obra

ya que ambos representan figuras femeninas desnudas en distintas posiciones a lo largo de
la pintura.

Comentario:

Cézanne fue un artista muy influyente para el cubismo ya que en su obra ya se empiezan a
ver ligeros toques de abstracción y de formas geométricas pero no fue hasta Picasso y
Georges Braques que, basados en las investigaciones de Cézanne, desarrollaron este
movimiento artístico totalmente nuevo que es considerado ‘’la primera vanguardia’’. El
cubismo lleva las características que he explicado anteriormente pero al extremo, donde se
llega a perder la perspectiva tradicional, los cánones de la anatomía humana y se utiliza una
perspectiva fragmentada y representa la naturaleza con figuras geométricas.

Picasso para esta obra tuvo varias influencias muy importantes. La forma en la que pinta las
figuras viene de El Greco, en específico su obra Visión del Apocalipsis que había visto ese
mismo verano. También tuvo influencias de arte africano, las cuales podemos ver en el uso
de las máscaras características en una de las mujeres, esto se debe a que en París se
hicieron varias exposiciones de este tipo de arte por el colonialismo europeo. Y la
inspiración más importante de estas tres viene de Cézanne y de su obra ‘’Bañistas’’ donde
toma varios conceptos de esta obra en específico, como la composición y representación de
la figura femenina.

Conclusión:

Ambos artistas tuvieron una gran importancia para la historia del arte por la forma en la que
siempre consiguen reinventarse y romper con lo ya establecido. Quien sabe si Picasso
hubiese conseguido lo que es ahora si no se hubiese inspirado en Cézanne, posiblemente
habría cambiado la historia bastante. Le debemos mucho a Cézanne por reinventar lo
tradicional y a Picasso por llevarlo al extremo.

2.- Máscara de la cultura Dan Costa de Marfil y Dora Maar de Picasso

Obra: Máscara de la cultura Dan Costa de Marfil

Estilo/Época: Arte africano
Medidas: 36 x 21 x 15 cm
Material: Madera y Caolín

Autor: Picasso
Obra: Dora Maar
Cronología: 1937
Estilo/Época: Cubismo
Medidas: 92 x 65 cm
Ubicación: Museo Nacional París

Identificación:

Son dos obras totalmente distintas, apenas se parecen. Dora Maar de Picasso es un cuadro
hecho al óleo, es un retrato de una joven mujer. La máscara es una escultura de bulto
redondo tallada en madera y caolín. Lo más destacable de ambas es la diferencia de tiempo
abismal.

Análisis Comparativo:

La máscara de Dan está tallada en madera y con técnicas tradicionales mientras que
Picasso hace uso del cubismo en su retrato al óleo, en el cual tiene una ligera inspiración en
el arte africano.

Se asemejan especialmente en la estructura facial que tienen ambas obras. En la Máscara

de la cultura de Dan de la Costa de Marfil podemos ver como se incluyen formas
geométricas aunque están algo estilizadas. Como ya sabemos, el cubismo está fuertemente
inspirado en el arte africano y es por este mismo hecho que tienen cierto parecido, solo que
en el retrato de Dora Moor, Picasso decide deformar ,aún más de lo que ya estaba, los
rasgos faciales. A pesar de esto siguen más o menos el mismo concepto de estilización.

Las composiciones chocan entre sí ya que en la obra de Picasso, y en el cubismo en

general, se rompe mucho con las composiciones tradicionales así que la máscara se
mantiene en equilibrio y armonía mientras que la de Picasso es dinámica y rompedora.

Comentario:

Del contexto histórico de las máscaras es imprescindible hablar del colonialismo europeo
que tuvo lugar durante gran parte del siglo XIX y principios del siglo XX. Justamente Francia
se estableció en Costa de Marfil e impactó mucho a la sociedad y la cultura del lugar pero
en concreto la cultura Dan mantuvo bastantes de sus tradiciones, entre ellas, la creación de
máscaras para rituales y ceremonias.

Estos hechos coincidieron con Picasso huyendo de la guerra civil española a París. Allí
conoció a Dora Moor, protagonista de su retrato. Casualmente en París se hicieron varias
exposiciones de este tipo de arte que habían conseguido de la colonización. Gracias a esto,
aunque Picasso no tuvo una influencia directa del arte primitivo para su obra, sí que se nota
cierta inspiración en este tipo de máscaras de las cuales vio en esas exposiciones o incluso
era propietario de algunas.

Conclusión:

Aunque los contextos sean muy diferentes tienen cierta relación. Costa de Marfil fue
colonizada por Francia haciendo que Picasso pueda tener el arte africano como inspiración,
junto a la guerra civil española de la que Picasso tuvo que huir a Francia. Estas obras
reflejan la capacidad humana de crear arte como respuesta a los momentos más complejos
y tensos posibles.

3.- Máscara de la cultura Shira-Punu. Babón y Retrato de Mme. Matisse, de 1913.

Autor: Henri Matisse

Obra: Madame Matisse
Cronología: 1913
Estilo/Época: Cubismo
Medidas:146 x 97,7 cm
Ubicación: Museo Hermitage
 Obra: Máscara de la cultura Shira-Punu
Estilo/Época: Arte Africano
Medidas: 31 x 21 x 14 cm
Ubicación: Museo Hermitage
Material: Madera

Identificación:

La primera obra es un retrato cubista hecho al óleo por Matisse y la segunda es una
máscara de estilo africana (bulto redondo) perteneciente a la cultura Shira-Punu. La relación
de estas obras es la diferencia de tiempo y como el retrato de Matisse se inspira muy
fuertemente en la máscara.

Análisis Comparativo:

Este tipo de máscara destaca por sus formas geométricas y por las expresiones faciales tan
distintivas. Está tallada en madera y decorada con pigmentos naturales o fibras.

Matisse retrata a su esposa, Amélie, con tonos fríos, colores muy expresivos, simplificación
de formas, proporciones distorsionadas y con el rostro prácticamente idéntico al de la
máscara.

La principal relación de ambas obras es la inclusión de la máscara en el retrato. Matisse no

disimula y pinta todos los rasgos tal y como aparecen con la diferencia de que la nariz tiene
una pequeña señalización de volumen y no es solo una línea vertical a lo largo del rostro.
También usa los mismos tonos blanquecinos de la máscara, dándole así un toque
fantasmagórico.

A diferencia de Picasso, que interpreta sus referencias y lo lleva a su campo para hacer
algo totalmente distinto, Matisse incorpor a su estilo por completo las características de los
elementos de los que se inspira, como la línea de la nariz, la piel blanca, los semicírculos de
las cejas y los ojos negros.

Ambas obras no dan tanta importancia a la composición y se centran más en la expresión y

significado.
Comentario:

Un detalle característico del retrato es que fue pintado en 1913, en un período de transición
entre el fauvismo y el cubismo. Aquí el arte europeo estaba en constante cambio también
por las tensiones producidas por la Primera Guerra Mundial. Matisse, al igual que Picasso,
decidió inspirarse en el arte africano procedente de las colonias que había establecido
Francia y que había expuesto en distintos museos.

Matisse tenía muchos ataques de pánico e insomnio porque no se sentía pleno con la
calidad que ofrecían sus obras, esto provocó que sus modelos también estuviesen
agotados. Como curiosidad Amélie, modelo de este retrato, cuando vio el cuadro que le
había pintado su esposo se puso a llorar horrorizada por como había representado sus
rasgos de una forma tan siniestra y terrorífica.

Conclusión:

Aunque no contamos con muchos detalles sobre la máscara, vemos claro algunos detalles
estilísticos que Matisse incluye en su obra que sirve de transición entre fauvismo y cubismo,
pudiendo ver también características de ambos movimientos junto con las influencias del
arte primitivo. Esta gran mezcla de influencias y estilos nos muestra la capacidad que tienen
los artistas de superarse y de atravesar barreras culturales.

4.- "Chacmol" de escultura azteca y Figura reclinada de Henry Moore

Obra: Chac Mool

Cronología: XIV - XVI
Estilo/Época: Escultura Azteca
Medidas: 1,5m x 75cm x 1m
Ubicación: Usualmente en museos Mexicanos
como el Museo Nacional de Antropología
Material: Piedra

Autor: Henry Moore

Obra: Figura Reclinada
Cronología: 1929
Estilo/Época: Escultura Azteca
Medidas: 109 x 80 x 210 cm
Ubicación: Leeds Art Gallery Leeds Inglaterra
Material: Bronce
Identificación:

Son dos esculturas en las que en ambas se representa a una figura tumbada pero con la
parte del torso y cabeza levantada para mirar al espectador. Destaca principalmente la
diferencia de épocas entre ambas pero se ve claramente como la más actual se inspira en
la antigua.

Análisis Comparativo:

El Chac Mool está tallado en piedra mientras que la Figura Reclinada de Henry Moore está
esculpida en bronce aunque podemos ver que ha dejado una textura similar a como si
estuviera tallada en piedra sugiriendo un vínculo entre ambas.

A pesar de que Henry Moore cambia la postura dándole un toque más provocativo, se sigue
pudiendo apreciar un movimiento y composición muy similar en ambas obras ya que el
espacio negativo de la mitad hacia arriba tiene una forma muy parecida en las dos
esculturas, solo que en la escultura de Henry es algo más estrecha. Cabe destacar que la
Figura Reclinada de Henry tiene muchas más curvas que invitan a contemplarla desde
distintos ángulos, a diferencia de el Chac Mool que se muestra mucho más rígido y con
ángulos más agresivos.

Aunque la escultura de Henry sea más curvada que el Chac Mool podemos seguir viendo la
gran influencia del arte precolombino por la visible geometrización de las partes del cuerpo y
en especial del rostro y la nula emoción, la cual nos muestra una gran conexión con este
tipo de arte donde destacaba la grandeza y espiritualidad de la expresión humana.

Comentario:

El Chac Mool originalmente servía para rituales de sacrificio y para ceremonias ya que
proviene del periodo Posclásico Tardío de la civilización azteca donde este tipo de actos
tenían gran relevancia. Por otro lado la escultura de Moore usa como base el arte
precolombino para hacer una representación de la figura humana mucho más libre,
abstracta y expresiva, todo esto siendo característico del período de entreguerras, al cual
pertenece.

Aunque la abstracción permite a la interpretación ser más subjetiva podemos ver que la
Figura Reclinada sugiere exploración de la forma humana y su relación con la naturaleza,
mientras que el Chac Mool representa la conexión entre la vida cotidiana y lo sagrado en la
cosmovisión azteca

Conclusión:

Proceden de contextos históricos claramente distintos y aunque la escultura original servía

para reflejar una expresión religiosa es realmente impresionante como tantos años después
sirva como respuesta a un movimiento artístico tan posterior, que aunque no tenga motivo
religioso, se toman conceptos técnicos que sirven de características para ese movimiento.
5.- Frutero de 1908 de Picasso y Frutero de Braque, 1908-09

Autor: Pablo Picasso

Obra: Frutero
Cronología: 1908
Estilo/Época: Cubismo Expresionista
Medidas: 21 x 27 cm
Ubicación: Museo de Basilea, Suiza

Autor: Georges Braque

Obra: Frutero
Cronología: 1908-09
Estilo/Época: Cubismo
Medidas: 54 x 65 cm
Ubicación: Moderna Museet, Suiza

Identificación:

Son dos obras pictóricas de naturaleza muerta. La principal diferencia es el estilo, Picasso
aquí no se arriesgó mucho con el cubismo y fue más expresionista dejando un estilo
intermedio, sin embargo Georges Braque tomó el riesgo de hacer cubismo y exagerarlo
mucho.

Análisis Comparativo:

Ambas obras están hechas al óleo, es por este motivo que tienen acabados similares.

En cuanto a las formas y volúmenes de los objetos representados chocan mucho los dos
cuadros, Picasso se mantiene algo expresionista, claramente inspirado por Cézanne, pero
aun así vemos simplificación de las formas y colores planos, sin embargo Braque nos deja
atónitos con esa perspectiva múltiple que representa los objetos totalmente fragmentados.

Hablando de perspectiva, ya habiendo mencionado la perspectiva múltiple, vemos como los

dos cuadros tienen un ángulo similar del frutero y la composición en sí es muy parecida,
aunque en concreto la de Braque es muy abstracta, está el frutero encajado en el centro de
la obra sin dejar mucho espacio a su alrededor.

La diferencia en las paletas de colores es un detalle bastante notorio. Como ya he dicho

anteriormente, Picasso estaba inspirado en Cézanne, esto lo vemos por los colores tan
vivos que utiliza tanto para las frutas como para el fondo. En este apartado Braque entra en
total desacuerdo al usar colores tan apagados, gamas de grises y marrones y en general
una paleta muy oscura y sin apenas saturación.

Comentario:

Nos situamos en una etapa en la que el cubismo todavía no se había definido por completo
y donde los artistas, en este caso Picasso y Georges Braque, estaban empezando a
experimentar y expresarse con conceptos que no habían sido usados antes de esta forma.
Picasso teniendo influencias de Cézanne, que justamente también empezó a simplificar los
volúmenes y jugar con la geometrización, y Braque al arriesgarse llevando al extremo
dichos conceptos supusieron la progresión al cubismo.

Como curiosidad, estos dos artistas tenían gran rivalidad y prácticamente estaban en la
lucha de haber quien hacía el cubismo mejor, en concreto esta obra fue una de las que más
envidia causó a Picasso y lo motivó a seguir trabajando en este movimiento.

Conclusión:

Es bonito echar la vista atrás y ver cómo los artistas combatían por reinventarse y también
por la gran competencia que tenían entre ellos para conseguir su objetivo. Desde la
actualidad vemos como este tipo de luchas por cambiar algo con lo que no estás de
acuerdo e incluso llegar a basar tu trabajo en ello es capaz de crear algo totalmente único e
innovador, en este caso, el resultado de esta lucha a la que hago alusión es a lo que hoy en
día llamamos cubismo.

6.- Impresionismo

Louis Leory, en una crítica publicada con motivo de la primera exposición independiente,
celebrada en París en 1874, de un grupo de artistas críticos con el arte oficial y con los
canales institucionales de exhibición, utilizó despectivamente el término ‘’impresionista’’
para definir la forma de entender y hacer la pintura de este grupo de artistas que se definían
a sí mismos como realistas. Camille Pissarro, Auguste Renoir, Claude Monet, Paul
Cézanne, Edgar Degas, Alfred Sisley y Berthe Morisot estaban entre los expositores.

Las razones de las críticas que originaron los cuadros de esos artistas provienen de
diferentes características y no sólo de que esta forma de pintar supusiera una ruptura con la
tradición.

El Impresionismo es uno de los estilos pictóricos que más han influido en la historia del arte.
Provocó un punto de inflexión en París que ,desde ese entonces, sería el pico más alto del
arte experimental.
Este movimiento artístico parte de una serie de innovaciones:

- Libertad temática. Se quita importancia al tema

- Se pinta mucho al aire libre para poder captar la esencia de los momentos
- Ya no existen formas ni colores permanentes, ahora son mudables
- Importancia de nuevos elementos y puntos de vista de la ciencia (Teoría del Color)
- Sombras muy coloridas. Desaparición del negro
- Colores puros aplicados en pinceladas planas y cortas
- Se toma conciencia de los nuevos tiempos: modernidad, vida y paisajes urbanos,
fugacidad, velocidad…
-
Los impresionistas trataban de plasmar las impresiones que las escenas cotidianas dejaban
en las retinas de los pintores y espectadores.

Algunos pintores importantes fueron:

Édouard Manet (1832-1883), con su tratamiento de las superficies en forma de pinceladas

amplias y planas y falta de interés por una perspectiva lineal correcta. Obras destacadas:
Olympia, El almuerzo sobre la hierba y Un bar aux Folies Bergère

Olympia

Claude Monet (1840-1926). Fue quien le dio nombre con una de sus obras (Impresión, sol
naciente, de 1872). Solía con su propia técnica que consistía en pinceladas rápidas. En sus
series de cuadros intenta plasmar la luz reflejada en cada instante. Obras destacadas: El
montón de heno, La estación de Saint Lazare, la Catedral de Rouen o los Nenúfares, donde
Monet se llegó a aproximar a la abstracción, pero no se atrevió a dar el paso.

La estación de Saint Lazare

Edgar Degás (1834-1917). Aunque fue quizás el mejor pintor impresionista en captar las
escenas de interiores y el movimiento, jamás se consideró así mismo como un pintor
impresionista, sino más bien clasicista. Edgar Degás nos muestra el mundo adinerado de
París con sus escenas de ballet y de carreras de caballos entre otras cosas. Utiliza puntos
de vista anti académicos y de gran influencia de la fotografía (horizontes muy bajos, vistas
picadas y contrapicadas, planos cortados, etc.), y su estilo se asemeja a la pintura al pastel.
Sus mejores obras nos enseñan el mundo del ballet, como en ‘’La clase de ballet’’.

La clase de ballet

7.- El hiperrealismo

El hiperrealismo es un estilo pictórico que se basa en representar la realidad con la mayor

fidelidad posible, pero al mismo tiempo intentando darle algún tipo de simbolismo o
transmitir un mensaje social o político. Se desarrolló en Europa y en Estados Unidos entre
los años 60 y 70. Sus principales influencias vienen del Pop Art, el precisionismo de los
años 20 y en especial del fotorrealismo. En muchas ocasiones los pintores hiperrealistas
intentaban detallar con muchísimo cuidado para poder crear así una realidad que no estaba
presente en la referencia original. Se suele confundir con el fotorrealismo, una característica
que los diferencia es que mientras el fotorrealismo capta con total exactitud la realidad, el
hiperrealismo no tiene problema en omitir detalles o en cambiar ligeramente la escena con
elementos imaginados si esto concluye en un resultado mejor.

Algunos autores destacados son:

Eduardo Naranjo (1944) es un pintor español que combina a la perfección hiperrealismo y

surrealismo. Hace representaciones que podrías ver en un sueño como imágenes
superpuestas, escenas fantasmagóricas y cuerpos transparentes pero de manera que se te
podría hacer totalmente presente en la realidad. Él lo llama realismo mágico onírico.

El sueño con las musas

Antonio López (1936) otro pintor español que lo más destacable de su proceso artístico es
su inacabable paciencia, llega a desarrollar sus cuadros durante años y su técnica requiere
pintar siempre a la misma hora para poder captar la misma iluminación y atmósfera de la
escena que intenta representar. Por esto suele trabajar en varias obras al mismo tiempo
según las distintas horas del día. Suele pintar cosas cotidianas como retratos de familiares y
amigos o las vistas que tiene de Madrid. Sus obras más destacadas son Gran Vía y Madrid
visto desde Torres Blancas.

Madrid visto desde Torres Blancas

Richard Estes (1932). Posiblemente el mejor representante de este movimiento, a veces

considerado fotorrealista, su obra se caracteriza por representar superficies reflectantes ya
sean cristales, espejos o superficies metálicas como las de los coches y lo más
impresionante es la gran atención al detalle y la gran destreza que tiene a la hora de
pintarlas. Su obra más destacada es Cabinas Telefónicas.

Cabinas Telefónicas

8.- La abstracción

La abstracción es un estilo artístico que se desarrolló a principios del siglo XX

principalmente en Europa y en Estados Unidos. Se basa en hacer obras no figurativas,
busca liberar el arte de los elementos convencionales, es decir, dejan de imitar la realidad
para ser un objeto artístico por su cuenta y se centran en expresar emociones, ideas y
conceptos a través de formas, colores, líneas y texturas.

La abstracción tiene diferentes variantes:

La abstracción lírica usa formas indefinidas y busca crear obras subjetivas para provocar
distintas emociones en el espectador

La abstracción geométrica es bastante auto explicativa, se usan formas geométricas y

rígidas para la creación de sus obras.

Algunos artistas importantes son:

Hilma af Klint (1862-1944) esta artista sueca es la pionera del arte abstracto pero de esto
no se supo hasta veinte años posterior a su muerte porque ella no quiso hacer públicas sus
obras ya que según ella no podrían ser comprendidas por los espectadores. En sus obras
destacan las temáticas de espiritualidad, religión, ser humano etc.

Retablo Número 1

Wassily Kandinsky (1866-1944). Tradicionalmente considerado creador del arte abstracto,

creó obras innovadoras a partir de sus improvisaciones con acuarelas y de su obra teórica
De lo espiritual en el arte (1911) en la que critica las instituciones académicas tradicionales
y la idea del arte. En este libro fue la primera vez que se describe la abstracción y las
pautas emocionales de los colores. Obras importantes: En blanco II, Composición Ocho y El
Jinete Azul.

En Blanco II
Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor neerlandés y uno de los principales exponentes
del movimiento De Stijl. Nacido en Amersfoort, Países Bajos, Mondrian es conocido por
desarrollar el neoplasticismo, un enfoque artístico que buscaba la armonía visual a través
de la aplicación de líneas y colores primarios en formas geométricas.. Sus obras son de la
serie "Composición con Rojo, Amarillo y Azul"

Composición con Rojo, Amarillo y Azul.

Carlo Jaén Cuenca 2ºBACH D