EL NACIMIENTO DE LAS BELLAS

ARTES Y DEL ARTISTA

cuando las imágenes valen por si mismas

SIGLO XVII: PERIODO DE
TRANSICIÓN

Frans Hals, Las regentes del asilo de ancianos, 1664.

cambio en la organización de
poderes (nobleza + iglesia
versus burguesía)
cambio en las imágenes:
cotidiano, burguesia y
monarquia
imagen que antes estaba al
servicio de la iglesia pasa a
estar al servicio del Estado y
de la burguesía
arte se va separando de la
artesanía (estético x Frans Hals, “Rectores del asilo de ancianos de
instrumental) Haarlem”. Óleo sobre tela, 1664
 Esta clasificación fue elaborada
por Galeno en el siglo II, que
dividió el arte en “artes liberales”
y “artes vulgares”. Durante la
antigüedad clásica se
denominó artes vulgares a las
producidas mediante
procedimientos manuales,
frente a las que eran producto
del pensamiento, las artes
liberales. En la Edad Media las
artes vulgares fueron conocidas
ARTES LIBERALES Y ARTES como artes mecánicas.
MECÁNICAS
 Liberales (pensamiento) Mecánicas (manuales)

trivium: gramática, retórica,

lógica arquitectura, pintura,
quadrivium: aritmética, escultura, demás
geometría, astronomía y producciones artesanales
música
El hecho más espectacular desde un punto
de vista institucional en relación con el
estatus de los pintores y la pintura tuvo
lugar en Francia, donde la monarquía creó
la Academia Royale de Peinture et de
Sculpture en 1648. (…) Los nuevos
reglamentos retrataban a los pintores o
escultores académicos como defendiendo
idealísticamente ‘dos artes que la 1648: Academia Royal de
ignorancia había casi confundido con
Pintura y de Escultura
profesiones inferiores’.
 Artista: um
No obstante, esta condición superior acordada a los
funcionário del
pintores de la Academia francesa supuso pagar el
Estado precio de la independencia, puesto que los convertía,
en esencia, en funcionarios del Estado.
Artista dependente
Itália: Salvator Rosa - ‘Búsquese usted un ladrillero,
que ellos trabajan por encargo’. (…) esta invocación
de su propia independencia por parte de Rosa
expresaba ‘una imagen del artista que sólo sería
cabalmente apreciada por los románticos del siglo
XIX. En su momento resultaba harto singular. El típico
pintor o escultor italiano seguía formando parte de
un taller que trabajaba por encargo.

Larry Shiner, La invención del arte, una historia cultural, p. 99.

¿Cuáles son los criterios que definían a un artista en esa época?

genialidad + reglas (inventividad +

razón)

Los elementos clave en la imagen renacentista del

artesano/artista siguieron vigentes: facilidad,
talento, entusiasmo, imaginación e invención. No
obstante hay cambios.

Johannes Vermeer, La joven de la perla'

El cliché según el cual el buen poeta necesitaba contar con talento
o ingenio y cumplir con reglas vino a expresar ahora la necesidad
de reglas y genio. Igual que genio, la idea de entusiasmo o
inspiración también se secularizaron. Las asociaciones que las
vinculaban con dotes sobrenaturales y que derivaban de modelos
bíblicos y de la tradición platónica fueron en gran medida
eliminadas. (…) Aunque tanto el genio como la inspiración eran
reconocidos como indispensables por los escritores del siglo XVII, no
se los colocaba por encima de la razón y el juicio sino coordinados
con ellos. p. 106
 peligros de la imaginación

Imaginación: no tenía elevada connotación como

ahora. Era considerada como receptáculos de
impresiones sensibles o facultad que mediaba
entre el cuerpo y la mente. Cuando la imaginación
no cumplía con su función como facultad para
retener las imágenes e incurrir en invención o
fantasía, pensadores como Hobbes, Descartes y
Pascal la declaraban causante de fanatismo, locura
o ilusión. p. 106 ‘La imaginación en un poeta es una
facultad tan salvaje e incontrolable que hemos de
mantenerla atada como a un lebre, de lo contrario
nos sacará de quicio.’ John Dryden p. 107
 Dado el papel central que ocupa la
EL ARTE IMITA imitación en la teoría del arte del
siglo XVII, los poetas, los pintores y
compositores no eran vistos como
‘creadores’ de belleza, sino como
quienes descubrían lo que ya estaba
allí. André Félibien y Roger de Piles:
Consideraban la obra del pintor
como una imitación inventiva de la
naturaleza y no como creación
imaginativa en el sentido moderno.
p. 107

Jacob Van Ruysdael, Molino de Wijk, 1670

Las clasificaciones en La división del conocimiento en ciencias,
bellas artes y humanidades, que a
transición nosotros nos parece tan natural, todavía
no se había impuesto, pese a que
empezaba a ser sugerida por algunos
pensadores puntuales. En el árbol del
conocimiento de Francis Bacon, basado
en las tres facultades (memoria, razón e
imaginación), la historia estaba
colocada como memoria, la filosofía
como razón y la poesía como
imaginación. Sin embargo, Bacon
carecía de una categoría de las bellas
artes que le permitiese colocar a la
poesía, la pintura y la música bajo un
único encabezamiento. p. 108
En un ensayo de 1690 describe una colección
perteneciente a un noble, formada por ocho pinturas
alegóricas de las artes liberales. Perrault sugiere que
estas ocho artes deberían ser llamadas en realidad
bellas artes, puesto que merecían ser admiradas y
cultivadas por un gentilhombre y marcada por el gusto y
genio. Es evidente que su idea de las bellas artes suena
notablemente parecida a la moderna idea de arte. Sin
embargo, las artes representadas en las pinturas
incluyen no solo la poesía, la oratoria, la música, la
arquitectura, la pintura y la escultura, sino además la
óptica y la mecánica. El hecho de que Perrault mezclara
lo que nosotros consideraríamos como radicalmente
separado en términos de arte y ciencia sirve para
ejemplificar el estado transicional de las clasificaciones
vigentes a finales del siglo XVII. 113 Charles Perrault
Funcionalismo del
arte
Así como durante el siglo XVII las clasificaciones de las artes todavía estaban en
transición hacia nuestras categorías modernas, lo mismo ocurría con la noción de
cada una de las artes individuales. La poesía, la pintura, la música y las demás
artes seguían siendo consideradas según su función, ya fuera para la instrucción,
el prestigio, el acompañamiento, la decoración y la diversión, al tiempo que
quienes comenzaban a apreciar la pintura y la escultura ‘por ellas mismas’
formaban una pequeña elite. Incluso en Italia, donde un cuerpo de especialistas
comenzaba a prepararse para juzgar los cuadros según sus méritos estéticos,
semejante actitud ‘realmente aparece en el siglo XVIII'. Un indicador del persistente
funcionalismo de las artes fue la ausencia de instituciones como el museo de arte,
el concierto o los derechos de autor que hoy en día sirven para que las obras de
arte se distingan del resto de los artefactos culturales.
P. 113-114
El gusto por un clasicismo

La pintura clasicista es una de

las tendencias o corrientes
pictóricas que se desarrolló
en el siglo XVII y representaba
una alternativa a la pintura
barroca. Como reacción al
manierismo de finales del
siglo XVI, surgieron en Italia
dos tendencias: el
caravaggismo y el clasicismo.

Nicolás Poussin, El Parnaso

1630 - 1631

Las musas Clío, Euterpe y Talía, Eustache Le Sueur, h.
1640-1645, Museo del Louvre, París.
El gusto por un clasicismo
Aunque las artes seguían siendo
consideradas ante todo por su utilidad
durante el siglo XVII, también hay
evidencias de que poco a poco se fue
imponiendo el papel del gusto. (…) Los
debates sobre el gusto en las artes se
movían en torno a un clasicismo
generalizado: la creencia de que había
que seguir modelos y los ideales
antiguos (…) para el clasicismo, la
pintura, la poesía y la música eran artes
de imitación, para las cuales el objeto es
lo bello natural, el medio es la razón, y el
fin, instruir a través del placer. P. 115
NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO
 Antes que pudiese establecerse la moderna categoría del arte era preciso
que se reuniesen y ganasen aceptación general tres cosas: un conjunto
limitado de artes, un término comúnmente aceptado para identificar con
facilidad el conjunto, y principios o criterios, que gozaran de acuerdo general,
para distinguir ese conjunto de todos los demás.

conjunto término criterios

poesía, pintura,
escultura, genio + imagación
bellas artes
arquitectura y placer versus utilidad
o artes educadas
música, + danza, +gusto
retórica o jardinería.
 En el siglo XVIII comenzó a
verse en el placer algo
sistemáticamente opuesto a
la utilidad como criterio, para
distinguir un grupo de las
artes liberales del resto, bajo el
nombre de ‘bellas artes’. No se
trataba de cualquier tipo de
placer: a lo largo del siglo la
idea de un placer refinado o
del gusto acabaría
transformándose en la
moderna idea de lo estético.
Con excepción del teatro y de la
Las nuevas instituciones
ópera casi todas nuestras
modernas instituciones de las
bellas artes se establecieron en el
siglo XVIII. (…) solo en el siglo XVIII
el museo de arte, la sala de
conciertos y la crítica literaria
adoptan los significados y las
funciones modernas y se
extienden por toda Europa.

Un factor institucional fue la

repentina proliferación de las
academias, que pasaron de ser
diez en 1740 a ser más de un
centenar hacia 1790.
 El grand tour
el nacimiento del turista
Otro indicador de la transformación
de las obras que hasta ese
momento eran funcionales en ‘arte’,
es la experiencia educativa, propia
de las clases altas, que los ingleses
llaman continental grand tour y que
los franceses y alemanes refieren
como viaje por Italia. (…) La pintura y
la escultura eran contempladas a
distancia, independientemente de
sus propósitos originales. (…)
estrechamente relacionado con el grand
tour de la nobleza y burguesía
acaudalada estaba el deseo de viajar,
ver la naturaleza y otras localidades, que
se desarrolló entre la clase media en la
segunda mitad de siglo. Se acuñó la
palabra turista. (…) el nuevo turista de
arte y visitante de museos necesitaba
contar con una guía para saber qué
cosas eran famosas o merecedoras de
atención. (…) con el auge de las
exposiciones destinadas al público
general, aparecieron las primeras
modernas historias del arte. (…) en 1764
J.J Winckelmann público el primer libro
en que se leía la frase ‘historia del arte’
en el título. P. 138-139
 Otros puntos a destacar

Separación entre alta (buena educación,

gentilhombre y dama) y baja cultura
(popular)
Expansión del mercado del arte (a medida
que iba aumentando la reventa de pinturas
a través de los marchantes y las
exposiciones, fue aumentando el número de
pinturas realizadas para ser vendidas en el
mercado, lo cual condujo a atraer el interés
en el estilo de un pintor y en su firma.)
El ideal de la obra de arte: la obra en
completa en sí, un pequeño mundo en sí
mismo dirá Goethe (artesanía es útil, tiene
un propósito fuera de sí)
Mujeres Mujeres: costura, canto, dibujo (hombres = intelecto)
Rousseau: ‘en general, las mujeres carecen de genio…
[porque] el fuego celestial que abraza el alma, la
inspiración arrebatadora que devora… siempre les
falta.’ William Duff: las mujeres eran incapaces de
genio porque les faltaba el ‘poder creativo y la
energía de la imaginación’.
Mary Wollstonecraft (Vindicación de los derechos de
la mujer – 1792): al aceptar la idea de que el genio
requiere de vigor físico, se pregunta si ‘las pocas
mujeres extraordinarias’ que han aparecido en la
historia ‘fueron espíritus masculinos, confinados por
error en estructuras femeninas.’
La nueva idea del genio en el siglo XVIII parecía
obligar a las mujeres a escoger entre ser un genio o
ser una mujer. (…)