La temática que relaciona a estas tres obras es la unión.

La selección de
esta temática desde mi punto de vista considero que es un lazo entre 2
personas como también puede serlo entre 2 naciones. Por otra parte la
selección de estas obras y e estos artistas es producto de una investigación
«Retrato de Giovanni Arnolfini y su exhaustiva, y también la admiración que tengo por cada uno e ellos. Por un
esposa» lado Jan Van Eyck , un pintor flamenco que es capaz de trasformar un
contexto en pinturas tan realistas, y a demás de desenvolverse dentro de la
pintura gótica y evolucionarla siendo influyente posteriormente. Por otro
lado Marc Chagall por su gran talento al desarrollar grandes obras
“El beso ( 1859)” utilizando distintos estilos como el surrealismo, cubismo y vanguardismo. Y
finalmente Francesco Hayez por la historia que se encuentran mediante el
romanticismo que incluye en sus obras. Como un espectador mas del arte
considero desde mi punto de vista que el arte fue un medio importante para
“ Los recién casados de la torre que estos tres autores plasmen sus ideas, opiniones, contextos, emociones
Eiffel” dentro e su cuadros con cada pincelada, para que el mundo fuera testigo
(1938-1939) de su producción artística y esta siga persistiendo dentro de la sociedad a
pesar de que los años pasen. Por otro lado este estudio comparativo me
permitirá desarrollar diferentes habilidades para un buen análisis no solo de
estas tres obras si no también de muchas otras mas.
«Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa» (1434) El beso ( 1859) Los recién casados de la torre Eiffel (1938-1939)
Encontrado en Salir con Arte. Recuperado de: Encontrado en mas de arte. Recuperado de: Encontrado en: Jorge Barra. Recuperado de:
https://www.salirconarte.com/magazine/simbolismo-matrimonio- http://masdearte.com/especiales/francesco-hayez-un-italiano- https://jorgebarrauvideobodas.es/contacto/
arnolfini-van-eyck-va-mucho-mas-alla-lo-crees/ vero/

ARTISTA: Jan van Eyck ARTISTA: Marc Chagall

ARTISTA: Francesco Hayes
TAMAÑO: 0.82cm 0.60 m TAMAÑO:150 cm x 136,5 cm
TAMAÑO: 110 x 0,88 cm
UBICACIÓN: Galería Nacional UBICACIÓN: Centro Pompidou. París,
UBICACIÓN: Pinacoteca de Brera
PERÍODO: Renacimiento nórdico, primer Francia
PERÍODO: Romanticismo
renacimiento PERÍODO: Vanguardismo
TECNICA: oleo sobre lienzo
TECNICA: Oleo sobre tabla TECNICA:Óleo sobre tela
 Jan van Eyck un artista muy reconocido durante el siglo XV como uno de los mejores pintores de
la época en el norte de Europa. El nivel de destreza técnica que alcanzó este artista con la
pintura al oleo lo sitúa al lado de los grandes maestros italianos , lastimosamente solo
sobreviven 25 lienzos que ciertamente pueden ser atribuidos a este artista.Sus trabajos se
componen “fundamentalmente de retratos y escenas sacras, generalmente marianas.
Antiguamente se le atribuía el mérito de la introducción al oleo , aunque no se sabe muy bien, ya
que otros contemporáneos la usan también, pero es Jan van Eyck quien la lleva la técnica a sus
cotas más altas”(Crossato, 2019) .
Encontrado en Biografías y Vidas. Recuperado de: Plorón de Claus Sluter: Tres olientes:
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van__eyck.htm tratamiento de los paños Claus Sluter-akabrastro-1930
Encontrado en Artaula. Recuperado de:
IMPORTANCIA E IMPACTO DE LA OBRA EN LA SOCIEDAD https://artaula.wordpress.com/2010/03/12/claus-
sluter-o-la-invencion-del-naturalismo-expresivo/
Encontrado en WahooArth. Recuperado
de: ttps://es.wahooart.com/@@/8Y3HUZ-
Claus-Sluter-Tres-dolientes
El retrato del Matrimonio de Arnolfini es una de las obras mas celebres de Jan Van Eyck, fue pintado por el artista en
1434, varios años después de la mudanza del mercader Giovanni Arnolfini y su mujer Giovanna Cenami de Lucca a En esta obra se puede notar la forma del tallado de
Brujas. El artista conocido de la acaudalada pareja fue invitado a su boda y después se le pidió que realizara un fiel los pliegues de las telas en la piedra realizadas por
retrato del evento (Marbellí,2008).En un principio se creía que Jan Van Eyck inventó la pintura al oleo, sin embargo más Claus Sluter lo cual influye en el mismo estilo que
tarde se dice que la perfeccionó siendo así que esta técnica empleada y los detalles que lograba este artista con sus utiliza Jan Van Eyck al momento de pintar los pliegues
pinceladas tal y como se ve en el matrimonio de una pareja fueron de gran importancia ,dejando entre ver los lujos, la de las telas en la pintura.
moda y el estatus social en el que vivían los personajes, y también es importante destacar que Jan Van Eyck se plasmó a
si mismo como un testigo de la unión de estas personas, representada través del reflejo el espejo y su firma plasmada en Anunciación y
la pared como símbolo de autoría. La obra ha sido causante de mucha controversia dentro de la sociedad, puesto que Visitación
denota gran cantidad de simbolismo en los objetos presentes, a demás de mostrar por medio de su pintura las Encontrado en: AllPosters.
Recuperado de:
condiciones sociales en las que vivía la burguesía en plena edad media. https://www.allposters.co
m/-sp/Annunciation-and-
La clase social que dominaba en Bélgica durante el periodo de Visitation-1394-1399-

«Retrato de producción de la obra era la burguesía. Durante esta época la Posters_i13304657_.htm?

UPI=PTHXW90&PODConfig
Giovanni Arnolfini economía era muy avanzada y se basaba principalmente en la ID=8880730

y su esposa» producción de textilería de lujo y el comercio( debido a su

(1434) posición estratégica).Los burgueses e ese tiempo La forma y el diseño de los trajes mostrados en los
Encontrado en Salir con Arte. acostumbraban a realizar actos religiosos , e incultos, para ello cuadros y el uso de los colores contrastantes con las
Recuperado de:
https://www.salirconarte.com contrataban artistas que pudiesen retratar ichos actos para el figuras de sus pinturas de Melchior Broederlam
/magazine/simbolismo- disfrute el mismo. Tal es el caso de la esta magnifica obra fueron e gran influencia en los colores que usa Jan
matrimonio-arnolfini-van-
eyck-va-mucho-mas-alla-lo- donde mas que un acto religioso nos muestra la unión de dos Van Eyck como son los marrones, rojos, verdes y
crees/ personas para toda la vida. azules.
 Función y propósito:
Es importante mencionar que Jan Van Eyck trabajaba como pintor en la ciudad de Brujas para la clase burguesa cuando realizó sus obras. Jan Van Eyck se estableció en esta
ciudad y empezó sus trabajos e aquí también perfeccionó la técnica de la pintura al oleo, de manera que sus pinceladas le permitía representar con mayor precisión los
detalles y un mayor realismo en las figuras dentro de sus pinturas. De modo que “Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa” es la representación de las características
góticas flamencas del resto de sus obras como la naturalidad de los colores, la perspectiva de los objetos y figuras y la minuciosidad de los detalles. La producción de sus obras
con temáticas religiosas, retratos y escenas sacras en la mayoría de ellas , las utilizó con el propósito de representar los actos que acontecían , tal y como Jan Van Eyck a través
de esta pintura presenta una escena de interior, cuyos protagonistas son una pareja a punto de unirse en sagrado matrimonio. Por otra parte, Se ha reconocido al
representado como Giovanni, gobernador de Borgoña, comerciante y casado con Giovanna Cenami, hija de un banquero italiano. Sin embargo, algunos analistas han pensado
que puede ser su hermano Michele dado que la posición de las manos que unen los protagonistas, es decir, la mano derecha uno sobre la mano izquierda del otro, era la
correspondiente a los matrimonios morganáticos, los cuales se hacían cuando uno de los dos procedía de una clase social inferior y debía renunciar a los derechos de
herencia. (Cultura y Sociedad, Patrimonio , 2014), así también este artista tiene el propósito de mostrar la vestimenta y la economía de ese entonces.
Dentro de sus cuadros como se menciona
anteriormente su propósito era representar El matrimonio de Arnolfini y su esposa efectúa la
actos religiosos como en la obra “Virgen del función de: “Manifestar la posición económica
canónigo” y donde deja entre ver a la virgen social de la pareja; esto se puede evidenciar a
con un niño y a su alrededor a santos como través de la rica vestidura en ambos personajes,
manteniendo una conversación y algunos asi como también por el mismo recinto y en los
testigos. Así mismo se puede decir que Van objetos que aparecen en este. Esto va desde la
Eyck muestra el detallismo una vez más en las cama, el espejo, candelabro y otros objetos más.
formas y pinceladas de los pliegues en la
vestimenta de los personajes.
Nacimiento de Juan el Bautista “La anunciación” «Retrato de Giovanni
Encontrado en painting. Recuperado de: Encontrada en WikiArt. Recuperada de: Arnolfini y su esposa»
https://painting-planet.com/the-birth-of-john- https://www.wikiart.org/en/konrad- (1434)
the-baptist-by-jan-van-eyck/
witz/annunciation
Los personajes presentes en cada uno En esta obra “La anunciación” de Konrad Witz, Encontrado en Salir con
Arte. Recuperado de:
de sus obras representan la condición se puede notar la influencia de Van Eyck ,en https://www.salirconarte.
social de los hombres y mujeres de cuanto al concepto del espacio y el realismo en com/magazine/simbolism
distintas clases sociales. Así mismo los detalles de las vestiduras en los personajes, o-matrimonio-arnolfini-
van-eyck-va-mucho-mas-
trabaja con minuciosidad los detalles y Virgen del canónigo algo muy atrevido en la técnica de la época. No alla-lo-crees/
la naturaleza del color con pinceladas Encontrado en: Pinterest. Recuperado de: obstante su propósito era representar los
muy precisas para demostrar un mayor https://www.pinterest.es/pin/6309262290322 problemas de la realidad en pinturas
realismo de estas. 99041/ bidimensionales.
ANALISIS DE LAS CUALIDADES FORMALES DE LA OBRA Estructuralmente el Matrimonio de Alnorfini corresponde a una obra
asimétrica debido a que si trazamos una línea vertical los planos de la
obra son diferentes, por el lado izquierdo se encuentra el hombre y por
el margen derecho la dama. El ritmo que se puede apreciar en la obra es
lento como si el tiempo se detuviese, ya que al ver la posición de las
figuras protagonistas no da la impresión de que los personajes pueden
moverse en cualquier momento. Por otro lado esta obra dimensional
deja notar el trabajo minucioso de Eyck para realizar una impresión de
profundidad. El espacio utilizando dentro de esta obra está muy bien
proporcionado., pues la obra viene dada de una tripartición siguiendo la
regla de composición de los dos tercios. Eyck se encargó que los
personajes encajaran con las líneas de composición verticales
resaltándolos así como los puntos de atención del espectador. Así
mismo las partes cercanas a la intersección de las líneas resaltan la Imagen 1
Imagen 1.1 Imagen 1.2 Imagen 1.3 postura de los protagonistas. https://www.salirconarte.com/magazine/simbolismo-
matrimonio-arnolfini-van-eyck-va-mucho-mas-alla-lo-
Se puede distinguir las grandes líneas de composición de la obra crees/
predominando las líneas verticales rectas que separa los pliegues Es con esta estructura como Millet logra un equilibrio estructural en la obra y una ubicación simétrica de
del vestuario de ambos personajes de primer plano, mientras que en los elementos. Además se puede notar como la línea de horizonte coincide con la línea horizontal de la
segundo plano las líneas diagonales bien definidas tanto en la regla de los tres tercios. Según el método de estructuración de Rudolf Arheim denominado “Mapa
madera del piso como en muebles y paredes. Dentro de esta obra estructural” donde todos los cuerpos en aparente reposo son sometidos a
predominan los movimientos tanto verticales como envolventes, una fuerza hacia el punto de la intersección de las diagonales, horizontal y
como se puede apreciar en el vestuario de los personajes, la forma vertical trazadas siendo a partir de ello donde se nota el equilibrio visual de
el espejo, el candelabro, en las ventanas , la cama y el piso. la obra, El matrimonio de Arnofini es una obra desequilibrada en el sentido
de los cuadrantes superiores e inferiores.
Imagen 1.6
En cuadrante izquierdo, donde se encuentra Arnolfini y parte del cuerpo del perro como la ventana no
es comparable en cuanto al peso y equilibrio del cuadrante derecho de la obra , pues se presentan más
elementos: Las sandalias, las frutas, ventanas, cuerpo del perro y muebles conforman la mayor parte
de la habitación, mientras que en la derecha solo está la cama y el personaje femenino. Por otra parte,
según los cuadrantes superiores tampoco existe equilibro en cuanto al peso de la obra ya que en la
parte de arriba se encuentra mayor peso visual y en el caso de la obra es donde recaen más elementos
como en la parte izquierda ya mencionada. No obstante la obra si se encuentra en equilibrio y es
agradable al ojo del espectador pues intervienen factores externos como el color y el tamaño que se
Imagen 1.4 Imagen 1.5 encargan de equilibrar la composición, armonía de colores, estos serán tratados más adelante. Imagen 1.7
 El espacio es bidimensional y perspectiva tridimensional ,atmosférica y lineal, Eyck pretende transmitir sensaciones de profundidad y
volumen al utilizar la perspectiva y la relación del primer con el segundo plano. Contextualmente el espacio retratado en la obra es el
sagrado matrimonio entre Arnolfini y su ahora esposa, y atestiguando el pintor Eyck. En la obra predominan líneas rectas que transmiten el
estático momento de la sagrada unión entre estos personajes.

El espejo
Encontrado en apuntes. Recuperado de:
http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/gotico/pin
tura/van_eyck_matrimonio_arnolfini_detalles.htm
Dentro de la obra, la luz juega un papel muy importante, Eyck maneja la luz a detalle, convirtiéndola prácticamente en una luz
muy natural, pues ilumina dos planos diferentes de la obra. El primer plano es el que se encuentra tras los protagonistas e
ilumina las naranjas, la pared de fondo y parte de la cama , gracias a la luz que procede desde la ventana, mientras que en un
segundo plano la luz que va direccionada justo a los personajes procede de una segunda ventana, que se ve reflejada
mediante el espejo de la pared de fondo.

Para lograr volumen en la obra Eyck realiza una gradación de tonalidad en los ropajes de ambos
personajes, logrando con ello un efecto más realista por medio de los pliegues que sobre sale en cada
Imagen 1.8
vestimenta. al igual ocurre esto en los pliegues de la cama. Aquí ya se puede evidenciar el avance de

la técnica renacentista, como la profundidad mostrada en el vestido que abulta en torno al vientre de la mujer, y se extiende hasta
topar una cierta cantidad de piso, a demás de los planos, como el perro, los esposos y los muebles de atrás generan la sensación de
profundidad. Así mismo Eyck al diluir los colores, genera sombras y luces que ayudan a recrear diferentes planos, produciéndose
una variada perspectiva tanto en el fono con colores oscuros y claros en las esquinas. Ello genera profundidad en la escena.

COLOR Imagen 1.9 Imagen 1.10

Eyck domina el color en esta obra. Y aunque la paleta no es de un número amplio de colores , se ve una distribución
perfectamente equilibrada en toda la obras. Dentro e la obra se puede dividir los colores, por el lado derecho
predominan los colores primarios, como el rojo y verde, mientras que por la parte de la izquierda predominan los
colores terciarios, como marrón. Eyck modifica la gama de colores, es decir genera diferentes tonos de un mismo
color, tal y como sucede con el color rojo que se encuentra en algunas zonas más intenso , mientras que en otras
está más diluido y natural. Eyck trabaja las distintas tonalidades del color para generar equilibrio en toda la obra.

En la parte izquierda, Eyck trabaja con distintas tonalidades del marrón , ya que mezcla de rojo y verde , un color que
siempre se ha asociado con lo masculino, el realismo, la severidad y también sugiere edad y experiencia, algo que se
puede decir que se relaciona directamente con la experiencia el rico mercader.
Imagen 1.11 Imagen 1.12
 Francesco Hayez (1791-1882) Pintor italiano considerado como
el máximo exponente del romanticismo histórico en el siglo XIX
(Milán).Hayez desde muy niño se sumergió al mundo del arte
debido a que su tío Giovanni Binasco era negociante de arte
(conservaba una colección secreta de cuadros) quien le brindó
estudios para dicho trabajo. Por otro lado el estilo de Hayez se
encontraba a un paso del sentimentalismo romántico de la
época, un tanto clásico e ilustrado , este artista también se “Dánae recibiendo la lluvia de “Venus y Adonis”
oro”
Francesco Hayez introdujo en otros estilos menos predominantes. Francesco Encontrado en museo del prado. Recuperado
Encontrado e The met 150.
Hayez estuvo ampliamente influenciado por el contexto tanto de:
Encontrado en HA! Recuperado Recuperado de:
https://www.museodelprado.es/coleccion/obr
de: https://historia- social como político de la época. https://www.metmuseum.org/es/
a-de-arte/danae-recibiendo-la-lluvia-de- art/collection/search/437826
arte.com/artistas/francesco-hayez oro/0da1e69e-4d1d-4f25-b41a-bac3c0eb6a3c
En esta obra se puede ver la sensualidad y morbidez trabajada en los personajes
IMPORTANCIA E IMPACTO DE LA OBRA EN LA SOCIEDAD de de Tiziano Vecellio, lo cual influye en los cuadros de Hayez quién realiza con
mucho más realismo y detalle los desnudos dentro de sus pinturas
Las primeras obras de Hayez siguen el sabor moderado y popular de la
época y también el estilo, con influencias clásicas de Canova y Ingres y En esta escultura "Psique
"Psique reanimada por el
también de los maestros del Renacimiento. En la elección de los reanimada por el beso de
beso de Cupido"
temas, Hayez ofrece temas modernos colocados en contextos Cupido“ muestra una influencia
Encontrado en Pinterest.
medievales, inspirados en la historia nacional, la literatura, el teatro, Recuperado de:
en cuanto al estilo del
insertando claros mensajes patrióticos (Abisal, 2011). https://www.pinterest.es neoclasicismo utilizado por
/pin/7572381248153397 Hallez al momento e realizar el
78/?nic_v2=1a4EQw0HV
Las composiciones de colores que se distinguen en sus obras, por lo movimiento de las curvaturas en
general siguen mezclas muy atrevidas y llamativas, guiándose por las las figuras humanas, además al
“Rinaldo e Armida” igual que Antonio Canova por
reglas según los principios del equilibrio visual en el arte.
Encontrado en Reprodart. medio de las expresiones
Pero Hayez también utiliza los colores por lo general fríos y Recuperado de: faciales y corporales demuestra
degradaciones de los mismos, para generar una atmósfera muy natural https://www.reprodart.co
los sentimientos conectado con
con con terror. m/a/hayez-
francesco/rinaldo-and- las problemáticas sociales,
armida-4.html políticas de la época.
 Función y propósito:
Francesco Hayez era un apasionado por la historia , mantenía un interés suficientemente curioso para plasmarlo en cada uno de sus cuadros. Dentro de sus pinturas captó
minuciosamente las grandezas de grandes personajes. Hayez aprovechaba la barriada romántica en la que se encontraba sumergida Europa durante el siglo XIX, durante
este siglo El beso fue una de las pinturas italianas más famosas del siglo XIX .
La pintura El beso se encuentra ambientada en la Edad media, y está perfectamente relacionado con el contexto sociopolítico de Italia durante tales años. La pintura fue
realizada en 1859 por Hayez en la cumbre del Resurgimiento , durante la lucha por la unificación italiana. A simple vista la obra aparenta carecer de una crítica social o de
carácter político. Sin embargo en realidad esta pintura tiene un mensaje patriótico y político oculto. Existen ciertos aspectos políticos que se tuvieron en cuenta para poder
definir esta pintura. Italia, era una potencia con cierta insignificancia del continente europeo, pues se encontraba bajo dominio de los Habsburgo (Austria).
Hayez pintó El beso, desfigurando un tanto la temática de la conspiración y la lucha en contra del enemigo. Donde los poderosos distinguían un sentimental y pacífico beso,
muchos Mediterráneos percibieron la asociación entre los reinos de Piamonte y Cerdeña y Francia , que juntos podría derrotar a los austríacos. Teniendo en mente las
múltiples interpretaciones que se pueden aplicar a esta pintura, se puede ver por qué esta escena no es solo, hablando en términos generales, el beso de un voluntario a su
amada, si no mas bien un abrazo simbólico entre dos naciones alianzas políticamente (Bolaño, 2017).
La participación de la pintura Hayez en la acción política, se aprecia El beso
nuevamente en obras como Los prófugos de Parga (1826-1831). En esta
Encontrado en
ocasión, el asunto escogido trata sobre el exilio y el destierro (a modo de HA!.
advertencia pictórica) en la que el pintor realiza un paralelismo entre la lucha Recuperado
de los griegos por su libertad con el ansia de liberación y unificación que de:
https://histori
recorría Italia en aquellos momentos. Además, no hay que olvidar que Hayez a-
era veneciano, y tenía grabada a fuego la caída de su ciudad natal en manos arte.com/obra
del imperio austríaco en 1798, cuando el pintor contaba con apenas 7 años s/el-beso-
hayez
(Unknow,2014).
Pietro Rossi prigionero degli Scaligeri, 1818-20, óleo sobre
lienzo, Collezione San Fiorano, Milán.
Encontrado en Mind the Art. Recuperado de: http://mind-the-
art.blogspot.com/2014/09/francesco-hayez-romanticismo-italiano.html Su obra es herencia de la corriente Settecento tardío, como
Las primeras obras de Hayez siguen el espíritu del período y resultado del aprendizaje que recibió en la academia de
además el estil, con predominios tradicionales de Canova e Venecia , aunque con una clara influencia romana. Los
Ingres e igualmente de los diestros del Renacimiento. “En la personajes por lo general tienden a vestir con relación al
elección de los temas, Hayez ofrece temas modernos contexto, sus trajes por lo general tienden a tener un
colocados en contextos medievales, inspirados en la Los prófugos de Parga, 1826-1831, óleo sobre lienzo, Pinacoteca significado en particular como en El beso, pues los colores
historia nacional, la literatura, el teatro, insertando claros que Hayez utiliza en esta escena tienen su propio
Tosio Martinengo, Brescia.
mensajes patrióticos” (Anónimo, 2011). Encontrado en Mind the Art. Recuperado de: http://mind-the- simbolismo y ello refuerza el mensaje y la temática que
art.blogspot.com/2014/09/francesco-hayez-romanticismo-italiano.html trata en cada una de sus pinturas.
ANALISIS DE LAS CUALIDADES FORMALES DE LA OBRA
Se puede distinguir las grandes líneas de composición de la obra, predominando las líneas verticales rectas
que constituyen los muros, al igual se observan en el vestido de la dama. Las líneas pasan justo alrededor
de los personajes, sin duda Eyck centraliza perfectamente la escena del beso. Por otro lado se encuentran
las líneas horizontales rectas al igual en la pared, y el piso del pasadizo. Incluso hay líneas diagonales en
menor medida, pero también son trabajadas a perfección, esto en el caso de las gradas.
Estructuralmente El beso es una obra asimétrica, la línea vertical que separa a la obra nos muestra planos
diferentes, por el lado izquierdo se encuentra la mitad de ambos personajes y un corredor oscuro con una
sombra y por el margen derecho la otra mitad de ambos personajes y unas gradas. El ritmo que se puede
apreciar en la obra es lento, ya que al ver la posición de las figuras protagonistas nos da la impresión de que
los personajes se mantienen así hasta lograr capturar el momento, los detalles realistas que incluye Hayez
en el vestido de la dama provocan la sensación de mirar y creer que los personajes pueden estar vivos.
A pesar de que la obra es bidimensional, el artista genera una impresión de profundidad. El espacio
utilizado en esta obra de arte , se encuentra muy bien proporcionado, pues la obra viene dada de una Imagen 1
tripartición siguiendo la regla de composición de los dos tercios. Los personajes se encuentran situados Encontrado en mas de arte. Recuperado de:
http://masdearte.com/especiales/francesco-
Imagen 1.1
justo en el segundo tercio el cuadro, por lo que se puede decir que Eyck tenía en cuenta cada detalle que a hayez-un-italiano-vero/
simple vista no s puede notar, pero con análisis minucioso es descubierto.
La obra el beso, esta compuesta por 3 planos
Según el método de estructuración de Rudolf Arheim denominado diferentes. Como primer plano tenemos a los
“Mapa estructural”, el beso es una obra equilibrada en el sentido de protagonistas de beso, en un segundo plano está la
los cuadrantes superiores e inferiores. El cuadrante superior se pared , y como tercer plano está la sombra en el
encuentra con la misma proporción del cuadrante de la inferior, corredor del fondo, se puede resaltar que el utilizar
excepto que en el cuadrante de la inferior se evidencia un elemento: más de un plano , genera una mayor aproximación
Imagen 1.2 Imagen 1.3
las gradas, el ser de la parte inferior le resta peso hasta, a la profundidad, y un efecto tridimensional. Y
aproximadamente hasta ser el peso visual de la parte superior. aunque su textura es completamente visual, el
efecto tridimensional sigue en pie.
Por otro lado el cuadrante de la derecha contiene la En el caso de la línea, esta es discontinua ya que se
misma cantidad de elementos que la parte del cuadrante pierde en algunas partes de la pintura , por
de la izquierda, pues el centro de todo son ambos ejemplo en la estructura la línea está a simple
personajes, y como se menciona anteriormente , ambos vista, pero en las vestimenta de los personajes esta
se dividen a la mitad, entonces la isma proporción está se pierde, empieza de abajo hacia arriba,
en ambas partes, manteniendo un mayor equilibrio. Imagen 1.5 perdiéndose al crear luces y sombras.
Imagen 1.4 Imagen 1.6
El tema principal del cuadro como ya se ha mencionado es la conspiración y lucha contra los enemigos extranjeros. Y aunque a simple vista el cuadro
con cierta significancia romántica , era inofensivo para los malvados, sin embargo para los italianos, la pintura era reflejo de la alianza entre Francia y
los reinos Piamonte y Cerdeña. El beso sin duda sería un símbolo de unificación) para Italia .Los colores de la vestimenta: blanco, rojo , azul y verde
(Italia y Francia unidas por un beso en secreto) o como la posición de la pareja.
Por lo general, el sentimentalismo de Hayez es característico por las mezclas de colores vivos , recargados de ternura, en algunas partes parece que el
color resultara un tanto suavizado, del cual Hayez se apropió de la tendencia italiana del Resurgimiento. El Resurgimiento, podría abreviar en el
conmoción nacionalista que acometió a la masa de estados, en que se separaba la península de Italia, en contra del imperio de Austria.

El espacio es bidimensional y perspectiva tridimensional ,atmosférica y lineal, Hallez sensaciones de profundidad al utilizar la
perspectiva y las relaciones entre el primer, segundo y tercer plano. Contextualmente el espacio retratado en la obra es el acto Imagen 2.
del beso entre dos posibles amantes y atestiguando una persona, esto por la sombra que sobresale del pasadizo del fondo. En la Encontrado en mas de arte. Recuperado de:
obra predominan las líneas rectas que transmiten el estático momento del beso, símbolo de alianza entre Italia y Francia. http://masdearte.com/especiales/francesco-
hayez-un-italiano-vero/
Los colores de sus ropas , blanco, rojo, verde y azul, son importantes en esta obra, puesto que representan los colores de las dos banderas de
las dos naciones hermanas , Francia he Italia cuya alianza organizada por Cavour iba a hacer posible el logro de la independencia de la segunda.
Para lograr volumen en la obra Hayez realiza una gradación de tonalidad del color en los ropajes de ambos personajes, logrando con
ello un efecto más realista por medio de los pliegues que sobre sale en cada vestimenta, principalmente en el vestido de la dama, se
puede decir que las habilidades que Hayez desarrolló fueron plasmadas en el vestido de seda que lleva la mujer y alcanzaron un
mayor realismo. Al igual los colores utilizados, como el negro, blanco y marrón generan mayor profundidad atmosférica a la obra
Imagen 2.1 Imagen 2.2 pues estos se disuelven entre sí.
Dentro de la obra, la luz juega un papel muy importante, Hayez maneja la luz a detalle, es una luz muy natural, pues ilumina dos planos
diferentes de la obra. El primer plano es el que se encuentran los protagonistas e ilumina a los mismo, la luz se refleja sobre todo en el
vestido de la dama, la pared de fondo y parte del piso , gracias a la luz que procede desde alguna ventana en el ambiente, mientras que en
un segundo plano la luz que va direccionada en el fondo , donde se aprecia una sombra, pero existe una proporción de luces que generan
la sombra de algún testigo de la escena, sin embargo no se sabe bien si está llegando o se va de la escena.
COLOR Imagen 2.3
Las composiciones cromáticas de sus obras siguen composiciones muy seductoras e interesantes, respetando las reglas estrictas según los principios de equilibrio
visual. Pero Hayez también usa los distintos colores con propósito de transmitir mensajes políticos, asumiendo una función simbólica específica para cada color.
Los colores se encuentran desaturados o agrisados pues se encuentran mezclados con colores claros como el blanco y colores oscuros como el negro , siendo
Imagen 2.4
predominantes los colores fríos en la mayor parte de la obra.
En la parte izquierda, Hayez trabaja con distintas tonalidades de negro , ya que mezcla negro y blanco, un color que siempre se ha asociado con el miedo y terror,, algo que se
puede decir que se relaciona directamente con el miedo a ser encontrados por alguien.
 Marc Chagall es reconocido como uno de los pintores y artistas gráficos más
relevantes del siglo XX. “Su trabajo está impregnado de un humor y una fantasía que
encuentran su resonancia en el subconsciente. Las personales y singulares imágenes
de Chagall están imbuidas de una exquisita inspiración poética”(Oyola, 2016).
En 1914 Marc retornó a Vístebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld, a
quien conocido en el año 1909. Durante el estallido de Primera Guerra Mundial
causó en Chagall que perdurara en pueblo que lo vio crecer más de lo que se
pensaba.

Marc Chagall Vista de Toledo Bautismo de Jesús

Encontrado en El Ciudadano. Encontrado en: artelista. Recuperado Encontrado en: Museo del prado. Recuperado
Recuperado de: de: https://www.artelista.com/1009- de:https://www.museodelprado.es/coleccion/
https://www.elciudadanoweb.com/ IMPORTANCIA E IMPACTO DE LA OBRA EN LA SOCIEDAD el-greco-4109-vista-de-toledo.html obra-de-arte/bautismo-de-cristo/388206cf-
marc-chagall-el-poeta-del-pincel/ 943c-46ac-911c-3b63a0ac0200

Según Cogniat, hay ciertos elementos en su arte que han permanecido permanentes y vistos a El Greco fue uno de los artistas más influyentes en el arte moderno, pasando
lo largo de su carrera. Uno de ellos fue su elección de sujetos y la forma en que fueron desde Picasso, Modigliani y Chagall. Todos ellos se inspiraron en la obra del
retratados “El elemento más obviamente constante es su regalo por la felicidad y su compasión Greco para resaltar los movimientos vanguardistas que revolucionaron el
instintiva, Que incluso en los temas más serios le impide la dramatización “: 89 Los músicos han arte del siglo XX. Sus formas cubistas y la concepción del paisaje influyeron
sido una constante en todas las etapas de su trabajo Después de que se casó por primera vez,” en los cuadros de Chagall, quien desarrolló una orbita cercana al cubismo
los amantes se han buscado, abrazado, acariciado, flotado en el aire, De flores, se estiran y se del Greco.
abalanzan como el melodioso paso de sus vívidos sueños de día Los acróbatas se contorsionan
con la gracia de flores exóticas en el extremo de sus tallos, las flores y el follaje abundan en Fiel a su herencia familiar, Chagall
todas partes. (HiSoUr, s.f) propuso un acercamiento a la cultura a
través de la poesía y del color. La
Los novios de la Torre Eiffel es una de sus obras más importantes dentro de su producción, pues aquí
influencia de la tradición judía se
nos da una mirada en el tiempo, de su matrimonio con su esposa que poco después fallece. Y aunque
observa en los motivos que configuran
esta obra no generó un impacto mayor en la sociedad como otras obras si lo hicieron cuando fueron
su pintura; así como también en la
expuestas. Sin embargo con el transcurrir de los años, esta obra se ha reconocido entre las más
estructura, los ritmos, y la expresión de
grandes pinturas de la corriente expresionista moderna.
las formas, que recuerdan a los
Las figuras están vivas con movimiento y expresión, haciendo música y bailando como si volaran. La caracteres hebreos por su estilización y
visión de Chagall de la humilde vida del pueblo trasciende al mostrar la vida de los pueblanos, de los por su síntesis expresiva.(AMIA, 2013)
campos acompañadas de música visual. Ángeles, animales, el pueblo son algunas e las figuras que Judío en rojo
Encontrado en el diplomatique. https://www.eldiplo.org/246-
acompañan la escena de los recién casados. gobernar-en-un-mundo-hostil/el-mito-del-judeo-bolchevismo/
Función y propósito:
Marc Chagall, realizó la pintura Los novios de la torre Eiffel con el propósito de representar la felicidad vivida con Bella Rosenferd, y para ello basta entender los colores y
figuras utilizadas por Chagall. Esta obra , es una mirada hacia el pasado, representa el tiempo en el que, tras vivir unos años en la ciudad de Perís, Chagall vuelve a su
pueblo e origen: Vístebsk , donde se casó con Bella, sobre un paisaje verdoso y un cielo que acoge todo, desde ángeles , hasta animales con diversas formas , extraños
violines y la torre Eiffel, dando a entender su origen judío.
Las influencias rusas también se notan por los elementos que se observan. Las figuras , un hombre y una mujer, son los protagonistas de la escena, vestidos con elegantes
prendas de matrimonio, y ellos sobre un gallo de enorme apariencia. A lo lejos se observa tres ángeles, el primero es un músico, el segundo sostiene unas velas en un
candelabro, mientras que el tercero sostiene un dosel, que rodean a los recién casados .
“En esta obra no faltará, la aldea, haciendo alusiones al niño que lleva dentro. La cabra como símbolo de protección y de armonía. El sol como fuente de calor y de
vida. Las casas de un poblado en el horizonte” (admin, 2019 ). En otras palabras Marc Chagall, a través de todas sus pinturas reflejaba todo lo que vivió en su niñez y la
felicidad en su vida , las costumbres de todos los lugares en los que se que se encontraba , y algo importante que se debe recatar es que en la mayoría de sus trabajos
aparece a lado de su esposa como es en Los novios de la Torre Eiffel.

Su arte tiene ese aire de inocencia del arte popular. Su

mundo está lleno de ternura y de albores felices, un Las velas de la boda
Yo y la aldea (1911) universo que irradia júbilo y tranquilidad por medio de los (1945)
Encontrada en: Todo coloridos matices y colores intensos Esa elegía, una
cuadros. Recuperado energía claramente poética que contienen cada una de sus Encontrado en: Arts Dot.
de: obras, concibe que muchos de los críticos precisen a Recuperado en:
https://www.todocuadr Chagall como “el más poeta de los pintores”. https://es.artsdot.com/@
os.com.pe/chagall/yo-y- @/8XYH7H-Marc-Chagall-
la-aldea.htm Las-velas-de-la-boda

Vemos en esta obra la influencia cubista , pues
está compuesta de muchos elementos cubistas,
sin embargo no se puede clasificar como una
obra cubista total, pues la temática y el uso del
simbolismo no lo permiten. Los elementos
presentes representan su niñez, presenta
casas, ganado, campesinos, una iglesia , y un
árbol que es símbolo de la diversidad y el origen
de la vida.
Los recién casados de Los personajes y las temáticas, por lo general son
la torre Eiffel (1913) parecidas, y tienen relación entre sí. Por ejemplo en esta
obra, a pesar e llevar un nombre diferente, podemos
Encontrado en: Jorge Barra. distinguir que la temática va más allá de una ceremonia.
Recuperado de: Por otro lado si analizamos los elementos , se aprecia los
https://jorgebarrauvideobo
animales con diferentes formas como en el cuadro de los
das.es/contacto/
recién casados de la torre Eiffel. En ambos cuadros los
colores que predominan son los azules oscuros y claros.
ANALISIS DE LAS CUALIDADES FORMALES DE LA OBRA
Se puede distinguir las grandes líneas de composición de la obra, predominando las líneas diagonales rectas
que constituyen la torre Eiffel, al mismo tiempo pasan por la figura de la mujer. Dentro de esta obra
predominan los movimientos envolventes y circulares, como se puede apreciar en el vestuario de los
personajes, la forma de la torre Eiffel, el sol y la forma en como está dibujado los personajes y las
hojas de los árboles.
Estructuralmente Los recién casados de la torre Eiffel , corresponde a una obra asimétrica, pues si se traza
una línea vertical en el centro de la obra, se puede evidenciar dos planos totalmente diferentes, por el lado
Imagen 1.1 izquierdo se encuentra la mayor parte de los cuerpos de los personajes principales, la torre Eiffel y el sol, y al
margen derecho el gallo, y las hojas del árbol. La obra carece de ritmo debido a que la forma en como están
Imagen 1.2 plasmadas las figuras de primer plano está estático , no existe movimiento visual alguno.
El espacio utilizando dentro de esta obra no está muy bien proporcionado, pues si se divide en una tripartición
siguiendo la regla de composición de los dos tercios, nos damos cuenta que Chagall no se preocupa por centralizar a los Imagen 1
personajes que utiliza en sus cuadros, por lo general estos pueden estar esparcidos en cualquier parte del cuadro. Encontrado en: Jorge Barra. Recuperado de:
https://jorgebarrauvideobodas.es/contacto/
Dentro de la obra se distinguen tres planos distintos. El primer plano lo constituyen elementos como los novios y el gallo, como segundo plano , elementos
Imagen 1..3 como el pueblo y los mismos novios juntos, y como tercer plano tenemos un elemento y no menos importante,: la torre Eiffel.
Según los cuadrantes superiores, existe un tanto de equilibro en cuanto al peso de la obra ya que en la parte de
arriba se encuentra mayor peso visual y en el caso de la obra es donde recaen más elementos . No obstante la obra
es agradable al ojo del espectador pues intervienen elementos como el suelo y as casa que no generan peso, si más
bien añaden un equilibrio visual a la obra. Al igual en el cuadrante de la parte izquierda de la obra no contiene
tantos elementos como la parte del cuadrante de la derecha, por lo que no está equilibrada la obra en la mayor
parte. Imagen 1.5
Imagen 1.4
La obra es bidimensional y carece de textura. Así mismo por ser una obra expresionista con rasgos cubistas, no se evidencia un aspecto
tridimensional, la forma en como se encuentran plasmado cada elemento, nos limita a simple vista a distinguir cada plano. Por otro lado los
colores utilizados no permiten ver una profundidad en el cuadro. La mayor parte del cuadro está conformado por simbolismo, predominando
este aspecto en gran parte e la obra. Por ejemplo el gallo que sostiene a la pareja simboliza añoranza fertilidad y esperanza , a través de esta
simbología el autor de la obra desea tener un hijo y a la vez toca con su mano el vientre de su amada, Las casas que conforman la aldea
hacen referencia al infante que lleva el autor en su interior. En sus obras abundan las referencias a su niñez, “la Torre Eiffel plantea dos
metáforas a la vez, la del amor que experimenta en París, cuando vuelve con Bella, y la de la modernidad que la ciudad alberga” (admin,
Imagen 1.6 2019) y así sucesivamente. Imagen 1.7
 “Chagall no tiene rival en esta capacidad de dar una impresión vívida de movimiento explosivo con el uso más simple de los colores” A lo largo de
su vida sus colores crearon una “atmósfera vibrante” que Se basaba en “su propia visión personal”: (Raymon Cogniat )

Esta obra bidimensional contiene características propias del expresionismo, lo cual no permite identificar profundidad en el cuadro a simple vista.
Sin embargo si nos dirigimos a los planos que conforman la obra, entonces se distingue la profundidad por medio de la ubicación de cada
elemento. Por otra parte el uso de luces y sombras en los colores crean una atmosfera completamente natural, pues Chagall realiza una
combinación entre colores cálidos como es el caso del sol con forma de un disco, así como también el vestido y el cielo que recubren toda la
ciudad.
Se puede decir, que a pesar de la ubicación del sol, este no genera en si la luz. En los cuadros de color rosa, se distinguen los posibles zonas
donde recae una luz diferente y probablemente la luz v¿ sea de la claridad del día. Del mismo modo el uso de iluminación le otorga al cuadro
temperatura. La técnica de las pinceladas suaves y marcadas de Chagall para entrelazar los elementos, y sus colores no se disuelvan entre ellos.
Imagen 2
Encontrado en: Jorge Barra. Recuperado de:
https://jorgebarrauvideobodas.es/contacto/
Las figuras, de la misma forma que el fondo, son trabajadas con pinceladas suaves y lentas que resultan fáciles en la
combinación de los colores. Las formas predominantes en este cuadro son orgánicas ya que delimitan las siluetas de los
personajes. Se aprecia que los colores y son complementarios entre sí, generando armonía y sensación de equilibrio en el ojo
del espectador, además de haberse logrado una eficaz puesta de luces y sombras entre la relación de los personajes centrales.
Cumpliendo con la temática de este cuadro, el cual es una celebración por los recién casados en un espacio de armonía, festejo
y música. Chagall logra su propósito, hacernos parte de cada celebración, cada recuero de su infancia, la paleta cromática que
utiliza Chagall siempre están presente los colores primarios, colores cálidos como el amarillo, rojo y verdes, no obstante a estos
les agrega degradaciones, realizando combinaciones con colores fríos como los azules , morados y negros vistos en la torre Eiffel
el vestuario del hombre y las ojos de la copa del árbol. Imagen 2.1 Imagen 2.2 Imagen 2.3
Color
Según Cogniat, en toda la obra de Chagall en todas las etapas de su vida, fueron sus colores los que atrajeron y capturaron la atención del espectador. Durante sus primeros
años, su alcance fue limitado por su énfasis en la forma y sus imágenes nunca dieron la impresión de dibujos pintados. Añade: “Los colores son una parte viva del cuadro y
nunca son pasivamente planos o banales como una idea posterior. Esculpen y animan el volumen de las formas que se entregan a los vuelos de fantasía e invención que
añaden nuevas perspectivas y se gradúan, mezclan Tonos Sus colores ni siquiera intentan imitar la naturaleza, sino más bien sugerir movimientos, planos y ritmos ” (HiSoUr,
2015)
Como es característica de Chagall y propia característica del expresionismo al que perteneció, la paleta cromática emplea en esta composición es con la predominancia de
distintas tonalidades cálidas sobre las frías, la mayoría de sus obras están compuestas por vivo color, a primera vista es lo que el espectador observa y admira. El amor por
los recuerdos de infancia, y la añoranza por la naturaleza y la música, lo llevaron a plasmar sus cuadros llenos de color , sugiriendo movimientos planos y rítmicos.

Imagen 1
Encontrado en Salir con Arte. Recuperado de:
https://www.salirconarte.com/magazine/simbolismo-
matrimonio-arnolfini-van-eyck-va-mucho-mas-alla-lo-crees/
Imagen 2
Encontrado en mas de arte. Recuperado de:
http://masdearte.com/especiales/francesco-
hayez-un-italiano-vero/
Imagen 3
Encontrado en: Arts Dot. Recuperado en:
https://es.artsdot.com/@@/8XYH7H-Marc-
Chagall-Las-velas-de-la-boda
Durante este proceso investigativo, he podido desarrollar habilidades con respecto a una crítica artística,
y a rescatar cada elemento que compone una obra de arte. He comprendido que cada artista puede ser
reconocido por ciertas características de su arte, sin embargo detrás del artista, existen diferentes
influencias , que son la base fundamental en el desarrollo de su arte.
En la primera obra “«Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa» (1434) el pintor Jan Van Eyck , refleja el
arte gótico por medio de la técnica y los colores. Entro de la obra se aprecia el detallismo minucioso que
realizar Eyck para lograr mayor realismo, una característica del movimiento renacentista. Al mismo
tiempo el artista refleja simbolismos mediante cada elemento presente dentro del cuadro, mientras que
lo más resaltante que he descubierto es la forma en como este artista juega con las luces y sombras
dentro de la escena, para crear una atmosfera completamente natural ante los ojos de los espectadores.
En cuanto a la segunda obra El beso (1859), he podido descubrir que Hayez al igual que Eyck se centra
en el detallismo, principalmente en el vestido de la dama, al igual el artista trabaja con minuciosidad los
puntos de atención, jugando con la luz dentro de la obra, no obstante este autor se acomoda por los
colores fríos y el simbolismo en ellos. Cabe resaltar que el beso entre estos personajes es la alianza entre
dos países, pero de alguna forma nos transmiten un mensaje de amor en contra de lo que se avecina. Al
igual que en la primera obra, aquí los protagonistas se encuentran en espacios visibles ante algunos
testigos, pero en la primera obra se recurre al espejo , mientras que en la segunda obra el testigo se
distingue a simple vista. Finalmente en la tercera obra Los recién casados de la torre Eiffel (1938-1939)
los colores son los predominantes, al igual los elementos presentes constituyen un recuerdo, cada uno
de ellos mantiene un simbolismo al igual que en las dos obras anteriores, una característica del
expresionismo muy bien desarrollada. El autor pretende hacer memoria de una fecha especial para él,
tal y como lo hicieron Eyck y Hayez, sin embargo se puede decir que tanto Eyck como Hayez presentan
escenas que marcan la historia de las clases sociales, problemas políticos y religiosos, mientras que
Chagall es muy personal. La unión está presente en cada obra , ya sea en acto religioso o por un beso de
alianza.