Comparación obras


Springtime 50 x 65.5 cm

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL. MARCO HISTÓRICO:

Artista: Claude Monet
Año: 1872
Durante este año estaban teniendo lugar dos movimientos artísticos, el romanticismo
(1790-1880) y el impresionismo (1872-1882). Por una parte tenemos el romanticismo
que surgió en el momento en el que un grupo de personas se empezó a hartar del
racionalismo y la ilustración. Estas personas pensaban que el mundo era lo opuesto
a estas ideas, irracional, lleno de sentimientos y de imperfecciones, de ahí nace
el romanticismo. El romanticismo busca lo exótico, la fantasía, los sueños, la
rebeldía, la naturaleza, etc. por esta época comienza el nacionalismo.
A parte del romanticismo, este mismo año comenzó el impresionismo, cuyo nombre
justamente proviene de una pintura de Monet. El impresionismo busca resaltar la luz
y el color. Se caracteriza por centrarse en el conjunto y darle menos detalle a
ciertas partes del cuadro. En este estilo no se suele ocultar la pincelada.

DESCRIPCIÓN Y ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS :

Descripción:
El estilo de este cuadro es impresionista, ya que podemos ver claramente la
pincelada, además de que no se le da tanto detalle a las cosas mínimas si no que lo
importante es el conjunto.

Temática:
Este cuadro representa a la primera esposa de Monet, la cual se encuentra leyendo
un libro en una tarde de primavera en el campo.

Técnica: Óleo

ELEMENTOS FORMALES
Color: el cuadro esta principalmente formado por el blanco y el verde. El verde es
un color secundario. Los colores del cuadro no están muy saturados, sin embargo no
dejan de ser colores muy vívidos. En su mayoría se usan colores fríos, aunque tiene
unos toques amarillos en el fondo y rosas en el vestido de la mujer, dandole un
toque cálido.

La luz de este cuadro es natural ya que al estar en el campo la luz proviene del
sol. Es una luz suave, ya que accede a la escena a través de las plantas.

IMPORTANCIA CULTURAL:
La principal característica por la que este cuadro puede ser influyente, es por el
estilo, ya que representa muy bien el impresionismo que llevaba a cabo el artista.


Cristo en la tormenta en el mar de Galilea 128 x 168 cm

LOCALIZACIÓN ESPACIO-TEMPORAL. MARCO HISTÓRICO:

Artista: Rembrandt
Fecha: 1633
Esta obra fue pintada durante el barroco. La época del barroco comienza en el 1600
con el inicio el siglo XVII. Durante esta época hubo muchos cambios políticos,
religiosos, económicos, sociales, etc.
Debido a todo esto nace un estilo anti-clásico más pasional que racional que busca
sorprender, y a pesar de lo que puede parecer, se centra bastante el la realidad en
parte por la crisis económica. A pesar de basarse en la realidad, es una realidad
muy distorsionada y violenta.
DESCRIPCIÓN Y ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS :
Temática: El cuadro tiene temática religiosa. El cuadro narra una escena que sucede
en la biblia, en esta Jesucristo y sus discípulos se encuentran en un barco en
medio de una tormenta. Rembrandt representa en este cuadro como los discípulos
están aterrorizados frente a la gran tormenta, mientas Jesús está calmado ya que
tiene su fe. En este cuadro Rembrandt hace un juego con las luces y sombras dando
este efecto de tranquilidad e histeria.

Simbología: Como he comentado antes, el autor hace un juego con las luces y las
sombras, siendo la tormenta muy oscura lo que provoca ese terror, pero habiendo un
espacio para un poco de luz, representado la fe de Jesucristo y esa calma y
tranquilidad.

Técnica: Óleo

ELEMENTOS FORMALES
Composición: Respecto a la geometría de la obra podemos ver cómo el mástil es una
diagonal. Esta diagonal es una característica propia del barroco llamada diagonal
barroca. En esta obra no hay compensación de masas ya que toda la luz se centra en
un punto de la izquierda, mientras el resto es bastante oscuro, por lo que la
izquierda se lleva la atención.

Color: en su mayoría se utilizan colores terciarios y colores tierra, además de

contener bastante negro. No es un cuadro especialmente luminoso en la mitad
derecha, sin embargo dispone de bastante luz y claridad en la izquierda. En este
cuadro tenemos colores fríos en la parte de la oscuridad y colores cálidos en las
partes iluminadas.

Iluminación: La iluminación es natural, procediendo de el sol. Me inclino por decir

que la luz es directa al crear mucho contraste entre luces y sombras. En este
cuadro podemos apreciar la técnica del claroscuro creando ese dramatismo que la
obra necesita. La iluminación es lateral.

IMPORTANCIA CULTURAL:
Un dato a destacar sobre este cuadro es que después de pertenecer a varios
coleccionistas fue adquirido en 1898 por el Museo Isabella Stewart Gardner. Sin
embargo, en 1990 dos ladrones disfrazados de policías consiguieron robar este
cuadro junto con algunas obras de Vermeer. El museo en aquel entonces ofreció una
recompensa a cambio de información, sin embargo a día de hoy todavía no se tiene
pista sobre el paradero de esta obra.

CONEXIONES ENTRE OBRAS:

Estas obras son muy distintas la una de la otra, sin embargo comparten algunas
características entre sí.
La primera y principal es el soporte y el material, ya que ambas están pintadas con
óleo sobre un lienzo.
Por otra parte el estilo y la composición son muy distintos, al igual que los
colores empleados, sin embargo el tipo de luz es algo a destacar, ya que ambos
tienen luz natural, la cual se presenta de maneras muy distintas en las dos obras.