4-Arte-Griego - PDF: Gutmar Historia Del Arte 1º Grado en Filosofía Facultad de Filosofía Universidad de Sevilla

4-Arte-griego.
pdf
GutMar
Historia del Arte
1º Grado en Filosofía
Facultad de Filosofía
Universidad de Sevilla
Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Profesor: Magdalena Illán Año: 2021
En esta figura se puede ver el cambio que se ha dado respecto

al arte egipcio, viéndose aquí donde las proporciones del cuerpo
adquieren gran importancia, empezándose a utilizar el desnudo como
uno de los temas centrales.
-Noble sencillez y serena grandeza.-
El arte griego no tiene un carácter estético ni de disfrute, sino
un carácter moral. Se representa por el valor ético que tiene detrás
las circunstancias del personaje representado.
La trascendencia del arte griego

Es un arte copiado de forma descomunal, los romanos se apropiaron y copiaron
descaradamente este tipo de arte, lo que facilita el conocerlo a pesar de que no se
conservaran ciertos aspectos artísticos griegos como tal. El arte cristiano también se
apropió del arte mitológico griego y romano.
Durante la Edad Media, mientras más nos acercamos al Renacimiento, se va
aumentando el interés por la antigüedad clásica (Botticelli, Miguel Ángel). En el Barroco
también sucede, a pesar de que comúnmente se piensa que se encuentra en las antípodas
del arte griego, pero no es así; el arte griego sirve de referencia para las obras barrocas.
A mediados del XVII, con la creación de la Academia de Bellas Artes en Francia,
se aparta de ese barroco, imponiéndose un barroco clasicista que pone su mirada en la
antigüedad clásica; siendo un Barroco más artístico, más controlado. En el siglo XVIII
también tiene una gran importancia este tipo de arte, frente al arte rococó del momento
(incluso se propone una vuelta al arte griego clásico frente a esa frivolidad del momento).
En el arte dominante del siglo XIX hay influencia del arte griego en los temas, las
proporciones; en ocasiones, copian el arte griego de una manera muy servil. En el siglo
XX se da una reacción contra el academicismo, contra esos valores del arte más
aburguesados que vienen del arte griego clásico. El arte cretense, prehelénico, influyó de
una forma muy notable en el Art Nouveau de los siglos XIX-XX. La arquitectura tendrá
un importante impactó, sobre todo, en el Renacimiento.
Precedentes del arte griego

Los precedentes del arte griego fueron el arte cicládico, el cretense y el
micénico, sirviendo estos de conexión entre el arte griego y el egipcio.
El arte cicládico se descubre en el siglo XIX, a finales, tomándolos los artistas de
la vanguardia contra el academicismo. Sus temas fueron fundamentalmente los
funerarios. Sus esculturas son muy sintéticas y esquemáticas; a partir de esta visión plana,
comienza un mayor naturalismo. Carácter de nobleza y trascendencia muy potente.
ARTE GRIEGO 1
Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
a64b0469ff35958ef4ab887a898bd50bdfbbe91a-4264509
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
En los yacimientos de Creta (arte cretense) se han encontrado muchísimos objetos

artísticos, que poseen ese carácter trascendental anterior, pero como novedad se
encuentran un arte con carácter estético, algo totalmente novedoso (Jarras Minoicas,
elemento estético, no hay que buscarle significado trascendental). Uno de los hallazgos
más interesantes es el Palacio de Cnosos (al principio se pensó que era el laberinto del
minotauro).
En el Palacio de Cnosos, los colores de la pintura y las líneas curvas le confieren
un sentido de movimiento que difieren por completo de la rigidez de Egipto. Se ha
considerado en ocasiones como el rococó de la Antigüedad. Toda la obra (véase la
parisienne o las jóvenes de azul) confiere una sensación de movimiento, incluso los
cabellos. Todo es por satisfacción estética.
El tema de la central de muchas obras es el toro, ya que en la cultura minoica se
da una veneración al toro, donde sí sería un carácter ritual estas representaciones. En la
Taurocatapsia el movimiento también tiene gran importancia, donde la estilización del
toro hace que esa característica aumente.
El urbanismo micénico va a influir de forma notable en Atenas, dividiéndose por
zonas los complejos urbanísticos dependiendo de su función, teniendo la mayor
importancia los templos religiosos, que se colocaban en la zona superior. (A pesar de lo
poco que se conserva, desde el punto de vista histórico posee una importancia en las
civilizaciones posteriores el Megaron del palacio de Néstor).
El concepto de arte
El concepto de arte sería algo parecido a lo que se consideraba techné. Aristóteles
lo definía así: "acción a partir de la cual el hombre produce una realidad que antes no
existía". Esto es tener unos conocimientos que más tardes se materializan en cuestión
práctica. Platón distingue entre artes que fabrican objetos y las artes que imitan objetos,
donde se encontrarían las artes plásticas.
En el periodo helenístico hay una evolución importante, diferenciándose
artes liberales y artes vulgares; las primeras tienen una consideración social superior,
manteniéndose esa jerarquía hasta la Edad Moderna, estos se debe a que no requerían a
un trabajo físico, sino que era puramente mental e intelectual. El hecho de que en las artes
vulgares las obras tengan un valor económico, le resta estatus.
En cambio, Cicerón lleva a cabo un cambio en torno a la concepción del arte
liberal, incluyendo el trabajo físico dentro de ella si se requiere para ello elevada
inteligencia.
El arte en la Grecia Clásica tiene un carácter moral casi al 95%, concibiéndose
el carácter estético del arte, como en Creta, en muy pocas ocasiones, dedicándose en este
caso para la finalidad política, religiosa o social.
ARTE GRIEGO 2
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Aristóteles también valora ese sentido moral del arte, aunque es más flexible, que
entendería el arte en Mímesis, recreación que sea creíble, y en Catarsis, a través de lo que
nuestra mente y emociones se quedan confrontadas con una situación concreta, que lleva
a una situación de tensión y emociones muy potentes, a partir de las cuales se produce la
purificación del alma. Por tanto, para Aristóteles, el arte tiene esa capacidad para
contribuir a que el ser humano evolucione (Él habla de tres autores: -Polignoto, representa
a los hombre mejores de lo que son, vinculando con la tragedia. -Dionisio, representa a
los hombres tal y como son, sin caracteres morales. -Pausón, representa a los hombres
peores de lo que son, vinculándose con la comedia).
El arte en la Grecia Clásica. Arte como concepto.

Se centra en el ser humano, tanto en la escala como los protagonistas, es un
antropocentrismo, algo que cabía radicalmente el concepto de arte. La naturaleza se ve
como un elemento de aprendizaje y de evolución, naturaleza casi siempre idealizada.
En la Grecia clásica hay un culto a la individualidad y a la originalidad del
artista, rompiéndose con lo estático de los valores del arte egipcio. Hay una unión
estrecha entre moral y belleza, belleza trascendente, moral y ética.
Para acercarnos a esta belleza es necesario acercarnos al concepto de kalon, donde
se dan cualidades estéticas y morales, persiguiéndose las obras esas dos cuestiones. (El
placer no es el primero ni el segundo de los bienes, sino que el primero de los bienes
consiste en la mesura, en el justo medio, en lo conveniente, y todas las demás cualidades
análogas a ésas, ... ..... el segundo de los bienes es la proporción, lo hermoso, lo perfecto,
lo que es por sí mismo suficiente. PLATÓN, Filebo.).
El ejemplo de esta unión entre arte y moral es la representación de Penélope en
el arte griego, que en ningún momento se pensó en representarse como una amazona,
siendo lo importante aquí no la belleza estética que ambas representaciones poseen, sino
el aspecto moral o de decoro que en cada personaje ha de darse.
El Decoro fue un elemento esencial más adelante, siendo las normas que ha de
seguirse para que cada figura representada trasmita y represente lo que ha de trasmitir.
Pitágoras enlazó la belleza con la correcta disposición de los elementos en relación
matemática; de ahí se sigue la idea del módulo, las leyes de proporción, ejemplo de ello
es el módulo arquitectónico, diámetro del tercio inferior de la columna, y el módulo
escultórico, que pasa a ser la cabeza en lugar de puños.
El concepto de belleza más seguido artística y socialmente es el seguido por
Sócrates, quien asocia la belleza a lo bueno y a lo conveniente (kalon). Platón defendió
la belleza sensible, siendo su finalidad la adecuación a los convenientes, con carácter
trascendente (no sentimiento fugaz de placer) y con propiedad objetiva de las cosas bellas
(no siendo una reacción del sujeto).
ARTE GRIEGO 3
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Cuando habla Platón de la belleza de las cosas se refiere a la proporción áurea, a

la proporción medida, siendo una proporción estable que se mantiene de manera
armoniosa hasta el infinito.
Volviendo a Aristóteles, este se aparta de Platón, viendo al arte como
fundamental, siendo bello aquello que es valioso por sí mismo y lo que a la vez nos
agrada; dando así una visión tanto objetiva como subjetiva del arte.
Las cualidades de la belleza de la que habla es la dimensión, la proporción y el
orden, la justa medida (conveniencia) y el movimiento del alma, elemento puramente
artístico, siendo la expresividad y sentimientos que nos produce lo que trae la catarsis.
En el helenismo se da una relación entre belleza y placer, aunque conviven con
las concepciones anteriores; esta belleza helenística busca el placer estético, algo más
fugaz y menos trascendental. En cambio, Cicerón habla de una belleza espiritual, el
decorum, y de una belleza corporal, pulchrunm. También diferencia la belleza como
"masculina o femenina", siendo la primera la dignitas, que es la gravitas, y la segunda, la
venustas, enlazada con la suavitas.
El artista
Al artista, aunque en ocasiones se
le desprecia, siempre se tiene una
consideración social muy baja, aunque se
alabe a la obra (alabamos a la obra, pero
despreciamos al autor). La jerarquía sería
la siguiente: poetas, músicos, arquitectos,
orfebres, pintores y escultores. Jerarquía
que permanece hasta el siglo XVII-XVIII.
A partir del siglo IV a.C. se
empieza a valorar más a los artistas, donde
la biografía de algunos artistas les confiere una consideración social, dejando Plinio el
Viejo los detalles sobre ese ascenso social, vinculándolo este a factores económicos
(regalaban su arte), factores intelectuales (escritura de un canon) o factores sociales
(vínculo con un personaje importante).
Coleccionismo y mercado artístico

Se daban coleccionismo en espacios públicos, ubicándose en las zonas de
alrededor de los templos, normalmente en forma de exvotos. Existían unos Hieropoi, que
eran los guías turísticos del templo, que mostraban al público que pagaba los distintos
tipos de arte que se daban en el templo. Los templos tenían una clara función religiosa,
pero también una fuerte función cultural.
ARTE GRIEGO 4
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Otros espacios donde se podían ver las obras de arte era en los Propíleos, zona de
entrada a la Acrópolis de Atenas, que tenía una pinacoteca en su interior (ya esto es dentro
de la ciudad, no en las zonas latas), era de entrada gratuita.
En la época helenística nacen los museos (Mouseion, casa de las musas), más que
un lugar de exposición, era un lugar de participación activa de las élites. El mouseion de
Alejandría fue el primero de ellos.
Ese coleccionismo pasó al mundo romano, que estaba obsesionado con el mundo
griego, creando copias que permite acercarnos a la obra original que se perdió. Fue un
mercado muy intenso con muchas copias.
Arte griego
Nos situamos a partir del siglo VI, donde aparecen ciertos conceptos que van a ser
fundamentales, nacidos de la democracia ateniense, como fueron la igualdad, la libertad
y la libertad de expresión (isonomía, eleutheria e isegoría).
El templo y la creación de las órdenes arquitectónicas
Se da una arquitectura comunitaria para la polis; sigue siendo una arquitectura
arquitrabada, líneas rectas, dintel y columnas. Busca el equilibrio y transmitir
eternidad y estabilidad, por ello esa rectitud de sus formas.
Al principio se llevan a cabo con materiales perecederos (madera, adobe), hasta
que se lleva a cabo la petrificación, siendo lo mismo pero con piedras areniscas, mármol
(incluso se intenta imitar esas características propias de los materiales anteriores, como
líneas de los árboles).
Los elementos esenciales de la arquitectura son:
 Hombre como canon: la altura del hombre es 6 pies, la altura de la columna es 6
veces el diámetro inferior de la columna/imoscapo.
 Los órdenes. Sirven para organizar el tiempo, determinando la función moral del
templo (interesa esto). Hay tres tipos de órdenes, sin entrar en elementos
concretos de estos órdenes. Cada orden tiene elementos diferentes, establecidos
según la naturaleza moral del templo.
o El basamento separaba el mundo terrenal de lo sagrado.
o La columna; fuste-capitel.
o Entablamento: arquitrabe-friso-cornisa.
Órdenes griegos:
o Dórico: dioses masculinos, representan el poder, por ello también se
vincula con algunas diosas, con las más importantes (Hera y Atenea). Es
el más sencillo, el que no tiene decoración, se considera más viril,
elementos muy elementales. Propaganda del poder de la Grecia clásica.
ARTE GRIEGO 5
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
o Jónico: se hacía más a lo femenino, al ser más grácil, y a lo elegante; el

orden de las diosas, salvo la dos anteriores. Templos menores de diosas
menores.
o Corintio: es el más tardío de todos, en el periodo de crisis del siglo IV. Es
el más decorado (cesta con hojas de acanto en el capitel). Está dedicado a
diosas y dioses jóvenes, más impulsivos (Apolo).
La base fundamental el templo griego se mantiene, es la planta o Megaron, que

sirve de transición. El templo no se concibe como una arquitectura habitable, no hay
ningún tipo de habitabilidad ni estaba previsto que se hicieran ritos en el interior, por ello
no tiene ni portabilidad ni iluminación. Es la casa de los dioses, simplemente.
Por esto, hay quien no enlaza el templo con la arquitectura, al no realizarse con
pensamiento a la habitabilidad. Es una arquitectura muy racional, teniendo todo una
denominación muy concreta. Estarían techados a dos aguas, tenían el basamento que
diferenciaban del ámbito terrenal, indicándose en el tímpano y en el frontón a quien se
dedicaba el templo.
Para poder ser captada esta percepción, el arquitecto ha de calibrar las
imperfecciones que tienen los elementos al realizar el tiempo para poder ser visto como
una colosal perfección (ejemplo: éntasis columna de Partenón, donde el tercio inferior de
las columnas es más grueso, para que se pueda entender esas columnas de forma perfecta,
las columnas están inclinadas hacia adentro, para dar sensación de rectitud; las columnas
de los ángulos son más anchas que la del interior, aunque todas las columnas tienen
medidas distintas; distancias de los intercolumnios es variable; curvatura en entablamento
y estilóbato, que se curvan hacia arriba para cesar la sensación de concavidad).
La policromía de los templos sería de colores muy fuertes. El interior del templo
estaba formado por una descomunal escultura del dios o de la diosa, que ocupaba todo el
espacio, que estaba a oscuras, iluminado por unas velas; los ritos se realizaban en el
exterior.
Evolución del templo griego

Aquello que no funcionaba, se cambiaba. El templo de Hera en Paestum es de
orden dórico, siendo el orden más sencillo y antiguo, pero no transmite calma y
tranquilidad porque en este templo hay desproporciones.
Número impares de columnas que rompía con la simetría como belleza para la
entrada del templo (en adelante, se acabaron las columnas impares), el capitel sobrepasa
el diámetro inferior de la columna (se corregirá más adelante). Los aspectos fallidos se
van cambiando a medida que se van construyendo nuevos templos.
ARTE GRIEGO 6
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
En el templo de Atenea en Paestum se va mejorando, manteniéndose la planta esta

vez sin ningún tipo de problemas; proporciones más armoniosas, con simetría en las
columnas.
El estilo Severo supone un paso a un templo más dócil, más armonioso y
perfecto (templo de Aphaia), encontrándose sus elementos perfectamente colocados.
En la Atenas de Pericles vamos a ver esa evolución del templo clásico, tanto en
los más ortodoxos como en los más creativos.
Debemos entender a la Acrópolis de Atenas como propaganda del poder de
Pericles, ya que venían de las Guerras Médicas, poniendo a los mejores artistas a realizar
una acrópolis totalmente novedosa. Pericles pensó que para el momento de crisis por el
que pasaban tras las Guerras Médicas, lo mejor será insuflarle ánimos a la polis a través
de la empresa de realizar una Acrópolis mejor que la que existía anteriormente. Lo que
más nos interesa es la parte sagrada de la Acrópolis.
Acrópolis
Los propileos son las zonas de acogida al visitante; al encontrarse en elevación el
templo, el visitante tiene que llevar a cabo una elevación física por las escaleras que va
en consonancia con la elevación anímica. Cuando se suben las escaleras, ya los propileos
acogen al visitante (por la fuerza y la importancia, es de orden dórico). Así, los propileos
son unas "puertas" que nos abren la entrada al templo sagrado. Al entrar, podemos ir al
templo de Atenea Nike (templo jónico de la diosa de la victoria), donde se representa
simbólicamente la victoria en la Batalla de Salamina (la simbología fue cortarle las alas
a la figura de la diosa, para que la victoria siempre se quedara con ellos).
Otro de los templos importantes, sino el que más, es el Partenón, donde se trataba
de poner en valor los principios de la lógica, de la democracia, de la civilización, frente a
lo bárbaro, lo salvaje (se colocaban a los atenienses como la evolución de la sociedad).
Todo el edificio está marcado por la proporción áurea. Tenemos que imaginarnos al
Partenón policromado. Es de orden dórico, ya que está dedicado a Atenea, la defensora
de la ciudad. Sin embargo, el arquitecto que se hizo cargo llevo a cabo ciertas
innovaciones que no gustaron a parte de la sociedad, atreviéndose Fidias a romper con las
normas establecidas (verdaderamente, Fidias era un escultor, pero poseía la confianza de
Pericles), junto con Ictino y Calícrates, que fueron los arquitectos ingenieros.
Fidias utilizó dos órdenes en un mismo edificio, siendo el exterior de orden
dórico, y el interior de orden jónico. En el interior habría una escultura monumental de
marfil y oro de Atenea Parthenos.
Otro de los templos es el de Erecteion, atribuido a Mnesiclés por la ubicación del
mismo. Este lugar está marcado por un olivo, ya que Atenea hizo nacer, según el mito,
un olivo del suelo, que la llevó a sr la diosa protectora de la ciudad. Por este olivo fue
donde tenía que levantarse el templo. Este templo es muy irregular, siendo una antítesis
del templo griego clásico, pero teniendo la justificación el lugar y el hecho de que se rinda
cultos a distintos dioses (Atenea, Poseidón, Hefesto, Rey Erecteo, héroe Butes).
ARTE GRIEGO 7
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Cada figura a la que se rinde culto ha de ser diferente, adaptado siempre al

concepto moral, siendo la parte de Atenea la más grande y la más alta. La entrada está
marcada por las mujeres de Caria, representándose la venganza de Atenas a aquellos
pueblos que le traicionaron (moral ateniense).
El teatro griego
Se realiza para albergar los ritos en honor a Dionisio. Dividiéndose su estructura
en Koilon, excavado en colinas de forma semicircular, la Orchestra y la Escena.
Siempre están excavados en la montaña, aprovechándose el desnivel para realizar
las gradas. Está jerarquizado. Una acústica extraordinaria, para que se pudiera escuchar
lo ducho en la Orchestra en todo el teatro.
Escultura
En la escultura griega se sigue la belleza, teniendo un canon en este caso la belleza
física (medida, proporción, naturalismo idealizado); siendo esta belleza física la medida
de 7/8 cabezas.
El canon también se mueve a representar la belleza moral, el decoro, teniendo
unas medidas marcadas para esta representación (2m - 1,90m - 1,80m).
Los aspectos esenciales son su naturalismo, marcado por:
 Un estudio científico de la anatomía.
 La ruptura de las convenciones, para avanzar con originalidad en la escultura, pero
respetando unos ámbitos que no se pueden sobrepasar.
 El desarrollo del volumen, frente a lo que se vio en Egipto, dándose un mayor
relieve y modelado con bulto redondo.
 El movimiento fue un factor fundamental, siendo una obsesión de los artistas por
captarlo (momento pregnante), para congelar el momento de auge de una escena,
dándose un movimiento a veces controlado (principio de diartrosis, donde todas
las partes del ser humano se marcan armoniosamente), el contrapposto (da
sensación de movimiento, rompe la frontalidad, movimiento moderado al cargar
con todo el peso de la figura en una pierna).
 Más adelante también se aumentarán los distintos puntos de vista.
 La expresión ha de ser captada, evolucionando del captar el ethos al pathos.
 Recursos técnicos, pudiendo representar la anatomía y los paños mojados en el
mármol; y buscando el naturalismo, se encontraban policromadas y con postizos.
Aunque se dieron esculturas independientes, la que más se ha conservado, siendo

incluso los originales, es la vinculada a la arquitectura (muchas son de Tímpanos). Las
temáticas, hasta el helenismo, fueron las representaciones de dioses, héroes, atletas y
exvotos religiosos, siendo todas de un carácter trascendental religioso y ejemplarizante.
ARTE GRIEGO 8
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Algunas de las técnicas fueron el bronce y la piedra (la labor de trépano para trabajar la
piedra y realizar el cabello de la figura).
Época arcaica
- ) Se representa el Kourós (hombre joven/atleta). Se da un naturalismo
idealizado. Quizás en esta época se da algo más parecido a Egipto, aunque con un mayor
naturalismo.
Tiene una técnica completiva, al igual que en la escultura egipcia; la ley de los
cuatro puntos de vista fundamentales. Los kourós eran para que los jóvenes los tomaran
como modelos. Las bases de la figura en mujeres y en hombre eran distintas (cilíndricas
y cuadradas).
Hay detalles que dan información sobre la figura que se ha representado, por
ejemplo, la diadema indicaba que era un vencedor (Cleobis y Bitón de Poymedes de
Argos).
También se da una escultura funeraria en la escuela ática, donde se ve un avance
a un mayor naturalismo, tanto en el rostro como en el movimiento.
En relación con esa época arcaica, la obra fundamental es el Efebo de Kritios, que
rompe la ley de la frontalidad que se veía dando; esta escultura, gracias al
contrapposto, invita a rodear la figura para verla como figura general con movimiento.
En el cuerpo ya se vislumbran una serie de curvas y ondulaciones, pensándose que para
un mayor naturalismo, sus ojos eran de cristal.
- ) Las mujeres en esta época eran las Koré, que tenían finalidad religiosa, en
forma de exvoto; estas figuras aparecen vestidas, se encontraban en templos, poseían la
sonrisa arcaica. Para realizar la figura, se partía de una base cilíndrica.
En comparación con los hombres, las figuras de las mujeres se someten a menos
evolución, aunque sí se da de forma más sutil. Fundamentalmente en la vestimenta y el
cabello se pone fin a esos pliegues rectos que le confería rigidez, transmitiendo cada vez
más expresividad y movimiento.
Época clásica
En esta época se da el arte severo (templo de Aphaia de Egina). En este templo que
tomamos como modelo, hay dos frontones; aunque la diferencia sea de 10 años entre
ambos, las diferencias son abismales.
En la zona occidental, en el centro se
encuentra una Atenea estática; mientras que en
oriental se encuentra en el centro una Atenea
completamente dinámica, que le transfiere al resto
de personajes ese movimiento.
ARTE GRIEGO 9
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
En esta zona de nueva realización, se puede ver en la figura como aumenta de

forma abismal ese naturalismo, mejorando tanto el movimiento de la figuras como la
expresión de cada personajes, siempre en relación con el momento que estaban viviendo
dentro de la historia que en el frontón se cuenta.
Este arte severo se da en el siglo V, siendo su obra más importante el Auriga de
Delfos, donde se dan movimientos de forma muy sutil, porque aunque no hay
movimiento, por la forma en la que coloca pies, manos y el leve giro de la cabeza, da
sensación de movimiento. En esta figura incluso se da sensación de aire. Se cree que
tendría postizos de decorado, su rostro es de ethos.
Dentro del estilo severo está también el Poseidón de Artemisión, donde confiere
una sensación de movimiento, sin llegar a tener movimiento. Las formas son
desproporcionadas, aunque ya se da una búsqueda de la perfección, hasta encontrarla
más adelante. Esta perfección que se busca nos obliga a tener una mirada circular en la
figura.
Escultura clásica
Atenas de Pericles
En la época clásica también se da la Atenas de Pericles (características- canon
lo hemos hablado antes). Se da unas proporciones matemáticas perfectas (es lo que aplica
Policleto), pero hemos de recordar que la belleza moral es de gran importancia, donde se
ha de expresar esa serena grandeza (ethos). En esta época se ve el momento pregnante
de una forma más fuerte (en un solo fotograma se narra la historia).
Los principales autores son Mirón, Fidias y Policleto.
Mirón
El Discóbolo de Mirón es uno de los mayores ejemplos, aunque lo que
conservamos es copia romana, se cree que la original sería en bronce. Es la representación
de un atleta, por tanto, es una intención ejemplarizante. Es más una representación
conceptual que naturalista (así no es la forma de lanzar un disco), Mirón ha querido
mostrar la sensación de estar preparado para lanzar el disco (movimiento circular para
lanzar); todo el cuerpo se encuentra en tensión menos su rostro, que está impasible,
representando la serenidad del ethos en él.
En el Atenea y Marsias de Mirón (copia romana) se da de forma muy notable el
momento pregnante, que hace ver el trágico final de la historia en una sola representación.
Aunque es una representación totalmente estática, hay movimiento. Se ve también el
decoro de la obra (contenida y elegante en Atenea; el sátiro Marsias se ve más
expresividad y movimiento).
ARTE GRIEGO 10
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Policleto
Policleto escribió en esta época el Kanon; un ejemplo
importante, en copia romana, es el Doríforo, donde se da el canon
de 7 cabezas, una perfecta simetría y el contrapposto
(apoyándose en una pierna); el principio de diartrosis también se
ve en las partes del cuerpo totalmente definidas, con el rostro
expresado por el ethos. Otro ejemplo de Policleto es el Diadúmeno,
que es también otro atleta victorioso.
Respecto a las mujeres artistas, aunque no se considera en
ningún momento este papel de la mujer fuera de la tradición, hay
mujeres que sí se dedican al arte, mencionándolas Plinio en sus
obras, aunque en algunos casos se mezcla fantasía y realidad.
Algunas de ellas son Timarete, Kora (leyenda), Olimpia, Eirene, Aristartete, Calypso,
Lala de Cizicus, Helena de Egipto. No se ha conservado ninguna pintura de la Grecia
Clásica; pero sí se sabe que Helena de Egipto realizó una pintura sobre la Batalla de Issos.
Primero tenemos este arte como receptáculo de las costumbres, pero ese mismo
arte contribuye a que se den los cambios. La metodología del arte es del ensayo error.
En esta Atenas de Pericles, encontramos el apogeo de la representación del
hombre, encontrándose la concepción de la perfección concentrada en el hombre. Es
Policleto quien crea el canon de la perfección en el hombre (7 cabezas), aunque este canon
va cambiando a medida que cambia el pensamiento.
Fidias
Representa fundamentalmente el modelo femenino, pero de estilo andrógino. Este
modelo lo crea Fidias, aunque más adelante será cambiado y reinterpretado. Su mayor
obra es el Partenón, donde debía representar todos los valores del pueblo ateniense
(pantalla de propaganda de ideales atenienses).
Fidias fue uno de los mayores escultores de la Atenas Clásica, siendo sus
representaciones de Atenea las más famosas; representaba la figura de la diosa con
expresión andrógina. Se ve en sus representaciones un control de las emociones absoluto.
La más importante de sus figuras fue la Atenea Parthenos (oro y marfil), en la base de la
diosa se narraba la historia de Pandora como lo contrario a Atenea.
Como hemos mencionado antes, la obra más famosa de Fidias es el Partenón,
donde en los frontones deja constancia de su excelencia en la escultura. En las diversas
esculturas que se dan alrededor del templo se ve los ideales morales de los atenienses
(se pretende exaltar la lucha y victoria de lo civilizado contra lo salvaje).
Aunque hemos visto el Partenón desde el punto de vista de la arquitectura (lo que
se muestra en la imagen), lo importante está en sus esculturas, donde se reflejan esos
valores (Fidias era escultor). Este edificio está dedicado a Atenea, así en el comienzo del
templo, en su tímpano, se representa su nacimiento.
ARTE GRIEGO 11
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
A lo largo del edificIo se van representando distintos momentos de la mitología,

donde se enfrentan, normalmente, don bandos, siendo el de carácter más civilizado y el
que se impone el que representa los valores de la civilización griega (se representaban en
tímpanos y Frisos).
El único friso sin propaganda política es el friso de las panateneas, de carácter
religioso.
En uno de los frontones
(en el principal, lado este), se
representa el nacimiento de
Atenea; lo principal de la
representación se encuentra en el
centro, a medida que se va
alejando hacia los bordes los
personajes se van cayendo para
centrarse todo en armonía dentro
de la forma piramidal del
tímpano, dando importancia al
momento central. Las figuras,
cuya representación deja
vislumbrar la anatomía, están realizada de una forma muy sutil que permite captar esas
texturas.
En el frontón oeste se representa la lucha de Atenea y Poseidón (lo que interesa es
el mensaje).
En la metopas norte se encuentra la centauromaquia; los lapitas se adaptan al ideal
humano, que representa los valores atenienses, mientras que los centauros, hasta en sus
formas, representa lo bárbaro. En esta parte de la escultura se puede observar los
diferentes ayudantes de Fidias y la calidad de estos.
En la metopas oeste se encuentra la lucha de las amazonas y de los griegos
(amazonomaquia), las amazonas se representan de una forma grotesca y los griegos en
total proporción.
En el interior del templo (Fidias había cambiado los órdenes, haciendo una
interpretación muy personal), se encuentra el friso de las paneteneas, donde se
representa la entrega del peplum; los dioses están representados de una forma más
poderosa, a las sacerdotisas se les da ya menos importancia, en la parte final está todo
el momento de las procesiones, representadas con menos dignidad, más pequeñas,
mezcladas con animales, dando gran importancia a la superposición. Todo está
perfectamente jerarquizado en tamaño e importancia (siguen el canon de belleza
vinculado a la moral o al decoro).
ARTE GRIEGO 12
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
El arte del siglo IV

Período de crisis, donde tras la derrota en la Guerra del Peloponeso se tambalean
esos ideales atenienses que se han representado anteriormente.
Se crean nuevos ideales, empezándose por el cambio del culto a los dioses, siendo
estos cultos ahora a dioses que se dejan llevar más por caprichos, con una actitud más
nómada. Hay gran influencia del sofismo a la hora de entender la belleza y la moral.
Coincide con el período de Alejandro Magno, poniéndose en crisis ese concepto
de polis, dando un arte con más influencia.
Características
 Se cambia el canon de 7 cabezas a 8 cabezas, el hombre va a tener un aspecto
más estilizado y ágil, menos poderoso, transmitiendo estas esculturas fragilidad y
debilidad del hombre.
 Mayor naturalismo, apartándose de los ideales anteriores.
 Mayor individualidades, es un retrato en muchas ocasiones.
 La curva praxiteliana, sería una exageración del contrapposto. Da una sensación
de vulnerabilidad.
 La Karis, que sería algo así como la gracia, una belleza más suave, el encanto.
Sustituye a la gravedad.
 Se impone el sfumatto. Representación de la anatomía con volúmenes muy
difusos. Ambigüedad en la representación de la figura.
 Se introduce cada vez más movimientos. Se incita al espectador a rodear la
escultura. Punto de vista más relativo.
 Profundidad espacial. No hay un punto de vista solo para el espectador.
 En la temática religiosa, los dioses son cada vez más humanos. Muestran sus
pasiones, su fragilidad y debilidad.
 Desmitificación del héroe/atleta. Ya no se representan esos atletas victoriosos,
sino atletas que se encargan de aspectos más cotidianos.
 Nuevos temas como el desnudo femenino. Mayor tendencia a la carnalidad y
placer visual.
Praxíteles
Su escultura más famosa es el Hermes de Olimpia (no se sabe si es el original).
"S" muy marcada por la curva praxiteliana, que le confiere movimiento, pero cuya
ondulación es necesaria para que la figura se mantenga en pie. Ya no se representa la
musculatura marcada, sino que se da un sfumatto. Se puede apreciar como los rostros
son cada vez más individualizados, aunque sujetos a la androginia, pero no se repiten
los rostros según los valores de la época anterior.
ARTE GRIEGO 13
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
El Apolo Sauróctonos también representa esas nuevas características, como el

cuerpo largo y estilizado, la postura poco digna de un dios, la forma de S del cuerpo. Su
rostro es andrógino también, rostro masculino tratado con la delicadeza del rostro
femenino.
Fue el autor del primer desnudo femenino, la Afrodita Cnidia. En el período
anterior, las mujeres iban pulcramente vestidas; este desnudo fue un escándalo en la
época, pero más tarde gustó la representación. También se denomina Venus Púdica
(aparece desnuda, pero tiende a taparse), tiene que tener una historia tras esta
representación del desnudo femenino. En las mujeres también se da la androginia,
fusionándose el prototipo masculino y femenino.
Escopas
Se especializó en personajes femeninos, pero en vacantes o ménades, mujeres que
han perdido el control, con movimientos vertiginosos (Ménade Danzante); todo lo
contrario a la moderación y al decoro del período de la Atenas de Pericles.
Lisipo
Es uno de los más grandes escultores de esta época. Era el retratista oficial de
Alejandro Magno.
Crea el nuevo canon, centrándose ahora en 7,5-8 cabezas, ya la sociedad no se
identifica con las proporciones que indicó Policleto.
Se centra en los retratos individuales, con cada vez una mayor individualidad
en las figuras. Sustituye el pathos al ethos, cada vez vamos a ver una mayor carga
dramática en las representaciones. Utiliza una magnífica profundidad espacial, rompe el
plano para rodear la figura, aumenta los puntos de contemplación.
El Apoxiomeno es una figura de un atleta, pero ya no es un atleta victorioso (sería
un ejemplo inalcanzable respecto a la situación de la Atenas en esa época de crisis); la
escultura se adapta a una nueva sensibilidad social. No representa a un atleta
modélico. La escena de este atleta es rutinaria (se limpia los aceites). También toma esas
características mencionadas. Ya no posee esa dignidad anterior.
En el Hércules Farnesio también se ve cómo se fracturan esos ideales anteriores.
Aquí se ve como un héroe cansado de ser héroe. Tiene una cara reflexiva, y reflexiona
porque está cansado de ser héroe (cansado de los valores ejemplarizantes). Vemos una
especie de antihéroe.
El dios de la guerra, Ares Ludovisi, rompe todos los esquemas, ya que no se
relaciona con ese dios más terrible; también se encuentra reflexivo, a pesar de ser un dios
enérgico. Por último, vemos la imagen de Alejandro Magno, donde Lisipo sí incorpora
unos ideales mucho más elevados, representando al hombre casi como dios. Sus formas
es una forma de representar el phatos (boca entreabierta). Imagen de poder.
ARTE GRIEGO 14
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Arte helenístico
Tras la muerte de Alejandro Magno, se da paso a esta época. En este período se
admiran aún más los contramodelos, situándose en el arte junto a lo que se aparta del
modelo a seguir.
Vemos aquí un arte mucho más ecléctico, influencia de arte de muchos ámbitos
geográficos, interpretados de una manera muy individualizada por la creatividad de los
artistas griegos.
La temática ya no es solo de dioses y los atletas (estos dioses son cada vez más
jóvenes y menos relevantes); se dan también escenas de género con aspectos de la vida
cotidiana que no son ejemplarizantes; se representan también las edades de la vida (ya no
se representan solo jóvenes), hay interés por un mayor naturalismo de la vida cotidiana.
Cada vez vanos a ver una mayor tensión en ese pathos que se representa. Interesan
cada vez más los estados de inconciencia del ser humano. Obras cada vez más sensuales,
impensable en la moral de la Atenas de Pericles, junto con la androginia.
Ya no se centra solamente en el foco ateniense, se crean la escuela de Pérgamo
(dramatismo) y la de Rodas (escenográfico).
Escuela clasicista (Atenas)
De aquí sale la Venus de Milo. El artista utiliza el contraste entre la parte de abajo,
con pliegues abultados, y su contraste de luces y sombras, hace que se intensifique el
desnudo de la parte superior. Forma de S muy marcada.
Rostro con ideal de belleza modificado.
Escuela de Pérgamo
Aquí se da un mayor dramatismo. El Altar de Pérgamo se encuentra en Berlín.
En este se narran dos historias violentas, que justifican el movimiento y la tensión de esta
representación. Por un lado de está la Gigantomaquia, la lucha entre gigantes y dioses, y
la Guerra de Troya, de griegos contra troyanos. Lo más interesante son los personajes
más grotescos. Estos gigantes parecen mitad animales y mitad seres humanos. Ganaron
los dioses, los otros aparecen en actitud humillada. Se da un mayor naturalismo.
Escuela de Rodas
Se caracteriza por una mayor expresividad y un carácter más abierto a
representaciones de conductas que no son ejemplarizantes, que son más cotidianas.
El Laocoonte es una de las esculturas más importantes de la historia del arte, es
una representación de un escenario dramático y trágico.
La historia cuenta que un sacerdote se negaba a que entrara el caballo a Troya,
pero los dioses, que estaban a favor de los griegos, mandaron serpientes para que mataran
a él y a sus hijos. Lo que se representa es ese último momento del drama. (Se narra en la
Eneida de Virgilio).
ARTE GRIEGO 15
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Es una composición piramidal, característica del mundo griego, que en un primer

momento representa armonía, pero que narra aquí una escena terrible.
Ya no se da esa S, sino es un zigzag, es un movimiento abrupto. El mayor
naturalismo hace que no se represente igual los tres. El contraste de la oscuridad del rostro
de Laocoonte trasmite ese momento de angustia.
Trasmite la energía de la figura según el momento en el que se encuentra. Será
una influencia muy importante posteriormente (en la imaginería se toma de ejemplo para
rostro de Cristo, ejemplo Juan de Mesa; Miguel Ángel también lo utilizará de ejemplo).
-La Nike de Samotracia también es de este período. Representaba un barco, y ahí
se encontraba esa Victoria. Transmite movimiento, viento que azota a la figura que le
confiere un carácter de ascenso, importancia de los pliegues.
-El Hermafrodita dormido es también del período helenístico, es una figura
andrógina. Estado de inconciencia que tanto gusta en esta etapa, por la pérdida del control
racional. Hay que rodear la figura para percatarse de que es una figura masculina. No hay
un único punto de vista.
-El Fauno dormido representa también ese momento de inconciencia del sueño, y
la sensualidad que recrea esta figura con gran naturalismo.
Los temas de género son para un coleccionismo privado. Es de alguien que quiere
una escultura porque representa una de las edades de la vida. (Niño de la espina, episodio
intrascendente, banal y frívolo; Niño de la oca; Anciana ebria, es una imagen de la
decrepitud física personificada, impensable en la Atenas de Pericles). Señal de que ha
cambiado la sensibilidad y la necesidad del tipo de arte.
Pintura griega
No se ha conservado ninguna pintura de la Grecia Clásica, ya que al pintarse en
madera se han ido perdiendo. Solo tenemos menciones a los diferentes artistas en textos
griegos.
Cerámica griega
En la cerámica es una técnica y un lenguaje totalmente distinto a la pintura, pero
tienen rasgos en común. Con muy pocos trazos, se transmite gran intensidad emotiva.
Se convertirá en elemento de coleccionismo importante, teniendo gran demanda.
El autor firmaba la obra.
Había una tipología de recipiente; dependiendo del tipo de recipiente y la
función, se representaba un tema u otro. El ánfora y la cratera era para actividades más
nobles, solamente se representaban escenas ejemplarizantes. Los platos y los kylix eran
para los banquetes, la representación era más flexible. En los lekitos, recipiente funerario,
solo se representaban temas sagrados.
ARTE GRIEGO 16
Arte Griego
HISTORIA DEL ARTE
Época arcaica
El inicio son las cerámicas de figuras negras. Fondo rojo y la figura negra y
plana, rayada encima del fondo. Este es el inicio. Su evolución es a las figuras rojas; se
pinta directamente sobre el soporte con un pincel, hechas con trazos firmes y seguros.
En estas primeras cerámicas hay ejemplos como el Vaso François. A medida que
evolucionan, aunque sigan estas figuras negras, tienen un mayor tamaño, lo que permite
al artista representa una mayor corporeidad (Ánfora del Vaticano. Aquiles y Áyax).
En las figuras rojas, que se puede catalogar como de la época clásica, las figuras
son cada vez más grandes, aparecen grupos de figuras interconectados, dándose distintos
planos espaciales con profundidad espacial (mayor naturalismo); se comienza a ver
sombreados; son escenas nobles, marcada por el ethos (Vaso Eufronios).
En la cerámica también se mantiene ese sentido del decoro. Según la función, el
artista se ve más o menos limitado en la representación y las temáticas. Las dos grandes
técnicas son: las pinturas negras, más arcaica y menos expresiva, y las pinturas rojas, más
expresiva y naturalista. Hay una contención en las emociones, el ethos.
Siguiendo con las figuras rojas, ahí, añadido a lo anterior, se traza una anatomía
idealizada, el rostro sigue contenido por el ethos. Los gestos son muy importantes, porque
son muy misteriosos, no sabiendo que significan con exactitud (hoy en día, se interpreta
siguiendo los gestos típicos del teatro).
La Lucha entre Heracles y Anteo de Eufronio representa este cambio respecto a
la figura entre la etapa arcaica de las figuras negras y esta etapa de las figuras rojas.
Siglo IV
Se aplican los mismos prototipos físicos que se aplican en la escultura, pero esta
vez en el plano bidimensional de la cerámica (Jasón entrega Pelias el vellocino de oro).
Algo muy importante es la inclusión de nuevos colores en la cerámica, y la incorporación
del modelo, creando un relieve en la representación.
Cerámica helenística
En la cerámica ocurre igual que en la escultura. Rompiendo estas creaciones con
los valores y los fines del arte del período anterior. Todo tiene un carácter más
decorativo y ornamental. Teniendo todo un mayor virtuosismo y naturalismo. En la
técnica, incorporan numerosos colores de la escala cromática y usa un modelo para dar
profundidad a los cuerpos.
Ejemplo de la capacidad de la técnica de la cerámica para transmitir emociones
en cada escena. (Héctor y Andrómaca: gravedad del que sabe que no va a volver en
Héctor, y un poco de esperanza en el rostro de Andrómaca). Emociones realizadas con
trazos esenciales, pero certeros y lúcidos.
ARTE GRIEGO 17

4-Arte-Griego - PDF: Gutmar Historia Del Arte 1º Grado en Filosofía Facultad de Filosofía Universidad de Sevilla

Cargado por

Información del documento

Descripción original:

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

4-Arte-Griego - PDF: Gutmar Historia Del Arte 1º Grado en Filosofía Facultad de Filosofía Universidad de Sevilla

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

4-Arte-griego.

Historia del Arte

Reservados todos los derechos.

En esta figura se puede ver el cambio que se ha dado respecto

La trascendencia del arte griego

Precedentes del arte griego

En los yacimientos de Creta (arte cretense) se han encontrado muchísimos objetos

El arte en la Grecia Clásica. Arte como concepto.

Cuando habla Platón de la belleza de las cosas se refiere a la proporción áurea, a

Coleccionismo y mercado artístico

o Jónico: se hacía más a lo femenino, al ser más grácil, y a lo elegante; el

La base fundamental el templo griego se mantiene, es la planta o Megaron, que

Evolución del templo griego

En el templo de Atenea en Paestum se va mejorando, manteniéndose la planta esta

Cada figura a la que se rinde culto ha de ser diferente, adaptado siempre al

Aunque se dieron esculturas independientes, la que más se ha conservado, siendo

En esta zona de nueva realización, se puede ver en la figura como aumenta de

A lo largo del edificIo se van representando distintos momentos de la mitología,

El arte del siglo IV

El Apolo Sauróctonos también representa esas nuevas características, como el

Es una composición piramidal, característica del mundo griego, que en un primer

También podría gustarte