Los Orígenes Del Arte Abstracto.

Los historiadores de arte típicamente identifican el comienzo del siglo 20 como un momento
histórico importante en la historia del arte abstracto. Durante este tiempo, los artistas
trabajaron para crear lo que definieron como “arte puro” – obras creativas que no se basaban
en percepciones visuales, sino en la imaginación del artista.

Entre las obras más influyentes de este período destacan “Imagen con un círculo” (1911) del
artista ruso Wassily Kandinsky y “Caoutchouc” de Francis Picabia (1909).

Cabe señalar, sin embargo, que las raíces del arte abstracto se remontan mucho más atrás.
Movimientos artísticos anteriores, como el impresionismo y el expresionismo del siglo XIX,
estaban experimentando con la idea de que la pintura puede captar emociones y subjetividad.

No tiene por qué centrarse simplemente en percepciones visuales aparentemente objetivas.

Volviendo aún más atrás, muchas pinturas rupestres antiguas, patrones textiles y diseños de
cerámica capturaron una realidad simbólica en lugar de intentar presentar objetos como los
vemos.

El arte prehistórico más antiguo, con sus símbolos geométricos y representaciones

simplificadas de animales y seres humanos, puede considerarse arte abstracto, y gran parte de
la historia del arte puede caracterizarse como una progresión desde esta abstracción inicial
hasta imitaciones cada vez más precisas de la realidad. No fue hasta el siglo XIX que los
artistas, consciente y en gran número, empezaron a avanzar en la dirección opuesta, de lo
naturalista a lo abstracto.

Cerca de mediados del siglo XIX, los artistas europeos comenzaron a experimentar con el color
y la forma de maneras audaces que sentarían las bases para el arte abstracto posterior.
Pintores románticos como J. M. W. Turner, por ejemplo, empleó técnicas de abstracción en su
búsqueda por representar el poder y la grandeza de la naturaleza. Turner’s Rain, Steam and
Speed – The Great Western Railway (1844) describe un tren que cruza un río a través de un
puente ferroviario, pero la imagen es esencialmente una explosión de vigorosas pinceladas
que representan la escena con un mínimo de detalle.

Pintores impresionistas como Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir también intercambiaron

los detalles naturalistas por la abstracción en sus pinturas, y sus temas a menudo se simplifican
considerablemente.

Incluso más que el puente ferroviario de Turner, los barcos, edificios y el agua de La impresión
de Monet, “Sol naciente” (1872) se reducen al uso económico de pinceladas y manchas de
color. Los críticos de este nuevo estilo bautizaron las pinturas como “impresionismo” porque
los cuadros sólo daban una impresión de realidad, en vez de una imitación de la naturaleza
completamente detallada.

Después de los impresionistas, el avance hacia la abstracción total comenzó en serio, a medida
que pintores como Vincent Van Gogh y Paul Gauguin comenzaron a privilegiar cada vez más el
color y la técnica sobre la representación precisa del mundo real; estos post-impresionistas
dieron un paso más allá del impresionismo, ya que, además de sus alteraciones de color y
textura, manipularon la representación del espacio tridimensional. Paul Cézanne fue aún más
lejos, tratando de reducir la representación de objetos reales a simples formas geométricas-
cubos, conos y esferas-y áreas planas de color.
Fauvismo y Dadaísmo

A principios del siglo XX, varios movimientos artísticos desarrollaron estilos que separaban
definitivamente al arte de su obligación de imitar el mundo real. Estos movimientos se
concentraban tanto en la técnica – los detalles de cómo poner la pintura sobre el lienzo –
como en la filosofía del arte mismo – si el arte debería tratar de poner pintura sobre el lienzo.
Cuando el polvo se asentó, el futuro de la abstracción en el arte estaba asegurado.

En el Salón de Otoño de 1905 en París, un grupo de artistas expuso pinturas que fueron
descritas por un crítico como obra de “les fauves”, o bestias salvajes. Las pinturas eran
extremadamente audaces en su uso de colores, tonos vibrantes que se parecían muy poco al
color del mundo real de sus sujetos. El más controvertido de los cuadros fue Mujer con un
sombrero de Henri Matisse.

Los rasgos verdes, amarillos y anaranjados del sujeto encajan en una paleta de colores que
también incluye púrpura brillante, azul y rojo. Aún más significativo en términos de
abstracción, el espacio de la pintura es decididamente poco realista; el fondo del cuadro es un
conjunto plano de manchas de color, y el sujeto en sí mismo está compuesto principalmente
de bloques de color.

Aunque no es un movimiento que fije específicamente la abstracción como meta, el dadaísmo

es importante en el desarrollo del arte abstracto debido a su intento de liberar el arte de las
tradiciones del pasado. Los dadaístas argumentaban que las tradiciones de la sociedad -que
incluían las tradiciones del arte- habían llevado al mundo a una época de guerra y que era
necesario romper con estas tradiciones. El arte dadaísta se posicionó como lo opuesto al arte
tradicional; donde el arte tradicional era hermoso, el arte dadaísta era ofensivo, y donde el
arte tradicional imitaba al mundo real, el arte dadaísta perseguía el absurdo.

La pieza más famosa del arte dadaísta es la Fuente de Marcel Duchamp (1917), un urinario que
Duchamp firmó y colgó en la pared de una galería.

Artistas Abstractos Su Influencia Temprana

Kandinsky (1866-1944) es considerado a menudo como uno de los artistas abstractos más
influyentes. Una visión de cómo su estilo se desarrolló a lo largo de los años es una mirada
fascinante del movimiento a medida que progresaba de lo representativo a lo abstracto puro.
También fue experto en explicar cómo un artista abstracto puede usar el color para dar un
propósito de trabajo aparentemente sin sentido.

Kandinsky creía que los colores provocan emociones. El rojo era vivaz y confiado; el verde era
pacífico con fuerza interior; el azul era profundo y sobrenatural; el amarillo podía ser cálido,
excitante, perturbador o totalmente loco; y el blanco parecía silencioso pero lleno de
posibilidades. También asignó tonos de instrumentos para cada color. El rojo sonaba como una
trompeta; el verde como un violín de posición media; el azul claro como una flauta; el azul
oscuro como un violonchelo, el amarillo como una fanfarria de trompetas; el blanco como la
pausa en una melodía armoniosa.

Estas analogías con los sonidos provienen del aprecio de Kandinsky por la música,
especialmente del compositor vienés Arnold Schoenberg (1874-1951).

Los títulos de Kandinsky a menudo se refieren a los colores de la composición o a la música,

por ejemplo,”Improvisación 28″ y “Composición II”.
El artista francés Robert Delaunay (1885-1941) perteneció al grupo Jinete azul de Kandinsky
(Die Blaue Reiter). Con su esposa, Sonia Delaunay-Turk (1885-1979), nacida en Rusia, ambos
gravitaron hacia la abstracción en su propio movimiento, el Orfismo o Cubismo Órfico.