LAS

VANGUARDIAS
ARTÍSTICAS
MEMORIA DE LA ACTIVIDAD

Miriam Martin Díaz

 ÍNDICE

ACTIVIDAD I: LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS ..................................................................... 3

Justificación teórica .................................................................................................................. 3
Sobre la obra .............................................................................................................................. 5
Obra finalizada .............................................................................................................................. 7
Reflexión ..................................................................................................................................... 8
2ª PARTE DE LA ACTIVIDAD – TÉCNICAS CONTEMPORÁNEAS.......................................... 10
Obra finalizada con técnicas contemporáneas .................................................................. 10
Justificación teórica ................................................................................................................ 10
Sobre la obra ............................................................................................................................ 11
Reflexión ................................................................................................................................... 14
BIBLIOGRAFÍA:............................................................................................................................ 16

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ACTIVIDAD I: LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

Justificación teórica :

La vanguardia elegida como base para la realización de esta obra es el expresionismo. El

expresionismo es considerado una de las corrientes vanguardistas más difíciles de definir.

Fue un movimiento artístico de vanguardia que surgió a principios del siglo XX en Alemania
y que se caracterizó por su enfoque en las emociones y la subjetividad. A continuación se
presentan algunas de las principales características del expresionismo en el arte:

1. Expresión emocional: "El movimiento [expresionista] se caracteriza por una fuerte

subjetividad, que se manifiesta en una pintura intensamente emocional" (Kleiner,
2013, p. 772).

2. Distorsión de la realidad: "La distorsión de la figura y la forma, el uso de líneas

angulares y contornos dislocados, y la exageración de la expresión se convirtieron en
características del estilo expresionista" (Arnason, 1986, p. 361).

3. Color intenso y contrastes: "Los expresionistas utilizaron un color violento, ácido y

explosivo, que a menudo contrastaba fuertemente con los tonos tierra o grises. El uso
del color también fue una forma de transmitir un estado de ánimo específico"
(Sprengel Museum Hannover, 2009, p. 28).

4. Abstracción y simplificación: "El expresionismo promovió la simplificación de la

forma y la figura, así como el uso de la abstracción para expresar emociones intensas"
(Buettner, 2013, p. 39).

5. Influencias del arte primitivo y el arte popular: "El arte primitivo y popular, así como
las formas de arte no occidentales, ejercieron una gran influencia en los artistas
expresionistas" (Klingsöhr-Leroy, 2012, p. 10).

6. Fuerte crítica social: "Los artistas expresionistas estaban interesados en cuestiones

sociales y políticas, y muchos de ellos utilizaron su arte para expresar críticas y
denunciar la injusticia social" (Arnason, 1986, p. 361).

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Así pues, el expresionismo se caracterizó por su enfoque en la emoción y la subjetividad, su
distorsión de la realidad, el uso de colores intensos y contrastantes, la simplificación de la
forma y la figura, la influencia del arte primitivo y popular, y su crítica social y política.

El artista que he utilizado como referencia es considerado el padre del expresionismo; Edvard
Munch.

Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego que se destacó por su estilo
simbolista y su exploración de temas como la angustia, la soledad, la enfermedad y la muerte.
Fue uno de los pintores fundadores del movimiento expresionista. Sus obras tienen un fuerte
componente emocional y han sido objeto de numerosas interpretaciones y análisis críticos.

Según Arnason (1986), Munch se inspiró en su propia vida para crear su arte: "Los temas de
la vida de Munch eran la soledad, la enfermedad, la muerte, el sexo y la angustia" (p. 400).
En su obra, Munch utilizó símbolos y alegorías para transmitir sus emociones y su visión del
mundo.

Munch también fue influido por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud y la filosofía de
Friedrich Nietzsche, como señala Buettner (2013): "Munch se sintió atraído por la filosofía de
Nietzsche y la teoría psicoanalítica de Freud, que exploraban la naturaleza de la mente
humana y la experiencia emocional" (p. 41).

Una de las obras más famosas de Munch es "El Grito" ("Skrik" en noruego), una imagen
icónica del arte moderno que ha sido objeto de muchas interpretaciones. Según Klingsöhr-
Leroy (2012), esta obra refleja la angustia y el miedo que sentía Munch en ese momento de
su vida: "La figura con la boca abierta y las manos sobre las mejillas parece estar gritando en
una especie de agonía existencial" (p. 29).

Munch también fue un diarista prolífico, y sus diarios personales han sido publicados en
varias ediciones. En ellos, el artista registra sus pensamientos y emociones, lo que
proporciona una visión fascinante de su proceso creativo.

En resumen, Edvard Munch fue un artista noruego que se destacó por su estilo simbolista y
su exploración de temas como la angustia, la soledad y la muerte. Su obra ha sido objeto de
numerosas interpretaciones y análisis críticos, y su legado sigue inspirando a artistas y
pensadores en todo el mundo.

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Sobre la obra :

El tema principal de la obra es “La mirada”. La mirada es un elemento fundamental en la

comunicación humana, ya que nos permite transmitir y recibir información a través de los
ojos. A través de la mirada, podemos expresar emociones, estados de ánimo, intenciones y
actitudes hacia los demás. Una mirada tiene el significado que nosotros queramos darle.

En mi obra, la mirada queda reflejada desde dos puntos de vista distintos. En primer lugar,
aquella mirada que no vemos, que le dedica la figura central a la ciudad. Una mirada que pasa
completamente inadvertida frente a la ciudad bulliciosa, repleta de actividad, de ruido, de
luces y de gente yendo y viniendo. Una ciudad que, pese al continuo movimiento no se
percata de la figura que les observa en silencio, que contempla la ciudad, rodeada de
personas, pero en completa soledad. Y en segundo lugar, tenemos la mirada de la valla
publicitaria, un simple anuncio de una marca de gafas. Dos ojos con anteojos, que observan la
ciudad con una mirada omnisciente que controla a la población que camina día tras día por
esas calles. Es una mirada vigilante, que lo ve todo y a todos, sin que los vigilados se
percatan de ello.

Dentro de la obra podemos encontrar diferentes elementos propios del expresionismo. La

distorsión de la forma (tan característica de Edvard Munch) se puede observar en los trazos
de la figura que contempla la ciudad, las curvas de los edificios y el paso de peatones, y en
los colores del amanecer. Los colores utilizados son vivos, la ciudad está rodeada de luz. El
aspecto fantasmagórico de la multitud que deambula por las calles.

El proceso de realización de la obra ha sido el siguiente:

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Obra finalizada:

En mi obra he trasladado algunos elementos de las obras de Munch y del expresionismo. Los
trazos del cielo son curvos, combinando los colores entre ellos para crear un amanecer en la
ciudad. La figura central, al igual que el protagonista de la obra de “El Grito”, es una forma
andrógina, sinuosa y distorsionada, con los trazos igualmente mezclados para dar una

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sensación de caos. La muchedumbre representada a través del color gris, otorgándole una
sensación fantasmagórica, tan propia del expresionismo, y dándole además todo el
protagonismo a la figura que se encuentra de espaldas al espectador. Se puede apreciar el
contraste entre los colores vivos de los edificios, las luces, el cielo y el gentío.

La técnica utilizada ha sido la acuarela de pastilla, sobre un lienzo tamaño A3 de 370 de

gramaje.

La acuarela es una técnica de pintura en la que se utilizan pigmentos mezclados con agua. Se
caracteriza por su transparencia y fluidez, lo que permite una gran variedad de efectos.
Debido a su naturaleza acuosa, los colores pueden ser superpuestos y mezclados para crear
gradaciones suaves y transiciones sutiles.

La técnica de la acuarela es muy versátil y se puede utilizar en una amplia variedad de estilos
y temas, desde paisajes y retratos hasta abstracciones. También es una técnica popular entre
los artistas debido a su portabilidad y facilidad de uso en el campo o en espacios reducidos.

En conclusión, la técnica de la acuarela es una técnica de pintura popular y versátil que se

utiliza en una amplia variedad de estilos y temas. Su transparencia y fluidez permiten una
gran variedad de efectos y transiciones sutiles.

Reflexión :

A la hora de realizar esta obra, tenía claro desde el comienzo cómo quería transmitir el tema
de “la mirada”. No obstante, se me ocurrían dos opciones; una ciudad bulliciosa contemplada
por una niña, donde la muchedumbre era completamente ajena a esta introspección, y una
ciudad con un su ir y venir, su ajetreo de coches, de luces y señales, siendo observada
también por unos ojos enmarcados por unas gafas en una valla publicitaria, pendiente de cada
movimiento que se hace bajo ella.

Al final, me decidí por hacer una versión combinada de las dos ideas, dándole más
protagonismo a la de la niña, que al final resultó ser una figura andrógina, sin género, pero
añadiendo el detalle de la valla publicitaria.

Decidí situar la obra al amanecer para, junto a los altos edificios y la muchedumbre por las
calles, dar la sensación de un ambiente caótico y frenético que contraste con la figura

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calmada que observa en medio del paso de peatones. La elección de pintar a los caminantes
de color gris y darle un aspecto fantasmagórico sugiere una sensación de alienación y
desconexión con el entorno, tan centrados en su vida y sus quehaceres, ajenos a lo que les
rodea como almas en pena.

El hecho de que la figura sea a color y esté de espaldas al espectador, además de para dirigir
su mirada hacia la ciudad, transmite la sensación de que la figura está mirando hacia el
futuro, hacia lo que está por venir, saliendo de esa alienación en la que han caído los
ciudadanos.

Los ojos enmarcados en gafas que observan la ciudad desde lo alto de los edificios sugieren
una sensación de observación y control que contrasta con la de desconexión que transmite la
figura del paso de peatones.

Por último, la utilización de la acuarela durante la obra ha sido bastante sencilla y me ha

parecido muy acertada. Me ha permitido jugar con los colores, sobreponer una capa sobre
otra, hasta conseguir darle la profundidad que buscaba, o encontrar el tono adecuado.

Para haber sido la primera “obra real” que he realizado en mi vida, estoy bastante contenta
con el resultado. Quizá hubiera cambiado algún elemento, como el cielo, si hubiera tenido
total libertad a la hora de hacerla. Pero realmente ha sido interesante tener que añadir técnicas
o elementos de otros autores. He disfrutado durante el desarrollo, y estoy satisfecha con el
resultado obtenido.

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2ª PARTE DE LA ACTIVIDAD – TÉCNICAS CONTEMPORÁNEAS
Obra finalizada con técnicas contemporáneas :

Justificación teórica :

Para la realización de esta obra he tomado como referencia dos artistas contemporáneos:
Bernard Pras y Michael Paul Smith.

Bernard Pras es un artista francés nacido en 1952, conocido por sus esculturas y collages en
los que utiliza objetos cotidianos y materiales encontrados para crear obras de arte
impresionantes. Su técnica se conoce como "anamorfosis", que se refiere a la distorsión de
una imagen en una superficie plana para que solo sea visible cuando se ve desde un punto de
vista específico.

Pras utiliza materiales diversos como juguetes, objetos de desecho, utensilios de cocina,
herramientas, cartones, plásticos y ropa, entre otros, para crear sus obras de arte. Estos
materiales se combinan y organizan cuidadosamente para formar una imagen reconocible
sólo desde un punto de vista específico. El espectador debe moverse alrededor de la obra para
apreciarla completamente.

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El trabajo de Bernard Pras es conocido por su originalidad y creatividad, y ha sido reconocido
internacionalmente por su enfoque innovador y la habilidad técnica que demuestra en sus
obras de arte.

Por otro lado, Michael Paul Smith es un fotógrafo y artista estadounidense nacido en 1950,
conocido por sus fotografías en miniatura de escenas urbanas y rurales que recrea utilizando
maquetas y objetos encontrados. Smith comenzó a crear estas miniaturas como una forma de
recordar su infancia y su ciudad natal, pero su trabajo ha ganado fama internacional.

Smith crea sus escenas utilizando materiales cotidianos como cartón, papel maché, madera y
plástico. Las miniaturas que construye son increíblemente detalladas y realistas, y Smith
utiliza efectos de iluminación y ángulos de cámara creativos para hacer que sus fotografías
parezcan imágenes de la vida real. Además, Smith retoca digitalmente sus fotografías para
añadir detalles y efectos de iluminación.

El trabajo de Michael Paul Smith es conocido por su atención al detalle y su capacidad para
crear escenas que parecen verdaderamente auténticas. Su uso de objetos encontrados y
materiales de bajo costo es una prueba de su habilidad artística y creatividad.

Sobre la obra :

Para la creación de la obra, he partido la temática trabajada en la actividad anterior, y de la

obra ya realizada. He decidido llevar la pintura al mundo real, representando la ciudad con
materiales reciclados como briks de leche, cajas de cartón, hueveras, y demás cartones y
plásticos que tenía por casa. En uno de los envoltorios que he colocado sobre los edificios he
dibujado a mano unos ojos enmarcados por unas gafas, en referencia al cartel publicitario de
la obra anterior. El paso de peatones son tiras de papel recortadas.

Así mismo, también he utilizado miniaturas de juegos de mesa, todas ellas grises, para recrear
la muchedumbre, las personas que caminan por la ciudad y el paso de peatones. Finalmente,
en el centro de la imagen, he colocado una miniatura más, la única a color.

He utilizado un fondo blanco que tenía por casa, aunque no llegaba a cubrir todo el escenario.

En cuanto a la relación con la obra anterior, puedo decir que es una representación bastante
exacta, con algunos cambios, pero que mantiene la temática de “la mirada”. Le he añadido la

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crítica al consumo excesivo de plásticos y cartones a través de la ciudad representada por
estos mismos.

El uso de cartones y materiales reciclados es una característica en común con las obras de
Bernard Pass, mientras que la muchedumbre representada por miniaturas de juguete es más
bien propia de Michael Paul Smith.

Bocetos de la obra :

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Reflexión :

Hacer la segunda parte de la obra ha sido mucho más difícil que la anterior. Para la anterior,
prácticamente desde el primer momento supe qué quería representar, y con mis habilidades
actuales no me suponía un gran problema. Sin embargo, a la hora de hacer la segunda parte
no tenía ni idea de cómo representar la primera obra con técnicas contemporáneas.

Pensándolo bien, debería ser más rápido y sencillo, son técnicas a las que estamos más
“acostumbrados” a utilizar y a ver cada día: videos, fotografías, collages, etc. Pero me era
imposible trasladar la idea de mi obra anterior a métodos más tradicionales.

Finalmente, me centré en representar la escena tal cual, pero añadiendo elementos reciclados,
aportándole una perspectiva ecológica y sostenible, y criticando el excesivo consumo de
plásticos y cartones en nuestro día a día. En uno de ellos pinté unos ojos enmarcados por unas
gafas. Este ámbito pretende ser una crítica al consumismo, al derroche de objetos de usar y
tirar; conseguí todos esos cartones y plásticos en apenas 5 días de empezar a guardarlos en
casa.

Por otra parte, me enfrentaba a la problemática de cómo representar a la multitud de la

ciudad. Pensé entonces en utilizar todas esas miniaturas de los juegos de mesa que tanto me
gustan. La mayoría de ellas son monstruos y criaturas horribles, pero como mi intención era
difuminarlos, no me preocupaba. Además; eran grises.

Finalmente, pinté una de ellas a color; esa sería mi figura central, colocada sobre un paso de
peatones hecho con tiras de papel.

A la hora de tomar las imágenes, fijé el objetivo en la figura andrógina, de manera que el
resto de la imagen se viera borrosa. Así, todo el protagonismo caería sobre la figura, y la
mirada que ésta dedica a la ciudad. A través de una aplicación de edición (Procreate) pinté el
fondo de blanco, subí la saturación, el contraste y la claridad de la figura central para que
fuera el centro de atención principal y superpuse la mirada de las gafas, de forma que se viera
enfocada entre todos los edificios desenfocados.

Lo más complicado de realizar sobre esta obra fue, sin lugar a dudas, pensar cómo la iba a
hacer. Una vez que tuve la idea, el resto fue mucho más sencillo.

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El hacer una fotografía me ha permitido jugar con los distintos modos que tiene, y ni sabía
que tenía, mi móvil. La aplicación de edición la he usado en varias ocasiones, así que no ha
sido muy complicado conseguir lo que me proponía.

En definitiva, el reto más grande ha sido llevar la idea original a las técnicas contemporáneas.
Personalmente, me ha gustado más realizar la primera parte del trabajo. En mi caso, me gusta
dibujar y pintar, no se me da especialmente mal, disfruto haciéndolo y me relaja mucho.

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BIBLIOGRAFÍA:
Kleiner, F. S. (2013). Gardner's Art through the Ages: A Global History. Cengage Learning.

Sprengel Museum Hannover. (2009). Expressionism. Hatje Cantz Verlag.

Arnason, H. H. (1986). A History of Modern Art. Harry N. Abrams, Inc.

Buettner, S. (2013). The Art of Excess: Expressionism. Parkstone International.

Klingsöhr-Leroy, C. (2012). Expresionismo. Taschen.

Behr, S. (2000). Expresionismo: Movimientos en el Arte Moderno (Serie Tate Gallery).

Ediciones Encuentro, S.A.

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