INVESTIGACIÓN PINTOR Y CORRIENTE

PICTÓRICA

AUTOR: katsushika hokusai

NOMBRE DE LA OBRA: La gran ola de

Kanagawa
DIMENSIONES: 25 cm x 37 cm
FECHA: Entre 1830 - 1833

-CORRIENTE PICTÓRICA: Ukiyo - e

-CUANDO SURGE: Desarrollado entre los siglos
XVII y XX
.
-PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DE ESTA
CORRIENTE PICTÓRICA:

 Los grabados japoneses tuvieron una

influencia mucho mayor en el arte
moderno de lo que a menudo se imagina.
Si su apogeo en Japón fue a finales del
siglo XVIII, en la segunda mitad del siglo
XIX los europeos lo “descubrieron” y se enamoraron de él.
 Las principales características son: un diseño claro, con bordes bien definidos; Color sólido en gran superficie, con intensidad y
brillo; ver marcos asimétricos descartados (y proyecciones parciales); Gran capacidad de síntesis.
 Los temas generales son los paisajes, el teatro, los actores y las mujeres de solaz. A través de la investigación también
encontraremos muchos actos sexualmente explícitos. Esto se debe a que las obras originalmente formaban parte de guías de
género (se les llamaba "shugans").
 Desde el impresionismo, los principales artistas y movimientos se han endeudado profundamente con los grabados japoneses.
Podemos pensar en Monet inspirado en el Pond Painting o en Gauguin y sus colores simples y "discretos". O, mirando el cuadro
que representa, se pueden ver los carteles de Toulouse-Lautrec publicados allí (hace un siglo), los retratos femeninos del
Modernismo y la pintura del Profeta.

ANÁLISIS DE LA OBRA:
Vemos una representación típica de yoko-e, es decir, una composición formada por un paisaje formado por tres elementos principales, en
este caso: el mar, las montañas y los barcos. En primer plano, notamos el nacimiento de la ola y en el fondo, la gran ola da nombre a la
imagen. Pero un elemento destacable es el cerro del fondo, un poco más a la derecha de la composición. Vemos la alta cumbre que nos
permite darnos cuenta de que el lecho rocoso es el monte Fuji, que está lejos del paisaje, es el personaje principal como un mar
tormentoso y se ha convertido en un símbolo de otras obras de arte durante muchos años. Por ello, se ha convertido en un símbolo
definitorio de la identidad japonesa, convirtiéndose en un símbolo del arte nacional entendido como una idea sagrada y símbolo de la
belleza natural.

Empezando por olas y montañas, ahora podemos situarnos en un espacio determinado, que en este caso corresponde a Japón. Es
interesante ver como la sociedad japonesa ha decidido, a través de la tradición artística, a lo largo de los años, que el monte Fuji será lo
que les defina y hoy, ver un producto con esta característica nos trasladará directamente a la tierra de Japón. De esta forma, a través del
fenómeno mental de asociar y relacionar imágenes, podemos obtener el significado y la esencia de lo que vemos. El tercer elemento
mencionado son los barcos, tres oshikuri bons, que son lanchas rápidas que se especializan en transportar pescado vivo desde la
Península de Izu-e Bosu hasta los mercados del Golfo de Edo. Vimos estos tres barcos en medio de la tormenta, amenazados por las
olas embravecidas. Cada barco está tripulado por ocho trabajadores, más dos en la parte delantera del barco, por lo que tenemos un total
de treinta personas en riesgo.

Notamos que el hombre se enfrenta directamente a la naturaleza, una naturaleza salvaje e inquieta que puede interpretarse como el
castigo de los dioses a los barcos.

Continuando con el oshiokuri-bune, donde van los personajes, hay dos lecturas posibles dependiendo de la fuente del trabajo. Un
observador occidental podría explicar que los barcos estaban tratando de alejarse de la tormenta, tratando de ir a la derecha y huyendo
del mar. De derecha a izquierda vieron como los barcos se dirigían directamente hacia la tormenta, es decir, hacia las olas. Esta tormenta
marina, como apuntábamos al principio, es el punto focal de la gran densidad de la formación, medida en la gran ola que ocupa un área
mayor en el marco representativo. Notamos el punto más alto de la ola, capturado en toda su grandeza y congelado en su forma espiral
inherente, que se interpreta como un marco simbólico de la verdadera señal de la imagen: el monte Phu Si. El artista y autor de la obra,
Hokusai, experimentó el terror indómito del océano que envolvió a su país.

A través de esta experiencia, el autor pudo captar su brutalidad, el poder del agua casi llegando al cielo. En este momento, sus
expresiones faciales eran muy apropiadas, ya que el tormentoso mar azul oscuro se mezcló con la misma espuma de mar blanca que
estalló y se estremeció. También es característica la cresta de la ola, que es espuma, cuya forma se asemeja a la pata de un animal,
acentuando la brutalidad del mar, del que caen gotas. Debemos tener en cuenta que el arte no imita directamente a la naturaleza, sino
que el arte se encarga de llevar a cabo el proceso de expresarla. Vemos en la obra de Hokusai que no hay una pincelada de estilo
naturalista caracterizada por una poderosa gráfica alejada de la realidad, sino que representa la esencia de la escena y tiene verdad en
su expresión.

En otras palabras, ante esta particular obra abstracta, el observador puede aprender sobre el mar, los pescadores, los trabajadores de
sus barcos, y la gran montaña. En este punto debemos recordar a Nietzsche, quien decía que el arte grabado en la naturaleza misma es
arte y contiene en sí mismo motivos estéticos. De esta forma, Hokusai recibe impresiones directas del entorno natural, absorbiendo y
plasmando en medio del arte y creando su propio arte, con la técnica y forma que presenta, la más adecuada para representar su origen
y el poder del mar.
INVESTIGACIÓN PINTOR Y CORRIENTE PICTÓRICA

AUTOR: James Jane

NOMBRE DE LA OBRA: Forager III, 2021

DIMENSIONES: 58.4 x 47 cm
FECHA: 2019

-CORRIENTE PICTÓRICA: Arte Visual

-CUANDO SURGE: Desarrollado entre los siglos XVII y XX
.
-PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DE ESTA
CORRIENTE PICTÓRICA:

 Transdisciplinariedad: El término significa que las artes

visuales se mueven de un campo a otro, en lugar de
limitarse a un campo o respetar los "límites" entre
ellos. En principio, cualquier estilo, forma o tradición
puede utilizarse y combinarse con cualquier otra
práctica.
 Las artes visuales tienden a reciclar y resignificar
tendencias y descubrimientos pasados o tradicionales
con nuevas capas de significado a través de giros e
intervenciones satíricos.
 Se las arregla muy bien en la fantasía desordenada y contaminante de la globalización, donde muy pocas cosas se consideran
'puras' o 'inmutables' y donde se valora la mezcla y el atrevimiento.
 Estrategias de gestión de la exposición. No se contenta con museos y espacios elaborados, sino que penetra en la ciudad, en
busca de un público, requiriendo muchas veces de él alguna colaboración o complicidad para dar forma a la obra.

ANÁLISIS DE LA OBRA:

El Forager se encuentra con el Little Goblin Council en un valle forestal, meticulosamente iluminado con follaje 3D y detalles
dimensionales. Esta elaborada impresión representa otro paso en nuestro proceso: después de muchas investigaciones y pruebas,
finalmente hemos podido lograr el excepcional brillo del rocío que una vez soñó. Podemos encontrar en su obra una variedad de
estilos, técnicas y soportes. Las comisiones son una gran parte de su trabajo, pero también tiene la oportunidad de mostrar su trabajo
personal. Debido a la gran capacidad, cambiar el registro no parece ser un problema. En general, sus ilustraciones se adentraban en
el país de los sueños, refiriéndose constantemente a recuerdos pasados de la cultura asiática y su infancia. Se podría decir que en
ocasiones coquetea con el surrealismo figurativo a través de sus planos que podrían recordarnos a Dalí y que el uso de pinceladas o
trazos alude a la escritura espontánea y en menor medida a la moción painting.

Su conocimiento de las técnicas fotográficas no solo le permite afianzarse en una. Sus cuadernos están llenos de hermosos dibujos,
hábilmente dibujados con bolígrafos. Para su mayor trabajo, a menudo combina acrílico, aceite y pan sobre tela o madera. Para la
mayoría de sus trabajos para publicaciones, el carbón a menudo se usa en papel, ya que ofrece color y textura gracias a los recursos
digitales. En cuanto la pintura, es especial, podemos observar que los colores son coloridos y llamativos, sobre todo, los colores son
brillantes en ciertas zonas, en ello podemos observar que el pintor hace énfasis en las imágenes claras y específicas, Las imágenes
que el pintor usa rozan con lo imaginario Las técnicas de este artista variaron y con el tiempo se alejó de lo digital, técnica que utiliza
para combinar tinta y crayones o procesos acrílicos, hasta hoy resuelve su obra casi exclusivamente en óleo sobre lienzo y lleva sus
exploraciones al gran formato, incluidos los murales. Esta es una pequeña plantilla de diseño gráfico de James Jean, un artista
recomendado tanto para los interesados en la ilustración como para los interesados en el dibujo. Explica en sus redes, además de sus
trabajos terminados, sus dibujos y estudios previos, en los que queda claro que no deja lugar a oportunidades en el proceso. Hacer su
obra. Podemos observar que la textura con la cual se hace diseña es muy liza, permitiéndonos establecer una línea de
´procesamiento completamente diferente, es decir que esto nos ayuda a establecer una verdadera línea em la cual se aprecia un
plano mas histórico. es la representación de pigmentos mezclados con otros elementos.

En realidad, son los símbolos sensoriales de los valores, la simetría, el ritmo, la textura y los valores de color para comunicar un
mensaje. El segundo se ocupa de los estímulos visuales, los efectos de la luz visible percibida, y los interpreta de acuerdo con su
conocimiento previo y estado de ánimo. El arte puede dar una sensación de armonía, con significados indudablemente relacionados
con el entorno en el que se muestra. Solo podemos definir una mezcla de estilos o estilos que representen distintas corrientes y
movimientos artísticos, así como distintas épocas, para el desarrollo de la obra. El artista se asocia con obras que tienen lugar en el
resto del mundo, lo que le otorga un retorno estético y diversidad cultural en sus obras.
INVESTIGACIÓN PINTOR Y CORRIENTE PICTÓRICA

AUTOR: James Jane

NOMBRE DE LA OBRA: Forager III, 2021

DIMENSIONES: 58.4 x 47 cm
FECHA: 2019

-CORRIENTE PICTÓRICA: Arte Visual

-CUANDO SURGE: 2000
.
-PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DE ESTA
CORRIENTE PICTÓRICA:

 Transdisciplinariedad: El término significa que las artes

visuales se mueven de un campo a otro, en lugar de
limitarse a un campo o respetar los "límites" entre
ellos. En principio, cualquier estilo, forma o tradición
puede utilizarse y combinarse con cualquier otra
práctica.
 Las artes visuales tienden a reciclar y resignificar
tendencias y descubrimientos pasados o tradicionales
con nuevas capas de significado a través de giros e
intervenciones satíricos.
 Se las arregla muy bien en la fantasía desordenada y
contaminante de la globalización, donde muy pocas cosas se consideran 'puras' o 'inmutables' y donde se valora la mezcla y el
atrevimiento.
 Estrategias de gestión de la exposición. No se contenta con museos y espacios elaborados, sino que penetra en la ciudad, en
busca de un público, requiriendo muchas veces de él alguna colaboración o complicidad para dar forma a la obra.

ANÁLISIS DE LA OBRA:

El Forager se encuentra con el Little Goblin Council en un valle forestal, meticulosamente iluminado con follaje 3D y detalles
dimensionales. Esta elaborada impresión representa otro paso en nuestro proceso: después de muchas investigaciones y pruebas,
finalmente hemos podido lograr el excepcional brillo del rocío que una vez soñó. Podemos encontrar en su obra una variedad de
estilos, técnicas y soportes. Las comisiones son una gran parte de su trabajo, pero también tiene la oportunidad de mostrar su trabajo
personal. Debido a la gran capacidad, cambiar el registro no parece ser un problema. En general, sus ilustraciones se adentraban en
el país de los sueños, refiriéndose constantemente a recuerdos pasados de la cultura asiática y su infancia. Se podría decir que en
ocasiones coquetea con el surrealismo figurativo a través de sus planos que podrían recordarnos a Dalí y que el uso de pinceladas o
trazos alude a la escritura espontánea y en menor medida al motion painting.
Su conocimiento de las técnicas fotográficas no solo le permite afianzarse en una. Sus cuadernos están llenos de hermosos dibujos,
hábilmente dibujados con bolígrafos. Para su mayor trabajo, a menudo combina acrílico, aceite y pan sobre tela o madera. Para la
mayoría de sus trabajos para publicaciones, el carbón a menudo se usa en papel, ya que ofrece color y textura gracias a los recursos
digitales. En cuanto la pintura, es especial, podemos observar que los colores son coloridos y llamativos, sobre todo, los colores son
brillantes en ciertas zonas, en ello podemos observar que el pintor hace énfasis en las imágenes claras y específicas, Las imágenes
que el pintor usa rozan con lo imaginario Las técnicas de este artista variaron y con el tiempo se alejó de lo digital, técnica que utiliza
para combinar tinta y crayones o procesos acrílicos, hasta hoy resuelve su obra casi exclusivamente en óleo sobre lienzo y lleva sus
exploraciones al gran formato, incluidos los murales. Esta es una pequeña plantilla de diseño gráfico de James Jean, un artista
recomendado tanto para los interesados en la ilustración como para los interesados en el dibujo. Explica en sus redes, además de sus
trabajos terminados, sus dibujos y estudios previos, en los que queda claro que no deja lugar a oportunidades en el proceso. Hacer su
obra. Podemos observar que la textura con la cual se hace diseña es muy liza, permitiéndonos establecer una línea de
´procesamiento completamente diferente, es decir que esto nos ayuda a establecer una verdadera línea em la cual se aprecia un
plano más histórico. es la representación de pigmentos mezclados con otros elementos.

En realidad, son los símbolos sensoriales de los valores, la simetría, el ritmo, la textura y los valores de color para comunicar un
mensaje. El segundo se ocupa de los estímulos visuales, los efectos de la luz visible percibida, y los interpreta de acuerdo con su
conocimiento previo y estado de ánimo. El arte puede dar una sensación de armonía, con significados indudablemente relacionados
con el entorno en el que se muestra. Solo podemos definir una mezcla de estilos o estilos que representen distintas corrientes y
movimientos artísticos, así como distintas épocas, para el desarrollo de la obra. El artista se asocia con obras que tienen lugar en el
resto del mundo, lo que le otorga un retorno estético y diversidad cultural en sus obras.
INVESTIGACIÓN PINTOR Y CORRIENTE PICTÓRICA

AUTOR: Paul Cézanne

NOMBRE DE LA OBRA: Una moderna Olimpia

DIMENSIONES: 46 x 55´5 cm
FECHA: 1873

-CORRIENTE PICTÓRICA: Neoimpresionismo

-CUANDO SURGE: Hacia finales del siglo XIX
.
-PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DE ESTA CORRIENTE
PICTÓRICA:

 Problema de tamaño
 Los modelos se construyen de acuerdo con una geometría de
bloques pura y bien definida (pero sin configuración). Preste
atención al orden y la claridad.
 Volviendo a la disposición cuidadosa de la imagen, aplique los
principios clásicos de composición. Aplicar firmemente el
principio de la fusión óptica: los tonos se dividen o separan en
primarios puros para que el ojo los reproduzca en una visión normal a distancia.
 Utilizando la técnica del punteado: las pinturas se dibujan con pequeños pinceles o puntos de colores sólidos para lograr una
fusión visual. Predicciones para cosas como puertos, bancos y escenas de circo (Signac).
 Se consideró que el artista debía utilizar únicamente los puntos básicos de color para plasmar toda una paleta de luz sobre el
lienzo. Además, todos los puntos deben ser de tamaño uniforme y corresponder al tamaño de la caja terminada. En algunos
casos, el recubrimiento continúa a través del marco.
 Los artistas creen que se pueden evocar estados de ánimo y emociones usando ciertas líneas y colores.
 El neoimpresionismo abandonó la construcción de volúmenes en claroscuro y el uso de la perspectiva tradicional para
construir el espacio pictórico. Como resultado, las obras neoimpresionistas parecen bastante planas y engorrosas. La duración
de este movimiento fue muy corta, aunque su concepto de color influyó en movimientos posteriores, como el fauvismo.

ANÁLISIS DE LA OBRA:

Paul Cézanne trató de lograr una combinación armoniosa de naturalidad, expresión individual y orden visual. Rechazó el idealismo en sus
temas y la tontería en su estilo. Representó el mundo con mayor precisión al disponer todo estructuralmente en formas simples y niveles
cromáticos. Todo es geométrico. Los dibujos de Cézanne son muy distintivos, todos combinados para formar un todo complejo, que
representa lo que el ojo puede ver y al mismo tiempo lo abstrae. La revolución es observar las cosas desde diferentes puntos de vista, lo
que lleva a fotografiarlas desde diferentes ángulos al mismo tiempo. Esta sincronicidad fue posteriormente adoptada por los cubistas.
Cézanne pinta despacio, lo que exige paciencia al modelo... como un cuadro aún vivo. De hecho, se podría decir que todo es tratado
como un objeto: una forma humana, un baño exterior, una manzana sobre una mesa, un paisaje: todo esto funciona por liberación,
reducción, enderezamiento. el tiempo.

En efecto, nos presenta sobre un lienzo a un artista de espaldas, que puede ser su propia representación, que le muestra la figura del
Olimpo, desnudo y dormido como en un sueño, pronto cubierto por su negrura. el asistente. Todo en un jardín abierto repleto de flores, lo
que también le da al lienzo un aire de fantasía sexual del autor. De hecho, en sus pinturas anteriores de su juventud, a menudo
presentaba una figura erótica. Precisamente durante estos años sus obras comenzarían a abandonar este tipo de contenidos y contextos,
coincidiendo con su exposición a los impresionistas.

La pintura de Cézanne contiene muchos elementos que aparecen en la obra de Manet, pero hay algunas diferencias: la doncella
desnuda, tendida sobre el papel blanco, el criado negro, que en este caso tiene la tarea de descubrir mostrar el encanto de la frente joven
de los clientes. Y las flores, en lugar de estar en un ramo, estaban dentro de un gran jarrón. El gato negro del cuadro de Manet se
convierte aquí en un gracioso perro negro. A la izquierda, Cézanne pinta una naturaleza muerta formada por una lámpara roja, un jarrón y
una manzana, símbolo tradicional de la tentación y que más tarde se convierte en la fruta favorita del artista en los planos. objeto. En el
cuadro de Manet, un cliente de una bella prostituta es el presentador del cuadro. A Cézanne le gusta meterlo directamente en la
composición: un elegante burgués que deja caer el sombrero al suelo con cariño. Así, nos hace entender que la mujer representada no es
una niña de carácter inmortal, sino una dama de su tiempo.

Detrás de la mujer blanca demacrada, una doncella negra, con un ramo de flores en la mano: era un lugar bastante común en ese
momento, para una doncella negra, tanto que la pintura de Manet escandalizó a la mujer solitaria en la que se había convertido. criada.
Para representarla con un sirviente negro, dijo que podía pagar los servicios. La mujer negra aparecía disfrazada de sirvienta: en Francia
en ese momento, la presencia de una sirvienta negra era un signo superficial de la riqueza de las familias ricas. Estos sirvientes eran
numerosos y la mayoría procedían del África francesa.