Catedral de Notre Dame de Paris .

PLANTA E INTERIOR
  I. IDENTIFICACIÓN Y CLASIFICACIÓN     
     Catedral de Notre-Dame
       Cronología 1163-1250. Siglo XII-XIII  
      Tipología . Arquitectura religiosa      
   
        Fue comenzada en 1163 bajo el patrocinio del obispo  Maurice de
Sully , sin embargo su fachada occidental que sirve como modelo tipo H
es del siglo XIII
      
     Debido a la duración de las obras en el trabajo se sucedieron varios
arquitectos y escultores.  
    Como muchas otras catedrales, Notre-Dame se asienta en un lugar donde
habían existido otros templos con anterioridad.
     Notre Dame sufrió los efectos del paso del tiempo y de la Revolución
Francesa, por lo que fue restaurada en el siglo XIX  bajo la dirección de Viollet-
le-Duc.  reconstruyendo o construyento contrafuertes y arbotantes , gárgolas, y
devolviendo el aspecto original de cuatro niveles al transepto. 
  
II. ANÁLISIS

 
 La planta:  El interior  tiene cinco naves  con un sistema constructivo
abovedado ,  presenta  doble deambulatorio o girola que rodea al coro.  En la
entrada occidental un nartex con doble pórtico cubierto con bóvedas
sexpartita flanqueado por torres.
    
       De las cinco naves  la central es más ancha con bóveda sexpartita y
las laterales de bóveda cuatripartita con una relación o proporción de
nave central igual a dos naves laterales, por tanto espacio proporcionado    
          
  El transepto que no sobresale al exterior  tiene  una sola nave con  tramos
de  bóvedas sexpartita y tramos de bóveda cuatripartita.  
  
  Las cubiertas de crucería sexpartistas  dividida en seis plementos  o
cuatripartitas con cuatro plementos  se caracterizan porque sus nervios  se
continúan  por medio de columnillas adosadas al muro hasta las columnas
  
   El espacio se divide en tramos  por los arcos fajones que  compartimentan
o dividen  el espacio y evitan la sensación de monotonía..            

     ALZADO  : 
 En la nave  central está compuesto por tres alturas.:

  - arquerías  apuntadas sobre gruesas  columnas.

  -  tribuna, ( reminiscencia del románico) con  arcos triples que se

convierten en geminados en la zona del coro y transepto, la tribuna
aumenta la capacidad del templo pero también tiene función tectónica de
trasladar el peso lateral de la bóveda central hacia las naves  laterales y de
estas hacia los arbotantes y contrafuertes 

-  y el tercer nivel del alzado es  el claristorio con las vidrieras  rehecho
en el siglo XIII. 
    
       En un principio como la catedral de Laón tendría cuatro niveles :
arquería, tribuna, pequeño triforio, y pequeño claristorio  . 
 

 Todo el sistema constructivo gótico  busca la

verticalidad y luminosidad se basa en el empleo del arco apuntado u ojival,
en la nueva bóveda de crucería y en el sistema de contrarresto mediante
arbotantes que trasladan el peso lateral a los contrafuertes y permiten liberar al
muro de su función sustentante permitiendo el claristorio y las ricas vidrieras.

   En el exterior se observan arbotantes que crean aspecto de tela de araña  

 La catedral de Notre-Dame muestra la evolución del gótico  ya
que    presenta arcaismos del siglo XII  como el uso de bóvedas sexpartitas 
y la tribuna  como en la catedral del  Laón, pero son ya clásicos : los
arbotantes, la fachada occidental, con su triple portada y las capillas radiales
de la girola que son ya del siglo XIII   

      El sentido del espacio es longitudinal hacia el altar pero también hacia

lo alto, hacia las vidrieras que dejan pasar una luz coloreada , Dios es luz,
además en las vidrieras existe un programa iconográfico.   

               También es un espacio que se dirige desde poniente , la

oscuridad, el pecado hacia el oriente hacia el nacimiento de la luz. Dios
es la luz y salvación. 
     
     Ejemplos del Gótico clásico son las catedrales de Chartres, Reims y
Amiens, consideradas como paradigmas de este clasicismo gótico.   
  
        En el siglo XIV triunfa el gótico radiante con predominio de vidrieras
y en el XV el gótico flamigero
                
 III. CONTEXTO , FUNCIÓN    
     En esta época, Francia  está dirigida  por reyes de la dinastía  de los
Capetos. 
      Estamos en una época en que las ciudades experimentan un rápido
crecimiento, gracias al  comercio,  y con él de la burguesía .  Esto hace que el
dinero sea tan importante como la posesión de tierras  Para  atraerse a los
ciudadanos surge una religiosidad más humana : Dios es luz  y allí acuden las
nuevas órdenes : franciscanos y mendicantes. No es extraño que la advocación
de la catedral sea hacia la Virgen que se muestra más humana.
          
Para conseguir el objetivo de luminosidad y verticalidad cambia el sistema
constructivo: arcos apuntados, bóvedas de crucería, sistema de contrarresto
con los arbotantes y contrafuertes que permite abrir ventanas con vidrieras de
colores   
    
  La catedral tiene función religiosa, función didáctica en las portadas y
vidrieras  y   también una función de prestigio para la ciudad, sus torres
se ven desde lejos , y por esto los gremios contribuyen a su
construcción.
                
El  15 de abril de 2019 un espantoso incendio provocó graves daños
como se observa en la imagen destruyendo  las bóveas.
            

  
Catedral de Amiens. 

** Santa Capilla de Paris.

   PLANTA SUPERIOR
DE LA   SANTA CAPILLA.

I. IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN
 Autor:    Se atribuye su construcción a Pierre de
Montreuil
Cronología: Se realizó en muy poco tiempo entre 1242 y
1248.
  Estilo : Gótico periodo radiante. En  esta planta de este
edificio. se  unen dos características del gótico la
verticalidad y la luz.  Dios es luz
  El comitente fue el rey Luis IX   edificando dentro del
Palacio Real esta Capilla con doble finalidad como Capilla
Real y  como capilla relicario para guardar las reliquias de
la Pasión traídas de Tierra Santa. .
Tipología: Arquitectura religiosa
 Localización. Se encuentra en la Ile de la Cite, esa " isla "
rodeada " por la bifurcación en dos brazos del río Sena. 
En este espacio se encuentra también Notre Dame.

   En realidad el edificio consta de dos plantas o   capillas :

la capilla inferior destinada al pueblo , es oscura y  se
divide en en  tres  naves  con columnas, la cubierta es de
bóveda de arista  y en la decoración  se destaca la relativa 
a la casa real francesa con flor de Lis y los castillos en
honor a su madre Blanca de Castilla.   Por una estrecha
escalera se llega a la Capilla  , reservada a la familia real y
los grandes funcionarios  que impresiona  por su altura y
por la luz de sus vidrieras.
II. ANÁLISIS.  
La planta tiene una sola nave de 20 metros de altura.
       Los elementos sustentados son arcos apuntados u
ojivales y bóvedas de crucería ,   Los plementos de la
bóveda se cubren con material de color azul y estrellas
doradas que remiten a la bóveda celeste. El peso de la
bóveda se traslada hacia los nervios y baquetones
adosados a pilares y se contrarresta mediante
contrafuertes exteriores. Carece de arbotantes. 
 Existe un claro predominio del vano sobre el muro. El
muro cubierto de vidrieras da la impresión de espacio
desmaterializado. La innovación técnica de insertar
refuerzos de metal  en los muros de las bóvedas  de ojiva
permitió sostener esta frágil estructura.
    
  La luz entra coloreada y tamizada creando una 
sensación espiritual. Dios es luz
  
 El sentido del espacio es  sobre todo longitudinal hacia
el altar , hacia el ábside  flanqueado por dos nichos que
eran lugares reservados  a la familia real . 
    
        El baldaquino que contenía las reliquias es una
copia  del original destruido durante la Revolución.  En
los pies de la sala un gran rosetón.
        
             Los elementos decorativos están formados  por el
color de las bóvedas , las estatuas adosadas a los pilares
que representan a los apóstoles y son del siglo XV , pero
sobre todo por las vidrieras.
    La iconografía de las vidrieras recoge escenas del
Antiguo Testamento  y ,  al mismo tiempo , legitima  la
soberanía del rey de  Francia y el carácter sagrado de la
monarquía.

        
  De las escenas la mitad son originales del siglo
XIII.    Los tres ventanales centrales del ábisde 
están dedicados al  Antiguo Testamento, otro 
presenta la historia de las reliquias y el resto otras
escenas bíblicas como la Pasión. El rosetón   se
remonta al siglo XV   y en él se representa el
Apocalipsis. 
III. COMENTARIO, FUNCIÓN.
           La Santa Capilla es una muestra relevante del
gótico que nace en Francia , el deseo de verticalidad
y de luminosidad. Dios se humaniza, Dios es luz.
También la verticalidad , las agujas que se ven
desde lejos  manifiestan el poder de la ciudad.
      El gótico   nace relacionado con los cambios que
se producen a partir del siglo XII :  renacer del
comercio, dinamismo económico y con ello  auge de
las ciudades  y nacimiento de una nueva clase social
: la burguesía y de los gremios.  La catedral será el
orgullo de la ciudad , el centro de toda actividad.
        La función de la Santa Capilla es religiosa,
servir de relicario, pero al mismo tiempo propaganda
de la realeza cuyo poder se vincula con la divinidad.
Por otra parte también muestra la jerarquización de
la sociedad ya que la capilla real está reservada para
el rey y altos funcionarios.
      Del siglo XIII son las grandes catedrales
francesas : Notre Dame, Amiens, Reims.
** Fachadas Góticas. Notre Dame y
Reims..
        1.  Fachada occidental de Notre  Dame de Paris. 
 I.  IDENTIFICACIÓN y CLASIFICACIÓN     
     Fachada de la  catedral de Notre-Dame de Paris
        Cronología  Siglo XIII  
      Tipología . Arquitectura religiosa      
      Cronología    Aunque  la catedral fue comenzada en
el siglo XII bajo el patrocinio del obispo  Maurice de
Sully , sin embargo su fachada occidental es del siglo
XIII
    En la catedral trabajaron muchos arquitectos y
escultores debido a su duración. Durante estos años
reinaban los Capetos .   
        Notre Dame sufrió los efectos del paso del tiempo
y de la Revolución Francesa, por lo que fue restaurada
en el siglo XIX  bajo la dirección de Viollet-le-Duc.
reconstruyendo o construyendo contrafuertes y
arbotantes , gárgolas, y devolviendo el aspecto original
de cuatro niveles al transepto
                                       
 II                 ANÁLISIS
  La fachada   corresponde al tipo  o forma de  H  de
gran éxito durante el gótico  . Esta fachada está
articulada por cuatro contrafuertes que la dividen
verticalmente en tres calles.  

 
                          
          Horizontalmente existen cuatro
 
niveles separados por líneas de imposta, balaustrada ,
cornisa                   
  1.  Triple pórtico  esculpido de entrada con arcos
abocinados   De izquierda a derecha son  el  Portal de
la Virgen , del Juicio Final y de Santa    Ana .     En la   
Puerta del Juicio final. en el primer registro Cristo
bendiciendo,  ángel con la cruz; segundo registro  peso
de las almas los bienaventurados y condenados, tercero
resurrección                                                             

            
En estas portadas las arquivoltas siguen un sentido
radial .
      El hecho de tener tres puertas  puede inducir a
pensar que tiene tres naves, sin embargo son cinco.
Por  tanto no se corresponde exterior con interior.
                                                                                                                              

 2.   La galería de  los reyes separadas `por columnas.

 3. El  Rosetón , flanqueado por dos arcos geminados

abocinados                                                                     
4.  Una galería ciega de tracería gótica  y 
la cornisa con las gárgolas 
                  
 Se  completa el conjunto con dos torres campanarios y
la rica decoracion entre las que se encuentran las
conocidas gárgolas.                                                  
              Si se compara con otras fachadas góticas como
la de  Amiens o  Reims , la de  Notre Dame  muestra
rasgos de cierta horizontalidad   a lo que contribuyen 
la línea de imposta, balaustrada o cornisa .    Aunque el
interior de la catedral de Notre-Dame muestra 
aspectos o arcaismos como son las columnas y  la
tribuna, esta fachada ya pertenece al gótico clásico del
siglo XIII                                                               
 Otros ejemplos del Gótico clásico son las catedrales de
Chartres, Reims y Amiens, consideradas como
paradigmas de este clasicismo gótico.                                                   
      
              III.    CONTEXTO      
     En esta época, Francia sigue gobernada por los reyes
Capetos.                                                                                 
       Estamos en una época en que las ciudades
experimentan un rápido crecimiento, gracias al  comercio, 
y con él de la burguesía .  Esto hace que el dinero sea tan
importante como la posesión de tierras  Para  atraerse a los
ciudadanos surge una religiosidad más humana : Dios es
luz  y allí acuden las nuevas órdenes : franciscanos y
mendicantes. No es extraño que la advocación de la
catedral sea hacia la Virgen que se muestra más humana.                       
          Para conseguir el objetivo de luminosidad y
verticalidad cambia el sistema constructivo: arcos
apuntados, bóvedas de crucería, sistema de contrarresto
con los arbotantes y contrafuertes que permite abrir
ventanas con vidrieras de colores                                                            
         La catedral tiene función religiosa, función
didáctica en las portadas y vidrieras  y   también una
función de prestigio para la ciudad, sus torres se ven desde
lejos , y por esto los gremios contribuyen a su
construcción.                                                                                     
Amiens.  cuatro niveles :Portada; galeria calada, Galería de los Reyes y las
torres.    

2. FACHADA OCCIDENTAL DE LA CATEDRAL

DE REIMS.

I. CLASIFICACIÓN
Autor: Desconocido.
Cronología: Siglo XIII .hacia 1240
Tipología: Arquitectura religiosa.
 Estilo : Gótico, periodo o etapa clásica.
 Fue construida con el patrocinio de la monarquía y
de los gremios. 

II. ANÁLISIS
 El material es la piedra .
 Al igual que Notre Dame sigue el esquema de fachada
tipo H formada por tres plantas o niveles  y tres calles,
aunque  existen novedades como el muro calado  y la
mayor tendencia a la verticalidad que hubiera sido más
ostensible si se hubieran realizado las agujas.                                       
 En el primer Nivel  presenta tres portadas, la central
más elevada ,  que se corresponden con el número de
naves laterales. Estas portadas  son de arco ojival ,
enmarcadas por gabletes que crea sensación de
verticalidad,  con arquivoltas en sentido radial con
decoración escultórica,   siendo el tímpano sustituido por
vanos : en la central un rosetón con tracería y vidriera y
los laterales con tracería y vidriera sin formar un rosetón
hecho que ejemplifica la idea de luminosidad.  Tanto el
parteluz de la puerta central como  las jambas  tienen
un importante programa escultórico, destacando el tema
de la  Anunciación y la Visitación de la puerta principal
y central.  .  
. 
 En el Segundo Nivel  se abre un gran rosetón en la calle
central , enmarcado en un arco apuntado; en las calles
laterales se observan  arcos apuntados geminados 
decorados con tracería y rematados por gabletes que
sirven de nueve para crear la sensación de verticalidad. 
     En el tercer nivel    encontramos la galería  de reyes 
. Estos serían los reyes de Francia desde los
merovingios  y que se corresponden con los reyes de
Judá, pretendiendo vincular la monarquía con la
divinidad , es decir su poder procede de la antigüedad. 
Las figuras reales  se sitúan bajo doseletes de arcos
apuntados enmarcados  de nuevo por gabletes.
  En el cuarto nivel y en las calles laterales dos torres
campanario.
        
III. COMENTARIO.
           Estamos en una época en que las ciudades
experimentan un rápido crecimiento, gracias al 
comercio,  y con él de la burguesía .  Esto hace que el
dinero sea tan importante como la posesión de
tierras  Para  atraerse a los ciudadanos surge una
religiosidad más humana : Dios es luz  y allí acuden las
nuevas órdenes : franciscanos y mendicantes. No es
extraño que la advocación de la catedral sea hacia la
Virgen que se muestra más humana.                                                       
Para conseguir el objetivo de luminosidad y verticalidad
cambia el sistema constructivo: arcos apuntados,
bóvedas de crucería, sistema de contrarresto con los
arbotantes y contrafuertes que permite abrir ventanas con
vidrieras de colores 
                                                                                    
   La catedral tiene función religiosa, función
didáctica en las portadas y vidrieras  y   también una
función de prestigio para la ciudad, sus torres se ven
desde lejos , y por esto los gremios contribuyen a su
construcción.                                                                                 
Anunciación y Visitación 
   Tiene una gran  gran altura su nave central cubierta con con bóveda
cuatripartita: Presenta  tres niveles en alzado: arquería, triforio y claristorio.  
      Como elemento sustentante se encuentran ya los pilares con columnas
adosadas o baquetones. Estos baquetones y los arcos fajones compartimentan
el espacio en tramos.

CATEDRAL DE WELLS
Cronología: 1175-1490  aunque la mayor parte se construyó entre
1175-1260.
  Estilo:  Durante este largo periodo se sucedieron  Early  English
o gótico inicial  , el estilo decorado  u ornamental del siglo XIV 
e  incluso el estilo perpendicular en la torre sur y nooeste.
   Está dedicada a San Andrés
     Culto presbiteriano.
   Como casi todos los edificios románicos y góticos se levanta sobre  los
restos de un antiguo templo del  siglo X   e incluso  quedan vestigios de
una iglesia del siglo VIII concretamente una pila bautismal.
  
      ANÁLISIS
   En planta consta de un brazo con tres naves amplio transepto que se
prolonga en coro y trascoro transversal hasta la capilla de la Virgen . A la
izquierda la Sala capitular de forma octogonal.                                                             
 En la catedral se pueden distinguir varias partes
     1.  La fachada occidental   construida en el siglo XIII  corresponde al tipo
fachada pantalla  y tiene una marcada horizontalidad  más de 40 metros
 entre torre y torre que se construyeron entre el siglo XIV y XV en estilo
perpendicular como cuerpos independientes.  En esta fachada y
albergadas en nichos existe una profusa decoración escultórica de más de
300 esculturas con  iconografía como Cristo en
Majestad  bendiciendo, María, el Juicio   Final ,  temas bíblicos, ,
santos como San Andrés,   obispos, reyes, caballeros que originalmente
tenían una brillante policromía. Sus entrantes y salientes hacen que la luz
cree clarooscuro. . 

           
                 2..    La amplia nave central tiene un alzado de tres niveles con
arquería, triforio y claristorio y una cubierta de bóveda de
crucería cuatripartita y termina en un arco tijera. Uno de los tres que
se levantaron en el siglo XIV dentro ya del estilo decorado para sostener
la torre central.    Estos arcos es de lo más original de esta catedral. Al
fondo en el coro bóvedas de abanico. En esta nave existe decoración en los
capiteles con temas algunos de la vida cotidiana como un hombre con dolor
de muelas y otro que es apaleado por asaltar un huerto       

     El  triforio no está formado por tres vanos sino solo uno
    
 

3.   .      En   uno de los lados del crucero una  escalera conduce a la  Sala
Capitular de planta octogonal  terminada a principios del   siglo XIV
( 1306) con un pilar central  del que parten numerosos nervios  como si
fuera una palmera. Técnicamente se llama bóveda de costillas ,. De los
lados del octógono parten también estos nervios  en forma de
palmera.    La sala está  iluminada con vidrieras con tracería 
especialmente geométrica. . Este tipo de cubierta pertenece al estilo
Decorado.
  
4.   El coro es muy amplio y está cubierto con  bóvedas reticuladas del
siglo XIV. En las naves  laterales presencia de vidrieras como la que
representa el Árbol de Jesé.

    
5.  A continuación  y como núcleo de enlace  con la capilla de la
Virgen se construye el trascoro con columnas de fuste de
mármol de las que parten  nervios  con originales  columnas de las
que parten nervios en forma de palmera..    Al fondo la capilla de la
Virgen. También este trascoro es del estilo decorado del siglo XIV
 6.  Se llega a la Capilla de  la Virgen ( estilo decorado)  también
con forma de octógono  alargado en principio pensada para
ser  un cuerpo separado . Cuenta  con bóveda estrellada siendo
uno de los primeros ejemplos en Inglaterra. La iluminación se
consigue con la luz coloreada del conjunto de vidrieras. 

   El sentido del

espacio aunque aparenta ser longitudinal  y hacia el presbiterio sin
embargo parece algo compartimentado a lo que contribuye el arco
de tijera que parece marcar una separación con el resto del
templo. No es un espacio unitario.
   Tampoco es un espacio que se distinga por la verticalidad 
     Si es un espacio luminoso pues cuenta con numerosas vidrieras
algunas se han tenido que restaurar.
  Los elementos decorativos son muy importantes empezando por
la propia fachada, capiteles del interior de la iglesia, mensulas,
vidrieras  e incluso la  impresión de belleza que proporcionan los
arcos tijeras , los fustes que se abren en forma de palmera o la
forma estrellada.   
   Un agricultor  pega un ladrón de fruta.                          

   Salamandra. Símbolo de la vida eterna.

 
 En las misericordias situadas bajo los asientos en el coro aparecen imágenes como estas de
bebedores de vino

  RELOJ ASTRONÓMICO Y DETALLE VIDRIERA DEL ÁRBOL DE JESE

  VIDRIERAS DE LA CAPILLA DE LA VIRGEN. 

GÓTICO INGLÉS.
    La evolución de la arquitectura  gótica en Inglaterra se
divide en:
 Early English  o  Gótico temprano.
  Decorated Gothic o Gótico decorado  1275-1380  que
contiene subfases como estilo geométrico ,  estilo
curvilíneo este  prácticamente siglo XIV.  
   Gótico Perpendicular  o también Estilo Tudor: 1380-
1490      con sus bóvedas de abanico.
   Muchas de las catedrales  inglesas participan de
varios estilos como es el ejemplo de Wells.
  Además de arquitectura  religiosa se construyeron
también edificios civiles como castillos, palacios,
mansiones. .
                             GÓTICO PERPENDICULAR.  Bóveda de abanico de la
catedral de Bath.
    

     
                  

** CATEDRAL DE LEÓN
   I. IDENTIFICACIÓN    
  CATEDRAL DE LEÓN. 
    Tipología.  Arquitectura religiosa
  Cronología: Segunda mitad del siglo XIII ( 1254-1285),  
    Promotor. Iniciativa del obispo  Martin Fernández    
                 bajo reinado de Alfonso X
    Estilo: gotico clásico
   Dimensiones: 108 m de largo x  29 m de ancho  de la
               nave y 44 m del transepto
     Autores  Intervinieron varios maestros al  parecer de
origen francés: el maestro Simón, el maestro Enrique que
intervino en Burgos y a su muerte Juan Pérez    Con
posterioridad se terminaron  los remates de las torres de la
fachada
 II. ANÁLISIS.      
          Es la que tiene más influencia francesa y
ejemplo del gótico clásico  ya que refleja el objetivo Dios
es luz , luminosidad , reduciendo el muro  y dando una
gran importancia a las vidrieras que dejan pasar la luz
coloreada .  
         Material : Piedra de sillería , vidrio
               
       La planta sigue el modelo de Reims . Consta de
tres naves la central de más altura con seis
tramos , transepto situado hacia el centro con tres naves
, cabecera  macrocefola  con girola y cinco  capillas
radiales poligonales   
           La

cubierta es clásica con bóveda  de crucería  

cuatripartita    El peso vertical como en la arquitectura
clásica gótica  se apea sobre  los pilares compuestos y
baquetones adosados   que dan sentido de verticalidad, y
los empujes laterales de la cubierta son conducidos
por  los arbotantes hacia los contrafuertes   

 
 
 El alzado   de la nave central ( recuerda a Amiens)  y se
compone de arqueria ojival, triforio calado y un amplio
claristorio con vidrieras .  

          Se observa dos

características del gótico sentido ascensional o verticalidad
y luminosidad    

           El sentido del espacio sigue siendo longitudinal

hacia el altar orientado al este , pero existe otro sentido
hacia lo alto hacia las vidrieras.
          Destaca León por la extensión de sus vidrieras no
solo dejan pasar la luz  coloreada    sino también con
función didáctica  
    
           La catedral tiene tres fachadas la occidental y
la norte y sur del transepto    
       
              La fachada occidental es  tipo H
        Cuerpo central con triple portada con arcos apuntados
y gran rosetón. Está  enmarcada por torres cuadradas
rematadas por pináculos. Entre las torres y el cuerpo
central se observan arbotantes . Las torres están
desplazadas hacia los lados de las naves laterales.
        La  portada central tiene en el parteluz la figura de la
Virgen Blanca y en el tímpano  el tema del Juicio Final.  
                  
   III.     COMENTARIO:  Contexto, función y
significado. 
              
             El siglo XIII representa un periodo de esplendor
para la Corona de Castilla tras la victoria sobre los
musulmanes en las Navas de Tolosa , y la posterior
conquista del valle del Guadalquivir durante el reinado de
Fernando III .      
   
         León que había sido un gran centro político del reino
astur leonés perderá parte de su esplendor  en favor de 
Burgos y Toledo.     
  
        Desde el punto de vista cultural y sociológico en las
ciudades crece el comercio y la burguesía y los gremios. ,
para atraer  a los ciudadanos  el mensaje religioso  se hace
más humano: Dios es luz y la naturaleza se convierte en
digna de representación.   
  
  Promueven la catedral  el cabildo catedralicio y el obispo
local para lograr el prestigio de la sede episcopal  situada
en pleno Camino de Santiago. ( además tenía reliquias que
atraían a  peregrinos). 
      La función de la catedral es  religiosa y didáctica
mediante sus portadas y vidrieras.      

 Significado de la nueva mentalidad: verticalidad y

Dios es luz.   Con las vidrieras la idea que se busca es
la desmaterialización del interior de la iglesia, creando un
interior simbólico a través de esta luz filtrada , anticipo de
la Jerusalén celestial
    
 Valoración. El mejor ejemplo del gótico clásico español
del siglo XIII de clara influencia francesa. Destaca sobre
todo el alzado y dentro de él las vidrieras.

     En relación con la evolución de la arquitectura gótica

en España después del gótico clásico del siglo XIII con las
catedrales de Toledo, Burgos y León;  el siglo XIV será el
siglo del gótico mediterráneo o levantino con las
catedrales de Barcelona, Santa María del Mar, Girona,
Palma  y el siglo XV será el siglo del gótico flamigero y
del arte isabelino en Castilla y de una brillante
arquitectura civil en Cataluña.
   
** Catedral de Barcelona y Sta.
María del Mar.
  

**   CATEDRAL DE BARCELONA. 

          
    IDENTIFICACIÓN 
 Se conoce con el nombre de catedral de la la Santa
Cruz y Santa Eulalia que fue  mártir de la época
romana.  También es conocida como la Seo por  estar
la cátedra del obispo.
             Edificio religioso.
             Cronología.    Su proyecto es de finales del siglo
XIII y se construyó a partir del Siglo XIV  aunque se
realizaron varios añadidos posteriores como el cimborrio
que se encuentra en la cabecera y la propia fachada.
              Se construyó sobre los cimientos de una basílica
paleocristiana , restos visigodos y una iglesia románica,
aprovechando algunos de los elementos o restos.
           Autores. Se conoce a uno de sus autores Jaume
Fabra , que participó también en la Catedral de Palma.
Pero  además dada la duración de su construcción
participaron otros maestros.
            Estilo : Gótico mediterráneo o Gótico de la Corona
de Aragón.
         Localización : Barrio Gótico.

II. ANÁLISIS
           Tiene tres naves de casi igual altura, siendo la
central más ancha que las laterales que se prolongan en el
deambulatorio o girola , a la que se abren 9 absidiolos.
        Su eje o sentido es longitudinal desde los pies donde
se encuentra un cimborrio de finales del siglo XIX o
principios del  XX hacia la cabecera , hacia el presbiterio y
altar . 
        
            En las naves laterales entre los contrafuertes se
construyen dos amplias capillas. Encima de ellas una
arcaica tribuna con ventana con vidrieras. En Santa María
del Mar desaparece.
       

    En el alzado de la nave central se aprecian tres

  

niveles : los arcos ojivales, un pequeño triforio casi

excavado en la bóveda y algunos pequeños vanos tipo
rosetón ( ver imagen )

 El material constructivo es la piedra en sillería   y como

       

elementos sustentantes : los muros , los pilares que llevan

adosados baquetones sobre los que apean los arcos
ojivales, en Santa María del Mar desaparecen los
baquetones  y  los contrafuertes que en el exterior no
tienen  pináculos. 
 
    

              Las cubiertas son bóvedas de crucería  de

nervios combados y con la clave decorada. 
          
      En el presbiterio ,  muy diáfano , las bóvedas son
de tipo radial y de crucería con nervios combados en el
resto adaptándose a la curva. 

    

Es un espacio  amplio y diáfano que permite ver y ser

 

visto. Un espacio muy apropiado para la

predicación , en un momento en el que  acechaban las
herejías como la de los cátaros.
    
    Es un espacio bastante austero en el que no existe
mucha decoración.
    
    La luz es escasa tal vez por razones climáticas proteger
de los rigores del sol

                          Fachada neogótica del siglo XIX

 III.  CONTEXTO. Válido para Santa Maria y
Catedral de Barcelona
La Catedral de Barcelona y Santa María del Mar  se
encuadran  dentro del  GÓTICO LEVANTINO O de la
CORONA DE ARAGÓN que tiene su gran desarrollo
durante el siglo  XIV relacionado  con el  auge del
comercio, y por tanto de la burguesía, hecho que la
diferencia de    Castilla .
     Este contexto conlleva    mayor desarrollo  de la
arquitectura civil( palacio, ayuntamiento, atarazanas,
lonjas)  Por otra parte la  necesidad de combatir la herejía 
mediante la predicación influye en la arquitectura :  se
necesita un  espacio unitario para que el predicador vea y
sea visto.
   Las características del gótico levantino observables en
esta  Catedral de Barcelona son: tendencia a planta de
salón o escasa diferencia entre las naves, siendo los pilares
muy finos, con este sistema se consigue un espacio
propicio para ver a los predicadores o ser vistos ( espacio
unitario) . Se suele suprimir el triforio y aparecen capillas
entre los contrafuertes. 
  Función: religiosa

Otras obras del gótico levantino: Catedral de Girona y

  

catedral de Mallorca.
                                    Barrio Gótico, Barcelona.

            2 BASÍLICA DE SANTA MARÍA DEL MAR

I. IDENTIFICACIÓN 
      Cronología: Siglo XIV.
   Autor:  Berenguer de Montagut ,   Ramón Despuig.
     Estilo: Gótico levantino o mediterráneo  o Gótico
meridional
      Localización:  Barcelona.
         
    Se comenzó a construir  en 1329  con la  aportación
bien en dinero  o en  trabajo de  los habitantes del puerto ,
en especial de los descargadores

  
II. ANÁLISIS
   LA PLANTA e INTERIOR   constituye un ejemplo
cercano a la planta salón,  precedida de nartex,  con
tres naves casi  de igual altura, siendo la nave central
de trece metros  que equivale a la suma de dos naves
laterales. Por tanto  la proporción  sería nave central  2
a1
      El espacio está

formado  por cuatro tramos cuadrados y capillas entre

los contrafuertes, así mismo cuenta con  girola  con
nueve capillas poligonales y no tiene crucero.
  
         Los elementos sustentantes  son los muros , los
contrafuertes entre las capillas y  los  pilares esbeltos y
poligonales que al ser tan delgados crean una espacio
diáfano y unitario. 
  
 El  sistema constructivo es  abovedado  con  bóvedas 
de crucería cuatripartita y en la girola  poligonales en las
que es perceptible la policromía.
        Es un espacio  amplio y diáfano que permite ver y ser
visto. Un espacio muy apropiado para la
predicación , en un momento en el acechaban las herejías
como la de los cátaros.
Alzado: 
  En las naves laterales  presenta dos  niveles :  uno 
formado por arquerías alancetadas que dan  paso  a las
capillas y  otro es el claristorio  relativamente poco calado
y con  ventanales no demasiado grandes.
      

 La luz llega a la nave central   desde los ventanales de las

naves laterales y los óculos siendo una luz tenue. En el
Gótico mediterráneo los edificios están menos iluminados
tal vez para protegerse del  calor y favorecer la intimidad.
   
      La iglesia  es austera, con las paredes sin
decoración, los pilares limpios  ya que los nervios
terminan en los capiteles y no se prolongan en baquetones
hasta el suelo como en las iglesias del gótico clásico.
  
        Vista  desde el exterior la basílica ofrece una
impresión de edificio macizo del que no se deduce el
espacio interior.  La fachada se enmarca entre dos torres
octogonales y dos contrafuertes entre los que se encuentra
la portada y el rosetón.      
    
** San Juan de los Reyes.

San Juan de los Reyes. Pérez Villamil 1839

    I  IDENTIFICACIÓN.
SAN  JUAN DE LOS REYES. 
        
               Fue fundada o establecida como convento
franciscano y también panteón , la razón la devoción de la reina
hacia el apóstol Juan y San Francisco.  La función de Panteón no
llegó a realizarse pues los RRCC están enterrados en Granada para
conmemorar la Conquista del reino nazarí. 
        Los promotores fueron  los Reyes Católicos
para conmemorar la victoria en la Batalla de  Toro  ( 1476) de las
tropas castellano-aragonesas  frente  a las portuguesas y Juana la
Beltraneja.   Con esta victoria el camino hacia su reinado quedaba
libre. También conmemora  el nacimiento de Juan , primogénito
de los RR. CC.
             Cronología: Siglo XV inicios del XVI. 
              Autor: inicia las obras el arquitecto más importante del
momento 
Juan Guas y las continúa , sobre todo el claustro Enrique Egas.
                  Estilo: Es un ejemplo del llamado estilo isabelino o
hispanoflamenco  .
      Localización:  Toledo.
                           El edificio  sufrió graves daños durante la
invasión napoleónica incluido un  incendio , este deterioro 
aumento con la desamortización de Mendizabal. 
               La restauración se llevó a cabo entre 1881 y 1888   
 según los criterios de Arturo  Mélida siguiendo el ejemplo de
Viollet le Duc en Francia. También se deben a este arquiecto  el
diseño de las armaduras neomudejares  de la cubierta de la planta
alta del claustro  y   otros elementos de la fachada.  En suma
Mélida   utilizó su invención para complementar   la obra de Guas
y en este sentido enlazaría con el llamado estilo neogótico.
II.          ANÁLISIS.
  La iglesia  tiene una nave única bastante amplia que  concluye
en  un ábside  `poligonal  .En  los pies de  la nave un coro elevado.
    

      
   El alzado  cuenta con dos niveles  habiendo desaparecido  el
triforio  sustituido por una crestería  . en el nivel superior 
ventanales  apuntados con tracería flamígera.        
        En el nivel inferior varias capillas de elevados arcos  y poca
profundidad construidas entre los contrafuertes. 
            No obstante el  muro conserva mucha importancia.
       Los elementos sustentantes son especialmente muros con
contrafuertes exteriores y los pilares interiores.

Cerca de la cabecera se
 

encuentra una torre  cimborrio octogonal que se  estructura a

partir de trompas y con  unas bóveda estrellada que es  la más
impresionante de todo el edificio y que que remite a la influencia 
de estructuras mudéjares o  incluso a las bóvedas califales.

   Los elementos
decorativos son de gran importancia ,casi existe un horror
vacui. . Encontramos de tipo vegetal   como hojarasca, cardinas
hojas parecidas al arco  entre las que se esconden animales  en los
pilares fasciculados y en el intradós de los arcos; ; los motivos
heráldicos  ( escudos de los Reyes Católicos  , el yugo  y las
flechas , letras con  sus iniciales Y   y   F ); esculturas  algunas
bajo doseletes ; motivos de origen mudéjar ( lacerías en las
techumbres , atauriques, mocárabes ..) y otros motivos ya
renacentistas como  máscaras o venera. 

III. COMENTARIO .
    
         El edificio del que también formaba parte un
claustro tenía una función religiosa pero  es también
un ejemplo de la propaganda de la monarquía
triunfante como se observa en la profusión de la
heráldica.
      
    En su conjunto puede ser considerada  como símbolo
del  estilo hispano flamenco que fusiona los elementos
del gótico flamigero ( arcos conopiales, carpaneel,
bóvedas estrelladas ..) con una profusión decorativa de
origen mudéjar y también renacentista que se extiende por
la corona de Castilla como Ávila, Segovia o Guadalajara
   
El arquitecto   Juan Guas que trabaja para la
monarquía, para la iglesia y para la nobleza como los
Mendoza ( Castillo de Manzanares y Palacio del
Infantado de Guadalajara.)
       Claustro y artesanado mudéjar.

Palacio del Infantado. Guadalajara.

.                                          PALACIO DEL INFANTADO 

                            ( GUADALAJARA)
          
La historia del Palacio del Infantado que fue la
casa  principal de los Mendoza   ha pasado por
diferente  momentos. El primero es su construcción
iniciada   hacia 1480  y acabada hacia finales del
siglo XV; el segundo   su reforma  promovida por  el
quinto duque  que introdujo elementos renacentistas
y manieristas que para algunos desvirtúan el estilo
inicial, la logia del ala meridional, jardines  y
fuentes. ; el tercer momento es el terrible
bombardeo llevado a cabo por la aviación de
Franco el 6 de Diciembre de 1936 que originó un
incendio  la destrucción de  sus viejos artesonados y
la ruina del edificio y  el cuarto momento es su 
reconstrucción iniciada en 1961.
           Siempre ha sido el Palacio el centro de  vida
de Guadalajara, desde sus galerías se
contemplaban fiestas, corridas de toros y otras de
teatro en la explanada que se situaba enfrente; los
duques fueron casi siempre grandes amantes de las
letras y el arte y en  su interior se cobijaron algunos
de los alumbrados e iluminados luego perseguidos
por la Inquisición. 
                En él se celebraron las bodas de Felipe II
con Isabel de Valois y de Felipe V con Isabel de
Farnesio.  En la  actualidad alberga  un Museo , es
centro de actividades culturales y del ya famoso
Maratón de los Cuentos   y en el que toda la ciudad
se vuelca.
      El  promotor  fue  Don Iñigo López de
Mendoza, segundo duque del Infantado,  casado
con María de Luna , hija del Condestable de
Catilla D. Alvaro de Luna.
        El  arquitecto  fue Juan Guas ( que también
trabajó en el castillo de Manzanares )  mientras que
Egas Cueman se encargó de los elementos
decorativos , ambos de origen flamenco , pero en
su construcción intervinieron alarifes de religión
islámica ( mudéjares)  cuya influencia es evidente en
la disposición de las puntas de clavo de la fachada o
en la decoración de mocárabes.

               LA FACHADA.  Sobre un zócalo de piedra

de aparejo irregular se levanta  el gran paramento 
de la fachada de acentuada horizontalidad
interrumpida por la puerta.   Destacan  en ella  la
decoración de puntas de diamante dispuestas a
tresbolillo o formando redes de rombos   a modo de
los paños de sebka moriscos  y  el remate de la gran
galería de estilo completamente gótico ( su
precedente en el Castillo de Manzanares) que servía
de mirador para observar  los juegos, fiestas, toros
que se realizaban en la explanada.

     LA
PUERTA. Presenta  una gran profusión
decorativa.  Se abre entre dos
semicolumnas interrumpidas a su mitad por un
collarín; su fuste está decorado con red de rombos (
semejante disposición a la fachada a
tresbolillo) cuyo espacio interior está ocupado por
medias o cuartos de esferas. Estas semicolumnas
se rematan por mócarábes y un friso del mismo
elemento decorativo de  influencia  mudéjar.

              Coronan la puerta  un arco  conopial
mixtílineo y sobre este   los escudos de los Mendoza
y los Luna  y en los extremos tolvas de molino. Este
arco está enmarcado por   un arco apuntado en
cuya  clave se ve una celada, una corona y un águila
y  en el  tímpano existe elementos
decorativos ( florones )  y heráldicos ( escudos de los
Mendoza)  En las enjutas de esa estructura
dos  grifos  enfrentados  acompañados también de
tolvas  El simbolismo de los grifos es ambivalente
no obstante son los más lo que opinan su
función protectora ( en algunos  relieves
románicos aparecen protegiendo el cáliz) 
  
   Sobre la puerta y  sostenido por enormes
salvajes velludos un gran medallón circular a modo
de rueda dentada  con entrantes y salientes en cuyo
centro figura el  escudo de los Mendoza y a su
lado dos grandes tolvas y sobre ellos de nuevo
una celada y una bicha alada.    Rodean a este
escudo  20 elementos heráldicos que harían
referencia a los señoríos y territorios de las diversas
ramas de la familia Mendocina. De nuevo aparecen
las tolvas con elemento simbólico , las tolvas de
molino se van estrechando y son pocos los que
acaban pasando al camino de la gloria y la
perfección. En capiteles románicos también son
frecuentes.    
    LA GALERIA cuya función era ver los
acontecimientos lúdicos que tenían lugar en la explanada
está toda ella recorrida   por  una decoración de mocárabes
y tiene su precedente en el Castillo de Manzanares el Real
                   Presenta 7 estructuras  o garitones  en
saledizo reminiscencia medieval para impedir el asalto a la
fortaleza
        Entre estos  garitones y entre dos grandes columnas
se distribuyen los diversos sectores de la galería formada
por dos amplias ventanas de arco conopial con rica
tracería, sobre los arcos de nuevo la decoración de tolvas y
heráldico de los Mendoza y Luna.. Cada vano se divide
en dos por una fina columnilla y presenta una balaustrada
decorada con red de rombos de puntas de clavo.
    
          LA DOBLE GALERÍA MERIDIONAL  se
construyó en  el siglo XVI bajo el mecenazgo del quinto
duque del Infantado siendo de estilo renacentista sobrio. 
El conjunto incluía también fuentes, jardines de influencia
mudéjar.

EL PATIO DE LOS LEONES.  

Es quizá la gran joya del palacio. Está compuesto por dos
galerías  
           En la galería baja los elementos sustentantes
son columnas que inicialmente eran helicoidales y
luego se sustituyeron  por columnas de orden
toscano.  Sobre estas columnas se continúa y
alterna escudos de los Mendoza  y Luna y sobre
ellos se repite el motivo de celada y animal fantástico
alternando león alado y bicha aladas.
          Las arquerías son de arcos conopiales
mixtilíneos pero lo más llamativo son los elementos
decorativos  formado por  leones cada uno de ellos
diferentes que parecen apoyarse sobre
tolvas( primer elemento emblemático de los
Mendoza)
              
  En la galería superior las columnas son
helicoidales y probablemente acabarían en
pináculos.  En las   arquerías  y separados por
complejos florones grifos encadenados y
enfrentados,   Los grifos tienen su origen en la
mitología oriental y aparecían en los bestiarios
medievales y une la parte superior de águila con
afilado pico y la inferior de león.  Tienen simbolismo
ambivalente.
      Bien desde el Patio y subiendo a la planta
superior se puede observar unos
antepechos escarzanos  que presentan decoración
de dos pajecillos sosteniendo escudos Mendoza y
Luna.

** Grupo Anunciación y Visitación

de Reims
    I,  IDENTIFICACIÓN  Y DESCRIPCIÓN

.GRUPO de la ANUNCIACIÓN Y VISITACIÓN de la

Catedral de Reims
         Están situados en  las jambas del  lado derecho 
de la  portada principal de la fachada occidental.   En
ambos grupos las figuras están casi exentas  perdiendo así
la conexión con el marco arquitectónico que tenían en el
románico,  con ello ganan en naturalismo.                                               
     Se realizaron entre 1230 y 1260 y marca diferentes
estilos del gótico.
         Su tipología corresponde a la de un grupo
escultórico de carácter narrativo.                     
     La temática es religiosa  procedente del Evangelio de
San Lucas  con cierta cronología   Por una parte  a nuestra
izquierda  el primer momento :  la Anunciación de el
arcángel Gabriel  que se  presenta ante María para
anunciarla que va a ser la madre del Mesias y  a nuestra
derecha el segundo momento  de la Visitación  que 
representa la Visita de María a su prima Isabel que estaba
embarazada de Juan el Bautista.  
    
II. ANÁLISIS.    
           El material es la piedra tallada , destacando los 
pliegues de los ropajes que favorecen el clarooscuro y
la textura rugosa.
               En principio contaba con policromía
     

     En el grupo de la  Anunciación  parece existir dos

autores y dos momentos:   la   Virgen 
se  representa inexpresiva , rígida , de modelado
superficiel con pliegues rectos y angulosos   , con cierta
frontalidad y sin dinamismo y cierto distanciamiento o sin
comunicación con el el ángel, podría corresponder a los
primeros tiempos del gótico. 
  
          En cambio el arcángel  ( del llamado maestro de la
sonrisa ) 
presenta una sonrisa muy expresiva , pliegues con
clarooscuro, encurvamiento, movimiento de los brazos  y
giro para comunicarse.  Esta imagen  podría corresponder 
a una fase manierista del gótico. 
       . 

MARÍA

    El  Grupo de la Visitación  presenta una estética  del

gótico clásico:  
  -  El canon   se estiliza correspondiendo al clásico de
siete  veces  la caberza de Policleto. 
. 
- Pliegues clásicos que dejan ver las rodillas ( recuerdo
técnica paños mojados) 
 - Naturalismo y expresividad  mediante
 ISABEL. 

      Individualización de los rostros:  A la virgen se la

representa joven y  a Isabel mayor tal como describe el
Evangelio de San Lucas y ambas togadas como en la
antigüedad.
        
 Las dos figuras presentan movimiento o contraposto giro
de la cadera, ruptura  de frontalidad, giro de la cabeza,
gesticulación con las manos.  

Actitudes dialogantes. Se vuelven los rostros, se  dirigen

los brazos.    
          El
tratamiento de los pliegues  hace que la luz crea
clarooscuro.
          
III. CONTEXTO, FUNCIÓN, SIGNIFICADO
    
           A
partir del siglo XIII se producen cambios en
occidente, por una parte se recupera poco el poder de la
monarquía, reaparece el comercio y con él   crecimiento
de las ciudades  o burgos cuyos habitantes los burgueses, y
los gremios de artesanos cobran importancia y se quieren
implicar en el gobierno de la ciudad.  
    A este nuevo mundo acuden nuevas ordenes para
predicar  y atraer  a los fieles como los franciscanos y
dominicos  . 
    Por otra parte cambia la mentalidad o los mensajes , la
naturaleza es digna de representación ( influencia de los
franciscanos) y los personajes divinos se humanizan.
     Las   esculturas del periodo románico  eran  rotundas,
y de actitudes estáticas que intentan transmitir al fiel el
temor a la ira de Dios. 
   Sin embargo, en el Gótico, esta concepción cambia
radicalmente. En un mundo urbano conviene atraerse a
los fieles mediante figuras que transmitan sentimientos
que lleguen al corazón : la virgen muestra amor o
ternura por su hijo, a Cristo ya no se le presenta
terrible y justiciero y las figuras son más naturales
dialogan sonrien. Esta nueva concepción estuvo
adelantada ya en  el Pórtico de la Gloria de la catedral de
Santiago
 UTA. Catedral de Naumburg.

  
  La iconografía además del gótico es más variada :
retablos, sillerías de los coros y la escultura funeraria 
expresión de la vanidad, incluso retratos : querer perdurar
su imagen después de la muerte 
           
  La función sigue siendo religiosa, didáctica y
moralizante.      El Grupo transmite un mensaje de la
importancia  del Mesias .
  La escultura en el siglo XIV
avanza por una parte hacia el naturalismo   , adquieren
cada vez más relevancia las imágenes de Vírgenes con
Niño, que se curvan graciosamente y  pliegues
SINUOSOS, como el relicario de Jeanne d´Evreux. 
        Al  final de siglo XIV, tal vez por influencia de la
terrible peste negra,  tendencia hacia el sentimiento y 
dramatismo  que se observa sobre todo en los
sepulcros  Ejemplo  Sepulcro de  de Felipe el Atrevido de
Claus Sluter
  
  Durante el siglo XV existe por una parte  tendencia
hacia lo patético , imágenes más voluminosas , gusto por
los detalles. Son frecuentes los retablos y la escultura
funeraria.
       Esta tendencia es iniciada  por  Claus Sluter : su
gran obra se conoce como el  Pozo de Moisés ( Cartuja
de Dijón, región de Borgoña)  
       
CLAUS SLUTER. El Pozo de Moisés.

  I. IDENTIFICACIÓN
       

Y DESCRIPCIÓN.
   Título :   El  pozo de Moisés
     Autor:    Claus Sluter. Al morir continúa  Claus de
Werve  que realiza entre otras figuras los ángeles .   En la
policromía interviene  el pintor Jean Malouel 
    Material: Piedra caliza
       Fecha: 1396-  1405
        Tipología: Grupo escultórico.
        Tema:  Religioso
    Localización original : Cartuja de Champmol. Dijón     
Estilo :   Gótico internacional.
    
  Laobra fue un encargo del duque de Borgoña Felipe el
Atrevido.                        Este  grupo escultórico  es lo que
se conserva de un gran conjunto que  ocupaba el centro del
claustro  de la Cartuja  y que estaría formado por :
-   Una pila o pozo   en el que el agua manaba de capas
freáticas y que se puede considerar como símbolo de
fuente de la vida o de renovación.  La base hexagonal
según litografía del siglo XIX contaba con distintos
escudos referidos  al duque y a un metro  y medio se
cierra  la pila  con una  especie de cornisa que simbolizaría
el Golgota.
-  Encima de esta base encontramos un pedestal
también hexagonal  ocupado  por patriarcas y profetas
del Antiguo Testamento entre columnillas con capiteles
vegetales  y sobre ellos ángeles que extienden sus alas. :
Moisés, David, ,  , Daniel,  Zacarias, Isasias, Jeremias.
-  
Por último un Calvario  con las figuras de Cristo , las
santas mujeres y algunos apóstoles. del que se conserva
muy poco. Lo más notable es un busto de Jesús.   

        Todas
las estatuas del pilar hexagonal  se asentaban
sobre un suelo de color verde símbolo de la tierra y todas
llevan textos  en cartelas proféticos  referidos a la
pasión y muerte de Cristo.  Cada figura está
individualizada  siendo  retratos naturalistas y contaban
con policromía  de la que aún se conservan restos sobre
todo azules, y dorados. 

Moisés  Se le representa con unos cuernos o rayos y la

barba encrespada   Lleva en una mano las Tablas de la
Ley y  en la otra una  cartela con un texto que dice : "
Por la noche, la multitud de Israel lo matará al hijo de
cordero  .
   David concorona de rey y llevando el arpa en su mano
derecha casi escondida viste túnica de color azul y un
manto dorado.  .   En  la  cartela está escrito un texto de un
salmo : Ellos traspasaran mis manos y mis pies . Ellos
romperán mis huesos..

- Jeremías viste una  manto .  Porta en su mano el  Libro

de las Lamentaciones    y en la cartela  un  texto que tanto
se puede aplicar a Cristo como a María o quien quiera  
empatizar con la Pasión de Cristo ( los monjes
cartujos)   (  Oh todos vosotros que pasais por el camino
mirad  y ved si hay un dolor como el mío)   
 - -  Zacarías lleva túnica  cubierta
con un  abrigo  cubriendo su cabeza con un turbante. En
una mano lleva una pluma y tintero y en la otra  una
cartela  en la que anuncia  que Judas  venderá a Jesús por
treinta monedas de plata.: "Appenderunt mercedem
triginta argenteos meam

"
- Daniel    dirige su mirada a Isaias y parece hablarle pues
tiene la boca ligeramente abierta.  Se cubre con una 
capucha  y  con un manto bordado de oro y forrado de
azul.   En los pies unas sandalias  . La figura de Daniel que
invocando a Dios amansó a los leones ofrece una profecia
" Despues de sesenta y dos semanas morirá".
   - Isaías  se  presenta calvo y sin cubrir se inclina hacia
Daniel como para escuchar llevando bajo el brazo un
libro.  Se ciñe con un cinturón adornado con una bolsa con
seis bellotas.. En su cartela  profetiza como Jesús será
llevado a su sacrificio:   "Se lo llevaron a la muerte como a
un cordero , y como oveja ante el esquilador, que va a
estar en silencio y no abrirá la boca".
  
               II.     ANÁLISIS FORMAL
       El material es la piedra caliza y el procedimiento es la
talla. La sensación que nos dán las esculturas de este
grupo  es de pesadez y  la sensación tactil  es de
rugosidad. 
    Los volúmenes son cerrados aunque se independizan y
liberan del marco arquitectónico.
      Las esculturas estuvieron dotadas de policromía , 
color que aún se conserva en algunas,   colaboró el pintor
Jean Malouel  con el escultor. 
     La luz  contribuye a crear efectos de luces y sombras,
sobre rostros y sobre todo los pliegues .
     El tratamiento de las figuras es una de las grandes
aportaciones del escultor.
         -    Se nos presentan unas esculturas robustas y
rotundas con tendencia al realismo  ya que cada uno de los
profetas presentan rasgos individualizados  que denotan 
una carácter  diferente.
        -    Una de las características  del estilo Sluter son
las vestiduras , esos pliegues grandes , pesados  cortantes y
angulosos. 
   La expresión  . Todas las figuras muestran actitudes  y
rasgos psicológicos   diferentes pero llaman la atención
algunas como 
 Moisés que presenta su cabeza en

contraposto, las cuencas de sus ojos hundidas,   la barba

encrespada  muestra el patetismo de tanta influencia de
este escultor.

 .También  son muy expresivas las esculturas  de Jeremias

e Isaias.  Jeremias con su gran libro  abierto ( de gran
detallismo)  y su gesto  de enfado.   El   profeta Isaias con
una imagen muy naturalista con las arrugas en su frente y
una mirada llena de tristeza  y meditación. Con  ello se ve
el interés por los rasgos psicológicos.     
   
   Es apreciable el gusto por los detalles  que es
característico de la escuela flamenca como la barba en dos
puntas de Moisés , las Tablas de la Ley, su cinturón; el
arpa escondida de David , lor borlones; el libro de
pergamino ahuecado que lleva Jeremias; las arrugas de
Isaias y  su cinturón..       
       La ejecución de los ángeles con una representación
más dulce y suave  parece que corresponde  a Claus de
Werve.                                    
   III. CONTEXTO, FUNCIÓN , SIGNIFICADO.
    La obra de  Sluter se sitúa sobre todo a finales del siglo
XIV.  Después de los terribles años de la peste negra y la
guerra de los cien años Europa empieza a recuperarse y
una prueba de ello es el resurgir del comercio en las
ciudades flamencas y algunas de Italia en las que ya se
anuncia el Renacimiento.  
     El ducado de Borgoña fue un estado medieval entre 
880 y 1482 que pasó por muchos vaivenes
         La región de Borgoña  se encuentra  en la
encrucijada del trayecto de  Flandes al Norte de Italia y
además es una rica  zona agrícola  en la que se celebraban
ferias importantes. 

      La situación
estratégica de Borgoña  llevará a ser objeto de disputa
entre la Corona francesa y los Habsburgos . Los  abuelos
paternos de Carlos I fueron Maximiliano de Habsburgo y
María de Valois última duquesa independiente de Borgoña
, por lo que este condado formó parte de la  herencia 
imperial.
         Uno de los momentos más brillantes correspondió a
los tiempos del duque Felipe el Atrevido hijo del rey de
Francia Juan II " El Bueno"
         Durante su mandato se construyo la Cartuja de
Champmol  destinada a panteón real y en su corte
trabajaron escultores y pintores como Claus Sluter y Jean
Malouel. 
   LA FUNCIÓN es religiosa y el  SIGNIFICADO  es
establecer una vinculación entre el Antiguo Testamento y
el Nuevo Testamento ya que  la pasión y la muerte  de
Jesús había sido profetizada por los grandes patriarcas y
profetas.
    EL AUTOR: Claus Sluter. De origen flamenco,
desarrolla sus trabajos en la corte del duque Felipe el
Atrevido, para él decora la Cartuja de Champmol en 
Dijon ( desde 1385 hasta su muerte  en 1406 
  Claus Sluter fue quien introdujo en la imaginería el
espíritu patético y de angustía  que tuvo gran influencia en
Europa , influencia que llegó tanto a Castilla como a la 
Corona de Aragón.        .
             
Los tres grandes conjuntos de la Cartuja son la portada, el
calvario y la tumba. En la portada se hallan representados
los retratos del duque y la duquesa que son presentados a
la virgen por medio de santos protectores.  La Virgen
muestra unos abultados y redondeados paños.      
  
  
                    

** Retablo de la Cartuja de
Miraflores.
   RETABLO DE LA CARTUJA DE MIRAFLORES.
            
  I.  IDENTIFICACIÓN y DESCRIPCIÓN.
  

  
         El  retablo de la Cartuja de Miraflores  forma 
parte de un espacio que tiene la función  de servir de
panteón de los padres de Isabel  la Católica,   Juan II e
Isabel y  de su hermano el infante Don Alfonso .
 El mecenazgo corresponde pues a los RRCC y en especial
a la Reina ISABEL
   El autor fue   Gil de Siloé  escultor de origen flamenco 
con la ayuda de su taller  y llevada a cabo a finales del
siglo XV entre 1496-1499. 
      Está realizado en madera  policromada  y dorado.
Tiene diferentes calidades del trabajo pues se presentan
figuras carentes de expresividad y movimiento y otras
dotadas de gran dramatismo  y tensión.
       Presenta gran cantidad de figuras con claro HORROR
VACUI. 
            Es novedoso por su estructura  porque
desaparece la tradición disposición en calles y  cuerpos
rectangulares y cuadrados y en su lugar   se organiza
en dos grandes rectángulos en los que el círculo
símbolo de la Eucaristía tiene gran protagonismo. 
                                
             EL gran rectángulo superior    está presidido
por un gran círculo. 
         EL  gran círculo central rodeado  de ángeles está
protagonizado por un crucificado  de gran  gran fuerza
expresiva y dramatismo  que se encuentra flanqueado por
Dios Padre con corona como rey del mundo y el
Espíritu Santo  cuya iconografía es atípica  al ser un
joven coronado.  Sobre la cruz un pelícano , simbolo del
sacrificio  para la salvación   y a los pies  María y San
Juan   . Encontramos pues la Trinidad y una Deesis.
        En el interior del círculo  y separados por el
travesaño de la cruz se representan escenas de la
Pasión: oración en el huerto, la flagelación,  Camino del
Calvario y LLanto por Cristo muerto. 
            En los  ángulos  de este primer rectángulo se
aprecian cuatro círculos  en los que se representa a los
evangelistas como escribientes con sus pupitres ( como
en la puerta del Sarmental )y también con los símbolos
correspondiente al  Tetramorfos
             Próximos a éstos se encuentran los cuatro Padres
de la Iglesia Occidental : San Gregorio, San Agustín,
San  Ambrosio y San Jerónimo , así como San Pedro y
San Pablo como apóstoles de los judíos y de los gentiles
que aluden a la universalidad del mensaje del cristianismo.
           El rectángulo inferior responde más al retablo
convencional al encontrarse dividido en dos cuerpos 
divididos en calles separadas por figuras devocionales
de la Reina ( Catalina de Alejandría, Juan Bautista, María
Magdalena y Santiago el Mayor )  a modo de 
entrecalles..
           En la parte central un tabernáculo del siglo
XVII con un tambor giratorio que cambia de escena según
el año litúrgico.
            En las calles se
representan escenas de la vida de Cristo como la
Anunciación, la Epifanía en la parte superior y la Última
Cena y el Beso de Judas en la inferior.

  
En los extremos  se representan los padres de la reina 
Juan II  protegido por Santiago y su madre Isabel
protegida por Santa Isabel sobre ellos paneles heráldicos.

 COMENTARIO.
           Después de la crisis del siglo XIV con epidemias y
guerras civiles  , en la segunda mitad del siglo XV   se
produce   el despegue económico  de Castilla que servirá
 para su predominio político entre los reinos de España 
que se consuma con el triunfo de Fernando e Isabel , la
conquista de Granada y el descubrimiento de América. 
Ese despertar económico y las relaciones comerciales con 
el  Norte de  Europa  atrae artistas extranjeros como los 
de origen flamenco como Juan Guas, Egas Cuenan o el
propio Gil de Siloé.
             Las obras  principales de Gil de Siloé se
encuentran en la Cartuja de MIraflores : los sepulcros en
alabastro de los padres de la reina Juan II e Isabel de
Portugal de forma estrellada y , el sepulcro  en actitud
orante bajo arcosoleo  del infante Alfonso hermano de
Isabel y este retablo . También realizó la escalera dorada
de la catedral de Burgos.

  Función religiosa por el sentido eucarístico del retablo

pero también propagandística de la vinculación de la
reina y su familia con los santos y protectores de la
Iglesia.§ 
§

   Tumba de Felipe el Atrevido .

   Tiene forma de lecho funerario,  de mármol negro, con
estatua yacente y numerosas esculturas en sus frentes,  de
mármol blanco.  Presenta  una  galería de personajes  de
variadas actitudes y expresiones que  representan la
procesión de los familiares y sirvientes que acompañan al
difunto,, verdaderos retratos de los numerosos miembros
de la corte ducal . 

   De gran influencia son los DOLIENTES o

LLORANTES

** Puerta del Sarmental de la

Catedral de Burgos

                                               
                                                         
I .  IDENTIFICACIÓN y DESCRIPCIÓN

PUERTA DEL SARMENTAL.

CATEDRAL DE BURGOS
( en la fachada meridional de la catedral)
 Cronología:   Siglo XIII  
Promotor: obispo Mauricio   
   Estilo:  Gótico 
 Material: Piedra y talla probablemente estuviera
policromada                     
Descripción iconográfica    
  
En la portada se distingue:
 1.      El tímpano donde  se representa el tema
principal Cristo en Majestad o Pantocrator. La figura
es aún algo hierática , pero por otro lado,  enlaza con el
Beau Dieu de Amiens  ya que   Cristo aparece con el
libro de la Sabiduría en una mano, mientras que con la
otra está bendiciendo presentando  rasgos de serenidad
y cierta humanidad
    Está rodeado  del tetramorfos león, toro, águila,
ángel
        Pero  lo más original del tímpano y de toda la
portada  es la  representación de los evangelistas como
monjes  sentados delante de sus pupitres como en el
scriptorium monacal.   
 Los dos evangelista de la parte superior  se situan
sobre unas ondas  quizá simbolismo de la bóveda
celeste que cobija a Cristo. Uno encima del águila
( Juan) escribe sobre un atril su evangelio y al otro
lado encima del ángel ( Mateo) también escribe sobre
su atril
   En la parte inferior junto al león  Marcos sentado
sobre una banqueta escribe sobre un pupitre y al otro
lado al lado del toro, Lucas 
          Todos tienen un tamaño menor que  Cristo  hecho
que muestra la existencia de  perspectiva jerárquica..
2. En las arquivoltas se representan  ángeles   y
serafines portando cirios adorando al creador en la
primera arquivolta  y en el resto  los 24 ancianos con
instrumentos musicales .
 3 En el dintel se representan los apóstoles sentados con
sus cabezas con nimbos   y  llevando  un libro en sus
manos, cada uno  está cubierto por un doselete de
arquillos lobulados.
          Están tratados de  modo naturalista pues giran el
cuerpo, lleva  cada uno su libro en posición diferente,
dialogan  ., se rompe así la frontalidad y aparece
movimiento y  expresión
4. En el parteluz  San Indalecio sobre peana y con
doselete,  lleva mitra y báculo  símbolos de su función
episcopal . A  él   se le atribuye la fundación de la diócesis
de Burgos. 
5. En las jambas estatuas de fechas posteriores de san
Pedro y san Pablo, en la derecha y de Santiago, Moisés
y Aarón, en la izquierda.
  
  
     II.  ANÁLISIS FORMAL
       La portada se realiza en piedra adaptándose al
marco abocinado de la puerta y con una visión frontal.
  
      Un eje de simetría divide el espacio  y remarca la
importancia de dos figuras : Cristo en majestad del
tímpano y  San Indalecio del parteluz.
   
        La portada presenta rasgos del románico como
cierto  hieratismo  y rigidez del pantocrator , la
adaptación al marco de los símbolos de los
evangelistas , la  perspectiva jerárquica   
    
   Pero también presenta  características del  gótico: el
citado tetramorfos  es más realista ,  están
humanizados los evangelistas  mediante sus actitudes
naturales  de escribanos ,  en los dos de arriba los
pupitres cruzados.       
          En cuanto a los apóstoles si bien los cuerpos son
frontales , cambia la variedad de expresiones de sus
cabezas, la  posición de sus libros,  los rostros están
individualizados, algunos dialogan 

 CONTEXTO. 
            
Tras la victoria de las Navas de Tolosa el mundo cristiano
avanza y se desarrolla. Así Burgos se convierte en un
centro del comercio de la lana desde el sur hasta los
puertos del norte. El crecimiento del comercio y la
burguesía acrecienta el desarrollo de manifestaciones
artísticas como es la construcción de su catedral.
     VALORACIÓN . Se puede ver la nueva mentalidad
una religiosidad más amable , más natural frente a las
escenas románicas que provocaban el miedo ante la ira
al castigo divino. En esta portada vemos a los apóstoles
dialogando
            En cuanto a la evolución de la  escultura esta
obra se sitúa  en la primera etapa  en el llamado gótico
clásico del siglo XIII de marcada influencia francesa.
Los grandes centros fueron Burgos y León.  En la
catedral de Burgos se hace la portada del Sarmental.y la
puerta de la Coronería. 
    
   En la Catedral de León la escultura manifiesta
influencia de Reims. Destaca  la Virgen Blanca del
parteluz ( virgen señalando a Cristo como camino de
Salvación)   de la portada principal  y  en el dintel  el
JUICIO FINAL EN EL QUE  se representa a San
Miguel pesando las almas, a un lado los
bienaventurados y al otro los condenados a punto de ser
arrojjados a calderas hirviendo
 

Estas Virgenes que se incurvan y que muestran amor

hacia su hijo son típicas de finales del siglo XIII y  siglo
XIV.  La Virgen Blanca de León y de Toledo

El Doncel de Sigüenza
         I. 
IDENTIFICACIÓN  y
DESCRIPCIÓN.

 Sepulcro de Don Martín Vázquez de Arce, Doncel de

Sigüenza   
Autor: Probablemente el taller de Sebastián de Almonacid 
 Fecha: Finales del XV
 Tipología: escultura funeraria
  Localización:  Capilla funeraría de la familia Vázquez de
Arce en la Catedral de Sigüenza ( Guadalajara)     
          
 Don Martín Vázquez de Arce perteneciente a una familia
noble que se formó como soldado y caballero en la corte
del Duque del Infantado de Guadalajara murió con tan
solo  26 años, en la guerra  de Granada, tal como comienza
el texto " Vazquez de Arce , caballero de la Orden de
Santiago que mataron los moros" Su aspecto juvenil es el
que la ha dado el nombre de " El Doncel".
                       Su padre se encargo de rescatar el cadáver y
poco después su hermano dedicado a la vida religiosa
encargó  el sepulcro
          Su sepulcro  se encuentra en una capilla en la que en
el centro aparecen en  túmulo exento y yacentes sus
padres 
       II. ANÁLISIS
  Técnica: Esculpido en alabastro
     

 Corresponde a la tipología de sepulcro bajo arcosoleo 

     En la parte superior    del arco  se encuentran pinturas
con escenas de la pasión  de Jesús  y en los laterales
esculturillas de Santiago y San Andrés  protectores de la
familia. Más abajo la  decoración es de grutesco que
enmarca  la lápida funeraria con un texto
  

     .  La sepultura tiene dos partes;  en la parte inferior el

sarcófago y en el centro dos pajes con el escudo de armas
de la familia  y en la parte superior y la más importante  la
escultura novedosa recostada del difunto
          Este está  vestido con armadura  que le cubre brazos
y piernas con fina malla sobre el torso, un puñal en el
cinto ; tiene  cubierta su cabeza con capecete de cuero y
leyendo. En el pecho tiene  una esclavina en la que
sobresale  la cruz de la orden de Santiago.  Bajo su codo
un montón de heno  símbolo de lo efímero de la vida  . A
los pies está un pequeño paje  con un  león símbolo  del
valor y la fuerza en la batalla  . 
       Tiene un fondo ornamental, una lápida y en la parte
superior unas pinturas con escenas de la pasión en el
tímpano
     El tratamiento de la figura es realista y natural , asi
como proporcionado.
       El Doncel que presenta un pelo largo  con un
tratamiento  natural  que contrasta con la rigidez del
cabecete  
           Su expresión está   idealizada con su  rostro juvenil 
con  gesto  melancólico con la cabeza caída  clavando sus
ojos en el libro
       En la obra se produce la   unión  entre  las armas, en
defensa de la fe contra el infiel, y de la lectura, como un
medio para alcanzar la sabiduría. 
 III. CONTEXTO , SIGNIFICADO 
    En una sociedad muy cristiana, la muerte  se convierte
en  un tema importante, sobre todo tras la peste negra de
1348
      
         La muerte como forma de acceso a la otra vida era
una de las grandes preocupaciones de la gente. 
        En la Alta Edad Media, del VIII al XII
aproximadamente, las sepulturas solían estar cerca de
lugares sagrados, pero no en el interior de iglesias o
catedrales.   
        En   la Baja Edad Media, (a partir del XIII hasta el
XV)l cada vez se entierran a personas importantes dentro
de las iglesias. 
Surgen así cada vez más los enterramientos con sepulcros
monumentales esculpidos, también muestra del creciente
individualismo y deseo de perdurar después de la muerte:
los sepulcros tienen varias tipologías : exentos; adosados
al  muro bajo arcosoleo..
       Significado exaltar la muerte heroica , murió 
combatiendo en Granada , pero también muestra  el
ideal humanista de los nuevos tiempos: la lectura y la
meditación sobre la vida que se refleja en la melancolía   y
en el simbolismo del montón de heno sobre lo efímero de
nuestra existencia.
     Durante la última del gótico, el siglo  XV , se renueva
la actividad con púlpitos, sillerias, retablos y sobre todo
sepulcros funerariors como los de Diego de Siloe  de la
Cartuja de Miraflores.  
   Los contactos de Castilla  con el norte de Europa
con Flandes y Borgoña  permiten la influencia de rasgos
más realistas  y la tendencia a pliegues voluminosos 
 Tumba del infante D. Alfonso, hermano de Isabel la
Católica,  de Gil de Siloé. Sepulcro bajo arcosóleo en la
Cartuja de Miraflores ( Burgos)
Simone MARTINI. La Anunciación
     I  IDENTIFICACIÓN  Y DESCRIPCIÓN
 Autor:  SIMONE MARTINI   
  Título:  LA ANUNCIACIÓN 
  Cronología:  1333 
 Estilo:  Italogótico, pintura del  Trecento. Escuela de
Siena   
   Técnica: temple
  Soporte:  tabla
  Ubicación:  Galería. de los Uffizi . Florencia
   Realizada para la capilla de San Ansano de la catedral de
Florencia.

  Descripción iconográfica.      
     La tabla  realizada para un altar presenta estructura
gótica  con arcos apuntados  polilobulados      
Se divide en tres espacios: central enmarcado por delgadas
columnas y cubierto por  tres arcos polilobulados y
laterales con un arco  Cada arco contiene una moldura
circular con medallón  con profetas: Jeremias, Ezequiel ,
Isaias, Daniel , menos el arco central donde no existe
medallón         
       En los arcos  laterales se encuentran los  santos
protectores de la ciudad,   San Ansano y Santa Margarita 
      En el centro  se
desarrolla la escena de la Anunciación    en el  eje de
simetría un jarrón con lirios blancos símbolo de pureza y
virginidad,  en la parte superior una paloma  símbolo
del Espíritu Santo; a la izquierda  el arcángel
Gabriel cuyas vestiduras doradas se asemejan al fondo  , el
oro como símbolo de la luz pura y divina ,   con amplias
alas   presenta una rama de olivo, símbolo de la
paz,  mientras que a nuestra derecha  María sentada en un
trono   gira sorprendida  con gesto humilde y  recatado  la
cabeza mientras entrecierra  la Biblia, con la mano en el
pasaje de  Isaías que predice la venida del Mesías.
       
II. ANÁLISIS   
     Presenta  influencia bizantina:
  ´- fondos dorados  símbolos de la divinidad.
  
    - importancia del dibujo  que delimita con tintas negras
los contornos
  
      -   en el ángel , sobre todo en las alas , y la Virgen
dominan los trazos curvilíneos y sinuosos.
   
     - desproporción de personajes  respecto a arquitectura
      -  Gusto  por lo decorativo  
  
        Pero también tiene   NOVEDADES como :.
  -  Rico cromatismo con colores fuertes como el azul  de
María o el rosáceo del ángel.
   -  Intento de movimiento en los pliegues de la Virgen y
en el manto de Gabriel.
   -  Intento de conseguir la profundidad en el jarrón con
lirios.
 III.  CONTEXTO    y FUNCIÓN  
 El Trecento es un siglo de desarrollo del comercio y
burguesía en algunas ciudades de Italia.   En este siglo
XIII  aparecen dos escuelas diferentes:  Siena y
Florencia.  
          La escuela Sienesa en la que sobresalen   Duccio y 
Simone Martini   se caracteriza por el dibujo y los colores
delicados creando un estilo dulce,   elegante que influirá
en  el llamado estilo italogótico  y sobre todo en el estilo
internacional 
     Función religiosa al ser tabla de altar     
 MAESTÁ DEL AYUNTAMIENTO DE SIENA. .

  
                  
Duccio " Madonna Rucellai" 1285. participa de las
influencia bizantina y de los iconos. Elegancia y
delicadeza .
     Sin embargo el mismo Duccio en " Tres mujeres ante
el Sepulcro "( María Magdalena, María la madre de Cristo
y María Salomé)  que forma parte del reverso del retablo
de la Madona Rucellai  presenta el mismo fondo dorado
de influencia bizantina pero se observa la presencia de un
paisaje  y un cierto sentido del equilibrio compositivo; la
tres mujeres en vertical se corresponde con los montículos
del fondo, mientras que el ángel que tiene composición
triangular se corresponde con la montaña del fondo; la
diagonal de la lápida se equilibra con la diagonal de la
montaña aunque la posición y dibujo de la lápida no
tengan una perspectiva correcta pues parece que va a hacer
resbalar al ángel   Por último las tres mujeres parecen
asustarse por la presencia del ángel elemento de interés
por la expresión.
  

     
           
     
   
    

            

                                                                             

** GIOTTO. La huida a Egipto.

     
                                                  **  LA HUIDA A EGIPTO
     I.  IDENTIFICACIÓN .  
                                                  
 Huida a Egipto . Uno de los episodios de la infancia de
Jesús en el que Jose , y una hierática María  y el niño
protegido en sus brazos caminan hacia Egipto guiados por
un ángel.
Cronología:   1302-1305
 Autor:  Giotto di Bondone
   Técnica:  fresco  
    Estilo: Italogótico.  Trecento
  Ubicación:    Capilla Scrovegni. Padua 

              Después de la visita de los Magos y la inminente

persecución de Herodes  que llevará a  la matanza de
inocentes Jose y María son avisados para que huyan a
Egipto . Este episodio es recogido en el Evangelio de San
Mateo.. 
  
Giotto perteneciente a la escuela florentina del Trecento
introduce novedades pictórica  que se observan en este
cuadro   
1   Los cuerpos con amplias túnicas  tienen volumen o
corporeidad  a lo que contribuyen las diferencias de
tonos   

   2 Intento de crear espacio más real : luz natural,   En este

cuadro se nos muestra un paisaje  rudimentario  y
esquematizado  como las montañas triangulares y
monumentales en las que predomina la roca atenuada por
esquemáticos y sencillos árboles.. Este espacio  sustituye 
los fondos dorados de tradición bizantina    Ademas se
pueden  ver figuras  en escorzo como el ángel 
 3.   Se insinúa el movimiento mediante detalles como la
pata del asno, la mirada de la virgen hacia delante y la
de Jose hacia atrás, el brazo del ángel o  joven  vestideo
de verde. Es un movimiento hacia delante.
 4.  Diversidad de actitudes  y gestos  , la mirada de la
virgen, los muchachos hablando.  son .  Además introduce
los   escorzos      
    
  4  Mantiene ciertos aspectos de influencia bizantina:
rostros ovalados, nimbos dorados, ojos almendrados.
            
  Estas aportaciones o novedades del Giotto abren el 
camino hacia la pintura  del Quattrocento, influyendo en
artistas como Masaccio  e incluso en Miguel Ángel 

          Este fresco , al igual  que los dos de la página

siguiente   se encuentran en  la CAPILLA  SCROVEGNI 
mandada construir por Enrico Scrovegni , algunos dicen
que para expiar los pecados de su parte que fue un
conocido usurero y a quién Dante en la Divina no deja
muy bien.   Aquí se encuentra la obra mejor conservada y 
en la que Giotto llega a la madurez de su estilo después de
sus inicios  en los frescos de San Francisco de Asís.       El
conjunto está formado por 36 pinturas entre las que
destacamos : La Anunciación, María en la huida a Egipto,
El Bautismo de Cristo, La expulsión de los mercaderes del
templo y al lado sacerdotes que le pagan a Judas para la
traición de Jesús, La Última Cena. Frente al Prendimiento
está la Resurrección.    

ARTISTA Y SU OBRA   .   
      En muchas ciudades creció  la burguesía que se
apoderaron del gobierno  y además hay que tener en
cuenta que el gótico tuvo menos desarrollo que en el resto
de Europa por la existencia de vestigios del mundo
clásico.           
           Giotto  como se
observa fue un artista innovador , vivió  gran parte de su
vida en Florencia pero por su fama fue requerido en otras
partes de Italia como Asis y Padua. Recibió influencia
inicial de Cimabue en cuanto al volumen y  es citado
por  Bocaccio  que afirma que  abandona e modo
greco  inicia el modo a la latina  o por Dante que le cita
en la Divina Comedia..  
        Sus principales obras las realiza en  la Iglesia de
Asis y en la Capilla Scrovegni de Padua    
   
  

 ( A LA DERECHA DETALLE DE CRISTO DE

AREZZO DE CIMABUE . Preocupación por el volumen
mediante sombreado y tonos de color).
GIOTTO Resurrección de Lázaro y
Llanto por Cristo muerto.
 Resurrección de Lázaro
  I.
IDENTIFICACIÓN  y DESCRIPCIÓN.                         
Cronología:   1303-1306
 Autor:  Giotto di Bondone
   Técnica:  fresco  
    Estilo: Italogótico.  Trecento
  Ubicación:    Capilla Scrovegni. Padua  
    Tema : religioso

             Se trata de un milagro narrado en el Evangelio de

San Juan. Enterado Jesús de la muerte de su amigo Lázaro
acude a Betania , allí llevaba enterrado en una cueva
cuatro días por lo que su cuerpo olía Jesús realiza el
milagro y manda a Lázaro que salga del sepulcro y   "
salió el muerto , atado de pies y manos con vendas y
envuelto el rostro  en un sudario "  
           En el cuadro Jesús rodeado de sus discípulos, 
Marta y María las hermanas de Lázaro se arrodillan ante
él. Un personaje vestido de verde que parece mostrarse
incrédulo ante lo que está viendo, sus amigos judios. Unos
familiares con la boca tapada sacan el cuerpo con el rostro
blanco y pálido de Lázaro. . A la derecha la lápida en
diagonal se corresponde con la del paisaje.
      
    II.  ANÁLISIS        

  Giotto
perteneciente a la escuela florentina del Trecento
introduce novedades pictórica  que se observan en este
cuadro   
1   Los cuerpos con amplias túnicas  tienen volumen o
corporeidad  a lo que contribuyen las diferencias de
tonos   
   2 Intento de crear espacio más real : luz natural,.. Este
espacio  sustituye  los fondos dorados de tradición
bizantina    Ademas se pueden  ver varias  figuras  en
escorzo como la figura que  coge la lápida para
depositarla en el suelo.

3    Diversidad de actitudes  y gestos para expresar

estados de ánimos.   
     En primer lugar observamos que Cristo y los demás
personajes tienen la misma altura , luego ha desaparecido
la jerarquía románica,  en segundo lugar se observan
diferentes actitudes :  sorpresa, incredulidad ( personaje
que levanta la mano y se toca la barbilla) y de los judios
que presencian lo acontecido;  agradecimiento en las
hermanas de Lázaro, personajes de espalda agachado con
la lápida en intento de escorzo . Por tanto ha desaparecido
el estatismo y rigidez y del románico y se muestran
estados de ánímos individualizados
  4  Mantiene ciertos aspectos de influencia bizantina:
rostros ovalados, nimbos dorados, ojos almendrados.
            
  Estas aportaciones o novedades del Giotto abren el 
camino hacia la pintura  del Quattrocento, influyendo en
artistas como Masaccio  e incluso en Miguel Ángel 
              Llanto o lamento  por Cristo muerto  
            Técnica : pintura al fresco.  
           Dimensiones. 200 x 185 cm 
            Localización. Capilla de los Scrovegni . Padua
           
 ICONOGRAFÍA. Rodean a Jesús yacente colocado a 
nuestra izquierda  , María que sostiene su cabeza, María
Magdalena que sostiene sus manos, otra de las marías
que coge sus pies ,  San Juan en profundo lamento 
echando las manos hacia atrás y otros personajes.
                    El tema se sitúa en un primitivo paisaje
marcado  por la diagonal o sentido oblicuo   del
montículo y por el cielo azul  donde aparecen los ángeles
en escorzo que también lamentan la muerte de Cristo.
        En este cuadro Giotto   

               Dota
a las figuras de volumen o corporeidad mediante el
sombreado  y gradación de tonos.
                Coloca a dos personajes de espaldas para
llamar la atención del espectador sobre el tema
principal.
 Muestra preocupación por el sentido narrativo mediante
la diversidad de gestos, es notable las diferentes actitudes
y gestos ante el dolor por la muerte de Cristo como el de
María que mira fijamente a su hijo 
              La
composición es simple: el eje principal  en horizontal es
el cuerpo de Cristo, alrededor del cual se distribuyen las
demás figuras en forma de círculo.  Todas están
entristecidas .    Fuera de este círculo y con esquema
vertical dos apóstoles cuya verticalidad se continúa en el
árbol y que se muestran algo más serenos con una tristeza
estoica tal vez por la esperanza de la resurrección.

Perspectiva oblícua marcada por la diagonal de la colina

 Mantiene ciertos rasgos de bizantinismo como los rostros
ovalados y los nimbos dorados.
ARTISTA Y SU OBRA       
      En muchas ciudades creció  la burguesía que se
apoderaron del gobierno  y además hay que tener en
cuenta que el gótico tuvo menos desarrollo que en el resto
de Europa por la existencia de vestigios del mundo
clásico.           
          Giotto  como se observa fue un artista innovador ,
vivió  gran parte de su vida en Florencia pero por su fama
fue requerido en otras partes de Italia como Asis y
Padua. Recibió influencia inicial de Cimabue en cuanto
al volumen y  es citado por  Bocaccio  que afirma que 
abandona e modo greco  inicia el modo a la latina  o
por Dante que le cita en la Divina Comedia..  
        Sus principales obras las realiza en  la Iglesia de
Asis y en la Capilla Scrovegni de Padua

VAN EYCK. Políptico del Cordero

Místico
 POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO
       I.   IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN.
Autores.  Hubert Van Eyck que trabajó desde 1422 hasta
1425 o 1426 continuando tras su muerte su hermano Jan
Van Eyck. Según algunos expertos las tablas inferiores 
parecen obra de Hubert más cercanas al gótico
internacional
Fecha: 1422- 1429
Técnica . óleo sobre tabla. 
Formato. 137,7 x 242,3 cm. 
Género: Religioso.
 Estilo :  Primitivos flamencos
Localización: Catedral de San Bavon. Gante.

  Elpromotor fue  el rico burgués y diplomático al

servicio de Felipe el Atrevido de Borgoña Jodocus Vid  y
su esposa, estando el políptico destinado a  su capilla
familiar situada en el deambulatorio de la catedral de
Gante. 
          Este gran políptico está formado por 24 tablas
    El retablo  se empezó  a restaurar en 2010   acabando la primera fase en 2017
restaurando los paneles traseros de las dos puertas. La segunda fase ha concluido en
2019  restaurando los paneles  inferiores : los de la derecha - el de peregrinos y
ermitaños ; la escena central con la Adoración   y los de la izquierda  el de los
caballeros de Cristos  y el de los Jueces justos..    
       
 El tema central  tiene como fuente el Apocalipsis de San
Juan que narra como una multitud de gente se acercan  al
Cordero para adorarle como fuente de sal vación
     Diferenciamos  el políptico con sus tablas cerradas y
abierto.  

                               EL POLÍPTICO ABIERTO

            Se divide en  dos niveles el superior
con menos figuras pero mucho más
grandes y el inferior con muchas más
figuras pero más pequeñas  y más
complejo  que se  atribuye  a Hubert van
Eyck
    
     En  el nivel superior  de izquierda a derecha
   *  Adán  se representa desnudo como autor del
pecado que se tapa con una  hoja   En la parte superior
en grisalla una escena en la que  se encuentran  Caín y
Abel haciendo ofrendas a Dios    
*  ángeles cantores alabando a Dios  luciendo  vestidos
elegantes 
   *  María idealizada y con una bella  melena rubia,  se
encuentra sentada y leyendo un libro representado con
gran detallismo . 
    Está   vestida con manto azul ribeteado de bordado  y
adornada con joyas como la rica corona  sobre su cabeza.

       -
  Dios  padre
sentado sobre su trono  con  una rica  túnica y
manto rojo con tiara y báculo bendiciendo con tres dedos
aludiendo a la Trinidad  mientras en el suelo  se
encuentra una corona como  símbolo del rey del
mundo.
*  Juan Bautista con pelo y barba viste con un manto de
piel como dice la tradición pero se cubre con una capa de
color verde. También lleva un libro que descansa sobre sus
rodillas.
  

*   A la derecha ángeles  músicos que alaban a

Dios tratados   con minuciosidad en tejidos , brocados y
los instrumentos musicales como el arpa.
*  Y en  la última tabla  Eva desnuda que lleva una fruta
como alusión al pecado original. En la parte superior y en
grisalla se representa la muerte de Abel a manos de Caín
                        

     

En la parte inferior del políptico abierto:  

-   En las tablas de la izquierda están representados
jueces y caballeros como San Jorge o el rey de Francia
San Luis  como  símbolos de la justicia y de la fortaleza.
   -   En las tablas de la derecha  en la
primera  ermitaños  como S.  Antonio Abad y al fondo  
María Magdalena con su tarro con ungüentos  y en la
segunda  peregrinos como el enorme San Cristobal  y 
Santiago símbolos de la templanza y prudencia. Ermitaños
y peregrinos eran muy  estimados  en la Edad Media.

          Las
dos tablas centrales presentan el tema  de la
Adoración del  Cordero existiendo un eje de simetría que
parte del pozo , pasando por el cordero y termina en el sol
en cuyo centro se encuentra una paloma, símbolo del
Espíritu Santo . Alrededor del altar  se aprecían como  dos
círculos uno mayor formado por patriarcas, apóstoles  y
santos/as  y otro menor formado por los ángeles
   La iconografiá de  abajo-  arriba  :
1.    Junto al pozo del que surge un vástago  y que
simboliza la fuente de la vida  se encuentran  a nuestra
izquierda  los  patriarcas  como Noé o Moisés, profetas
con sus libros   como símbolos del Antiguo Testamento 
pero también  aparece con túnica blanca y barba
Virgilio  y a nuestra  derecha los 12 apóstoles ( no está
Judas  pero si Pablo cerca del pozo) como  símbolos del
Nuevo  Testamento. Se suman a estos  santos  y
representantes de la iglesia como papas , obispos,
sacerdotes. Esta fuente de la que mana el agua que
redime sería el símbolo también del Bautismo. 
    

  2.  
  Sobre un altar se adora al cordero de cuyo pecho
sale abundante sangre que es recogida en un cáliz,
simboliza el sacrificio de Cristo y también remite a la 
Eucaristía..
  
  Los ángeles,   algunos portan los instrumentos de la
Pasión como la cruz , columna, clavos,.... y otros purifican
el aire mediante incensarios. 

  3. En el fondo se divisan las torres de la ciudad de

Gante, símbolo de la Jerusalén celestial,   y un paisaje
idealizado  con prados y   con árboles frutales. Por  dos
caminos se acercan  hacia el Cordero  aquellos que han
sufrido el martirio con sus palmas  y sus coronas de gloria,
por un lado los santos y  por otro  las santas.( Santa
Úrsula, Santa Bárbara, Santa Inés.....). Se observa
desproporción entre los personajes y el paisaje          
   
EN  EL POLÍPTICO CERRADO
se pueden apreciar tres niveles.
-    En el nivel inferior cuatro figuras  los donantes
orantes  y en grisalla    San Juan Bautista con un
cordero en los brazos  y San Juan Evangelista más
joven y portando un cáliz. La posición de sus cabezas
se contraponen.
  
 -  En el nivel intermedio el tema de la
Anunciación en la que el arcángel Gabriel con cabellos
rubios  y alas  lleva  un ramo de lirios, símbolo de la
pureza   inclina su cabeza y parece saludar ;   mientras
María que viste con larga  capa blanca  parece
sorprenderse  deteniendo su lectura y cruzando  las manos
sobre el pecho  al tiempo que  posa sobre su cabeza  una  
paloma           
 La escena  tiene lugar  en una estancia en la que el
efecto   profundidad se consigue mediante el
estrechamiento de las  paredes  mientras el suelo sube y el
techo desciende. También contribuyen a la profundidad el
mirador que deja ver un cielo azul frío o nórdico y un
paisaje de  una ciudad. Junto a este mirador y con gran 
detallismo una hornacina coronada con gablete gótico
presenta: una toalla, un cuenco para agua y un aguamanil. 
    También se distingue una pequeña ventana en la
tabla de arcos trilobulados  donde se encuentra la
Virgen  y detallismo en las  letras del libro y en los
elementos que se observan en la hornacina donde el
clarooscuro contribuye a la profundidad entre los que se
encuentran libros y un candelabro.

 . - En el nivel superior aparecen a la izquierda  Zacarias

y la sibila Eritrea; y a la derecha la Sibila de  Cumas y el
profeta  Miqueas .  Profetas y pitonisas enlazan 
clasicismo y Antiguo Testamento y llevan letreros en los
que cuentan sus visiones. Esta unión de lo clásico y
Biblico se verá tambien en la Bóveda de la Capilla  Sixtina
de Miguel Ángel
II  ANÁLISIS formal. 
     En el poliptico abierto la parte inferior fue realizada por
Hubert  porque   las figuras son más arcaicas y a veces 
casi miniaturizadas y con escasa sensación de volumen
aproximándose más al gótico internacional. 
           La técnica  es el óleo que emplea aceite como
aglutinante de los pigmentos.  Aunque ya se conocía los
hermanos Van Eyck  la perfeccionaron
       El óleo  permite pintar más despacio pues se seca
más lentamente , realizar  rectificaciones , veladuras
y  conseguir calidades matéricas en vestidos: pieles, telas ,
paños, brocados;  libros, instrumentos musicales.   y un
gran  detallismo en joyas, árboles,   conseguido  utilizando
a veces  pinceles del grosor de un cabello.. Todo esto
implicaba un trabajo minucioso.  
   
       La composición es cerrada siendo el punto de tensión
el eje que ocupa el imponente Dios Padre,  el Espíritu
Santo , el Cordero ( símbolo de Cristo ) y el Pozo.
      
              Tiene
gran importancia el dibujo que delimita  las
formas , los colores

             
 
Los  colores son brillantes y luminosos entre los que
destacan el rojo, el azul y el verde sobre todo en los tres
personajes  de la parte superior. También sobresale el
color dorado de las aureolas recuerdo del bizantinismo, de
los pelos rubios  y castaños  y de los blancos de los
ángeles.         
 Tratamiento de las figuras. La mayor parte de las
figuras están idealizadas como María o Dios Padre,
incluso los prados y los árboles  pero sin embargo Adán y
Eva están tratados con gran naturalismo , desnudos y con
un gran interés por la anatomía y el volumen modelado
con clarooscuro muy visible en las caras , detallismo y
cuidoso interés en los cabellos.  
        

   Tambié
n son realistas  los  donantes que se encuentran
en hornacinas con arcos trilobulados en el que el juego de
luces y sombras las dota de profundidad    
             
  El sentido del espacio   se aprecia en la  escena de la
Anunciación con una perspectiva por una parte clásica
o lineal  y otra introducida mediante el mirador y
ventanas
        .
En las tablas del Cordero el encuadre se realiza  desde
lo alto como a vista de pájaro , no existiendo relación
con el paisaje . 
            
       La iluminación en la parte inferior es bastante
uniforme  parece proceder de lo alto incidiendo
directamente en el cordero.   En la parte
superior atribuida a Jan Van Eyck se observa la
evolución en la introducción de clarooscuro 
modelando y dotando a estas grandes figuras de
volumen
                 
     La expresión es algo hierática en Dios Padre ,  Adán
y Eva están presentados con gran dignidad con una mirada
entristecida  por la pérdida del Paraíso.  La expresion de
los   donantes  es de recogimiento  mostrando los
rasgos ya de la vejez pero no de sumisión  ya que sus
cejas levantadas y enmarcadas y su mirada fija
denotan una fuerte personalidad.       
   III.  CONTEXTO , FUNCIÓN, SIGNIFICADO.
              La pintura de los llamados primitivos
flamencos se desarrolla en una situación económica  de
auge comercial en ciudades como Brujas o Gante y el
consiguiente crecimiento de la clase burguesa. 
         Este grupo social acaba imponiendo sus gustos  por
el confort de las viviendas con retratos individuales y
paisajes  y también un mayor naturalismo en las escenas
religiosas.
      En el caso de este políptico  aparecen los retratos
realistas de los donantes  en actitud orante.  Esto es un
ejemplo del individualismo burgués que quieren perdurar
después de su muerte o en este caso figurar claramente
como promotores pero no anónimos
   SIGNIFICADOS
         El  gran tema  se encuentra en el centro del
retablo cuando la multitud se acerca a adorar al
Cordero simbolo del sacrificio  de Cristo  hecho por el
que se produce la  redención y de la salvación  según la
visión de San Juan en el Apocalipsis en  un pasaje del
capítulo 7  "Después de esto, vi que había una multitud
tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran
gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas.
Permanecían de pie delante del trono y delante del
Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos,
proclamaban en voz alta: La salvación viene de nuestro
Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero".
   
         Pero
 existen otros elementos simbólicos   cuyos
signicados se relacionan también con la  salvación.
-  La presencia de Adán y Eva y del asesinato de Abel
remiten al origen del pecado. 
 -  La presencia de los profetas y de las sibilas del
políptico cerrado aluden al anuncio de la llegada del
Mesias  que  redimirá del pecado. Si por un pecado
muere el hombre por el sacrificio de Jesús el hombre
recobra  su salvación según textos bíblicos y sobre todo
de   San Pablo.
-   Los " Juanes "  también estarían relacionado con el
mundo profético. Juan Bautista  sería considerado
como el último profeta y Juan Evangelista quien en el
Apocalipsis anuncia la segunda  y definitiva venida  de
Cristo en toda su gloria.
-  La  Anunciación claramente remite a los orígenes del
nacimiento de Jesús como Mesias salvador con la
presencia del Espíritu Santo.
-  El pozo o fuente de la vida simbolizaría el Bautismo
que nos " limpia " del pecado original, también  se
puede relacionar con frases bíblicas " quién bebe de
este agua no tendrá sed".
 - El cordero fue siempre en el mundo cristiano el
símbolo del sacrificio de Jesús , su pasión  y muerte. El
profeta Isaías decía  que sería llevado como un cordero
al sacrificio .  Además la Pascua cristiana con el
sacrificio de Jesús enlazaría con la Pascua judía del
sacrificio del cordero con el paso de Dios matando a los
primogénitos egipcios.
- Las alusiones a la Eucaristía  en el cáliz lleno de
sangre  por la que se participa de su muerte 
-  Por último el Cordero , el hijo, está ligado al
Espiritu Santo que se encuentra encima  y éste a Dios
todopoderoso cuya corona simbolizaría su poder como
rey del mundo. De este modo se establece el vínculo
entre la Trinidad. 
 Valoración :   Destacar   las aportaciones de los
artistas flamencos con el óleo y el detallismo e
influencia de este cuadro en pintores como
Ghirlandaio 

AN EYCK. Virgen del Canciller Rolin

I. IDENTIFICACIÓN   Y DESCRIPCIÓN

Autor.  VAN EYCK
Título: VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN
Cronología . Hacia 1434 
 Género : Retrato Pintura con donante.
 Dimensiones . 66 x 62 cm 
  Técnica. óleo sobre tabla
  Estilo. Pintura flamenca
 Mecenas.  Fue un encargo de Rolin  despues ser
nombrado Canciller por el duque de  Borgoña.
 Localización actual : Museo del Louvre.
    
     Tema o descripción iconográfica.
              El donante que parece rezar  a María  y al niño se
encuentra arrodillado pero su cara no indica humildad . Se
encuentra  a la misma altura que la Virgen , hecho que
indica  la vanidad de la nueva clase burguesa.
        En la escena  que transcurre en un interior, con
arcos de medio punto peraltados y al fondo un paisaje  se
muestra  a nuestra derecha un ángel con una corona para la
virgen que tiene sentada al niño sobre su regazo, es decir ,
representa la  tradición de Virgen como trono aunque
ambos estén humanizados ( naturalismo).   
   El   Niño lleva un crucifijo dorado y de rubi ( alusión a
la sangre)  y con la otra mano bendice al canciller.
     El Canciller  que viste elegantemente  con brocados de
oro en las mangas, se encuentra arrodillado sobre un
reclinatorio cubierto por terciopelo azul y con un 
Breviario abierto parece estar rezando o adorando  Pero su
mirada no es de concentración, ni fervor, sino arrogante.
         II. ANÁLISIS FORMAL.
          La técnica se caracteriza por estar realizado al
óleo con barniz que crea brillos y con veladuras.  Los
hermanos Van Eyck recuperan y reutilizan el óleo que
tiene un secado más lento y por tanto permite corregir
errores, conseguir texturas brillantes y superponer
diferentes capas para lograr las veladuras.
        
 En la composición 
-    existe un eje de simetría  marcado por el taraceado que conduce a la isleta, no
obstante es más ancha la parte que ocupa la Virgen y el ángel .  

-   La composición es cerrada, la curvatura de la espalda

del canciller y la de la Virgen más el ángel cierran la
composición.
     -    Las estructuras dominantes   son las verticales 
como la  de los personajes como  de las columnas que
crean cierto estatismo; sin embargo se compensan con
las horizontales del entablamento, con las diagonales del
taraceado y con las líneas curvas de los arcos de medio
punto
   
  -    Existe  desproporción entre tamaño de los
personajes y el  espacio interior,  nos parecen muy
grandes los personajes y llama la atención como ya se ha
dicho la misma altura del donante , que denota vanidad.
    
         La
escena se sitúa en un espacio  en el  que une lo
arquitectónico con  el paisaje.   En la arquitectura están
presentes lar arquerías de medio punto y  algunos
capiteles  en los que aparecen temas del Antiguo 
Testamento, como Adán y Eva , Borrachera de Noé.   Pero
el gran elemento de ubicación del cuadro es el paisaje 
realizado con gran detallismo , más si se tiene en cuenta
que el cuadro mide 66 x 62 cm Este paisaje no obedece a
ninguna ciudad concreta realizada  a partir de las ciudades
visitadas por el pintor
    De
esta forma se produce una separación entre un el
espacio sagrado donde se encuentra la Virgen  y el exterior
profano y más humano marcado por la arquería de medio
punto.  
        La
profundidad se consigue con la perspectiva
geométrica  de la arquitectura que se estrecha,  por
ejemplo las columnas , del taraceado que tiene como
punto de fuga la isleta en el paisaje.
     También el paisaje con la atmósfera algo difuminada
contribuye a crear espacio. 
      
      La
luz parece proceder  de la derecha dando de
pleno en la cara de María creando efectos de 
sombreado y gradaciones lumínicas con las que se crea
unos volúmenes o formas bastantes rotundas tanto en el
donante  como en la  Virgen cuyos pliegues son algo
rígidos  , pero que también resalta el brillo de las joyas o
del taraceado. Otro foco de luz se encuentra en el paisaje.
         
   Dos colores nos llaman la atención el intenso, vivo y
expansivo color rojo de la Virgen y los colores azules
del canciller y el ángel que porta la  corona.
      
   El
ritmo de  la escena  es algo estático y los personajes
están hieráticos menos  el Niño
       La expresión del Canciller casi es arrogante  , fija los
ojos en el niño  no baja la mirada . 
   
 El cuadro presenta el  detallismo tan del gusto
burgués especialmente visible en la corona de la Virgen, la
cruz de Cristo, joyas, vestidos y en el paisaje y que la
técnica del óleo permite conseguir y que se puede observar
en los capiteles historiados, en las joyas, en la arquitectura
de la ciudad 
       III. CONTEXTO, FUNCIÓN, SIGNIFICADO      
       El contexto en el que se desarrolla la pintura de los
artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales
van Eyck es  un ejemplo , es el de una burguesía
consolidada,  que gusta de la decoración de los interiores
mediante tapices, cuadros      
  
  Los gustos de la burguesía por la representación de la
realidad se transmite a la pintura flamenca, de ahí la
importancia de géneros como el retrato o el paisaje, así
como la minuciosidad y gusto por los detalles.. 
           SIGNIFICADO y función     . El cuadro viene a
ser una prueba del orgullo y vanidad alcanzado por los
cortesanos que además gusta de vivir en ambientes y casas
ricas.  
       Siendo un encargo del canciller la función sería
decorativa para disfrute personal
  
    Entre
las obras de Van Eyck destacan el Matrimonio
Arnolfini,  El hombre del turbante rojo y   el
Político del Cordero Místico de San Bavón ejecutado
junto con su hermano Hubert
VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE. 1434-1436                     
  
     

** VAN EYCK. Matrimonio Arnolfini

I .  IDENTIFICACIÓN  Y DESCRIPCIÓN
ICONOGRÁFICA.
VAN EYCK 
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa o
Matrimonio Arnolfini  
Cronología:  1434.Cerca del espejo aparece la fecha y
la firma del autor.
Estilo : Gótico flamenco o primitivos flamencos
 Técnica: óleo 
   Soporte : tabla
     localización actual:   NATIONAL GALLERY      
          Tipología: Retrato. Uno de los primeros que no
es de santos. Junto a él está su esposa Giovanna
Cenami, hija de otro mercader de igual origen
        Formato.  pequeño. 0,840 x 0,570 m, apropiado
para ser colocado en la casa de Arnolfini.   
   
    Se representa el momento del matrimonio Ambos
aparecen en el centro , la mano de Arnolfini sostiene la de
su esposa siendo las manos  el eje de simetría. ( este elemento
constituye el punto de tensión ).     
        La escena tiene lugar en el interior de una vivienda
burguesa representado con detalles: el suelo de madera,
una ventana que se abre a la izquierda, a los pies de la
pareja aparece un perro, los zuecos de madera de él y los
zapatos rojos de ella, : las frutas colocadas en una repisa
debajo de la ventana, el dosel de la cama y en el centro de
la composición una lámpara que cuelga del techo con una
sola vela encendida y, en la pared del fondo, un espejo en
el que se refleja todo el contenido de la habitación, a su
izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco,
encontramos una inscripción en latín, con el siguiente
texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" que afirma la
presencia del pintor en la ceremonia (Jan van Eyck estuvo
aquí, 1434).   
      
        Arnolfini está serio y bien vestido  en color oscuro con
capa y amplio sombrero. Su esposa Giovanna , vestida en
color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre
incita a pensar que se encuentra embarazada . No obstante
se sostiene que tal abultamiento se debe a la forma de la
moda de la época Casi todas las damas retratadas por Van
Eyck o Van der Weyden visten de esta manera. 
II. ANÁLISIS FORMAL.
    Técnica: Óleo sobre tabla    Los hermanos Van Eyck
perfeccionaron la técnica del óleo . El óleo permite
precisión y minuciosidad y usar pinceles del tamaño de un
cabello    .
               Esta minuciosidad se puede observar en los
pelos del perro o en la lámpara. Además, el óleo da al
cuadro colorido, brillo y luz , permite aumentar los
matices mediante sucesivas capas o veladuras
     
LA COMPOSICIÓN es cerrada y simétrica, a un lado y
otro se disponen las dos figuras del cuadro. Dominan los
esquemas  verticales de los esposos que se muestran algo
HIERÁTICOS,, compensados con las diagonales de la
pared y ventana y el círculo del espejo .
  Lacomposición junto con la luz suave crean un ritmo
de serenidad
    Importanciadel dibujo  separando los elementos del
cuadro y colores y definiendo con minuciosidad el
contenido del cuadro, ejemplo el perro y la lámpara    
    COLORES En la gama de colores se observan los
fríos ( verde, azul ) en la mujer y cálidos del hombre ,
rojos del banco, cama y dosel.   
   Enel lado derecho la presencia de colores
complementarios el verde y el rojo se ponen al servicio de
resaltar tanto la figura femenina como la cama. Mediante
la gradación tonal se crea efecto de volumen y luz.
  
 LUZ    En el cuadro existen dos focos de luz . Uno de
ellos está muy claro es  la ventana que  ilumina el fondo ,
el espejo y la lámpara creando sensación de profundidad ,
pero el otro foco se situaría fuera del cuadro ( aunque
estaría representado en el espejo) y es una ventana cuya
tenue luz  da de lleno en la esposa y crea claroscuro en la
cara de Arnolfini. 
  ESPACIO. La ilusión o efecto  del espacio se crea
   -con  la perspectiva experimental ( pavimento, alfeizar
ventana, techo )con varios puntos de fuga 
   - mediante el efecto de luz brillante o matizada que se
desprende de los objetos- consecuencia de la técnica al
óleo-
 - y de la utilización del espejo que crea ilusión de
profundidad ( influencia en Velázquez). En este mismo
espejo aparece la imagen del pintor, que junto con la firma
del cuadro son ejemplos de la importancia social que va
adquiriendo el artista  
       El
cuadro está lleno de  detalles 
y  minuciosidad como  las calidades de los objetos y las
formas: el metal de la lámpara, maderas de muebles,
texturas de la vestimenta, pelos del perro....
  Expresión . 
Las expresiones y actitudes de los esposos
parecen  serias e inexpresivas especialmente la de
Arnolfini.
III.     CONTEXTO, FUNCIÓN, SIGNIFICADO      
   Giovanni Arnolfini fue un rico mercader  , Algunos de
los objetos que figuran el cuadro, aluden a la riqueza del
mercader: vestuario, el mobiliario, la alfombra, la
decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a
la ventana  debido a que su  procedencia del sur de Europa
puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes   
  
          El contexto en el que se desarrolla la pintura de los
artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales
van Eyck es  un ejemplo , es el de una burguesía
consolidada,  que gusta de la decoración de los interiores
mediante tapices, cuadros      
  
                Los gustos de la burguesía por la representación
de la realidad se transmite a la pintura flamenca, de ahí la
importancia de géneros como el retrato o el paisaje, así
como la minuciosidad y gusto por los detalles..  
        SIGNIFICADO    . El cuadro viene a ser un un
certificado de matrimonio En aquella época no se
necesitaba la presencia del sacerdote (lo fue a partir del
Concilio de Trento,), y solo testigos que actuaban como
notarios del hecho   
   Todo el cuadro está lleno de símbolos relacionados
con el matrimonio
   1 Los contrayentes juntan sus manos y el novio
levantaba el brazo para realizar el juramento.
  2 El hecho de ir descalzos (los zuecos están en primer
plano o junto a la cama)  hace referencia al  carácter
sagrado de la ceremonia. 
 Lámpara con  una sola vela encendida, la firma del autor, un rosario, el
espejo, Sta Margarita, detras de las manos una Gárgola

3 La vela encendida de la lámpara,, simboliza también

  

el carácter sagrado de la ceremonia, la luz simboliza la

presencia de Cristo .
  4 Los colores: verde alude a la fertilidad, el rojo lo
hace a la pasión .
   5.   La talla que se encuentra en la borla sobre el
cabecero de la cama podría ser santa Margarita,
patrona de los partos, o santa Marta, patrona del
hogar.
  6  Detrás de las manos de la pareja aparece una
gárgola.

 
Algunos autores consideran que este elemento es básico
   

para comprender el significado del cuadro: un exorcismo

mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la
pareja: la falta de descendencia.
  7. El perro es una alusión evidente a la idea de
fidelidad y muestra un gran detallismo.
   8   El espejo circular, junto al que se encuentra un
rosario , en cuyo marco están diez de las catorce
estaciones del Vía crucis, muestra la escena de la
habitación desde una perspectiva inversa. Se puede ver
la parte trasera de la pareja, así como a otras dos
personas,  los testigos de la ceremonia           
     El espejo contendría de esta forma el elemento
esencial para entender correctamente la escena: hay un
enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los
cuales podría ser el propio pintor.  
             Este  matrimonio no resultó como se esperaba,
pues los Arnolfini nunca tuvieron hijos y el
comerciante fue llevado ante los tribunales por una
amante
** VAN DER WEYDEN.. El
Descendimiento

I.  IDENTIFICACIÓN  y DESCRIPCIÓN

ROGER VAN DER WEYDEN

"  El descendimiento"   ´´
Técnica: Oleo sobre tabla
   Cronología: hacia 1435.
     Tema : religioso
   Dimensiones.  220 x 262 cm
   Localización actual:  Museo del Prado 
   
         La obra fue encargada por el gremio de los
ballesteros de Lovaina para ser expuesta en su capilla.
                   La escena recoge el momento en que Cristo ,
después  de morir  es bajado de la cruz  .
             Se  distingue a la Virgen desmayada , al
evangelista Juan,  Jose de Arimatea,  Nicodemo,  María  la
de Joset  y María Magdalena a la derecha.

 II. ANÁLISIS
          .     
 La composición es simétrica con un eje central formado
por la cruz, José de Arimatea y el joven que descuelga el
cuerpo de Jesús  
            Es
una composición cerrada, cierran la
composición como en forma de paréntesis por un lado
de rojo San Juan y por el otro María Magdalena cuyo
vestido algo escotado haría  alusión a su condición de
pecadora.
               Se repiten  actitudes en las dos figuras que están
junto a Cristo ( una de las tres Marías y Nicodemo con la
cabeza girada hacia el lado derecho  - nuestra
izquierda ) y las dos diagonales de Cristo y la Virgen pero
con contrastes, una desnuda y otra vestida, una color frío y
otro cálido, una desmayada y con el brazo caído y otro
muerto con la misma posición del brazo.   
         
   Sobre un fondo dorado, típico del  gótico se destacan
las figuras de color vivo ( rojo de Juan , azul intenso de la
Virgen realizado a partir de lapislázuli) .  Si os fijáis el
color rojo aparece distribuido  por todo el cuadro.

    Tratamiento de las figuras.  Se caracterizan por

tener  gran volumen casi como esculturas como se
observa bien en algunos cuellos   y en los rostros  con
contraste entre luz y sombreado  
    Presenta características de la
pintura flamenca   con gran riqueza en el tratamiento de
vestidos cuyas texturas permiten diferenciar sedas ,
terciopelos y  detallismo  como el cinturón con
inscripciones de María Magdalena, la túnica de Nicodemo
o la sobrepelliza   
  
    Una de las grandes aportaciones de este cuadro es la
expresividad  para representar el  dolor :  angustía,
pena , llanto, desmayo de la Virgen

 Elrico fondo dorado

hace que nos centremos en las figuras protagonistas del
drama y prácticamente no existe marco espacial .    No
obstante existe un pequeño paisaje con plantas
pequeñas, un hueso y una calavera junto a la mano de
la Virgen que haría alusión al Gólgota " lugar de
calaveras" 
                          
   
       III CONTEXTO.

 En los  Países  Bajos
importancia de la burguesía por   las actividades
comerciales y financieras que les convierte en clientes.
Sus gustos influyen en el arte: importancia del retrato
e interés por todo lo que rodea al hombre que se
manifiesta en el detallismo y en la minusiosidad en la
representación de objetos. En el caso de este cuadro se
observa  este gusto en la indumentaria.
   Significado. Redención mediante la muerte y
posterior resurrección de Cristo . 
 Valoración. El cuadro es un ejemplo de manifestación
de la expresividad del dolor humano. y  fue uno de los
preferidos de Felipe II.
   A diferencia de otros pintores son figuras de canones
naturales y sin embargo no concede como otros
maestros importancia ni al paisaje ni a
la  profundidad.
                           
Van der Weyden. Retrato de mujer joven. 1420
                                            
** EL BOSCO. El Jardín de las
Delicias
 I.  IDENTIFICACIÓN  y DESCRIPCIÓN.
 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS 
Autor:  EL BOSCO ( Hieronimus von Aeken) 
fecha. 1510-1515 
Estilo:    Pintura flamenca.
Técnica: óleo sobre tabla
 Dimensiones:  220 cm alto x 195 cm tabla central  y 96,5
cm tablas laterales. 
 Localización  Museo del Prado
      
Descripción iconográfica.
   El tríptico trata de la progresión del pecado.y de su
castigo . Abierto , en la tabla derecha la Creación de Adán
y Eva y el origen del pecado, en el panel central un mundo
de placeres y lujuria y por último en el panel izquierdo el
castigo en el infierno.
     PANEL PARAISO. Aparecen Dios muy joven , Adán
y Eva y muy cerca una especie de estanque del que surgen
extraños  animales, la Fuente de la Vida y dentro de ella
una lechuza ,que en la Antigüedad representaba la
sabiduría ( se asociaba con Atenea) pero en la Edad Media
era símbolo del mal , el Árbol de la vida ( drago canario )
y el Árbol del Bien y del Mal (con la serpiente enroscada).
            En  el Paraíso ya empieza el mal : animales que
se devoran, ; el elefante blanco ( la inocencia) montado
por un mono ( símbolo de la lujuria) ; un toro ( símbolo de
la pasión) amenaza o empieza a acosar a un unicornio
( símbolo de la pureza) , a la derecha perro con dos patas,
jabali furioso; las roca de la izquierda se parece a la cara
de un hombre o es la cara del diablo
  
  EN EL PANEL CENTRAL    
      La  escena se ordena en tres niveles en altura:    
1 La parte superior aparece organizada en torno a la
Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso Terrenal. A cada
río le corresponde una construcción inestable.  En su
interior una pareja se manosea y otro enseña el trasero.
  También aparecen acróbatas .Durante la Edad Media
estos personajes, junto a los juglares, son un claro
referente de la sexualidad y por ello frecuentemente son
condenados por la iglesia. En uno de los lados se observa
a un ciervo que ha cazado a un hombre   ( el mundo al
revés)
   2 En su parte central se desarrolla la cabalgata del
deseo: jínetes cabalgan a lomos de diferentes animales
(osos, toros , ,grifos , cabras , leones,...) que dan vuelta
alrededor de un estanque ( la fuente del amor o de
Venus) , en ese estanque se bañan mujeres que casi todas
llevan algo sobre sus cabezas a modo de
sombrero: garzas, pavo real…., , en espera de un
encuentro que se adivina carnal.       Un hombre parece no
resistir la tentación y se lanza al agua siendo recibido por
una muchacha

 
3  En la parte inferior se aprecian todo
tipo de relaciones carnales : heterosexuales ;
alusiones a la homosexualidad, el onanismo, , al
adulterio (el marido engañado que lleva a sus espaldas a
los amantes dentro de un mejillón)  o según otros dentro
del mejillón se esconde una relación homosexual..   
         Aparecen plantas y frutas relacionadas con el placer:
madroños, fresas, moras, ….. Frutos carnosos que
rápidamente caducan , efimeros al igual que los placeres.
           Abundan también pájaros como grullas vinculados
al igual que los frutos con Afrodita, símbolos de la lujuria,
algunos de estos pájaros enormes alimentan del fruto
deseado a hombrecillos. ( el mundo al revés)  
     También son perceptibles como pompas o burbujas
en las que suele aparecer una pareja clara referencia a 
una pasión que es efímera. 
              En las dos esquinas inferiores del jardín hay dos
escenas .          Un grupo de la parte inferior señala a la
tabla del Paraiso donde está Eva protagonista de la
tentación.  
        En la otra esquina, Adán y Eva en una cueva.
Adán señala a Eva.. El dedo acusador de Adán (mirando
al espectador) responsabiliza a la mujer   
         
 En este panel se puede observar elementos del
mundo al revés o acumulación de absurdos ( suelen
aparecer en los sueños) como el exagerado tamaño de
pájaros , peces….. Así podemos  ver  un gigantesco
pájaro  que alimenta a hombrecillos, ciervo sobre un
hombre muerto , una liebre que parece haber cazado a un
hombre en el panel del infierno.
  
 EN EL INFIERNO Se exponen los castigos de los
pecados la lujuria, avaricia, soberbia, afición al juego,
sensualidad de la música y las costumbres y vicios de los
clérigos.    El conjunto se ordena en varios niveles. La
parte superior aparece el infierno de incendios y fuego
       EN LA ZONA MEDIA DEL INFIERNO  
DESTACAN
            -  En la parte superior las orejas y el cuchillo. 
   Se  interpretan las orejas cortadas como un símbolo del
castigo  que sufren por castigos menores ( orejas,
manos... ) y la M correspondería a una marca de cuchillo
fabricada en Bulaque la ciudad natal de El Bosco. 
  Otros interpretan el cuchillo entre dos
enormes orejas: simbolismo del sexo erecto?
    - El hombre árbol    Sobre la cabeza lleva un plato que
sirve de pista para unos patinadores desnudos que acaban
cayendo al quebrarse el hielo. ; el contraste entre el frío y
el calor es uno de los suplicios del infierno.
   - El cuerpo muestra una taberna en la que se juega y
hay prostitutas, el cuerpo está sostenido por dos troncos
apoyados en barcas en una especie de mar de aguas
pestilentes.
    - Por último la cara para algunos es un
autorretrato , para otros su situación en la parte
central del infierno podría indicar que se trata de
Lucifer.
  EN LA ZONA INFERIOR   

       1
EL INFIERNO MUSICAL, se observa enormes
instrumentos de música como arpa, laud, órgano de
manivela que en el infierno se transforman en
INSTRUMENTOS DE TORTURA: así un condenado está
crucificado en un arpa, , otro sodomizado por una flauta, u
otro llevando su instrumento como la cruz a cuestas, otro
lleva en el trasero escrita una partitura-  Tal vez se esté
condenando la música profana que promueve los
encuentros anteriores a la lujuria.
    2. EL CASTIGO DE LOS AVAROS . Se observa una
extraña bestia que devora a los hombres que defeca en un
agujero  A este agujero  van cayendo monedas desde el
ano de un personaje en actitud de defecar. 
  3. LA   SOBERBIA  Un diablo abraza a una mujer cuyo
rostro se refleja en las nalgas de un extraño monstruo. Las
nalgas hacen de espejo Para la tradición medieval el
espejo es un instrumento favorito del diablo» ("El
espejo es el verdadero culo del diablo"). 
   4. Condena del juego, aparecen naipes, dados  y el
backgammon y una puñalada trapera. 

  5  EN TODO EL PANEL APARECE LA CRÍTICA DE

LAS faltas y costumbres de los clérigos  Monjes leyendo
breviarios y monstruos monaguillos que tocan campanas
cuyo badajo ha sido cambiado por hombres. 
    6.   En la zona inferior izquierda ( nuestra derecha) ,
aparece un cerdo con una toca y una pluma de escribir
besando a un hombre.
      - Unos mantienen la idea que es la toca de una monja 
y haría alusión a la venta de indulgencia , estando a su
espalda un hombre vestido de color salmón y con un sapo
símbolo del mal
           - Otros defienden que la toca era habitual entre las
mujeres y  se trata de " forzar " a vender al hombre para
que se quede  alguien   con  sus bienes.  Situación habitual
en la época.
          
   
    ANÁLISIS FORMAL. 
           En todo el cuadro es importante la línea , la 
minuciosidad para realizar figuras pequeñas y los
detalles   
      Los colores están supeditados a la temática:    
      -  en el Paraiso predominan  los tonos amarillos y
verdes     
     -   En la tabla central se mantienen estos colores  y la
luz que procede de los cuerpos blancos  y desnudos  que
así se resaltan del resto , se introduce  color rojo  como
símbolo de la pasión   
     -  En el infierno   el negro  y el rojo son los colores
dominantes   
.   
  Significado: para algún crítico el cuadro supondría una
exaltación de los placeres , pero parece más lógico el
sentido de presentar los vicios de la sociedad y su castigo
por tanto  una función moral.   
       El cuadro fue uno de los favoritos de Felipe II y hoy
se encuentra en el Museo del Prado
   Otras obras de El Bosco son El carro de Heno y los
Pecados capitales esta última también adquirida por Felipe
II.
  
 Los pecados capitales  1485. Museo del Prado
          Detalle de la Gula

EL BOSCO. El carro de heno.

    I . IDENTIFICACIÓN
Y DESCRIPCIÓN.
     El carro de heno 
   Fecha. 1500-1516.
   Formato.   135 x 100 cm. 
      Técnica.  óleo sobre tabla.
        Estilo.  Escuela flamenca.
    Localización actual .  Museo del Prado.
    
    El tríptico cerrado muestra a un peregrino que en su
camino por la vida se va apartando de las tentaciones
como la avaricia y la lujuria. 
    El  tríptico abierto muestra como los pecados del
hombre le  conducen  al infierno.     
    
                    La tabla derecha  ( nuestra
izquierda)    muestra la creación del mundo en el que ya
está presente el origen del pecado ( la soberbia)
representada por los ángeles caídos que se transforman en
sapos , insectos y  criaturas extrañas y tres imágenes de
Adán y Eva: la creación de Eva de la costilla de Adán, la
tentación y la expulsión del Paraíso  en la que un ángel
empuña una espada  mientras Adán y Eva  intentan cubrir
su desnudez tomando conciencia del pecado.

       En
la tabla central  se representa al  carro  en el que
la multitud sin diferencia de clases se afanan por coger
algo de heno y que corresponde a una  alegoría  de origen bíblico
alusiva a lo efímero y perecedero de las cosas de este
mundo.  Un   versículo de Isaías dice : “Toda carne es
como el heno y todo esplendor como la flor de los campos.
El heno se seca, la flor se cae”.
                  
 En la parte superior una pareja humilde se
besan (alusión a la lujuria) , delante de ellos otra pareja de
clase noble se cortejan con la música ( simbolizando el
amor cortesano)  mientras que son observados por otro
personaje.   Recordad que la música y los juglares durante
la Edad Media se asociaban con lo carnal
     A la derecha un demonio azul con nariz de trompa  y
con cola de pavo real parece disfrutar de la melodía y de
los rituales amorosos profanos. . Este diablo se contrapone
al ángel que mira a  Dios en actitud de rezar pidiendo  la
intercesión divina  por la  humanidad. .
            El
simbolismo de la lechuza que se encuentra encima
del diablo parece relacionarse con el pecado  y no con la
sabiduría como ocurría en la Antigüedad  y 
posteriormente en el Renacimiento como símbolo  de
Atenea.
           En la parte superior y entre las nubes Cristo
resucitado  contempla lo que ocurre y muestra las heridas
de sus Pasión.

En el centro  mientras las clases bajas se afanan por subir 

por una escalera al carro a coger su porción de
heno recurriendo si es preciso al asesinato
( degollamiento) o a la pelea ( ver a las dos mujeres
enfrentadas)  , la nobleza y el clero, representados por el
rey de Francia, el emperador y el Papa,  cabalgan con  el 
heno ya conseguido.                                                                                                       
 Guiando al carro  extraños seres entre hombre  y animal
que lo conducen  al infierno . Entre estos   un saltamontes
con cabeza de mujer, un hombre pez, un hombre con
cabeza de ciervo, uno con cabeza de pájaro , un grillo con
pies de hombre.
       En la parte inferior se representa un falso mendigo
con un niño , crítica de la farsa para conseguir dinero; a un
grupo de mujeres con niños  una de ellas limpia el culito a
uno de ellos   y tienen detrás un asador en el que se
observa una sardina pero también muy cerca una enorme
rata; a la derecha un grupo de monjas: una ofrece heno a
un joven probablemente a cambio de favores, otro grupo
llena el saco de heno alusión a la avaricia mientras son
vigiladas por una abadesa gorda símbolo de la gula que
parece estar bebiendo.
   La tabla de la izquierda ( nuestra derecha)  muestra el
infierno, el destino de los  pecadores, con castigos acordes
a sus faltas y recuerda al Jardín de las Delicias
     Se observa la llegada
de los primeros pecadores del carro de heno,  a unos
diablos construyendo una torre , tal vez alusión a la  Torre
de Babel para poder " albergar " eternamente a los que
están llegando y  por último  las torturas que se realizan y
que les esperan como la del hombre montado sobre una
vaca que es atravesado por una lanza o debajo el que es
devorado por unos perros.
          Desde el punto de vista formal
 es importante la línea y el detallismo  casí de miniatura
gracias al empleo de la técnica del óleo.
        III. CONTEXTO , SIGNIFICADO
     En los  Países  Bajos   crece la importancia de la
burguesía por   las actividades comerciales y  financieras
que les lleva a convertirles en clientes.
       Sus gustos influyen el arte: importancia del retrato e
interés por todo lo que le rodea que  se manifiesta en el
detallismo,  y en la minuciosidad  en la representación de
las cosas y objetos. En este cuadro existe una precisión
por las figuras que a veces parecen miniaturas.
       
       El autor perteneció y se implicó en una cofradía que
criticaba los abusos del clero como la simonía, la
prevaricación o la lujuría.
  
  Significado: Se representarían de forma satírica los
vicios de la sociedad incluido al Papa y clero  y por
tanto una función moral al igual que el Jardín de las
Delicias. El hombre ha de hacer un largo viaje , como el
peregrino, para conseguir su salvación. 
  Valoración. La obra de El Bosco  es más estimada por
sus contenidos que por sus innovaciones técnicas y
formales.  Su contenido satírico, moral y caricaturesco de
la sociedad de su tiempo han influido en escuelas
posteriores como los Brueghel  incluso en  Miró.
      PeterBrueghel      Combate de Don Carnal y Doña
Cuaresma.  1559.
             Con un estilo miniaturista herencia del Bosco,
Peter Brueghel representa una escena de carácter popular 
que le sirve también como  pretexto moralizante.
  A la izquierda aparecen los seguidores  de Don 
Carnal representado por un  redondo personaje montado
sobre un barril de cerveza que parece portar como arma
una lanza que tiene ensartada un cochinillo, pertenecen a 
su séquito los jugadores de naipes, o de dados, músicos, 
cantantes, danzantes. en resumen  los amantes  de la vida
alegre cercanos a una posada-

 Don Carnal es parado por Doña Cuaresma simbolizada

por  una escuálida mujer ( símbolo de la abstinenciaa ) 
que lleva una pala con dos arenques, subida en un carro 
con algunas tortas  que es tirado por un fraile y una monja 
, esta mujer es seguida por personajes que representan la
vida recta: los que trabajan , los que salen de la iglesia, los
que dan limosna.
        Don Carnal será vencido por Doña Cuaresma en el
tiempo de penitencia de miércoles de ceniza a
Resurrección pero el Domingo de Resurrección volverá de
nuevo  la lucha entre Don Carnal y Doña Cuaresma
I. IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN.
Título . Paso de la laguna Estigia.o Caronte
atravesando la Laguna Estigia.
 Autor.  Joachim  Patinir (  1480-1524 )
  Cronología: 1519-1524.
  Técnica . Óleo sobre tabla.
   Estilo. Escuela flamenca.
    Formato: 64 cm de alto y 103 cm de ancho cada
tabla.  El cuadro está formado por dos tablas de roble
unidas por espigas cilíndricas internas.
   Localización actual: Museo del Prado.

         Esta obra junto con otras del autor como las

tentaciones de San Antonio formaron parte de las
colecciones privadas de Felipe II. 

     En esta  cuadro   se percibe la gran aportación de

Patinir en el arte flamenco la importancia concedida al
paisaje que parece el auténtico protagonista de la tabla
( árboles, ríos, animales, cielo, rocas). La línea del
horizonte se mantiene alta concediendo así más
protagonismo a la tierra y a la laguna . 
 El gran tema  es  la preocupación en aquellos tiempos
como también se muestra en la obra de El Bosco  por la
muerte y la  elección del hombre entre el difícil camino
de la salvación y el fácil que conduce a la condenación. 
    

  En el centro de la laguna Caronte,  semidesnudo y con

aspecto de hombre mayor y barba , lleva en su barca  un
alma que ya ha elegido el camino más fácil : el de  la
condenación
     A nuestra derecha se representa el  Averno o Hades 
protegido por un monstruo de tres cabezas,  Cancerbero
, que impedía que una vez  se entrara en el Infierno se
pudiera escapar.
      En una torre cilíndrica los condenados son sometidos a
tortura y en el fondo  se percibe el fuego eterno del
Infierno que nos recuerda a la obra de El  Bosco,    

   A nuestra izquierda en cambio  se encuentran  un ángel

que indica el camino sinuoso y complicado de la
salvación   mientras que otros ángeles caminan con otras
almas  hacia una torre transparente
        De esta forma   se unen dos fuentes :
-  la  mitología grecorromana mediante la presencia de
Caronte que transportaba  el alma a cambio de un óbolo
que se colocaba en el muerto  a través de la Laguna
Estigia, gran cauce de agua que separaba los campos
Elíseos y el Hades.
-   la fuente cristiana con  la presencia de los ángeles    
que sustituye a la mitológica de los Campos Elíseos  . 
Este camino de la salvación es  más intrincado y difícil y
en el que el coral  o el gladiolo  de la orilla hacen
referencia al ejemplo de Jesús : su pasión y su
muerte. En este lado  se representan la fuente de la vida
mediante los ríos y tal vez una alusión a la Jerusalén
celestial en  edificio transparente o de cristal . 
      

     II.  ANÁLISIS
                        
En la composición se distingue tres zonas el  centro con
la gran laguna , a nuestra izquierda el Paraiso y a nuestra
derecha  el Averno. 
En la tabla tiene gran importancia el dibujo  y la
            

línea para marcar los contornos  de figuras y objetos. Cabe

señalar como se remarca la línea del horizonte para
separar cielo y agua.   A nuestra izquierda el dibujo marca
el perfil de las colinas, de las rocas del primer plano, los
troncos de los árboles... ; a nuestra derecha  se dibuja  el
perfil circular de la torre, el tronco de los árboles, el perfil
de los pájaros, monstruos. 
Las capas de color utilizadas no son gruesas según las
     

radiografías y entre los colores   destacan el azul claro y el

azul algo más oscuro del lapislázuli, la gama de colores
verdes algunas veces  mezclados con amarillo, a estos hay
que unir marrones y plateados, grises, negros y los rojos
de los fuegos infernales.
        
 La gradación entre zonas con luz en el Paraiso
              

como en la Torre de Cristal y zonas oscuras en el Averno

confieren al cuadro una sensación de equilibrio.  Se
puede percibir la existencia de zonas más iluminadas en el
primer plano, en el horizonte y la torre de cristal y de
menos luz en el paisaje del fondo del  Paraíso y  sobre
todo en el infierno  con toques de luminosidad en el rojo
de las llamas. 
         El ritmo es estático no existe efecto de movimiento.
    

III. CONTEXTO , SIGNIFICADO
 

     En los  Países  Bajos   crece la importancia de la

burguesía por   las actividades comerciales y  financieras
que les lleva a convertirles en clientes. Este es el caso de
Amberes ciudad en la que se estableció el pintor que
estaba especializada en artículos de lujo entre ellos la 
pintura. 
       
Sus gustos influyen el arte: importancia del retrato e
       

interés por todo lo que le rodea que  se manifiesta en el

detallismo,  y en la minuciosidad  en la representación de
las cosas y objetos. En este cuadro existe una precisión
por las figuras
  
Significados  
 Por una parte en estos tiempos anteriores a la Reforma se
   

observa la preocupación del hombre por la salvación y el

significado moral entre lo difícil de elegir el bien y lo fácil
que es el camino del pecado y de él al Infierno.
     Otro gran significado es la aportación del pintor en
convertir el paisaje en protagonista del cuadro.

  Otras obras de Patinir son : las tentaciones de San

  

Antonio abad,  Descanso en la huida a Egipto, Paisaje con

San Jerónimo.   
  

T entaciones de San  Antonio 1520-1524

GERARD DAVID. La Virgen y el
Niño de la sopa de leche

    I. IDENTIFICACIÓN y DESCRIPCIÓN

 Título.  La Virgen y el Niño de la Sopa de Leche
 Autor. Gerard David (1460-1523)
 Cronología.  Hacia 1520
 Dimensiones: 39 x 25 cm.
 Estilo: Pintura flamenca.
Localización :  Reales Museos de Bellas Artes de Bruselas
            Parece que las dos versiones iniciales de este tema 
a partir de las que se hicieron diferentes copias o  réplicas  
debido a la amplia demanda fueron La Madonna con el
niño   de Aurora Trust de Nueva York ( que se muestra al
final de la página)  en la que el niño lleva una rama de
cerezas y esta de los  Reales Museos de Bellas  Artes de
Bruselas. 
    

ICONOGRAFÍA.
   

        Este cuadro de género religioso se nos presenta

como  tema doméstico y maternal  una  mujer  da de
comer una modesta sopa de pan a su hijo sentado sobre
sus rodillas y  que sostiene una cuchara de madera en la
mano en una vivienda  en la que  a través de la  ventana  se
observa el exterior ( el cuadro dentro del cuadro )  en el
que se realizan  actividades cotidiana..
       El autor flamenco siguiendo los ejemplos de la pintura
de la escuela rodea el tema de detalles:
- Un bodegón  con el plato , un panecillo, la manzana ,
cuchillo, cuchara
-Los muebles del fondo  sobre una repisa una jarra, un
jarrón con flores  y  sobre otro mueble un libro de
oraciones y un cesto de mimbre..
 El Niño    mira  a la cuchara con una sonrisa algo triste.
       El ambiente es intimista.
  II. ANÁLISIS
                La técnica es el óleo que permite ejecutar el
cuadro con mayor lentitud, rectificaciones , detallismo y
las veladuras
             
            La composición es abierta ya que por ejemplo la
jarra de  la izquierda ,  el cesto y la ventana de la derecha
están incompletos.    
          
             Existen dos puntos de tensión que llaman a 
nuestra mirada uno es la cuchara  a la que mira el Niño
y otro el cuenco al que dirige sus ojos la Virgen
            
        El  eje de simetría  pasaría por el marco, la cuchara 
y por la muñeca del brazo  de la Virgen y el pie del Niño .
    

       Esquema compositivo :   Básicamente  lo
    

configura el triángulo rectángulo formado por el lado

izquierdo del  cuerpo de la Virgen;  otro lado básicamente
sería  la mesa  y cerrando el triángulo  el lado que va del
brazo del Niño hasta la cabeza de su madre. Es por tanto
un esquema  sólido y estático como la solidez con la que
la madre sostiene a su hijo que  se acentúa con las líneas
verticales de la ventana y se  contrarresta con la forma
curva de la manzana y del cuenco.             
              El dibujo tiene una gran importancia perfila las
figuras como la de María  y los detalles como el cuchillo,
el pan, la tabla  ,  el pan, los muebles
  
         La luz natural procede la izquierda incidiendo en el
rostro de la madre, en el Niño , en el cuenco , en el libro
usado,  en  las flores , en el cesto 
   
   La luz contribuye con el clarooscuro a modelar el
          

volumen de las figuras.         

    

  En el Niño y en el pelo de María  se percibe cierto

   

sfumatto lo que indicaría la influencia o conocimiento de

la pintura italiana.
  
 En el  cuadro reina una atmósfera algo fría,sobre
          

todo en el fondo.
    

Llama nuestra atención  como en otros cuadros del

            

pintor el color azul  de la Virgen que se contrarresta con

los calidos del cuerpo del niño , del pan, los colores
sonrosados de sus mejillas y el rojo  que rodea la
muñeca del vestido de María..
                      
  El espacio o
profundidad se logra con los tonos fríos del fondo de la
habitación y la oscuridad y sombra reinante debajo del
mueble. Pero sobre  todo el efecto profundidad  se
encuentra en la ventana que amplia el horizonte.con
los colores azules y plateados  Además  la estructura del
marco de la ventana , del árbol y de los caminos crean  una
perspectiva clásica.

  
 Tratamiento de las figuras.
La Virgen que cubre su cabeza con transparente velo  se
encuentra algo idealizada por su belleza , su timidez, , su
vestido y dedos delgados de su mano derecha   que nos
hacen recordar a las manos  en algunas obras de  Leonardo

 .
El Niño parece  menos idealizado , viste una humilde
camisa también transparente , es robusto y fuerte e incluso
algo desproporcionado en relación con la madre.
   
Como es característica de la pintura flamenca
importancia  en  los detalles como los elementos del
bodegón presentes en  la mesa  : el cuchillo, el pan , la
manzana, el cuenco; la perfección del cesto con su
urdimbre de mimbre, el libro que no se puede cerrar por su
uso  o el detallismo del animal que bebe agua en el río
( detalle de miniaturista.).
Expresión. La Expresión de la Madre es algo 
            

reconcentrada en su labor de coger la cuchara  y de ternura

en la manera de ceñir el cuerpo de su hijo pero algo triste
también tal vez porque ese hijo al que alimenta como
cualquier madre  será sacrificado en la cruz.  . Sin
embargo la expresión del Niño es  también de
ensimismamiento , parece que su mirada va más allá de la
cuchara-
                                               

III. CONTEXTO, FUNCIÓN

 

        La pintura de los llamados primitivos flamencos se

desarrolla en un contexto económico de auge comercial en
ciudades como Brujas , Amberes o  Gante  , comercio que
se relacionaba con Italia o con España en el caso de la
lana. Recordamos como España exportaba lana e
importaba de los Países Bajos tejidos. Este crecimiento
económico conllevó el  de las ciudades  , de la clase
burguesa y de talleres de artistas que tenían una amplia
demanda.

   Este grupo social  de la burguesía  pone de moda  sus

      

gustos  por el confort de las viviendas con retratos

individuales y paisajes  y también un mayor naturalismo
en las escenas religiosas .  
 EL AUTOR GERARD DAVID  fue uno de los últimos
  

maestros de la escuela de Brujas  una vez desaparecido

Hans Menling.  combinando en su pintura el sentido del
espacio del gran maestro Van Eyck o el refinamiento de
Menling.  Debió tener un taller  con  ayudantes  y a partir
de dos Madonas  y el Niño con la sopa de leche realizó
varias copias que se difundieron por toda Europa.

          FUNCIÓN.  Religiosa. Pero se trata de cuadros

de  pequeño formato que se colgaban en las viviendas
como pinturas  de devoción  en  las que el comprador 
sentía empatía por la vida de la familia sagrada: una
familia humilde  en la que como en todas la madre
alimenta a su hijo y  le ciñe con gran ternura su
talle. Pero también se  pueden ver simbolismos :
la manzana aludiendo al pecado  original  y los 
símbolos eucarísticos como el pan o la jarra que se
encuentra en la repisa.             
 Virgen de la sopa de Leche  de 1515 que se localiza en
la colección Aurora Trush de Nueva York
             Las principales diferencias son:
-  El Niño está desnudo no coge una cuchara sino una
rama de cerezo.
-  En la repisa de la izquierda se encuentra solo  la jarra
-  En el mueble de la derecha  ; el  jarrón con flores  y el
cesto que parece contener ropa
 -  En el paisaje no se percibe ninguna actividad
  

                                                     
. 

      

Descanso en la Huida a Egipto. 1510. National

Gallery.   De nuevo el color azul en vestido con el la
toque de rojo .  Enmarcado en un paisaje  y gusto por
detalles, el asno, la cesta   y probablemente San José
vareando para obtener algún fruto
 .                       , 
.