FICHA DE IDENTIFICACIÓN DE TRABAJO DE INVESTIGACIÓN

Título Monografía del Arte en Bolivia

Nombre y Jose Martin Jaime Morales Código de estudiantes
Apellido 60013
Fecha 07/12/2022

Carrera Arquitectura
Asignatura Historia de la Arquitectura II
Grupo B
Docente Franco Mauricio Gareca Ortega
Periodo Académico II– 2022
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1. INTRODUCCION

¿QUE ES EL ARTE?
Como arte denominamos un conjunto de disciplinas o producciones del ser humano de
fines estéticos y simbólicos a partir de un conjunto determinado de criterios, reglas y
técnicas.

Etimológicamente, la palabra arte procede del latín ars, artis, y del griego τέχνη (téchne),
que significa "técnica". De ahí que fuera usada en la antigüedad para referirse también a
oficios como la herrería, además de las disciplinas como la poesía, la pintura o la música.

Las artes buscan representar, a través de medios diferentes el universo de inquietudes

humanas, sean reales o imaginadas, mediante el uso de símbolos o alegorías.

La expresión arte se usa también para referir a todos aquellos procesos manuales que
requieren de la aplicación de reglas o técnicas específicas, orientadas al disfrute de los
sentidos. Por ejemplo, las artes culinarias.

Arte también es una palabra utilizada para indicar la capacidad o habilidad para hacer
algo con excelencia y pericia.

De acuerdo al concepto de bellas artes

La noción de bellas artes jerarquiza el valor de las disciplinas artísticas de acuerdo al
principio de "pureza", esto es, la libertad total con respecto al principio de utilidad, lo que
subraya su carácter estético y autónomo.

Por ello, la clasificación de las bellas artes solo abarcan siete disciplinas, que son pintura,
escultura, literatura, música, danza, arquitectura y cine. Esta última fue añadida en la
primera mitad del siglo XX.

Las diferentes disciplinas artísticas se adaptan o rompen con los criterios estéticos
dominantes de cada época. Tienen un estrecho vínculo con las ideas o conceptos relativos
al arte, la filosofía o la sociedad, definiéndose a través de valores estéticos particulares,
como la belleza, la armonía o el equilibrio.

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TIPOS DE ARTE
Las artes pueden ser clasificadas siguiendo diversos criterios.

Artes Plásticas: Son consideradas artes plásticas todas aquellas expresiones artísticas
que transforman o modifican los materiales, sea en superficies bidimensionales o
tridimensionales. Las artes plásticas explotan elementos como el plano, las líneas, el
volumen, la textura, etc. Se puede clasificar en:
- Artes mayores: se refiere a aquellas manifestaciones de las artes plásticas que
tienen por propósito la contemplación estética. Coinciden con aquellas reconocidas
como "bellas artes" por su carácter autónomo respecto a la utilidad. Esencialmente,
pintura, escultura y otras disciplinas semejantes.

- Artes menores: artes aplicadas o artes utilitarias: son aquellas expresiones plásticas
que están subordinadas a un principio de utilidad. Entre ellas se pueden mencionar la
ebanistería, la orfebrería, el vitral, el mosaico y las artes decorativas en general.

Artes musicales o sonoras: Es una expresión que refiere a todas las manifestaciones
de la música, independientemente de su género, estilo o formato. Recientemente, se
ha incorporado también una disciplina específica de aparición reciente, conocida con
el nombre de arte sonoro.

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Artes literarias o literatura: Se refiere a todas las manifestaciones de la literatura.

Entre ellas podemos mencionar: la narrativa (novela y cuento), la poesía, el ensayo y
la dramaturgia.

Artes escénicas: Engloba el conjunto de manifestaciones destinadas a la

representación escénica. Por sus características, las artes escénicas son
interdisciplinarias. Dentro de ellas se pueden mencionar el teatro por excelencia, así
como la danza, el teatro de títeres, los espectáculos, los musicales y la ópera, entre
otros.

Artes audiovisuales: Se refiere a todas aquellas expresiones artísticas que utilizan

recursos sonoros y visuales, captados y transmitidos por medio de la tecnología.
Incluye al cine, el vídeo-arte, el video-clip, etc.

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2. TEMA:
EL ARTE EN BOLIVIA

El arte de Bolivia se expresa a través de una gran variedad de técnicas, entre las cuales destacan
la pintura, la escultura, y la cerámica. La diversidad del país y su gente, así como los colores
vistosos que forman parte de la vida cotidiana de Bolivia, crean un ambiente único que inspiran
grandes obras de arte. Estas obras no siempre han recibido el reconocimiento que merecen,
quizás en gran parte por la falta de museos bolivianos en el pasado. En los últimos años sin
embargo, muchos museos y galerías de arte se han abierto en el país, dando a los artistas
bolivianos más oportunidades de mostrar su talento. La ciudad de Santa Cruz es especialmente
conocida por su cultura dearte boliviano, así como sus artes plásticas, arquitectura y productos
artesanales.

Bolivia es la cuna del llamado mestizo baroque, un estilo singular que es el fruto de una fusión
del arte religioso traído por los españoles y el arte de la gente indígena de la zona. El periodo
colonial estuvo dominado por artistas como Melchor Pérez de Holguín, mientras los artistas
bolivianos más conocidos del siglo XX son Guzman de Rojas, Arturo Borda, María Luisa
Pacheco, y Marina Núñez del Prado.

Bolivia es un país geográficamente y socialmente diverso, y esto se refleja en su arquitectura. En

las zonas andinas de Bolivia hay muchos edificios de piedra, mientras en la zona amazónica se
utiliza la madera de la selva para la construcción de edificios. Las ciudades grandes como Sucre
y La Paz han seguido los modelos arquitectónicos de Europa y Norte América, con sus
rascacielos y edificios modernos. En los últimos años, la migración desde las zonas rurales a las
urbanas han incrementado, dejando paso a la construcción de más edificios altos en las ciudades
de Bolivia. En muchos pueblos y ciudades, todo está construido alrededor de la plaza mayor, lo
cual es otro ejemplo de cómo Bolivia ha seguido el modelo de urbanización de Europa. Al igual
que el arte boliviano, la fusión de estilos coloniales traídos por los españoles con el estilo de los
bolivianos, ha creado un estilo único llamado barroco mestizo. Muchas de las iglesias incorporan
en su diseño símbolos de la cultura indígena de Bolivia e imágenes de su flora y fauna. Entre los
arquitectos bolivianos más famosos, destaca Emilio Villanueva Peñaranda, el diseñador de
muchos edificios importantes de La Paz.

Muchos edificios bolivianos han sido diseñados teniendo en cuenta su función, sus alrededores,
los recursos disponibles para su construcción y la gente que los utilizaría. Existen restos de
arquitectura incaica en Bolivia que son atracciones populares, y también se ha conservado una
gran cantidad de arquitectura colonial, sobre todo en Sucre. Descubre más sobre la arquitectura
de Bolivia en estas páginas.

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ARTE EN BOLIVIA
RESILIENCIA MÍTICA Y TRANSHISTORICIDAD

Aunque el desarrollo histórico del arte en Latinoamérica es asincrónico con respecto al de

Europa, existen innegables paralelismos que comunican sus respectivos procesos creativos y
conceptuales y que se remontan a una de las ocupaciones culturales y sociopolíticas más extensas
y dolorosas en la historia: la del imperio español en México, Centro y Sudamérica a partir de
fines del siglo XV, en pleno Renacimiento europeo.

Es indispensable conocer el contexto histórico para comprender las manifestaciones artísticas

que emergieron y cómo los mitos precolombinos y coloniales alimentaron una elusiva identidad
y expresión sincrética y de resistencia.

España afirmó su dominio e influencia decisivamente con la ocupación de lo que hoy conocemos
como México en 1519, y dos décadas más tarde de los territorios del Alto Perú, que hoy
conocemos políticamente como Perú y Bolivia.

La narrativa, sin embargo, difiere notablemente según se trate de México o de las naciones
andinas. Cuando el regente azteca Moctezuma escuchó rumores del arribo de montañas que
navegaban sobre el mar y de seres divinos que destellaban como relámpagos cuando se movían,
tomó a los visitantes como divinidades vengativas y temía que su aparición presagiará el fin de la
civilización.

Se equivocó sobre lo que vio – las montañas eran galeones españoles, y las divinidades,
conquistadores – pero sobre los efectos de su llegada, estaba en lo correcto. A los pocos meses
estaba muerto y una porción de su tesoro había sido embarcada a Europa (donde causó asombro
entre espectadores con discernimiento como el artista grabador Alberto Durero).

Para fines del siglo XVI, la población indígena de México se había reducido drásticamente
merced a enfermedades importadas para las que no tenían defensas y el modelo de servidumbre
esclavista impuesto por la potencia extranjera.

Si bien las violentas circunstancias de la conquista en el Alto Perú dos décadas más tarde fueron
similares, la ocupación colonial fue diferente en varios aspectos. Mientras los españoles
arrasaron con la gran metrópoli azteca, Tenochtitlán, donde asentaron su poder, dejaron la capital
imperial inca, Cuzco, más o menos intacta y se establecieron en la costeña Lima. Como
resultado, artes nativas como la tejeduría y la cerámica continuaron floreciendo en su entorno
original.

La conquista del Imperio inca por Francisco Pizarro abrió el camino para la sumisión de la
Bolivia actual en el año 1535 y el establecimiento de la Real Audiencia de Charcas, parte
esencial del Virreinato del Perú, que abarcó todo lo que hoy es el territorio boliviano y que,
siglos antes de la llegada de los españoles, fue conocido como el reino del Collasuyo.

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Este nombre que designa a los habitantes aimaraparlantes de una serie de reinos independientes
de la meseta del Titicaca con fuertes lazos culturales entre sí, se extendía al sur del Cuzco, desde
los Andes y el altiplano de Bolivia hasta la ribera del rio Maule (Chile), y desde las costas del
pacífico hasta los llanos de Santiago del Estero (Argentina).

El centro neurálgico del Collasuyo estaba situado en el altiplano andino, en torno al lago
Titicaca, una de las regiones más densamente pobladas de los Andes desde antes del Estado
Tiahuanaco. En 1450 fueron invadidos por las fuerzas del inca Pachacutec, quien conquistó el
altiplano después de grandes combates y pérdidas humanas.

Hoy el nombre Collasuyo es usado por movimientos nacionalistas indígenas para referirse al
Estado Plurinacional de Bolivia asimilándolo a su región andina de mayoría indígena aimara y
quechua, con una clara pero sesgada perspectiva ideológica de acento regionalista).

IDEOLOGÍA Y TRANSHISTORICIDAD

El contexto anterior facilita, pese a su brevedad, una primera lectura del guion museográfico
orientado decisivamente por el curador y artista, José Bedoya, quien fuera director del Museo
Nacional de Arte de Bolivia (MNA) de junio del 2016 hasta enero del presente año.

La propuesta del MNA refleja tanto criterios artísticos como extra-artísticos. Por una parte, se ha
adoptado la tendencia museística de la transhistoricidad abriendo el debate sobre el papel del
museo con un acervo tradicional de confrontarlo con la modernidad artística para atraer una
nueva audiencia local.

Por otra parte, enfatiza una perspectiva extra-artística, ideológica, consistente con los mitos
políticos adoptados por el Gobierno boliviano actual en torno al Collasuyo que se remonta, entre
otras fuentes, a la narrativa de la resistencia atávica indígena del movimiento religioso y político
Taki Unquy surgido en 1560 que propugnaba el rechazo del Dios cristiano impuesto de manera
violenta y coercitiva a la población andina como consecuencia de la conquista.

El guion comunica ambas perspectivas con base en la exhibición de artefactos precolombinos

(textiles, orfebrería, cerámica, talla en piedra y madera), retablos, tallas y pintura colonial (de
factura foránea e indígena) y obras modernistas, tanto figurativas como abstractas (pintura,
dibujo, escultura y grabado).

La presente crítica se enfoca primordialmente en las principales salas creadas por el presente
guion y las obras artísticas exhibidas que están vinculadas al legado precolombino, y a la
producción artística, principalmente pictórica, producida durante el período colonial español.

No se puede ser exhaustivo en la presente crítica, ya que el examen de los fondos culturales del
repositorio del Museo Boliviano excede las posibilidades de este espacio. Sin embargo, se evalúa
el uso de la transhistoricidad por parte de la curaduría boliviana para confrontar, trazar y conectar
el arte del pasado con la modernidad artística local.

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DIÁLOGO DE IMAGINARIOS

El recorrido inicia con una sala dedicada a los «Mundos andinos» que ilustra la cosmogonía de
los habitantes precolombinos de habla quechua primero y, luego, con la extensión del dominio
inca del aymara.

Los cuatro mundos o dimensiones en que se divide el Cosmos o Pacha son Hanan Pacha o el
mundo de arriba, Kay Pacha, el mundo de aquí donde habitan los ríos, montañas, animales,
plantas y humanos, Uku Pacha, el mundo de abajo donde se encuentran por ejemplo los
minerales, la raíces y la madre tierra o Pachamama y el Hakak Pacha o mundo del más allá.

Estos son mundos constantemente relacionados entre sí. Así, por ejemplo, el cielo y la tierra se
conectan mediante el rayo y el cóndor, mientras el sapo y la serpiente conectan el mundo de aquí
con el de abajo.

A diferencia del cielo y el infierno del credo católico que se impuso con la colonización, el
Hanan Pacha y el Uku Pacha pueden ser benignos y malignos a la vez. Por ejemplo, en el mundo
de abajo, Uku Pacha habitan diversas fuerzas de fecundidad y generosidad y al mismo tiempo
enfermedad y muerte.

Aunque el fuerte de los fondos culturales administrados por el MNA no son los artefactos
precolombinos, las obras exhibidas son suficientemente representativas para introducirnos en un
diálogo transhistórico.

A la izquierda de la siguiente sala contigua titulada El espejo quebrado, sobresale un tejido

original de Tiahuanaco y Nazca, de autor desconocido, hecho en la técnica de telar vertical
llamado axsu. Esta técnica se sigue practicando hoy en día en Bolivia, aunque no con la misma
extensión y calidad.

Durante el período colonial se introdujeron en los textiles nativos motivos cristianos mezclando
sincréticamente la flora andina con simbolismo de distintas órdenes religiosas. Otro textil con
figura en rombo también de factura anónima nos recuerda el peso de la tradición textil original.

Este sincretismo fue tanto motivo de atracción como de alarma para los patrones españoles. En
distintos momentos los motivos indígenas fueron estimulados por su encanto y exotismo
mientras en períodos inestables políticamente fueron prohibidos como emblemas incendiarios de
revuelta. No obstante, tanto como vehículos del placer o como gestos de provocación, la cultura
se revelaba en esta vena artística.

Otras piezas hablan de la capacidad de los orfebres mediante piezas de laminado en oro
provenientes de Tiahuanaco y los vasos ceremoniales llamados kerus que se producían en
madera y se utilizaban para rituales específicos. Los kerus o vasos ceremoniales de madera de la
cultura inca –que pudieron originarse antes con la civilización Tiahuanaco– fueron vasos
subversivos, en opinión de arqueólogos locales, ya que expresaron la resistencia indígena frente

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al dominio de los españoles, por eso fueron vasos proscritos según ordenanzas y perseguidos por
lo extirpadores de idolatrías durante el período de la Colonia.

En el lado derecho de la primera sala y las sucesivas, encontramos a modo de contrapunto

secuencial pinturas principalmente del modernismo boliviano que abrazan una identidad
precolombina de la que ya no pueden ser parte integral, porque les resulta elusiva. No obstante.
Los artistas son, a menudo, el resultado del mestizaje y la inmigración europea.

Es el caso del óleo sobre tela de 1984 de Alfredo la Placa titulado Ritual III, o el Inca II, un óleo
sobre papel de 1992 de Luis Zilvetti que es parte de un conjunto que evoca los personajes
centrales de la conquista.

«DESCUBRIR EL PASADO»

El paralelismo con el arte europeo de fines del siglo XIX y principios del XX es inevitable.
Mientras artistas europeos como Matisse y Picasso «descubren» la escultura tribal africana, y la
incorporan en sus propuestas de manera intelectual, los artistas bolivianos hacen lo propio con
los mitos y el legado cultural precolombino.

La emblemática pintura en técnica mixta sobre tela titulada Ritual realizada en 1967, por María
Luisa Pacheco no es una obra abstracta intencionalmente, sino que parte de una aproximación
poética hacia el paisaje regional sagrado que sublima líricamente.

Ambos acercamientos son primariamente intelectuales, pero también revelan la vigorosa

atracción inherente a la evocación de un mundo donde el arte era todavía la expresión natural e
integral de conceptos fundamentales incuestionables.

Esta identificación del arte con las fuerzas básicas de la naturaleza y las creencias sobre el
cosmos en sociedades tribales ha resultado tremendamente atractiva tanto en Europa como en
Sudamérica en un entorno donde el arte gradualmente se ha ido divorciando de la vida y
producido en oposición a las fuerzas de la vida que animan el mundo fuera del estudio del artista.

Para muestra, la técnica mixta sobre cartón de 1929 realizada por Jorge de la Reza y que se titula
La Conquista o la obra Descanso, un óleo sobre tela de 1957 realizado por Enrique Arnal.

La mayoría de los artistas bolivianos cuyas obras se confrontan con el legado precolombino o las
pinturas realizadas en la colonia por indígenas ha tratado de aislar algún tipo de cualidad esencial
de la cultura para mostrarlo en sus respectivas obras.

Pero existe un contraste adicional y fundamental entre las obras creadas por artesanos para
cumplir con rituales atávicos y es que su simbolismo intencional va acompañado de un sistema
de creencias que busca que el objeto produzca efectos en el mundo físico a la manera del fetiche.

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Los artistas modernos bolivianos con que son confrontados no creen en su mayoría que esos
símbolos mágicos usados desde tiempos precolombinos para relacionarse con el entorno cambien
el mundo físico o sean de ayuda práctica.

Pero, eso sí ayudan al examen exploratorio del problema que todos enfrentamos hoy – como
mantenerse cuerdo y vivir con propósito en un mundo orientado a la ciencia y la técnica que
explica todo intelectualmente dejando el espíritu a un lado.

IMPOSICIÓN Y ACOMODACIÓN ESTÉTICA

El dominio imperial, político, militar y económico viene siempre acompañado de la dominación

cultural a través de la religión, la educación, y por supuesto, la expresión artística financiada por
los estratos dominantes con poder para patrocinar artistas.

El guion del Museo Nacional de Arte de Bolivia evidencia en cada una de sus veinte salas
temáticas, como el dominio colonial español introdujo

las estéticas europeas con técnicas como la pintura de caballete y la imaginería policromada,
entre otras, junto a obras de artistas italianos, flamencos y españoles que además enseñaron su
quehacer a la población indígena y criolla locales.

Los movimientos europeos más influyentes fueron las escuelas del renacimiento y el manierismo
italiano, y luego el barroco español. Los flamencos por su parte permearon la cultura mediante el
grabado de temas religiosos y cotidianos.

A partir de la segunda sala pintada en un intenso azul y señalizada con el título de Ángeles y
Demonios resuena con fuerza la mayor riqueza de la colección en exhibición. Se trata
principalmente de pinturas al óleo sobre madera y tela, sobre temas predominantemente
religiosos y políticos especialmente en las representaciones de nobles, autoridades y
conquistadores que muestran el gradual empoderamiento técnico de los artistas indígenas en el
nuevo medio artístico.

Pasamos de obras producidas por españoles, flamencos e italianos en el siglo XVI a obras
producidas mayormente por indígenas que se crean en talleres o gremios al estilo medieval de los
que hay que ser parte para pintar. Los maestros que sobresalen empiezan a firmar sus obras.

Esta sala refleja la teatralidad del barroco europeo en su máxima expresión: un óleo sobre tela
atribuido a Luca Cambiasso sobre la Sagrada Familia contrasta abiertamente en su concepción
con la estética local con visos manieristas del peruano Gregorio Gamarra en Adoración de los
Reyes Magos.

No estamos ante obras visionarias en el sentido estricto. Con frecuencia son fieles
representaciones de la narrativa litúrgica y oficial. Otras veces copias que se repiten hasta la
saciedad. Lo importante es que los artistas locales empiezan a transmitir conceptual y

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compositivamente en sus obras sus profundas creencias enraizadas en las culturas

precolombinas.

Una de las influencias foráneas decisivas sobre esta emergente generación de pintores locales fue
la del jesuita italiano Bernardo Bitti (1548–1610), considerado el más grande pintor de
Sudamérica en el siglo XVI y el más influyente entre los pintores posteriores a él debido a que
fundó la mayoría de las escuelas pictóricas del Perú y fue referente para muchas otras que
establecieron sus alumnos. Uno de sus óleos sobre tela sobre San Juan Bautista pintado a fines
del siglo XVI es exhibido demostrando su nivel técnico y estilo propio.

En las tierras altas de los andes, los ángeles y arcángeles aparecen en la pintura hacia 1660 y
encuentran eco en las divinidades prehispánicas de los elementos naturales. La pintura y el
grabado fueron los medios preferidos para este tipo de representaciones que evocaban a
Huaminca o guerrero alado reconocido en la cultura inca como una figura tanto real como mítica.
El óleo sobre tela del siglo XVII de Diego Quispe Tito representa tanto a San Miguel Arcángel
como al atávico Huaminca.

Otro tanto ocurre con el Ángel de la Guarda, un óleo del mismo periodo pintado por un miembro
del Círculo o gremio López de los Ríos.

La lectura de este período de apropiación cultural se confronta con el modernismo de énfasis

crítico y satírico revelado en obras como el óleo sobre cartón de Arturo Borda pintado en 1944 y
titulado Mundo, demonio y carne o el dibujo sobre papel de Mario Careaga titulado A mi
alrededor ángeles con coros celestiales me van cantando y yo voy gritando desde el fondo de mi
alma de esclavo, o el óleo del 2010 titulado «La caja» de Marcelo Suaznabar.

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TRANSFERENCIA FALLIDA

La siguiente sala de un brillante rojo en sus paredes está dedicada a las representaciones de la
Virgen María y su correspondencia sincrética con la Madre Tierra incaica, la Pachamama.

Bernat Boil (1440-1507), un fraile catalán de la orden benedictina fue uno de los primeros
misioneros en las Américas, y se le atribuye haber trasladado la historia de la Virgen María al
nuevo mundo. Sin embargo, pese a sus esfuerzos y los de otros monjes y patrocinadores
españoles, el culto a la Virgen María nunca alcanzó la popularidad en los nuevos territorios que
disfrutó en su nativa España.

Este fracaso tal vez le sorprenda, particularmente por el hecho de que durante la ocupación
española las ordenes monásticas quisieron asociar a la Virgen María con las montañas sagradas
que adoraban los aborígenes.

Es notable en esta sala cómo la composición pictórica central es triangular y evocadora de las
montañas sagradas incaicas. A un nivel denotativo vemos la representación al óleo de un
personaje católico, pero a lo que se rinde culto en la obra es al sitio sagrado natural como en
Virgen cerro un óleo de factura anónima pintado hacia 1720 o la Virgen de la Candelaria un óleo
también de autor anónimo realizado en La Paz en el siglo XVII. O la Virgen del rosario de
Pomata, otra obra anónima de 1680. El personaje y su atuendo en la composición representan
una y otra vez la flora andina, los motivos y colorido del altiplano y la estructura piramidal de los
cerros.

La historiadora de arte estadounidense, Stella Nair, que se ha especializado en la cultura de

Tiahuanaco afirma que en las tierras del altiplano al sur de los andes ciertas montañas fueron
identificadas por los indígenas como“Apus es decir lugares marcados como sagrados y de
veneración.

Adicionalmente, los picos de las montañas y las salientes rocosas llamadas Huacas se
convirtieron en sitios de devoción privada, peregrinajes masivos y sacrificios de animales. Estos
espacios son, aún hoy, considerados expresiones de la madre tierra, la Pachamama, revelando la
asociación andina de lo femenino sagrado con una montaña venerada.

Sin embargo, esta asociación no está directamente mapeada sobre la iconografía cristiana. Como
han dejado claro, los historiadores de la religión en las Américas, las ideas y prácticas de lo
sagrado raramente son directas o fácilmente transferibles.

En otras palabras, la transferencia de los significados espirituales de la liturgia católica no fue

exitosa, a pesar de que las obras por encargo desarrolladas por los gremios de pintores nativos
fueran rígidamente impuestas bajo cánones europeos.

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Como evidencian las sucesivas salas del guion museográfico adoptado en La Paz, la iconografía
basada tanto en tradiciones católicas y contenidos bíblicos fueron medios de dominación cultural
y validación de la superioridad de los colonizadores sobre los aborígenes locales.

Así por ejemplo en la sala titulada Imágenes de Poder sobre Tata Santiago y Tata Illapa se
presenta entre otros personajes al apóstol Santiago como un aguerrido opresor del pueblo
indígena, un mataindios, o el misterio del Corpus Cristi, cuerpo de Cristo, en la sala De los
mallquis a los santos, para ilustrar la sustitución mediante representaciones pictóricas del cuerpo
de cristo y procesiones asociadas al santo sacramento y los santos, de la veneración local de las
momias de antepasados incas.

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ESCUELA DE COPISTAS SINCRÉTICOS

La intención de los representantes de la iglesia católica era hacer catequesis y evangelismo a

través de las representaciones pictóricas, pero la cultura no se construyó sobre las creencias
importadas sino sobre su propio legado. Ese fue realmente el acomodamiento y la resistencia de
los nativos en las artes visuales desde la colonia.

Los artesanos indígenas sustituyeron gradualmente a los artistas foráneos dominando la copia de
originales en medios como el grabado y las pinturas. Esta práctica de larga data en la historia
europea se volvió común en el nuevo mundo durante la colonia. Los patrones españoles,
religiosos y políticos, fomentaban el uso de grabados y pinturas como modelos de los cuales
copiar parcial o enteramente.

Los misioneros en particular usaban más los grabados porque eran fáciles de transportar y podían
emplearlos en su labor misioneras o instrucción religiosa, y la oportunidad abierta para la
evangelización cristiana incrementó exponencialmente la demanda de grabados.

Las autoridades religiosas en el nuevo mundo creían que la práctica de copiar grabados
capacitaba a los artistas locales en el aprendizaje de la iconografía tradicional y adopción de los
modelos europeos de representación que se esperaban en las sagradas imágenes de fe católica
romana. Esto daba seguridad adicional a los patrones de que los artistas comprendían el resultado
deseado del trabajo comisionado.

Sin embargo, como ya explicamos, esta transferencia fracasó porque los pintores indígenas
locales respetaban, pero reinterpretaban o, incluso efectivamente, rechazaban el original europeo
para seguir su propia voz de acento prehispánico. Basta ver la Virgen de Belén, un óleo del siglo
XVIII de autor anónimo para comprobar la narrativa local en contrapunto con la importada.

Mediante un proceso de mímesis particular derivado de este encuentro colonial, los artistas
indígenas copiaban, pero no replicaban completamente los originales. Así los modelos europeos
gradualmente se volvieron andinos.

En el trazado transhistórico que se fomenta en cada sala sujeta al actual guión museográfico, lo
sincrético merca para dar espacio en la modernidad artística boliviana a representaciones que
carecen de su intensidad formal y conceptual, incapaces por razones de contexto de mostrar o
aproximarse a la fuerza telúrica de los artistas indígenas precolombinos, e incluso coloniales.

Basta comparar la representación de la virgen en la pintura colonial y compararla con las más
distantes e intelectuales versiones de pintores como Arturo Borda en su óleo sobre cartón de
1947 sobre la Virgen de Copacabana, patrona de Bolivia, y el óleo sobre tela de 1943 sobre el
mismo personaje de Jorge de la Reza.

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MAGIA MODERNA

Aunque nos ocuparemos en una próxima crítica de la modernidad, posmodernidad y

contemporaneidad en el arte boliviano del siglo XX y XXI, que forman también parte del guión
del Museo Nacional de Arte, es importante hacer notar cuánto deben al concepto de la «magia
moderna». Este término acuñado por el artista Paul Klee a partir de 1914, por sus estudios de
culturas ancestrales, fomentó el arte primitivo y antiguo como fuente de inspiración para el arte
moderno.

Klee intelectualizó su acercamiento al legado artístico del pasado, pero produjo obras que
evocaban fantasías con base en las formas atávicas y primitivas de las culturas del norte de
África, entre otras regiones que visitó. Klee resumió su posición declarando que «el arte en su
sentido más elevado» trata con un «último misterio que se esconde detrás de la ambigüedad que
la luz del intelecto falla miserablemente en penetrar».

El guión actual del Museo Nacional de Arte de Bolivia no sólo afirma una perspectiva ideológica
sobre la resistencia cultural a la ocupación española basada en un importante acervo
precolombino, colonial y moderno, que confronta mediante una museografía transhistórica sino
que, también, abre sin tal vez saberlo una discusión más importante sobre el dilema del artista
que ha sido enunciado por Klee.

Hemos tratado desde el comienzo de la ilustración en el siglo XVII de explicar todo a través del
intelecto y la ciencia. En la era precolombina andina y en el período colonial hasta avanzado el
siglo XIX el último misterio se refería al alma, a la dimensión metafísica o espiritual de la
existencia.

Cada artefacto incaico, e incluso las obras sincréticas de la colonia, en esta muestra, hablan de
una relación espiritual íntima y diaria con entidades malignas y benignas en tres dimensiones
cósmicas. Los árboles, las aguas, el viento, y principalmente las piedras y montañas eran
sagrados porque estaban relacionados con la comunión del alma con la naturaleza y sus fuerzas.

Pero muchas de las expresiones del arte moderno y posmoderno que se han nutrido por más de
un siglo del estudio de la herencia cultural andina han sido cómplices intelectuales del despojo
del alma de sus compañeros de viaje.

Cuando abandonamos el sistema de creencias que sustenta el arte del pasado que decimos
admirar y pretendemos rescatar para “recuperar la identidad” nuestro ejercicio pierde integridad,
porque es meramente intelectual. En el fondo dejamos de creer que el misterio del espíritu existió
alguna vez.

El arte es uno de los pocos lugares que quedan en la sociedad actual, no solo la boliviana, para
encontrar evidencia de ese misterio. Una de las lecciones de esta muestra es el triunfo de la
curaduría intelectual sobre la creatividad y el espíritu del arte.

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OBRAS FUNDAMENTALES DEL ARTE BOLIVIANO

Andrea Riera

Es productora, gestora, dramaturga y directora de teatro. Impulsora de proyectos de formación

como Plataforma 1.

“Colección textil” de Inés Córdova

Entre las obras que destaca Riera está el trabajo de la fallecida artista plástica potosina Inés
Córdova. Resalta toda su colección de Collage textil.

Entre sus obras más sobresalientes, se debe mencionar el Mural en cerámica en la Facultad de
Ingeniería de la UMSA (junto a Gil Imaná, 1965), “Telúrica americana” (1985) o el Panel mural
enriquecido con textiles en la sede de la OEA en Washington, Estados Unidos.

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“Madre tierra” de Rosmery Mamani

En la lista de Riera también aparece la pintora Rosmery Mamani, con “Madre tierra”. El trabajo
de Mamani se caracteriza por el alto nivel de realismo y detalle que presenta. Es una de las más
importantes exponentes de la técnica de la acuarela en Bolivia. Su obra contiene principalmente
retratos de alto realismo de personas aimaras y afrobolivianos. Los paisajes urbanos y rurales
también se reflejan, aunque en menor medida y generalmente como marco para retratos o como
entorno de actividades cotidianas.

“Aires indios” de Eduardo Caba

Los “Aires indios”, del maestro Eduardo Caba (1890-1953), son verdaderas joyas de la literatura
pianística boliviana. Caba fue un compositor nacionalista, pianista y profesor de música
boliviana. Pasó la mayor parte de su vida profesional en Buenos Aires y sus últimos 10 años en
La Paz.

“Del mar y la ceniza” de Yolanda Bedregal

Yolanda Bedregal de Conitzer (La Paz, 1913-La Paz, 1999), célebre poeta y novelista boliviana,
también conocida como Yolanda de Bolivia, constituye una de las figuras más destacadas del
postmodernismo hispanoamericano. “Del mar y la ceniza” es uno de sus libros de poemas más
destacado, fue escrito en 1958. Consta de 151 páginas con hasta 42 poemas, entre los que está
“Frente a mi retrato”.

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“Wara Wara” de Antonio Díaz Villamil

“Wara Wara” es un largometraje boliviano dirigido por José María Velasco Maidana, basado en
una obra teatral del escritor Antonio Díaz Villamil llamada "La voz de la quena”. La película que
se estrenó en la ciudad de La Paz en 1930 cuenta la historia de amor de la princesa Wara Wara,
hija de un nativo americano del reino de Jatun Colla, con el capitán español Tristín de la Vega en
la época de la conquista española.

Claudia Pacheco Araoz

Es productora y gestora cultural independiente boliviana, actualmente se encuentra trabajando en

investigación cultural en torno a políticas públicas. Pacheco comenta cada obra elegida en su
lista.

“En las playas desiertas del Beni” de Lola Sierra

Fue compositora e investigadora, fue basta su dedicación a la cultura popular. El vals presenta
otro Beni, un Beni dolido, nostálgico que intenta no diluirse en el olvido.

“Búsquedas: Las discapacidades” de Vicky Ayllon

La voz de la rebeldía y de la sensualidad. Una invitación constante a la interpelación de nuestra

existencia, a reconstituir el deseo desde el territorio que habitamos.

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“El Parafonista” de Álvaro Montenegro

Este disco es para mí una celebración a la diversidad sonora que tenemos en el país, pero además
una provocación para la construcción de un horizonte en la música contemporánea boliviana, sin
la pretensión de establecer un estilo o un código.

“Tirinea” de Jesús Urzagasti

Antes de conocer el Chaco boliviano, el autor me lo había presentado en una novela que teje al
paisaje a cada palabra y movimiento. El Chaco es más que un territorio de batalla, “Tirinea” nos
presenta un chaco profundo, íntimo y diverso.

“Bala perdida” de Mauricio Durán

Es un documental de autor sobre la muerte de su hermano, mientras realizaba el servicio militar.
Esta obra actuá sobre la memoria, el recorrido sinuoso para esclarecer los hechos, una historia
que es constante en el país y que de forma recurrente justifica las muertes y desapariciones como
accidentes.

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“Mi compadre el ministro” de Raúl Salmón

La obra de Raúl Salmón ha expuesto los temas sociales que todavía no superamos, entre la
realidad y “ficción” en un código popular que presenta en un acto el trayecto del clientelismo
estatal, vigente en 1953 hasta nuestros días.

“En el país del silencio” de Jesús Urzagasti

Jesús Urzagasti es un escritor nacido en el Gran Chaco boliviano que vivió en La Paz desde los
20 años hasta su muerte el 27 de abril de 2013, es aquí donde escribió sus primeros textos
literarios. Su escritura fue estudiada –nunca en su totalidad– centrándose en la figura del
caminante, del viajero o del nómade.

“Akirame” de Roberto Echazú

Nació en Tarija el 1 de mayo de 1937. Realizó sus estudios secundarios en el colegio Nacional
San Luis de su ciudad natal. Estudió en el Departamento de Letras Modernas de la Facultad de
Filosofía y Letras de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina), aunque no llegó a
concluir la carrera.

Fue codirector, junto a Jesús Urzagasti, de la revista de poesía y cultura Sísifo (Córdoba, 1959;
La Paz, 1964). Su libro “Akirame” (1966) obtuvo la distinción Faja Amarilla otorgada por la
Honorable Municipalidad de la ciudad de La Paz a la mejor producción literaria del año.

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“Illimani” de Arturo Borda

Es una de las obras del artista paceño Arturo Borda (La Paz 1883- 1953). Fue un pintor,
dibujante, connotado retratista y paisajista, además de escritor boliviano destacado. Su obras se
encuadran en el movimiento simbólico prevaleciente a principios del siglo XX.

Borda comenzó a pintar a los 16 años siendo un autodidacta; sus primeras obras son retratos y
paisajes de estilo modernista

“Ñusta” de Cecilio Guzmán de Rojas

Cecilio Guzmán de Rojas, (Potosí, 24 de octubre de 1899– La Paz, 14 de febrero de 1950) fue un
pintor indigenista boliviano de la primera mitad del siglo XX, a quien se debe la recuperación del
indio como valor estético en la pintura de Bolivia. Tras una etapa expresionista en la que
prevalece la representación del indio -propia de la época de la Guerra del Chaco (1932-35)-,
volvió a su característica paisajista andina. Fue el pintor más influyente entre sus coetáneos.

“Retorno al Pahuro” de Herminio Pedraza

Herminio Pedraza (1935-2006) es uno de los referentes fundamentales en la pintura boliviana del
siglo XX. En los inicios de su carrera llegó a ser uno de los destacados alumnos del multifacético
profesor húngaro Jorge Rózsa Obermayer, una suerte de Juan Rimsa en Santa Cruz, al ser el
mentor de una generación de grandes talentos en nuestra región.

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“La nación clandestina” de Jorge Sanjinés

“La nación clandestina” es una película dirigida por el director boliviano Jorge Sanjinés, que se
estrenó en el año 1989. La cinta se basa en la transculturación de su pueblo. Desde su debut
cinematográfico con “Ukamau”, la primera producción hablada en aimara, hasta “Insurgentes”,
su último largometraje, la obra del director y guionista boliviano ha encarnado un esfuerzo
consciente por filmar desde dentro la historia de los indios y campesinos bolivianos.

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EL ARTE EN BOLIVIA EN LOS SIGLOS XIX Y XX

La historia contemporánea boliviana desde la independencia, tiene dos etapas claramente

diferenciadas, el siglo XIX, en que se miraron los modelos europeos, sobre todo franceses, y la
etapa iniciada hacia 1920, que constituye una paulatina y progresiva toma de conciencia
nacional.

Al iniciarse el siglo XIX, el estilo imperante era el Neoclasicismo, que en Bolivia fue peculiar,
pues formalmente tuvo características propias del barroco italiano del siglo XVII, con alternancia
de curvas y contracurvas, frontones mixtilíneos, y que en lo decorativo se manifestó mezclado
con el Rococó, aunque concentrando la decoración solo en los elemento arquitectónicos. La
arquitectura se fue depurando hasta la total sobriedad, y la libertad creativa fue desapareciendo.
La obra más importante del estilo, y de las primeras décadas, es la Catedral de Potosí, de Manuel
Sanahuja. Otras son: la Casa del Mariscal Andrés de Santa Cruz, hoy Colegio San Calixto, y l
Tercera Orden Franciscana, 1833, en La Paz.

Desde el inicio de la Republica, Felipe Bertrés y José Núñez del Prado introdujeron las normas
de la Academia francesa, estilo muy sobrio, que en Bolivia se lo conoce como Academicismo. Se
construyeron así, en La Paz, el teatro Municipal, 1834-1845, y el Palacio de Gobierno, 1845-
1852, obras de Núñez del Prado. El palacio esta edificado con los tres ordenes clásicos, en torno
a un patio con portada interior y escalera triunfal. Entre 1830-40, se construyó, en ladrillo, con
cubiertas y bóvedas interiores de madera, la Catedral de Santa Cruz, obra de Bertrés. La Catedral
de La Paz iniciada por Sanahuja, fue continuada a lo largo del siglo por otros arquitectos como:
Bertrés, José Núñez del Prado, Vespignani, Morales, Camponovo, hasta 1905 en que se la dio
por concluida sin las torres.

El único ejemplo de arquitectura militar es el complejo de la fortaleza Pan de Azúcar, construida

siguiendo modelos de la arquitectura militar española, con una fortaleza principal y pequeños
fuertes aledaños, para ubicar y resistir la artillería, complejo destinado a proteger la ciudad de La
Paz de las invasiones peruanas.

Se realizo también arquitectura conmemorativa, como el Arco de Triunfo de Zepita y el arco de

Triunfo de La Paz, así como la columna conmemorativa en la plaza de Potosí. En Sucre se
construyó la Capilla Rotonda, 1850, inspirada en Palladio.

Sin que desapareciese el Academismo, en las dos últimas décadas del siglo se impuso el
Eclecticismo. Sucre y La Paz desarrollaron intensa actividad arquitectónica, logrando ejemplos
importantes y peculiares. En 1880 se introdujo el Neogótico como arquitectura religiosa, y muy
seguidamente, el Eclecticismo, mezcla de estilos de diferentes épocas y orígenes. El Padre
Eulalio Morales construyó en La Paz la iglesia de San Calixto, 1882, y la Recoleta, 1884-94.
Entre 1892 y 1904 se construyeron en Sucre el nuevo palacio de Gobierno, hoy Prefectura
Departamental, uno de los más logrados ejemplos del eclecticismo, con fachada ligada a los
modelos franceses; el Teatro Gran Mariscal Sucre, edificado con planos de un proyecto francés
para la Opera de parís, y también se construyeron el Banco Nacional de Bolivia, fundado en

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1872, con gran hall de atención al publico, y el Banco Argandeña, de Eduardo Doynel. El
ejemplo mas significativo del eclecticismo es el Palacio de la glorieta, 1900, de Antonio
Camponovo, que reunió en el edificio 14 estilos. Asimismo la Alameda, conjunto de parque y
jardines con obeliscos, arcos triunfales, lagunas artificiales, etc., incluyendo una torre de
arquitectura metálica, imitación en pequeñas escala de la Torre Eiffel. En el mismo periodo se
construyo en Tarija la Casa Dorada, con rica decoración interior de murales, tapices, lienzos, etc.

Ya en pleno siglo XX, y dentro del eclecticismo, Arturo Posnasky edifico su residencia privada
en estilo neotiahuanaco, 1909, hoy sede del Museo Nacional de Arqueología en La Paz. Se
construyeron varias residencias como el Club Libanés, la Casa Machicado, y las oficinas de la
Bolivian Railway, en La paz, con ventanas y balcones elaboradas en hierro forjado, y con vitrales
de decoración geométrica, en torno a un hall cubierto de estructura metálica y vidrio.

En la arquitectura metálica se construyo en La Paz la Aduana Nacional, 1915-20, edificio

concebido inicialmente como estación de ferrocarril, diseñado en Filadelfia y construido por
Miguel Nogué. Importantes obras de ingeniería son los puentes colgantes, que penden de cables
de acero, sostenidos por dos pares de torres de estilo neogótico, el Puente sucre sobre el río
Pilcomayo, entre Sucre y Potosí, construido por el ingeniero Pinkas, y el Puente Arce sobre el río
Pilcomayo, entre Sucre y Cochabamba, ambos diseñados y calculados por Luis Soux.

Dentro del academismo oficial se construyeron en la Paz el gran edificio del Palacio Legislativo,
1900-1905, atribuido a Antonio Camponovo. Edifico académico tardío es el Palacio de Justicia
de La Paz, 1919, de Adán Sánchez. En Oruro, durante los años de apogeo minero de Patiño se
construyo el Palais Concert, 1930, pequeño teatro de arquitectura afrancesada.

El arquitecto más importante de Bolivia en el Siglo XX ha sido Emilio Villanueva (1886-1970),

que dentro del academismo edifico el Hospital General, al Alcaldía, 1925, el Banco Central de
Bolivia, 1926, en la Paz. Dentro del incipiente funcionalismo racionalista, y en pos de una
arquitectura nacional realizo el complejo de la Universidad Mayor de San Andrés, 1941-1948,
aplicando módulos y conceptos espaciales inspirados en la cultura Tiahuanacu.

En esos mismo años se puso de moda la arquitectura neocolonial y neohispánica, con edificios
como la Estación de Ferrocarril en La Paz, y la Corte Suprema de Justicia en Sucre, de Julio
Mariaca pando (c. 1895-c.1970), y los edificios de La Razón y la Caja Nacional de Seguridad
Social, de Mario del Carpio, en La Paz. De Martín Noel son el Hotel Cuarto Centenario, en
Potosí, y el edificio aledaño a San Francisco, en La Paz. Destacan también la Prefectura de
Potosí, y el Banco del Estado, de Iturralde, en Santa Cruz.

En la estática de la Revolución Nacional se construyó, dentro de un triunfalismo de carácter

nacional-socialista, aunque inspirado en la arquitectura prehispánica mesoamericana, el
monumento a la Revolución Nacional, 1960, de Hugo Almaraz (1910-1980).

En los años 1950, a causa de los cambios socioeconómicos en Boliva, se produjo una nueva
relacion de dependencia con el mundo exterior, especialmente con Norteamérica, quedando

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trunco el proyecto de búsqueda y desarrollo de una arquitectura nacional. El país fue inundado de
propuestas constructiva y estéticas generadas en otras realidades. Se introdujo en Bolivia el
racionalismo funcionalista, inspirado en la tercera generación de rascacielos norteamericanos.
Destacan, el edificio de La Papelera, 1967, de Luís Perrín (1917), y la sede principal de
Yacimientos Petrolíferos Fiscales Bolivianos, de Luís Iturralde, en La Paz.

En los años 1950, a causa de los cambios socioeconómicos en Boliva,s e produjo una nueva
relación de dependencia con el mundo exterior, especialmente con Norteamérica, quedando
trunco el proyecto de búsqueda y desarrollo de una arquitectura nacional. El país fue inundado de
propuestas constructiva y estéticas generadas en otras realidades. Se introdujo en Bolivia el
racionalismo funcionalista, inspirado en la tercera generación de rascacielos norteamericanos.
Destacan, el edificio de La Papelera, 1967, de Luís Perrín (1917), y la sede principal de
Yacimientos Petrolíferos Fiscales Bolivianos, de Luís Iturralde, en La Paz.

Más recientemente ente, en la década de los 80 hizo su aparición el Post Modern en la obra de la
más joven generación de arquitectos, destacando la Casa Morales 1985, de Roberto Valcárcel
(1951), en La Paz

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EL URBANISMO Y LA ANTIARQUITECTURA

Hasta la cuarta década del siglo X.X se aplicó el urbanismo de cuadricula estableció desde la
colonia. Los nuevos proyectos urbanísticos empezaron a ejecutarse en La Paz, con el barrio de
Miraflores como prototipo, y Santa Cruz en la segunda mitad del siglo, con el veloz crecimiento
y organización en anillos y barrios. No obstante, en todas las ciudades del país, es evidente la
carencia de adecuados planes de expansión urbana, pues el crecimiento y los asentamientos son
más bien espontáneos y desordenados. El vertiginoso crecimiento demográfico experimentado
por las ciudades boliviana desde 1970, por la intensa migración del área rural, ha planteado
problemas que la arquitectura y el urbanismo formales no has sabido plantear ni podido resolver
adecuadamente, resultando en respuestas espontáneas, ejecutadas por los propios habitantes de
las viviendas, en acción muchas veces colectiva, con raíces culturales adaptadas a la vida urbana.
Así, en las zonas populares, en procesos de autoconstrucción, se ha sustituido el tradicional
adobe por el cemento y el ladrillo, y l techo de paja o palma, por la calamina, para sus cubiertas,
en propuestas de espacio interior y vinculación con el exterior, muy peculiares e interesantes.
Ejemplo son las barriadas de las laderas, o la avenida Buenos Aires, en La Paz, las taperas de los
alrededores de Santa Cruz, y los ranchos de Cochabamba.

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BIBLIOGRAFIA:

https://www.significados.com/arte/
https://www.donquijote.org/es/cultura-boliviana/arte/
https://www.meer.com/es/59587-arte-en-bolivia
https://www.lostiempos.com/doble-click/cultura/20200803/obras-fundamentales-del-arte-
boliviano
https://www.redescuela.org/WikiEscuela/ElUrbanismoYLaAntiarquitectura

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