TEMARIO

. Dibujo al Natural

. Estructura del diseño

. Preparación del esténcil

. Elección de agujas

. Mezclas de valores

. Matices

. Altos contrastes

. Integración de grises

. Aplicación sin irritar

. Cuantas capas se pueden aplicar

. Profundidad de la aguja

. Volúmenes y texturas
 Estructura del Diseño

Es la parte donde se todos los elementos separados se unen para

formar el diseño (Tatuaje)

De manera ordenada.

Preparación del esténcil

 Elección de agujas

Magnum 15RM, 13RM Las uso para sombras en zonas

amplias

Mejillas, cuellos y frentes.

Magnum 9RM Para sombras en zonas medias

Narices, debajo de los ojos, orejas,

pelo

Integrar grises.

Magnum 7RM Para sombrear, hacer líneas y rellenar

zonas pequeñas

Ojos, zona baja de la nariz, labios e

integración de gris.

9RS Para rellenar zonas pequeñas.

7RL Línea media y blancos.

3RL Para detalles y perfilados pequeños

 MEZCLAS DE VALORES

Base oscura

Base media

Base ligera

Contraste Claro-Oscuro

Esta técnica consiste en el uso de contrastes fuertes entre

volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar
más efectivamente algunos elementos. Esta técnica permite Crear
mayores efectos de relieve.

Este tipo de contraste surge cuando diferentes graduaciones de un

mismo color se unen entre si y dónde lo importante es que la
concordancia de tonos provóquela sensibilidad de los grados
Claro-oscuro y de sus contrastes.

Matiz

Es una versión más clara de un color, también llamado tonalidad o

tono el matiz permite diferenciar un color según su saturación o su
luminosidad.

Integración del gris

Este color es la mezcla de los colores blanco y negro, al igual que el

Sumi, dependiendo de la cantidad de cada valor en la manera para
que el tatuaje permanezca sólido y bien definido a través del
tiempo.
Altos contrastes

Cada color tiene una serie de características que lo diferencian de

los demás. Las posibilidades

De conseguir nuevos colores se multiplican si añadimos blanco o

negro. Por ello los colores

Se clasifican para así poder darles mejor uso, en función de su tono,

su valor o su saturación.

TONO: Es la característica principal de un color, es su tinte, llamas a

los colores por su tono, azul, rojo, amarillo etc. cada color del
circulo cromático tiene su particular tono.

SATURACION: Es el grado de pureza de un color. A mayor pureza de

un color mayor saturación. En la práctica los colores suelen
mezclarse con otros y pierden saturación.

Valor: Se refiere a la luminosidad, es decir, a las diferentes mezclas

que puedes obtener al mezclar un tono negro con un diluyente. A
mayor cantidad de diluyente mayor luminosidad.
Claroscuro es el nombre que generalmente se la da a uno de los
métodos con el que se produce la ilusión de volumen, tanto en
dibujo, como en pintura. Con el claroscuro se imita la manera en
que la luz incide sobre los cuerpos, acentuando así sus volúmenes.

El claroscuro, así como nos permite producir la ilusión de volumen y

espacio, también nos otorga la capacidad de modular la intensidad
de la luz aparente de nuestra obra. Esta técnica nos permite
producir la ilusión de que la luz es tenue, media o intensa, que
viene de un lado, de otro o de varios sitios a la vez.

Todo esto hace del claroscuro una importantísima herramienta, no

sólo para generar la ilusión de volumen, sino también para marcar
el tono emocional de nuestro trabajo. De hecho, esta es la razón
por la que este recurso, cuyo origen se remonta a varios siglos atrás
en la pintura, se ha vuelto también recurso de otras artes como el
cine y el teatro, los cuales se valen de la iluminación para acentuar
escenas y transformar la emoción que éstas producen.
El claroscuro en el dibujo

Una herramienta esencial para aprender a dominar la ilusión de

claroscuro es, precisamente, el dibujo; particularmente el dibujo
monocromático.

Puesto que el claroscuro no requiere color para producirse, incluso

puede llegar a ocurrir en un principio que el uso de color sea un
ancla, en lugar de una herramienta de trabajo, cuando se quiere
aprender a dominar esta técnica. Esto se debe a que el claroscuro
requiere, en esencia, únicamente dos variables: cantidad de blanco
y cantidad de negro. Con estos dos simples elementos tenemos la
capacidad de producir una gran escala de tonos de grises que,
mediante su correcta distribución, nos llevan a producir la ilusión
de volumen.

Cuando se agrega color al claroscuro entra una variable más -los

matices-, la cual puede ser muy compleja por la bastedad de
matices que tenemos la posibilidad de ver.

Alberto Durero, Estudio de mano con

Biblia-, tinta y tiza, 1506
Volumen, claroscuro y geometría

Cuando observamos un objeto, debemos determinar a qué objeto

geométrico básico se asemeja más, o en cuál podríamos
sintetizarlo. En caso de que sea un objeto muy complejo,
deberíamos enfocarnos en analizar en qué elementos geométricos
simples podríamos sintetizar sus formas. Esto quiere decir, por
ejemplo, que si deseamos dibujar un rostro la nariz sería semejante
a un cono cortado por la mitad, las narinas serían medias esferas,
los pómulos serían esferas, mientras que la frente sería semejante
a un medio cilindro o a un cubo, y así sucesivamente.
El valor de la simplificación de formas

El valor detrás de simplificar las formas es que también simplifica la

forma en que posteriormente abordaremos el claroscuro sobre los
objetos. Lo ideal es que, en lugar de tener que copiar parte por
parte de una foto o de una imagen del natural, podamos abstraer
en nuestras mentes las formas básicas de los objetos y reproducir
cada uno de sus elementos sin necesitar siempre la copia fiel, sino
pudiendo recurrir a nuestro intelecto.

Como pintores esto nos gana gran velocidad al trabajar y, mejor

aún, nos libera completamente de la necesidad de depender de
fotografías o de modelos, ya que nos da la posibilidad de dominar
con nuestras propias mentes la ilusión de volumen y de
luminosidad de un cuadro. Además, nos permite adquirir la
capacidad de pintar directo de nuestra imaginación de forma
realista o de pintar objetos del natural sin que éstos estén
completamente quietos.
La aplicación de claroscuro sobre las formas geométricas

Una vez que hemos pensado en qué formas geométricas vamos a

utilizar para sintetizar aquello que queremos dibujar o pintar, el
siguiente paso es la aplicación de valores tonales sobre el objeto.

Lo primero que debe definirse es la dirección de la luz. La luz puede

venir de muchos puntos en relación a nuestro objeto; de hecho, se
le puede iluminar desde cualquier punto, 360º alrededor de él.

Una vez tenemos claro de dónde vendrá la luz, lo siguiente que

debe pensarse es en algo que en ttamayo llamamos autosombra.
La autosombra

La autosombra se conoce generalmente en inglés como SOMBRA

CENTRAL. En libros viejos en español se le llega a encontrar como la
joroba de la sombra; nosotros le llamamos autosombra.

La autosombra es el punto en que el objeto empieza a hacerse

sombra a sí mismo. Ese sitio será el lugar en el cual la sombra del
objeto será más intensa, haciendo tangibles en nuestro dibujo el
volumen del objeto y la dirección exacta de la que viene la luz.

Para identificar el sitio en donde debe ir la autosombra, tenemos

que ubicar de dónde viene la luz y dónde exactamente incide ésta
sobre el objeto. Después tenemos que ubicar, en relación a la
dirección de la luz, en qué lugar es que el diámetro del objeto ya no
le permite el
paso a la luz y
comienza a
hacerse sombra
a sí mismo.
Justo ahí irá la
autosombra.
Luces

La autosombra es también la línea divisoria entre el área de luz y el

área de reflejo.

La zona de luz será la cara del objeto que da hacia la fuente

luminosa. El punto del objeto que esté completamente de frente a
la luz será el sitio en que se encuentre la luz más intensa.

Más allá de esa zona y conforme la cara del objeto comienza a no

estar completamente de frente a la fuente de luz, poco a poco la
luz se volverá menos intensa. A esta zona le llamamos luz
secundaria o medio tono, porque en ella emplearemos tonos de
grises. Ésta continúa hasta llegar a la zona en que el objeto se hace
sombra a sí mismo: la autosombra.
Reflejos

Pasando la zona de autosombra entramos a otra zona importante,

que es la zona de reflejo. Esta zona es donde el objeto comienza a
recibir luz rebotada, por objetos a su alrededor y por la superficie
en la que está colocado. Esta zona es bastante importante, puesto
que ayuda a acentuar la ilusión de volumen en el objeto, así como
de realismo.

Esto se debe a que la luz en el mundo real siempre rebota, bañando

a los objetos desde distintas direcciones. A menos que un objeto se
encuentre en el vacío, siempre habrá otros objetos que refracten
luz sobre él. Considerar esto en nuestro dibujo nos permitirá gran
realismo, permitiéndonos a la vez jugar con la ilusión de las
atmósferas que queramos producir en nuestras obras.
Errores comunes

El error más común que suele producirse al dibujar en claroscuro es

poner la sombra más intensa en el área donde debería ir el reflejo.
Esto es muy común y es un gran impedimento.

Para contrarrestar esto es importante identificar y dominar el uso

de autosombras; identificar de dónde viene la luz, dónde empieza a
hacerse sombra el objeto a sí mismo y donde comienzan los
reflejos. Si tenemos esto en cuenta, siempre avanzaremos rápido
en el dibujo de claroscuro, adquiriremos gran velocidad, capacidad
de síntesis y dominio sobre la luz de nuestras obras.

Ejemplo de error
Brillos

Un último elemento importante al pintar son los brillos. Se trata de

las luces más altas de nuestros objetos, aunque no necesariamente
se encuentren justo en donde la cara del objeto esta
completamente frontal a la fuente de luz.

Normalmente podemos encontrarlos a un lado de la cara frontal de

luz, ocupando una parte de esta cara frontal, pero también una
pequeña parte de la zona de luz media.

Los brillos son puntos en los que la luz que incide sobre el objeto es
refractada directamente hacia nuestros ojos; zonas en que el
objeto espejea hacia nuestros ojos. Es por esta razón que éstos no
sólo dependen de la forma del objeto, sino que también están
directamente relacionados con la dirección de la luz y de la
ubicación en la que nosotros nos encontramos con respecto al
objeto.
Hablar del dibujo a lápiz y de las técnicas de dibujo a lápiz
es hablar de uno de los temas fundamentales en las artes
gráficas y también de una de las técnicas pictóricas con las
que nos podemos involucrar más fácilmente.

El dibujo a lápiz es probablemente la manera más simple

que tenemos hoy en día de contactar con la expresión
artística, si consideramos que para empezar sólo
necesitamos lápiz, papel y ganas de hacerlo (u ocio).

Inicialmente y como pasatiempo, el acto de dibujar

tampoco implica ningún nivel de conocimiento ¿Quién no
se ha puesto a garabatear alguna vez en su vida? Puedes
hacerlo en una servilleta o en las últimas hojas de
cualquier cuaderno o libreta que lleves contigo. Puedes,
también, pintarles bigotes, lentes o cuernos a las fotos en
los periódicos, tratar de hacer una caricatura de alguien o
podrías llegar a dibujar como parte de una tarea o trabajo
Cualquiera de estas formas de relacionarse con el dibujo
es ya una forma de incursionar legítima en él, que no te
quede duda de ello. Sin embargo, si queremos hacerlo de
manera más metódica o con cierta finalidad en mente,
entonces sólo tenemos que desarrollar las habilidades
necesarias.

El requisito principal es la observación y el segundo la

práctica. Ya que uno de los grandes encantos del dibujo es
que cualquiera puede aprender a dibujar con suficiente
dedicación y observación.

En esta publicación remontaremos ánimos y veremos las

diferentes técnicas de dibujo a lápiz y lo fundamental para
reencontrarte con esta recomendable actividad, iniciarte
en ella o perfeccionar tu actual habilidad.
Breve trasfondo del dibujo

Título: Allegory of Abundance. Artista: Sandro Botticelli. Fecha:

1480-1485. Técnica: Tiza sobre papel. Dimensiones: 31.7 cm x:
25.2 cm. Colección: Museo Británico, Londres, Reino Unido.
El nacimiento del lápiz

El lápiz de madera o “de carpintería” surgió alrededor de

1760, gracias a Simonio y Lyndiana Bernacotti. Ellos fueron
los primeros en crear lo que sería el prototipo para el
moderno lápiz con cuerpo de madera. Su versión era, por
obvias razones, mucho más primitiva que la que
conocemos hoy día: chata, ovalada, un tipo de lápiz muy
compacto.

Al principio perforaban un cilindro de madera de enebro

para luego insertar la mina de grafito, aunque después
mejoraron su técnica y utilizaban dos medio cilindros de
madera, colocaban entre ellos la mina de grafito y pegaban
las dos mitades. Este es básicamente el mismo método
que se utiliza hoy, lo que nos lleva a nuestro siguiente
punto de relevancia para empezar a poner manos a la
obra en todo tipo de técnicas de dibujo a lapiz.

Tipos de lápiz para dibujar

En el mundo del dibujo, estos son los principales tipos de

lápices que te vas a encontrar y con los que tendrás que
trabajar, bien sea al utilizar las diferentes técnicas de
dibujo a lápiz que aquí verás o en otras modalidades
específicas de dibujo, como el dibujo técnico y demás.
Lápiz H: es un lápiz de trazo duro y claro.

La “H” viene de la palabra en inglés “hard” y hace alusión a

la dureza. Hay varios tipos de lápiz H: desde el H hasta el
9H. A mayor es el número mayor es su dureza.

Lápiz B: es un lápiz de trazo blando y oscuro.

La letra “B” hace referencia a la palabra “black” y hace

alusión a la oscuridad. También los hay desde el B hasta el
9B. En este caso a mayor es el número mayor es su
suavidad.

Lápiz de carboncillo / pastel: suele ser más blando y

tiene un grado de oscuridad mayor. Te permite hacer
texturas, sombras (con los dedos), etc

Las principales técnicas de dibujo a lápiz

Ya sea que te interesen los dibujos realistas a lápiz, los

dibujos de paisajes a lápiz, dibujos de personas a lápiz (de
estilo realista, cómico, estilo historieta americana, manga
japonés o con un estilo más personal) o de cualquier otro
tipo, aquí es donde realmente comienza todo.

En términos generales, hay dos grupos de información a

tratar cuando hablamos del dibujo a lápiz: uno está
relacionado con dibujar las líneas que serán base o
esqueleto del dibujo, y el segundo, que habla sobre el
sombreado, volumen y el color. 
Aquí podrás encontrar información sobre ambos grupos,
por lo que empezaremos con nuestras técnicas de dibujo a
lápiz y justo a continuación, las habilidades a desarrollar
para aplicarlas de diferentes formas.
Trazo de ida y vuelta

Esta técnica de dibujo a lápiz es la básica. La hemos

utilizado hasta inconscientemente. Lo que hacemos aquí
es mover nuestro lápiz (o cualquier otro utensilio de
dibujo) de adelante hacia atrás sobre el papel, con un
movimiento parejo, nivelado, tratando de no dejar
espacios en blanco. Dependiendo de cuanta presión
apliques y de la saturación de líneas, el color será más
oscuro. Esto será más aparente si utilizas, por ejemplo,
lápices tipo B.
Tono

La técnica del tono se refiere al grado de claridad u

oscuridad de las distintas áreas de un dibujo. Hay varias
técnicas de sombreado en las que puedes aplicar el tono
para dar forma y masa convincente a tu dibujo. Puedes
usar movimientos pequeños, inclinados o circulares. Esto
último puede depender también del acabado que deseas o
si estás buscando representar una cierta textura.

Esta técnica funciona mejor con lápices de colores o

contando con una variedad de lápices con diferente nivel
de oscuridad y durez
Trama cruzada, ashurado/achurado

Primero hablemos rápidamente de su hermana la trama,

que se trata de utilizar pequeñas líneas paralelas entre sí (y
generalmente más gruesas en el extremo donde se apoya
el lápiz) aplicadas sobre el papel. Entre más cerca están,
oscurecen más ciertas áreas, y entre más lejos estén
pueden indicar puntos de luz.

La trama cruzada es la extensión lógica de la trama, pero

en vez de solo crear una serie de líneas paralelas, aquí
cruzamos las líneas dando el aspecto característico de “X”
del tramado cruzado.

La trama cruzada o achurado es también una de las

técnicas más famosas que existen y hay quienes se han
vuelto verdaderos expertos llevando su uso a un nivel de
gran detalle.

En el siguiente grabado (si bien no es un dibujo a lápiz)

podemos ver está misma técnica, y otras que
mencionaremos más adelante, con indiscutible maestría.
Punteado, puntillismo

Si te gusta lo meticuloso, esta técnica te encantará. Se trata

de llenar el papel con una incontable cantidad de puntos,
los cuales entre más cerca estén unos de otros oscurecen
más el dibujo. Puedes incluso utilizar puntos de diferentes
tamaños logrados con diferentes puntas

(chatas/desgastadas en varios grados y afiladas).

Circulísmo

Tal como su nombre lo indica, este método emplea una

serie de círculos muy pequeños que se superponen entre
sí. Aquí, no es necesario que cada círculo sea perfecto, solo
es suficiente que sean pequeños y que estén muy juntos.
La oscuridad o la sombra van a depender de los tamaños
de los círculos que se realicen y la presión. Básicamente,
podríamos decir que es como el trazo ida y vuelta, pero
con un movimiento circular.

Un ejemplo y uso común de esta técnica de dibujo a lápiz

la podemos ver en representaciones de la piel humana,
donde sirve para dar la ilusión de los poros y los vellos en
la piel.

Se puede decir que en esta técnica, la textura del papel

también será bastante aparente, como el dibujo aquí
arriba. Si quieres un acabado de apariencia mas suave,
utiliza un papel más suave.
Difuminado

El proceso del difuminado puede tomar muchas formas.

Algunos artistas simplemente prefieren variar la cantidad
de presión en el lapiz para cambiar la cantidad de grafito
que se aplica, como en el circulísmo.

Para probar la forma más conocida de esta técnica te

recomiendo utilizar un lápiz del rango B (te será más fácil
para experimentar porque el resultado será más obvio),
con el que a continuación aplicarás algo de color a la hoja
con el lápiz utilizando la técnica de atrás hacia adelante.

Ahora: presiona con tu dedo y "jala" el color, frotando tu

dedo en el papel hacia alguna dirección para lograr ese
efecto de que el color está siendo "combinado" con las
demás tonalidades. También puede ser logrado con una
tela, con un esfumino y otros materiales. Es un efecto que
también se utiliza mucho para desenfocar un área del
dibujo y para dar un acabado más suave.
Scumbling/Scribbling o  Garabateo

El garabateo permite que muevas tu mano de manera muy

libre por toda la hoja. Mueve tu lápiz sin ninguna marca o
forma precisa, no importa si la línea está torcida o
deformada: ¡De eso se trata justamente! Entre más
garabateas sobre un área, más saturación y más oscura se
verá.
Las habilidades más básicas a desarrollar.

Si hay algo más que que necesitemos para dibujar y aplicar

nuestras técnicas de dibujo a lápiz, algo así como una
habilidad que requiera de nosotros, en todo caso serían las
que provienen de poder intercambiar entre las funciones
de la parte izquierda de nuestro cerebro (relacionadas con
el lenguaje, contar, la lógica y la abstracción) y las de la
parte derecha (las cuales son no verbales, intuitivas,
orientadas al espacio. A saber, son habilidades “para el
momento”).

Se oye complicado, pero es algo intuitivo y que

desarrollamos sobre la marcha. Si aplicamos esto al dibujo,
se convierte en las habilidades de:

1. identificar bordes
2. reconocer espacios
3. calcular proporciones y ángulos
4. diferenciar la luz de la sombra
5. la habilidad inconsciente de “unirlo todo”.