ANÁLISIS

LYDIA GARCÍA MALDONADO

PLÁSTICA
PROFESOR: ANTONIO GONZÁLEZ
RUIZ
ÍNDICE

1- INTRODUCCIÓN…………………………. pág 1

2- DESARROLLO…………………… pág 2,3,4,5,6,7,8

- Obras de Van Gogh
- Obras de Friedrich

3- CONCLUSIÓN………………………………………… pág 9

4- BIBLIOGRAFÍA……………………………………… pág 9
 1- INTRODUCCIÓN:
Para introducir este trabajo voy a explicar como utiliza el color, es decir su teoría del
color de cada pintor para conocer un poco más sobre ellos:

• Caspar David Friedrich: fue un pintor alemán, representante del Romanticismo

en su país, como es característico de la pintura romántica pintó sobre todo
óleos sobre lienzo En alguna ocasión utilizó el formato del retablo y empleó
el oro, a la manera de los artistas medievales. No obstante, inicialmente se
dedicó a hacer dibujos a la pluma, con tinta china y acuarela. A partir
de 1800 comenzó a utilizar preferentemente la tinta de color sepia. Perteneció
a la primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo, sino
que creaban por sí mismos. Su género preferido fue el paisaje y, dentro de él,
los temas montañosos y marinos. La renovación que Friedrich introdujo en el
género del paisaje no fue solo su realismo, sino también por su simbolismo.

• Vicent Van Gogh: Vincent van Gogh es quizás uno de los pintores
postimpresionistas más famosos en el mundo actual. Fue un pintor semi
autodidacta, a menudo asociado con colores vivos y llamativos debido a las
pinturas de su carrera posterior en Francia. Su teoría del color se basó en gran
medida en la yuxtaposición de colores primarios y secundarios. Es conocida
como la "ley del contraste simultáneo" y la contraposición de colores puros en
relación con colores muy agrisados. La segunda parte de la teoría del color de
Van Gogh es el uso de contrastes tonales y la relatividad del color. Los
contrastes tonales (no confundir con valores tonales), también conocidos como
tonos rotos, y la relatividad del color son aspectos importantes de la teoría del
color complementario. Los contrastes tonales, ocurren al mezclar colores
complementarios en proporciones desiguales. Esto hace que los colores se
destruyan solo parcialmente, lo que da como resultado un tono roto que será
una variedad de grises.
 2- DESARROLLO:

- Obras de Van Gogh:

LA NOCHE ESTRELLADA

Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas por sus formas
sinuosas y azules profundos.
En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos contrasta con la
enérgica composición del cielo, donde sus voluptuosas texturas y trazos en espiral
transmiten vivacidad y dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que la obra está
centrada en el cielo y no en la tierra.
Textura y contraste
La textura está implícita en “La noche estrellada”. Las gruesas pinceladas de van Gogh
provocan que la pintura parezca tener una textura rugosa. Las líneas pintadas en el cielo
y árboles en el fondo parecen ser tridimensionales. La textura crea contraste, y hace que
las colinas y estrellas de la pintura parezcan remarcadas en un plano distinto al resto de
los elementos. No hay planos de color, sino que éste se logra con infinidad de trazos de
pincel.
La pincelada define el contorno, la estructura y la descripción interna de cada elemento,
construyendo con esto el cromatismo.
Los trazos de las pinceladas son decididos y evidentes a simple vista, no sólo delimitando
planos, objetos y superficies, sino también direcciones de la luz, e insinuando una
atmósfera de gran carga energética.
Uso del color
El gran protagonista es el color azul. La variedad cromática no es muy grande y la luna
presenta el color complementario del azul: el naranja, por lo cual la vibración es intensa.
Los amarillos, grises y blancos están aplicados a manera de contraste o diafonía del
propio azul, que domina todo el cuadro.
Como composición, está dividida en dos partes: la inferior con la ciudad y las montañas
que abarca aproximadamente un poco más de un tercio del total del cuadro y la superior
con el cielo estrellado, que abarca los dos tercios restantes. Ambas zonas están ligadas
por los cipreses en el primer plano, cuya gama cromática oscila entre un verde azulado,
pasando por el pardo y unos ligerísimos toques de color casi blanco.
El amarillo brillante de la luna y estrellas se repite, creando un ritmo y trayendo balance
a la composición. El amarillo contrasta contra el azul del cielo nocturno y de la aldea, el
cual hace que el amarillo resalte aún más. El balance entre luz y oscuridad también crea
armonía en toda la obra.

LA COSECHA

La pintura está inundada de los tonos dorados y azules cálidos percibidos por Vincent
en el valle de La Crau, a las afueras de Arles. La composición está formada por
pinceladas en todas direcciones para plasmar las figuras, las cuales se sobreponen a un
cielo liso en color y textura. Se destaca el color amarillo en toda la obra.
 JARRÓN DE GLADIOLOS Y ASTER

El artista le escribe a un amigo contándole que el motivo es que no tenía dinero para
pagar a modelos. Este tipo de cuadros le daba la posibilidad de experimentar con
colores brillantes. En este cuadro el artista ha aplicado la pintura densa, lo que aporta
textura y relieve a la imagen. El color destacable es el azul y algunos tonos de rojo.

JARDÍN DE MONTMARTRE

Esta obra utiliza la técnica puntillista, aunque

más que con puntos pinceló el cuadro con
pequeñas rayas de pintura, aportando así
texturas con su estilo particular.
Destacan los colores fríos con tonos verdosos.
 -Obras de Friedrich:

MAÑANA DE PASCUA

Tiene colores secundarios, poco puros excepto el naranja, nos da la sensación de frío y
calidez a la vez, no presenta demasiada saturación debido a la niebla, en cuanto a la
luminosidad la observamos por la parte en la que está el sol.

EL ÁRBOL SOLITARIO
 Vemos que este cuadro tiene luminosidad por la parte de las montañas porque el
autor busca dar un efecto de nublado con las nubes, los colores que destacan son fríos
y nos dan la sensación de frialdad y soledad. No hay mucha saturación.
EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES

Poca saturación porque quiere dar efecto borroso con las nubes, bastante
luminosidad, colores fríos con sensación de profundidad, también se encuentra el
color amarillo, pero en menor proporción.

MOONRISE BY THE SEA

 Presenta bastante luminosidad, la saturación es muy potente por la parte del sol,
colores cálidos en los que destacan sobre todo el naranja y el amarillo, sensación de
calidez.

3- CONCLUSIÓN
Hemos visto como utilizan el color los dos artistas en los que hemos
comprobado que, Van Gogh utiliza colores más saturados y más luminosidad
que Friedrich en sus obras y que Friedrich da una sensación más realista en sus
cuadros que Van Gogh.

4- BIBLIOGRAFÍA
Vincent van Gogh, obras postimpresionistas, pintor holandés. (todocuadros.es)

FRIEDRICH CASPAR DAVID | artehistoria.com

Apuntes de clase.